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El primer retrato que pinté (Latía Marieta) era el de la herma-na de mi abuelo que estaba ca-

sada sin hijos. Yo no tendría ni dieci-siete años. Ha quedado retratada talcomo era, haciendo media con agujaspara niños pequeños. Fue un cuadroque gustó mucho a todo el mundo. Re-cuerdo que estaba en Portbou y elAyuntamiento me dedicó una exposi-ción”. Así evoca sus comienzos Ánge-les Santos (Portbou, 1911) una niñaprodigio cuyo precoz talento estimu-laba la directora de su colegio hacién-dole copiar láminas de Ingres.

En la historia de la pintura por susdos emblemáticos lienzos Un mundoy La tertulia, que compró María Co-rral para el Museo Reina Sofía de Ma-drid, y a punto de cumplir un siglo, lapintora retiene la serena belleza y losetéreos ojos azules que enamoraron aEmili Grau Sala. La artista catalana ac-cedió a ser entrevistada para nuestrarevista y se presentó a la cita risueñay vital acompañada de su hijo, el pin-tor Julián Grau Santos y de AlbertoVega, director de Albert Gallery don-de expone con regularidad sus últimascreaciones. Fue un encuentro entra-ñable que se prolongó durante horasen el que con una admirable lucidez(‘siempre he seguido con interés lascríticas que hacían a mi obra’) recor-dó los episodios más significativos desu vida ahondando en detalles y anéc-dotas en una conversación que tieneya valor histórico.

“De joven tenía la costumbre de re-galar mis pinturas, no las vendía, ¡nosabía qué era el dinero!”, confesabacon una risa tímida reconociendo que“como mi padre era inspector de adua-nas gozábamos de una posición muyholgada que permitía a mi familia en-cargar mis vestidos a las Galerías La-fayette de París”.

Los tempranos logros de esta artis-ta adolescente no pasaron desaperci-bidos para sus contemporáneos. En unartículo publicado en El Norte de Cas-tilla en 1928, Francisco de Cossío tes-timonió que “La revelación más inte-resante de la exposición organizada porla Academia de Bellas Artes, nos la hadado la joven expositora Angelita San-

“Decían que era un genio pero nunca me lo creí”

ÁngelesSantos

entrevista

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tos. He aquí un caso de precocidad ver-daderamente extraordinario, pues esamuchacha no cuenta sino dieciséis años(...)”.

Sólo entre 1928 y 1930, pintó 16cuadros en una etapa de frenética cre-atividad que acabó quebrando su sa-lud llegando a convencerse de que supintura, oscura y dramática, era la cul-pable de su sufrimiento “empecé a pin-tar flores porque decidí que no queríapintar cosas tristes. Me dije a mí mis-ma ‘ya no pinto más cuadros estram-bóticos, de ahora en adelante sólo harécuadros del jardín’. Durante la con-versación, salió de sus labios una fra-se lapidaria que explica por qué aban-donó temporalmente la pintura “dejéde pintar porque no quería sentirmeextraña”.

Un mundoÁngeles Santos conoció el éxito con

apenas dieciocho años. Era un espíri-tu inquieto y desbordado que, en 1928,deslumbró a la crítica y a los intelec-tuales con Un mundo, una composi-ción en la que dando rienda suelta asu exuberante imaginación, se convir-tió en una obra maestra del surrealis-mo español. “Para pintar Un Mundome inspiré en los viajes en tren que ha-cíamos por España con mi padre, quelo trasladaban de destino cada tres años.Durante aquellas travesías me asoma-ba a la ventana y mis ojos captaban to-dos los detalles. Un día al llegar a micasa, le dije a mi padre ‘quiero un lien-zo para pintar el mundo’. Mi padre loencargó a la sala Macarrón. ¡Hubo queunir dos bastidores enteros! (320 x 340cms). Me subía a una escalerita parapintar, y puse un colchón a los pies delcuadro, en el suelo. Allí me echaba ycuando surgía una idea de madrugadame levantaba corriendo para reflejar-la en el lienzo. Tardé en pintarlo sóloun mes porque ya lo tenía en la cabe-za. Yo había escuchado entonces queel hombre llegaría al planeta Marte yeso me impresionó. Pinté ese cuadropara que lo enviaran allá y que los mar-cianos supieran cómo era nuestro pla-neta Tierra. Como pintar el mundo re-dondo me resultaba más complicado,lo hice en forma de un cubo, y ahí ca-bían muchas cosas, como las ciudadesy la gente. Abajo pinté unos extrate-rrestres, con un cuerpo con un arma-zón de alambre, sin pelo y sin orejas.Junto a ellos hay otros seres pequeñi-tos que cogen la luz del sol con una teay encienden las estrellas. Me inspiréen un poema de Juan Ramón Jiménez”y cita de memoria los versos: '...ánge-les malvas / apagaban las verdes estre-llas. / Una cinta tranquila / de suaves

violetas / abraza amorosa / a la pálidatierra" mientras sus ojos azules des-prenden un brillo especial.

Ese mismo mes acabó también Ter-tulia, considerado uno de los grandesexponentes de la influencia de la Nue-va Objetividad alemana en la pinturaespañola de los años veinte. Una obraque recuerda a las de Tamara de Lem-picka y, a la vez, a las de Balthus. “Jun-to al caballete, tenía un piano y pararelajarme tocaba melodías de Albénizo Granados. El piano también me gus-taba mucho, pero elegí la pintura”.

Un año antes, habían visto la luzotras dos de sus obras clave: La Mar-

“No soy consciente de milugar en la historia de la

pintura. No tengo nada quedecir sobre mí. Mis cuadros

están en el Reina Sofía ytambién se han escritolibros. Ahí está todo”.

Autorretrato.

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quesa de Alquibla y su Autorretrato. “Mi autorretrato lo pinté cuando te-

nía diecisiete años. Puse frente a míun armario con luna y me miraba al es-pejo. Me retraté tal como iba habitual-mente, yo solía ir muy mal vestida, has-ta pensaban que podía ser una pobre.No le daba importancia ni a la ropa, nial peinado, ni a mí. A veces me fuma-ba un cigarrillo. Casi ni comía por irmea toda prisa a pintar. Recuerdo ir porla calle con mi padre y que los chiqui-llos al verme murmuraban ‘qué raraes’. El autorretrato refleja a una jovende aspecto rebelde y mirada intensaen un cuadro de técnica y lenguaje yamaduro.

