Revista Summus 19

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© Comunican S. A. 2012 Todos los derechos reservados. Avenida El Dorado N° 69-76.

Conmutador: 423 2300. Fax: 423 7641. Apartado 3441. Bogotá, D. C., Colombia. ISSN 2027-1247

EDICIÓN N°

COLABORADORES PERMANENTESAndrés Ramírez

Ricardo KlingCarlos FerreirinhaCristina Grajales

León TovarFernando Carreño

COLABORADORES EN ESTA EDICIÓN Juan Camilo Maldonado

Álvaro Corzo

RETOQUE FOTOGRÁFICOAndrés Gachancipá

PREPRENSAProducción El Espectador

PRESIDENTE CONSEJO EDITORIAL EL ESPECTADOR

Gonzalo Córdoba M.

DIRECTORFidel Cano C.

GERENTEEduardo Garcés

GERENTE DE PRODUCCIÓNFabio Chica

DIRECTORJuan Fernández

ASESORES EDITORIALESCristina Grajales

Poli MallarinoRuven Afanador

Ricardo Kling Andrés Ramírez

DIRECTOR DE ARTEPablo Barreto

ASESOR GRÁFICODarío Forero A.

DISEÑOMónica Vásquez Vargas

EDITORA DE FOTOGRAFÍA

Natalia Hoyos

CORRECCIÓN DE ESTILOJairo Galvis Henao

Juan Sebastián Sánchez

FOTO PORTADA Erick Andía

Cortesía Central

FOTOGRAFÍANatalia HoyosÁlvaro Corzo

VENTAS PUBLICIDADº

DIRECTORA COMERCIAL MEDELLÍN

ELIZABETH VILLEGAS

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CALI

MARTINA NIESSEN BARTH

VENTAS INTERNACIONALES

JUAN GABRIEL SANTAMARÍA

IMPRESO EN PRINTER COLOMBIANA

VICEPRESIDENTE COMERCIAL CARACOL COMERCIALIZADORA DE MEDIOS: MAURICIO UMAÑA BLANCHE

Pág. 46 Trazos de moda

Pág. 62 El milagro de Corcovado

Pág. 64 La música hecha imágen

Pág. 68 La cocina es Central

Pág. 96 La ruta de Bell & Ross

Pág. 104 El índice de las carteras

Pág. 114 La nueva dirección

de la alta costura

Foto Corbis

DISEÑADORA DE SUEÑOS

Lady Weinberg es una audaz diseñadora que ha creado desde los más refinados hoteles de Europa hasta el Beluga, una de las embarcaciones más hermosas del Mediterráneo.

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Foto Natalia Hoyos

LA COMUNIDAD DE LOS OFICIOS

En el centro de Bogotá, un grupo de maestros artesanos reunidos en la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo rescata el arte de convertir la materia en objetos a la vez útiles y bellos.

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Cuatro hoteles ubicados en esquinas opuestas del planeta, pero que comparten el honor de ser codiciados por su tradición.

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Foto Cortesía Hotel Lamounia Marrakech

HOTELES CON HISTORIA

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Foto Cortesía IWC

RELOJES A LA VISTAEl mecanismo Open Works, o esqueleto, permite ver la totalidad del reloj. Un recorrido por aquellos que hoy son íconos de la industria y se han convertido en valiosas piezas de colección.

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Foto Álvaro Corzo

Nueva York es la Meca de la moda contemporánea en el mundo, y como ya es tradicional, pocos días antes de la semana de la moda se lleva a cabo el Fashion’s Night Out, quizás la fiesta más glamurosa de la ciudad.

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DELIRIO DE UNA NOCHE FASHIONISTA

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Cámara de Reversa

Bogotá: Subaru STI Av. 19 Nº 103 - 72, PBX: 6918600 - 6918241 - 6918242. / Av.19 Nº 128B - 65, PBX: 6262558 - 6152031. Medellín: Cr. 43 A Nº 31 - 217, Tels: (4) 2620903 - 2620550.Las Vegas Cll. 25B sur Nº 45 - 85, Tel: (4) 3331996 - 3335216. Cali: Av. Pasoancho Nº 73 - 56, Tel: (2) 3326999. Manizales: Av. Kevin Ángel Nº 64A - 180, Tels: (6) 8816908 - 8816088 - 8816508. Barranquilla: Cll. 79 Nº 51 - 72, local 16-17, Tels: (5) 3683926 - 3680693. Pereira: Av. 30 de Agosto Nº 39 - 81,Tels: (6) 3261789 - 90. Villavicencio: Cra. 22 Nº 8C – 152, vía Puerto López, Tels: (8) 6684690 - 6634532.

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No se trata de sentir la libertad, se trata de vivirla.

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Hace cuatro años circuló el prime-ro número de esta revista. Desde entonces han pasado por estas páginas personajes que, como lo repetimos constantemente, convier-ten lo ordinario en extraordinario.

Intentamos no tener límites en la búsqueda de historias sor-prendentes, globales y atemporales destinadas a lectores que comparten aficiones en temas específicos que al final componen el arte del buen vivir. Esa seguirá siendo nuestra esencia.

En esta edición decidimos indagar en la historia de Virgilio Martínez, un chef peruano que se ha convertido en un referente de la cocina de su país y que se ha uni-do a sus aclamados compatriotas Pedro Schiaffino, Rafael Osterling y Gastón Acurio en la conquista de las mesas de las principales capi-tales del mundo. Su restaurante se llama Central y está ubicado en Lima. Tiene dos años de abierto y ha sido aplaudido por la crítica y financiado por los frenéticos comensales que lo han motivado para abrir su segundo restaurante, Lima London, ubicado en la capital

Juan Fernández británica. En ellos, como dice, ofrece simplemente lo que la tierra le da.

En Londres, precisamente, pudimos ubicar a los dueños de uno de los veleros más hermosos del Me-diterráneo, el Beluga. Llevábamos meses tras ellos y la idea al final no era otra que contar con su autoriza-ción para reseñar el barco y contar cómo había sido reconstruido. Sin embargo, Sir Mark Weinberg, uno de los hombres de negocios más in-fluyentes de Gran Bretaña, se animó a invitar a su esposa para que fuera ella, y no el barco, la protagonista de esta historia. Así accedimos a Lady Weinberg, también conocida como Anouska Hempel, una audaz diseña-dora de 71 años que aún recuerda sus tiempos de “chica Bond” y que contó de primera mano cómo resucitó el Beluga y creó algunos de los hoteles más emblemáticos de Londres.

En Bogotá encontramos a un grupo de maestros artesanos que desde la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo rescatan el arte de convertir la materia en útiles piezas de arte, de la mano de un grupo de extranjeros que se ha hecho cómplice de esta tarea.

Siguiendo con el arte, con-tamos con el relato del galerista León Tovar, que esta vez analiza cómo en tan solo dos ediciones la feria ArtRio se posicionó como el epicentro del arte moderno y contemporáneo en América Latina.

Finalizamos este recorrido en Nueva York para experimentar el Fashion’s Night Out, la fiesta que se da pocos días antes de la semana de la moda de la ciudad. Una noche en la que la moda salta de las pasarelas y se toma las calles con frenesí.

Personajes y experien-cias que llevan a sentir el arte de vivir bien.

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Carta del director

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Historias con alcance global

Diseñadora de sueños Por Juan FernándezLondres

La comunidad de los oficios Por Juan Camilo MaldonadoBogotá

El milagro del CorcovadoPor León TovarNueva York

Delirio de una noche fashionistaPor Álvaro CorzoNueva York

La nueva dirección de la alta costuraPor Carlos FerreirinhaSão Paulo

Infografía b+s

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Lady Weinberg: Diseñadora de sueños

EN LA CIMA

Foto Cortesí

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Su residencia está ubicada en Knightsbridge, una sofisticada zona de Londres que alberga bancos, hoteles, tiendas como Harrods, y, naturalmente, man-siones como la suya. Llama la atención su inmenso jardín y las piezas de colección que alberga al interior, entre ellas, múltiples retratos Isabelinos. Hoy es Lady Weinberg, aunque también sigue siendo conocida como Anouska Hempel. Fue actriz y “chica Bond”, pero sobre todo es diseñadora, restauradora y mujer de negocios. Tiene 71 años y vida para rato. “Mi existencia ha sido, y sigue siendo, maravillosa, excitante, existen-cialmente estimulante”, asegura.

Evita, como en esta opor-tunidad, que le tomen fotos. Casi siempre viste de negro. “Es mi uniforme”, dice. Tiene 16 cami-sas negras, 16 faldas del mismo color y un par de leggings en su clóset. De su uniforme también hace parte un collar de perlas. “Si el tiempo te agarra en la oficina y tienes que salir por la noche a algún lugar, lo que te salva es el collar y algunos accesorios. Son

"El arte de atesorar"

A sus 71 años, Lady Weinberg dice vivir una vida plena. Lo dice con la sabiduría que solo otorga la experiencia. Fue actriz y “chica Bond” en su juventud. Después se convirtió en una audaz diseñadora que ha creado desde los más refinados hoteles de Europa hasta el Beluga, una embarcación que alberga al jet set internacional.

Diseñadora de sueños

s

Por Juan Fernández

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USUALMENTE VISTE DE NEGRO, ES SU UNIFORME, DICE.

la parte superior del uniforme. A mí me han socorrido siempre; no tengo tiempo para andar pensan-do en qué ponerme”, comenta.

Lady Weinberg nació en un barco que navegaba entre Papúa, Nueva Guinea, y Nueva Zelanda, región donde su padre se asentó para convertirse en criador de ovejas. Entrada la década de 1950, partió a un internado en Australia que, asegura, fue su salvación. “Descubrí que era una diseñadora por ahí a los cinco años, cuando me dijeron que dejara de alinear todo hacia arriba o de tener mi propia forma de poner las cosas en casa. A los siete años fui enviada

a un internado porque todo se me hizo demasiado difícil. Mi forma de pensar y de ver el mundo era obsesiva. Estaba en competencia con el resto de mi familia. Fue una buena lección, y cuando me fui me encantó, no podría haber sido mejor. Debí haber sido una niña terriblemente difícil”, recuerda.

A los 17 años partió hacia Londres, lo que resultó toda una revelación para ella. Fascinada por el diseño, empezó un pequeño stand en la calle Portobello, el mercado de antigüedades más grande del mundo. Fue allí donde se inició también como actriz de comerciales y películas. Se

En 1978 abrió el Blakes, uno de los primeros hoteles boutique de Londres y lugar preferido de los actores y artistas de la época.

Cortesía Anouska Hempel

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convirtió en centro de atracción tras personificar, en 1969, a uno de los “Ángeles de la muerte”, en Al servicio secreto de su Majestad, la sexta pelí-cula de la saga de James Bond. Otras películas protagonizadas por ella quedaron en el olvido y, después de hacer dinero, Lady Weinberg prefirió pagar sus derechos y así impedir su reproducción, en especial la de aque-llas que dejaban ver más de la cuenta.

Pareciera que no se siente cómoda cuando la definen como actriz, con-trario a cuando se refieren a ella como diseñadora: “Siempre he sido una dise-ñadora, tal vez no genial, pero siempre he diseñado algo, ya sea un pequeño discurso que tenía que decir en alguna parte o la ropa que llevaba en un comer-cial. Al final, todo se convierte en uno mismo. Como diseñadora, logré llevar a la actriz fuera de la ecuación. Pienso que dirigir mi propia empresa es mucho mejor que ser una actriz en esta etapa de mi vida. Lo fui hace mucho tiempo, en los primeros días”, dice Lady Weinberg.

Su apellido paterno es Geissler. El Hempel es de su primer esposo, Constantino, un periodista irlandés y


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El Hotel Blakes cuenta con una decoración recargada que lo caracteriza. Parte de su éxito se le debe a ese toque abarrotado y al ser identificado como un lugar de parada obligado y discreto para las estrellas.

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“EL LUJO DEPENDE DE CÓMO CADA UNO LO VEA. LA PALABRA LUJO ES DEMASIADO USADA. CREO QUE LA DEFINICIÓN DE LUJO ES MUY DIFERENTE DE UNA PERSONA A OTRA. PARA MÍ, TAL VEZ ES EL INSTANTE EN EL QUE ESTOY EN MI BARCO Y MIRO EL MAR Y TAL VEZ VER UN DELFÍN O DOS EN MIS SUE OS. CADA DÍA TIENE IMPREGNADO ALGÚN TIPO DE TINTE LUJOSO”, LADY WEINBERG.

promotor de bienes raíces con el que abrió, en 1978, el Blakes, uno de los primeros hote-les boutique de Londres y el lugar preferido de los actores y artistas de la época. Constan-tino murió en un accidente automovilístico y, después de un breve matrimonio con el productor de teatro Bill Kenwright, Anous-ka se casó con su actual esposo, Sir Mark Weinberg, padre de su único hijo y uno de los hombres de negocios más influyentes de Gran Bretaña al inicio de la década de 1980.LOS HOTELES

Sobre los primeros días de éxito del Blakes, cuya propiedad ya no conserva, Lady Weinberg recuerda: “Fue el primer hotel que hice y se convirtió en un lugar de parada discreto para las estrellas. Un refugio y un santuario para muchas personas

que supuestamente no debían estar juntos. Siempre hemos mantenido la boca cerrada y una actitud discreta hacia los paparazzi”.

