I am in need of musicSongs on poems by / Chants sur poèmes de

Elizabeth Bishop

Suzie LeBlanc, soprano

Suzie LeBlanc

I found a leaflet about Elizabeth Bishop in St. James United Church in Great Village, Nova Scotia, on August 3, 2007. A photo of her gentle, round face was on the cover and the inside contained a few words about the house where she grew up, just across the street from the church. She radiated individuality. I pock-eted the leaflet.Weeks later, I found her first book of poetry: North & South. I read “The Map” and was mesmerized by Bishop’s view of things. I now like to compare her to a

bird because, often, she begins a poem by describing things in great detail from up close and as she metaphorically takes flight, her view widens to include the entire Universe.

I then met Alasdair MacLean, a composer from Nova Scotia and a long-time fan of Bishop’s work. He introduced me to Sandra Barry, herself a poet and an independent Bishop scholar. Sandra told me of Bishop’s Newfoundland walk in 1932 and I was fascinated because I like to walk also. I decided I would follow in her footsteps by taking the Newfoundland journey myself while getting familiar with her work.

The weaving continued when I met Linda Dornan, an artist in Sackville, New Brunswick, who eventually joined me on the walk and asked if she could doc-ument it. Our trip was very different from Bishop’s because we were traveling with camera equipment and some of the old roads on which she had walked had either disappeared or been turned into highways.

Before Linda and I set off for Newfoundland in 2008, Sandra and I talked about Bishop’s Centenary in 2011. We realized that we would both be turning 50 that year which meant that, cumulatively, we would be turning 100. We began to make plans and the result was a dazzling multitude of literary events, art exhibi-tions, film and writing competitions and concerts throughout that year. One of our main goals was to celebrate Bishop’s Canadian identity and her deep connection to her motherland: Nova Scotia.

Sandra had always dreamt of having Canadian composers set Bishop’s poetry to music. Bishop was a great music lover and connoisseur and was proud of her Canadian heritage. I immediately embraced this idea and we began working on the project. We found the composers, or they found us, with the same serendipity that had led me to Bishop in the first place. I hope you will enjoy this music inspired by Bishop’s poetry.

- Suzie LeBlanc

PROGRAM NOTES

Silken Water: Elizabeth Bishop Suite – Alasdair MacLean

After an initial conversation with Suzie LeBlanc about a project based on the poems of Elizabeth Bishop, we agreed to each come up with a short list of poems, from which we would choose a group for the project. One of the first poems I considered was “Cape Breton,” an evocative poem about the people and landscape of Cape Breton Island, and when I read the line “The silken water is weaving and weaving,” a musical idea emerged in my mind which compelled me to sit down at my desk and start writing. By the following day, I had more or less finished a work for string orchestra, so, in the quirky way that the creative process leads us for-ward, I had begun “The Bishop Suite” with an instrumental work inspired by Bishop’s poetry.

In subsequent discussions with Suzie, we pared down a list of many favorite poems to a final grouping of three which pleased us: “Dear, my compass,” “Close, close all night” and “Breakfast Song.” This triptych creates a narrative of family and community, long-lasting love, and, finally, the approaching separation brought about by life’s end. My intent in setting the poems was to capture, as much as possible, the mood of the words without attempting to be programmatic, and to highlight the poems in a clear, uncomplicated presentation for the voice.

Sunday, 4 A.M. – John Plant

I’ve tried to create the sense of a flooded, floating dream world at the beginning. There’s a profusion of religious imagery in this poem, but this imagery is all jumbled up with secular hardware, and sometimes rusty hardware at that. I evoked the “cross- and wheel-studded” with swooping lines punctuated by irregular jag-ged pizzicatos. The “ancillary / Mary” suggests the Virgin Mary, both because of the colour blue and the word “ancillary” (in the Latin text of the Annunciation Mary identifies herself as “ancilla Domini,” the handmaiden of the Lord) — but it also might be an old acquaintaince, “tall Mary Sterns.”

The steady upward movement suggests not only her tallness, but the vaporous evanescence of her appearance and indeed of her identity. Nails suggest the cross, but the nails are rusty, in a homely kitchen knifebox. The agitated music here is meant to suggest rusty nails rattling around in a box. A “vox humana” is a stop on a church organ — or a parlour organ; but the voice is rather that of a discontented ghost.

The gray horse needs shoeing! It’s always the same! What are you doing, there, beyond the frame? If you’re the donor, you might do that much!

The donor might be God, the putative giver of life, or a patron who donates an altar (altered) cloth to the church. I’ve turned these lines into a sort of baroque da capo (ABA) aria, in homage to Suzie LeBlanc, who commissioned the work; the aria quickly fragments and disintegrates at the repeat.

Turn on the light. Turn over. On the bed a smutch

The dreamer briefly awakens, but only to fall into another dream; the constant is the jumbling of religious and secular imagery. The smutch on the bed becomes a Renaissance painting on an altar (altered) cloth — Gesso is what you put on a cloth or canvas in order to be able to paint on it; and the gold suggests the gold leaf of

a Renaissance religious painting. Given Bishop’s own Presbyterian upbringing, I’ve crosspatched a sort of distorted Protestant hymn with Gregorian chant here. The cat, a predator, emerges from the other dream, or perhaps it’s a real cat which transmogrifies into a dream cat; musically, I’ve shown the cat pursued by

its ghost shadow (bowed/pizzicato passages in canon). I hope the moment that cat jumps to the window, moth in mouth, is clear — the pizzicato is intercepted by a single loud sustained note.

Toward the end, the brook is flooding the dream — to the point that it reaches the stairs, even reaches the dreamers’ foot dangling from the bed — until a bird, heard from outside, in the real world, puts everything right by arranging two notes at right angles — (the sacred and the profane? the dream note and the note heard in the real world?) by reorganizing the dreamer’s perspective as she awakens. This poem is adjacent to “Sandpiper” in Bishop’s collection Questions of Travel, and I am certain that the proximity of the two birds is deliberate.

Sandpiper – John Plant

Elizabeth Bishop presents a sandpiper’s view of the world, irresistibly but never explicitly suggestive of the human condition — and particularly the poetic condition. This setting tries to capture something of the poor bird’s panicked state, with a transition to a sort of sublime transcendence at the heart of the confusing plethora of impressions. In the words of Andrea Budgey, “The piano depicts the ever-shifting world of water, sand, and wind through which the sandpiper moves, while the melodic and rhythmic material of the vocal and clarinet lines evokes, with astonishing precision, not so much the sound of the bird (although that is echoed, too), but rather the quickness, restlessness, and variety of its movements.” The work is dedicated to Sandra Barry.

A Short, Slow Life – Emily Doolittle

A Short, Slow Life was written for soprano Suzie LeBlanc and Symphony Nova Scotia in celebration of poet Elizabeth Bishop’s centenary. I was attracted to the delicate natural imagery of this poem — in this case textures as much as sounds. Bishop spent her early years in my home province, Nova Scotia (as well as another year in Seattle, which is where I now live) and I was particularly drawn to the idea that some of the same landscapes and soundscapes that influenced her poetry have also shaped my musical voice.

