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educación de la voz para los cantantes
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(en italiano soprano d'agilitá, en alemán Koloratursopran) es un tipo de voz que tiene la capacidad de ejecutar sucesiones de notas rápidas dentro del registro vocal de soprano, en un estilo ornamentado o con embellecimientos elaborados, incluidos los pasajes rápidos de escalas y los trinos, ya sean escritos o improvisados. El término coloratura hace referencia a las elaboradas ornamentaciones de una melodía
Descripción
La soprano de coloratura es una voz de alta agilidad, que suele tener una tesitura bastante expuesta y comúnmente con capacidad para manejar el registro de silbido. En sentido estricto, el término coloratura no se restringe a describir ninguna gama de la voz. Dependiendo de la tesitura y color de la voz de la soprano, las cantantes y por tanto los roles de coloratura se pueden dividir en dos grupos. Por lo que dentro de la clasificación de matices vocales, la soprano de coloratura puede ser una soprano ligera, lírica, lírica ligera o dramática de coloratura.
• Descripción
• La soprano de coloratura es una voz de alta agilidad, que suele tener una tesitura bastante expuesta y comúnmente con capacidad para manejar el registro de silbido. En sentido estricto, el término coloratura no se restringe a describir ninguna gama de la voz. Dependiendo de la tesitura y color de la voz de la soprano, las cantantes y por tanto los roles de coloratura se pueden dividir en dos grupos. Por lo que dentro de la clasificación de matices vocales, la soprano de coloratura puede ser una soprano ligera, lírica, lírica ligera o dramática de coloratura.
• Se trata de una voz muy ágil y ligera, con una extensión muy aguda, capaz de ejecutar rápidas coloraturas. Las coloraturas vocales líricas tienen un rango desde aproximadamente el do central (C4) hasta un fa alto (F6).
• Este tipo de soprano a veces se denomina soprano leggero, si su timbre de voz tiene un matiz un poco más cálido. La voz soprano leggero, igualmente típica, no llega tan agudo como otras coloraturas alcanzando un mi alto (E6).6 Los roles de bel canto eran escritos por lo general para esta voz y una amplia variedad de compositores también han escrito roles de coloratura. A lo largo de la música antigua y en especial en laópera barroca se encuentran múltiples papeles para esta voz.7 Un ejemplo de una soprano lírica de coloratura es Laura Claycomb en el papel de Olimpia de Los cuentos de Hoffman
Uso del término[editar]
La coloratura fue definida por primera vez en diccionarios musicales no italianos, en las obras siguientes: Michael Praetorius en su Syntagma Musicum de 1618, Sébastien de Brossard en su Dictionnaire de musique de 1703 y Johann Gottfried Walther en su Musicalisches Lexicon de 1732. En estos primeros textos «el término se aborda de forma breve y siempre en referencia al uso italiano».2 Christoph Bernhard(1628-1692) define "coloratura" de dos maneras: 2
Cadenza : «escalas que no están tan exactamente vinculadas al compás, pero que a menudo se extienden dos, tres o más compases más [y] debería hacerse únicamente en el cierra el primero.» (Von der Singe- Kunst, oder Maniera, c. 1649)
Disminución : «cuando un intervalo es alterado mediante varias notas más cortas, de modo que, en lugar de una nota larga, una serie de las más cortas se apresuran hasta la nota siguiente a través de todo tipo de progresiones de grado o salto.» (Tractatus compositionis, c. 1657)
Por otra parte, el término nunca fue empleado en los más célebres textos italianos sobre canto: Le nuove musiche (1601-2) de Giulio Caccini; Opinioni de 'cantori antichi e moderni (1723) de Pier Francesco Tosi;Pensieri, e riflessioni pratiche sopra il canto figurato (1774) de Giovanni Battista Mancini; Mémoire sur la voix humaine (1841) y Traité complet de l'art du chant (1840-1847) de Manuel García. Tampoco fue utilizado por los autores ingleses Charles Burney (1826-14 ) y Henry Fothergill Chorley (1808-1872). Ambos autores escribieron largo y tendido sobre el canto italiano de un período en el que la ornamentación era esencial.2
En la actualidad el término coloratura se suele aplicar específicamente a la elaborada y florida ornamentación que se puede observar en la música vocal del Clasicismo (siglo XVIII) y del Romanticismo, más específicamente en el bel canto (siglo XIX). Sin embargo, la música de los siglos XV, XVI y XVII, es particular la música barroca hasta 1750, ya incluía un amplio repertorio que requería la técnica de coloratura encantantes e instrumentistas por igual. En el significado musicológico moderno el término se aplica para hacer alusión a música florida, tanto vocal como instrumental, perteneciente a cualquier periodo de la historia de la música.2 Por ejemplo, en Alemania la palabra «coloratura» (Koloratur) ha sido aplicada a la ornamentación estereotipada y formulista utilizada en música para tecla del siglo XVI escrita por un grupo de compositores alemanes para órgano que son conocidos como los «Coloristas» (Koloristen).5
Historia[editar]
Barroco
Las coloraturas eran recursos habituales en la música barroca, donde se escribían tanto para música eclesiástica como para lucimiento de las estrellas de ópera, las primas donnas y los castrati. Las arias de lucimiento de la ópera barroca poseían una cadencia especialmente destinada a la improvisación. El ideal del cantante para compositores como Johann Sebastian Bach era el cantante con agilidad instrumental, lo que incluía la ejecución de coloraturas en toda la tesitura de la voz.