Su segundo hotel fue el Hempel, mucho más minimalista que el Blakes. “Casi diez años después se me acercó un japonés que quería tener otro Blakes en el área de Bayswater. Fui muy afortunada al convencerlo de hacer un hotel mini-malista, muy diferente al Blakes. Eso sí, que se complementaran bajo la misma dirección y que solo me costara atrave-sar el Hyde Park para trasladarme de uno al otro. Fue, y sigue siendo, un éxito”.

Después de adquirir una buena reputa-ción en el diseño de hoteles, Lady Weinberg se hizo cargo del Blakes de Amsterdam, y hace poco del Warapuru, en Itacare, Brasil. Lo


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QUIZÁS LA PIEZA MÁS SIMBÓLICA EN LA VIDA DE LADY WEINBERG ES EL BELUGA.

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Fotos cortesía

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mismo ocurrió con el Grosvenor House y La Suite West, ambos en Londres. Hoy trabaja en la remodelación del anti-guo Pera Palace, en Estambul, y en el di-seño del Garcha, que remplazará al City Hotel de Santiago de Chile. Reconoce influencias en sus conceptos y advierte que admira a diseñadores y arquitectos como Tadao Ando, Claudio Silves-trin, John Pawson y Peter Marino.

De su portafolio también hacen parte trabajos para las tiendas bandera de Van Cleef & Arpels, Louis Vuitton y Henry Cottons. Así mismo el diseño de los restaurantes Danesfield House y Aikens, en Londres, y el de múltiples jardines en Austria, Italia, Liechtens-tein, Marruecos y Brasil. Dice que el verdadero éxito de sus proyectos se

alcanza solo si permanecen vigentes en el tiempo. “Si se va a crear algo debe pensarse que durará el mayor tiempo posible”, señala Lady Weinberg. “Lo triste es pensar y diseñar los hoteles para después venderlos a otra per-sona que, por ejemplo, tenga un hijo arquitecto y quiera cambiar las cosas, o donde la esposa del gerente sea la que pone las flores en el lugar. Eso me irrita, por eso me gusta ser la dueña de la mayor parte de lo que hago, no mirar atrás y sentirme afortunada con el grupo de gente que me rodea”.EL BELUGA

Quizás la pieza más simbólica en la vida de Lady Weinberg es el Beluga. Un barco de vela de madera turco de 28 metros de largo en el que

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invirtió varios años y miles de dólares hasta que consi-guió, junto con su esposo, Sir Mark, reconstruirlo.

Está anclado en el Mediterráneo y es uno de los barcos más admirados del lugar. Posee dos cabinas, un estudio y un espacio para seis personas y una tripulación de cinco miembros. Puede alquilarse durante una sema-na por 40 mil euros a través de Dalmatian Destinations.

Lady Weinberg cuenta emocionada el proceso de reconstrucción del barco: “Compramos el Beluga en Bodrum. Era un crucero turco diseñado para diez

parejas que dormían casi una debajo de la otra. Un lugar horrible, parecía un bar maloliente. Pensé que podía hacerlo bo-nito, que fuera un lugar para pasarla bien. Lo reconstruimos en Mallorca con un equipo británico que por esos días vivía en la isla; quizá por eso se ve tan bien. Si

usted ha estado alguna vez en la tienda de ropa inteligente Henry Cotton en Milán, verá que el barco tiene mucho que ver con ese lugar. El señor Raffini (propietario de Henry Cotton) amaba el hotel Blakes y el Beluga; fue por eso, realmente, que creó Henry Cotton”.

Para su restauradora, el Beluga significa libertad,

El beluga posee dos cabinas, un estudio y un espacio para seis personas y una tripulación de cinco miembros

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diversión, estilo. “En un día glorioso no hay ningún sitio mejor para estar que el Beluga”, dice mientras recuerda algunas anécdotas sucedidas en la embarcación con sus invitados: “Una noche, Valentino fue al bote a comer con la princesa Margarita, una velada absolutamente increíble. Tuvimos 36 huéspedes y el único que no se quería sentar, porque decía que el lugar no era cómodo, era Valentino. La Princesa no tuvo más remedio que empujarlo para que el diseñador cayera sobre un cojín. Desde entonces, dice que el bote es perfecto y tan cómodo como el más confortable de los colchones”.

El diseño de modas también la apasiona. Viste a miembros de la rea-leza y a algunas figuras del jet set euro-peo, inspirada, confiesa, en las pinturas de estilo isabelino que adornan su casa. “Soy también una modista y me intere-san, entre otros, los cuellos, los puños, las mangas y los zapatos. Si mira con mucha atención los retratos isabelinos, encontrará que las personas están de pie y me enseñan lo que quiero ver. Pero lo que más me gusta son las piernas; si nos fijamos en ellas, se parecen a las de mi marido: largas, delgadas y muy bien formadas”, concluye sonriendo.

LADY WEINBERG SE CONVIRTIÓ EN CENTRO DE ATRACCIÓN

EN

Lady Weinberg también es diseñadora de modas. Después de una de sus pasarelas celebra en la galería White Cube junto con su esposo Lord Weinberg, Jay Jopling y la modelo Kate Moss.

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Trazos de moda

La comunidad

El milagro del Corcovado

La música hecha imagen

DISEÑO

cortesía Hanna Muller

RICHARD KILROYHa hecho su carrera en Inglaterra y presenta dibujos a mano de ropa mas-culina. La atención por los detalles y el estilo minimalista son lo más des-tacado de su obra, que ya ha llamado la atención de íconos de la moda como Christian Dior.

www.richardkilroy.com/

JARNO KETTUNNENKettunen vive entre Bruselas y Atlanta. Sus ilustraciones son inspiradas y creadas donde sucede toda la acción, tras los bas-tidores de los más importantes desfiles de moda. Con solo unas pinceladas y un uso preciso del color, evoca la forma humana y sus trajes.

www.jarnok.com/

Trazos de modaPor Fernando Carreño

DISE O

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Los ilustradores de moda, desconocidos para la mayoría, son los encargados de marcar las tendencias en el cambiante y creativo mundo de las pasarelas. Ellos llenan las páginas de la moda con sus ideas, más allá de las limitaciones de la tela y del cuerpo.

Richard KilroyJarno KettunnenRosie McGuinnessHanna MuellerLaura Laine

ROSIE MCGUINNESSVive y trabaja en Londres. Sus creaciones se asemejan a los dibujos de los croquis; a través de las líneas logra capturar las siluetas y el movimiento de las telas.

www.rosiemcguinness.co.uk/

HANNA MUELLERLa artista sueca combina tinta y acuarela en sus retratos, lo que les da una mezcla de suavidad y fortaleza impactantes.

www.agentandartists.com/artists/hanna-mueller/

LAURA LAINEComo diseñadora de modas, decidió enfo-carse en la ilustración y, gracias a su rigurosa técnica de dibujo a mano, sus imágenes ga-nan dinamismo a través de las posturas del cuerpo y el pelo.

www.lauralaine.net/

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Trazos de moda

ARTAKSINIYA Es rusa y vive en Hong Kong. A través del uso de materiales y técnicas para crear capas tridimensionales, forma perso-najes de moda únicos. Aparte de ser ilustradora, Artaksiniya diseña textiles y tiene su propia línea de bufandas de seda.

www.artaksiniya.com/

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DISE O

LESLEY BARNESCon experiencia en el cine y la animación, el trabajo de esta escocesa está claramente influenciado por la imagen en movimiento. Los patrones y el collage terminan resal-tando de una forma divertida cada prenda y cada diseño.

www.lesleybarnes.co.uk/

EUGENIA ALEJOS Sus collages tridimensionales combinan fotografías, texturas, telas y pinceladas para lograr el efecto deseado.

www.eugenialejos.com/Illustrations.html

CRISTIAN GROSSIEste diseñador gráfico italiano creó la serie Insecta, en la que va un paso adelante en la ilustración contemporánea dándole movimiento a sus creaciones a través de gifs animados, una técnica que utiliza imágenes digitales repetitivas que dan la impresión de estar en movimiento. www.crixtian.it/

ArtaksiniyaEugenia AlejosLesley BarnesCristian Grossi

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Trazos de moda

Es diseñadora de modas y se ha especializado en ilustrar la moda masculina informal con su estilo particular. También colabora con la línea de ropa ZDDZ, en la que se puede percibir toda su sensibilidad por las siluetas y las formas dinámicas.

www.zoyasmirnova.com/

INGELA OCH VI Los suecos Elisabeth Månsson, ilustradora, y Peter Turkalj, fotógrafo, han unido su trabajo para crear lo que ellos llaman “fotografía ilustrada”, que son los diseños, los dibujos y las muestras de telas de Elisabeth, que luego son fotografiadas por Peter como producto final.

www.ingelaochvi.blogspot.com/

TARA DOUGANSSus ilustraciones tienen uno de los toques personales más profundos. El proceso creativo consiste en trabajar pequeños detalles de sastrería dibujados con lápiz, una pintura más tosca, y técnicas digitales. www.taradougans.com/

SABINE PIEPER Esta fotógrafa e ilustradora alemana juega con las líneas de sus dibujos y com-bina digitalmente las diferentes texturas de las telas después de escanearlas.

www.sabinepieper.com/

ZOYA SMIRNOVA

Sabine PieperZoya SmirnovaIngela Och ViTara Dougans

DISE O

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El Elixir de Amor Donizetti

Otelo Verdi

La Tempestad Adès

La Clemencia de Tito Mozart

Un Baile de Máscaras Verdi

Aída Verdi

Los Troyanos Berlioz

María Estuardo Donizetti

Rigoletto Verdi

Parsifal Wagner

Francesca de Rímini Zandonai

Julio César Händel

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El arte de lo cotidiano

La comunidad de los oficiosEn el centro de Bogotá, maestros artesanos rescatan el arte de convertir la materia en objetos útiles y bellos a la vez. Esto sucede en la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo, donde un grupo de extranjeros se ha hecho cómplice de esta tarea, entre ellos Grant McCaig, un platero escocés que descubrió en el metal la invisible frontera entre el orden y el caos.

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Por Juan Camilo Maldonado, Bogotá Fotos Natalia Hoyos

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Como suele suceder con todos los accidentes, el de Grant McCaig fue fugaz, inesperado, y los efectos del machucón, adorme-cidos, durante unos segundos por cuenta de la adrenalina.

Curiosamente, durante mu-chas semanas que antecedieron al evento, el platero escocés se la había pasado repitiendo –como lo había hecho buena parte de su vida- sofis-ticadas lecciones de metalurgia ar-tesanal, inspiradas en antiquísimas técnicas europeas que implicaban la forja de metales con martillos pesados difíciles de conseguir en los mercados tradicionales.

Pese a la dificultad de los procedimientos que enseñaba a sus estudiantes, McCaig no había tenido hasta ese día ningún tipo de inconveniente. Sin embargo (e irónicamente), ahora estaba allí, al frente de un archivador, buscando aliviar el intenso dolor en su pulgar, luego de golpearse el nudillo con el condenado mueble.

Casi de inmediato, un mar de gente, salida de los salones, los corredores y las oficinas de la Escuela de Artes y Oficios Santo

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cDomingo, se volcó a atender al es-cocés, que aún perplejo por el gol-pe –y aún más perplejo por estos intensos brotes de compasión- ob-servaba admirado cómo la profun-da herida sangrante se convertía en el centro de atención de esta comunidad en el centro de Bogotá, donde había estado viviendo durante las últimas semanas.

“Fue ahí donde entendí el tipo de personas con las que estaba y lo que verdaderamente importa en la vida”, escribiría McCaig tiempo después, al recordar su primera visita a Colombia. “Durante el tiempo que tardó la ambulancia en llegar, me pareció que logré hablar con cada uno de los miembros del personal y cada estudiante de la escuela, lo cual me hizo sentir extremadamente tonto, pero abrumadoramente querido”.

RESCATAR LOS OFICIOSPese a la belleza de sus

patios, pese a la evidente an-tigüedad de sus corredores y paredes, las tres casonas inter-conectadas que componen hoy

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la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo son, en cierta medida, casas desmemoriadas.

Dicen que la más vieja, llena de detalles coloniales y adornada con los matices mo-riscos de sus arcos y columnas, perteneció al capitán español Rodrigo Álvarez y fue cons-truida en 1640. De las otras dos se sabe con certeza su origen republicano, y que una de ellas fue llamada en su época la “casa del virrey”, aunque nadie pueda probar que allí hubiera habi-tado José Manuel Solís Folch de Cardona, el virrey Solís.

Dicen, también, que una tarde, no hace mucho, alguien vio el espectro de una niña que corría por uno de los co-

rredores laberínticos que co-munican las casas entre sí.

En estas casas sin fantasmas ni memoria, cuyos miles de secre-tos se los quedó, para siempre y bajo llave, el tiempo, solo pare-ciera haber lugar para la vida.

En cada salón y cada esqui-na construidos sobre parte de la manzana diagonal al Palacio Liévano y el Capitolio Nacional, en el centro de Bogotá, decenas de estudiantes universitarios, jubilados, amas de casa y artistas en busca de mayor formación, entran a diario a la Escuela de Arte Santo Domingo.