Four Songs – Christos Hatzis

My relationship with Elizabeth Bishop started rather abruptly. I must confess that I was not familiar with her or her poetry before Suzie LeBlanc, the great Canadian soprano, asked me to set some of these poems to music for a Bishop centennial event with Symphony Nova Scotia in February 2011. I accepted the invitation without checking out the poetry first but, as I read the poems Suzie sent me, I realized that they would be a challenge to set to music. My philosophy about poetry turned into song is that, if the setting obscures more of the structure and meaning of the poem than it elucidates, the poem is best left alone. The music ought to serve the poem, not obscure it or appropriate it in any way. At first, Bishop’s complex and often non-periodic rhythms and occasionally inscruta-ble meanings show a brilliant intellect at work that needs no assistance from a composer. At other times, however, her disciplined verse allows glimpses of lyrical abandon overtly and implicitly “in need of music.” Elizabeth Bishop loved music and refers to it often in her work: classical, jazz, popular — hers was an eclectic but uncompromising ear. My starting point in the setting of these four poems was a decision to visit musical worlds that Bishop might have experienced during her lifetime but only if these worlds could be argued for by the poetry itself. My quest was to discover the song inside each poem by searching for symmetries behind the convoluted asymmetries of each poem’s surface: a rhythm implied by punctuation, a change of mode implied by a peculiar indentation in the text, a sequence of words which are reminiscent of lyrics of a popular music genre or a sound image in the text (like the “whistles from a factory” in Anaphora) which can convincingly be paired with a particular genre of music.

In I Am in Need of Music, the first song, an appropriately romantic (almost “new-agey”) treatment of the text gives way to music reminiscent of big band era pop songs, back to lyricism in “there is a magic made by melody” and eventually to musical impressionism as the music attempts to painterly depict the “subaqueous

stillness of the sea.” Set in C major, the music is either tonally still or modulates methodically before it settles on the supertonic key of D major for the “big band” segment of the song returning to C major for its conclusion.

The supertonic acts as a strange attractor in the second song too, Insomnia (She is a Daytime Sleeper.) This poem’s peculiar structure has the first four lines of the first two six-line stanzas match in rhyme and rhythm implying pop lyrics, while this predictable symmetry is offset by the two remaining lines in each stanza which do not rhyme. Borrowing from folk/pop music idioms of the 1960s (the Beatles were particularly in my mind as I was writing this song), the two “free” lines end suspended on the supertonic and are answered by an instrumental line in the tonic which could be sung to the words “she is a daytime sleeper” (the listener is invited to imagine these lyrics as s/he hears this repeated instrumental line.) Bishop’s extravagant wit in this poem, particularly the closing and surprising “and you love me,” is driven home musically, resulting in a strophic pop song which deceptively appears to be appropriating the poem. The fact is that, in spite of its “catchi-ness,” the song follows the semantics of the poem closely and even engages in word painting by associating the “inverted world” of the third stanza with eighth-note displacements of the beat, precipitously toying with the listener’s rhythmic perception of strong and weak beats.

The Unbeliever, the third poem, is a surrealist depiction of an anxiety dream. The music is a waltz, a cross between the two Strausses (Johann and Richard), constantly modulating from the opening C major and hardly ever staying in any single key for more than a few seconds. The rampant chromaticism and gesturing makes this song feel like a tightrope act, plunging into the depths at the very end and evaporating upwards along the C overtone series. It is by far the most virtuosic of the four songs for both the soprano and the orchestra. After completing this song, I had originally considered the composition finished and send the score to the Suzie and the Symphony Nova Scotia.

After repeated listening, however, the song cycle felt incomplete. I asked the commissioners for permission to add one more song, a setting of the poem Anaphora, and my request was graciously granted. Anaphora is a remarkable poem. Inscrutable in its deeper meaning, it introduced itself to me as a meditation on the cosmic advent and fall of Adam followed by his transformation into a Christ-like figure, redeeming the world through a “fiery event” in a continuing process of “endless assent.” The opening, a lyrical unlocking of our inner sanctum using sound and music as a key, instantly suggested a strophic song hidden inside the asym-metry of this poem’s lines and rhythms. Of the four poems, my original goal of discovering the song inside the poem was best realized in Anaphora. The title itself gave me the hint as to where this song was hiding. Anaphora (Gr. “ana-phora”) literally means report. Etymologically, “re-port” means to re-carry, re-introduce. It is a cryptic allusion to Bishop’s extensive repetition of words and phrases in this poem. By resorting to some additional repetitions of key words, I managed to discov-er a strophic structure, which made possible not only this Broadway-like song but also an unlikely (I would even say impossible) semantic correspondence between the important moments of this convoluted poem and the strophic song structure itself. The song literally wrote itself and was completed in record time. It is in the key of D major, the supertonic of the original C major key of the first two movements, which, like this song, had been yearning to be born and come into promi-nence from the very beginning. At the opening of the second stanza there is a harmonic and melodic allusion to the first song of the cycle at the occurrence of the words “more slowly falling into sight.” It is the only attempt in the entire cycle to melodically cross-reference these very different songs, even though their evolution from one to the next feels strangely natural and belies their unrelatedness on the surface. They are like four strangers connected by some inexplicable ties that do not stem directly from their own, individual histories and natures, thus allowing for both tension and cohesion in the structure.

Four Song on Poems by Elizabeth Bishop is dedicated to Suzie LeBlanc, Symphony Nova Scotia and its conductor Berhard Gueller.

BIOGRAPHIES

Suzie LeBlanc first made her mark with music of the 16th and 17th centuries, performing on international stages and researching and recording many uned-ited works. She appears on over 50 recordings with the world’s leading early music ensembles. In 2004, she began adding Acadian folk music, art song and lieder to her repertoire, and recorded Mozart lieder with Yannick Nezet-Seguin. She followed this recording with “Chants de terre et de ciel” by Messiaen and “Tempi con variazioni” with the ensemble Melosphere. The last two were awarded an Opus Prize in the Contemporary and World Music categories.

Suzie has appeared in several documentaries and played the lead role in the feature film “Lost Song,” which won the City TV’s Best Canadian Film award at TIFF in 2008. Her many contributions to culture have earned her four honorary doctorates, and in 2011, the Conseil des arts et des lettres du Québec (CALQ) awarded her a bursary for her career achievements. Suzie LeBlanc is the founder and artistic director of Le Nouvel Opéra, whose recording of Caldara’s “La con-versione di Clodoveo,” directed by Alexander Weimann, was nominated for a JUNO Award.

Elizabeth Bishop fashioned a body of poetry remarkable both for its strength and exquisitely crafted imagery. She was born in Worcester, Massachusetts, on February 8, 1911, the only child of William T. Bishop and Gertrude May (Bulmer) Bishop, both of Canadian ancestry. After her father died in October 1911, Bishop’s mother suffered a number of breakdowns and was permanently institutionalized in 1916. Elizabeth lived for nearly three years with her beloved mater-nal grandparents in Great Village, her happiest home. She was taken back to Worcester by her paternal grandparents in October 1917, where she became quite ill. After a brief time in Worcester, she went to live with her maternal aunt, Maude Shepherdson, in Revere, MA. She lived with her aunt until she entered Vassar College in 1930.

Bishop graduated from Vassar in 1934. She had already met the poet Marianne Moore, who became her mentor and life-long friend. Her first book, North

& South, was published in 1946. In 1947 she received a Guggenheim Fellowship and was appointed Consultant in Poetry at the Library of Congress in 1949. In 1950 she received an award from the American Academy of Arts and Letters. Bishop travelled widely and continued to write, even as she dealt with emotional traumas and physical illnesses. In 1951 she set off to circumnavigate the globe and stopped in Brazil where she ended up living for nearly 18 years with her partner Lota de Macedo Soares. In 1955 Poems: North & South/A Cold Spring was published. It won the Pulitzer Prize for poetry in 1956. Questions of Travel was published in 1965. Her fourth and last book, Geography III, was published in 1976 and received the National Books Critics Circle Award. She taught at Harvard University in the 1970s and died in Boston on October 6, 1979.

