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PergamonmuseumVisita obligada en Berlín.
Tramas contemporaneasMuseo Nacional de Arte Decorativo
ENTREVISTAS
Sergio BeraldiHoracio PenaSalvador Costanzo
artes5art
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L A R E V I S TA D E A R T E C O N T E M P O R A N E O
5
Expo-artistas. Una idea hecha realidad.
AÑO I • NUMERO I • 2009 ARGENTINA $ 3.-
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NOTAS
FERIA INTERNACIONAL DE ARTE, DEL ARTISTA AL PÚBLICO
Expo-artistas 2009
25 al 30 de noviembre
www.expo-artistas.com.ar • (011) 4658 6976
[email protected]. 4866-2786 • www.culturaaldia.com.ar
Propietario y DirectorEdgardo Ramón Marchesi
Directora EjecutivaNoemí Mata
Director ComercialDarío Paz
STAFFSara DicieroMario RestainoJulio SapollnikViviana Echeverría
ColaboradoresMiguel Ángel ChiricoVíctor DaboveCesar Sondereguer
Redacción y Publicidad011 4658-6976
Domicilio9 de Julio 108 8º C
(1704) Ramos Mejía Buenos Aires - Argentina.www.5artes.com
Año I • Nº 1 • Mayo 2009Tiraje 3000 ejemplares
Correo de LectoresEnvíanos tu comentario a [email protected]
DiseñoMaximiliano Drager I agi
ImpresiónArtes Gráficas Integradas
Obra de tapaMaría Laura Ubeira
El contenido de los textos publicados esexclusiva responsabilidad de sus autores.
Próxima edición agosto 2009
artesL A R E V I S TA D E A R T E C O N T E M P O R A N E O
5
ENTREVISTAS04 Salvador Costanzo
por Mario Restaino
06 Sergio Beraldipor Miguel Ángel Chirico
10 Horacio Penapor Miguel Ángel Chirico
18 Sara Dicieropor Pilar Roldán
26 Sandra Molaspor Rosa Faccaro
32 Natalia Dándolopor Miguel Ángel Chirico
58 Zully Melopor Miguel Ángel Chirico
NOTAS14 Fernando Casella
por Julio Sapollnik
20 Tramas contemporáneaspor Julio Sapollnik
24 Julia Farjatpor Julio Sapollnik
30 El Pergamonmuseumpor Sara Diciero
40 Los nuevos desaparecidospor Víctor Dabove
50 Expo-artistaspor Juan Bustos Echegoyen
52 Mario Restainopor Marcos Ludueña
64 Amerindia, la gran desconocidapor César Sondereguer
ARTISTAS38 María Agustina Bainotti60 Marithe Becares36 Mirta Elena Benavente
56 Carina Cataldo55 Ana María Córdoba35 Liliana Costanza
16 Liliana Fernández Infanzón46 Nilda Fernández Uliana61 Domingo Florio
43 Ruth Patricia García54 Armando Gentilli57 Carla Ghiglione48 Carlos Gigena Seeber37 Marita Guimpel
34 Mushy Mansilla Derqui12 Sandra Beatriz Melian62 Laura Mema
17 Patricia Nader
44 Zulema Petruschansky29 Elena Porteiro
23 Ricardo Rapuzzi49 Pilar Roldán
28 Marta Susana Salinas09 César Sondeguer
42 Silvia Trini
22 María Laura Ubeira
08 Mercedes Valsecchi
Indice
Entrevistapor Mario Restaino
En su casa natal del barrio deCaballito se encuentra ubicado suactual taller, al ingresar se siente unsabor a nostalgia, como si nostransportáramos en el tiempo, susparedes desnudan la personalidadde Salvador; Alberto Olmedo nosobserva con su típica sonrisa desdela puerta de un armario; en otrorincón Enrique Romano y al reco-rrer con la mirada vemos imágenesde Thelonious Monk, AlfredoCorengia, una reproducción deTurner y fotos de sus nietas.
¿Qué recuerdos de tu infancia te vie-nen a la memoria?Y muchos, esta era la casa de mispadres, yo pase toda mi infancia aquí,recuerdo mucho chico jugando en lacalle a la pelota, andando en bicicletay también algunas veces peleando,pero en general todos éramos felices.Recuerdo al vigilante del barrio, elalmacén que ya no está y a algunosvecinos y cosas que ya partieron, elbarrio, la esquina, el carnaval, la foga-ta de San Pedro y San Pablo.
¿Cuánto tiempo le dedicas al tra-bajo del arte?El tiempo es relativo al trabajo quehago en ese momento, trato que lapresencia en el taller sea regular,porque soy bastante organizado; yeso es también muy importante enel arte como en cualquier actividad.
¿Venís seguidos al taller?Vengo casi todos los días a traba-jar, aquí están los fantasmas delpasado, las imágenes de mi vida,los recuerdos más queridos; yomiro alrededor y veo toda mivida, desde el catálogo de mi pri-mera muestra individual hasta laúltima obra. Me gusta estar aquíy compartir con colegas y amigosgratos momentos; lo cual se con-vierte en un ciclo infinito que esgrato para mí.
¿Cuándo realizas tu primera expo-sición individual? Mi primera muestra individual esdel 26 de mayo al 13 de junio de1981 en la galería de arte “delRetiro”, que se encontraba ubicadael la calle Florida al 900.
UNO DE LOS
PRINCIPALES
REFERENTES DE LA
PINTURA GEOMÉTRICA
CONTEMPORÁNEAS
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Costanzo
¿Cuando surge tu inclinación porel arte?Al terminar la primaria, allá por losaños 1953, estudio dibujo técnicoorientado al diseño de muebles. ElDirector de la escuela era un pintorimpresionista, yo miraba como pin-taba y observaba su obras condetenimiento, en esos días comen-zó mi interés por el arte.Al terminar dichos estudio ingresoa trabajar como dibujante el lafábrica de muebles Maple, dondeconocí a Esteban Soós que era delgrupo de Le Parc, quien me enseñaa pintar en forma elemental.
¿Con quien comienza tu formaciónplástica?En el año 1957 conozco al maestroAlfredo Corengia, quien era un fer-
viente admirador de la obra deTurner. El me capacitó en dibujo,acuarela pintura y escultura; fui sudiscípulo durante unos 6 años, sutaller era una casona de fines delsiglo XIX ubicada en Av. Rivadavia al3400; allí pasaba días enteros traba-jando entre 8 a 10 horas, pintando,esculpiendo y dibujando, era muysacrificado pero fue importante parami formación como artista plástico.
¿Tu capacitación continua en otrostalleres?No, luego ingreso en la EscuelaNacional de Bellas Artes “ManuelBelgrano”; en la cual obtengo eltitulo de Maestro Nacional deArtes Visuales. En 1966 voy a estudiar al “InstitutoTocuato Di Tella” durante 2 años
para capacitarme montaje audiovi-sual y técnicas de vanguardia y en1971 egreso como ProfesorNacional de Pintura, de la EscuelaNacional de Bellas Artes “PrilidianoPueyrredón”, en la cual desarrollomis trabajos y mis investigaciones,me ayuda a completar y afirmarmis conocimientos y vislumbro loque era producto de una inmensabúsqueda “la abstracción”.
¿Recordase a algún maestro?Si, en la Escuela “Manuel Belgrano”tuve grandes maestros, de los cua-les recuerdo con mucho cariño aVíctor Magariños D., Aida Carballo,Americo Balan, Pablo Edelstein,Aurelio Machi, Ruben Daltoe yotros que ayudaron a mi formacióncomo un amante del arte.
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Salvador Costanzo es uno de
los principales referentes de la
pintura geométrica contem-
poránea, entre sus importan-
tes logros podemos destacar:
19991° Premio en pintura en el XLIVSalón Municipal de ArtesPlásticas “Manuel Belgrano”,Museo de Artes Plásticas EduardoSívori, Buenos Aires, Argentina.
2004Gran Premio de Honor en pinturadel Salón Nacional de ArtesVisuales, Buenos Aires,Argentina.
www.salvadorcostanzo.com.ar
Salvador Costanzo
Aunque continuó relacionado con la pintura, sugran pasión, comenzó a estudiar en la Facultad deArquitectura y Urbanismo de la Universidad deBuenos Aires hasta recibirse de arquitecto en elaño 1985.Desde ese momento, y aunque continuó exponiendo,se dedicó a su profesión hasta que en el año 2001, alcompás de la crisis política y social que sacudía a laArgentina, Beraldi encontró en la pintura un canalpara expresar sus sentimientos y volcar sobre las telasalgo más que los años de estudio y depuración técni-ca, los cuadros que realizaba eran al mismo tiempouna válvula de escape y un testimonio de los hechosque se estaban viviendo.
¿Cuál es tu técnica y el estilo con el que identificás?Trabajo Óleo y si se pudiera encasillar las expresionesen algún estilo o corriente, sería un "informalismocuasi abstracto"
¿Quienes son tus maestros?Rodrigo Bonome, José Oliva, Teodoro Craien y de mane-ra más abarcativa, la nueva figuración de los años sesen-ta y setenta.
La búsqueda de Sergio Beraldi está direccionada hacialos sentimientos, con una paleta cuidada, sin excentri-cidades ni contrapuntos altisonantes, el artista trata através de los colores y matices, las texturas y las for-mas, exaltar sus sentimientos y llevarlos a la tela.
SergioBeraldiSE RELACIONÓ CON LA PINTURA A LOS 6 AÑOS DE EDAD, ES EGRESADO DE
LA ESCUELA NACIONAL DE BELLAS ARTES "MANUEL BELGRANO" Y CON POS-
TERIORIDAD SE RECIBIÓ DE PROFESOR NACIONAL DE DIBUJO DE LA ESCUELA
NACIONAL DE BELLAS ARTES PRIDILIANO PUEYRREDÓN.
Entrevistapor Miguel Ángel Chirico
1.
¿Al tratarse de una pintura que pretende llegar alsentimiento de quien la observa, cual es el mensa-je que pretendes trasmitir?
En mis trabajos se pueden ver reflejadas las sensacionesque trasmiten las víctimas de Cromagnon o momentosnegros de nuestra historia política.
Pero también hay otros hechos cotidianos y no siemprelamentables, que trasmiten sensaciones y conmueven yforman parte de mis obras.
Aún cuando el autor refleja momentos de gran ten-sión, no es la violencia una característica que se distin-ga en sus pinturas. Por el contrario la armonía logradacon los colores y la textura es posiblemente uno de losrasgos más destacados en las telas.
¿Qué planes tienes para los próximos meses?A mediados de junio voy a estar exponiendo en elMuseo Metropolitano y en noviembre participo enExpo-artistas acá en Buenos Aires. En el plano inter-nacional, la Fundación Ortega y Gaset me invitó aexponer en la ciudad de Toledo en España y paramayo de 2010 haré una muestra en el MuseoNacional de Arte de Milán, en Italia, invitado por elConsulado Argentino en Milán por los festejos deBicentenario.
La pintura para Sergio Beraldi es mucho más que unamanifestación estética, como él alguna vez escribióes su manera de "sentirse intérprete del mundoen el que vive".
TIENE QUE VER CON AQUELLAS COSAS QUE NOS PASAN Y QUE AL
MISMO TIEMPO NOS REVELAN, LA VIOLENCIA A LA QUE NOS
EXPONEMOS Y A LA QUE NOS EXPONEN.
4.
3.2.
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Mercedes Valsecchi
(54 11) 4733 [email protected]
"En las obras de Valsecchi cristalizan el vibranteflujo de su instinto, unido a un fuerte impetuaguerrido que hacen fluctuantes los paradig-mas de lo escultorico. Constituyen el vehiculode su natural rebeldia y su ardorosa pasion. Sepuede afirmar que la suya es una obra provoca-tiva donde prevalecen los trayectos imprevistos,los bruscos e insospechados giros que desesta-bilizan la mirada, y nos confirma el arraigadodisconformismo de la artista hacia los dictadosde la ortodoxia".
Emilio Sampietro
Ha participado en Salas Nacionales y Municipales.Realizó muestras individuales en Italia,Uruguay y Bs.As. Participó en Ferias internacio-nales en USA y Bs. As. Sus obras fueron adqui-ridas por coleccionistas de Bs. As., Pto Rico,Uruguay, USA, Italia, etc.
Ritmo y silencioAcrílico s/ tela, 80 x 110 cm. 2008.
