La venus de Lespugne

ARTE PALEOLÍTICO

ARTE RUPESTRE

Se encuentra en profundas cuevas: santuarios

Técnicas: pintura, relieve (con barro), grabado (a veces se confunde con arañazos de osos)

La pintura se realiza con pigmentos minerales (ocre rojo, tierras) o animales (sangre) con aglutinantes como huevo o grasa.

Pintan con pincel de pelos de animales, con los dedos, con tampón, etc.

Mezclan las diferentes técnicas y motivos

Habitualmente parecen solo figuras de animales.

La representación es realista, muestra bien los detalles anatómicos de los animales.

La pintura es polícroma, normalmente utiliza diversos colores

Suelen utilizar el relieve de las cuevas para producir un efecto de volumen

En ocasiones solo se destaca el perfil de las figuras

Solamente en una ocasión se reconoce una figura medio humana

También aparecen representaciones de manos, a veces parcialmente mutiladas

ARTE MUEBLE O MOBILIAR

Está formado por objetos que se pueden transportar.

Utiliza el modelado (en barro), el relieve, y el grabado (con incisiones)

Se realiza sobre marfil, huesos de animales o placas de piedra.

En objetos de uso cotidiano: arpones, espátulas etc o en objetos de especial significación.

Los temas son animales o geométricos

Las venus “Perigordienses“ parece que representen a “diosas” de la fecundidad femenina

Son de pequeño tamaño, realizadas en piedra o marfil.

La venus de Willendorf

Arte neolítico

El arte neolítico es el conjunto de manifestaciones artísticas ligado al periodo Neolítico de la prehistoria. Pero entender su pintura, escultura y arquitectura hay que conocer el contexto cultural en el que tuvieron lugar y los avances técnicos que los propiciaron.

Aunque la amplísima extensión de las sociedades neolíticas en varios contenientes implica que el arte neolítico de cada región tuvo sus propias particularidades y cronologías, se han extrapolado algunos rasgos generales característicos.

Pintura del Neolítico

La pintura del Neolítico suele compararse con la del arte paleolítico y definirse por aquello que las diferencia:

La figura humana gana importancia sobre la de los animales.

Estas figuras se vuelven más estilizadas y próximas al simbolismo en vez de naturalistas.

Se organizan múltiples elementos para la representación de escenas.

Aparecen más elementos de la naturaleza asociados a la fertilidad.

Características del Neolítico y el Mesolítico son las pinturas rupestres con escenas de caza esquematizadas encontradas en el levante de la Península Ibérica. Más información sobre las características de estas pinturas en el artículo: Arte levantino.

Escultura del Neolítico

Durante el Neolítico resurge un interés por las estatuillas que había practicamente desaparecido durante el arte mesolítico. A las técnicas y materiales ya conocidos para su producción, como la talla de piedra, hay que añadir el modelado de arcilla.

Dominan las figuras femeninas, algunas de ellas embarazas o con atributos animalísticos, posibles representaciones de la diosa madre. Estatuillas y relieves decorados con lineas onduladas o en zig-zag que se cree pueda a haber sido una manera de intentar favorecer las buenas cosechas. Es palpable la importancia de la fertilidad para estas sociedades neolíticas, su interés por la tierra y los fenómenos naturales que afectan a la agricultura.

Arquitectura del Neolítico

Uno de los elementos más característicos del arte neolítico son los monumentos megalíticos. Se trata de grandes construcciones de piedra que han sido clasificadas según sus elementos y organización en varios tipos.

Se barajan varias teorías sobre su significado o función, desde la posibilidad de tratarse de observatorios para hacer mediciones astronómicas (la orienta ción y organización de algunas de ellas coincide perfectamente con los

solsticios de verano o invierno) o un uso funerario pues bajo varios de estos monumentos se han encontrado tumbas protegidas por túmulos de tierra y piedras.

También se han encontrado tumbas en forma de cistas o cuevas artificiales con galerías y una cámara sepulcral con los restos humanos en las que se empleó la mampostería para levantar cúpulas falsas.