Grau Sala Antes de conocer al que sería su ma-

rido y de quién fue musa principal,Emili Grau Sala, Ángeles Santos tuvoentre sus ilustres pretendientes a Ra-món Gómez de la Serna “un día vinoa verme y me reconoció que pensabahaberse casado conmigo pero que mehabía encontrado demasiado rara y ha-bía pensado ‘uy, ésta a lo mejor meabandona’. Lo recuerdo con cariño,fue muy amable, vino a mi casa de Va-lladolid a conocer a mis padres y sequedó una noche. Pero no se atrevióa dar el paso, imaginó que luego lo de-jaría y me iría”. Antes de eso, Gómezde la Serna había escrito en La Gace-

ta Literaria de 1930 “Ángeles Santostoca el cielo con las manos”.

“De Grau Sala me enamoré porqueera pintor. Le conocí en una galería dearte que había acudido a visitar con miabuela. Al salir nos invitó a tomar unahorchata en una cafetería cercana, yterminó acompañándonos a casa. Cuan-do llegamos a Portbou mi abuela dijo‘és molt bon noi’, hazle caso’. Y esohice. Por mí no hubiera hecho nada, afin de cuentas sólo lo había visto unavez y no me había fijado mucho en él,había estado más pendiente de los cua-dros que exponían”.

La influencia de Grau Sala fue otrofactor determinante para que su pin-tura cambiara de rumbo “me dije ‘yano pintaré esos cuadros tan horribles’,y decidí imitarle aunque no me salía,intentaba hacer cuadros agradables ala vista, bonitos”.

Relacionada con casi todos los com-ponentes de la Generación del 27 (“re-cuerdo con especial cariño a Federi-co García Lorca, era una persona sim-pática y sencilla, cuando él hablaba se

callaban todos. Había leído su poesía,tenía en ese momento un libro suyo,Romancero gitano, y él me lo firmó, ytambién a Jorge Guillén”).

“Con Grau Sala visité en París losgrandes museos. Al principio vivíamosen un estudio interior muy triste, ¡soloentraba el sol en verano quince minu-tos!. Un amigo le dijo a mi marido ‘al-quila un piso porque tu mujer acos-tumbrada al sol de España no puedevivir ahí’. Nos instalamos en un pisolevantado sobre un terreno cedido porunas monjas. Cada día me asomaba yveía el jardín de las monjas, les hicemuchos dibujos...” rememora.

Espíritu incansableSiguiendo el ejemplo de Picasso

quien decía “las musas siempre me pi-llan trabajando”, Ángeles sigue cogien-do los pinceles a diario para retratardistintos ángulos y detalles de su jar-dín “pinto mañana y tarde. En silen-cio, concentrada. He pintado el retra-to de mi hijo, que me ha costado mu-cho porque es muy inquieto, no aguan-ta sentado ni cinco minutos ¡al final hetenido que hacerle una foto!” confie-sa entre risas “aunque yo también memuevo mucho, me gusta ir de aquí paraallá con mi bastón. En mi jardín meentretengo recogiendo ramas secas yagrupándolas en montones que dejobien ordenados para el jardinero. Éstaafición me puede venir de mi abueloque fue labrador”.

En su última exposición en AlbertGallery –junto a una selección de obrasde Grau Sala, Grau Santos, Fabio Hur-tado y Patricia Tavera- se brindan unadocena de sus más recientes trabajosdestacando una pequeña joya antigua,un delicado retrato titulado Niña enazul con muñeca, fechado en 1938, cuan-do estaba en la cima de su carrera.

“Nunca pienso en agradar al públi-co. Cuando pinto sólo pienso si me sa-tisface a mí. Mi momento favorito esel atardecer, una vez leí que el paisa-je es más bonito cuando lo acaricianlos últimos rayos de sol”.

Carlos García-OsunaVanessa García-Osuna

Albert GalleryZorrilla, 27 · 28014 Madrid

Tel. 696 108 973 · www.albertgallery.com

Pinté “Un mundo” paraque lo enviaran a Marte y

los marcianos supierancómo era nuestro planeta

Ángeles Santos ha entradoen la historia del arte porlos cuadros que pintó en

sólo dos años de juventud.

Un mundo. Museo Centro de Arte Reina Sofía.

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Rafael SantosTorroellaReconocido historiador, críticodel arte, traductor, ensayista ypoeta, fue el hermano menorde Ángeles Santos fue elimpulsor de numerosasempresas intelectuales quetuvieron una influenciadecisiva en la historia de lacultura catalana y española deestos últimos decenios.Durante toda la vida mantuvouna relación muy estrecha consu hermana mayor “mihermano Rafael me adoraba yapreciaba mucho mi pintura.Aunque tenía un carácterindomable, siempre estaballevándole la contraria anuestro padre, nunca queríahacer lo que le mandaban. Yole pinté dos retratos que sehan perdido donde aparecíaapoyado en una ventana conel libro tirado al suelo, ¡es loque él hacía!”, recuerdasonriendo. “Mi padre lo pusoa trabajar con un amigo y alos pocos días vino el pobrehombre y dijo ‘D. Julián no puedo hacernada con su hijo’.Paradójicamente al morir mipadre, fundó revistas, editólibros, se hizo amigo degrandes personalidades...”

Recuerdos de laguerra“El estallido de la Guerra Civilme pilló con mi familia en SanSebastián. Aún recuerdo a lasamas de cría, con susdelantales planchados ypendientes largos, paseando aniñitos pequeños delante delmar. Mi padre tenía algo dedinero en el banco y alquilóun coche para llevarnos aSangüesa. En aquellosmomentos todos hacían algopara mandar a los queestaban en el frente. Yo hacíacalcetines. Más adelante, nosfuimos a vivir a cerca del mary ahí pintábamos botones -ennegro, rojo, blanco- y yo lespintaba ramitos de flores ycalcitas de niños. Mi prima ibapor las tiendas y los vendía.Allí conocí también a MercéLlimona que escribía cuentospara niños y con la quecolaboré haciendoilustraciones”.

Ángeles Santos,genio libreÁngeles, hoy sigue siendo ungenio, con 96 años cumplidoscomo si empezara de nuevocon una absoluta libertad, nosmuestra su mundo, ya no esel mundo atormentado ydesasosegante de esa menteadolescente, aquellos añosentre 1927 – 1930 ella volcóen sus telas lo que otrosgrandes artistas hubierannecesitado toda una vida,salieron de sus manos unatreintena de obras maestras(algunas desaparecidas) enmomentos de luces ysombras.Ángeles Santos tiene unamente extra lúcida dijoentonces Ramón Gómez de laSerna. Su autorretrato pintadoen 1928 (posiblemente elmejor retrato contemporáneorealizado por un artistaespañol) nos deja ver comoera ella…hoy cuando ella se

mira con una aparenteingenuidad nos dice “yoentonces solo vivía parapintar...no me acordaba decomer ni descansar.Unos acontecimientos trágicoshicieron que diese cerrojazo aesa etapa desasosegante desu vida. En la actualidad suspinturas las realiza en elestudio y jardín con el apoyoinmenso de su hijo JuliánGrau Santos, con unosresultados sorprendentes enun duelo de creatividad entreambos en un escenario conmuchos recuerdos de GrauSala. La exposición que presento enestos días en Albert Gallery,nos deja ver pinceladas de suvida desde 1938 hasta hoy enun reencuentro pictórico conGrau Sala. Ángeles Santostodavía pinta y deja entreveruna pureza no apta parahumanos…¡Feliz cumpleaños,Ángeles!.