The Blue Engine String Quartet strives to be one of Canada’s most innovative chamber ensembles. Sixteen years and a couple of hundred concerts later, the goal remains the same: to keep things fresh by finding new ways of presenting the classical string quartet repertoire, commissioning and premiering Canadian music, championing the works of underappreciated women composers and collaborating with leading creative pop artists. This journey has taken the quartet on an ever-changing road, from Shostakovich and Brahms to Erin Costelo and Jenn Grant, along the way crossing paths with the likes of Hatzis, Glass, Togni and Current. The quartet is frequently broadcast on the CBC, alone or featured alongside well known classical and pop artists.

The quartet is featured on several CDs and has released two of their own: a Christmas collection and the 2005 CD “If It Be Your Will,” original string quartet arrangements of the songs of Leonard Cohen, featuring vocalist Cliff LeJuene. Praise from Leonard Cohen: “Thank you for this sublime gift.”

Nova Scotian composer Emily Doolittle studied at Dalhousie University, the Koninklijk Conservatorium in the Hague, Indiana University and Princeton. Her principal teachers include Louis Andriessen, Steve Mackey, Barbara White, and Dennis Farrell. She is currently Associate Professor of Composition at Cornish College of the Arts in Seattle. Doolittle has composed for Symphony Nova Scotia, Orchestre Métropolitain, Ensemble Contemporain de Montréal, the Motion Ensemble, and various leading soloists. One of Doolittle’s ongoing interests is the relationship between bird and other animal songs and human music, explored both through composition and collaborative research projects with scientists. Other interests include traditional music of various cultures and storytelling through music.

Christos Hatzis is a professor of composition at the University of Toronto. With two JUNO awards, a SOCAN Award and several other national and inter-national awards to his credit and a large number of commissions by internationally recognized touring artists and ensembles, he is widely recognized as “one of the

most important composers writing today” (CBC) and “a contemporary Canadian master” (The New Yorker). CD recordings of his music are available on Deutsche Grammophon (Hilary Hahn), Naxos (Patrick Gallois), EMI (St. Lawrence Quartet), Analekta (Gryphon Trio), Sony, CBC, Centrediscs and other major and indepen-dent labels.

Alasdair MacLean has a reputation as one of eastern Canada’s most accomplished professional composers. He grew up in Liverpool, Nova Scotia, where, after youthful piano and voice lessons, he spent his teenage years playing in rock and prog-rock bands. He studied composition studies at Mount Allison University, the Juilliard School, the Conservatoire Américain (Fontainebleau), McGill and the University of Toronto. He has written more than forty commissions, including orchestral, operatic, music theatre, chamber, and solo compositions. Critics describe his music as displaying “restless resourcefulness” and “hypnotic intensity.” MacLean held consecutive positions as composer-in residence with Symphony Nova Scotia and Debut Atlantic, during which he was active in educational outreach.

John Plant (b. Yonkers, New York, 1945) studied composition and piano at Middlebury College and McGill University. His music ranges from chamber to orchestral works, opera and dance. Performers include the Talisker Players, Molinari and Blue Engine String Quartets, l’Ensemble du Jeu Présent, Ensemble Prima, saxophonist Jennifer Bill, and Le Groupe de la Place Royale. His Concerto for Orchestra, commissioned for the 40th anniversary of the Montreal Chamber Orchestra, will be premiered in April 2014. He taught composition and music history at Concordia University from 1993-2008. Two critically acclaimed CDs are devoted to his music: “Canciones del Alma” (SNE-625) and “Vocal Works in Eight Languages” (MSR-327).

CONDUCTORDescribed by the Toronto Star as “an artist who reflects a positive vision of our cultural future,” Sri Lankan-born Dinuk Wijeratne is internationally active as a

composer, pianist and conductor. Following his studies at the Juilliard School with John Corigliano, Dinuk was appointed Resident Conductor of Symphony Nova Scotia, while also garnering commissions from almost all his performance collaborators. To name a few: Yo Yo Ma’s Silk Road Ensemble, the Gryphon Trio, Joseph Petric, David Jalbert, TorQ Percussion, Kinan Azmeh, Tim Garland, Zakir Hussain, Ed Thigpen, Pandit Ramesh Misra, Kevork Mourad, Skratch Bastid, Buck 65, the Apollo Saxophone Quartet, and Symphony Nova Scotia.

DOCUMENTARY FILMMAKERLinda Rae Dornan explores the relationship between language, the body, memory and place in an interdisciplinary practice inclusive of performance, instal-

lation, video and audio art. Sounds, gestures and mark-making are her studio materials. Recent projects include video projections during “Elizabeth Bishop in Words & Music,” with Suzie LeBlanc and Symphony Nova Scotia; Topophilia, a video score for New Brunswick chamber music group Motion Ensemble, to improvise; and “Where the Bee Sucks,” a performance artwork of story, song and actions about how we live our lives. Her documentary, “Blue Skies & Rocky Shores: A Story of Caregiving & Dementia,” won best New Brunswick short documentary in 2008 at the SW Film Festival. In 2010 she was awarded the Strathbutler Award in N.B. Her work has been exhibited in North and South America, Europe and China.

Elizabeth Bishop Players

Dinuk Wijeratne conductor / chef d’orchestreJennifer Jones violin (Concertmaster) / violon solo Anne Simons violin / violonIsabelle Fournier violin / violon (MacLean)Kirsty Money violin / violon (MacLean)Kerry Kavalo viola / alto (MacLean and Doolittle)Rory McLeod viola / alto (Hatzis)Laura Veeze viola / alto (Plant)

Hilary Brown cello / violoncelleMax Kasper double bass / contrebassePatricia Creighton flute / flûteEileen Walsh clarinet / clarinetteSuzanne Lemieux oboe / hautboisIvor Rothwell bassoon / bassonDavid Parker horn / corKaren Rokos harp / harpeErin Donavan marimba

Sandpiper

Mark Simons, clarinet/clarinetteRobert Kortgaard,piano

Linda Rae Dornan

Suzie LeBlanc

Sunday, 4 A.M.

The Blue Engine String Quartet

Dear, My Compass

Dear, my compassstill points northto wooden housesand blue eyes,

fairy-tales whereflaxen-headedyounger sonsbring home the goose,

love in hay-lofts,Protestants, andheavy drinkers …Springs are backward,

but crab-applesripen to rubies,cranberriesto drops of blood,

and swans can paddleicy water,so hot the bloodin those webbed feet.

—Cold as it is, we’dgo to bed, dear,early, but neverto keep warm

Close Close

Close close all nightthe lovers keep.They turn togetherin their sleep,

close as two pagesin a bookthat read each otherin the dark.

Each knows allthe other knows,learned by heartfrom head to toes.

Breakfast Song

My love, my saving grace,your eyes are awfully blue.I kiss your funny face,your coffee-flavored mouth.Last night I slept with you.Today I love you sohow can I bear to go(as soon I must, I know)to bed with ugly deathin that cold, filthy place,to sleep there without you,without the easy breathand nightlong, limblong warmthI’ve grown accustomed to?