Cerámica del Neolítico

La cerámica supuso toda una revolución tecnológica permitiendo la fabricación de recipientes en los que almacenar el agua y la comida y dando a los pueblos neolíticos una mayor independencia de los puntos de agua y caza.

Las muestras de cerámica encontradas indican que el nacimiento de la alfarería estuvo intimamente ligado a la cestería. Inicialmente se empleaba para impermeabilizar los recipientes de miembro con barro secado al sol o cocido al fuego. El paso siguiente fue utilizar primero un esqueleto sencillo de mimbre para modelar la arcilla y posteriormente el esqueleto desaparece y se modelan a mano (aún no se conoce el torno).

Una vez que se desarrolla la cerámica, también comienza su decoración. Pese a tratarse de recipientes y vasijas de formas sencillas y funcionales, los tipos son variados y se decoran con motivos y figuras geométricas simples como líneas (ya sean rectas u onduladas), triángulos, espirales, círculos, etc.

Arte mesopotámica

Como esta civilización estaba fundamentada sobre un sistema político teocrático -dependiente de los sacerdotes- y absoluto, las manifestaciones artísticas respondían a los intereses del Estado y el culto religioso, lo que no limitó su originalidad y valor artístico.

Arquitectura

Todos los pueblos que poblaron Mesopotamia construyeron, a orillas de los ríos Tigris y Éufrates, grandes ciudades que eran centros políticos y religiosos. Las principales fueron Ur, Babilonia, Assur y Nínive.

Los templos y edificios se hacían de miles de ladrillos y adobes. Para recubrir las paredes empleaban azulejos que les daban un gran colorido. También eran comunes las figuras de toros alados.

Los templos tenían base cuadrangular, sobre la que se construían torres escalonadas, como pirámides, llamadas zigurat, cuyo objetivo era invitar a las divinidades a descender y residir entre ellos. Por ello, en la cima se encontraba el santuario del dios, que por lo general se dividía en dos cámaras. En una estaba el altar, y en otra, la mesa de sacrificios. A estas

instalaciones solo podían acceder los sacerdotes, para llevar diariamente las ofrendas. Los zigurats o torres más importantes son los de las ciudades de Babilonia, Ur, Eridú, Kish y Uruk.

Las paredes internas de los templos solían adornarse con mosaicos pintados en colores vivos, a manera de murales.

Escultura

El culto religioso estimuló el desarrollo de la escultura sumeria. Las figuras de piedra, principalmente masculinas, suelen estar de pie o sentadas, con las manos cruzadas en actitud de oración. Desnudos de la cintura para arriba, llevan una falda con adornos en forma de pétalos superpuestos. De cabello largo y barbas muy pobladas, fácilmente reconocibles porque terminan en un corte recto.

Las esculturas más conocidas son la treintena del gobernador de Lagash, Gudea, y de un patesi o príncipe sacerdote de la ciudad (de alrededor del 2200 a.C.). Son de piedra labrada y dan una impresión de serena autoridad.

PINTURA

Son muy pocos los ejemplos conservados de pintura mesopotámica. La policromía de estatuas y relieves se ha perdido en su mayor parte; mientras que los frescos no son tan abundantes como en la pintura egipcia y sólo aparecen excepcionalmente (palacio de Zimri-Lim en Mari -siglo XVIII a. C.-, palacio de recreo de Tiglatpileser III en Til Barsip -siglo VIII a. C.-)

El mosaico y la taracea, técnicas de gran durabilidad, sí tienen algunos ejemplos significativos en el arte mueble, como las espectaculares piezas halladas en las tumbas reales de Ur (estandarte de Ur, arpas de Ur, juego real de Ur -III milenio a. C.-)

El ladrillo vitrificado fue utilizado con criterios decorativos en ciertas construcciones, incluso en algunos casos se le moldeaba en relieve para formar figuras (puerta de Ishtar de Babilonia, siglo VI a. C.)

Arte románico

CARACTERÍSTICASARQUITECTURA ESCULTURA Y PINTURA

Arco de medio punto.