César Sondeguer
En 1954 inicia su labor escultórica. En 1963 reali-za dos muestras individuales: en Radio Municipaly en la Galería Witcomb auspiciado por el Museode Arte Moderno. En 1967 de-ja la escultura y sededica a la fotografía artística y documental. En 1995 retorna a la escultura profundamenteconsustanciado con la colosal morfología y espa-cialidad amerindias. Su propuesta escultóricaplasma una potente volumetría cuya masa expre-sa aquella fuerza andina y su raigal esencia armó-nica de purista formalidad.
Antena 5Cemento blanco y vermiculita. 2007.
8 | 9
De profesión Contador Público y con formación enFilosofía y Letras, comenzó a expresarse a través de lapintura gracias a que un matrimonio de su amistad leobsequio en oportunidad de su cumpleaños, un equi-po completo de óleos, acrílicos, telas y un caballete.Hasta ese momento, Horacio Pena, que fue en realidadquien propuso el regalo, no había incursionado en elmundo de la pintura, pero desde ese momento ya noabandonaría ese camino para expresarse.
Entrada la década del ochenta comenzó a concurrir aun taller con la idea de lograr una técnica y una moti-vación a la hora de crear.
HORACIOPENA
Entrevistapor Miguel Ángel Chirico
PARA MUCHOS LAS CASUALIDADES
NO EXISTEN, SIN EMBARGO FUE UN
HECHO FORTUITO Y COMPLETA-
MENTE INESPERADO EL QUE COLO-
CÓ A HORACIO PENA EN EL CAMINO
DE LAS ARTES PLÁSTICAS.
Así, con una profesora egresada de bellas artes,comenzó a interesarse por la profundidad que unaobra puede alcanzar con el correcto uso de los colores.
¿Que buscas expresar con tus pinturas?No se trata de trasmitir un mensaje, se trata de conmo-ver con la profundidad de la obra.Mi idea es a través de los contrastes conseguir una sen-sación de inmensidad.
¿Además del color, el tamaño de las obras tieneque ver con esa búsqueda?No estoy seguro. Me gusta pintar cuadros grandes, nuncaen tamaño inferior al metro cuadrado, pero es con loscontraste de colores que busco la profundidad.
¿Y que colores te inspiran o cómo los buscas?Yo no pinto paisajes, sin embargo algunos colores depaisajes me fascinan y después en mi atelier trato dereproducirlos, no con la forma de un paisaje pero sicombinándolos y logrando de manera abstracta sentirlo mismo que sentí al contemplar el paisaje. A veces se
logra y a veces no por supuesto pero mi búsqueda estáorientada en ese sentido.Desde el año 2000, Horacio Pena a realizadonumerosas muestras que se coronaron con buenacritica especializada.Los amarillos y rojo, los contrastes donde se puedeobservar un negro profundo junto a verdes brillantesson característicos de sus obras.En la actualidad está realizando una exposición en elMuseo Metropolitano de Buenos Aires.
¿Qué planes tienes para el resto del año?Ya está programada para el mes de septiembre unamuestra en una galería de Belgrano y en noviembre miparticipación en Expo-artistas para cerrar el año. En2010 estoy invitado nuevamente para exponer enNueva York como lo hice este año.
Para terminar podemos decir que sin duda, quién gusteo adquiera la obra de Horacio Pena, será una personaseducida por las mismas sensaciones que gobiernan alautor a la hora de crear: profundidad e inmensidad.
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La artista plástica Sandra Beatriz Melian se expresó con unaabstracción donde la definición de la imagen son dos posibili-dades dinámicas, producidas por la recta y la curva, donde sesuperponen las mismas en una gama de tonos azules y plata.Esta composición plástica se expresa con fuerza concibiendoel espacio y generando visualmente la tercera dimensión. Elespacio se cubre de pinceladas llenas de fuerza, creando unaimagen que traduce un mensaje a la vida que nos sentimosinmersos. Se abre un amplio espectro donde podemos ver yrecorrer una infinita proyección. Propone una imagen dondese ve y se siente gran fuerza. Pinta con la misma intensidadque vive, llevando a la pintura los rasgos de su personalidad,espontaneidad y pasión por la vida. Invita a sumarse y dar laposibilidad de explorar el mensaje de esta obra manifestacióndonde se incorpora su evolución sensible inteligente. Va másallá a fin de obtener una sonoridad formal que apela tanto alintelecto como a las emociones.
Miguel Ángel Vidal
Homenaje a Miguel Ángel Vidal (1928 - 2009)Pintor, dibujante y diseñador gráfico, uno de los máximos referentesde la pintura geométrica del país. Nació en Buenos Aires (Argentina)en 1928, estudió en la Escuela de Bellas Artes "Manuel Belgrano",con maestros como Lino Eneas Spilimbergo y Eugenio Daneri, egre-sando en 1952 con el título de Profesor de Dibujo.
Integró el "Grupo Joven" (1949-1951), y en 1959 fundó,junto con Eduardo Mac Entyre, el Movimiento de Arte Generativo deBuenos Aires. Participó en numerosas exposiciones individuales ycolectivas en Argentina y en el exterior.
Fue profesor de Pintura y Dibujo y Rector de la EscuelaNacional de Bellas Artes "Prilidiano Pueyrredón", y profesor de Pinturade la Escuela Superior de Bellas Artes "Ernesto de la Cárcova".
Durante su trayectoria ha recibido varios premios: Críticosde Arte, Salón Nacional (1969); Bienal Italo, Museo de Arte Moderno(1971); Bienal Sheraton (1979); Konex (1982); Homenaje a Miró(1994), Gran Premio de Honor de Pintura del Salón Nacional 2000.-
Varias de sus obras enriquecen el acervo de prestigiososMuseos tales como El Guggenheim de Nueva York, de ArteModerno de París y Milán , Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori,Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, entre otros.
Una persona excepcional, que se brindó y brilló con sutalento y gran personalidad hasta el final.
Sandra Beatriz Melian
Sandra Beatriz
MelianTel. +54 11 5645 [email protected] • [email protected] • www.yakfis.com
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Fernando CasellaFernando Casella nació en Quilmesen el año 1960, estudio fotografíaen el centro fotográfico argentino ycurso numerosos seminarios decomposición y creatividad. Se per-feccionó en técnicas digitales y delaboratorio en Kodak Argentina,iniciandose como profesional en larealización de books de modelos.En su carrera como artista, expusoen Argentina e Italia y obtuvonumerosos premios nacionales einternacionales. Desde el año 2005,investiga sobre diferentes procesosde impresión sobre materiales talescomo lienzos, vidrio, madera etc.En la actualidad desarrolla su creati-vidad creando imagenes de artedecorativo en telas, mezclando téc-nicas fotográficas con fractales yprogramas como photoshop. Cabedestacar, que con la mencionadatécnica, ilustra tambien CD's dediferentes grupos musicales.
Fernando Casella es un fotógrafo profesional formado dentro de la civilizacióntecnotrónica, que aplica los nuevos programas de PC para crear una expresióncontemporánea. Fernando trabaja con signos plásticos que lleva al límite de lainacción, buscando que la mirada del contemplador encuentre el instante ante-rior al desarrollo de un movimiento imaginario. Su obra se compone de recorri-dos de luz relampagueantes y por momentos incandescentes, detenidos en elplano. La idea de movimiento es una construcción mental del contempladorante la imagen; se detiene para ver un mundo que vive acelerado. Fernando Casella se vale de la dimensión fractal para crear. El términoFractal fue propuesto en 1975 por el matemático Benoît Mandelbrot yderiva del Latín fractus, que significa quebrado o fracturado. La geometríafractal provee una descripción y una forma de modelo matemático para lascomplicadas formas de la naturaleza. Cuando se habla de fractal, se aludea una estructura natural de creación que depende de reglas de irregulari-dad y de fragmentación, no explicables por métodos tradicionales. La obrade Fernando parte de estas combinaciones múltiples, interactuadas una yotra vez, a diferentes escalas. La interacción figurativa de rostros o crisáli-das junto a formas derivadas de la abstracción lírica o geométrica generaimágenes a ser descubiertas después de una primera lectura.
Julio Sapollnik
tel. 4-253-0436 • cel. 15-4-404-8463 • [email protected]
2. 3.
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Liliana Fernández Infanzón [email protected]/infanzon
Liliana Fernández Infanzón, artista plástica egresada de lasEscuelas de Bellas Artes P. Pueyrredón y E. de la Cárcova,expone sus obras individualmente o en colectivas tanto en elpaís como en el exterior."Su obra presenta su preocupación por la sociedad actual, car-gadas de pos-modernidad, de cuerpos construidos, de frag-mentos sometidos a distintas transformaciones. El camino ele-gido por la artista es el de la pintura misma que, como ocultasimágenes que perviven en su memoria, emergen en la tela y
quedan suspendidas frente al espectador con toda la riquezatextural que le imprime expresión y misterio, espacios en dondeel gran silencio, los reflejos, las texturas y las apariciones silen-ciosas, cualifican su intensidad y brillo.Nos presenta el diálogo entre el lenguaje y experiencia y eligela figura como símbolo de las preocupaciones humanas y subúsqueda de verdad y justicia."
Marino Santa María
Pers XXXVI. Técnica mixta. 200 x 170 cm. 2008.
Patricia [email protected]
+54 0381 423-4071 • 15 536-3309
PATRICIA NADER Y SU MIRADA
Bien supo decir Fermín Fevre que una de las características quedefinen el arte argentino es la que se dá por el desarrollo pecu-liar del arte constructivo. La característica de esta producciónpulcra es el basarse en la lógica recurriendo a las formas prime-ras. Patricia Nader, artista de reconocida trayectoria en nuestraprovincia, puede ser considerada, por momentos, como una delas representantes de las nuevas generaciones; ella toma comopunto de partida la esencia de esta estética pero va más alláaunándole los conceptos del minimal-art y las incidencias de sumarco epocal. Desde la sintaxis de la obra, las líneas y colores secomplementan a los espacios negativos y a la textura visual-tác-til para dar forma a una materia que alude a cierto vacío inte-rior. La contingencia en la que parece trabajar esta artista llevaa la producción al borde entre razón y expresión. De este modoel resultado es el de una serie de piezas objetuales, excelente-
mente resueltas con la técnica de vitrofusión, en las que la poe-sía deja al desnudo lo no previsible. Oposición y/o convergencia,tal vez, sean sus estrategias. Desde la semántica el efecto osci-la de acuerdo a la mirada del potencial receptor. Como en uncampo sin límites la forma y su sema se desplaza resemantizan-do, ineludiblemente, a la obra. Y es en ese instante en el que eluniverso de P. Nader se dice como algo peculiar que no escapaa la universalidad haciéndonos sentir que todos y cada uno delos receptores somos parte de el. De este modo, la artista, nospropone una mirada que se vuelve inasible, la de su obra.
Lic. Norma A. JuárezCorresponsal Periódico Arte al DIA Internacional, Mayo 2008
16 | 17
Al momento de pintar ¿Buscas compañía o pre-fieres la soledad?Pinto en soledad. No concibo pintar de otra manera.Pintar es un rito para mí. Necesito estar a solas con misemociones, mis pensamientos y mis sentimientos. Deboconcentrarme para poder disfrutar de esos instantes ple-nos en los cuales el placer está reservado para aquelartista que realiza su obra con verdadera pasión.Preparo todos los elementos y selecciono ciertoscolores “base” aunque siempre debo agregar otros amedida que la obra progresa. Es imprescindible paralograr esa concentración, estar acompañada de lamúsica; no soporto el silencio en esos momentos decreación; por el contrario escucho ópera. ¡Me moti-va muchísimo Pavarotti! Me llena de energía positi-va, me impulsa a arriesgarme en determinados tra-zos, en el uso de colores más comprometidos, enencontrar otra composición. Me transporta a unestado especial. Entonces, si la música es algo sublime para mí, si meconmueve de tal manera que regula mi creación, nopodría pintar acompañada. Recuerdo hace 10 añosen el taller de Marino Santamaría, 6 artistas confor-mábamos el grupo “Tea” y durante un tiempo debí-amos pintar juntas en esas clases, pero yo nuncalogré hacerlo; me la pasaba molestando a mis com-pañeras; por lo tanto para solucionarlo, decidí llevar4 ó 5 obras en las que trabajaba en la semana paraque Marino las corrigiera, y me las llevaba de regresoy las modificaba en la soledad de mi taller.Cómo sueles trabajar, ¿Usas caballete?¡No, en general no! Yo trabajo con la obra apoyadasobre una mesa. Es que mis obras llevan muchas vela-duras, transparencias, destacan por la riqueza de tex-turas visuales por lo que debo usar el óleo muy dilui-do, y si usara el caballete, todo se chorrearía. Y si bienhace muchos años usé ese chorreado como parte dela obra, ahora ya no me es útil pues estoy en la bús-queda de nuevos efectos. Por lo tanto para lograr elobjetivo deseado es que pinto ubicando la obra enforma horizontal.