Clasicismo
En la época clásica, la coloratura deja de ser la única forma de virtuosismo vocal y coexiste con un canto más lineal y más cercano a la voz hablada. En el singspiel de Wolfgang Amadeus Mozart, la clásica aria de coloratura coexiste con formas derivadas del canto popular. Aparece en el canto de los siglos XVIII y XIX en forma de escalas, trinos, grandes saltos o material musical similar.5
Romanticismo
En la ópera de Rossini, Donizetti y Bellini la coloratura es llevada al extremo en amplitud, rapidez y agilidad. Ese desarrollo fue tachado de superficial por compositores como Richard Wagner en Alemania. Sin embargo, la coloratura rossiniana es siempre una expresión de un estado de ánimo. El profesor y teórico más importante de la coloratura y del bel canto fue el barítono Manuel Patricio Rodríguez García. En 1840 y 1847, publicó en París un manual de canto en dos partes que resume las técnicas del bel canto y describe una manera de adquirir una coloratura ágil a través de repeticiones de notas. En la ópera de la segunda mitad del siglo XIX, la coloratura se hizo especialmente propia de los papeles femeninos dramáticos, como el caso de Violeta en La traviata de Verdi. Mientras tanto, el tenor de coloratura del tipo rossiniano es reemplazado por el tenor spinto, o tenore di forza, una voz muy potente, pero incapaz de movimientos ágiles. Ese desarrollo se realiza en todo el canto operístico con las obras de Richard Wagner y la ópera delverismo.
Siglos XX y XXI
Actualmente el canto de coloratura ha sobrevivido con las composiciones de Monteverdi a Rossini. Sin embargo, en composiciones actuales, los compositores contemporáneos no han encontrado maneras de integrar la técnica de modo natural en sus creaciones.
Tipo de voz[editar]
El término «coloratura» se aplica por extensión a ciertos tipos de voces que dominan esta técnica. Existen múltiples piezas de coloratura escritas para todos los tipos de voz en diferentes géneros musicales.1Cuando se describe una voz como de coloratura sin más añadidos, suele hacerse referencia a la «soprano de coloratura». No obstante, cantantes con otro tipo de voz pueden tener dotes para la técnica de coloratura.
La «soprano de coloratura», por ejemplo que puede tipificarse en el famoso personaje de la Reina de la Noche de La flauta mágica de Mozart.3 4 Este tipo de soprano dispone de un amplio rango vocal en el agudo y requiere a la cantante que ejecute con gran facilidad un estilo de canto que incluye ornamentaciones y embellecimientos de gran elaboración, incluyendo pasajes de rápidas escalas en staccato y trinos. Una soprano de coloratura tiene la capacidad vocal para producir notas por encima del do alto (C6) y posee una tesitura que va desde A4 hasta A5 o más arriba. Por su parte, las sopranos más graves tienen una tesitura que está entre G4 y G5 o más abajo.
Richard Miller distingue dos tipos de soprano de coloratura ( coloratura y coloratura dramática) así como la «mezzosoprano de coloratura», y aunque no contempla la «contralto de coloratura», cita papeles que requieren el uso de la técnica de coloratura en una contralto.6 En los más famosos tratados italianos de canto (Caccini, 1601/2; Tosi, 1723; Mancini, 1774; García, 1841), nunca se empleó el término coloratura.
Pasaje de coloratura para soprano. Incluye una variante más difícil en el pentagrama superior, con un
salto a un re alto (D6). La cadenza final del «Valse» en la escena de la locura de Ophélie (Acto IV) de la
ópera Hamlet (1868) de Ambroise Thomas.7
Entre las partes de coloratura más famosas de la historia de la música destacan:
«Al·leluia» del Exsultate, jubilate de Mozart, que puede ser arreglado para ser interpretado por una contralto, una mezzosoprano o una soprano, aunque originalmente fue compuesta para castrato.