En la iglesia románica se narraba la Biblia en imágenes esculpidas en los pórticos de la entrada y en los capiteles de los claustros.

Bóveda, primero de madera y más tarde de piedra.

Contrafuertes en los muros para sujetar las bóvedas.

Pilar más ancho.

Planta en forma de cruz latina.La paredes y las bóvedas se decoraban con pinturas que representaban escenas de la vida de Cristo y de los Santos. También se representaban animales fantásticos y escenas de guerra o de la vida cotidiana que nos permiten conocer la mentalidad y costumbres de la época.

Una o varias naves.

Ábsides semicirculares para rematar las naves.

Crucero.Separaba las naves donde estaban los fieles del coro.

Girola.Pasaba por detrás del Altar Mayor.

Cripta. Algunas iglesias guardaban allí las reliquias de los santos.

Campanario.

 

ARTE griega  

El Arte Griego marca un referente para la civilización occidental que perdurará hasta nuestros días. Los modelos griegos de la antigüedad son tenidos como clásicos y los cánones escultóricos y los estilos arquitectónicos han sido recreados una y otra vez a lo largo de la historia de Occidente.

PINTURA

Para hablar de la pintura griega es necesario hacer referencia a la cerámica, ya que precisamente en la decoración de ánforas, platos y vasijas,cuya comercialización era un negocio muy productivo en la antigua Grecia, fue donde pudo desarrollarse este arte.

Al comienzo los diseños eran elementales formas geométricas -de ahí la denominación de geométrico que recibe este primer período ( siglos IX y VIII a. C. )- que apenas se destacaban sobre la superficie.

Edipo interrogado por la EsfingeÁnfora ática, decorada con Heracles y el toro Minos

Aquiles y Ayax jugando a los dados

Copa Ática decorada con AtletasCorredores durante los Juegos Panatenaicos

Crátera con una escena de preparación de un espectaculo teatral

Con el correr del tiempo, éstas se fueron enriqueciendo progresivamente hasta cobrar volumen. Aparecieron, entonces, los primeros dibujos de plantas y animales enmarcados por guardas denominadas "meandros". En un próximo paso, ya en el período arcaico ( siglos VII y VI a. C. ), se incluyó la figura humana, de un grafismo muy estilizado. En medio de las nuevas tendencias naturalistas, ésta cobró mayor importancia al servicio de la representaciones mitológicas.

Las escenas se organizaron en franjas horizontales paralelas que permitían su lectura girando la pieza de cerámica. Con el reemplazo del punzón por el pincel los trazados se volvieron más exactos y detallistas. Las piezas de cerámica pintadas comienzan a experimentar una notable decadencia durante el clasicismo (siglos IV y V a. C.) para resurgir triunfantes en el período helenístico (siglo III), totalmente renovadas, plenas de color y ricamente decoradas.

ESCULTURA

Las primeras esculturas griegas (siglo IX a. C.) fueron pequeñas figuras humanas hechas en materiales muy maleables tales como la arcilla, el marfil o la cera. No fue hasta el período arcaico (siglos VII y VI a. C.)que los griegos comenzaron a trabajar la piedra. Los motivos más comunes de las primeras obras eran sencillas estatuas de muchachos (kouros) y muchachas (korés). De formas lisas y redondeadas, estas figuras plasmaban en la piedra una belleza ideal.

Estas figuras guardaban una gran similitud con las esculturas egipcias que habían servido de modelo. Con la llegada del clasicismo ( siglos V y IV a. C. ), la estatuaria griega fue tomando un carácter propio y abandonó definitivamente los primitivos patrones orientales. Gracias al estudio de las proporciones se pudo copiar fielmente la anatomía humana y los rostros ganaron definitivamente en expresividad y realismo.

Se introdujo el concepto de "contrapposto", posición por la cual la escultura se apoyaba totalmente sobre una pierna, dejando la otra libre, y el principio del dinamismo cobró forma en las representaciones de atletas en plena acción. Algunos de los grandes artistas del clasicismo fueron Policleto, Mirón, Praxíteles y Fidias, aunque tampoco se puede dejar de mencionar a Lisipo, que intentando plasmar las verdaderas facciones del rostro, logró los primeros retratos.