Alberto Vega

Emotivo homenaje El pintor Julián Grau Santos quiso sumarse a este tributo a lafigura de su madre con sendos dibujos inéditos de gransignificado sentimental que había hecho cuando contaba apenasdieciocho años.“Así dibujaba yo a mi madre Ángeles Santos pintando en nuestracasa del barrio de Vallcarca en Barcelona en 1955. Sentada en elborde de la silla, afilando su rostro sobre el caballete yponiéndose en pie para trabajar la parte alta del cuadro que erauna copia de “El entierro del Conde de Orgaz” de El Greco.Atenta y pacientemente pintaba como hasta hoy mismo hace enmi casa y jardín de Monteclaro en Pozuelo de Alarcón. Octubre2008”.

Dibujo de su hijo.

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La obra de Axel Hütte está ba-sada en la exhibición de la na-turaleza en su estado más na-

tural y libre. Sin embargo, ningunode sus paisajes puede ser considera-do natural a pesar de que puedan pa-recerlo, ya que forman parte de unelaborado proceso cultural; todos ellos

están manipulados de acuerdo con lapercepción de diferentes perspecti-vas, toda ellas impensables en otrascoordenadas históricas. Rodeado deimágenes en gran formato expuestasen la muestra En tierras extrañas quese expone en la Fundación Telefóni-ca de Madrid, Axel Hütte (Essen, Ale-mania, 1951) me citó para hablar de

sus ideas, proyectos y hacer unentretenido repaso a su carre-ra internacional.

¿Cómo te interesaste porla fotografía?Al matricularse en la Es-cuela de Bellas Artes deDüsseldorf, hay que ins-cribirse en muchasasignaturas, cursar-las, examinarse y fi-nalmente optar porla disciplina artísti-ca que desees paraseguir una prepa-ración básica. Enun principio me in-teresó el cine, pero(afortunadamen-te) hubo gravescarencias econó-micas en la es-

cuela y el departamento no fue dota-do del equipamiento necesario. Asíque tras un año de obstáculos, dejéel curso de especialización en cine.Justo en este período el matrimonioBecher empezó a impartir clases enla academia. Les mostré algunos demis trabajos y Bernd Becher vió unarelación entre mis fotos sobre Berlíny la obra de E. Rucha sobre SunsetBoulevard. Había fotografiado unascasas de una calle de Berlín cerca delMuro. Me comentó que el trabajo erabueno y me invitó a formar parte desu clase. Así es como empecé.

¿Cómo recuerdas tu experienciacomo estudiante de los Becher? ¿Cuálera la tesis principal de su métodopedagógico?Recuerdo que un sábado me invita-ron a acompañarles a un complejo in-dustrial minero. ¡Ahí estaba BerndBecher, trepando por todas partes ysacando fotos!. Me aconsejó que eramejor positivar todas mis fotos engran formato. Para la clase escogió asólo cinco alumnos. Más adelante nosenseñó libros sobre fotógrafos queconsideraba interesantes, tal comoRuscha y Shore. Así que no existíauna teoría o metodología específicade enseñanza; éramos un grupo dealumnos muy reducido, lo más im-portante para él era que el alumno

aprendiera sobre fotografía hacien-do fotos. Le gustaba dejarnos tra-

bajar y mantenernos al tantode lo que estaban haciendo

otros fotógrafos. En aque-lla época, Düsseldorf

era el epicentro delarte vanguardista

en Alemania. Es-tábamos más

cerca del

Axel Hütte“La fotografía digital altera

la idea de la verdad”

fotografía

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arte moderno que de la fotografía;había un diálogo entre la pintura yla fotografía. Después de las clasesen la academia -que abría de ochode la mañana a ocho de la tarde-, nosjuntábamos por la noche en estudiosde artistas, incluso los fines de sema-na.

¿Cómo han evolucionado tus ideassobre tu obra? Respecto a la fotografía en color, laEscuela sólo tenía un laboratorio pararevelar fotografías en blanco y ne-gro. Al terminar los estudios -entre1979 y 1980- me interesé por el re-trato y empecé a usar el color. Teníaque encontrar un laboratorio de co-lor y al final opté por montar el míopropio. También abordé la arquitec-tura en color. Tengo que decir queBernd Becher nos enseñó en sus cla-ses algunos trabajos de Stephen Sho-re, por supuesto, en color también.En cuanto a la evolución de mi tra-bajo... en cada artista existe un pro-ceso que no tiene un rumbo especí-fico. Creo que tuve algo de suerte(aunque no llegué a vender mis fo-tos) porque algunos arquitectos em-pezaron a pedir que hiciera fotos desus edificios, así que pude poner enpráctica profesionalmente los cono-cimientos adquiridos. Al finalizar laAcademia, mi objetivo era ganar unabeca para ir a trabajar a Londres; loconseguí y eso me permitió pasar allíun año y medio. Llegué a hacer unaserie sobre vistas urbanas de la ciu-dad. A continuación durante mis via-jes a Italia empecé a combinar tra-bajos de temas arquitectónicos conlos del paisaje. Así es como se iniciómi proyecto sobre la naturaleza, te-mática en la que estoy volcado des-de entonces. Con mi preparación,basada en la historia del arte, me doycuenta de cómo fueron pintados cier-tos temas o de cómo aparecieron entarjetas postales o en el cine... Misentido de lo estético se ha desarro-llado no sólo a través de la fotogra-fía, sino también por mi interés enotras disciplinas artísticas. He evo-lucionado hasta captar en mis fotosno una realidad en sentido puro, sinouna especie de alucinación o reali-dad onírica. En realidad todas las fo-tografías son una construcción, se-gún la clase de cámara que uso. Nopueden tomarse simplemente ins-tantáneas. Se tarda bastante tiempoen montar el equipo y luego hagosólo unos pocos disparos. El encua-

dre de la imagen está siempre en mimente y en la fotografía de arquitec-tura el sujeto ocupa el 98% del ne-gativo.

Con el paso del tiempo, las foto-grafías de los reflejos en el agua sevan haciendo más complejas. Al fo-tografiarlos soy consciente del efec-to del viento y trato de calcular la du-ración de la exposición. La imagencaptada es el resultado del riesgo,siempre por casualidad o accidental-mente. Aquí, he pasado de hacer dosdisparos de cualquier imagen a ha-cer ocho..