El aria «Every Valley Shall» de El Mesías de Händel, es un ejemplo de pieza de coloratura para tenor.
La parte del personaje Osmin en El rapto en el serrallo de Mozart, es un ejemplo de coloratura para bajo.
El aria de la locura «Il dolce suono» de Lucia di Lammermoor de Gaetano Donizetti para soprano.4
El aria de Zerbinetta en Ariadne auf Naxos de Richard Strauss, es un ejemplo de coloratura para soprano en una obra del siglo XX.
Véase también[editar]
Il dolce suono
Maria Callasreverdeció Lucia di Lammermoor en la segunda mitad del siglo XX.
Il dolce suono (El dulce sonido) es un fragmento de la Escena de la locura compuesta en 1835 en la ópera Lucia di Lammermoor de Gaetano Donizetti. Es la más famosa escena de locura de todas las compuestas en las óperas del bel canto, un clásico de la era romántica donde la heroína perdía la razón sólo para mostrar virtuosismo vocal y dramático. Consta de tres partes, el aria "Il dolce suono", "Ardon gli incensi"1 y la cabaletta "Spargi d'amaro pianto".2
La protagonista - "La novia de Lammermoor" de la novela escocesa de Sir Walter Scott adaptada por Donizetti- obligada a casarse con quien odia, asesina a su esposo en la noche de bodas y pierde la razón. Ensangrentada aparece durante la fiesta de boda y ante el estupor de los invitados, en su delirio cree oir en el sonido de una flauta (o armónica de cristal) la voz de su prometido, a quien realmente ama y que es enemigo de su familia o clan.
La pieza ha sido un célebre vehículo de lucimiento vocal para divas de ópera durante casi doscientos años y caballito de batalla de cantantes desde Luisa Tetrazzini, Amelita Galli-Curci,Adelina Patti y Lily Pons a Maria Callas,3 Joan Sutherland,4 Beverly Sills,5 Anna Moffo,6 Renata Scotto, Montserrat Caballe,7 June Anderson,8 Edita Gruberova, Diana Damrau, Anna Netrebko y Natalie Dessay 9
También aparece en la película The Fifth Element interpretada por Inva Mula-Tchako en una versión que combina lo clásico con lo tecno, en la película francesa "22 balas" (L'immortel, 2010) y es también interpretada por Vitas un cantante ruso de pop.
Letra[editar]
Texto original en italiano Traducción
Il dolce suonoMi colpì di sua voce! Ah, quella voceM'è qui nel cor discesa!Edgardo! io ti son resa!Edgardo!... Oh Edgardo mio!...Sì, ti son resa!...Fuggita io son da tuoi nemici. - Un geloMi serpeggia nel sen!... trema ogni fibra!...Vacilla il piè!... Presso la fonte mecoT'assidi alquanto!
¡El dulce sonidome llena de su voz! ¡Ah, esa vozdesciende a mi corazón!¡Edgardo! ¡me rindo a ti!¡Edgardo!... Oh Edgardo mío!...¡Sí, a ti me rindo!...huí de tus enemigos. - ¡Un escalofríome recorre el pecho!... ¡tiembla cada fibra!...¡vacila el pie!... ¡Junto a la fuentesiéntate conmigo un rato!
Ariadna en Naxos (Strauss)(Redirigido desde «Ariadne auf Naxos»)
Ariadna en Naxos
Ariadne auf Naxos
John Vanderlyn: Ariadna durmiendo en Naxos.
Género Comedia musical
Actos 1 acto, y un prólogo
Idioma Alemán
Música
Compositor Richard Strauss
Puesta en escena
Lugar de estreno Kleinen Haus des Hoftheaters
Stuttgart
Fecha de estreno 25 de octubre de 1912
Personajes Personajes del prólogo
El mayordomo (papel hablado)
El Compositor (soprano lírico-
spinto omezzosoprano)
Zerbinetta (soprano ligera)
El Maestro de música (barítono)
El Maestro de baile (tenor lírico)
El Tenor (tenor dramáticoo lírico-spinto)
Un oficial (tenor ligero)
Un Lacayo (bajo)
La prima Donna (soprano lírico-spinto)
Arlequín (barítono)
Scaramuccio (tenor ligero)
Truffaldino (bajo)
Brighella (tenor ligero)
El Peluquero (bajo)
Personajes de la ópera
Ariadna (soprano lírico-spinto)
Baco (tenor dramático)
Náyade (soprano lírica)
Dríade (contralto)
Eco (soprano ligera)
Personajes del prólogo: Zerbinetta,
Arlequín, Scaramuccio, Truffaldino,
Brighella1
Libretista Hugo von Hofmannsthal
Duración 2 horas y cuarto
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Ariadna en Naxos (título original en alemán, Ariadne auf Naxos, Op. 60) es una ópera en dos partes con música de Richard Strauss y libreto en alemán de Hugo von Hofmannsthal, basado en Le Bourgeois Gentilhomme (El burgués gentilhombre) de Molière y el mito griego de Ariadna y Baco.