Durante el período helenístico (siglo III a. C.) se enfatizaron y sofisticaron las formas heredadas del clasicismo. Así, producto de esta recepción, surgieron obras de inigualable monumentalidad y belleza, como "Elcoloso de Rodas", de treinta y dos metros de altura. Cabe aclarar, que tanto por su función religiosa como decorativa, la escultura se hallaba estrechamente ligada a la arquitectura. Así lo evidencian los trabajos estatuarios de las fachadas, columnas e interior de los templos.

ARQUITECTURA

El templo fue, sin lugar a dudas, uno de los legados más importantes de la arquitectura griega a occidente. Era de una forma bastante simple: una sala rectangular a la que se accedía a través de un pequeño pórtico(pronaos) y cuatro columnas que sostenían un techo bastante similar al actual tejado a dos aguas. En los comienzos éste fue el esquema que marcó los cánones.

Del perfeccionamiento de esta forma básica se configuró el templo griego tal y como hoy lo conocemos. En sus comienzos, los materiales utilizados eran el adobe para los muros y la madera para las columnas. Pero a partir del siglo VII a.C. (período arcaico), éstos fueron reemplazados por la piedra, lo que permitió el agregado de una nueva hilera de columnas en el exterior (peristilo), y con lo que la construcción ganó en monumentalidad.

Entonces surgieron los primeros órdenes arquitectónicos: el "dórico", al sur, en las costas del Peloponeso y el "jónico", al este. Los templos dóricos eran más bien bajos y macizos. Las gruesas columnas carecían de base y el fuste era acanalado. El capitel, muy simple, terminaba

en una moldura llamada equino. Las columnas sostenían un entablamiento (sistema de cornisas) compuesto por un arquitrabe (zona inferior) y un frisode tríglifos (decoración acanalada) y metopas.

Arte gótico

El estilo gótico surge en "L'Ille de France", región de París, a mediados del siglo XII, como consecuencia del interés, por parte de muchos constructores, de sustituir el arco de medio punto por el ojival y con ello dotar a los edificios de más altura y luminosidad. Contribuiría a su expansión por Europa la orden del Cister, convirtiéndose a partir del siglo XIII y hasta el XVI, en un estilo eminentemente urbano (catedrales, ayuntamientos, palacios, castillos, lonjas e incluso casas particulares).

Características más importantes del arte gótico:

Arquitectura

* Arco ojival o apuntado, presente en la bóveda, puertas y ventanas. * La bóveda de crucería, que cierra y corona el edificio. * Pilares esbeltos con columnas adosadas, que actúan como soportes de los arcos, los cuales a su vez sostienen la bóveda. * El arbotante o segmento de arco exterior, que transmite al contrafuerte el empuje de la bóveda. * Grandes ventanales adornados con rica tracería y polícromas vidrieras, que contribuyen al encanto y luminosidad del edificio.

Escultura. Originaria también de Francia, a mediados del XII y hasta el XVI.

* Características más sobresalientes: naturalismo, humanización de la divinidad y exposición ordenada y clara en las composiciones. * Los materiales preferidos: mármol en Italia, la piedra, la madera (para sillería de coro, retablos e imágenes), y el marfil. * Los temas son fundamentalmente religiosos (vida de Jesús, de la Virgen, y de los Santos). * Los elementos decorativos se inspiran en la naturaleza local: animales y plantas propios de cada lugar.

Se utiliza como complemento de la arquitectura. Aparece en los portadas y fachadas de las catedrales, claustros, capillas, retablos, sillerías de coro, sepulcros. En los capiteles la decoración es fundamentalmente vegetal. También se desarrolla la escultura exenta, sobre todo de carácter religioso.

Pintura

En las catedrales góticas, las paredes se cubrían con vidrieras en los grandes ventanales determinando la paulatina desaparición de la pintura mural en Europa, permaneciendo sólo en Italia.