—Nobody wants to die;tell me it is a lie!But no, I know it’s true.It’s just the common case;there’s nothing one can do.My love, my saving grace,your eyes are awfully blueearly and instant blue.

Sunday, 4 A.M.

An endless and floodeddreamland, lying low,cross- and wheel-studdedlike a tick-tack-toe.

At the right, ancillary,“Mary” ’s close and blue.Which Mary? Aunt Mary?Tall Mary Stearns I knew?

The old kitchen knife box,full of rusty nails,is at the left. A high voxhumana somewhere wails:

The gray horse needs shoeing!It’s always the same!What are you doing,there, beyond the frame?

If you’re the donor,you might do that much!Turn on the light. Turn over.On the bed a smutch—

black-and-gold gessoon the altered cloth.The cat jumps to the window;in his mouth’s a moth.

Dream dream confronting,now the cupboard’s bare.The cat’s gone a-hunting.The brook feels for the stair.

The world seldom changes,but the wet foot danglesuntil a bird arrangestwo notes at right angles.

Sandpiper

The roaring alongside he takes for granted,and that every so often the world is bound to shake.He runs, he runs to the south, finical, awkward,in a state of controlled panic, a student of Blake.

The beach hisses like fat. On his left, a sheetof interrupting water comes and goesand glazes over his dark and brittle feet.He runs, he runs straight through it, watching his toes.

—Watching, rather, the spaces of sand between them,where (no detail too small) the Atlantic drainsrapidly backwards and downwards. As he runs,he stares at the dragging grains.

The world is a mist. And then the world isminute and vast and clear. The tideis higher or lower. He couldn’t tell you which.His beak is focussed; he is preoccupied,

looking for something, something, something.Poor bird, he is obsessed!The million of grains are black, white, tan, and gray,mixed with quartz grains, rose and amethyst.

A Short, Slow Life

We lived in a pocket of Time.It was close, it was warm.Along the dark seam of the riverthe houses, the barns, the two churches,hid like white crumbsin a fluff of gray willows and elms,till Time made one of his gestures;his nails scratched the shingled roof.Roughly his hand reached in,and tumbled us out

Sonnet (I am in need of music)

I am in need of music that would flowOver my fretful, feeling finger-tips,Over my bitter-tainted, trembling lips,With melody, deep, clear, and liquid slow.

Oh, for the healing swaying, old and low,Of some song sung to rest the tired dead,A song to fall like water on my head,And over quivering limbs, dream flushed to glow!

There is a magic made by melody:A spell of rest, and quiet breath, and coolHeart, that sinks through fading colors deepTo the subaqueous stillness of the sea,And floats forever in a moon-green pool,Held in the arms of rhythm and of sleep.

Insomnia

The moon in the bureau mirrorlooks out a million miles(and perhaps with pride, at herself,but she never, never smiles)far and away beyond sleep, orperhaps she’s a daytime sleeper.

By the Universe deserted,she’d tell it to go to hell,and she’d find a body of water,or a mirror, on which to dwell.So wrap up care in a cobweband drop it down the well

into that world invertedwhere left is always right,where the shadows are really the body,where we stay awake all night,where the heaves are shallow as the seais now deep, and you love me.

The Unbeliever

He sleeps on the top of a mast.—Bunyan

He sleeps on the top of a mastwith his eyes fast closed.The sails fall away below himlike the sheets of his bed,leaving out in the air of the night the sleeper’s head.

Alseep he was transported there,asleep he curledin a gilded ball on the mast’s top,or climbed insidea gilded bird, or blindly seated himself astride.

“I am founded on marble pillars,”said a cloud. “I never move.See the pillars there in the sea?”Secure in introspectionhe peers at the watery pillars of his reflection.

A gull had wings under hisand remarked that the airwas “like marble.” He said: “Up hereI tower through the skyfor the marble wings on my tower-top fly.”

But he sleeps on the top of his mastwith his eyes closed tight.The gull inquired into his dream,which was, “I must not fall.The spangled sea below wants me to fall.It is hard as diamonds; it wants to destroy us all.”

Anaphora

In memory of Marjorie Carr Stevens

Each day with so much ceremonybegins, with birds, with bells,with whistles from a factory;such white-gold skies our eyesfirst open on, such brilliant wallsthat for a moment we wonder“Where is the music coming from, the energy?The day was meant for what ineffable creaturewe must have missed?” Oh promptly heappears and takes his earthly nature instantly, instantly falls victim of long intrigue, assuming memory and mortal mortal fatigue.

More slowly falling into sightand showering into stippled faces,darkening, condensing all his light;in spite of all the dreamingsquandered upon him with that look,suffers our uses and abuses,sinks through the drift of bodies,sinks through the drift of classesto evening to the beggar in the parkwho, weary, without lamp or book prepares stupendous studies: the fiery event of every day in endless endless assent.

Le 3 août 2007, j’ai trouvé un dépliant au sujet d’Elizabeth Bishop à la St. James United Church de Great Village, en Nouvelle- Écosse. La couverture mon-trait son visage doux et rond, et à l’intérieur, quelques mots décrivaient la maison où elle avait grandi, juste en face de l’église. Elle rayonnait d’individualité : j’ai emporté le dépliant.

Plusieurs semaines après, j’ai trouvé son premier recueil de poêmes, “North & South”, et j’ai lu « The Map » -- la carte géographique -- et quelques autres poêmes. Je fus émerveillée par son regard unique qui, tel un oiseau perché sur une branche, était capable de contempler le moindre détail avec une précision remarquable puis de nous offrir, après un envol métaphorique, une perspective large et universelle de ce qu’elle percevait.

J’ai ensuite rencontré Alasdair MacLean, compositeur de la Nouvelle-Écosse et amateur de longue date de l’œuvre de Bishop, et il m’a présentée à Sandra Barry, poète et biographe de Bishop. Sandra m’a parlé du périple à pied de Bishop à Terre-Neuve en 1932, ce qui m’a interpellé, étant moi-même une adepte de la marche. J’ai donc décidé d’entreprendre le même trajet tout en me familiarisant avec son œuvre.

Le cercle s’est agrandi grâce à ma rencontre avec Linda Dornan, une artiste de Sackville au Nouveau-Brunswick, qui désirait participer à cette aventure dans le but d’en faire de l’art. Notre expédition fut très différente de celle de Bishop parce que nous nous déplacions avec de l’équipement cinématographique et que cer-taines anciennes routes qu’elle avait empruntées avaient disparu ou étaient devenues des autoroutes.

Avant mon départ pour Terre-Neuve en 2008, Sandra et moi avons parlé du centenaire de la naissance de Bishop qui devait être célébré en 2011. Nous allions avoir chacune cinquante ans la même année. À nous deux, nous pouvions aussi célébrer un centenaire en 2011. Nous avons planifié une multitude d’évène-ments : activités littéraires, expositions, concours d’écriture et de films documentaires et concerts sur l’ensemble de l’année 2011. Notre ambition était de célébrer les racines profondes de Bishop en Nouvelle-Écosse, son identité canadienne. L’un des rêves de Sandra était de pouvoir mettre en musique les poèmes de Bishop, qui était aussi une grande mélomane. J’ai été conquise par l’idée et nous avons commencé à travailler sur ce projet. Par le même heureux hasard qui m’avait guidé vers Bishop, nous avons trouvé les quatres compositeurs des oeuvres présentées, ou peut-être ce sont eux qui nous ont trouvées.