Índice [ocultar]
1 Primera versión (1912) 2 Segunda versión (1916) 3 Historia de las representaciones de la segunda versión
o 3.1 Representaciones en la Metropolitan Opera 4 Personajes 5 Argumento
o 5.1 Resumen o 5.2 Prólogo o 5.3 Acto único
6 Análisis musical 7 Valoración 8 Diferencias entre las versiones de 1912 y 1916 9 Discografía
o 9.1 DVD 10 Referencias 11 Enlaces externos
Primera versión (1912)[editar]
Una primera versión fue estrenada el 25 de octubre de 1912 en el Kleinen Haus des Hoftheaters en Stuttgart. La ópera se concibió originariamente como undivertissement de treinta minutos para ser representada al final de la adaptación de Hofmannsthal de la obra de Molière El burgués gentilhombre. Aparte de la ópera, Strauss proporcionó música incidental para que se tocara mientras se interpretaba la obra. Al final, la ópera ocupó noventa minutos, y la representación de la obra más la ópera ocupó más de seis horas. Fue estrenada en el Hoftheater de Stuttgart el 25 de octubre de 1912. El director fue Max Reinhardt. La combinación de la obra más la ópera dejó insatisfecho al público: aquellos que habían ido a escuchar la ópera tenían que esperar hasta que acabara la obra.
La primera versión fue producida en Zúrich empezando el 5 de diciembre de 1912 y en Praga el 7 de diciembre de 1912.2 El estreno de Múnich siguió el 30 de enero de 1913 en el viejo Teatro Residenz, un local que era inferior para la presentación de la ópera tanto acústicamente y debido a la falta de espacio para los músicos. Hofmannsthal se impuso sobre la preferencia del director Bruno Walter por el Hofoper basándose en que un teatro más pequeño era el apropiado para una obra de esta clase. El elenco incluyó a la estadounidense Maude Fay como Ariadne, Otto Wolf como Baco y Hermine Bosetti como Zerbinetta. Strauss, siendo oriundo de la ciudad, tenía una relación estrecha con Múnich y se le tenía bien considerado, pero tuvo que perderse la representación porque estaba en una gira de conciertos por Rusia. El público expresó abiertamente su desaprobación por la pieza silbando después del primer acto. Para las representaciones posteriores, Walter introdujo cortes y trasladó la producción al Hoftheater, y empezó a mejorar la audiencia.3 La versión de 1912 también fue producida en Berlín desde el 27 de febrero de 1913 y en Ámsterdam en 1914.2
En Londres la primera versión se ofreció ocho veces en His Majesty's Theatre a partir del 27 de mayo de 1913. La adaptación de Hoffmannsthal de la obra de Molière se presentó en traducción inglesa de Somerset Maugham bajo el título The Perfect Gentleman ("El perfecto caballero"). La ópera se cantó en alemán con Eva von der Osten, Hermine Bosetti y Otakar Marák, dirigidos por Thomas Beecham. El crítico de The Musical Times encontró la música incidental de la obra más atractiva que la ópera, que a pesar de todo tenía "muchos atractivos emocionales fuertes". Sin embargo, la orquestación de la ópera se consideró "peculiar", y en el final, la escena de amor entre Baco y Ariadne, tedioso.4 5
Segunda versión (1916)[editar]
La versión definitiva se estrenó el 4 de octubre de 1916 en el Hofoper de Viena. Después de las representaciones iniciales de la primera versión, se hizo evidente que era poco práctica: requería una compañía de actores así como una compañía de ópera, y de esta forma era demasiado cara de montar, y su longitud posiblemente causaría problemas al público. De manera que en 1913 Hofmannsthal propuso a Strauss que la obra se reemplazara por un prólogo que explicaría por qué la ópera combina una historia clásica seria con una comedia interpretada por un grupo de la commedia dell'arte. También trasladó la acción de París a Viena. Strauss al principio no estaba convencido, pero compuso el prólogo (y modificó algunos aspectos de la ópera) en 1916, y esta versión revisada fue estrenada en el Hofoper de Viena el 4 de octubre de 1916. Esta es la versión que normalmente se representa hoy en día, aunque la "obra de teatro más ópera" original se interpreta ocasionalmente (por ejemplo, en el Festival internacional de Edimburgo de 1997).