El renacimiento

El Renacimiento es el movimiento cultural y artístico que tiene lugar en la Europa de los siglos XV y XVI. Los hombres que lo protagonizaron querían hacer resurgir la cultura clásica de griegos y romanos, de ahí el término Renacimiento. Su origen data del siglo XIV en Italia, que se encontraba dividida en varios estados independientes.

Los hombres del Renacimiento crearon un nuevo arte, una nueva mentalidad totalmente opuesta a la medieval. Este pensamiento hará resurgir las diferentes ramas del conocimiento; la sociedad se transformará lentamente en laica, en contraposición al medievo donde la catolización de la vida del hombre hizo que la Iglesia fuera muy poderosa. Ahora existe una evolución hacia el Antropocentrismo (el hombre es el centro de atención, visión expresad en el Humanismo) en desmedro del Teocentrismo medieval. (Ver:Renacimiento: Origen y desarrollo)

Las artes en el Renacimiento

En efecto, el manejo de la perspectiva, la utilización del óleo, la conversión del cuadro en objeto de deleite individual que engendró a los coleccionistas y la ayuda generosa de los mecenas, contribuyeron al mayor auge de la pintura. Leonardo, Miguel Ángel y Rafael son las cumbres entre los miles que se destacan. Giorgione, Tiziano, Fra Angélico, Piero de la Francesca son algunos de los italianos. Los flamencos Juan y Humberto Van Eyck no desmerecen al lado de los nombrados.

El Humanismo se dirigió más al intelecto que a los sentidos, pero no por esto dejó de influir también en las artes. La Iglesia siguió siendo el principal mecenas de las artes para colocarlas al servicio de la comunicación y formación cristiana de las masas analfabetas. Por esto, la Virgen, Cristo y los Santos se mantuvieron como temas preponderantes de la pintura y escultura.

Pero el nuevo espíritu, con su sentido sensual de la belleza y su admiración por el desnudo humano, impuso algunos temas paganos y llevó las artes hacia una posición secular: Apolo rivalizó con San Sebastián; Afrodita, las Musas y las Gracias disputaron su reinado a la Virgen María.

Los artistas captan con su fina sensibilidad el aprecio por la juventud; ellos mismos viven y aceptan los valores que exaltan el triunfo y rechazan el fracaso; por eso evitan en sus cuadros la representación de la vejez, la enfermedad y la muerte.

La Escultura

En la época del Quattrocento (siglo XV), el primer escultor fue Ghiberti que gana el concurso organizado para la decoración de las puertas de bronce del Baptisterio de Florencia. La decoración de las puertas es su gran obra: en la primera esculpe diversas escenas de la vida de Cristo. En la segunda representa temas del Antiguo Testamento. El segundo escultor importante esDonatello; su obra deja un completo estudio y exaltación del hombre; destacan San Jorge, San Juan Bautista y el David Joven.

Hacia el período del Cinquecento (siglo XVI), la gran figura de la escultura es Miguel Ángel, quien además de escultor fue pintor y arquitecto. Su primera obra fue La Pietá. Le siguen los incomparables David y Moisés. Además de este genio universal, sobresale Benvenuto Cellini y su Perseo en bronce.

La Pintura

Florencia se destaca por la calidad y abundancia de pintores. La figura es Fra Angélico, artista esencialmente religioso, con temas marianos notables como: La Coronación de la Virgen y laAnunciación. Figura central de la escuela florentina es Sandro Boticelli, pintor de la fábula pagana, de la mitología y el desnudo femenino, dentro de un temperamento nervioso que se traduce en sus dibujos. Entre sus obras destacan: Nacimiento de Venus, Primavera, La Calumnia.

En el Cinquecento destaca Leonardo da Vinci, poeta, arquitecto, ingeniero e inventor. Su pintura máxima es La Última Cena y La Gioconda, además de La Virgen de las Rocas, El Encuentro de la Virgen, Santa Ana, El Niño y San Juan Niño. Sobresale además Rafael y su Sueño del Caballero ySan Jorge con el Dragón.