La rencontre a permis l’éclosion de cette musique, inspirée des poèmes de Bishop et qui, je l’espère, saura vous plaire. -Suzie LeBlanc

NOTES DE PROGRAMME

Silken Water: Elizabeth Bishop Suite – Alasdair MacLean

À la suite d’une première conversation avec Suzie LeBlanc au sujet d’un projet basé sur les poèmes d’Elizabeth Bishop, nous avons convenu que chacun de nous sélectionnerait quelques poèmes, parmi lesquels nous choisirions ceux que nous utiliserions pour le projet. L’un des premiers poèmes à attirer mon atten-tion fut « Cape Breton », poème évocateur à propos des habitants et du paysage de l’Île du Cap-Breton, et lorsque j’ai lu le vers « The silken water is weaving and weaving » (l’eau soyeuse tisse et retisse), une idée musicale s’est présentée à mon esprit, m’obligeant à m’asseoir à ma table de travail et à entreprendre la com-position. Le lendemain, j’avais plus ou moins terminé une pièce pour orchestre à cordes. Ainsi, entraîné dans les sentiers capricieux du processus créateur, j’avais amorcé « The Bishop Suite » par une pièce instrumentale inspirée de la poésie de Bishop.

Lors de discussions subséquentes avec Suzie, nous avons fait un tri parmi nos poèmes préférés pour en retenir trois que nous aimions particulièrement : « Dear, my compass », « Close, close all night » et « Breakfast Song ». Ce triptyque crée un narratif sur la famille et la communauté, l’amour durable et, finalement, l’approche de la séparation provoquée par la fin de la vie. En mettant ces poèmes en musique, mon intention était de rendre, dans la mesure du possible, l’humeur des textes sans pour autant créer une musique à programme, et de mettre les poèmes en valeur par une écriture claire et simple pour la voix.

Sunday, 4 A.M. – John Plant

J’ai tenté de créer l’impression d’un monde de rêve inondé et flottant au début. Les images religieuses abondent dans ce poème, mais ces images sont toutes mélangées à une quincaillerie laïque, quincaillerie parfois rouillée de surcroît. J’ai rendu « cross- and wheel-studded » (cloué sur la croix et la roue) par des lignes effectuant des descentes vertigineuses, ponctuées de pizzicati irréguliers et anguleux.

Les mots « ancillary / Mary » (servante Marie) suggèrent la Vierge Marie, d’abord à cause de la couleur bleue et du mot « ancillary » (dans le texte latin de l’Annonciation, Marie s’identifie comme « ancilla Domini », la servante du Seigneur) – mais il pourrait aussi s’agir d’une vieille connaissance, « tall Mary Sterns » (la grande Mary Sterns).

Le mouvement ascendant continu suggère non seulement sa grande taille, mais aussi l’évanescence vaporeuse de son apparence et de son identité même. Les clous évoquent la croix, mais les clous sont rouillés, dans une boîte à couteaux de cuisine toute simple. La musique agitée veut suggérer ici des clous rouillés s’entre-choquant dans une boîte. Une « vox humana » (voix humaine) est un jeu d’orgue d’église – ou d’un orgue de salon ; cependant, la voix est plutôt celle d’un fantôme mécontent.

The gray horse needs shoeing!It’s always the same!What are you doing,there, beyond the frame?If you’re the donor,you might do that much!

(Le cheval gris a besoin d’être ferré !C’est toujours pareil !Que faites-vous là, derrière la porte ?Si vous êtes le donateur,Vous pourriez vous en charger !)

Le donateur pourrait être Dieu, le créateur putatif de la vie, ou un mécène qui fait don d’une nappe d’autel (retouchée) à l’église. J’ai fait de ces vers un genre

d’air baroque da capo (ABA) en hommage à Suzie LeBlanc, qui a commandé l’œuvre. L’air se fragmente rapidement et se désintègre à la reprise. Turn on the light. Turn over.On the bed a smutch

(Fais de la lumière. Tourne-toi.Sur le lit une tache)

La rêveuse se réveille un bref moment, seulement pour retomber dans un autre rêve ; l’élément constant est le mélange d’images religieuses et profanes. La tache sur le lit devient un tableau de la Renaissance sur une nappe d’autel (retouchée) – le gesso est un apprêt qu’on met sur un tissu ou un canevas pour pouvoir peindre dessus. Et l’or évoque la feuille d’or d’un tableau religieux de la Renaissance. Compte tenu de l’éducation presbytérienne qu’a reçue Bishop, j’ai croisé ici une espèce d’hymne protestant déformé avec un chant grégorien.

Le chat, un prédateur, émerge de l’autre rêve, ou peut-être est-ce réellement un chat qui se métamorphose en un chat vu en rêve. Sur le plan musical, j’ai montré le chat poursuivi par son ombre fantôme (passages en canon, joués avec l’archet ou pizzicato). J’espère que l’instant où le chat saute à la fenêtre, un papillon de nuit dans la gueule, est clair – le pizzicato est intercepté par une note tenue et forte.

Vers la fin, le ruisseau inonde le rêve – au point qu’il atteint l’escalier, et qu’il atteint même le pied de la rêveuse qui pend du lit – jusqu’à ce qu’un oiseau qu’on entend à l’extérieur, dans le monde réel, remette les choses à leur place en plaçant deux notes à angle droit – (le sacré et le profane ? la note rêvée et la note entendue dans le monde réel ?) – en réorganisant la perspective de la rêveuse au moment où elle s’éveille. Ce poème est voisin de « Sandpiper » (bécasseau) dans le recueil de Bishop Questions of Travel (questions de voyage), et je suis persuadé que la proximité des deux oiseaux est délibérée.

Sandpiper – John Plant

Elizabeth Bishop présente la vision du monde du bécasseau, évoquant de manière irrésistible mais jamais explicite la condition humaine – et en particulier la condition poétique. La musique tente de rendre l’état de panique du pauvre oiseau, avec une transition vers une espèce de transcendance sublime au cœur d’une pléthore d’impressions déroutantes. Selon les termes d’Andrea Budgey, « Le piano décrit le monde sans cesse changeant de l’eau, du sable et du vent à travers lequel se déplace le bécasseau, tandis que le matériau mélodique et rythmique des lignes de la voix et de la clarinette rappellent, avec une précision stupéfiante, pas tant le chant de l’oiseau (bien qu’il y en ait des échos), que la rapidité, la nervosité et la variété de ses mouvements. » Cette œuvre est dédiée à Sandra Barry.

A Short, Slow Life – Emily Doolittle

A Short, Slow Life a été composée pour la soprano Suzie LeBlanc et Symphony Nova Scotia pour souligner le centenaire de la naissance d’Elizabeth Bishop. J’ai été attiré par la délicatesse des images de la nature dans ce poème – en l’occurrence des textures aussi bien que des sons. Bishop a passé son enfance dans ma province natale, la Nouvelle-Écosse (de même qu’une année à Seattle, où je vis actuellement), et j’étais particulièrement séduite par l’idée que plusieurs des mêmes paysages naturels et sonores qui ont influencé sa poésie ont également façonné ma voix musicale.