Sara DicieroMI OBRA SE LA CLASIFICA DENTRO DEL EXPRESIONISMO ABSTRACTO
Entrevistapor Pilar Roldán - España.
(5411) 4571 9822 • [email protected] • www.artmajeur.com/saradiciero
1.
¿Podrías comentar algo sobre la técnica que utilizas?Mi obra se la clasifica dentro del Expresionismo Abstracto,pero yo soy muy “barroca” y necesito llenar el paño condetalles para sentirme satisfecha. Junto todo tipo de obje-tos para usarlos cuando pinto. Ciertos espacios de la telalos cubro con texturas que las realizo usando esos objetosa modo de “sellos”. Puedo usar desde una tapita hastauna tela agujereada, pinceles de goma, como cualquierobjeto que tenga en su base diferentes dibujos tal que alapoyarlos aparezcan nuevos efectos; también uso papel onylon que al contactarse con la tela y a modo de repeticiónse logran novedosos diseños. También uso los dedos, lasmanos, todo lo que aparezca delante mi vista….¿Sueles terminar una obra antes de comenzar otra?¡NO! Trabajo en 5 ó 6 obras al mismo tiempo. Puedocomenzar una obra nueva, pintar horas en la misma; ladejo secar o descansar; mientras, modifico tres o cuatroque están pendientes y que comencé días atrás, o bienhace años y que le encuentro un defecto.Tanto en el taller como en casa hay colgada gran cantidadde obras, y siempre las observo; como soy muy minuciosa,cuando distingo una falla a mi ojo, no dejo pasar y en unratito libre la corrijo. Creo que pintando una sola obra, meaburriría. Hace tiempo que desarrollas series con cajas lumíni-cas como soporte. ¿También pintas al mismo tiempouna backlight y una tela?¡No! No es lo mismo. El material diferente obliga a pintardiferente. Cada soporte obliga a tener una atención espe-cial. Hay mayor ductilidad al pintar sobre tela. Se hace máscomplicado pintar sobre resina; no digo que es como laacuarela que donde ponés la mancha ahí queda firme,pero no se puede modificar fácilmente; uno tiene quemodificar CREANDO; o sea, uno debe adaptarse, concebirun arreglo y conformarse con un resultado armónico.Corregís sin saber exactamente cómo quedará. Trabajo muchas obras al mismo tiempo siempre que ten-
gan el mismo soporte. Cuando estoy pintando obras entela, me dedico sólo a pintar o modificar obras en tela; aligual que cuando pinto sobre lámina de resina, papel,madera, etc, sólo trabajo sobre ese soporte. Tal vez puedacombinar la pintura con el arte digital que estoy comen-zando a desarrollar. ¿Trabajas a partir de bocetos?Difícilmente. Imagino lo que quiero realizar; tiro la manchay a medida que voy pintando trato de encontrarle un sen-tido. Eso sí, sé de antemano qué colores van a prevaleceren el cuadro, y tengo cierta idea de la composición, pero amedida que avanzo, modifico la idea original buscandoequilibrio y armonía.Según los estados anímicos, selecciono los colores. Estodura un tiempo. No es que hoy elijo colores brillantes y aldía siguiente comienzo otro con colores apagados. ¡No! Elestado de ánimo perdura unos cuantos meses.Se da en ocasiones que estoy frente a la tela en blanco, yno se me ocurre nada; entonces, para comenzar, recurro apredeterminado molde que hay dentro mío y que segurofunciona; así puedo tomar distancia de la angustia queproduce la “blancura pura”. Ya esa mancha me sugiereotra idea y así es como cada obra sigue su propio caminoque al final resulta una obra única. El paso siguiente es encontrar equilibrio en la composi-ción, lograr la armonía en los colores, incorporar texturas,encontrar los espacios para la luz; y es allí cuandocomienza el placer al observar cada trazo, dibujar deta-lles, destacar alguna zona, oscurecer o aclarar, siempresoñando en que esa obra podrá llegar a ser la mejor detu vida jajajjj….
1. Grito de libertad.
Óleo sobre tela, 120 x 50 cm. 2006
2. Brillos naturales.
Óleo sobre tela, 50 x 120 cm. 2008
2.
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La presentación de ocho importantes artistas referen-tes del arte textil contemporáneo en las salas delMNAD, revela la madurez de una institución abierta aexhibir tanto las piezas que dieron buen gusto a lavida cotidiana del pasado, como a las obras que hoyexpresan su transformación, al buscar ampliar los lími-tes estéticos de su contenido creativo.
¿Pero acaso tienen que ver estas obras arriesgadas ycuestionadoras, experimentadoras de nuevas formasen la primera década del SXXI, con los principios orna-mentales y suntuarios de los tradicionales tapices, lacerámica de Sèvres, o el Biombo de Coromandel?.Estas piezas de la colección permanente partían desdeuna técnica de producción que valoraba su subordina-ción al espacio arquitectónico. Por el contrario lasobras expuestas en la sala transitoria agitan y pertur-ban el espacio de exhibición y dan testimonio de untiempo de vida vivido con libertad, de pensamiento
para ir más allá de lo aprendido, sobrepasando límitespersonales para disfrutar de atrevimientos colmadosde energía.Desde hace varios años las obras de estas ocho muje-res son protagonistas del arte contemporáneo argenti-no en las principales exposiciones y sus trabajos invitanal público a participar de una trama artística que exigesensibilidad y reflexión en el ejercicio de la contempla-ción estética.Estos trabajos despiertan verdadero interés por suaporte a las formas del arte, su original presentación yla sorprendente unión de materiales como medio dellegar a la emoción. Desde la trama cerrada con fuertecarga visual hasta piezas de etérea fragilidad, las obrasalientan al espectador a encontrar razones intuitivasentre lo que se exhibe y debe ser pensado. Partiendode los secretos de la tradición artesanal, estas mujeresartistas, elevan el textil contemporáneo a la más altacalidad estética.
"TRAMASCONTEMPORANEAS"MUSEO NACIONAL DE ARTE DECORATIVO
Escrito con motivo de la V Bienal de Arte Textil 2009. por Julio Sapollnik
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Rosa Arena presenta atuendos gla-morosos que visten un cuerpo per-fecto vivido a escala de maniquí. Setrata de un glamour reciclado,armado con sobrantes de medias delycra y telas de nylon unidas a travésde un remate remallado. Esta cultu-ra overlok, presente siempre en laropa comercial, deja ver como laimaginación poetiza una realidadcosida de retazos. En sus “catres”las maderas rústicas y el estiramien-to del stretch preparan una tela quequeda asociada al estacado de loscueros en los antiguos saladeros.
Laura Ferrando construye estructu-ras con alambre de acero que remi-ten al contorno lejano de una granciudad. Vista desde el puerto o laautopista propone un recorrido geo-métrico que se convierte en reflexiónde una hacinante arquitectura. Elacero extendido como urdimbrepierde la frialdad del metal al entibiarsu superficie con la suave luz que dis-persa la cobertura del sisal y la seda.
Virginia González crea formas ima-ginarias para representar las opcio-nes con que se enuncia un pensa-miento. Como si fuera un reservoriocraneal, las cajas blancas contienenel dibujo de posibles alternativas detensión encefalográfica. Los elemen-tos textiles que la acompañan dansoporte al transfer fotográfico parareflexionar sobre los instantes de suniñez. Mediante la sencillez del bor-dado propone una inevitable refle-xión sobre el paso del tiempo y susilencio sobre lo ausente.
Isabel Polikowski Ditone exhibeseries diferentes que provocan senti-
mientos encontrados. En “Presiones”muestra un artefacto que a la mane-ra de un antiguo instrumento de tor-tura comprime el hato hasta inmovi-lizarlo. Aplica así, una pena capital altejido como símbolo de opre-sión/castigo ante la violencia de lasociedad. También crea escrituras conun nuevo abecedario. Desde el textilpropone superar la diversidad de len-guajes para que los hombres secomuniquen intentando la construc-ción de una nueva Babel imaginaria.La obra se convierte en un cuadernodonde se asienta la memoria delpasado y fluye lo porvenir.
La obra de Flora Sutton se proyectaen el espacio como una escrituracompuesta por trazos flotantes queencierran un hermético sentido. Yasea sobre el plano o en volumen, unalínea flexible de marcado espesorreparte el claroscuro, proporcionandoun contorno envolvente a la simbóli-ca caligrafía. Los pequeños trazoscolocados de manera irregular gene-ran un ritmo continuo que toma lamirada del contemplador y no la libe-ra hasta finalizar su recorrido.
Trabajando con papel ilustraciónSabina Wicki crea una imagen defuerte expresividad. El pliego torci-do helicoidalmente se convierte enun ovillo que guarda crónicas de larealidad. Trata al papel de revistacomo una fibra recién segada, tor-sionandola hasta formar una cuerdaque da origen a un tejido de tramaabierta que permite compartir suinterioridad. No propone una obracon función: bolsa, cesta, tapiz; sinoque exhibe conceptos con momen-tos de tradición y modernidad.
Mirta Zak se vale de un elementoindustrial, maleable y frío como elalambre para intervenirlo como unsoporte estético que pone en juegoexpectativas emocionales.Templando su capacidad de expre-sión y aumentando su visibilidad porsuperposición, el espacio se vuelveuna filigrana delicada y envolvente,que entintada de manera irregulargenera instancias de tensión y repo-so en su superficie. Por momentos elhilo de alambre se suelta para retor-cerse y contonearse sugiriendo cuer-pos en movimiento.
Diferentes texturas generan en laobra de Ana Zlatkes un contenidoemocional humano empequeñecidoante la inmensidad. Las difusas figu-ras pierden identidad ante la grandimensión con que narra el espacio.El plano se convierte en una “metá-fora de entorno” buscando y prote-giendo su representación íntima yoriginal por los colores naturales, queinvocan al silencio y la naturaleza.
ARTISTAS
María Laura Ubeira 15 5751 [email protected] • www.lauraubeira.blogspot.com
Conocedora de los secretos de la pintura y el dibujo, MaríaLaura Ubeira expresa instancias de una vida cotidiana quenecesita de la imaginación para soportarla. La pesada reali-dad se alivia ante la creación de un mundo propio, en cuyoclima súrreal interactúan elementos, personajes y animales.El espectador puede imaginar el momento en que MaríaLaura eligió pintar, porque la imagen se nutre de situacionestomadas de la fantasía universal. En “Los Gorriones de
Nikita” por ejemplo, las aves sobrevuelan una cabeza condos rostros: la vigilia y el sueño. La imagen muestra así comovivir con pájaros en la cabeza solo puede ocurrir si nos man-tenemos niños o estamos enamorados. Resuelta en mediostonos, el claroscuro está siempre presente a través de undibujo seguro que se despliega en toda la composición.María Laura Ubeira plasma figuras que se comunican connaturalidad, sorpresa y emoción.
Julio Sapollnik
Winter ist bei uns (detalle) - 2009. Óleo sobre tela, 22 x 27 cm.
22 | 23
Ricardo Rapuzzi 011 4756 1865 [email protected], [email protected]
www.rzi.com.ar / www.ricardorapuzzi.com
Si hay algo evidente que se manifiesta en la obra de RicardoRapuzzi es su actitud de búsqueda; constante y desprejuicia-da, en la que la forma adquiere toda su potencia estética.Desprejuiciada, en tanto se atreve en la combinación, porejemplo, del diseño del mueble con la escultura, o en la inte-gración de técnicas y materiales no habituales, pero tambiénen el atrevimiento de su búsqueda formal.