La Arquitectura

Su gran representante fue Filippo Brunelleschi, quien construyó la cúpula de la Catedral de Florencia. En el Cinquecento destaca la construcción de La Basílica de San Pedro del Vaticano.

Arte del barroco

"Nacimiento de Venus"

EN LA PINTURA barroca se aprecia una tendencia espectacular hacia lo decorativo, un abandono de las reglas de la estética clásica, una búsqueda de originalidad a toda costa, un predominio de la fantasía sobre la fiel representación de la realidad, una exploración minuciosa de la sicología humana y un gusto desmesurado por la ampulosidad.

Tradicionalmente, se denomina "Barroco" al período de transcurre desde 1600 a 1750.

La especial actitud estilista que caracteriza al arte barroco alcanzó su momento de madurez en Italia hacia 1630 y se desarrolló en los cuarenta años siguientes.

A partir de este momento se difundió por todas las naciones de Europa, adquiriendo particular importancia en España y en las ciudades hispanoamericanas.

El arte barroco jugó un papel importante en los conflictos religiosos de este periodo. Frente a la tendencia protestante a construir los edificios para el culto de una manera sobria y sin decoración, la iglesia católica usará para sus fines litúrgicos la grandiosidad y la complejidad barrocas. En este sentido, se puede afirmar que el barroco es la expresión estética de la Contrarreforma.

 Clasicismo

Características generales

Cuidadas composiciones: basadas en formas geométricas (triángulos cuadrados) o simétricas.

Uso de la perspectiva de una forma más natural: menos geométrica, buscando la profundidad a través del uso de las luces y las sombras y los paisajes.

Representación del cuerpo humano idealizado según los cánones clásico y especial interés por representarlo en movimiento.

Poco a poco el color se maneja de una forma más suelta y va ganando importancia sobre el dibujo.

Técnicas: Grandes composiciones al fresco y también pintura al óleo sobre tela.

Temas: Pintura religiosa, temas inspirados en la antigüedad clásica (mitología) y retratos.

Maestros del clasicismo

Leonardo da Vinci. Última cena. Refectorio de Santa María de la Gracia, Milán

El impresionismo

El impresionismo en la pintura partió del desacuerdo de algunos artistas con los temas clásicos y con las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes. Esta fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales del Salón parisino.

Los impresionistas, en cambio, eligieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Uno de sus primeros objetivos fue captar una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. La luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra.

Eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, utilizando para ello los colores primarios como el cyan, el magenta y amarillo. Además aplicaron los colores complementarios como el naranja, el verde y el violeta. Con esa técnica lograron dar una ilusión de realidad, aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y logrando gran brillo en sus pinturas.

Édouard Manet, considerado el primer Impresionista, aseguraba que utilizando colores fuertes y contrastados, se podían obtener sutiles representaciones de luz por la yuxtaposición de colores. Los representantes principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pisarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley.

RomanticIsmo

Hasta el momento presente el objetivo del arte ha sido la belleza, pero ésta es sólo una pequeña parte de lo que el hombre puede imitar.

Características del arte romántico. Si en la Ilustración brillaba la luz, en el Romanticismo nos abruman las tinieblas. Bajo el nombre de "Romanticismo" se esconde un grito desgarrador de libertad. Después de la caída de Napoleón, el Romanticismo, es una vía de escape para las jóvenes generaciones que aspiran a encarnar los principios revolucionarios.

El Romanticismo puede entenderse como la "primera vanguardia en la Historia del Arte", se inaugura la entrada en una nueva época, la nuestra:

El arte deja de regirse por la doctrina del Clasicismo.

El objetivo principal del arte no es la belleza, sino la expresión y sentimientos que pueden abrir horizontes mucho más amplios.

Emerge un deseo de que aparezca lo nuevo, insólito, oculto, reprimido, en una palabra, lo sublime, lo que está más allá del límite. Esta ansiedad provoca mucho más placer estético que la belleza.

Prima la subjetividad en detrimento de lo objetivo. Por medio del arte se intenta expresar el mundo interior del artista, aunque para ello haya que recurrir a mundos oscuros, penumbras o sueños.