¿Cuál es tu ritmo de trabajo?. ¿Cuán-to tiempo dedicas a cada proyecto?¿Trabajas sobre varios proyectosal mismo tiempo?Algunos colegas hacen trabajos porencargo, por ejemplo, Sugimoto, peroyo tengo que confesar que nunca lohe hecho. Una vez me pidieron queviajara por los cinco continentes. Fueuna propuesta del comisario ThomasWeske, que trabaja con fotógrafosamericanos y tiene interés en estetipo de proyectos. Convenció a unaempresa para que lo patrocinara, yésa fue la única vez que he hecho untrabajo de este tipo.

Tengo mis propias ideas sobre lostemas y me lleva cierto tiempo des-arrollarlas. Si aceptara encargos mevería sometido a estrés y a plazos deentrega fijos. Además los que hacenlos encargos generalmente tienenuna idea preconcebida sobre sus ex-pectativas. Esto no me influiría perosí podría dar pie a malentendidos.Cuando empiezo un nuevo proyec-to nunca me pongo una duración pre-

establecida: el plazo de ejecución esabierto. Por ejemplo, empecé unoque suponía visitar varios países la-tinoamericanos. El resultado fue unlibro y una exposición. Suelo traba-jar en varios proyectos al mismo tiem-po. Por ejemplo, aún sigo trabajan-do en una serie de retratos, que em-pecé en el 2001, donde los sujetosaparecen reflejados en el agua.

Hasta la fecha he hecho veinticua-tro los retratos, y lo más probable esque haga unos cuatro o cinco más.Tengo la intención de tomar algunosdentro de una selva tropical. Lo queme atrae de esta idea es el ambien-te que se creará en los retratos gra-cias al entorno y las referencias vi-suales. Sigo echando de menos losclimas cálidos.

En la fotografía la clave está en lapercepción de la realidad. Cuandouno piensa en la historia de la foto-grafía, tomando por ejemplo la obrade Walker Evans y su grupo, y Au-gust Sander, existe siempre una re-lación entre la fotografía y el senti-do del tiempo. Me fascinan los fotó-grafos que se dan cuenta de que enla fotografía lo que aparece ya no esla realidad o la verdad. Y esto tieneque ver con la fotografía digital quealtera la idea de la verdad o la obje-tividad. También tiene que ver conlos fotógrafos, como Jeff Wall, quese interesan más por crear una ideaque se construye como si fuera unapelícula de Hollywood (que no esuna realidad, sino más bien una es-pecie de decorado).

Yo puedo tratar el simbolismo y ex-tenderme en la narración al mismotiempo. No es como si estuviera con-tando un relato y el lector tuviera queseguir la frase, sino que la fotografíaes minimalista y siempre existen “ca-pas de realidad”. Lo que aparece enla foto parece real pero es imagina-do. Lo que enseño en la fotografíapermite al espectador proyectar suimaginación o sus propios sueños den-tro de la fotografía y esto, para mí, esfundamental—esto es una realidad,no un producto digitalizado.

Rosalind Williams

Hasta 9 de noviembre. En Tierras ExtrañasFundación Telefónica · Gran Vía, 28 ·

28001 Madrid · Tel. 91 522 66 45

Galería Helga de AlvearDoctor Fourquet, 12 · 28012 Madrid

Tel. 91 468 05 06 Obras de Axel Hütte entre 22.000-37.000

euros. Numeradas de 4.

Mis fotoscaptan unaespecie de

alucinación orealidad onírica

No podríaaceptar

trabajos porencargo

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La influyente coleccionista corea-na Cristal Kim, organizadora dela primera feria de internacional

dedicada en exclusiva al arte asiáticocontemporáneo (ACAFNY), presentacomo aval de la segunda edición deeste certamen dos cifras elocuentes:los 12 millones de dólares de ventas y19.000 visitantes de la primera edición.

“Después del enorme éxito obteni-do, los coleccionistas han marcado ensus calendarios la fecha de nuestra fe-ria entre las citas inexcusables. La de-manda de arte asiático continúa esca-lando posiciones, y aspiramos a ser unaplataforma para establecer un diálo-go internacional sobre el arte contem-poráneo” declaraba la promotora delevento.

Esta feria nace en un contexto enel que el arte asiático ha ido ganandocada vez más peso en el mercado in-ternacional, siguiendo una progresiónnatural alentada por el crecimientoeconómico y la prosperidad experi-mentada por Oriente.

Nuestra revista tuvo la oportunidad

de charlar con Cristal Kim, directoraejecutiva de la feria, quién nos expli-có los motivos de organizar una feriade estas características en Nueva York“esta ciudad toma el pulso al arte con-temporáneo mundial. Hace tres años

no existía ninguna feria de arte con-temporáneo asiático, y ACAF, en laque participan galerías de catorce pa-íses, intenta educar e informar a loscoleccionistas y al publico en generalsobre las razones que explican el cre-cimiento exponencial del mercado asiá-tico”.

¿Cuáles serán los titulares de la edi-ción de este año?Este año colaboran con nosotros pres-tigiosos comisarios internacionalescomo Feng Boyi, de China, y CharlesMerewether, anterior director artísti-co y curator de la Bienal de Sydney de2006.

¿Cuáles han sido los cambios más sig-nificativos en el mercado asiático?Percibo un montón de cambios. Gra-cias a la difusión del arte asiático enlas ferias subastas y galerías, nuestrosartistas son cada vez más conocidos ycotizados. El crecimiento es exponen-cial y global. Si tuviera que señalar lastendencias predominantes diría que

“La escena asiática esvital y energética”

CRISTAL

KIM

LTM 06-604ª, Lin Tianmiao. CortesíaChinese Contemporary Gallery.

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aprecio un mayor interés por las ins-talaciones y las piezas multimedia. Aun-que aún es demasiado pronto para iden-tificar movimientos dentro del ámbi-to asiático, sin embargo, es notorio queobras de arte históricamente relevan-tes están empezando a cosechar su me-recido reconocimiento en el mercado.Dado que la escena asiática está in-mersa en una espiral de cambios, esmuy importante contar con voces crí-ticas que orienten y argumenten estecrecimiento. Nuestra feria intenta li-derar esta iniciativa identificando lastendencias, asesorando al compradory ofreciéndole una ecléctica oferta deartistas consagrados y emergentes.

¿Cómo piensa que ve Occidente la es-cena artística asiática en la actuali-dad? ¿Sigue mayoritariamente enfo-cada al arte chino?Occidente está dedicando un enormeinterés al arte asiático. Sus museos einstituciones organizan regularmenteexposiciones, y aunque el arte chinoha sido el protagonista, fundamental-mente porque son los más cotizados,muchos coleccionistas están buscan-do en otros países artistas nuevos. Haynichos de mercado por explorar en Ja-pón, Corea y el Sudeste asiático quesiguen creciendo y están captando gra-dualmente el interés del público.