En una época en la que predomina todavía el diseño silencio-so y pulcro de los gestos mínimos, aparece esta otra actituden relación al arte y al diseño, otro enfoque, que se sumergeen la potencia expresiva y seductora de la forma. Y lo formal
no está tomado aquí como la inevitable resultante de un pro-grama, sino como un área de trabajo, un campo estético enel cual puede interactuar lo lúdico, los aspectos funcionales,la expresión acabada de los materiales contemporáneos, osignificar el momento histórico-social en el cual la obra seinserta, con toda su carga dramática y conflictiva.
En contraste con la prudencia, esta obra aparece como ungrito, prepotente, sugestivo y personal, al que vale la penaprestar atención.
Arq. Alexis Patocchi. Docente Historia de la Arquitectura (Pernaut) - FADU - UBA.
SOY ARQUITECTO, ESCULTOR Y DISEÑADOR DE MOBILIARIO Y OBJETOS.
DESDE 1997 FABRICO OBJETOS QUE DESAFÍAN LAS FRONTERAS ENTRE LA ARQUITECTURA, LA INGENIERÍA, EL DISEÑO Y
EL ARTE. TRABAJO POR LO GENERAL ACERO Y MADERA, EN PEQUEÑOS Y MONUMENTALES FORMATOS.
RECORRER LA OBRA DE JULIA
FARJAT PERMITE VIVENCIAR LA
PLENITUD DE LA FUERZA
FEMENINA EN EL PROCESO DE UNA
CREACIÓN ESCULTÓRICA
CARACTERIZADA POR LA
SOBRIEDAD, LA IMAGINACIÓN Y
LA INTELIGENCIA EN LA
EXPLORACIÓN DE LOS
VOLÚMENES GEOMÉTRICOS.
1. Final de un largo viaje. Talla en madera, 85 x 37 x 33 cm.
Nota por Julio Sapollnik
JuliaFarjat
Los diferentes materiales que emplea se apartan de lanaturaleza y ceden ante el dominio de la sensibilidad. Lamadera, el mármol y el metal manifiestan sus cualidadesde resistencia y elasticidad conformando una rica imagenvisual nacida del dominio técnico. La artista irrumpe confuerza para crear una escultura que nos introduce en elreconocimiento de la identidad americanista. Sus obrasposeen la impronta misteriosa de un lenguaje arcaicoque se recrea plásticamente. De fuerte reminiscenciaconstructiva andina, ostentan quiebres, cortes, signossecretos, protuberancias y un juego de encastres que sor-prenden la mirada del contemplador. ¿Pero de dóndeproviene la representación característica de las últimasobras en las que destaca la forma simbólica de un por-tal?. Como si fueran antiguas construcciones precolom-binas, el pórtico por su perfil ascendente-descendenterecrea una lectura imaginaria que alude a la unión delhabitante de los Andes con el cosmos. La artista nos ofre-
ce la oportunidad de entrar en la obra atravesando lapuerta como metáfora plástica en la búsqueda de laforma. Algunas encierran, atesoran y entronizan otroelemento escultórico complementario, generalmenterealizado en piedra o en metal, que guarda estrechacorrespondencia con la totalidad de la pieza logrando un
ajustado equilibrio compositivo. En cuanto a la textura, laescultora suele alternar zonas rugosas con otras pulidasque permiten una doble apreciación táctico-visual. Enalgunas piezas, una pátina blanca destaca cada uno delos golpes de gubia que recibió el material hasta adqui-rir la forma deseada. El contemplador se siente atraídoa deslizar su mano por la superficie para experimentar laobra con la percepción de los sentidos. Julia sabe com-binar los diferentes materiales con armonía estética: asíla madera convive con la piedra originando piezas sóli-das de asombrosa belleza visual. Cuando trabaja exclu-sivamente el metal, la artista logra la síntesis entre loindigenista y lo conceptual: la exaltación de la vida cre-ativa vence la apariencia fría y rígida del material. Elresultado son piezas alegóricas, consistentes, despoja-das de todo preciosismo, de excelente factura técnicaque rinden homenaje a las culturas originarias de laAmérica precolombina.
Julia Farjat acompaña la creación contemporánea conuna actitud de vida coherente con su respeto por elpasado. Se nutre de él y lo revive con pasión, sin darserespiro, tallando e investigando sobre cada uno de losdesafíos a los que se expone en su trabajo diario comomujer y como artista.
Más
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49
x 40
x 2
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Nos
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43
x 31
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¿NOS PUEDES RELATAR, EN UNA SÍNTESIS NARRATI-VA, CUÁLES SIGUEN SIENDO TUS PREOCUPACIONESESTÉTICAS EN EL CAMPO DEL LENGUAJE PICTÓRICO?
Me interesa lograr una mayor síntesis, sin que elloimplique abandonar la figuración, que da contenido ala obra, referida en este momento a las diversas cultu-ras aborígenes que se desarrollaron en nuestro país,así como a la simbología e ideogramas propias de lasmismas. Ello no constituye una investigación antropo-lógica, sino un intento de reflejarlos a través de unavisión artística. También me interesa continuar estetrabajo con la paleta de mayor temperatura cromáticautilizada en 2008.-
EN LAS OBRAS EXPUESTAS EN EL CENTRO CULTURALBORGES EN EL AÑO 2008, SE PRESENTÓ UNA NUEVAPROBLEMÁTICA COMPOSITIVA, QUE INCLUYE TRABA-JOS ANTERIORES CON RESPECTO A AMÉRICA Y SUMESTIZAJE CULTURAL. ¿CÓMO DEFINIRÍAS ESTA NECE-SIDAD EXPRESIVA ACTUAL?
Lo presentado en Expoartistas 2008 no incluye traba-jos anteriores, ya que las obras expuestas fueron sólo lasrealizadas en ese año. La temática puede ser la mismadado que había comenzado, años antes, trabajandosobre los aborígenes de Tierra del Fuego, serie a la que
Entrevista por Rosa Faccaro
Sara MolasLA ARTISTA SARA MOLAS, EN SU
PERÍODO PICTÓRICO 2008/2009 FOR-
MULA NUEVOS INTERROGANTES EN
SU LENGUAJE VISUAL. ESTA ARTISTA,
DESDE UNA VISION ANTROPOLOGICA
Y SOCIAL, RETOMA NUEVAMENTE LA
VISION DE AMERICA LATINA.
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120
x 10
0 cm
.
denominé “Tierras de Humo”, usando una paleta másbaja cromáticamente, con más adhesión a la tierramisma y con un mayor figurativismo que en 2008.Actualmente he optado por referir la obra a culturas delresto del país, con sus simbologías que he representadoen las obras en forma indiscriminada y combinada, conintención plástica; es decir que las imágenes humanasde cada obra aparecen rodeadas de símbolos que no selimitan a los de la propia y exclusiva cultura, sino mez-clada, en una suerte de interjuego, con otras etnias yculturas del país. La necesidad expresiva actual se basaen una paleta diferente, más colorida; trabajé sobre unabase gestual de distintos colores, y sobre la misma pintoposteriormente las imágenes, usando la energía delcolor subyacente. Así esta serie “Originarios”, tienemayor vitalidad con relación a “Tierras de Humo”. Detodos modos, tengo pensado exponer ambas series enuna muestra individual el año próximo.-
¿CÓMO VIVÍS EL MOMENTO HISTÓRICO DE NUES-TRO TIEMPO EN RELACIÓN A NUESTRO CONTINENTE?TOMANDO LAS REFERENCIAS DE LA REALIDADARGENTINA, ¿QUÉ APORTARÍAS DENTRO DE TU LEN-GUAJE VISUAL PARA ESCLARECER Y TRANSPARENTARESA REALIDAD?
En este momento en nuestro continente se estádando mayor importancia a los pueblos originarios.Basta como ejemplo el Presidente de Bolivia, EvoMorales, de indiscutible origen indígena, que resca-ta los movimientos por la liberación, la igualdad, laequidad y asimismo por la integridad del territorio.No podemos dejar pasar la importancia de la desig-nación de Barak Obama, primer presidente negro delos E.E.U.U., quien ha despertado grandes expecta-tivas en cuanto a la relación de su país con AméricaLatina. Se avecinan cambios que todos esperamos.Tampoco puede olvidarse que Hugo Chávez, enVenezuela, exhibe una orientación progresista y enalguna medida, de izquierda. En mis obras procurolograr un lenguaje que sea referencial, pero almismo tiempo, creativo.-
¿DE QUÉ MANERA PODRÍAS REVELAR EL SENTIDOPROFUNDO QUE SE EVIDENCIA EN LAS PRODUCCIO-NES CULTURALES DE NUESTRO TIEMPO? ¿CREES QUELA PINTURA -COMO LO VIERON LOS GRANDES MAES-TROS DE LA PLÁSTICA ARGENTINA- VA CREANDOUNA CONCIENCIA SOCIAL?
La pintura de los grandes maestros argentinos creó,sin duda, una mayor conciencia social, lo que desgra-ciadamente no ocurre con la pintura actual, que gene-ralmente se limita a una abstracción sin contenido refe-rencial, al menos explícito.-
Como pintora figurativa Sara Molas trabaja con per-
sonajes marginales, ahogados por la injusticia, la
pobreza y la desesperación. Para su representación se
vale de una paleta baja, apenas entibiada por el
espectro cálido de una luz ocre. En su manera de
pensar y de pintar, se unen tanto la exploración de la
temática social, como el lenguaje plástico que ayuda
a comprender la realidad.
Esta coherencia ideológica está presente también en
las imágenes abstractas. En la obra que tituló “Arriba
y abajo”, son las pinceladas continuas y superpues-
tas las que reemplazan a los personajes. La descarga
masiva y abigarrada del registro inferior alude a la
presencia de una heterogénea mayoría, mientras
que en el registro superior, el espacio se airea, distin-
guiendo la presencia de unos pocos elegidos.
Julio Sapollnik
26 | 27Wichis mujeres y retoños, (de la serie los originarios). Óleo sobre tela, 120 x 100 cm.
Marta Susana Salinas (011) 4981 [email protected]
PINTAR LOS SUEÑOS
Los recuerdos atesorados desde su niñez están presentes en lassingulares obras de la artista Marta Susana Salinas. Estas sonfruto de una colorida paleta que ella expresa como resultadode una cuidadosa observación. En sus telas aparecen veleros y pequeñas barcazas, casi siem-pre anclados como retenidos en puerto seguro y sin los sinsa-bores de un mar embravecido. Sus pinceladas, metódicamente trabajadas, abren el escena-rio a azules y verdes profundos que también dejan
lugar al blanco que ubica al observador en espacio y tiempopresente. Marta Susana Salinas en su prolífera trayectoria, ha producidoseries de bellísimas pinturas enmarcando temáticas en las queplasma con innegable fidelidad a la libertad personal, al amorpor la naturaleza y sobre todo la quimera que significan lossueños cumplidos.
Elizabeth Tuma
El viaje de Ulises. Óleo sobre tela, 90 x 100 cm. 2009
Elena [email protected]
Formada en los principales talleres de los maestros del artecontemporáneo argentino, Elena Porteiro estructura un len-guaje abstracto por medio de la pintura, el dibujo y el colla-ge. En cada técnica emplea una energía diferente controlan-do la distribución de las acciones sobre el plano. Elena traba-ja por medio de campos de color que se entreveran unos conotros, provocando el despliegue de los elementos dentro de
lo que podríamos llamar, un “caos controlado”. Por momen-tos la imagen se resuelve dentro de la abstracción lírica, per-mitiendo que las zonas de color integren sus contornos den-tro del concepto de forma blanda. En otros trabajos por elcontrario, prima la abstracción geométrica, dejando que losbordes limiten a partir de una forma rigurosa.
Julio Sapollnik
Ritmo y silencio. Acrílico s/ tela, 80 x 110 cm. 2008.
28 | 29
La originalidad de este museo, reside principalmenteen su propio concepto: el edificio no fue construidopara albergar obras de arte, sino que primero se traje-ron las obras de arte, y después, a su alrededor, seconstruyó el edificio. De esta manera, las propias mara-villas, gran parte arquitectónicas, constituyen las pare-des y las columnas de este museo. Esto se debe a quedurante el siglo XIX Alemania emprendió excavacionesen países remotos adquiriendo, previo pago, todo
aquello que consideraba interesante, razón por la cualposee tal cantidad de tesoros.
El Museo de Pérgamo aloja tres museos independien-tes ocupando tres alas distintas: La colección deAntigüedades, el Museo de Arte Islámico y elMuseo Antiguo del Oriente Próximo.