El aria más importante de ambas versiones es "Großmächtige Prinzessin" / "alta y poderosa princesa". La canta Zerbinetta.
Historia de las representaciones de la segunda versión[editar]
Después de su estreno en Viena la segunda versión se representó por vez primera en Berlín el 1 de noviembre de 1916, seguida por Zúrich el 28 de enero de 1917 (en una producción de la Ópera de Mannheim). Fue presentada por vez primera en Budapest el 19 de abril de 1919 (en húngaro en una traducción de Z. Harsányi), y en alemán en Graz el 12 de marzo de 1920, Ámsterdam en enero de 1924,2 y Londres en la Royal Opera House el 27 de mayo de 1924 con Lotte Lehmann como Ariadne, Maria Ivogün como Zerbinetta (en su debut con la compañía), Elisabeth Schumann como el Compositor, Karl Fischer-Niemann como Baco y Carl Alwin dirigiendo. A pesar del elenco estelar la producción no tuvo éxito, con una de las más bajas recaudaciones de la temporada, y fue repetido sólo una vez.6
Fue representada por vez primera en Italia en Turí en el Teatro di Turino el 7 de diciembre de 1925 (en una traducción italiana de O. Schanzer); en Suecia en Estocolmo el 27 de noviembre de 1926 (en sueco); en Bruselas el 17 de marzo de 1930 (en una traducción al francés de P. Spaak); en Helsinki el 12 de mayo de 1931 (en una traducción al finlandés de A. af Enehjelm); en Roma en el Teatro Reale el 28 de marzo de 1935 (en alemán); Amberes el 28 de septiembre de 1935 (en flamenco); y en París en el Teatro de los Campos Eliseos el 10 de septiembre de 1937 (en alemán).2
El estreno en los Estados Unidos de la ópera se produjo en alemán por la Philadelphia Civic Opera Company en la Academia de Música el 1 de noviembre de 1928. Dirigida por Alexander Smallens, el elenco incluyó a Alma Peterson como la Primadonna/Ariadne, Charlotte Boykin como Zerbinetta, Irene Williams como el Compositor y Judson House como el Tenor/Baco.7 Fue presentada por la Juilliard School en la ciudad de Nueva York en inglés en una traducción de A. Kalisch el 5 de diciembre de 1934.2 La ópera fue representada por vez primera en Canadá en el Festival de Montreal de 1946.
Ariadna en Naxos está entre las 50 óperas más representadas en la actualidad; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 46 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 10.ª en alemán y la tercera más representada de Richard Strauss, después de Salomé y El caballero de la rosa.
Representaciones en la Metropolitan Opera[editar]La ópera se presentó ante el público neoyorquino el 29 de diciembre de 1962 con Leonie Rysanek como Ariadne, Jess Thomas como Baco, Gianna D'Angelo como Zerbinetta, la mezzosoprano Kerstin Meyer como el Compositor, Walter Cassel como el Maestro de Música y con Karl Böhm dirigiendo.8 Para el 20 de febrero de 2010 se ha representado allí un total de 88 veces con reposiciones de la producción original en 1963–4, 1970, 1976, 1979, 1984–5, y 1987–8, y una nueva producción, diseñada por Elijah Moshinsky, presentada por vez primera en 1993, seguida por reposiciones en 1994, 1996–7, 2001, 2003, 2005 y 2010. La ópera es una de las favoritas del director musical del met, James Levine, quien la ha dirigido hasta 44 veces entre 1976 y 2003. Entre las intérpretes del rol de Ariadne en el Met se encuentran Jessye Norman (22 apariciones desde 1984 hasta 1993) y Deborah Voigt (17 apariciones desde 1993 hasta 2003). El papel del Vompositor se ha cantado allí la mayor parte de las veces por una mezzosoprano (al menos, 64 veces), incluyendo, además de Kerstin Meyer, quien cantó el papel 6 veces, Tatiana Troyanos (19 veces entre 1976 y 1988), Susanne Mentzer (20 veces entre 1993 y 2003), Susan Graham (5 veces en el otoño de 2005) y Sarah Connolly (5 veces en el invierno de 2010). Sopranos que han interpretado al Compositor han sido Irmgard Seefried, Teresa Stratas (9 veces: 4 en 1963–4; 1 en 1970; y 4 en la primavera de 1994), Evelyn Lear (4 veces en marzo de 1970), y Maria Ewing (8 veces en 1984–5). Cantantes del papel soprano de coloratura de Zerbinetta han incluido, además de Gianna D'Angelo, quien lo cantó 7 veces, Roberta Peters (7 veces en 1963–4), Kathleen Battle (9 veces en 1987–8), y Natalie Dessay (12 veces: 7 en el otoño de 1997 y 5 en la primavera de 2003).9
Argumento[editar]
Resumen[editar]
Ariadna en Naxos tiene dos partes, llamadas el Prólogo y la Ópera. La primera parte muestra las cosas que pasan entre bambalinas y que llevan a la segunda parte, que es de hecho una ópera dentro de la ópera. La historia tiene lugar en Viena, en época indeterminada.