“Hay una placentera sensa-ción de simbiosis en esta escuela”, escribiría McCaig, al finalizar su primera estancia en 2011. “Los

talleres se desarrollan bajo la cubierta de los pasillos, pero son esencialmente al aire libre; sentir la brisa o ser mojado ligeramente por la lluvia mientras trabajas es interesante e interrumpe el trabajo… la inmersión es com-pleta, pero nunca llega a desco-nectarte de lo que te rodea…”.

Forja, talla en madera, tapicería, trabajo en cuero, bordado, desde hace más de una década se rescata a diario en estos espacios el arte del “oficio”, como muchos lo llaman: esa curiosa capacidad del ser humano de convertir el mundo natural en objeto útil, y la utilidad, a su vez, en sencillas muestras de belleza.

Hace más de tres déca-das, cuando todo comenzó a

Grant McCaig: al rescate de la platería

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PRIMERO A POCAS CUADRAS DE LA UNIVERSIDAD DE LOS ANDES, PARA LUEGO MIGRAR,

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germinar en la imaginación de Poli Mallarino, en Colombia parecían estar muriendo los oficios. Entonces, recuerda una de las principales impulsoras de la Escuela, todo el mundo quería ser doctor o licenciado, y el arte de ganarse la vida mol-

deando el mundo natural parecía extinguirse en una sociedad que se peleaba a pulso su industrialización y su inserción en la sociedad del consumo masivo.

¿Por qué no volver a las raíces? ¿Y por qué no rescatar desde las raíces la capacidad de ha-cer arte lo cotidiano, y de paso ganarse la vida?

Lentamente, la idea de crear una escuela de artes y oficios, muy al estilo de la fundación que, en 1953, creó el banquero portugués Ricardo do Espírito Santo Silva en el corazón de Lisboa, fue tomando forma. En 1995, la escuela abrió las puertas en Bogotá, primero a pocas cuadras de la Universidad de los Andes, para luego

migrar, en 1997, a la primera de las tres casas que hoy componen el entramado de salones con bastidores, tornos, mesas de trabajo y hornos de fundición donde numerosos estudiantes de todas las estirpes se convier-ten en sofisticados artesanos.

Entre maestros del oficio locales, ebanistas, tejedores y plateros, los estudiantes de la escuela también se codean año a año con personalidades que, como McCaig, la planta de la Fun-dación Ricardo do Espírito Santo Silva o la tejedora francesa Nadja Berruyer, han logrado preservar –y actualizar- de modos muchas veces sorprendentes, las artes más

básicas del ser humano, hereda-das de tiempos inmemoriales.

Porque el arte y el oficio pareciera ser así de sencillo, y así de profundo, para aquellos que se lo toman en serio. Una forma de convertir la naturaleza en el reflejo del espíritu humano. Un espejo, escribió Nadja Berruyer, a través del cual la materia “reve-la nuestra capacidad de crear la inutilidad indispensable”.

ALQUIMIAGrant McCaig nació y creció

en un mundo sin historia, en los años setenta. Por esa época, Glasgow –como muchas otras ciudades del mundo- enfrentaban las consecuencias del baby boom de mediados de siglo y resolvían contra el tiempo un enorme déficit habitacional que inundaba sus ciudades con nuevas familias.

De ahí que sus padres se mu-daran, cuando él era muy chico, a un pequeño complejo residencial de clase media, construido por el gobierno a las afueras de su ciudad natal, donde el pequeño Grant pasó inviernos solitarios, en un pueblo sin pasado ni memoria.

Se volvió platero por azar. Habría podido ser artista o artesano, habría podido traba-jar entre lienzos y bastidores. Pero escogió la forja y el hie-rro, más por intuición que por herencia, cuando se mudó a

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la ciudad e ingresó en 1994 al programa de diseño de artes aplicadas, joyería y platería del Glasgow School of Art.

Desde entonces, McCaig observa la vida con los ojos de quien se acostumbró a someter el metal a su voluntad. "El mundo, las relaciones y teorías sociales", asegura McCaig sentado en uno de los salones de la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo, "operan bajo las mismas normas que rigen el arte de la forja: una pieza burda de mineral se trans-forma en joya o utensilio, luego de un complicado y feroz pulso entre el carácter del ser humano y la irreductibilidad de la vida.

El mundo fluye, y el hom-bre busca domesticarlo. Llega un momento, en que todo lo que piensas es: cómo convier-to esto en metal”, asegura.

Tiene una mirada azul profunda, más cercana al color del caribe que a los mares grises de su natal Escocia. Es rubio, joven y de atuendo sencillo, tan senci-llo como el producto de su arte: vasijas, platos, cucharas, y otra serie de instrumentos domés-ticos en plata y otras aleaciones metalúrgicas que forja con sutiles matices contemporáneos.

Como resultado de sus ejer-cicios, en los que la sencillez y la belleza van de la mano, la forja de McCaig es un ejemplo de la fronte-ra invisible que separa al artista del artesano, y al arte del oficio. Para la muestra, una cuchara: la

“cuchara de Neptuno”, en la que una lámina de plata sterling, cui-dadosamente forjada a mano, se incrusta en sencillas y rústicas va-ras de madera flotante (drift wood), para crear una moderna aleación entre aquello que permanece y aquello destinado a desaparecer.

"Quien se disponga a comer con la cuchara de Nep-tuno", reflexiona un blog de diseño británico sobre la obra de McCaig, "no sabrá en qué concentrarse: si en aquello que come o en la extraña fascinación causada por el cubierto con el que come". Porque la cuchara de Neptuno, una simple cuchara, “captura el punto exacto en el que el orden y el caos colisionan”.

Luego de su primera visita en 2011, cuando su nudi-llo pereció machucado por un mezquino archivador, McCaig volvió hace algunas semanas a Colombia. Regresó a dormir en el cuarto de huéspedes que tiene la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo, y desde el cual se observa, en una de las pla-zas interiores, una misteriosa alberca empedrada, construida seguramente alrededor de 1860.

En la escuela lo llaman “el jacuzzi del virrey”, aunque nadie sepa con certeza si fue alguna vez un jacuzzi o si algu-na vez vivió aquí José Manuel Solís Folch de Cardona, virrey del Nuevo Reino de Grana-da, tierra en la que alguna vez proliferaron los oficios.

Grant McCaig ha enseñado en la Escuela técnicas de platería que resultan en piezas como estas

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Por León Tovar*

El milagro del Corcovado

* Experto y consultor en arte latinoamericano. Dirige su propia galería con sede en Nueva [email protected]

la obra y de un 80% si se trata de fotografía, se hacía inviable que una galería seria del exterior se sometiera a estas reglas de juego.

Las autoridades argumen-taban que, en aras de la igualdad, no nos podían dar un tratamiento tributario preferencial, pues deberían extenderlo a todos los segmentos de las importacio-nes. Se respiraba un poco de escepticismo entre los galeristas invitados al evento, pero de ma-nera civilizada todos expresamos nuestras opiniones y respetamos los argumentos de los anfitriones.

Dos meses después, recibí una llamada de Claudio en la que me confirmaba que el Gobier-no de Río de Janeiro accedió a una rebaja de los impuestos de importación de las obras durante la feria, que sumada alcanzaba un 15%. Quedé sin palabras al ver el compromiso de las autoridades para sacar adelante esta ilusión y volverla una realidad. Por otro lado, Elisangela me comentó que tenían patrocinadores que estarían dispuestos a ayudar a ciertas galerías con algunos gas-tos, convirtiendo la feria en una lógica y tentadora apuesta para todos. Pero lo más importante era que se podía ver el compromiso público y privado de la ciudad, la cual parecía no conformarse con recibir el Mundial de Fútbol y los Juegos Olímpicos, sino que tam-bién querían montar la feria de arte más importante de la región.

Durante nuestra visita a la 29ª bienal de São Paulo en 2010, fuimos convidados a visitar Brumadin-ho (Minas Gerais) para ver la maravillosa colec-ción de arte contemporáneo del señor Bernardo Paz en su majestuosa propiedad conocida como Inhotim. El nombre de la casa proviene de un in-glés llamado Timothy, quién administró la hacien-da minera durante buena parte del siglo XIX.

Después nos invitaron a Río de Janeiro para asistir a la presentación de la primera edición de la Feria de Arte de Río (ArtRio), en la que fuimos testigos de múltiples eventos culturales y aten-ciones de las galerías, coleccionistas locales y entidades oficiales que promovían la surreal idea de montar una gran feria de arte en diez meses. Mejor dicho, todos creímos que nuestros amigos cariocas tenían el optimismo subido al extremo.

A la llegada, tuvimos la agradable sorpresa de ver que entre los promotores de este sueño había viejos amigos, entre ellos Claudio Valansi, galerista que conocí hace veinte años durante los inicios de la pri-mera Feria de Bogotá, que en su momento se llamaba Fiart. También estaba la joven emprendedora Brenda Valansi y su socia Elisangela Valadares, así como Luiz Calainho, importante figura pública y promotor local.

En el camino se unió al equipo organizador el emprendedor Alexandre Accioly, propietario de los afamados restaurantes Fasano Al Mare, Gero y Forne-ria, así como del Hotel Fasano de Río y São Paulo, entre otros. Se conformó entonces un excepcional grupo en el que todos pensaban diferente, pero que al trabajar en equipo lograban complementarse de forma admirable.

Asistí al coctel de lanzamiento de la feria junto con Celia Birbragher y algunos galeristas locales, con quienes nos envolvimos en una conversación con los miembros del Gobierno local y los organizadores del Comité Olímpico acerca del porqué no participaríamos en la feria de Río. Les dijimos que las leyes tributa-rias de la ciudad eran leoninas, y les explicamos, de acuerdo a nuestras experiencias pasadas, que con unos impuestos de importación de casi el 50% del valor de

En tan solo dos ediciones, la feria ArtRio se posicionó como el epicentro del arte moderno y contemporáneo en América Latina. Contra todos los pronósticos, este joven evento es considerado por la crítica como el epicentro creativo de la región.

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EL ARTE COMO NEGOCIO

Llegada la hora de la verdad, nos preparamos para el envío de las obras con suficiente antelación, tal como lo exige la oficina de aduanas de Brasil. El primer contratiem-po lo tuvimos al encontrar una cotización de transporte de 45 mil dólares para un solo trayecto, la cual me dejó enfermo del miocar-dio, exagerando, claro. Me puse en contacto de inmediato con los or-ganizadores para ponerlos al tanto de la situación. Como es sabido, en Brasil los costos de transporte son muy elevados comparados con los del resto del mundo, pero estos eran casi obscenos. Sin embargo, en cuestión de horas nos llegó una nueva cotización corregida que se acoplaba perfectamente a los estándares internacionales, nada comparado con la primera. No sé cómo, pero alguien logró arreglar este obstáculo en tiempo récord y sin ningún protagonismo.

En la primera edición de ArtRio nos encontramos con la sorpresa de la participación de 80 galerías de magnífico nivel, entre ellas Gentil Carioca, Schwartz, Boghici de Río de Janeiro; Ver-melho, Nara Roesler, Baro, Dan y Atena, Kuczynski de São Paulo; Filomena Soares y Mario Sequei-ra de Portugal; Crone de Alemania y nosotros, Leon Tovar Gallery de Nueva York. Al final se registró una asistencia de 46 mil visitan-tes, cifra récord para el inicio de una feria en cualquier parte del mundo, y ventas, según Art Info,

por la nada despreciable suma de sesenta millones de dólares.

Quedamos con la boca abier-ta y solo atinamos a pensar que era un golpe de suerte. Nos costaba creer que todo hubiese sido tan perfecto cuando se trataba de la primera edición de una feria. El calor humano de los organizado-res, la locación, la disposición de todos para colaborar, el civismo y la altura del público… en fin, pensé que la próxima feria de Río jamás igualaría a la primera. Como quien dice, comenzaron al revés.

SEGUNDA PARTE Once meses después, y contra

cualquier pronóstico, el reconocido galerista Larry Gagosian dio una inusual entrevista confirmando su primera participación en la segunda edición de la feria de Río de Janeiro, donde además anunció que llevaría cerca de 130 millones de dólares en inventario. Junto a él, se confirma-ba la inclusión de David Zwitner, White Cube, Sikkema Jenkins y Hauser & Wirth de Nueva York; Fortes Vilaca, Spovieri y Stephen Friedman de Londres; Marlbo-rough de Zurich; Neugerriemsch-neider de Berlin; Nils Staerk de Copenhague; y Polígrafa de Bar-celona, solo por nombrar algunas de las 40 galerías que se sumaban a las presentes en la primera edición. Durante el segundo capítulo de ArtRio, entre el 13 y 16 de septiem-bre pasados, se presentaron más de 120 galerías de primera línea.

El espacio de exhibición se duplicó, alcanzando los siete mil metros cuadrados de área. Los patrocinadores también se multiplicaron aumentando la ayuda a las galerías. Por ejemplo, los patrocinadores le cedieron mil metros cuadrados a Gagosian Gallery para que realizara una impresionante exhibición de esculturas. La ciudad respondió a este esfuerzo y se volcó con una altura inigualable para llegar a la cifra récord de más de 75 mil visitantes, y ventas que sobrepa-saron los 70 millones de dólares.