Colección de Antigüedades: Las zonas más destaca-das de este sector son las dedicadas a Roma, Grecia yal periodo helenístico , incluyendo la ciudad dePérgamo, que es la que da nombre al museo.Comprende trabajos griegos y romanos que incluyenno solo restos arquitectónicos, esculturas y jarrones,inscripciones y mosaicos, sino también bronces,monedas y joyería.La atracción principal es el Altar de Pérgamo; un tem-plo de mármol dedicado al dios Zeus, construido en elsiglo II a.c. Nada más entrar, uno se topa con este colo-sal altar; el impacto visual es desde luego epatantepues el templo está construido a escala real.
La entrada al altar conduce a la sala de sacrificios enhonor al dios Zeus. A ambos lados de la escalinataencontramos una serie de frisos increíbles con altorelieves en mármol que representan la lucha de los dio-ses Zeus y Atenea (la racionalidad y la civilización),contra sus enemigos los gigantes y animales (el mundosalvaje); considerados una obra maestra del arte hele-nístico. Los dioses griegos con rostros serenos, en con-traposición con la expresión feroz de los animales,
Nota • Primera parte
por Sara Diciero DE ESTAR EN BERLÍN NO S
PASEANDO POR BERLÍN, ES IMPRESCIN-
DIBLE UNA VISITA A LA ISLA DE LOS
MUSEOS Y SIN DUDA AL MUSEO DE
PÉRGAMO, INAUGURADO EN 1930.
Great-AltarPergamo
EL PERGAMO
salen siempre victoriosos de la batalla. Destaca el rea-lismo de las figuras y la sensación de movimientoque consiguen transmitir.
A la izquierda del Altar, se encuentra la sala helénicacon inmensas columnas del templo de Artemisa enMagnesia y la fachada del Altar del Santuario deAtenea en Pérgamo que no dejan de impactar. Enotras salas, se goza de numerosas tallas griegas deépocas arcaicas hasta el período helenístico, copiasromanas de originales griegas, así como arte romanocon relieves funerarios, sarcófagos, mosaicos, pinturasal fresco y retratos de momias egipcio-romanas; el arteetrusco con trabajos en piedra, arcilla, oro, vajillas deplata, monedas, medallas, etc.
A la derecha del Altar está la Puerta delMercado de Mileto de la época romana, los relie-ves votivos y funerarios y las innumerables estatuasson un excelente ejemplo de arquitectura romana;Se trata de una hermosísima puerta de dos pisos yentradas precedidas de columnas que mandó cons-truir Justiniano integrándola a la muralla de la ciu-dad. Construida hacia el año 120 a.C. en esta loca-lidad griega Mileto de Asia Menor, actual Turquía,es uno de los ejemplos más conocidos de fachadasarquitectónicas romanas. Tiene 28,92 metros deancho y 17 metros de altura. Se supone que en elsiglo X se produjo un terremoto, la puerta cayó per-maneciendo bajo tierra durante siglos; fue redescu-bierta por excavadores alemanes en el siglo XX. El
severo deterioro que presentaba la estructura, obli-gó a someterla a un proceso de restauración quecontinuará hasta 2010.
A la entrada se reparten audioguías gratuitas envarios idiomas con dos opciones: ver solo las obrasmás importantes del museo, o verlo todo. Cadaobra tiene un número que se marca en la audio-guía y te da la correspondiente explicación.Permiten sacar fotos sin flash. El museo abre demartes a domingo de 10 a 18 hrs. Los jueves de 16a 22 hrs. con entrada libre, que no incluye las expo-siciones temporales.
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SE PUEDE DEJAR DE VISITAR
ONMUSEUMSala Helena
DESPUÉS UN POCO POR CASUALIDAD, SI ES QUE ÉSTAS EXISTEN, Y OTRO
TANTO POR CURIOSIDAD, SE VINCULO CON LA ARTISTA PLÁSTICA ITALO-COLOMBIANA BIANCA CADELO DE DÍAZ GRANADOS, CON QUIÉN YA
GUARDABA UNA AMISTAD, EN UNA RELACIÓN DE MAESTRO-DISCÍPULO.LOS CONOCIMIENTOS QUE ADQUIRIÓ ENTONCES, SOBRE MANEJO DE
COLORES, ESTILOS Y TÉCNICAS; LOS FUE PERFECCIONANDO A LO
LARGO DE LOS AÑOS EN TALLERES REALIZADOS TANTO EN NUESTRO
PAÍS COMO EN EL EXTERIOR.FUE SIN EMBARGO DESPUÉS DE VISITAR UNA EXPOSICIÓN QUE NATALIA
DECIDE CAMBIAR SU TÉCNICA.
¿Cómo fue ese momento?Fui invitada por una colega a una muestra de grabado.Una técnica que conocía por mis estudios de arte, peroque no había tenido la oportunidad de observar en unanuestra y en el momento en que estuve frente a esasobras quedé maravillada. Desde ese momento comencéa estudiar la técnica de monocopia con Regina Romano.
¿Qué encontraste en el grabado que te sedujo tanto?Principalmente la libertad. La forma de trabajar te per-mite acceder a diferentes tipos de materiales. Comotoda expresión artística te da la oportunidad de inves-tigar, explorar, desarrollar un estilo, perfeccionarlo ypor sobre todo expresarte.
¿Y qué expresas en tus obras?Las cosas que me pasan o que siento. Me gusta estarcomprometida con mi tiempo y poder registrar lamirada que tengo sobre los eventos que ocurren ome conmueven.
ESTA PORTEÑA, HIJA DE INMIGRANTES
GRIEGOS, COMENZÓ A VINCULARSE
CON EL ARTE ESTUDIANDO SU HISTO-
RIA, LA EVOLUCIÓN DE LAS DIFEREN-
TES CULTURAS, INTRODUCIÉNDOSE
EN LOS PORMENORES DE LA PINTURA
DE NUESTRO PAÍS, DE LA MANO DEL
PROFESOR OSVALDO SVANASCINI.
Natalia
Entrevista por Miguel Ángel Chirico
Abus
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x 90
cm
Dándolo
¿Qué es la monocopia?El grabado, de acuerdo a la técnica que el artista utilice tepermite realizar muchas copias de una misma obra. En elcaso de la monocopia, se trabaja sobre placas de vidrio,metal o acrílico, con tintas de muchos colores. El artistadebe trabajar rápidamente en los trazos porque antes quelas tintas se sequen sobre la superficie, los grabados se lle-van a una prensa para ser fijadas en el papel. El modo detrabajo no permite hacer más de una copia a partir decada grabado y por esto cada obra es única e irrepetible.
Y no tiene vuela atrás…Eso también lo hace interesante porque a la impronta delartista se le suma la sorpresa que puede dispensar la distri-bución que la tinta realice finalmente sobre el papel.
¿Es una técnica con muchos cultores?Varios artistas de grabado realizan de manera ocasio-nal algún trabajo de monocopia, generalmente paraalguna exposición o muestra en particular, en mi casono creo equivocarme si digo que soy la única artista
plástica que desarrolla ésta técnica de manera ininte-rrumpida y me propongo además profundizar en lamisma y formar nuevos realizadores.
¿Estás pensando en enseñar la técnica?Efectivamente, en poco tiempo comienzo mis talleres demonocopia porque ya son muchos los artistas que memanifestaron su interés en el tema y fundamentalmenteporque la técnica me apasiona y creo que tengo conoci-mientos y herramientas para aportar. Tengo un atelier enla calle Paraná al novecientos donde en breve comenzarea enseñar esta técnica de grabado.
Desde el año 1991 las obras de Natalia fueronexpuestas en numerosas muestras tanto nacionalescomo internacionales con muy buena crítica; elTeatro Cervantes, La Botica del Ángel, Miami, Italia yEspaña son lugares donde sus obras se encuentrana la vista del público de manera permanente.
www.nataliadandolo.com.ar • [email protected]
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Mushy Mansilla Derqui [email protected]
Estos caracteres son la muestra de una obra muy simplifica-da, son letras, símbolos, lenguaje... que han adquirido vidapropia a partir de la voluntad de creación del artista. Sueñosy realidades se han materializado a través de la alquimia delpensamiento, que busca la síntesis en la forma y llegó a loque se ve en el soporte. No fue fácil, pero el lenguaje, lacomunicación como temas, generaron en la obra una infini-dad de imágenes que estaban en mí, pero no sabían salir y
mostrarse.Nada es casual, todo es obra del estudio de ritmos, formas ytensiones. Estados de ánimo y sensaciones forman los colo-res. La música la naturaleza, todo sirve y para controlar lamano y cubrir de símbolos, la nada absoluta del soporte.Formar y decir, narrar intentando escapar de modelos canó-nicos y automatismos lingüísticos.
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Liliana [email protected]
El dibujo en tinta es para mí un trabajo recurrente. Despuésde una etapa de color intenso vuelvo a ese estadio absolutoe incontestable del blanco y el negro. Son paisajes urbanos.En ellos hay grafías en las que los perfiles de una ciudad serecomponen en una síntesis estructural hecha de fragmentosy superposiciones y un pasaje sutil al gris en las diferentes tra-mas que utilizo en un espacio delimitado. Esta imagen podría
corresponder a cualquier ciudad pero es Buenos Aires. Ella esel centro de mi paisaje. Hay en ella un orden caótico. Hayabismos y calles vacías como escenarios y personajes y anima-les extraños, esa variada fauna que componemos todos en suintrincada geografía y sus laberintos. Puede ser, como en “Eljardín de senderos que se bifurcan”, (J. L. Borges), una enor-me parábola o adivinanza cuyo tema es el tiempo.
Grafías suburbanas. Tinta s/papel. 0,90 x 1,20 cm. 2004.
Mirta Elena Benavente Tel. 011/ 4832-0180infobenavente@yahoo.com.arwww.mirtabenavente.artelista.com
La búsqueda y dominio de la materia, de las múltiples formasque acaparan el espacio y lo hacen latente, siendo el desarro-llo tonal un marcado rasgo diferenciador del proceso creativoque conlleva pues, no sólo indagación, sino introspección delos propios sentimientos y emociones y una sustancial asimi-lación del entorno como clave de un logrado, de un positivodesarrollo artístico.El divagar entre lo figurativo y la más pura abstracción esfruto de una intensa búsqueda, de una lucha por sondear elespacio latente y dar fiel respuesta a inquietudes y desasosie-
gos, dar explicación a lo incuestionable del ser, a su desarro-llo formal, a su profundizar en caracteres.Todo ello, como fundamental exploración, como pilar necesarioen la elaboración y representación de lo sustantivado en lamente creadora que Benavente concibe y elabora de maneraacertada como primordial vía en su proceso artístico.Lo simbólico llevado al terreno espectral, al imaginativo cos-mos ingeniado por la autora.
Francisco Arroyo Ceballos
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Marita [email protected]
La escena que muestro, pese a su aparente candor y a sureferencia a iconos asociados con la niñez (mi cuaderno dela escuela primaria), admite varias posibilidades de “pene-tración” interpretativa. Una, formal, está dada por la con-traposición entre la voluminosa figura del primer plano yesa suerte de telón de fondo que la gallina indaga con avi-dez. Otro abordaje es el que sugiere la presencia de untexto, pueril y rudimentario, pero vinculado nada menosque al secreto de la vida.
Cuento V: Gallinitas
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La obra de María Agustina nos impacta por su coloridoy delicadeza, la utilización de fondos plenos contrastan-tes en contraposición con los detalles de algunos secto-res, equilibran la obra en forma sorprendente. La femi-nidad expresada en su última serie nos revela su perso-nalidad y ese yo interior de la mujer, definidas por ladulzura y sensualidad que la autora trasmite en la obra.El gran formato y colorido de sus obras no pasan des-apercibidos ante la mirada del espectador, quien va delasombro producido por el impacto de colores a lacuriosidad de ir descubriendo fragmentos que sonobras en si misma, en un contexto y temática absolu-tamente distinta a la composición global de la obraque los contiene.
Mario Restaino
Maria Agustina
BainottiPintora y escultora argentina, nacida en General
Deheza y radicada en la ciudad de Villa María,
Córdoba. Estudió dibujo y pintura en Bellas Artes,
escultura con el artista Mario Rosso y restauración
de obras de arte con el profesor Alejandro Caraduje.