Prólogo[editar]
La ópera tiene lugar en casa del «hombre más rico de Viena», en la que se hacen preparativos para una velada musical. Han llegado dos grupos de músicos: unos cómicos liderados por la maliciosa comedianta Zerbinetta, y una compañía de ópera, que representará una ópera seria Ariadna en Naxos. La primera parte de la ópera se desarrolla detrás del escenario, y se refiere a los preparativos para la representación.
El mayordomo anuncia que un intermedio cómico debe representarse después de una ópera seria. El compositor está desolado: un intermedio gracioso nunca debería representarse después de su obra de arte. Pero la intervención de Zerbinetta, cantante del elenco cómico, lo deja fascinado.
Después de discutir qué debe ir primero, si lo serio o lo cómico, el mayordomo anuncia la decisión de su señor: que se representen al mismo tiempo, lo que hace que los preparativos caen en el caos. Al principio, el impetuoso y joven compositor no parece dispuesto a ceder y rechaza introducir cambio alguno en su ópera. Pero cuando su maestro, el maestro de música señala que la paga depende de aceptar la situación y le aconseja ser prudente-y cuando Zerbinetta despliega todo su encanto sobre él-abandona sus objeciones. El compositor confía en que la música demuestre ser la más sagrada de las artes. Pero cuando se da cuenta de a qué ha dado su consentimiento, de nuevo cae en la desesperación y se marcha.
Acto único[editar]
El escenario es una isla desierta con una gruta al fondo, Naxos, en la que fue abandonada Ariadna por Teseo. Ella se lamenta, desesperada, por haber sido abandonada, y solo espera al mensajero de la muerte. Zerbinetta y sus cuatro compañeros de la compañía cómica entran e intentan animar a Ariadna con canto y baile, pero no lo consiguen. Zerbinetta, en una conversación privada, de mujer a mujer, le intenta insuflar optimismo. En una deslumbrante pieza de coloratura, le cuenta que los hombres son infieles por naturaleza, que no merece la pena llorar por ellos y la manera más sencilla de superar un corazón roto es encontrar un nuevo amor. Pero esto no anima a Ariadna. Aparecen entonces los compañeros de Zerbinetta, que empiezan a perseguirla. Ella coquetea con unos y otros, pero desaparece con su elegido, Arlequín.
Las tres ninfas -Náyade, Dríade y Eco- anuncian la llegada de un forastero a la isla. Al principio, Ariadna cree que él es el mensajero de la muerte; pero de hecho es el dios Baco, que está bajo el encantamiento de la hechicera Circe. Él canta su victoria sobre Circe. Ariadna se da cuenta de lo vacía que estaba su vida y cree que él es el mensajero de la muerte, que por fin ha llegado. Baco, fascinado por la belleza de Ariadna, cree que es una maga como Circe. Se enamora inmediatamente de ella y promete que la pondrá en los cielos como una constelación. Ariadna se da cuenta de que una nueva vida se abre ante ella, y Baco se enamora de nuevo. Zerbinetta regresa brevemente para repetir su filosofía del amor, inspirada por el éxito de su conversación con Ariadna, dice que siempre caemos cautivos de un nuevo dios. Baco afirma su amor: «Antes morirán las estrellas que tú entre mis brazos». La ópera acaba con el canto apasionado de Ariadna y Baco.
Análisis musical[editar]
Richard Strauss utiliza una orquesta de cámara, que no llega a los cuarenta músicos. La instrumentación requiere:
Viento : 2 flautas (alternando con pícolos), 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes
Metal : 2 trompas, trompeta, trombón
Percusión : timbales, glockenspiel, pandereta, triángulo, caja, címbalos, bombo
Cuerdas : 6 violines, 4 violas, 4 violonchelos, 2 contrabajos
Otros: harmonium, celesta, piano, 2 arpas
El libreto es obra de Hugo von Hoffmansthal, su mejor libretista. Ya habían hecho juntos la expresionista Elektra (1909).