Los organizadores de ArtRio no se conformaron con traer a las mejores galerías de arte de Nueva York, Londres, Suiza, Alemania y América Latina, también invi-taron a renombrados curadores, directores de museos, coleccio-nistas, empresarios y artistas. El Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) y las casas de subastas Sotheby’s y Christie’s ofrecieron interesantes charlas al público, también hubo innume-rables eventos paralelos de gran importancia. Nadie daba cré-dito al ver que la feria superaba, contra todos los pronósticos, el fastuoso debut del año anterior.

Creo que además de todo lo descrito anteriormente, el éxito de ArtRio radica en que no se parece, o trata de parecerse, a ninguna otra feria del circuito internacional. Los cariocas han hecho un evento sin igual, con

El éxito de ArtRio radica en que no se parece, o trata de parecerse, a ninguna otra feria del circuito internacional. Los cariocas han hecho un evento sin igual, con plena independencia e identidad que les permite demostrar lo que debe ser una feria de arte en nuestra región.

plena independencia e identidad que les permite demostrar lo que debe ser una feria de arte en nuestra región. No cabe duda de que ArtRio ya es parte del más alto circuito internacional de ferias. Y esto lo lograron en tiempo récord.

De vuelta en Nueva York, llegué a pensar que se trataba de un milagro del Cristo Redentor del Corcovado. Pero viendo las cosas con calma, entendí que el único factor religioso presente durante esos días había sido la comunión y la fe de todos los involucrados en el evento, incluyendo algunas galerías opositoras que pronto se suma-ron como aliadas de la feria con un solo fin: demostrar el respeto entre colegas. El Gobierno de la ciudad tiene un gran mérito y Brenda, Elisangela, Calainho y Alexandre merecen toda la admiración por la labor realiza-da, así como su equipo de ayuda local e internacional conforma-do por Marina Romiszowska y Maria Luz Bridger, entre otros.

Como reflexión, creo que no solo debemos tomar los ejemplos de las ferias de Estados Unidos, Asia y Europa como camino a se-guir. ArtRio es una demostración de que cuando Gobierno, galerías, coleccionistas, artistas, empresa-rios y público en general reman en la misma dirección y sin egoísmos se pueden lograr resultados sor-prendentes. Brasil es una potencia real y un ejemplo a seguir.

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La música hecha imagen

Por Andrés Ramírez Imágenes Fundación Salvi

El Festival de Música de Cartagena es uno de los encuentros culturales más importantes de Colombia. Para cada edición, el afiche central del evento es encomendado a un reconocido artista nacional. En esta oportunidad estuvo a cargo de Miguel Cárdenas, quién diseñó una obra inspirada en la ópera “La Flauta Mágica”, de Mozart.

El Festival de Música de Carta-gena no descuida ningún aspecto de su organización y montaje. El proceso de selección de los artis-tas, así como la curaduría de las obras a presentar son sometidos a un estricto filtro de expertos. Bajo esta política, la imagen oficial del evento, la cual se presenta en formato de afiche, ha sido creada en cada oportunidad por un destacado artista colombiano. De esta manera, la imagen del Festival se ha convertido en un importan-te referente gráfico en el país.

Artistas como José Antonio Suárez y Mateo López, por solo mencionar algunos, han dise-ñado los afiches para ediciones anteriores. Este año, el turno le correspondió a Miguel Cárde-nas, un joven artista formado en las escuelas de Bellas Artes de Columbia y en Rhode Island School of Design, de Nueva York.

Miguel Cárdenas cuenta con una distinguida trayectoria que le ha permitido exponer sus obras en Estados Unidos, Europa y Colom-bia, algunas de las cuales hacen parte de la colección permanente

edel Banco de la República. El arte corre por las venas de este joven pintor, pues sus padres (Juan Cár-denas y Mónica Meira), así como su tío (Santiago Cárdenas), son pintores. Miguel vive y trabaja en Nueva York, donde desarrolla su carrera artística y dicta clases de pintura y dibujo en la Universidad de Columbia. En esta institución también coordina el programa de Artes durante el verano.

“Cuando Miguel Cárdenas fue invitado a crear la imagen de la séptima versión del Festi-val Internacional de Música de Cartagena, no sabía cuál iba a ser la propuesta musical. Desco-nocía que la música italiana de los Siglos XIV a XVIII sería el eje central. Sin embargo, le apostó a una imagen que por obligación lo alejaría del tema de la selva profunda, trabajo que ha realiza-do durante los últimos años. Su inspiración surgió del interés por la música y por explorar mediante su técnica la ciudad de Cartage-na”, explica Paula Ojeda, miembro de la Fundación Salvi, encargada de la organización del Festival.

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Para un artista como Miguel Cárdenas, que ha encaminado sus últimas propuestas artísticas hacia la naturaleza y la ciudad, es interesante presentar al público una imagen creada a partir de un concepto diferente como la música. Por eso, el proceso creativo para llegar a la imagen final supuso la exhaustiva búsqueda de un concepto. Este camino quedó plasmado en una serie de 18 bocetos expuestos hace poco en la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. En ellos, Cárdenas narra cómo un artista mundano imagina la ruidosa y tropical Cartagena arrullada por las notas melodiosas de la música culta.

Entonces, ¿qué diferencia los bo-cetos expuestos en la Luis Ángel Arango de la obra final? “Los bocetos son los en-sayos para llegar a la imagen del afiche. Empecé por pintar una selva, pues me atrajo la idea de redescubrir el paisaje en un momento en el que el conceptua-lismo impera. Me interesaba pintar una selva inventada, pero real. En el Amazo-nas vi unas estructuras arquitectónicas de concreto abandonadas en la selva. Al principio tenía claro que quería utilizar un ave (porque me parece un elemento que se relaciona con Colombia) y un músico. De ahí pensé en el personaje con disfraz de pájaro tocando la flauta. Luego lo dibujé varias veces hasta que pude destilar los rasgos principales para crear una imagen simple y visual-mente impactante”, explica el artista.

El afiche tiene como protagonista a un hombre vestido de pájaro tocando una flauta. Lleva a sus espaldas una jaula a la cual se le han roto los barrotes. De ella salen varias aves de colores que vuelan al son de la música y en el fondo se ve la silueta de Cartagena. “El perso-naje principal simboliza la música. Es un ser con disfraz de pájaro, un animal que simboliza la música por su trino. El hombre lo imita tocando la flauta. Se me ocurrió que el personaje debía parecer un arquetipo mitológico que simbolizara no solo la música, sino también la relación de esta con la naturaleza y la capacidad del ser humano para convertirla en arte y espectáculo”, concluye Miguel Cárdenas.

Miguel Cárdenas hizo una serie de 18 bocetos para llegar a la imagen final del afiche. Estos dibujos fueron presentados hace poco en una exposición en la biblioteca Luís Ángel Arango, de Bogotá.

La música de Cartagena

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Santiago Cárdenas 2008 “El motivo del afiche del Festival se relaciona con lo autóctono, con la música popular, con Cartagena. Utilicé una gaita, un instrumento de origen indígena, representativo de la Costa Atlántica. Precisamente esta relación con lo autóctono en medio de un festival de música clásica es porque creo que toda la música tiene una hermandad. Mu-chas obras de música clásica se han basado en aires locales”. “El Festi-val tiene un elemento popular muy importante: volcó a todo el pueblo. Me encanta la idea de hacer un afiche que toda la gente pueda tener, esparcido por todas partes. La gente lo usa como si fuera una obra de arte. La gente tiene necesidad de arte, ¿cuál es la importancia del arte dentro de tantas otras necesidades? El arte es una necesidad fundamen-tal, es una necesidad física”.

José Antonio Suárez 2010 “Este afiche es muy musical. Una pieza de música es algo que ocurre en el tiempo, en el espacio. Tú vas oyendo diferentes partes, cada una distinta y todas, de una manera u otra, están unidas de forma extraor-dinaria y mágica. Cada nota tiene su importancia. Lo mismo pasa con este afiche: son diferentes dibujos y todos misteriosamente se unen visualmente de alguna forma. Y en conjunto van creando su propia sin-fonía. Eso es un gran acierto. Yo leo este afiche como un pentagrama”.

Luis Roldán 2011 “Llevo más de una década de experimentación con la pintura y el dibujo. En esta ocasión cree una imagen plana, pero ocurre que el dibujo lo traslada al interior de una chiva y de un concierto, y devuelta a la superficie frente al escenario. Este afiche deshace los márgenes de la ciudad y destaca la música como punto de encuentro. La intención es que el cartel invite a salir de la cotidianidad, para pensar más en lo que rodea al mundo. El collage de dibujo, fotografía y pintura replica la presencia de la música en distintos tiempos y lugares; su sensación de coexistencia en el mundo físico y en el de la mente”.

Mateo López 2012 “Me gusta pensar que la imagen no es plana, es una composición, un recorrido, una escala, capas, elementos, una atmósfera que contiene espacio y tiempo, como sucede con la música. Si el encargo era una imagen para el afiche, a mí me interesa más lo que orquesta el afiche: un conjunto de dibujos y objetos que hablan de ese ejercicio de diseñar una identidad gráfica para un festival de música”. “En algún momento se habló de las Américas y pensé en un mapa, en los océanos que circundan el con-tinente: Atlántico y Pacífico. Pensé en las nociones que se tienen del Norte y del Sur. Desde hace mucho tiempo se habla de una identidad, pero las fronteras y la geopolítica definen de otra manera el territorio. Si usted toma el afiche y une el borde superior con el borde infe-rior, América se conecta, se hace un bucle. La idea era hacer algo muy sencillo, totalmente manual, como tocar un instrumento. Con fragmentos de papeles y tipografía recortada en papel, se hicieron las composiciones, luego se hizo una fotografía del dibujo y se ajusto al tamaño de impresión”.

Juan Cárdenas 2009 “Lo primero que pensé es que necesi-taba saber qué se había hecho hasta el momento en el tema; por esto, a comienzo del año, visité la exhibición que hizo el Lincoln Center (en Nueva York) de los afiches que artistas norteamericanos y europeos han hecho para este centro cultural. Eran más de 200 afiches que me dieron una buena idea de qué pasaba en el “mundo” del afiche contemporáneo en manos de los artistas. Una vez “analizada la historia” decidí que quería hacer un afiche diferente: algo que fuera mi contribución personal a la causa del Festival”. “Pensé en todos aquellos grandes compositores que hicieron la mú-sica que conocemos y disfrutamos y quise darles reconocimiento a través del afiche: básicamente son estudios en dibujo. Como mencio-né anteriormente, es algo que nadie ha hecho para un afiche: es algo raro, distinto y que por eso mismo puede ser muy llamativo. Este afiche del Festival es una perfecta pieza de colección que gustaría tan-to a los amantes de la música como a los amantes del arte”.

del festivalLos afiches

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2008

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Experiencias únicas

Hoteles con historiaLa sofisticación de un hotel va más allá del lujo de su decoración o del confort de sus habitaciones. Lo que realmente hace que un hotel ofrezca una experiencia irrepetible a sus huéspedes radica en la historia y la tradición que contiene entre sus paredes. Cuatro hoteles ubicados en esquinas opuestas del planeta, pero que comparten el honor de ser codiciados por su tradición.

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HOTEL LA MAMOUNIA, MARRUECOSLa Mamounia es uno de los

hoteles más lujosos del mun-do. Situado junto a los muros de la Medina y rodeado por un imponente jardín, fue desde su origen un sinónimo de lujo y glamour. Entre sus huéspedes ha contado con celebridades del espectáculo, políticos, artistas y escritores de diferentes épocas.

La historia de La Mamounia comenzó con sus jardines, los cuales tienen más de dos siglos de existencia. Allí, el sultán Sidi Mohammed Ben Abdallah solía organizar imponentes fiestas. De aquellos tiempos se conserva un pequeño pabellón cuadrado, un pequeño palacio adosado a los mu-ros de la Medina y un parque ori-ginalmente cubierto de olivares.

Con el arribo de los fran-ceses a Marruecos, en 1922, se decidió transformar la antigua fortificación en un hotel. La idea siempre fue mantener su espí-ritu histórico y orientarlo a una clientela europea que, influen-ciada por la literatura oriental de aquellos años, buscaba un espacio de descanso único.

Artistas como Delacroix y Matisse manifestaron su fascina-ción por La Mamounia. Después arribaron estrellas musicales como Edith Piaf y Maurice Chevalier. Los cineastas también sucumbieron al hechizo del hotel: allí se filmaron películas con

Marlene Dietrich y Gary Cooper, y Alfred Hitchcock lo utilizó en 1956 como escenario del filme El hombre que sabía demasiado, con Doris Day y James Stewart.

No solo artistas y personajes del espectáculo fueron atraídos por La Mamounia. En 1935, Sir Winston Churchill visitó la ciudad y se enamoró de sus aromas y colores, tanto que regresaba a menudo para descansar, escribir y dar rienda suelta a su pasión por la pintura. “Es el lugar más encanta-dor del mundo”, le dijo a Franklin Roosevelt, invitándolo a visitar el hotel. Como él, muchas otras figuras del mundo político, como Charles de Gaulle, Ronald Reagan y Nelson Mandela, hicieron de La Momounia su segundo hogar.