Four Songs – Christos Hatzis

Ma relation avec Elizabeth Bishop a commencé de manière plutôt abrupte. Je dois confesser que je ne la connaissais pas, non plus que sa poésie, avant que Suzie LeBlanc, la grande soprano canadienne, me demande de mettre en musique quelques-uns de ces poèmes pour un événement avec Symphony Nova Scotia célébrant le centenaire de Bishop en février 2011. J’ai accepté l’invitation sans lire les poèmes mais, lorsque j’ai lu ceux que Suzie m’a envoyés, je me suis rendu compte que les mettre en musique poserait un sérieux défi. Ma philosophie concernant la transformation de la poésie en mélodie est que, si la musique obscur-cit la structure et le sens du poème plus qu’elle ne les éclaire, mieux vaut s’abstenir. La musique devrait servir le poème, et non pas l’obscurcir ou se l’approprier d’aucune façon. Au début, les rythmes complexes et souvent non périodiques de Bishop jumelés à des significations parfois impénétrables montrent à l’œuvre un intellect brillant qui n’a nul besoin de l’aide d’un compositeur. Toutefois, à d’autres moments, ses vers disciplinés laissent entrevoir des éclairs d’abandon lyrique qui, ouvertement et implicitement, sont « in need of music » (ont besoin de musique). Elizabeth Bishop adorait la musique et y fait souvent allusion dans son œuvre : classique, jazz, populaire – son oreille était éclectique, mais sans compromis. Mon point de départ, quand j’ai mis ces quatre poèmes en musique, fut la décision de visiter les univers musicaux dont Bishop aurait pu faire l’expérience au cours de sa vie, mais seulement si ces univers pouvaient être suscités par la poésie elle-même. Ma quête visait à découvrir la mélodie à l’intérieur de chaque poème en cherchant les symétries derrière les asymétries alambiquées à la surface de chaque

poème : rythme suggéré par la ponctuation, changement de mode suggéré par une indentation singulière dans le texte, séquence de mots rappelant les paroles d’un genre de musique populaire ou image sonore dans le texte, tels les « sifflets d’usine » dans Anaphora qui peuvent être jumelés de manière convaincante à un genre de musique particulier.

Dans I am In Need of Music (j’ai besoin de musique), la première mélodie, un traitement légitimement romantique (presque « nouvel âge ») du texte cède la place à une musique évoquant les chansons populaires de l’époque des bigs bands, pour revenir au lyrisme dans « il y a une magie créée par la mélodie » et finale-ment à l’impressionnisme musical lorsque la musique tente de peindre le « calme subaquatique de la mer ». Harmonisée en do majeur, tantôt la musique est ton-alement stable, tantôt elle module méthodiquement avant de s’installer dans la tonalité supertonique de ré majeur pour le segment « big band » de la mélodie, et de retourner à la tonalité de do majeur pour la conclusion.

La supertonique est étrangement attirante dans la deuxième mélodie également, Insomnia (She is a Daytime Sleeper – elle est une dormeuse de jour). La structure curieuse de ce poème fait en sorte que la rime et le rythme des quatre premiers vers des deux premières strophes correspondent, commes les paroles des chansons populaires, alors que cette symétrie prévisible est compensée par les deux derniers vers non rimés de chaque strophe. Marqués par les styles de musique folk/pop des années 1960 (les Beatles étaient particulièrement présents à mon esprit au moment où je composais cette mélodie), ces deux vers « libres » se terminent en suspension sur la supertonique. Leur répond une ligne instrumentale dans la tonalité principale, sur laquelle on pourrait chanter les paroles « she is a daytime sleeper » (l’auditeur/trice est invité/e à imaginer ces paroles quand il/elle entend cette ligne instrumentale répétée). Les traits d’esprit extravagants de Bishop dans ce poème, en particulier le « and you love me » étonnant à la fin de la pièce, sont traduits en musique, et le résultat est une chanson populaire strophique qui fait semblant de s’approprier le poème. En réalité, malgré son côté « accrocheur », cette mélodie suit la sémantique du poème de près et va jusqu’à jusqu’à « pein-dre des mots » en associant « le monde inversé » de la troisième strophe au décalement d’une croche dans la mesure, jouant vertigineusement avec la perception des temps forts et faibles chez l’auditeur.

The Unbeliever, le troisième poème, est une description surréaliste d’un rêve rempli d’anxiété. La musique est une valse – croisement entre les deux Strauss (Johann et Richard) – qui module constamment à partir de la tonalité initiale de do majeur et ne reste jamais dans la même tonalité plus de quelques secondes. Le chromatisme omniprésent et les gestes musicaux donnent l’impression d’un numéro d’équilibriste, plongeant dans les profondeurs à la toute fin puis s’évaporant vers les hauteurs le long de la série d’harmoniques de la note do. Cette mélodie est de loin la plus virtuose des quatre, autant pour la soprano que pour l’orchestre. Une fois cette mélodie terminée, je considérais que la composition était achevée, aussi ai-je envoyé la partition à Suzie et à Symphony Nova Scotia.

Après l’avoir réécouté plusieurs fois, cependant, le cycle de mélodies m’est apparu incomplet. J’ai demandé aux commanditaires la permission de rajouter de rajouter une mélodie mettant en musique le poème Anaphora, et on m’a aimablement accordé cette faveur. Anaphora est un poème remarquable. Impénétrable quant à son sens profond, il s’est d’abord présenté à moi comme une méditation sur l’avènement cosmique et la chute d’Adam, suivie par sa transformation en un personnage évoquant le Christ, rachetant le monde par un « événement incandescent » dans un processus continu de « consentement sans fin ». Le début, déverrouillage de notre saint des saints qui utilise comme clé le son et la musique, m’a suggéré immédiatement une mélodie strophique cachée derrière l’asymétrie des vers et des rythmes du poème. Parmi les quatre poèmes, c’est dans Anaphora que mon objectif initial de découvrir la mélodie à l’intérieur du poème est le mieux réalisé. Le titre lui-même me donnait un indice de l’endroit où se cachait la mélodie. Anaphora (« ana-phora » en grec) signifie littéralement rapporter. Étymologiquement, « rapporter » veut dire apporter de nouveau, introduire de nouveau. C’est une allusion cryptique aux nombreuses répétitions de mots et de phrases dans ce poème. En faisant appel à des répétitions supplémentaires de mots clés, j’ai réussi à découvrir une structure strophique qui a permis non seulement l’écriture de cette chanson dans le style de Broadway, mais aussi une correspondance improbable (je dirais même impossible) entre les moments importants de ce poème alambiqué et la structure strophique même de la mélodie. La mélodie s’est littéralement écrite toute seule et a été terminée en un temps record. Elle est dans la tonalité de ré majeur, la supertonique de la tonalité originale de do majeur des deux premiers mouvements qui, comme cette mélodie, ne demandaient qu’à naître et à se mettre en évidence dès le départ. Le début de la deuxième strophe contient une allusion harmonique et mélodique à la première mélodie du cycle sur les mots « more slowly falling into sight ». Il s’agit de ma seule tentative, dans tout le cycle, de faire des références mélodiques croisées entre ces mélodies

très différentes, même si l’évolution de l’une à l’autre semble étrangement naturelle et vient démentir leur absence de parenté en surface. Elles sont comme quatre étrangers rattachés par des liens inexplicables qui ne sont pas issus directement de leur propre histoire et nature individuelles, ce qui donne lieu à des tensions aussi bien qu’à une cohésion dans la structure.

Four Song on Poems by Elizabeth Bishop est dédiée à Suzie LeBlanc, à Symphony Nova Scotia et à son chef Berhard Gueller.