El prólogo es casi enteramente recitado. La ópera en sí está formada por una sucesión de recitativos y números cerrados inspirados en la ópera barroca y en el nuevo estilo de conversación musical usado ya en El caballero de la rosa.
De las piezas vocales de esta ópera, destacan el dúo de Zerbinetta y el compositor en la primera parte. En la segunda, el trío, el monólogo de Ariadna, la canción de Arlequín, el aria de Zerbinetta, que es una de las más complicadas para soprano ligera, con una difícil ornamentación para poner a prueba su agilidad vocal, y el dúo final.
Valoración[editar]
«Es la obra más exquisita de la gran producción lírica de R. Strauss, y una de las piezas más originales de todo el género» (Martín Triana).
https://www.youtube.com/watch?v=q3lTV-da5Kw
«En ella, la unión de la tragedia clásica con la Commedia dell'arte italiana alcanza un significado mucho más profundo del que en un principio cabía esperar. Ariadne es una metáfora sobre la necesidad de superar la adversidad para vivir» (Alier).
https://www.youtube.com/watch?v=KcPiX6T33HA
La meta del canto spinto es desarrollar una fuerza vocal que permite cantar sobre la gran orquesta de la ópera romántica y poder poner acentos dramáticos en la línea vocal. Además, se apunta a la imitación de expresiones de emoción desencadenada (llanto, grito, etc.), como ocurre en las óperas I Pagliacci y Cavalleria Rusticana.
En Alemania, el canto spinto (al. Staudruckprinzip: método de represión) fue descrito por George Armin en su libro Von der Urkraft der Stimme (De la fuerza fundamental de la voz) de 1905. Armin enseñaba el canto de presión como el único método admisible de cantar en escenario. Sin embargo, Franziska Martinssen - Lohmann escribe sobre los resultados de la enseñanza de Armin:
«Foniatras y médicos criticaban la violencia del método. Malas lenguas propagaban el mito de que existía una asociación de los cantantes dañados por el método de represión.» Martinssen - Lohmann (1988): 165.
Aunque el efecto en el escenario es indiscutible, la técnica spinto tiende a dañar la voz del cantante. Se canta con una presión subglótica muy alta. Así, el cantante puede producir notas de fuerza violenta en el registro agudo, a costa de la capacidad de coloratura, messa di voce, y el registro único. Debido a la presión antinatural del aire, el cantante de técnica spinto tiende a oscurecer la voz y desarrollar nódulos. Cantantes de técnica spinto han sido Enrico Caruso, Mario del Monaco, Franco Corelli, Giuseppe di Stefano y Renata Scotto.
Soprano soubretteLa soprano soubrette o doubrette es un tipo de voz similar a la soprano ligera, con menor facilidad en el registro agudo.1 El término procede de las sopranos para las que se escribía la opereta francesa, en general grandes actrices. Raramente estas sopranos siguen siendo soubrette a través de su carrera entera.2 La tesitura de la soubrette suele ser un poco menor al de la soprano lírica y la lírica spinto,3 con un rango vocal que se extiende aproximadamente desde un "do central" (C4) hasta un "do alto" (C6).4
Índice [ocultar]
1 Sopranos que han interpretado roles de soubrette 2 Roles de soubrette en operas y operetas [3] 3 Véase también 4 Referencias
Sopranos que han interpretado roles de soubrette[editar]
Kathleen Battle Barbara Bonney Norma Burrowes Ileana Cotrubas Renée Fleming Gaële Le Roi
Elizabeth Hillebrand Patrice Munsel Anna Netrebko Lucia Popp Elisabeth Schumann Graziella Sciutti Dawn Upshaw
Roles de soubrette en operas y operetas3 [editar] Adele, Die Fledermaus (Johann
Strauss II) Alison, The Wandering Scholar (Holst) Amor, Orfeo ed Euridice (Gluck) Ännchen, Der Freischütz (Carl Maria
von Weber) Ann Page, The Merry Wives of
Windsor (Carl Otto Nicolai) Auretta, L'Oca del Cairo (Mozart) Barbarina, Las bodas de
Fígaro (Mozart) Bastienne, Bastien und
Bastienne (Mozart) Belinda, Dido y Aeneas (Purcell) Blondchen, El rapto en el
Serrallo (Mozart) Cis, Albert Herring (Britten) Clotilda, Norma (Bellini)
Hebe, H.M.S. Pinafore (Gilbert and Sullivan)
Lisa, The Grand Duke (Gilbert and Sullivan)
Lisette, La rondine (Puccini) Marie, Der Waffenschmied (Albert
Lortzing) Marie, Zar und Zimmermann (Albert
Lortzing) Marzellina, Fidelio (Beethoven) Nannetta, Falstaff (Verdi) Norina, Don Pasquale (Donizetti) Ninetta, La finta semplice (Mozart) Papagena, La flauta mágica (Mozart) Pitti-Sing, The Mikado (Gilbert and
Sullivan) Servilia, La clemenza di Tito (Mozart) Serpetta, La finta giardiniera (Mozart)
Despina, Così fan tutte (Mozart) Echo, Ariadne auf Naxos (Richard
Strauss) Elisa, Il re pastore (Mozart) Emmie, Albert Herring (Britten) Giannetta, L'Elisir d'Amore (Donizetti)
Serpina, La serva padrona (Pergolesi) Sophie, Der Rosenkavalier (Richard
Strauss) Susanna, Las bodas de Fígaro (Mozart) Zerlina, Don Giovanni (Mozart)
La fuerza del destino (ópera)(Redirigido desde «La forza del destino»)
Para otros usos de este término, véase La fuerza del destino (desambiguación).