Entre las suites temáticas se encuentra la dedicada a Winston Churchill, que lleva su mismo nombre, en la que predominan los muebles británicos y algunos objetos que pertenecieron al esta-dista inglés. También existe una habitación que reproduce el lujo del legendario tren Londres-Es-tambul, ambientada como la suite Orient Express, la cual recrea una de sus cabinas de lujo. La suite Palmeraie, de estilo Luis XV, es la más grande del hotel; mientras que la suite Menzeh ofrece la me-jor vista de la mezquita Kutubia.

www.mamounia.com

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El Hotel Raffles es parte de la historia colonial de Singapur. En 1887, Sir Stamford Raffles abrió un pequeño hotel de diez ha-bitaciones, y ante su inusitado éxi-to inauguró el edificio principal una década más tarde. El Raffles cuenta hoy con una historia de más de 120 años, tiempo suficiente para convertirse en uno de los ho-teles más apetecidos del mundo.

El hotel se encuentra en el corazón de la ciudad, en un sector residencial que se ilumina ante la suntuosa fachada colonial del Raffles. En su interior ofrece elegantes habitaciones decora-das con mobiliario de la época y alfombras orientales. Entre sus instalaciones se destaca el museo y un teatro de estilo victoriano.

Después de la Segunda Guerra Mundial, el Hotel Ra-ffles sirvió como campamento temporal de prisioneros. Durante la posguerra recuperó su brillo y se convirtió en el refugio pre-ferido de las personalidades de la época. En 1987, el Gobierno de Singapur lo calificó como Monumento Nacional y destinó

un presupuesto de 160 millones de dólares para su restauración.

El escritor Somerset Maugham describió el Raffles como “la representación de todas las fábulas del exótico Oriente”. Otros personajes que hicieron del hotel su refugio fueron Charles Chaplin, Ava Gardner, John Wayne, Michael Jackson y la reina Isabel de Inglaterra, por mencionar solo algunos de sus ilustres visitantes.

Numerosas leyendas ali-mentan el prestigio de este hotel. Tanto que dentro de su equipo se encuentra la reconocida historia-dora Leslie Danker, quien dirige las visitas guiadas por el hotel, que deben ser reservadas con meses de antelación. En 1989, el Raffles cerró durante dos años para someterse a una reforma que le devolvió su aspecto original. Los techos fueron recuperados y las terrazas desbloqueadas. Los antiguos ornamentos volvieron a brillar y el hotel se posicionó, de nuevo, al frente del selecto club de los mejores hoteles de Oriente.

www.raffles.com

HOTEL RAFFLES, SINGAPUR

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El Ritz de París es quizás uno de los íconos arquitectónicos más importantes de Francia. Se encuentra ubicado en un anti-guo palacio del centro de París, vecino de la Plaza Vendôme.

El hotel fue fundado en 1898 por el hotelero suizo César Ritz y el chef Auguste Escoffier. Fue cons-truido detrás de la fachada de una casa del siglo XVIII. El lujo del Ritz es parte de su origen, pues fue el primer hotel en Europa que ofreció baño privado, teléfono y electrici-dad en cada habitación, por esto, de manera inmediata, acumuló una clientela apasionada por la sofisti-cación y el buen servicio, integrada

HOTEL RITZ, PARÍSen su mayoría por miembros de la realeza, políticos, escritores, estre-llas de cine y músicos. Varias de sus suites fueron nombradas en honor a sus huéspedes más frecuentes, entre ellos Coco Chanel y Ernest Hemingway, quienes vivieron allí por años. La suite principal, conocida como la Imperial, fue declarada por el gobierno francés como Monumento Nacional.

El Hotel Ritz fue invadi-do durante la Segunda Guerra Mundial por el ejército nazi; allí se instaló el centro de operaciones de la Luftwaffe. Al acabar la guerra, el hotel recobró rápidamente su esplendor y vivió años de prospe-

ridad durante varias décadas. En 1979, la familia Ritz vendió el hotel al empresario egipcio Mohamed Al-Fayed. En agosto de 1997, Diana de Gales y el hijo de Al-Fayed, Dodi, cenaron en la suite Imperial antes del accidente automovi-lístico que les costó la vida.

Debido a que es símbolo de la alta sociedad y el lujo, el hotel ha aparecido en muchas novelas de autores como F. Scott Fitzgerald, Ernest Hemingway y Truman Capote. También ha servido de inspiración a directores de cine como Woody Allen y Billy Wilder.

www.ritzparis.com

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El hotel Posada do Crato, ubicado en el Alto Alentejo, ocupa el an-tiguo convento de Santa María de Flor de la Rosa. Construido en el siglo XIV, el edificio fue originalmente sede de la Orden de los Hospitalarios de San Juan, bajo la dirección de fray Álvaro Conçalves Pereira, quien quiso simbolizar el poder de la orden de Malta a través de este complejo militar y religioso. En este importante monumento neorrománico y gótico se puede percibir el espíritu medieval en cada uno de sus rincones.

A principios del siglo XII llegó a Portugal la Orden del Hos-pital, actualmente conocida como la Orden de Malta. Fue fundada para prestar asistencia a los peregrinos que iban en romería a Tierra Santa; más tarde se convirtió en una orden militar que luchaba por recuperar los territorios europeos invadidos por los ejércitos musul-manes. Un siglo después, la sede portuguesa de la Orden de Malta se instaló en Vila do Crato, en el Convento Santa María de Flor de la Rosa. Desde allí se convertiría en la cabeza del priorato en Europa.

Este convento cargado de historia alberga hoy uno de los ho-teles más reconocidos de Europa. Su arquitectura es un ejemplo de cómo se debe restaurar un edificio histórico y cómo se puede adap-tar a las necesidades de nuestro tiempo. Allí conviven un conjunto de edificios construidos en distintas épocas: un palacio gótico, una iglesia gótica manuelina y conventos renacentistas y mudéjares, con elegantes restaurantes, una piscina y hermosos jardines.

Gracias a un ambicioso plan del Gobierno de Portugal, en 1995 se inició un plan de restauración de diferentes villas y palacios antiguos para adaptarlos a los usos de hoy. Uno de los edificios in-signes de este plan es el convento Santa María de Flor de Rosa

www.pousadas.pt

HOTEL POSADA DO CRATO. CONVENTO SANTA MARÍA DE FLOR DE ROSA, PORTUGAL

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La cocina es Central

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Recuerdos de una vida local

La cocina es Central

Texto Andrés Ramírez Fotos Cortesía

Pedro Schiaffino, Rafael Osterling y Gastón Acurio han marcado la historia de la gastronomía peruana. Ahora Virgilio Martínez, el joven cerebro detrás del restaurante Central, ha entrado con fuerza para hacer de este trío un cuarteto. Entrevista con quien es considerado por la crítica como el pionero de la cocina peruana contemporánea.

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Central se encuentra en una pequeña calle de Miraflores, un tradicional sector residencial de Lima, Perú. La decoración de este restaurante posee la in-usual virtud de compaginar sin traumatismos la tradición con la vanguardia. En el centro hay una cocina abierta hecha para satisfacer el gusto voyerista de todos los que desean ver al chef en su íntimo ritual de la cocina. Los techos a doble altura y las paredes de vidrio contrastan con el bar de tonos morados, siempre a media luz. En el segundo piso hay una cava climatizada, una biblioteca y una alacena de pequeños frascos para que los clientes disfruten los aromas de las especias. En la azo-tea reposa un huerto con hierbas aromáticas y verduras de estación.

Así se podría describir en un párrafo la “casa” del chef peruano Virgilio Martínez. Este inquieto e incansable viajero inició su carrera después de renunciar a sus estudios de derecho. Con el deseo de hacer lo que realmente le gustaba, dejó todo atrás y se marchó a Canadá a estudiar en la Academia Le Cordon Bleu. Mientras estudiaba, trabajó para un cocinero local del que apren-dió la importancia de los detalles. Luego se fue a Europa a aprender sobre la cocina ibérica junto al legendario Santi Santamaría, “cuya inmensa figura y mal carác-ter me intimidaban”, reconoció el joven chef en una reciente entrevista para la revista Caretas.

cVirgilio es un hombre

siempre tranquilo, aunque no humilde. Dice sin sonrojarse que no sabe si es un genio de la cocina, “pero sí sé que hago cosas genia-les. Cómo no hacerlas si tengo los ingredientes perfectos, un equipo fantástico y toda la logística necesaria para realizarlas”.

¿Qué tan importantes son los viajes en su trabajo?

No funcionamos sin viajes ni investigación. En Cusco, por ejemplo, tenemos un antropólogo investigando tiempo completo. Viajamos, como mínimo, una vez al mes. En Urubamba y en el Valle Sagrado de los Incas cultivamos nuestros propios ingredientes, los cuales usamos para preparar los platos tradicionales de altura.

También viajamos a mu-chas ferias gastronómicas, casi siempre voy con mi novia, Pía León, jefa de cocina de Central. Mi hermana, que es doctora, también trabaja con nosotros en el área de investigación cientí-fica sobre los ingredientes.¿Qué elementos particu-lares caracterizan su pro-puesta gastronómica?

Ofrecemos una experiencia peruana única que incluye diversas regiones y altitudes del país. Nuestra cocina es como un paseo por los diferentes paisajes del Perú. Cada plato tiene una historia, un origen. Lo que hacemos es viajar a recolectar productos de lugares remotos, eso hace la diferencia.

A LAS CAPITALES PERUANA Y BRITÁNICA, VIRGILIO MARTÍNEZ HA LLEVADO UNA ARRIESGADA PROPUESTA CULINARIA. ALLÍ SIRVE DESDE UN PULPO AL CARBÓN CON GUISO DE LENTEJAS, HASTA UNOS SESOS DE CERDO ENVUELTOS EN PANCETA. LA TÉCNICA, EL SABOR Y LA FACTURA DE SUS PLATOS NO TIENEN FISURAS.

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Por ejemplo, cocinamos un plato a base de papa seca deshidrata-da, congelada por la nieve de los andes, a 4.300 metros de altura.

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La necesidad de estar siempre en movimiento ha llevado a Virgilio Martínez a nunca per-manecer en un mismo lugar por más de dos años. De España saltó a Singapur y de allí a Tailandia, países en los que aprendió los secretos de la cocina thai. Luego se trasladó a Nueva York y a Canadá, antes de hacerse cargo de los res-taurantes Astrid & Gastón de Bo-gotá y Madrid. Todo esto lo hizo antes de cumplir los treinta años.

Ahora, con la madurez que dan los kilómetros viajados, mas no los años vividos, Virgilio Martínez vive una vida menos vertiginosa. Desde hace un par de años abrió Central, su primer res-taurante, en su natal Lima. Desde ese momento su vida cambió, pues por primera vez tuvo algo que lo ataba a un lugar. Quizá por eso decidió hace poco romper esta

nueva vida para abrir su segundo restaurante, esta vez ubicado en Londres, Lima London.

Virgilio Martínez ha llevado una arriesgada pro-puesta culinaria a las capitales peruana y británica. Allí sirve desde un pulpo al carbón con guiso de lentejas, hasta unos sesos de cerdo envueltos en panceta. La técnica, el sabor y la factura de sus platos no tienen fisuras.

La última ha sido una década de constantes cambios en su vida. Ha vivido, trabajado y estudiado en varios continentes. ¿Qué significa haber vuelto a su país?

Había cocinado en Singapur, Londres, Bangkok, Nueva York, Madrid y Bogotá. Por eso, para mí fue muy importante el retorno a Perú. El hecho de haber estado afuera me abrió los ojos, pues aprendí a ver las técnicas tradicionales como una oportunidad para proponer algo nuevo. No soy partidario de involucrar ingredientes extraños dentro de la cocina tradicional, eso desdibuja el sabor local.

Lo que sí incorporamos son las técnicas de cocción. Por ejemplo, seguimos los proto-colos tradicionales de congela-miento de pescado de Japón. La

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nuestra es una cocina de producto, no pretendemos impresionar tanto con la técnica sino con la frescura y la calidad de los ingredientes. Al final, estos son los que tienen que hablar.¿Cómo recuerda su paso por Bogotá?

La primera vez que dirigí un restaurante fue en Bogotá. Yo venía trabajando con Gastón Acurio tratando de conceptualizar la cocina peruana. De Bogotá recuerdo las amistades, la gente, las fincas de la sabana. Allí adquirí la madurez que te da dirigir por primera vez un restaurante impor-tante. Cuando sentí que mi tiempo en Colombia estaba cumplido me fui a abrir el Astrid & Gastón de Madrid.Usted ha dicho que se deben apro-vechar los productos de cada región y cada temporada. Según esto, ¿cómo se puede tener un restaurante de comida tradicio-nal peruana en Londres y Lima?

Hacerlo en Londres ha sido un gran reto. No podemos traer todos los productos desde Perú, así que usamos ingredientes locales de cada estación. Entonces, ¿cómo le doy el carácter peruano a la comida? Nece-sito algunos ingredientes infaltables como los ajíes y ciertas hierbas y especias. En el inventario de Lima London tenemos 400 productos, de los cuales tan solo 15 provienen de Perú. Por ejemplo, la temporada pasada hacíamos un ceviche de alcachofa, y ahora, debido al cambio de estación, lo remplazamos por uno de brócoli.

VIRGILIO ES UN HOMBRE SIEMPRE TRANQUILO, AUNQUE NO HUMILDE. DICE SIN SONROJARSE QUE NO SABE SI ES UN GENIO DE LA COCINA, “PERO SÍ SÉ QUE HAGO COSAS GENIALES”.