BIOGRAPHIES

Suzie LeBlanc a d’abord fait sa marque dans le répertoire des 16e et 17e siècles, par ses concerts sur les scènes du monde entier ainsi que ses recherches et enregistrements de nombreuses œuvres inédites. Elle a participé à plus de 50 enregistrements en compagnie des meilleurs ensembles de musique ancienne du monde. En 2004, elle a commencé à ajouter à son répertoire la musique folklorique acadienne, la mélodie et le lieder, et enregistré des lieder de Mozart avec Yannick Nézet-Séguin. Ont suivi des enregistrements des « Chants de terre et de ciel » de Messiaen et les « Tempi con variazioni » avec l’ensemble Melosphere. Ces deux derniers CD ont remporté un Prix Opus dans les catégories Musique contemporaine et Musique du monde.

On a pu voir Suzie dans plusieurs documentaires, et elle a tenu le rôle principal dans le long métrage « Lost Song », qui a remporté le prix du meilleur film canadien de City TV au Festival international du film de Toronto en 2008. Son apport considérable à la culture acadienne et au baroque musical lui a valu quatre doctorats honorifiques et, en 2011, le Conseil des Arts et des lettres du Québec (CALQ) lui a décerné une bourse de carrière. Suzie LeBlanc est la fondatrice et directrice artistique du Nouvel Opéra, dont l’enregistrement de « La conversione di Clodoveo » de Caldara, sous la direction d’Alexander Weimann, a obtenu une nomination aux prix JUNO.

Elizabeth Bishop a créé un corpus de poésie remarquable autant par sa puissance d’expression que par ses images d’un raffinement exquis. Née à Worcester, au Massachusett, le 8 février 1911, elle était la fille unique de William T. Bishop et de Gertrude May (Boomer) Bishop, tous deux d’ascendance cana-dienne. Après le décès de son père en octobre 1911, la mère d’Elizabeth Bishop connut plusieurs dépressions et, en 1916, fut placée dans une institution où elle passa le reste de ses jours. Elizabeth vécut près de trois ans chez ses grands-parents maternels bien-aimés à Great Village, où elle connut les jours les plus heureux de son enfance. Ramenée à Worcester par ses grands-parents paternels en octobre 1917, elle devint très malade. Après un court séjour à Worcester, elle alla vivre chez sa tante jusqu’à ce qu’elle commence à fréquenter le Vassar College en 1930.

Bishop obtient son diplôme de Vassar en 1934. Elle avait déjà rencontré la poète Marianne Moore, qui devient son mentor et restera son amie toute sa vie. Son premier ouvrage, North & South, paraît en 1946. En 1947, elle reçoit une bourse Guggenheim et est nommée Conseillère en poésie à la Bibliothèque du Congrès en 1949. En 1950, elle se voit décerner un prix de l’American Academy of Arts and Letters. Bishop fait de nombreux voyages et continue à écrire, tout en affrontant des traumatismes psychologiques et plusieurs maladies. En 1951, elle entreprend un tour du monde et s’arrête au Brésil, où elle vivra près de 18 ans avec sa compagne, Lota de Macedo Soares. Poems: North & South/A Cold Spring est publié et remporte le prix Pulitzer de poésie en 1956. Questions of Travel paraît en 1965. Son quatrième et dernier recueil, Geography III, est publié en 1976 et reçoit le National Books Critics Circle Award. Elle enseigne à l’Université Harvard dans les années 1970 et meurt à Boston le 6 octobre 1979.

Le Blue Engine String Quartet s’efforce d’être l’un des ensembles de chambre les plus innovateurs au Canada. Seize années et quelque 200 concerts plus tard, son objectif reste le même : rafraîchir constamment les interprétations en trouvant de nouvelles façons de présenter le répertoire classique pour quatuor à cordes, en commandant et en créant de nouvelles œuvres canadiennes, en faisant la promotion d’œuvres de femmes compositeurs méritant d’être mieux con-nues et en collaborant avec des artistes pop de premier rang. Ce parcours a entraîné le quatuor sur des sentiers toujours changeants, de Chostakovitch et Brahms à Erin Costelo et à Jenn Grant, croisant en chemin des créateurs tels que Hatzis, Glass, Togni et Current. Le quatuor est souvent entendu sur les ondes de la SRC, seul ou en compagnie d’artistes classiques ou pop de renom.

L’ensemble a pris part à l’enregistrement de plusieurs CD en plus d’avoir fait paraître deux CD bien à lui : un disque de Noël et le CD « If It Be Your Will », lancé en 2005, qui présente des arrangements originaux pour quatuor à cordes de chansons de Leonard Cohen, mettant en vedette le chanteur Cliff LeJeune. Le groupe a reçu cet éloge de Leonard Cohen : « Merci pour ce cadeau sublime. »

La compositrice néo-écossaise Emily Doolittle a étudié à l’Université Dalhousie, au Koninklijk Conservatorium de La Haye, à l’Université de l’Indiana et à Princeton. Ses principaux professeurs ont été Louis Andriessen, Steve Mackey, Barbara White et Dennis Farrell. Elle est actuellement professeure agrégée de composition au Cornish College of the Arts, à Seattle. Doolittle a composé pour Symphony Nova Scotia, l’Orchestre Métropolitain de Montréal, l’Ensemble Contemporain de Montréal, the Motion Ensemble et divers solistes de premier plan.

Une des choses qui l’intéresse depuis longtemps est la relation entre les chants des oiseaux et d’autres animaux et la musique des hommes, qu’elle explore aussi bien par la composition que par des projets de recherche en collaboration avec des scientifiques. Elle s’intéresse également à la musique traditionnelle de diverses cultures et à l’art de raconter des histoires par la musique.

Christos Hatzis est professeur de composition à l’Université de Toronto. Avec deux prix JUNO, un prix de la SOCAN ainsi que plusieurs autres prix nation-aux et internationaux à son crédit de même qu’un grand nombre de commandes par des artistes et ensembles de tournée réputés à travers le monde, il est large-ment reconnu comme « l’un des compositeurs les plus importants de l’heure » (SRC) et comme « un maître canadien contemporain » (New Yorker). Des enregis-trements CD de sa musique sont disponibles chez Deutsche Grammophon (Hilary Hahn,) Naxos (Patrick Gallois,) EMI (St. Lawrence Quartet), Analekta (Gryphon Trio), Sony, les Disques SRC, Centredisques et plusieurs autres labels importants et indépendants.

Alasdair MacLean a la réputation d’être l’un des compositeurs professionnels les plus accomplis de l’Est du Canada. Il a grandi à Liverpool, en Nouvelle-Écosse, où, après avoir suivi des cours de piano et de chant quand il était enfant, il a passé son adolescence à jouer dans des groupes rock et prog-rock. Il a étudié la composition à l’Université Mount Allison, à la Juilliard School, au Conservatoire Américain (Fontainebleau), à l’Université McGill et à l’Université de Toronto. Il a composé plus de quarante œuvres sur commande, y compris dans les domaines de l’orchestre, de l’opéra, de la musique de scène, de la musique de chambre et pour soliste. Les critiques décrivent sa musique comme faisant montre « de ressource et de nervosité » ainsi que d’une « intensité hypnotique ». MacLean a rempli plusieurs mandats de compositeur en résidence auprès de Symphony Nova Scotia et de Debut Atlantic, au cours desquels il a mené des activités éducatives.