Cuenta con más de 80 muestras colectivas y 40
exposiciones individuales. A nivel internacional par-
ticipó en cuatro oportunidades de la Bienale
Internacionale de Florencia, Italia, de Arte Clásica
Montreal, Canadá, de Feria de Arte en Puerto Rico
y Artexpo en New York.
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Hemos Ilegado mucho más lejos que los viejos temoreslingüísticos planteados por Martín Heidegger.Nuestros diálogos, se reducen a verdaderos "Combos"vacíos, pero lo suficientemente versátiles para serentendidos en un intercambio que en realidad se tradu-ce en gestualismos o "gags" cifrados.Nos hemos transformados en sujetos con predicadosorales mínimos que a veces suenan a graznidos funcio-nales que sirven para corroborar una relación dialógicaelemental. Los diálogos acaban entonces en intermen-sajes neutros o circulares, es decir, sin posibilidad deinterrogantes en suspenso reflexivo. Somos como mur-ciélagos virtuales emitiendo mensajes muy simples quehacemos rebotar contra otro para escuchar nuestropropio eco. El receptor ha desaparecido. El receptor deesa emisión, somos nosotros mismos.Despojados del valor de lo intransferible. Liberados dela palabra del otro y de la nuestra. Liberados del cuer-po del otro y del nuestro, ahora animados en pantalla.
¿Qué sentimos cuando de pronto nos encontramos conun amigo en un café?. Descubrimos sin confesarlo, quenuestros diálogos no son nuestros. Percibimos que solonos mostramos un segmento de basura o chatarra quese confunde entre el mensaje y el soporte. Descubrimossin confesarlo, que lo verdadero es el vacío y el indesci-frable "ruido de fondo" de un enigmático origen quenos supera como hombres y como personas.Hoy por hoy ya estamos dentro de una pecera con luzpropia. Una pecera autosuficiente y opuesta a los efec-tos cambiantes del cielo con sus bendiciones o maldi-ciones meteorológicas.En este nuevo "reality show" omnipresente, podemostrampear el tiempo real desplegando un “kit vivencial"en combinatorias y variables pautadas de antemano. Elcuerpo real del comunicador se transforma en especta-dor de su propia imagen dentro del circuito cerrado. Loreal y lo virtual entran en un contrapunto fusionalhaciendo desaparecer las diferencias. Y es allí, donde
NUESTRAS PALABRAS HAN
CAMBIADO CON EL TIEMPO.
EL DISCURSO CLÁSICO Y
GALANTE DIO LUGAR A UNA
SINTAXIS PRAGMÁTICA ENTRE
LA CODIFICACIÓN Y LA
ESPECIFICACIÓN DE FONEMAS
Y NEOLOGISMOS TÉCNICOS.
por Víctor Dabove
1.
desaparecidosLos nuevos
ante la desaparición de lo real en lo virtual y lo virtual en loreal, nace el concepto "en tiempo real". Nuestro cuerpo esobjeto de un observador virtual testigo de nuestra realidadprestada. En todo caso siempre tiene que existir alguienafuera para poder comprobar nuestra desaparición.No hay que dudarlo ni un minuto, la extensión de las auto-pistas informáticas, conducen a una desertización sin pre-cedentes del espacio real y de todo lo que nos rodea. Ya nohay distancias. El correo electrónico aboliendo y envene-nando esas distancias con el vacío, liquidaron definitiva-mente el espesor metafísico de la espera, su valor simbóli-co y el ámbito del imaginario colectivo del espacio real. Porotro lado, la espera para que "baje" una información porInternet no es más qué la consecuencia del tráfico de datossatelizados sin intersticios de silencio, en un orden de con-tinuidad circular que por exceso, se desdobla en ausenciaabsoluta de sustantividad entre emisión y transmisión:En el medio del que pregunta y el que responde, estoy yo,
el desaparecido, un segmento de información fusionada enla red, un pulso que aparece y desaparece aquí y allá hastano dejar rastro alguno.Solo nos atrevemos a mirar lo que no nos pertenece. Elanhelo, somos nosotros mismos. Solo vemos lo que nospermite ser desaparecidos. Allí estamos todos.Telespectadores aturdidos suavemente, queriendo serarrancados de la existencia.Allí millones de seres se ven actuar por otros. Allí nosvemos muertos, en una escenografía patética que respe-ta la performance de una buena cobertura periodística,estetizada según el medio de marca que elija el abonado.Muertos, sin espesor, libres de olores nauseabundos.Libres del azaroso contacto frío con el cadáver. Eludidosdefinitivamente de una reacción humana. Hagamos zap-ping con la muerte. Zapping, visual, táctil y auditivo.Con el contestador activado, fijo y móvil, somos des-aparecidos voluntarios. Desaparecidos girando a perpetuidad en el espejo de unsatélite. Imposibilitados de morir, aunque ya estemosmuertos para siempre.
¿Dónde estoy yo?,
¿Dónde están los datos que me Ilegan?.
¿Estoy Ilegando yo a los datos o estos
Ilegan a mí?
2.
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Silvia Trini nos invita a disfrutar su particular obra de icono-grafía significativa, donde formas orgánicas y líneas defini-das se desarrollan en perfecta y vital armonía sobre man-chas de color.Se perciben influencias de un surrealismo iconográfico,donde evolucionan los tonos pastel entre el orden y elímpetu, el equilibrio y la energía, encaminándose hacia ununiverso propio, ingenuo y dinámico.
Artista intimista, nos revela amables mundos paralelos cla-ramente delimitados sobre un magma de colores, dondesus fantásticos personajes se interrelacionan en lenguajegeométrico con la abstracción, propiciando una composi-ción armónica y festiva, que transmite la alegre esponta-neidad de una estudiada visión infantil.
Pilar Roldán, España
Silvia Trini (0341) 153 403628 • (0341) 447 [email protected]
Esp
ejos
del
alm
a.
Ruth Patricia Garcí[email protected]
La obra de Ruth nos transporta en primera instancia al mundodel dibujo, donde las fusiones sutiles entre este y el collageengañan nuestra percepción visual. El contraste producidoentre el espacio vacío, generado con el dibujo a modo deboceto, y los sectores con detalles, generan en el espectador
la curiosidad de recorrer la obra e ir descubriendo las áreas detransición, quedando maravillados ante tan excelente técnicay creatividad que la artista desarrolla en sus trabajos.
Mario Restaino
Personaje. - Dibujo, lápiz color y collage. 35 x 50 cm.
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Nota
Profunda y visceral, se entrega sinretaceos a la potencia del agua-fuerte. Corta las chapas, las mol-dea, les infunde nueva vida enrepresentaciones que aluden amundos futuros o pasados, …cre-ando una especial movilidad…Como corolario de una larga yesforzada carrera que incluyómuestras en espacios nacionales einternacionales y premios en diver-sos salones, entre ellos el GranPremio de Honor del SalónNacional de Dibujo y Grabado en1995, acaba de recibir otra distin-ción consagratoria: el primerPremio en Grabado del LII SalónMunicipal de Artes PlásticasManuel Belgrano.Vale la pena examinar con profundi-dad su obra, armada con extremasensibilidad en un despliegue deestructuras arquitectónicas que seentrecruzan y surcan el espacio…desde el atrás absoluto a un frentecasi corpóreo. Aunque se muevecómodamente en el grabado en unrestallante despliegue de energía,creando contrastes, líneas y texturasque contribuyen a aumentar esasensación de fuerza… A pura ener-gía la artista sigue dando testimonioen cada una de sus sugestivas obras.
Diana Castelar.
Revista estímulo, 04/ 2008
ZULEMA PETRUSCHANSKY Y UNAARQUITECTURA MISTERIOSAPetruschansky desarrolla en su tallerconstrucciones impactantes, simila-res a templos y edificios que sealzan a los cielos, cortando lasnubes, alcanzando espacios nuncavistos. Nuestra artista, ganadora en2007 del 1er. Premio de Grabadodel Salón Municipal de ArtesPlásticas Manuel Belgrano. …utilizapara sus obras todos los misteriosque en otro tiempo habrían estadocatalogados como de la alquimia: eltratamiento de los metales, los pro-cesos de bruñido y tanto otro deta-lle de preciosa elaboración quetiene como objetivo lograr la ópti-ma calidad en el grabado, es unarte que domina a la perfección.
Ilona Selmeczi.
Revista Dirigencia, 2008
Zulema Petruschansky tiene unamerecida buena fama –local e inter-nacional- por su larga labor comograbadora. Hoy, ha cambiado nosolo de técnica sino ha alterado ellenguaje en una serie que llamó“Ciudades Invisibles” y que seencuentra entre lo más logrado quede ella conocemos.Se trata de un vasto conjunto detécnicas mixtas -o experimentales-que han dado forma a sugerenciastanto terrenas como astrales.Ciudades de acá y de allá, fundadaspor Zulema Petruschansky en unabrillante etapa de su carrera.
Albino Dieguez Videla.
La Prensa, 26-06-2005.
LA VISIÓN DE SU
OBRA A TRAVÉS DE
LA CRÍTICA
PetruschanskyZulema
Zulema Petruschansky logra unir exi-tosamente diversas técnicas gráficas.El soporte es un caos visual y estaexpresión no es en absoluto peyorati-va sino lo que se entiende comoestructura, un hecho que la enrique-ce. Esta visión quebrada va de a pocorevelando arquitecturas, fragmentosgeométricos, líneas gestuales, lainclusión del collage y la fotografía
digital en obras inmensamente elaboradas. Los elementos reuni-dos van configurando un paisajeque acusa los estímulos visuales alos que estamos sometidos peroque, a su vez, enfatiza la bellezaarquitectural, eje de la imagen quefascina a esta excelente artista dela gráfica argentina.Laura Feinsilber. Ámbito Financiero, 2005.
Zulema Petruschansky arma sus obrascon extrema libertad y evita las for-mas fáciles y superficiales… Las obrasson de apariencia no figurativa por-que responden a una visión interiori-zada, se refiere a paisajes internos,símbolos, signos e ideas que apuntana recuperar la naturaleza desde unpunto de vista muy subjetivo…
Aldo Galli. La Nación, 1992
Estas obras fueron ganadoras del 12º Bienal deChina de Dibujo y Grabado año 2006 y la BecaFullbright de la UNESCO, recientemente ganada.La imágen de la foto es un fragmento de laobra en movimiento se titula "Jugada Final"
De ellas el crítico de arte César Magrini dice:“Nilda Fernández Uliana esculturiza la pintura,con su exelente técnica aporta una nueva einteresante relación espacio - tiempo”
ESTA OBRA ES CINÉTICAS
ESCULTÓRICAS DE GRAN
PORTE QUE ADQUIERE
MOVIMIENTO A TRAVES
DE UNA ILUSIÓN
VISUAL DIRECTA O
POR EL APORTE
DE UNA LUZ EN
MOVIMIENTO.
NildaFernándezUliana
Los sonidos del viento. Hierro soldado. Seleccionada en el Salón Nacional de Artes Visuales 2006
Comentario de Dominique Chapelle, crítica de arte delLouvre de París en oprtunidad de recibir el premio "LaToile D´OR" de La Federation National de La CultureFrançaise - Francia:“La belleza fuerza color la exelencia en la delicadarealización no despojada de vibración donde quedade manifiesto la imágen de su provincia natal ,hansido más que suficientes para este premio único a latrayectoria en Ciencia y Arte.”
En su doble rol de artista plástica y gestora culturalNilda Fernández Uliana desarrolla su actividad con unafuerte pasión sostenida en el tiempo. Desde hace 25años lleva adelante una galería de arte en la localidad deCity Bell, dando oportunidad para que la zona conozcatanto artistas consagrados como emergentes. Como
artista emplea diversos lenguajes plásticos a los que adi-ciona diferentes elementos que generan texturas y pro-vocan sombras. Nilda trabaja la pintura y la escultura deun modo similar, superponiendo redes metálicas queemergen del plano formando relieves y mezclas ópticasde color. La diversidad de técnicas aplicadas a la obra derivatambién en la creación de un objeto o puede alcan-zar la expresión del collage. Al desplazarse para con-templar el espectador encuentra en la continuidadde las formas una “estética de movimiento”, o comoocurre con el título de su última muestra “La percep-ción virtual”, la simultaneidad de los elementosempleados fue definida como la presentación de unapintura de proyección escultórica.