¿Cómo definiría el futuro de ACAF?El futuro siempre es incierto, pero creoque cualquiera que sea el rumbo quetome el arte, nuestra feria for-mará parte de él. Actualmenteestamos dentro del proceso deconsolidación de nuestra iden-tidad y marca. El número de ga-lerías ha aumentado, los com-pradores son más internaciona-les y los visitantes cada vez másnumerosos; el año pasado nosvisitaron 19.000 personas y esteaño confiamos en que sean másde 25.000.

¿Cómo percibe la actual esce-na artística asiática?Junto con China, ¿Cuáles sonlos otros “centros nerviosos” delpanorama asiático?La escena contemporánea asiá-tica es vital, energética y diver-sa. China continua siendo la primerapotencia, pero creo que Japón, Corea,India y el Sudeste asiático son igual-mente estimulantes e interesantes, yvienen pisando fuerte. Cada uno deesos países contribuye en mayor o me-nor grado a articular la perspectivaasiática, y deber ser tenidos en cuen-ta para el entendimiento conceptual

del arte asiático; esta visión global ayu-dará a comprender los trascendenta-les cambios que se están sucediendoen el mercado contemporáneo.

Como coleccionista ¿cuáles son susprincipales intereses?Busco obras de arte que se adapten alconcepto de mi feria y también queencajen en mi colección personal.

Me decanto por obras que conec-ten con mi tradición, cultura e histo-ria coreana. Estoy interesada en am-pliar mi colección incluyendo arte con-temporáneo de Japón, y reconozco queaprecio y disfruto enormemente pro-fundizando en el arte contemporáneochino.

B.S.

Dolores de Sierraen Nueva YorkLa galerista madrileña, pionera en apostarpor el arte asiático en nuestro país y únicagalería española participante en la feria,reconoce que “nuestro interés enparticipar responde a la demanda de artechino que hay por el coleccionismo

americano. No voy alas ferias pensandoen vender sino enhacer contactos quepuedan atraernuevos clientes a lagalería”.

¿Percibe diferenciasentre sus clientesamericanos y losespañoles?Sí, percibo que elamericano conoce enmás profundidad elmovimiento actualdel arte chinocontemporáneo. Elcoleccionistaamericano ve elactual arte chinocomo unacontecimientohistórico importantey está interesado enincluirlo en suscolecciones.

¿Cuáles serán las obras mássignificativas de su stand? Llevaremos obras inéditas recientes engrandes dimensiones de pintoresconsagrados como Ma Liuming, WangJinsong y Su Xinping. Del artista LuoFahui, llevaremos un óleo sobre lienzo,también inédito, que puede ser unaperitivo de la exposición que tendremosen noviembre en la galería. Expondremosobras originales de los Luo Brothers y unagran escultura en bronce del artista ZhaoNengzhi, además de algunos trabajos enpapel del artista Xia Xiaowan. Tendremosobras de 10.000 euros (dibujos de XiaXiaowan) y lienzos en torno a los 60.000euros.

El arte chino contemporáneo vive unboom mundial. ¿Cómo valora elmercado español y cuáles son susperspectivas? El coleccionista español ve el arte chinocomo algo nuevo, pero les informamos ypoco a poco van interesándose. Una vezconvenientemente asesorados, les resultainteresante... en realidad mi perspectiva esde futuro, futuro, futuro...

ACAFNY6 al 10 de noviembre. Nueva York

www.acafny.com

Kung Fu, Yue Minjun. Cortesía Gallery Artside

Meditation, Moo Hyoung Kwon. Cortesía Bellarte Gallery.

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Uno de los palacios florentinosmás bellos, el Palazzo Strozzi,el más monumental de cuantos

se erigieron durante el Renacimientoen la ciudad italiana, que fue levanta-do por la familia Strozzi -legendariosrivales de los Médicis- se ha converti-do ahora en la sede del Centro de Cul-tura Contemporánea Strozzina (CCCS)organizadora de una de las propuestasmás inteligentes de la temporada, laexposición Arte, Precio y Valor –ArteContemporáneo y Mercado, comisa-riada por Piroschka Dossi y Franzis-ka Nori.

Esta muestra examina los vínculosque existen entre el arte contemporá-neo y el mercado internacional. El po-der que ejercen la economía, la polí-tica, la cultura y la sociedad sobre laproducción artística, haciendo que elsistema se vea inmerso en una espiralde transformaciones en respuesta a lasdemandas de un mercado cada vez másglobal. El arte contemporáneo tieneun papel más protagonista que nuncaen nuestra cultura. Su poder econó-mico se refleja en los exorbitantes pre-cios que se alcanzan en las subastas in-

ternacionales y también tiene eco enla creciente popularidad de las expo-siciones, bienales, festivales, espectá-culos y mega-happenings.

Nuestra revista tuvo la oportunidadde conversar con la experta PiroschkaDossi, autora de Hype! Art and Mo-ney [¡Mega publicidad!. Arte y Dine-ro], un libro -aún no traducido al es-pañol- de lectura obligada para mar-chantes, artistas y amantes del arte engeneral.

¿Cómo surgió la idea de celebrar laexposición “Arte, Precio & Valor”?Franziska Nori, directora del CCCS,contactó conmigo después de leer milibro sobre los mecanismos del mer-cado del arte. Intercambiamos ideas yllegamos a la conclusión de que su ex-periencia institucional y mi conoci-miento de la materia se complemen-taban perfectamente para llevar a caboun proyecto de estas características.Pretendíamos analizar los mecanismoseconómicos a través de la mirada delos artistas, y este planteamiento en-cajaba no sólo dentro de las dinámicasactuales del mundo del arte sino tam-

bién en el ambicioso programa expo-sitivo del CCCS.¿Qué relación hay entre el valor ar-tístico de una obra y su valor de mer-cado?El precio debería estar en consonan-cia con el mérito artístico y la impor-tancia relativa de la obra de arte. Perocuando el mercado está inundado deliquidez y su pilar fundamental es elpoder adquisitivo, subestimando laapreciación sensible, estética o críti-ca, entonces la conexión entre el valorde mercado y el mérito artístico pue-de debilitarse o incluso llegar a des-aparecer. Hay demasiada diferenciaeconómica entre artistas que no res-ponde de manera palmaria a la dife-rencia de calidad estética.