Cobra importancia el tema de la magnitud. Se siente el mundo como algo inabarcable a lo que el hombre es incapaz de llegar. Esto genera un sentimiento de inferioridad y una angustia ante las fuerzas incontrolables de la Naturaleza.

Impera la Historia Nacional. En el Romanticismo se alza el orgullo de las lenguas locales, las raíces profundas de los pueblos natales. Se buscan los orígenes remotos de lo primigenio.

Amor a la Edad Media y sus valores: ruralización, feudalismo y por lo general, todo aquello que rechazaba el racionalismo ilustrado.

Hay una vivencia profunda de la religión.

Se impone el gusto por lo exótico. Se valora lo distinto, de ahí que la mirada se fije profundamente en mundos orientales.

Cubismo

Características del cubismo

Se preocupa primordialmente por la expresión del movimiento y no tanto del tiempo.

Pretende representar(al mismo tiempo) todas las formas posibles de ver una figura.

Procura capturar la cuarta dimensión, que está en la mente humana: la del movimiento, por lo que, el espectador está casi obligado a recorrer con su mirada todo el cuadro para “armar” la figura.

Descompone las formas y figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas; el objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado.

Describe una naturaleza muerta por medio de una monocromía definida por claro-obscuros, sombras

No recurre a las perspectivas.

Expresionismo

El expresionismo tiene un fuerte carácter político y social. Eso no quita para que esté revestido de un punto místico, ya que los artistas se afanan, sobre todo y especialmente por dar forma a los tormentos del espíritu humano. El surrealismo, retomará esta tendencia, pero la llevará a otra dimensión menos distorsionada. El expresionismo, de forma muy resumida se caracteriza por:

Uso del color extremo que adquiere carácter simbólico.

Las formas naturales desaparecen y son sustituidas por geometrías, trazos y elementos irreconocibles. Se da, así, un paso hacia la abstracción.

Cobra preponderancia el mundo de los sueños y los mitos como camino para reconocerse íntimamente y poder plasmar ese conocimiento en la obra de arte.

Son los estados subjetivos los que importan.

Todos los creadores del movimiento tienen una fe ciega en el poder de la palabra y en el arte como motor de cambio.

A pesar de ello, el pesimismo, el caos y el inconformismo se adivinan en todas las obras.

Su centro está en Alemania, aunque artistas como Egon Schiele en Viena o, incluso, Modigliani, italiano afincado en París, son encuadrados como expresionistas por la crítica.

Arte vanguardista – neoclasicismo

Vanguardia: Tiene su origen en la Edad Media y se referia a una lucha, un combate o un enfrentamiento.

Arte Vanguardista: Diferentes rupturas con los modelos de belleza dominantes en Europa durante el primer tercio del siglo XX. Este es nombrado en plural ya que hace referencia a tendencias o movimientos, no a un sólo estilo artístico.

2) ¿Cuáles son las razones o motivos principales para el surgimiento del arte vanguardista? ¿Cuáles son sus características generales?

Las razones o motivos principales para el surgimiento del arte vanguardista fueron 3 acontecimientos políticos, la constitución de la segunda y la tercera República Francesa (1848 y 1871) y la Primera Guerra Mundial (1914). Estas provocaron una reacción intelectual en contra de la sociedad de la época lo que provocó el comienzo del esteriotipo de un artista incomprendido, bohemio y comprometido con una serie de valores contrarios a todo el mundo que provocaba situaciones miserables y desafortunadas.Además hubo un acontencimiento artístico que influyó sobre el surgimiento del arte vanguardista, este fue el comienzo de los Salones de París en el cual se encontraban diferentes muestras artísticas anuales de prestigio que contaban con un jurado y donde fueron

rechazados varios pintores impresionistas. Por lo cual inaguraron el Salón de los Rechazados con el objetivo de que sus trabajos fueran apreciados y valorados por el público.También para entender el comienzo del Arte Vanguardista se debe tener en cuenta aspectos del Siglo siguiente, en el cual hubo muchos cambios y aportaciones significativas que modificaron ideas y modos de vida. Entre ellos se encuentran la segunda Revolución Industrial, con la aparición del motor de explosión, la publicación de la Teoría de la Relatividad de Albert Einstein y la Interpretación de los sueños de Sigmund Freud, la popularización de la fotografía y además el nacimiento del Cine, entre otros.