Pía León es la jefa de cocina de Central y también la novia de Virgilio Martínez

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PLACERES

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“QUEREMOS TENER SENTIDO DE ESPACIO Y DE TIEMPO, POR ESO NO MEZCLAMOS INGREDIENTES INCOMPATIBLES. ALGUNOS DE NUESTROS PRINCIPALES REFERENTES PROVIENEN DE LA COMIDA CHINA, LA CUAL TIENE UNA SÓLIDA FILOSOFÍA SOBRE LA TRADICIÓN”, VIRGILIO MARTÍNEZ.

PLACERES

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***

Desde la cocina experi-mental en la que se ha convertido Central, Virgilio Martínez dirige nuevos y heterogéneos empren-dimientos. Después de la aper-tura de Lima London se puso al frente del nuevo restaurante del hotel boutique Orient, ubicado en Cusco. Senzo es el nombre de este lugar, al que el chef considera un “laboratorio de investigación de la despensa cusqueña de altura”.

Como siempre, la propuesta de Virgilio Martínez se basa en los productos de la región. “Hay un radio de experiencias que van de Cusco a Urubamba y a la selva alrededor de Machu Picchu. Eso es lo que la gente tiene en la memoria y eso es lo que recibe en el plato cuando viene acá”.

Para ello, el chef recurre a lo que la tierra le da: “En el trayecto a Urubamba, de donde nos traen los productos orgáni-cos, crecen flores, verduritas, hojas. Todas esas cosas las vamos recolectando”, expli-ca. Así, por ejemplo, nace una infusión de plantas que crecen en una laguna andina, y con ella cocina una suculenta malaya. El resultado: un plato que es la encarnación misma del paisaje.

Virgilio y su equipo han trabajado más de un año para iden-

tificar los mejores productos de la zona, la idea es cocinar a partir de ellos. “Aquí en el Cusco hay restaurantes que ofrecen pulpo o conchas. ¿Qué sentido tiene que estés en Cusco y que vengas por una experiencia única y te ofrez-can algo que se trae desde Lima o Malasia?”, se pregunta el chef.

¿Cree que puede llegar un punto de agotamiento de la fórmula de internacionalizar la comida local?

No lo sé. En mi caso es distinto porque siempre he tratado de darle la vuelta a la tradición. Quere-mos tener sentido de espacio y de tiempo, por eso no mezclamos ingredientes incompatibles. Algunos de nuestros referentes principales provienen de la comida china, la cual tiene una sólida filosofía sobre la tradición.¿Qué tan flexible debería ser un restaurante en cuanto a las variaciones de su carta?

Completa flexibilidad. Imprimimos nuestra carta a diario, porque siempre hay cambios. Hay unos platos base, por su puesto, pero después todo puede variar. El compromiso debe ser con la sorpresa; no hay que tenerle miedo a lo desconocido.¿Cómo lograr que los clientes tradicionales acepten sus nuevas propuestas gastronómicas?

Estoy reduciendo mi carta, transformándola en una de mercado, de kilómetro cero, es decir, con los ingredientes del día. Aún no lo logro, pero mi objetivo

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PLACERES

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“INCORPORAMOS TÉCNICAS DE COCCIÓN. POR EJEMPLO, SEGUIMOS LOS PROTOCOLOS TRADICIONALES DE CONGELAMIENTO DE PESCADO DE JAPÓN. LA NUESTRA ES UNA COCINA DE PRODUCTO, NO PRETENDEMOS IMPRESIONAR TANTO CON LA TÉCNICA SINO CON LA FRESCURA Y LA CALIDAD DE LOS INGREDIENTES”, VIRGILIO MARTÍNEZ.

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es que los clientes que lleguen a Central confíen tanto en mí que solo se sienten y esperen los platos que yo les envíe a su mesa. Por eso he creado el “Menú sorpresa”. Perú se ha convertido en un referen-te de la cocina latinoamericana, esto se debe en parte a que siempre se ha mantenido a la vanguardia. ¿Cuál es el siguiente paso de la cocina peruana?

Esto cambia todos los días. Allá afuera hay cientos de jóvenes más ambiciosos y creativos que yo. Así que no podría decir que va a pasar mañana. Por lo pronto me tengo que ir, porque esta noche estamos llenos.

***

Virgilio Martínez se retira a atender a los comensales que esta noche visitan el Lima London. De seguro todos cae-rán rendidos a los pies de un tiradito en leche de tigre con salsa de cocona, kion y aceite de culantro; con el tartar de solo-millo de buey con rocoto y papas nativas; con el pulpito, el pan con chicharrón, el miniseco de cordero… Luego seguirán con los taggliatelle sancochados en ragú de conejo y decorados con espuma de castañas. Quizá no saben que al probar el primer bocado empezarán un fascinante viaje a lo más profundo de Perú.

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PLACERES

MÁQUINASDE TIEMPO

Relojes esqueleto

La ruta de Bell&Ross

Foto

Durante los inicios de la reloje-ría, los relojeros no poseían los medios para fabricar las esferas o tableros y solían dejar expuesta la maquinaria del reloj. Siglos más tarde, para poder apreciar la perfección y el funcionamien-to del mecanismo, artesanos relojeros de alto nivel realizan esfuerzos para adornar las piezas, puentes y platinas que dejan a la vista su precioso talento.

El arte de la relojería no abarca únicamente la elaboración de mecanismos que permitan dar la hora con precisión. Se trata también de perfeccionar cada pieza de la fina máquina que se denomina “movimiento”, pulirla y hacerla más eficiente y perfec-ta. Igualmente, de adornar las platinas, que son las bases donde se irán colocando los demás ele-mentos del reloj; los puentes, que son los que sujetan estas piezas en su lugar; y las ruedas, piñones y demás engranajes que luego cobrarán vida con la instalación del volante, el corazón del reloj.

Cada pieza deberá ser limada, ajustada y adornada para minimizar la fricción de los metales, suavizando el sofisticado engranaje, haciéndolo de esta forma más preciso. Pero no basta con dedicar este valioso tiempo al funcionamiento adecuado de la marcha de un reloj; los relojeros guardan celosamente su oficio y

d

adornan con diferentes motivos cada pieza. Así, con un disco de pulimento especial para cada adorno, el relojero aplica pacien-temente el perlado que refleja la belleza natural del metal, ase-mejándolo al brillo de una perla. Con otra herramienta, produce el famoso Cotes de Geneve, que es un adorno parecido a las olas de un lago. Los tornillos y las ruedas son sometidos a trata-mientos de plateado con rodio para hacerlos más brillantes y que al girar produzcan sensacio-nales destellos. Luego, se graban motivos de la inspiración del artista encargado en los puentes con el buril, una fina herramienta joyera para rasguñar el oro.

Normalmente, toda esta belleza permanece oculta entre la caja del reloj o bajo la esfera o carátula. En años recientes, mu-chas manufacturas han colocado finos cristales de zafiro en la tapa posterior del reloj para poder apreciar la belleza de su movi-miento, destacando los adornos y los excelentes terminados. Otros han desarrollado esferas trans-parentes que permiten observar la magia de la alta relojería y muchos de estos los combinan de manera espectacular con preciosas complicaciones.

Sin embargo, el mecanismo Open Works, o esqueleto, per-mite ver la totalidad del reloj. Es como si fuera transparente, pues además las platinas son hábil-mente adecuadas y recortadas, al igual que los puentes y otras piezas, para que se pueda ver a trasluz la totalidad de los engra-najes, ruedas y demás partes funcionando. La maquinaria de un reloj “esqueletizado” es una de las más sofisticadas maneras

de ver el tiempo y es conside-rada como una complicación especial, pues requiere de una destreza y un talento unicós para ser ejecutada magistralmente.

Los skeleton son apreciados por coleccionistas y expertos, y su fabricación es muy limitada, debido al gigantesco esfuerzo que requiere en términos de horas-hombre de trabajo. Casi todas las marcas de relojes de alta gama tienen en sus coleccio-nes un modelo de este tipo para honrar sus raíces y demostrar su capacidad de creatividad reloje-ra. Así, por ejemplo, Audemars Piguet lanzó un espectacular tourbillon esqueleto en platino para la conmemoración de los 40 años de su modelo estrella el Royal Oak. Patek Philippe, tiene un fabuloso esqueleto ultraplano para hombre y otro para dama con brazalete de metal precioso. Richard Mille, uno de los genios de la relojería moderna, produce casi la totalidad de sus relojes con la caja y la esfera transparentes para permitir apreciar la mag-nitud de sus creaciones. Breguet decidió, desde hace tiempo, conservar varios modelos con la maquinaria a la vista, lo que indudablemente favorece su reputación de maestro relojero.

Muchos opinan que esta manera de arte es un tanto ostentosa y poco práctica, pues indudablemente no se hace fácil ver la hora en un reloj esqueleto por el complejo mecanismo como fondo de los punteros. Pero es obvio que con esta manifesta-ción del talento relojero se rinde un homenaje a la capacidad de miniaturización y perfección de un noble oficio centenario.

¡Los esqueletos viven!

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MÁQUINAS DE TIEMPO

Relojes a la vista

CHOPARDLa manufactura Louis Ulysse Chopard fabrica los relojes de alta gama y sofisticación para la casa Chopard de Ginebra. El copresidente de la empresa, Karl-Friederich Scheufele, se encarga personalmente de diseñar y conducir la empresa en Fleurier. Uno de sus modelos más recientes es este precioso LUC Squelettes ultraplano de oro con mecanismo automático de microrrotor. Chopard, poco a poco, se abre un importante espacio en el exclusivo mundo de la alta relojería con modelos de gran calidad y exclusividad.

IWCInternational Watch Company es la empresa ubicada en la ciudad de Schaffhausen, en las cataratas del Rin al norte de Suiza, esta-blecida hace más de 150 años. Para rendir homenaje a su fundador, el pionero norteamericano F.A. Jones, la IWC creó este fabuloso “esqueleto” con un mecanismo de reloj de bolsillo desarrollado originalmente por la compañía hace 135 años. Instalado en la tra-dicional caja del Portuguese de gran tamaño y con una decoración extraordinaria, este reloj de cuerda manual es un perfecto ejemplo de la maestría relojera suiza.

VACHERON CONSTANTINLa manufactura de Ginebra es una de las más antiguas del mundo y goza de una reputación intachable por el respeto a sus orígenes y por mantener sus elevados estándares de calidad. Su sofisticación se manifiesta en los relojes de sonería o repetición de minutos, que es un dispositivo mediante el cual, al accionar una palanca en la caja, se obtiene un sonido parecido al de una campana que representa las horas y minutos en dos tonos. Con este modelo, Vacheron Constantin va un paso más adelante, al lograr semejante complicación en un mecanismo transparente de esqueleto.

VISTA POSTERIOR DEL “SQUELETEC”

PARTE POSTERIOR DEL VACHERON CONSTANTIN

“MINUTE REPEATER SQUELETON”

IWCInternational Watch Company es la empresa ubicada en la ciudad de Schaffhausen, en las cataratas del Rin al norte de Suiza, esta-blecida hace más de 150 años. Para rendir homenaje a su fundador, el pionero norteamericano F.A. Jones, la IWC creó este fabuloso “esqueleto” con un mecanismo de reloj de bolsillo desarrollado

más recientes es este precioso LUC Squelettes ultraplano de oro con mecanismo automático de microrrotor. Chopard, poco a poco, se abre un importante espacio en el exclusivo mundode la alta relojería con modelos de gran calidad y exclusividad.

VISTA POSTERIOR DEL “SQUELETEC”

PARTE POSVACHERON

“MIREPEATER S

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El mecanismo Open Works, o esqueleto, permite ver la totalidad del mecanismo de un reloj. Un recorrido por aquellos que hoy son íconos de la industria y se han convertido en valiosas piezas de colección.

Por Ricardo Kling

La mayoría de relojes de Richard Mille son de forma tonneau, o tonel, pero con este modelo, el RM033, el maestro invoca las formas tradi-cionales de la relojería con un reloj redondo fabricado en titanio y do-tado de un mecanismo ultraplano automático. Por sus innovaciones y peso ultraliviano, el nuevo Richard Mille es una verdadera locura al igual que su precio, pues no supera los ochenta mil dólares, caso in-sólito para la marca.

El revolucionario invento de Omega, el escape coaxial, se presenta en este precioso reloj de edición limitada de platino de 41 mm. El Omega De Ville ha sido equipado con cristales de zafiro que permiten apre-ciar el movimiento “esqueletizado” en toda su dimensión. El meca-nismo de cambio rápido de hora permite cambiar la manecilla de las horas sin tener que detener la marcha del reloj, ideal para los viajeros permanentes.

Después de trabajar por años en la industria relojera y ocupar impor-tantes cargos en empresas de renombre, Richard Mille se presentó independientemente en 2001 con una impresionante colección de re-lojes que han sido la revelación del gremio relojero. Con una visión fu-turista, Mille ha lanzado atrevidos modelos en los que utiliza materiales modernos y diseños de vanguardia con precios que superan el medio millón de dólares. Este precioso tourbillon “esqueleto” es una edición li-mitada de 10 relojes que fabricó en homenaje al corredor de la F1 Felipe Massa, construidos con nanotubos de carbono que son 200 veces más fuertes que el acero y garantizan al reloj una resistencia impresionante.