¿Cómo ha transformado el sistema elmercado global?El sistema artístico y el mercado glo-bal son elementos indisolubles, dadoque el mercado del arte forma partede ambos. Lo que sí ha cambiado es lamanera en la que el arte está siendofagocitado por el marketing. El mer-cado influye en las carreras de los ar-

“Koons y Hirst son portentososvendedores de sí mismos”

PiroschkaDossi

entrevista

© Yorck Dertinger

tistas, los precios de sus obras e inclu-so en el lenguaje del arte. En los últimos 20 años, el arte se haconvertido en una industria especia-lizada. ¿Cuáles son sus rasgos defi-nitorios?De manera muy sintética y resumidapodríamos decir que el mundo del artecontemporáneo se define por cinco no-tas: competición global, inversión decapital, estrategias de identidad cor-porativa o de marca, círculo cerradode agentes y concentración de la fac-turación en unos pocos nombres –ar-tistas, marchantes o salas de subastas-lo que genera un mercado dividido endos segmentos: uno de altas cotizacio-nes y otro en el que se incluyen el res-to de artistas menos conocidos o, di-rectamente, sin nombre.

¿Qué criterio ha guiado la selecciónde artistas y obras en esta exposición? Las obras expuestas son las investiga-ciones llevadas a cabo por veintidós ar-tistas contemporáneos que exploranlos lazos entre el arte y la economía. Dan Perjovschi, Cesare Pietroiusti,Christian Jankowsky y Atelier van Lies-hout, son algunos de los artistas queplantean una reflexión irónica o críti-ca sobre el tema, mientras que Takas-hi Murakami o Damien Hirst, perte-necen al grupo de los que utilizan y ex-plotan las reglas del sistema.

La economía es una realidad omni-presente de nuestro tiempo, inclusoaunque muchas personas no compren-dan adecuadamente cómo funciona.Vivimos en un sistema capitalista perosi preguntas cuáles son sus consecuen-cias la mayor parte de la gente no se-ría capaz de definir el capitalismo. Losartistas seleccionados en esta muestraabordan en sus obras aspectos econó-micos que antes hubieran sido consi-derados asuntos ajenos al arte, talescomo mercado y dinero, producción yconsumo, crédito y especulación, pre-cio y valor. Estas imágenes y experi-mentos actúan como lentes que nospermiten acceder a una nueva pers-pectiva –inédita, subjetiva e inspira-dora- que disecciona las fuerzas eco-nómicas que determinan nuestro mun-do más que nunca.

¿Qué papel juega el arte contempo-ráneo en nuestra cultura?El arte contemporáneo siempre ha sidoun reflejo de la sociedad, sus valoresy creencias. La realidad es que a díade hoy el arte se ha convertido en unproducto de marca, un bien de lujo yun objeto de inversión que refleja lasprioridades de una sociedad que pros-pera gracias al capital y el consumo.

El arte contemporáneo muestra tam-bién el anverso de estas prioridades.“El proceso de producción y comer-cialización se ha acelerado” y ”el artees arrastrado cada vez más a una de-riva de cultura de masas y comercio”dice usted. El mercado es, en sí mis-mo, un sistema dinámico. La compe-tencia crea una selección continua,lo que empuja al arte, en mayor o me-nor medida, al negocio y la culturade masas.

Todos los mercados son competiti-vos. Al aumentar la demanda, cada vezmás artistas son engullidos por el mer-cado intensificándose la competencia.Lo estamos viendo ahora mismo conlos nuevos artistas procedentes de mer-cados emergentes como Brasil, Chinae India, que poco a poco empiezan aintroducirse en el mercado. La com-petencia, sin duda, tiene que ver tam-bién con rivalizar para captar atención.Evidentemente esto puede colocar alas formas de expresión artística mássutiles y complejas en una posición dedesventaja competitiva.

¿A qué se refiere cuando dice que “seha producido un cambio drástico enlas reglas del mercado”? Si atendemos a la tendencia actual eléxito en el mercado se mide en fun-ción de los precios dejando de lado as-pectos claves como la valoración cua-litativa del arte, influyendo decisiva-mente en la manera en la que el artees vendido, percibido y comprado.

Damien Hirst y Jeff Koons son los ar-tistas más cotizados del mercado.¿Cuáles son las razones de esta exor-bitante popularidad?Ambos son portentosos vendedores desí mismos. Comprenden perfectamen-te los mecanismos del mercado. Loque venden con gran éxito es su juegoconsciente con esas reglas haciendo lasiguiente ecuación: arte = mercado.

¿Qué opina del boom del arte chinoe indio?Con el auge de nuevos potencias eco-nómicas como China e India ha emer-gido una nueva clase de ricos hombresde negocios que compran e inviertenen el arte contemporáneo de sus paí-ses de origen. Los precios estratosfé-ricos conseguidos por el arte contem-poráneo chino e indio, reflejan la ri-queza generada en esas naciones en laúltima década. La necesidad de unareafirmación visible de este nuevo sta-tus económico y cultural dentro delcapitalismo global se satisface por obrasde arte que fusionan sus propias tra-diciones artísticas con una estética glo-bal contemporánea.

Tal como explica usted “en los últi-mos años, debido al creciente interésde los coleccionistas, galerías e insti-tuciones occidentales, el mercado seha convertido en un caldo de cultivoideal para los especuladores”. ¿Cómopodría acabarse con la especulación?La especulación no puede ser elimina-da del mercado del arte. Es y siempreha sido parte intrínseca de él. Inclusoun galerista especula con la carrera fu-tura de su artista. Al cambiar los pre-cios, cualquier mercado es un patio derecreo potencial para la especulación.No olvidemos que especulación sim-plemente significa comprar algo con laexpectativa de venderlo a un precio ma-yor en el futuro. Cualquier productopuede ser objeto de especulación, nosólo el maíz o las chuletas de cerdo,pero las obras de arte también..

La idea de hacer dinero con el artees un factor que ha contribuido a laformación del mercado del arte a prin-cipios del siglo XX y está avivando sudinámica.

¿Qué piensa del aumento del núme-ro de ferias de arte?Evidentemente nos encontramos anteuna realidad incontestable que es laconsecuencia lógica de la industriali-zación y globalización del mercado delarte en las pasadas décadas. Esto hallevado a un cambio de orientación pa-sándose de las galerías locales a plazasde mercados globales como las feriasinternacionales transformadas en gran-des centros comerciales de arte con-temporáneo. No dejará de crecer el nú-mero de ferias mientras la competen-cia entre ellas siga concentrándose.