Julio Sapollnik
Nilda Fernández Uliana artista plástica, investiga con diversos materiales, lengua-jes plásticos y elementos escultóricos a los que aplica una luz en movimiento, quedirectamente o a través de su imagen proyectada generan un mágico e impresio-nante acontecimiento de volúmenes, texturas y sombras cinéticas.
Nilda, artista multidisciplinar, unifica escultura y pintura: mallas metá-licas, textura y color que conforman una interesante pintura de pro-yección escultórica cuyo estilo contemporáneo y personal revelauna técnica muy estudiada que le han llevado a ganar premios tanrelevantes como la Bienal de China de dibujo, "La Toile D´OR " deLa Federation National de La Culture Française o la beca Fullbrightde la UNESCO.
Su expresiva obra “Los Sonidos del Viento” transmite un equilibriomístico que nos transporta y eleva solemnemente desde la modernacontemporaneidad hasta las más antiguas culturas prehispánicas.
Pilar Roldán, España
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CarlosGigena Seeber 15 5577 1070 [email protected] www.gigenaseeber.com.ar
Sinfonía. Acrílico sobre tela.50 x 60 cm.
Naranja. Acrílico sobre tela.45 x 50 cm.
Reflejos sobre el agua. (detalle) Fotografía, 60 x 90 cm. 2007.
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Pilar Roldá[email protected]
El artista es un comunicador que investiga.Utiliza el arte como una herramienta que leayuda a conocerse y a interpretar su entorno,a crecer y a buscar nuevos caminos, nuevosretos y por fin proponerlos.Razonamos el arte, buscamos planteamien-tos capaces de abrir los ojos a los demásrespecto al entendimiento de nuestrasobras, o de explicar lo que hemos queridoentender o sentimos con las obras de otros,cuando el arte es fundamentalmente comu-nicación y para entenderlo, solo precisamosabrir el corazón."CREO EN MÍ" Plantea una solución positi-va basada en la creatividad. El personajedoliente, atrapado por un alambre de espi-no que le rodea y agrede, consigue, evadir-se mediante la creación, disfrutar de su pro-pia obra y compartirla. Es un canto al poderque surge de la riqueza interior y transfor-ma el dolor en energía creativa.
Creo en mí. Escultura realizada en fibra de vidrio y resina de poliéster sobre malla de acero. 180 cm. x 120 cm. x 160 cm.
- ¿Qué te parece esta idea?¡Organizar una feria de arte!
- ¿Qué te pasa? ¿Tomaste muchochampagne?
- ¡No! ¡Hablando en serio, conside-ro que se puede hacer! Lo impor-tante es cambiar el concepto, haceralgo diferente, donde el artistatenga una participación más activa,donde sea el protagonista.
- ¡Sí! Pero debes tener en cuenta queya hay varias ferias de arte en Buenos
Expo-artistas
UNA NOCHE, ALLÁ A FINES DEL
2003 MIENTRAS RECORRÍAMOS
GALERÍAS DE ARTE EN LA ZONA DE
SAN TELMO, EDGARDO MARCHESI
LE PREGUNTA A SARA DICIERO
UNA IDEA HECHA REALIDAD
Notapor Juan Bustos Echegoyen
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Aires, algunas de las cuales llevanmuchos años en el mercado.
- ¡Ya lo sé! Pero ése no es el proble-ma si hacemos algo distinto. Lasotras ferias son iguales en su concep-to: las galerías alquilan el lugar y ellasconvocan a los artistas; y son losgaleristas los encargados de comer-cializar las obras. En la feria que ima-gino, los artistas son quienes alquilanlos espacios, venden sus obras einteractúan con el público, con gale-ristas y coleccionistas; de esta mane-ra difunden su propia obra, realizancontactos, etc. Ésta es la diferencia.¡La diferencia reside en el concepto yes lo que permitirá organizar la feria!¡El cambio es lo que mueve almundo y le permite evolucionar!
- ¡Sí, es muy interesante! Pero igualconsidero que es muy complicadolograr ese objetivo, porque los artis-tas están acostumbrados a participaren las ferias representados por galerí-as; y lograr que cambien su concep-to sobre una feria de arte va a llevarun tiempo considerable y ese tiempoque yo digo, debe calcularse en años.Cada feria se realiza una vez al año, yel artista debe ver al menos uno odos eventos realizados para animarsea participar.
Continuaron la conversación conintercambio de ideas, sueños e ideas;hasta que en un punto surge la pre-gunta que hizo posible realizar laferia de arte.
- Escuchame Sara, vos sos artistaplástica, luego de todo lo que con-versamos, te pido que me respondas
con sinceridad:¿Participarías de una feria con estascaracterísticas?
- ¡Sí! Pero depende donde se realice.
Luego de unos meses...
- ¡Hola Sara! ¿Te acordás de la con-versación sobre la feria de arte?
- Si. ¿Qué pasa con eso?
- Si se realiza en la Rural, CentroCultural Borges u otro lugar similar,¿Participarías?
- ¡Por supuesto!
- ¡Bueno, te doy la primicia que lavoy a organizar! ¡Desde ya que noserá tarea fácil, pero no imposible!.Estuve charlando con algunos artis-tas y les pareció interesante. ConMario Restaino, que es artista plásti-co, comenzamos a trabajar y adepurar la idea. Tuve reuniones en el
Centro Cultural Borges y les interesóel proyecto. No será fácil, muchosnos acompañaran, pero el cambiode concepto para realizar una feriade arte está claramente definido.Eso sí, llevará un tiempo posicionarla feria en el mercado, pero creo quevale la pena intentarlo. ¿Te interesasumarte al proyecto?
- ¿Qué? ¡Estás loco, vos y tus ideas!¡Pero como bien decís, vale la penaintentarlo! ¿Cuándo comenzamos?
Así, una idea se fue haciendo reali-dad y luego de aproximadamente 2años de organización se realizóExpo-artistas 2005, ocupando tansolo un pabellón del Centro CulturalBorges; hoy en su 5° edición, que sellevará a cabo del 25 al 30 denoviembre, se utiliza la totalidad deldicho centro cultural, con la partici-pación de reconocidos artistasnacionales e internacionales.
Mario Restaino
(5411) 4656 9058 • 15 5904 1190 • [email protected]
HACIENDOUNA REFLEXIÓNSOBRE SU OBRA
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. Óle
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tela
100
x 7
0cm
. 200
8Notapor Marcos Ludueña
el artista nos dice que:
Ante esta situación de incomprensión razonada, se liberala acción creadora, innovando las fuentes esenciales masallá de la razón, en un capítulo que se traduce en esperasy ausencias y allí entonces habría que preguntarse hastaque punto ha sido vencida una cultura que subyace ennuestra memoria conocida y pugna tozudamente por per-durar a través de los siglos y lo consigue con las permanen-cias de sus ritos y creencias ancestrales.
La inevitable emoción que nos embarga cuando unanota o acaso color golpea nuestro corazón y nos remi-te, involuntariamente, a una zona que nuestra memo-ria reconoce, dolorida y melancólica como si esossonidos pertenecieran a un bello paisaje de nuestravida interior.
Así debe ser, quizás algunos de nosotros haya sidoparte de los sonidos, de esos colores, de las formas quealetearon en el aire claro cientos de años atrás.Con una basta formación académica, este artista que viveen la localidad de Ramos Mejía egresó de la escuelaNacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y luego realizó
talleres y cursos con Antonio Pujía, María Laura SanMartín, Leo Vinci, Américo Balan y Norberto Jofre entreotros reconocidos artistas.
Sus trabajos se basan generalmente sobre temática deAmérica indígena, por eso crea en dos dimensiones,no usa perspectiva ni profundidades, si no que con-cibe el plano como si fuera un tapiz. Incorpora anéc-dotas, cuentos fantásticos pero vistos desde un lugarno figurativo.
• REALIZÓ MUESTRAS INDIVIDUALES EN BUENOS AIRES,SANTA CRUZ, JUJUY Y ENTRE RÍOS.
• PARTICIPÓ EN PROGRAMAS DE EXTENSIÓN CULTURAL DE LACIUDAD DE BUENOS AIRES.
• CONGRESOS INTERNACIONALES DE ADMINISTRACIÓNCULTURAL CON ESPAÑA Y VENEZUELA.
• POSEE OBRAS SUYAS: EL MUSEO SÍVORI, MUSEO TERRY,MUSEO CALILEGUA, CTERA ENTRE RÍOS, UOM LAMATANZA Y COLECCIONES PRIVADAS.
…”A VECES LA VIDA APARECE COMO UN
ROMPECABEZAS…” RECONOCEMOS FRAGMENTOS DE
SITUACIONES, PEDAZOS DE PAISAJES, OBJETOS; PERO
AL TRATAR DE RECOMPONER LO REAL
EMPLEANDO EL ANÁLISIS, LAS PARTES NO ENCAJAN.
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tela
70
x 90
cm
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Armando Gentilli02941 45-0452 /15 [email protected]
"Armando Gentili retiene para la evocación unmomento ligado a un tiempo feliz de protección yamora para unos y de trabajo fluido e infatigablepara otros".
Julio Sapollnik
Un día en el Delta. Óleo. 50 x 60 cm.
De mi tierra (detalle). Óleo, 100 x 70 cm.
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Colores, pinceladas, sentimientos, una
conjunción perfecta de expresión.
Pintar es mi cable a tierra y mis obras son el
resultado de infinitas emociones
“ “Ana María Córdoba
Carina Cataldo 15 6741 [email protected]
Mi inquietud comenzó en la Escuela de bellas artes PrilidianoPueyrredón, siguiendo en la “Escuela Ernesto de la Cárcova”,y una licenciatura en artes visuales, quedando el caminoabierto a lo que vendrá. La obra refleja mi horizonte, es dondeme sitúo para obtener la paz que me brinda la pintura. Esehorizonte mítico capaz de vislumbrar, aquello que cuandocreo llegar más se aleja me trasciende escapando al infinito. Ydesde ese lugar fueron apareciendo las pinturas que hoy pre-sento. En este proceso espiritual; hay una búsqueda, llegando
a ser uno con ella, como dice el pensador Gubert en:Interpretando la iconoesfera: “La imagen laberíntica es pro-funda y tiene una voluntad de ocultación”; así es mi obra, yaque lo que oculta y manifiesta es mi identidad, y mi manifes-tación con lo divino. Por medio del gesto yo puedo conectar-me con mi sentir, con mi parte espiritual y con el afuera, cadauno de ustedes; espectadores; recrean y reinterpretan mi obraconectándose con mi ser.
Naranja. Acrílico sobre tela, 100 x 100 cm. 2009.
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Carla Ghiglione se recrea en la abstracción cromática, diversi-fica los matices, juega con pares complementarios y contras-tes de bella luminosidad.Utiliza la fuerza expresiva del color, delimitada al modo fau-vista, por una línea que lo enmarca y organiza en áreas inde-pendientes, como si de un vitral se tratara, donde la armoníay la estridencia juegan a provocar.Su obra “Impresiones del Verano” refleja un trasfondoemocional que invita a una reposada contemplación.
Pilar Roldán, España
Impresiones del Verano (detalle) - 2006. Técnica mixta s/tela, 70 x 80 cm.
Carla Ghiglione
La preocupación por la vulnerabilidad en que seencuentran los niños que viven en las calles de nues-tras ciudades en completa situación de abandono, porejemplo, revela su alma y con trazos y colores mani-fiesta sus sensaciones.
¿Cómo surgió la vocación artística en vos?En mi casa siempre se respiro arte en verdad más vincu-lada con la música. Después de tener familia comencé atransitar el camino de la pintura, no tengo formaciónacadémica, pero realicé varios talleres para perfeccionarmi técnica.
¿Qué cosas te llevan a pintar?No hay un tema especial, tiene que ver con momentoso situaciones.
¿Pero hay temas que te preocupan más queotros?Por supuesto. Hoy por hoy es muy movilizador el temade la defensa del medio ambiente. Hay una preocupa-ción exagerada por acumular plata y después queharán con tanta plata si no tendremos un planeta, unmundo en el que vivir.La responsabilidad es de todos, eliminar los resi-duos como corresponde, darle buen destino a las
bolsas y los plásticos en general. En mi obra éstetema está muy presente.