Características generales del Arte Vanguardista:

*La ruptura con lo anterior.*El deseo de novedad y experimentación.*Representan una desavenencia total (del color, de las normas, de la composición y del lenguaje estético.)*El cambio es producido también desde una ideología ya que comporta una pendencia de pensamiento y de valores.

Arte virtual

Hay un aspecto todavía más importante del arte que encontramos en Internet, y es la síntesis de las imágenes, movimientos y escenas pertenecientes a ésta ya que no es simplemente otra forma de verla, en realidad consiste físicamente, en algo diferente a la imagen analógica del óleo, de la pintura e incluso de la fotografía y la televisión, ya que no es más que la representación de un código de ceros y unos: un código binario; e ideológicamente en toda una revolución de las ideas y las formas de hacer arte, así como tiempo atrás, el artista aprendía a estirar el lienzo y a mezclar los colores, ahora se interesa por programas de diseño, edición de fotografías, etc. Como afirma Giancarlo Carbone en su artículo "el arte en la era digital", existe más distancia entre un video de televisión y una animación digital, que entre éste mismo y una pintura renacentista.

El arte en este nuevo medio de distribución tiene muchas ventajas y trae muchos cambios independientes de si es creada o sólo publicada por medio de éste. En primer lugar, el internet pone el arte al alcance de un gran público y de forma gratuita; además abre el espacio a la interacción tanto con la obra como con el artista ya que el correo permite la comunicación con éste; y por otro lado está la infravaloración de los derechos de autor, que, como lo hemos visto en clase son muy abstractos, situación de la cual los artistas de la web son completamente consientes.

"Como tantas otras, la tecnología es un arma. La tecnología no es creativa en sí misma, la creatividad está en la idea. El artista, al controlar determinada tecnología, la incorpora a sus pensamientos, piensa sus ideas y produce de acuerdo a esa tecnología."

Arte Graffiti

Entendida como una de las expresiones de arte urbano más populares y características de la actualidad, el graffiti no es más que un dibujo o una obra de arte pictórica realizadas en las pares y muros de la calle. Así, el graffiti no se mueve o muestra dentro de círculos intelectuales o privados de arte sino que se caracteriza por ser expuesto de manera pública para que todos lo vean y disfruten día a día. El graffiti es por lo general anónimo y puede tener diferentes objetivos en lo que respecta a la razón de su realización: mientras algunos son meramente artísticos, otros son formulaciones políticas, otros de protesta y muchos otros son simples mensajes sin mayores pretensiones.

La palabra graffiti proviene del italiano y se relaciona con la idea de grafito o de expresión gráfica. Justamente, uno de los elementos más característicos del graffiti es que se realiza siempre de manera gráfica y visual. Por lo general, el graffiti no sigue reglas artísticas más que la misma libertad de expresión del autor, y es por eso que mientras algunos son realmente complejos y verdaderas obras de arte, otros son simples frases escritas con cierta violencia en las paredes o puertas de negocios.

Se estima que los graffitis son siempre realizados por las generaciones más jóvenes que se encuentran opuestas al mundo conservador e institucionalizado de los adultos. En este sentido, en muchos países el graffiti es un delito ya que es considerado suciedad o daño de la propiedad privada. Sin embargo, en diversos lugares el graffiti ya está integrado al tejido urbano y es considerado una verdadera e importante forma de expresión cultural y popular.

Hoy en día, los graffitis se han revigorizado en muchas ciudades ya que se utilizan stencils de gran complejidad e infinitos diseños para establecer ideas o puntos de vista. Algunos de ellos son graciosos, otros cuentan con una importante ironía, pero todos lo hacen desde un lado artístico que debe tenerse en cuenta más allá del hecho en sí del graffiti.