La familia Sandoz, propietaria de la empresa farmacéutica suiza Novar-tis, es una gran aficionada a los relojes y posee una vasta colección de piezas históricas. En 1980, cuando buscaba un experto para mantener y restaurar su preciado museo, conoció a un joven y talentoso relojero, Michel Parmigiani, quien rápidamente se ganó su confianza. La familia vio en él su potencial creativo y en 1996 abrieron una manufactura en Fleurier, un pequeño pueblo de tradición relojera en los Alpes suizos. La empresa fabrica impresionantes piezas como esta, el Bugatti Vitesse, que es un “esqueleto” ubicado especialmente para verse en la posición del brazo cuando se va conduciendo un auto.

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MÁQUINAS

Patek Philippe presentó a sus coleccio-nistas y aficionados un reloj de gran tradi-ción artesanal que muestra la belleza de una orquestación del tiempo en su meca-nismo transparente ultraplano. Un micro-rrotor de oro de 22 kilates proporciona un movimiento de cuerda automática, que es la máxima expresión de la paciencia y el arte de joyeros y relojeros que adornan cada lugar visible con grabados precio-sos. La Cruz de Calatrava, símbolo de la empresa, está calada en el barrilete, que es donde se aloja el muelle de la cuerda.

Patek Philippe se caracteriza por rea-lizar sofisticados modelos para uso femenino. Ha creado relojes de gran complicación y con este espectacular “esqueleto” se complementa la co-lección para damas. Elaborado en oro blanco, pero con piezas del mecanis-mo en oro amarillo, este reloj de cuerda manual es perfecto para su uso diario.

ULYSSE NARDIN

Este reloj de diseño ultramoderno, minimalista y poco convencional se llama Freak Diávolo. Producido enteramente in-house, el nuevo Ulysse Nardin posee un mecanismo tourbi-llon de carrusel que no tiene esfera ni punteros. Ingeniosamente indica el tiempo a medida que su mecanismo va girando. Tiene sus ruedas de escape en silicio y rinde homenaje al primer reloj Freak que causó sensación en la indus-tria en 2001. Este tiene el apodo de “diablo” porque su mecanismo tiene formas similares a unos cuernos.

AUDEMARS PIGUETAudemars Piguet celebró este año el aniver-sario número 40 de su legendario Royal Oak con varios modelos esqueleto para rendir un homenaje a sus raíces artesanales. En este reloj, de mecanismo ultraplano automático y con calendario, se aprecia claramente la au-dacia que caracteriza la compañía. Nótese que el número de la fecha en el disco de calendario también está “esqueletizado” en su totalidad.

AUDEMARS PIGUET TOURBILLON

La expresión máxima del arte relojero se centra en la realización de un mecanismo tourbillon. Audemars Pi-guet creó este fabuloso reloj con tourbillon esqueleto en platino con un tratamiento de galvanizado de antracita que le da ese toque oscuro, moderno y muy atractivo. El lema de la empresa que reza “para quebrar las reglas primero hay que dominarlas” se hace evidente en esta creación fabulosa de la empresa de Le Brassus.

PATEK PHILIPPE

PATEK PHILIPPE DE DAMA

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ULYSSE NARDIN

Este reloj de diseño ultramoy poco convencional se Producido enteramenUlysse Nardin poseellon de carrusel que nIngeniosamente insu mecanismo vaescape en silicreloj Freak qutria en 2001porque sua unos c

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Por Fernando Carreño Fotos Cortesía Bell & Ross

La ruta de Bell&RossCarlos Rosillo, co-fundador de Bell and Ross, enseña la esencia de su marca.

La “B” se refiere a Belamich y la “R” a Rosillo. Entre los dos, Bruno Belamich y Carlos Rosillo, fundaron en 1992 la que hoy es conocida como Bell&Ross, una fábrica de relojes que no se parece a ninguna otra. Belamich es el diseñador y Rosillo el director empresarial de la marca.

No son aviadores, pero los suyos son relojes que han marcado una pauta en la competida industria. Su sello no admite dudas y se inspira evidentemente en los instru-mentos aéreos profesionales. Más que relojes de moda, son piezas sofisticadas con un marcado estilo vintage, elaboradas en La Chaux de Fonds, Suiza. En pocos años han sabido ubicarse en la escena relojera mundial; en su concepción también participan astronautas, pilo-tos y hasta miembros de escuadrones antibombas.

Rosillo despacha a pocos metros del Aéro-Club de Francia, un buen lugar para buscar inspiración. La expansión de la marca va en firme y en Colombia la han iniciado a través de su representante local, Joyería Bauer.

Sus relojes prueban los límites y son para profe-sionales. Así es que para ir a la luna existe el Space 3 GMT, pero si busca llegar al punto más profundo del

océano, la solución es el Hydro-max 1.100m, que puede soportar la presión de ocho toneladas por pulgada cuadrada en el punto más profundo del mar.

A pesar de ser una marca joven, es el reloj oficial de las Fuerzas Elite de Francia y de la OTAN. Siempre ha estado inspirado por modelos de las décadas de 1920, 1940 y 1970, como comenta Rosillo desde su centro de mando en París.

¿Qué llevó a un hombre de nego-cios como usted a apostarle a un mundo tan cerrado y complejo como el de la industria relojera?

Nada más que mi pasión por los relojes, y en particular los de aviación y los militares.

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MÁQUINASDETIEMPO

¿Puede describir el proce-so para diseñar un reloj?

Se necesitan entre tres y cinco años para desarrollar un reloj. Una gran cantidad de pensamiento, tiempo y una gran cantidad de especialistas que se reúnen para diseñar y fabri-car un reloj bien elaborado.Recientemente fue nombra-do Caballero de la Legión de Honor francesa en el Hôtel National des Invalides. ¿Qué significó para usted?

Estoy muy orgulloso de ser parte de un patrimonio histórico de mi país. Esto tocó profundamente mi corazón. Estaba muy emocionado de compartir este momento con mi familia, amigos y los que me han acompañado en este viaje.¿Cuántos tourbillon hace B&R?

Nuestro último lanza-miento fue el Minuteur Tou-rbillon que viene en oro rosa o titanio. Cada uno tiene una edición limitada de 30.

¿Qué reloj usa el CEO de Bell & Ross?

Ahora mismo estoy usando el Heure Sautante Pink Gold.¿Y cuál recomienda?

Depende del propósito o la función. Lo que la oca-sión requiera. Usted no usaría un reloj de buceo para ir a un evento de smoking, ¿verdad?¿Cómo se consigue un nom-bre en la industria del lujo en tan poco tiempo?

Al proporcionar un pro-ducto bien hecho con una identidad clara y única.¿Qué nos puede decir acerca del Heritage Régulateur y su corona ubicada en el lado izquierdo?

El Heritage Régulateur se remonta a los pilotos de los años de 1930 y 1940, quienes ataban los relojes a sus piernas. Enfatiza los minutos para lograr mejores cálculos del tiempo. Debido a que su caja es tan grande, en relación con la referencia original, se movió la corona hacia la izquierda

para lograr mayor comodidad.¿Podríamos resumir la esencia de B&R como una “nostalgia relojera”?

Yo no usaría el término nostalgia tanto como patrimonio. La gente siempre responde a un punto de referencia en el tiempo. Extraen la comodidad del saber que algo tiene un patrimonio y se ha prolongado durante años. Esto significa que se trata de algo probado y comprobado.Bell & Ross llegó a Colom-bia, ¿qué tan importante es el mercado latinoame-ricano para la marca?

Muy importante. Se trata de un mercado dinámi-co, joven y prometedor.¿Cómo se imagina a B&R en 10 años?

Esperamos tener una mayor presencia global y ser una marca que resuene no solo entre los cono-cedores de relojes, sino también en otros entusiastas que reconocen un reloj fino cuando lo ven.

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El índice de las carteras

Las carteras son el máximo acce-sorio de lujo. Ya lo señaló Diana Thomas en su libro Deluxe: How Luxury Lost its Luster, (Cómo el lujo perdió su brillo) 2007, al decir que “hoy en día, las carteras son el motor que impulsa las marcas de lujo”.

Sin duda, las carteras se han convertido en uno de los elementos más deseados del mercado de bienes de lujo. El atractivo, la visibilidad y la accesibilidad de las mismas han contribuido a su fuerte desempeño y a su amplio reconocimiento.

El reporte mundial de carteras provee información sobre más de 130 marcas, 10 mercados y un análisis detallado de las 10 marcas más icóni-cas. A continuación, algunos de los aspectos más detallados del informe.

¿Busca una guía para no equivocarse en la compra de su próxima cartera u obtener información de mercado relevante? Digital Luxury Group, asociado con Luxury Society, presentan su clasificación global de carteras de lujo.

Al medir la demanda de cada mercado frente a la población de Ipor las carteras de lujo, con 422 búsquedas por cada 1000 usuarios de Internet.

¿Cuáles son los mercados que más se enloquecen por las carteras?

¿Cuáles son las marcas de carteras de lujo más buscadas en el mundo?

422

315

196

185

97

52

13

12

*1000422

31

19

18

97

52

13

12

Reino Unido

Fuente: Internet World Stats, Diciembre 31 de 2011 DemandTracker™ Abril 2011 - Marzo 2012* Número de búsquedas de carteras por cada 1000 usuarios en Internet.

NEGOCIOS

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1. Jumbo 2. Mediana 3. Mini

Infografía b+s Laura Tamayo

Por

Una mirada más cercana a tres carteras icónicas

,

para la mujer moderna.

. S

.

Chanel 2.55

Dentro de los principales mercados, los clientes generalmente buscan los siguientes tamaños:

Tamaños preferidos

Los colores más buscados después del Caviar original (negro) son:

2.55,

Oro Beige Plata

1 4

2 5

6

7 10 13

11 14

15129

8

3

99

En

Preferencias especiales

Los colores más buscados según el mercado:

Naranja Habano Negro

1984,

Hermès Birkin

Birkin de Hermès

Las marcas locales son las preferidas en sus respectivos mercados

FRANCIA Longchamp,

REINO UNIDO Mulberry,

EE.UU. Kate Spade,

NEGOCIOS

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La Speedy hizo su aparición en los años 30, y saltó a la fama en la década de 1960 luego de

Hepburn. La cartera viene en varios tamaños y materiales y es una de las carteras de diseño más reconocidas del mundo.

Speedy

¿Cómo se comportan las carteras a nivel de mercado?

JAPÓNLos consumidores japoneses buscan algo más allá de las

EUROPACoach menos popular en la Eurozona

A pesar de ser la primera marca de carteras a nivel mundial, Coach se encuentra en Italia en el lugar 29, en Francia en el 19, en Alemania en el 11 y en el Reino Unido en el 7.

BRASIL

marcas de cartera de nicho de mercado

Algunas de las marcas que tienen un buen desempeño en el mercado brasileño, en comparación con otros mercados, son: Céline (3er

La marca se encuentra en el noveno lugar del mercado japonés, el único país donde Louis

primeros cinco lugares. Según un

algo “nuevo”.

marcas principales de carteras

¿Cuáles son los países líderes en las marcas país de origen?

1413

127

211

1312

72

11

*País donde la marca inicialmente se consolidó

Marca país de origen* 1. 2. Italia 3. Francia 4. 5. ña 6. 7. Suiza

Preferencias especiales

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ALTAMODA

Nueva York es la Meca de la moda contemporánea. Como ya es tradicional, pocos días antes de la semana de la moda se lleva a cabo el Fashion’s Night Out, quizás la fiesta más glamorosa de la ciudad. Crónica de una noche en la que la moda salta de las

pasarelas y se toma las calles de Nueva York.

Por Álvaro Corzo, Nueva YorkFotos Álvaro Corzo

eEl calendario marca el seis de septiembre y el verano en Nueva York parece no tener ganas de terminar. El calor ha sometido el glamour de la ciudad a una extrema transformación que ha dejado a flote todo, excepto el exceso de ropaje en la pasarela urbana más esplendorosa de occidente.

En toda la isla, desde las vitri-nas de la Quinta Avenida hasta las boutiques de Soho, se ha sentido el rigor de la temperatura. El despojo de las prendas de la temporada combina a la perfección con som-breros de ala ancha, gafas parasol y stilettos de plataforma que relum-bran cada mañana al salir el sol.

Aunque en Nueva York la moda es parte del paisaje urbano, hoy es un día especial. No solo porque el solsticio de verano ha quedado atrás, sino porque esta noche se lleva a cabo la fiesta más exuberante de la moda en la ciudad. Las invitaciones inva-dieron las pantallas de la Gran Manzana durante semanas, desde Times Square hasta los ribetes de Wall Street; pasaron por las redes sociales, los blogs de moda y las revistas especializadas. Miles de volantes rosados circularon por las entrañas del subterráneo de Nueva York anunciando las seis de la tarde de este seis de septiem-bre como la hora pactada. Es el Fashion’s Night Out, la noche en la que tiendas de diferente altura y prestigio abren sus puertas hasta media noche para celebrar la fiesta urbana más grande de la moda.