¿Se puede encasillar tu obra en algún estilodeterminado?Yo comencé por el arte figurativo, después me atrajo elarte abstracto que es donde más me manejo en laactualidad, pero no se puede decir que tengo un estilodefinido. No me gusta encasillarme me doy el permisode recrear mis sentimientos sin prejuicios ni ataduras.Los críticos suelen dispensar a Zully Melo elogios y con-sideraciones como la Licenciada Claudia Sanzi quesobre la obra comentó:”Nos muestra la dimensión desu realidad, la búsqueda de sus sueños, la lucha inter-na del hombre, sus misterios, sus fracasos, sus logros.Como así también sondea para revelar su verdad interior,de una manera expresada con pasión, emoción y coraje.
Zully nos permite ir más allá de los modos de ser yhacer, involucrando al espectador en un viaje de intros-pección y de exploración profunda, mostrándonos suvisión del mundo y de sí misma”.
Otra referencia es el curador y artista plástico EnriquePonde Boscarino para quién la obra de Zully refleja:”¿Un mundo de indagaciones?, ¿Un mundo mágico?
ES UN ALMA LIBRE, BUSCA CON SU TÉCNICA DE ESPÁTULA Y
ÓLEO Y A TRAVÉS DE LOS COLORES REFLEJAR LOS PROBLEMAS
COTIDIANOS DE NUESTRAS VIDAS.
Entrevistapor Miguel Ángel Chirico
Zully
Melo
¿Un mundo de interpretaciones? ¿Un mundo depercepciones?...Es en realidad el mundo de Zully Melo una artista quecrece de adentro hacia fuera, que lucha diariamente,tomando como arma el trabajo cotidiano frente a latela; que se sumerge con pasión en su verdad interior,
en su mirada del mundo que la contiene, que buscaexpresarlo mientras se expresa, que busca aprehender-lo mientras lo sueña…
En síntesis: “alguien que va dejando rastros ciertosde su existencia”.
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Ésta artista nacida en Uruguay se crió primero en
Brasil y posteriormente en Argentina donde se arraigó
definitivamente, desde su blog zmello.blogspot.com
le informa a sus seguidores y público en general cada
uno de sus pasos, entrevistas y obras.
En unos meses estará exponiendo en el Casino Sol de
Victoria en la Provincia de Entre Ríos y de no mediar
inconvenientes será una expositora más en la muestra
Expo-artistas 2009 que se realizará en noviembre en
el Centro Cultural Borges.
Marithe Becares 49631310/1568033440 [email protected]@arnet.com.ar www.marithebecares.com.ar/pinturas
Curiosas extrañas formas proteicas, calificadas según el
envolvente carácter estético de la artista que le ha dado pro-
tagónico lugar en sus muy equilibradas composiciones, que
son un ejemplo de equilibrio, pueblan las raras visiones plás-
ticas de esta artista, que en sus cuadros parece estar narran-
do sueños y quimeras difícilmente alcanzables, algo que
para ella es la materia prima de sus felices telas.
Cesar Magrini
El eje de mi producción artística es laintuición, la libertad y la inocencia. Un lugar donde los colores iluminancon su vida y el espacio no tiene límites.Mi obra es un camino de exploracióncontinua hacia un lenguaje secreto de significados y respuestas.Dejo lugar a que la pintura me diga,me atraviese, me desarme.El azar es mi guía.Mis pinturas son huellas a ser descu-biertas, donde invito al espectador abucear en el misterio de las formas
“
“
Domingo Florio4247 [email protected]
EL CUERPO DE LA IMAGEN
La desmaterialización de la imagen ha transformado-en la era digital- el imaginario de la figura humana. Estecambio puede observarse a través de la historia del arte delas últimas décadas. El desvanecimiento de la imagen pro-puesta por las nuevas tecnologías presenta la identidad delsujeto postmoderno.
Domingo Florio se detiene ante estos nuevos paradig-mas, y escoge del expresionismo figurativo sus modelos pic-tóricos. Esto nos lleva a considerar el cuerpo y sus metáfo-ras, en toda su magnitud espiritual como depositario y pro-tagonista del sufrimiento humano.
Su pintura evidencia los signos profundos y poco habitua-les de una estructura basada en el reconocimiento de laalteridad. El aglutamiento matérico y cromático condensauna tarea de indagación del espíritu epocal exploradodesde la interioridad.
En la pintura vemos brillantes colores saturados sobresalir deltejido pictórico de carácter sombrío y oscuro, al igual que enla serie negra “goyesca”. Esos relámpagos de color denotansu sentimiento pictórico, que es aquel de restauración e inte-gración del individuo en un estado de vibración emotiva pro-yectada como escritura.
Rosa Faccaro
A.A.C.A - A.I.C.A
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LAURA MEMA
Mi obra se basa en la creación de espacios artificiales, insólitos y extravagantes , manipulando movimiento, color, tiempo y espacio, apuntando a la transformación de la materia y la dimensión del espacio para lograr efectos ópticos, nutriéndose de la literatura fantástica y la ciencia ficción.
Mis pinturas son construcciones plásticas que demuestran la tridimensionalidad, tratando de alcanzar un equilibrio formal entre el espacio real y el espacio ilusorio, a partir de fondos abstrac-tos como forma de exploración de lo desconocido, donde se juega con la interrelación de colores en base a la idea de ritmo.
La sensación de movimientos intrínsecos entre pintura, pigmentos en pasta, material serigrafico, vinilos, telas y papeles reciclados, crea alteraciones múltiples a través de veladuras, como si fueran capas químicas creando imágenes de una fantástica percepción visual de personajes sumergidos en ambientes abstractos, imaginativos y totalmente ficcionales.
Para que esta técnica que desarrollé de el resultado visual que pretendo ,se resalta a través del efecto lumínico de la luz ultravioleta como elemento transformador de la obra .
Las imágenes provocan imágenes raras y refinadas, combinándose con el culto a lo artificial y no a lo natural, como todo lo relativo a la creación de nuevos “Paraísos Artificiales” como lo es el arte, los elixires, métodos de entretenimiento novedoso y generadores de alucinaciones.
ContactoGeorgina Gaimari [email protected]
www.lauramema.com
Physical Attraction(1,90 m x 1,30m)
How High (1,30 m x 1,00 m)
Inside of Me (1,30 m x 1,00 m)
Nacida en la ciudad de Santiago del Estero y luego de haberse recibido de licenciada en pintura en la Universidad Nacional de Córdoba, Argentina en el 2006, emprende su viaje, por EEUU, Cuba, Costa Rica y Europa. Afincándose en Madrid, donde reside y tiene su estudio.
Hoy se detiene, y elige a Amsterdam como “nueva casa” de sus obras, considerando que es el ambiente potenciador para sus pinturas, poseedoras de una técnica que le es propia, única y no convencional.
Su próxima exhibición tendrá lugar en la WALLS GALLERY de Amsterdam- Holanda en Octubre de 2009, exhibición permanente hasta el mes de diciembre.
“Con seres esperanzadamente ficticios, que por momentos emergen desde los ominosos subsue-los de la pesadilla, la artista que rodea a sus criaturas de un espeso clima de premoniciones va esculpiendo esos rostros fantasmales y afirmando así, un temperamento rico en sugerencias plásticas, en el que afloran por igual el realismo y la fábula." CESAR MAGRINI
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por César Sondereguer. Ex-titular de Cátedra Diseño y Arte Precolombino. FADU - UBA.
Amerindia,la gran desconocida
Nota
Aún, en el 2000, no se ha promovido concientizar en laenseñanza primaria, secundaria o terciaria la magnitudpensante que aquellos hombres lograron. Se ignora quie-nes fueron sus altas y medias culturas; la historia de susideologías políticas, míticas y sociales manifestadas en suscostumbres y plasmadas en sus realizaciones; las enésimasobras artísticas, sus plásticas y sus estéticas; su lúcida inte-lectualidad aplicada en economía, matemática, astrono-mía, construcciones e ideografías semióticas.¿Se tiene una idea de tales expresiones, habidas desdeMéxico al Noroeste Argentino por más de tres mil años, enla enorme civilización de religiosidad animista y técnicaneolítica, compuesta por más de veinte altas culturashegemónicas e infinidad de medias y bajas? Todo ese uni-verso polifacético, de panamericana longitud y talento, esaún lejano, oscuro, intrascendente, sin vigencia. Así noseducaron y no se percibe algún cambio en querer que anuestros hijos no les pase lo mismo.Numerosos arqueólogos, antropólogos e historiadoressociales y del arte fueron y son una pléyade de investi-gadores que, desde hace más de doscientos años des-entierran urbanismos, templos y tumbas, abren selvas,escalan montañas, conviven reservaciones indígenas yenhebran conclusiones. Esta pasión investigativa no se difunde como merece,todavía no es de público conocimiento: pareciera que anadie interesa. Ni a los estudiosos que no desean “perdersu tiempo” en promociones culturales ni a los medios quesuponen que “no es noticia” redituable. Craso error, des-pertar el interés del pueblo por hechos que le incumben yque conforman la memoria de su pasado, realizado conpasión, ingenio y amenidad, es perfectamente redituable.Se ha demostrado muchas veces.Deberíamos conocer, al igual que la historia del “ViejoMundo” el acontecer secular de este “Viejo NuevoMundo”: hacer una “cuña” educativa e introducir el sin-gular desarrollo americano. Saber que unos dos mil añosantes de nuestra era, en América hacía ya mucho que sehabía inventado la agricultura. Que este sedentarismo
agrario provocó, en las culturas hegemónicas, el nacimien-to de mitologías protectoras que propiciaran la armoníaentre Cielo y Tierra. Que los mandos religiosos y políticosfusionados establecieron dogmas teocráticos que motori-zaron una colosal creatividad de todo tipo: ingenieríahidráulica para riego; urbanismos de culto, civil, astronó-mico y militar sobre fundamentos cósmicos; observacionesastronómicas, invención de calendarios, matemática yjeroglíficos; esculturas, cerámicas, dibujos, pinturas, texti-les y orfebrerías con fundamentos míticos.Es evidente lo poco que se ha hecho para divulgar taleslogros, analizando conclusiones que mejoraran nuestropresente en aspectos ecológicos y sociales. Hoy, en algu-nas escuelas, sólo se comentan superficialmente tres cul-turas: inca, maya y azteca. Pero ese fue sólo el glorioso yheroico final de la coherente civilización amerindia, ocurri-do hace quinientos años.Lo sensato sería hacer lo que no se ha hecho: empezarpor educar y continuar por difundir para abrir posibilida-des culturales que colaboren con nuestro presente. Enesto, el estado debería tener un papel conductor paraimplementar la promoción de la historia, las ideas y lasobras amerindias; maestros yprofesores lo enseñaríamos. Nimás ni menos lo que hacentodos los países herederosmemoriosos y agradecidos desu pasado continental.El interés, la valoración, lavigencia y el amor nacensiempre del conocimiento.El problema no es ser igno-rante puesto que se puederemediar y, en mayor omenor grado, todos losomos; pero, un gravísimoproblema surge cuando noqueremos dejar de serlo.
¿QUÉ NOS HAN ENSEÑADO DE LA AMÉRICA ANTIGUA? ¿QUÉ NOS INFOR-
MAN HABITUALMENTE LOS MEDIOS SOBRE LAS GRANDEZAS DE
AMERINDIA? ¿QUÉ SE DIVULGA DE LOS ESTUDIOS REALIZADOS SOBRE LAS
ANCESTRALES CULTURAS AUTÓCTONAS? TODOS SABEMOS QUE CASI NADA.
[email protected]. 4866-2786 • www.culturaaldia.com.ar
PergamonmuseumVisita obligada en Berlín.
Tramas contemporaneasMuseo Nacional de Arte Decorativo
ENTREVISTAS
Sergio BeraldiHoracio PenaSalvador Costanzo
artes5art
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L A R E V I S TA D E A R T E C O N T E M P O R A N E O
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Expo-artistas. Una idea hecha realidad.
AÑO I • NUMERO I • 2009 ARGENTINA $ 3.-
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NOTAS
FERIA INTERNACIONAL DE ARTE, DEL ARTISTA AL PÚBLICO
Expo-artistas 2009
25 al 30 de noviembre
www.expo-artistas.com.ar • (011) 4658 6976
![[a.S Edelstein, R.C Cammaratra] Nanomaterials Syn](https://img.dokumen.tips/doc/110x75/577ca77c1a28abea748c6b7a/as-edelstein-rc-cammaratra-nanomaterials-syn.jpg)