John Plant (né à Yonkers, New York, en 1945) a étudié la composition et le piano au Middlebury College et à l’Université McGill. Il a écrit dans les genres de la musique de chambre, la musique pour orchestre, l’opéra et la danse. Ses œuvres ont été exécutées par les Talisker Players, les quatuors à cordes Molinari et Blue Engine, l’Ensemble du Jeu Présent, l’Ensemble Prima, la saxophoniste Jennifer Bill et Le Groupe de la Place Royale. Son “Concerto for Orchestra”, commandé pour le 40e anniversaire de l’Orchestre de chambre de Montréal, sera créé en avril 2014. Il a enseigné la composition et l’histoire de la musique à l’Universi-té Concordia de 1993 à 2008. Deux CD, bien reçus par la critique, sont consacrés à sa musique : « Canciones del Alma » (SNE-625) et « Vocal Works in Eight Languages » (MSR-327).

CHEF D’ORCHESTREQualifié par le Toronto Star d’« artiste qui reflète une vision positive de notre avenir culturel », Dinuk Wijeratne, sri lankais d’origine, est actif sur la scène

internationale comme compositeur, pianiste et chef d’orchestre. Après ses études à la Juilliard School auprès de John Corigliano, Dinuk a été chef en résidence de Symphony Nova Scotia, tout en accumulant les commandes de presque tous les musiciens et ensembles avec qui il s’est produit, notamment : le Silk Road En-semble de Yo Yo Ma, le Gryphon Trio, Joseph Petric, David Jalbert, TorQ Percussion, Kinan Azmeh, Tim Garland, Zakir Hussain, Ed Thigpen, Pandit Ramesh Misra, Kevork Mourad, Skratch Bastid, Buck 65, l’Apollo Saxophone Quartet et Symphony Nova Scotia.

DOCUMENTARISTE

Linda Rae Dornan explore la relation entre le langage, le corps, la mémoire et le lieu dans le cadre d’une pratique interdisciplinaire incluant la performance, l’installation, la vidéo et l’art sonore. Les sons, les gestes et les marques sont les matériaux qu’elle utilise en studio. Parmi ses projets récents figurent Elizabeth Bishop in Words & Music, avec Suzie LeBlanc et Symphony Nova Scotia ; Topophilia, une partition vidéo sur laquelle le Motion Ensemble improvise ; et Where the Bee Sucks, une performance faisant appel au conte, au chant et à des actions, dont le sujet est la manière dont nous vivons nos vies. Ses œuvres ont été exposées en Amérique du Nord et en Amérique du Sud, en Europe et en Chine. Linda Rae Dornan a reçu divers prix et, pendant sept ans, elle a animé une émission de radio à CHMA 106.9 FM à Sackville, au N.-B.

Dear my compass

still points north

to wooden houses

and blue eyes…

elizabeth bishop

Suzie LeBlanc

Elizabeth Bishop

Linda Rae Dornan

Producer / Réalisateur : John D.S. Adams, Stonehouse SoundEditing, mixing and mastering / Montage, mixage et matriçage : John D.S. Adams, Stonehouse SoundRecording Engineer / Preneur de son : Rod Sneddon, Stonehouse SoundPhoto of / de Suzie LeBlanc : Tara McMullen Photography

Original artwork on front and back cover / Illustrations originales sur le devant et l’arrière de la pochette : José Alberto Nemer

Portrait Illustrations / Dessins : Linda Rae Dornan

Elizabeth Bishop Photo / Photo d’Elizabeth Bishop : Archives & Special Collections Library, Vassar College

Graphic Design / Conception Graphique : Mark Hand

Translation / Traduction : Véronique Robert Canadian Music Centre / Centre de musique canadienne : Elisabeth Bihl, Executive Director / Directrice générale Centrediscs / Centredisques : Allegra Young, Producer / Réalisatrice Recording Dates and Locations / Dates et lieux d’enregistrement : St. David’s Presbyterian Church, Halifax, June / juin 2012 (14–15) & August / août 2012 (13–15), St-Anselme Church, West Chezzetcook, November / novembre 2012 (27–28)

Special thanks to / Merci à : Scott Griffin, Anthony Meehan, John Barnstead, Sandra Barry, Alfred Villeneuve, Angie Wong, Tom Allen, John Allemang, Randy Barnard, The Elizabeth Bishop Society of Nova Scotia, Cate Cochran, Bernhard Gueller, Symphony Nova Scotia, Philippe LeBlanc, o.p., Roger Moore, Anne Simons, Barbara Richman, Eleanor Wachtel.

CMCCD19413 2013 Centrediscs / Centredisques

All rights reserved by the Canadian Music Centre Tous droits réservés Centre de musique canadienneFabriqué au Canada / Made in Canada.

From 20th-century classical concert works to electroacoustic sound art – whatever your taste in Canadian contemporary music – you’ll find it at the Canadian Music Centre. The CMC operates a distribution service for the sale of Centrediscs recordings as well as for many other independent contemporary music labels which can be purchased online, by email, by phone, at your local retailer or at any of the CMC offices across Canada. You may also browse the most up-to-date catalogue at the CMC website, www.musiccentre.ca, where you can see all new releases and featured discs.

Œuvres classiques du 20e siècle ou art sonore électroacoustique, quels que soient vos goûts en matière de musique canadienne contemporaine, vous trouverez ce qu’il vous faut au Centre de musique

canadienne. Le CMC gère un service de distribution pour la vente des enregistrements Centredisques ainsi que pour de nombreux autres labels indépendants de musique contemporaine que vous pouvez acheter en ligne, par courriel, par téléphone, chez votre disquaire ou à n’importe quel bureau du CMC au Canada. Vous pouvez également consulter un catalogue à jour au site du CMC, www.centremusique.ca, où vous verrez toutes les nouvelles parutions et tous les disques disponibles.

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I am in need of musicSuzie LeBlanc, sopranoThe Elizabeth Bishop Players, Dinuk Wijeratne, conductor / chef d’orchestre

The Blue Engine String Quartet

Silken Water: The Elizabeth Bishop Suite by Alasdair MacLean 11:55

1 The silken water is weaving and weaving 3:30

2 Dear, my compass 2:23

3 Close, close all night 3:17

4 Breakfast Song 2:43

5 Sunday, 4 A.M. by John Plant 15:06

6 Sandpiper by John Plant 7:17

7 A Short, Slow Life by Emily Doolittle 9:14

Four Songs by Christos Hatzis 22:42

8 I Am in Need of Music 7:00

9 Insomnia 2:48

10 The Unbeliever 5:23

11 Anaphora 7:33

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I am in need of musicSuzie LeBlanc, sopranoMusic by / musique de Doolittle, MacLean, Plant, Hatzis

The Elizabeth Bishop Players, Dinuk Wijeratne, conductor / chef d’orchestre

The Blue Engine String Quartet

Silken Water: The Elizabeth Bishop Suite by Alasdair MacLean

1 The silken water is weaving and weaving 3:30

2 Dear, my compass 2:23

3 Close, close all night 3:17

4 Breakfast Song 2:43

5 Sunday, 4 A.M. by John Plant 15:06

6 Sandpiper by John Plant 7:17

7 A Short, Slow Life by Emily Doolittle 9:14

Four Songs by Christos Hatzis

8 I am in Need of Music 7:00

9 Insomnia 2:48

10 The Unbeliever 5:23

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