El mapa es imposible de recorrer completamente por-que las opciones son infinitas: desfiles, fiestas, conciertos; se trata de una extravaganza de cocteles que reúne diseñadores y críticos de moda apostados desde el alto Manhattan hasta lo más recóndito del distrito de la moda de Brooklyn. Sí, Brooklyn, esta zona multicolor que en los últimos años se ha convertido en el hogar de marcas como Rag & Bone, Supreme y Custo Barcelona.

El lugar adecuado para comenzar la travesía nocturna es el bajo Manhattan. Con sus estrechas y adoquinadas calles negras, Soho ha sido por décadas uno de los distritos de la moda

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más respetados y venerados de la ciudad. Con más de 130 boutiques, es el punto de inicio de esta ruta.

A LA PASARELACon cámara fotográfi-

ca en mano, llego al centro de operaciones de Phillip Lim, uno de los divos de la costura con-temporánea, quien esta noche muestra un adelanto exclusivo de su colección primavera/verano 2013, aun antes de su presentación en el New York Fashion Week.

Una fila de más de treinta mujeres espera con ansias entrar a la boutique. Adentro fluyen los martinis de pisco, ideales para despedir la tarde, mientras un re-ducido y selecto grupo de modelos desfila las prendas de este diseña-dor de origen chino conocido por ser un genio de la marroquinería. El público examina milimétrica-mente los estantes de la tienda, como si se tratara de un ritual propio del ultimate fashionista.

Me despido y cruzo la calle para visitar a Vera Wang, otra estrella de la costura del siglo XXI. En su tienda resalta un estudio suspendido sobre un enorme plafón de mármol que hace a su vez de recepción. Se ve una larga fila de invitados especiales esperando para probarse las prendas y sentir la riqueza de texturas y colores de la última colección. Wang fue ganadora del prestigioso premio CDFA del Consejo de Diseño de Modas de las Américas. El fotógrafo encargado de regis-trar el evento es nada menos que Sebastian Kim, una de las nuevas joyas de la fotografía de modas y uno de los nuevos consentidos de la revista Vogue, emporio de la crítica fashionista y mecenas del Fashion’s Night Out, fiesta que en su cuarta edición se ha extendido a más de 500 ciudades en 12 países.

Las luces del estudio explo-tan e iluminan la tienda. Desde la calle parece una pequeña dis-coteca que retumba ante cientos de invitados que aún esperan en la acera el turno para entrar y vestir lo último de Vera Wang. Al retomar el camino, reparo mi-nuciosamente en mi alrededor. Esta no es una noche cualquiera. Los invitados a esta gala gratuita

En la intersección de Broadway y Prince St. más de cincuenta personas rodean la manzana esperando su entrada a la casa boutique Prada

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llevan puesto lo mejor de su ropero. La idea, me asegura Alicia Vinga, mode-lo y editora invitada de fashionblog.com, es que todos quieren brillar en este océano de diamantes: “invitados, diseñadores, críticos, todos. Esto es una fiesta que amerita lo mejor”.

No se trata únicamente del festejo, ni de los face-to-face con los diseñadores, ni mucho menos de los estantes con las últimas creaciones de la mayoría de las casas de moda. Llevo cerca de cuarenta minutos en este carnaval y en las tres tiendas que he visitado las registradoras no dejaron de sonar. Todos salen con paquetes de las boutiques asentadas en la mítica avenida Broadway, en la que se llevarán a cabo cerca de noventa fiestas esta noche, una cifra signifi-

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cativa para una zona de apenas ocho cuadras a la redonda.

Me detengo entre una multitud frente a una vitrina. Al acercarme veo a una mujer esbelta junto a dos modelos de cuerpos bronceados que exhiben la última colección de ropa interior de Cal-vin Klein. Entre la multitud resalta una cara conocida, se trata del hijo consentido de Oscar de la Renta: Brian Reyes, el diseñador colom-biano que brilló durante tres años consecutivos en el New York Fas-hion Week, y que recibió una oferta que hizo que su carrera se embar-cara en un hiato de tres años para convertirse en el diseñador en jefe de ropa interior de Calvin Klein.

Para Reyes, el valor de una noche como esta radica en que el corazón de la moda de Nueva York, y de muchos lugares del planeta, se rinde a los pies de los fashionistas, para que ellos, como en ninguna otra ocasión, puedan llevar a casa las últimas creacio-nes de la alta costura. “La moda es para todos, esta es la idea del

Fashion’s Night Out”, dice Reyes. Son las 7:20 de la noche y no

puedo abandonar Soho sin visitar la casa italiana Prada. Como es usual, el lugar emana un irresis-tible aroma a elegancia que hace que decenas de mujeres devoren los anaqueles en los que reposa su última colección. La conexión casi íntima que se establece entre los objetos de deseo y las caras de placer de los visitantes es un elemento que inevitablemente llama la atención. Después de fotografiar la escena, pregunto a una de las mujeres el porqué del delirio por los stilettos Prada. “Una vez los tienes en frente, no puedes dejar de soñar con verlos en tus pies”, asegura Carlen, una hermosa mujer de origen indio que aclara que esta noche ha dejado su remordimiento en casa mientras espera llevarse a su armario todo lo que le sacuda el gusto durante estas horas de intenso carnaval.

Como ella, hombres y mujeres recorren la tienda de más de mil quinientos metros

Carlen, broker-agent de 35 años confiesa que puede gastar hasta cinco mil dólares en ropa al mes. Hoy asegura, hará una excepción

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Bianca Balti y sus compañeras del Vogue Runway en medio en el MeatPacking District. Una noche donde el licor y la música no dejó de fluir. Desde alto Manhattan hasta Brooklyn el Fashion´s Nigh Out estremeció.

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cuadrados, mientras siguen sin querer los ritmos del Dj invitado, el guitarrista de Vampire Weekend, una joya del Indie rock. Las copas de los invitados están llenas de mezcal. No logro resistirme al gusto de medirme una chaqueta de cuero de becerro que se ajusta al torso como un guante, y que explica lo dicho por Carlen hace unos segundos. Dejo sobre el estante la prenda de 3.500 dólares, tomo una foto y retomo la calle.

A las 8:30 p.m. tomo un taxi hacia el Meatpacking District, des-tino final de la noche y epicentro de la moda neoyorkina, el cual alberga casas como Moschino, Cristian Louboutin, Catherine Malandrino, Alexander McQueen, Rubin Cha-pelle, Yigal Azrouel, entre muchas otras. El que fuera el refugio de la mafia siciliana durante la década de los ochentas en Nueva York se convirtió en la zona cero de la moda contemporánea de occidente.

Al caer la noche, las luces y el brillo de una de las zonas más movidas de la ciudad hacen que el fervor de la mascarada suba por completo. Las tiendas que bordean el West Side de la calle 14 forman una multitud de filas frente a cada una de las prestigiosas boutiques. Parece una procesión de mujeres que lucen color y sensualidad.

Pongo un pie dentro de la boutique de Moschino y me encuentro una de las mejores fiestas de la ciudad. Los ritmos comandados por la guapísima Dj Alexandra Chung ponen a todos a bailar, mientras los vestidores no dejan de recibir invitados que quie-ren medirse las prendas de diseño geométrico de la casa italiana. La noche inundada con margaritas de absenta pronostica un final de jornada en el que el cuerpo y la billetera no dejarán de moverse.

Sigo mi camino entre mujeres engalanadas frente a la tienda de Alexander McQueen, la última que, según la leyenda, visitó el diseñador londinense antes de quitarse la vida en 2010. Luego de esperar en la entrada cerca de veinte minutos, logro entrar para comprobar el porqué

del fervor hacia las prendas de una de las nuevas leyendas de la moda mundial. La sorpresa es encontrar en un estante un remanente de la última colección que el propio McQueen diseñó antes de decir adiós. Un regalo exclusivo de su fundación para una noche tan especial como esta.

Hay un lugar al cual no podía faltar. La intersección de la calle 14 con 9ª avenida, donde la marca francesa de cosméticos L’Oreal ha montado una pasarela para que los transeúntes se dejen maquillar por estilistas profesionales para después invitarlos a modelar en una tarima que se toma la calle.

Mientras tanto, la música de Big Eddy, uno de los Dj más hip del momento en Nueva York, acompaña una de las fiestas calle-jeras más grandes y ruidosas de la noche en Manhattan. Mientras la luna alumbra los adoquines de las calles, una escarpada se abre con puestos ambulantes donde Cartier, La Perla, Chanel, Boss y Balenciaga terminan de hacer de esta fiesta una celebración tan glamorosa como democrática.

En mi último destino encuentro una fila de más de cien personas que aguardan con paciencia en la acera. Pa-san unos minutos en la fila y una modelo danesa que hace poco fotografié me ayuda a escabullirme en la entrada.

Después de unos minutos, estoy adentro de DVF, la fastuosa boutique de Diane Von Furs-tenberg. Es sin duda la fiesta de lanzamiento de la colección que todos los fashionistas de la ciudad esperaban con más ansias. Aden-tro, maniquíes en vivo se mueven al ritmo de la música de otra diva: la Dj Miss Kittin. Los modelos vestidos con trajes blancos pululan por el lugar, mientras la cham-paña corre y me hace olvidar por un momento que estoy dentro de una tienda de ropa. “¿Será este el futuro de la moda?”, me pregunto después de vivir una experiencia para todos los sentidos. “¡No! Este es el Fashion’s Night Out”, me corrige una de las invitadas.

Modelos y diseñadoras como Jane Amber, Alexandra Chung, Rachel Zoe y Solange Knowles se tomaron las tornamesas en las fiestas de toda la ciudad.

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Por Carlos Ferreirinha*

La nueva dirección de la alta costura

* Presidente de MCF Consultoría & Conocimiento, firma con sede en São Paulo especializada en herramientas de gestión de la innovación del negocio del lujo en América Latina, Angola y Portugal. www.mcfconsultoria.com.br

En este proceso cíclico, el debate constante entre la posible extin-ción y el éxito de la alta costura despierta diferentes opiniones en contextos distintos. Las predic-ciones apocalípticas afirman que el fin de la alta costura comienza cada vez que este segmento del mercado sufre algún movimiento, como el ocurrido en 2004 cuando Ungaro y Versace dejaron de ser parte del calendario de presenta-ciones de industria (finalmente, la casa de moda italiana volvió a ex-hibir su colección de alta costura, Versace Atelier, en julio de 2012).

Legalmente protegido, el término “alta costura” es una marca que solo puede ser usada por los diseñadores que integran la Chambre Syndicale de la Haute Couture, una entidad creada en 1968. Los miembros permanentes y los invitados deben ser responsa-bles de producir toda la colección respetando las reglas que impone la institución, como el número mínimo de empleados, presentar al menos 35 modelos para el día y para la noche, y tener una tienda en el Triangle d’Or, el triángulo de oro formado por las avenidas Mon-taigne, Georges V y los Champs Elysees de París. Además, cada año, la Cámara evalúa cada casa y revisa la lista de los que deben formar parte del selecto grupo.

El grupo ya cuenta con más de 100 miembros, pero en

la actualidad apenas 12 mar-cas pueden hacer uso del sello otorgado por la Cámara. Otra característica es que buena parte de las casas de moda no son de origen francés. Valentino fue el primero, en 1989, en llevar su elegancia a las pasarelas de París, después vino Giorgio Armani y luego otros como el libanés Elie Saab y el Italiano Giambattista Valli, quienes han contribuido al resurgimiento de esta institución francesa que había sido soterrada por el prêt-à-porter. Un proceso de reconocimiento del talento global.

La alta costura ofrece una moda rara, única y hecha a mano. La calidad, diferenciación y atemporalidad de las piezas hace que se relacionen más con el arte que con ropas que poseen un alto valor y que siguen determinando tendencias. Los profesionales son meticulosos artesanos que necesitan estar apasionados por lo que hacen, como decía Coco Chanel: “En esta profesión, quien no es un apasionado por lo que hace no realiza cosas bellas”.

A pesar de los problemas económicos actuales, la alta costura atraviesa por un período de recuperación, a medida que la sociedad rescata sus principios y tradiciones, y los mercados emergentes pasan a defender valores centrados en la autenti-cidad y la herencia. El desarrollo

económico de las naciones de Oriente Medio y de países como Brasil, Rusia, China e India contribuye al renacimiento de este modo de producción.

Un reciente artículo publicado en WWD (Women’s Wear Daily) presenta números positivos y una actitud optimista con respecto a las perspectivas de crecimiento; también demuestra el aumento del número de clientes en Asia y el retorno de los clien-tes estadounidenses después de una disminución observada durante el apogeo de la recesión; y el éxito del formato íntimo que algunas maisons han adoptado.

Las colecciones actuales son un símbolo de los nuevos tiempos. Se acabó la época en la que los vestidos eran hechos con metros y metros de tela. Ahora la belleza está en la fabricación, en las técnicas de corte y la elección de los materiales utilizados. La ropa parece ser más simple, pero conserva el símbolo exclusivo de otros tiempos. Se puede argu-mentar que la alta costura nunca reemplazará el prêt-à-porter, pero es este el que estimula las ventas y traza una imagen de sueño a las marcas. No existe vanguardia sin tradición; la alta costura es el sueño que existe en la moda, y donde los diseñadores pueden ser los artistas. Al final, la alta costura está hecha de sueños.

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EL CAMINO DEL LUJO

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Revista Summus 19