V. G-O

Hasta el 11 de enero.Palazzo Strozzi. Piazza Strozzi,

50123 Florenciawww.palazzostrozzi.org

El mercado influye en las carreras de los

artistas, los precios y ellenguaje del arte

El éxito se mide enfunción de los preciosdejando a un lado la

valoración cualitativa delarte

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UBS Art Banking (área especia-lizada en arte de la Unión Ban-ca Suiza) celebra su 10° aniver-

sario este año, un breve lapso de tiem-po en el que se ha consolidado comolíder de su sector. Elegido como “Me-jor Banco de Arte del Mundo” [BestArt Banking in the World] por la re-vista Euromoney. Un equipo integra-do por prestigiosos profesionales ofre-ce un amplio abanico de servicios encolaboración con reputadas institucio-nes. UBS Art Banking organiza even-tos especiales para sus clientes y aman-tes del arte en general que son intro-ducidos en la filosofía del banco. Du-rante uno de estos encuentros exclusivosque tuvo lugar en Mallorca, nuestradelegada Suzana Mihalic se reunió conAlain C. Bouvrot, director ejecutivode UBS Art Banking y el profesor Jean-

Christophe Ammann, asesor exter-no del banco, antes de que éste últi-mo, historiador del arte, comisario yantiguo director de algunas de las pi-nacotecas contemporáneas más impor-tantes de Europa, pronunciara unaconferencia.

Prof. Dr. Jean-Christophe Ammann:Mi intención inicial era hablar sobreel Mercado del Arte pero he cambia-do de idea. Recientemente cené conuna periodista de un diario muy influ-yente que me preguntó: ‘¿Adónde vael arte?’. Ambos sabíamos que el arteva a todas partes pero ésa no era lacuestión sino cuál es su percepción,función y sostenibilidad. Creo que, an-tes o después, cada artista desea expo-ner sus obras en un museo pero tam-bién que sean contempladas y valora-

das dentro de 50 años. Pero si el artis-ta se ocupa de la globalización, la eco-logía, la botánica, la opresión, las gue-rras o la antropología, entonces se con-vierte en un documentalista, y la pre-gunta es ¿tiene sitio en un museo undocumentalista?. ¿No han sido los ar-tistas alcanzados por los documenta-listas hace tiempo?. ¿No existen fotó-grafos que no se consideran artistas–por ejemplo, los fotoperiodistas? Enel fotoperiodismo la imagen siemprecontiene la documentación pero éstano siempre contiene la imagen. A unole viene a la cabeza la duodécima edi-ción de la Documenta que ha llevadoa cabo una estrategia de globalizaciónque realmente no tenía mucho que vercon nuestro entendimiento del arte.Su pretensión era fomentar el diálogoentre culturas. El objetivo de UBS Art

“Hay quienes sóloven el precio de laobra y no su valor”

Alain C. BouvrotDirector Ejecutivo de UBS Art Banking

entrevista

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Banking, y también el mío, es velar porla calidad en el arte. Nuestro plantea-miento es contrario a llevar los preciosal alza, intentamos crear sostenibili-dad. Siempre digo que ¡uno no puedeser director de museo durante 33 años–como ha sido mi caso- sin que quedeimpune!.

Alain C. Bouvrot: Desde hace diezaños los responsables de UBS llevandilucidando cómo diferenciarse delresto de bancos. ¿Cómo podríamosofrecer al cliente un servicio añadidoal margen del típico producto finan-ciero?. Es ahí donde entra el elemen-to emocional que es el arte. Eviden-temente no todos nuestros clientesson amantes del arte, pero muchos deellos son adinerados y tienen ciertaafinidad con el arte. Allí es donde nos-otros -UBS Art Banking- entramos yofrecemos nuestro catálogo de servi-cios. Podemos gestionar desde valo-raciones, inventarios, organización deltransporte y seguros hasta compras através de galerías o subastas, e inclu-so préstamos a museos. Todo lo queofrece el mercado del arte tiene su co-rrelación en nuestra empresa; pero lomás relevante es que lo hacemos co-ordinados con el mercado. Esto no sig-nifica que sea el propio banco quiendiga “esta obra tiene tal valor” o “lacalidad de esta obras es mejor de lade ésta otra” o “el valor de esta obracrecerá”. Para recabar opiniones yadoptar los criterios a seguir conta-mos con los mejores profesionales delmercado, así guiamos a nuestros clien-tes a través de la jun-gla del mercado delarte. Tratamos deofrecer un servicioprofesional vincula-do a un productoemocional -el arte-para acercar al clien-te al banco.

J-CA: Aunque UBSestá atravesandotiempos difíciles, si-gue siendo el gestorprivado de fondosmás potente delmundo. Por ello esevidente que unaparte importante dela gestión de las ri-quezas tienen quever con arte o colec-ciones de arte. Notodos los clientes deUBS que tratan conarte son expertos, ypor ésa razón se di-

rigen a nosotros, en busca de confian-za y orientación.

Suzana Mihalic: UBS tiene una delas colecciones de arte contemporá-neo y de postguerra más importantesdel mundo. ¿Qué relación tiene la co-lección con UBS Art Banking?

ACB: La colección de arte está legal-mente separada del área de Art Ban-king, y constituye un departamento to-talmente diferente por una sencilla ra-zón: queremos evitar conflictos de in-tereses. UBS Art Banking incluye eldepartamento de Oro & Numismáti-ca, y asimismo somos el patrocinadoroficial de las ferias Art Basel y Art Ba-sel Miami Beach [desde hace catorcey seis años, respectivamente]. Nues-tro compromiso con el arte nos otor-ga credibilidad y es la clave de nues-tro éxito.

J-CA: Me gustaría hacer algunas apre-ciaciones sobre la Colección UBS: hace30 o 40 años a los empleados les col-gaban pósters en sus oficinas, o graba-dos como en los hoteles. Dado que unempleado cualificado es el capital másvalioso del que dispone una empresa,creemos que no puedes colgar cual-quier cosa en las paredes de sus des-pachos. Esto no significa que tengaque ser arte caro. Incluso los mejorescoleccionistas han comprado sus obras-ahora caras- por dos céntimos. Ha sidomás tarde cuando estas obras han lle-gado a tener un valor exorbitantemen-te alto. Hay quienes piensan que unprecio asequible excluye la calidad,pero esto no es así. Por ello es funda-mental que una colección corporativareconozca la calidad en una fase pri-maria y por eso en la Colección de ArteUBS hay una junta que busca artistasjóvenes en todo el mundo. Este es unode nuestros objetivos junto con la cre-ación de una marca sólida. Con unacolección buena como la de UBS queha sido ampliada por la anterior colec-ción Paine Webber, se pueden hacerexposiciones en los museos más im-portantes y mostrar que UBS es un ac-tor activo y comprometido con el arteal más alto nivel. Esto refleja el altostandard del banco y de sus serviciosde arte.

SM: Los resultados de las subastasconseguidos en el primer semestre del2008, han demostrado que el merca-do del arte sigue indiferente a la cri-sis económica. El volumen de nego-

Estamos dentro de un proceso de

regeneración del mercado”

(Bouvrot)

“Un precio asequible no excluye

la calidad (Ammann)

“ “El equipo de UBS Art Banking: Alain C. Bouvrot, Julia Krause (especialista de UBS Art Banking) y Prof. Dr. Jean-Christophe Ammann (consultor externo de UBS Art Banking) en el Oratorio de la Galería Kewenig en Palma.

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cio fue de 3.8 billones euros, el mis-mo que en 2007. ¿Durante cuantotiempo seguirá creciendo el mercado?

J-CA: Esto depende de la calidad delas obras. Hay subastas donde se ofre-ce arte procedente de la misma zonageográfica que sus tremendamente ri-cos compradores –el caso de OrienteMedio-. Para estas obras apenas haydemanda en Europa, por razones decalidad, simplemente no funciona. Enotras subastas se ofrecen obras basa-das en la especulación, pensando queel valor crecerá. Todo se ha intentado,pero estoy convencido de que las obrasverdaderamente buenas no tienen pro-blemas para ser vendidas. Si algunaparte empieza a hacer aguas será en elcampo de la especulación. Pero ¿y qué?.No hace ningún daño -mientras el arteesté bien, no hay problema.

SM: ¿Podemos hablar de una especiede proceso de regeneración para rei-vindicar el arte con calidad real?

J-CA: En 1991 el mercado del arte sehundió durante un breve episodio. Loscoleccionistas sufrieron pérdidas peroel mercado se recuperó rápidamente.Es simplemente un fenómeno psico-lógico, nada más. Pero creo que haycoleccionistas especuladores que nun-ca compran una obra cara, sino que es-peran cinco años y la vuelven a poneren el mercado. Ése es el sistema. Porotro lado están los coleccionistas apa-sionados que reconocen una obra bue-na muy pronto, la compran a buen pre-cio y se quedan con ella durante unlargo plazo.

ACB: En relación a las costumbres deinversión de los compradores tambiénhay vaguedades en el mercado del arte.A pesar de las noticias que hablan delos récords en subastas, lo que uno pue-de leer en los medios es que el 98% delas obras de arte se venden por un va-lor inferior a los 10.000 euros. Sólo unpequeño porcentaje traspasa el umbraldel millón de euros. Es un hecho quemuchos compradores han estado com-prando de forma especulativa a granescala -me refiero a la banca de inver-sión que ahora está fuera del juego- yel arte comprado por ellos ha perdidoun poco su ‘valor de fondo’ y, en efec-to, esto revela que estamos dentro deun proceso de limpieza del mercado.

J-CA: No estoy muy seguro que estosea así pero puedo imaginarlo, pen-sando en lo que ha conseguido DamienHirst en Londres, sobre todo tenien-do en cuenta la actual situación eco-

nómica. Creo que vendió todas las obrasque se licitaban por un monto total cer-cano a los 100 millones de libras ester-linas. Una actuación del más alto stan-ding. No me identifico con sus obrasen absoluto pero ha demostrado serun hombre muy valiente. Esto nos lle-va a preguntarnos ¿quien está afecta-do estadísticamente por esta crisis fi-nanciera?. No puedo saberlo. Supon-go que serán los bancos en general,pero ¿hasta que punto se están vien-do afectadas las grandes fortunas? Y¿no habría que imputar un 5 o 10 %de las pérdidas también al factor psi-cológico?

ACB: Percibimos que se trata de unacrisis financiera que afecta a sectoresprivados y países concretos en los quehay un negocio hipotecario diferente alde aquí. Los británicos tienen un mo-delo hipotecario muy distinto al de Eu-ropa Central, donde los bancos exigen

mayor garantía de capital. Hemos vis-to que las obras que vendió Hirst nohan sido compradas por Estados Uni-dos sino que hay una especie de movi-miento hacia India y Asia, donde la cri-sis todavía no ha llegado. China no su-fre la crisis financiera de la misma ma-nera que Estados Unidos; en la Indiahay un boom en el mercado del arte yaún no han notado apenas nada, mien-tras que España está en medio de unacrisis hipotecaria igual que Inglaterra.Dudo que los coleccionistas españoleshayan comprado mucho en la subastade Damien Hirst. Cuando hablamos dedemandas hemos detectado un movi-miento desde Estados Unidos hacia elEste aunque creo que, parcialmente,esta corriente volverá algún día.

J-CA ... pero ¿de qué Este hablamos?,¿del más cercano u Oriente Medio?

ACB: Ambos. Abramovich siempretendrá el dinero para comprar estasobras porque en los últimos años ha

ganado billones. Solamente él y otras80 o 90 personas en todo el mundopueden desembolsar millones por unLucien Freud. El negocio en estos mo-mentos se desplaza del oeste al este.¿Por cuánto tiempo?. Siempre habrámarchantes que negocien con el artey ganen mucho dinero o antiguas fa-milias acaudaladas; ellos no están afec-tados por la crisis. Compran precisa-mente ahora, bajando los precios unpoco, sobre todo en el sector de anti-guos maestros.

SM: ¿Esto produce un desequilibriode los precios en el mercado?

ACB: No, probablemente se nivela-rán y quizá incluso un proceso de pu-rificación, pero como ha dicho el pro-fesor Ammann, donde la calidad y lahistoria de la obra estén contrastadas,allí se producirá una estabilización yesto es bueno para el mercado del arte.

J-CA: Retomando lo que decía antes,es realmente increíble comprobar quehaya subastas en Londres donde loseuropeos no compren. En Oriente Me-dio – hemos estado en Dubai recien-temente- el precio de las pinturas deartistas jóvenes ronda los 200.000 dó-lares. También en China el mercadolocal está totalmente por las nubes ysus precios no tienen ni punto de com-paración con los de los jóvenes artis-tas de aquí. ¡Es increíble!. Podría afir-marse que los precios que se piden -yse pagan- son una impertinencia. Esuna pura cuestión de sostenibilidad. Ami juicio muchas personas que com-pran arte a estos precios se sorpren-derán dentro de algunos años cuandotengan que amortizar estas obras... po-dríamos hablar entonces del ‘arte dela amortización’.

ACB: Quiero llamar la atención sobrealgo: las personas que no tienen gran-des conocimientos de arte normalmen-te están rodeadas de asesores a su al-rededor quienes, como es lógico, tam-bién ganan su dinero. Ellos ven el pre-cio de la obra pero no su valor.

J-CA: Coincido en esta apreciación:ven su precio pero no el valor. En re-alidad el arte tiene algo en común conla poesía. El arte es independiente delprogreso por ello es poesía, es preci-samente lo bello del arte. En el alma-cén de la galería [Kewenig] he visto unretrato de Francis Picabia, es magní-fico. Allí vemos que estamos tratandocon un poeta, aunque tiene un toquecínico, pero es maravilloso y creo quela poesía es vital para el arte.

Algunos de los precios que se piden –y se pagan-

son una impertinencia”(Ammann)

“El negocio se estádesplazando

del oeste al este” (Bouvrot)

“ “