La fuerza del destino
La forza del destino
Portada de la primera edición bilingüe del libreto de La fuerza del destino, San
Petersburgo, 1862.
Género Ópera
Basado en Duque de Rivas: Don Álvaro o la fuerza del
sino (1835)
Actos 4 actos
Idioma Italiano
Música
Compositor Giuseppe Verdi
Puesta en escena
Lugar de estreno Teatro Bolshói Kámenny(luego Teatro Mariinski)
San Petersburgo
Fecha de estreno 10 de noviembre de 1862
Personajes Don Álvaro, indio de sangre real (tenor
lírico-spinto)
Don Carlos de Vargas, su enemigo
(barítono)
Doña Leonora de Vargas, enamorada de
don Álvaro (soprano dramática)
El marqués de Calatrava, padre de Carlos y
Leonora (bajo)
Preziosilla, gitana (mezzosoprano)
Padre Guardián (bajo)
Fray Melitón (barítono bufo)
Curra, sirvienta de Leonora
(mezzosoprano)1
Libretista Francesco Maria Piave
Duración 3 horas 15 minutos2
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La fuerza del destino (título original en italiano, La forza del destino) es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la obra teatral Don Álvaro o la fuerza del sino (1835) del escritor español Ángel de Saavedra, duque de Rivas, con una escena adaptada deWallensteins Lager de Friedrich Schiller. Fue representada por vez primera en el Teatro Bolshói Kámenny (luego Teatro Mariinski) de San Petersburgo, Rusia, el 10 de noviembre (fecha antigua; es el 22 de noviembre) de 1862. Verdi sentía inclinación por los temas españoles.
La fuerza del destino es todavía representado con frecuencia, y hay una serie de grabaciones completas. Además, la obertura (de la versión revisada de la ópera) es parte del repertorio estándar para orquestas sinfónicas, a menudo interpretada como una pieza de apertura en conciertos.
Índice [ocultar]
1 Historia 2 Personajes 3 Argumento
o 3.1 Acto I o 3.2 Acto II o 3.3 Acto III o 3.4 Acto IV
4 Análisis musical 5 Instrumentación 6 Grabaciones
o 6.1 Versión original de 1862 o 6.2 Versión revisada de 1869
7 Referencias 8 Enlaces externos
Historia[editar]
Fue encargada por el Teatro Bolshói Kámenny (luego Teatro Mariinski) de San Petersburgo, capital del entonces Imperio ruso y estrenada con la presencia del compositor el 10 de noviembre de 1862 (29 de octubre de 1862, según el calendario juliano, todavía en vigor en el Imperio Ruso hasta 1918). El público no quedó muy satisfecho con la obra, dado que esperaba un libreto menos dramático, más ligero. Pero a pesar de todo, Verdi recibió las felicitaciones del zar Alejandro II de Rusia, que acudió a la cuarta representación, y la crítica.
Después de algunas ulteriores revisiones, tuvieron lugar poco después interpretaciones en Roma en 1863 (como Don Alvaro) y Madrid, en el Teatro Real, con la asistencia del mismo Verdi y la presencia del duque de Rivas entre el público. La ópera, posteriormente, viajó a Nueva York y Viena (1865), Buenos Aires (1866) yLondres (1867).
Verdi encomendó a Piave una revisión del libreto para el estreno italiano. Al parecer era demasiado violento, «debemos buscar la forma de evitar todos esos muertos», le escribió al libretista Piave. Éste enfermó y el compromiso recayó en Antonio Ghislanzoni, quien alteró radicalmente el final (en la primera versión Don Álvaro se suicida tirándose desde un acantilado), el tercer acto y algunas otras partes. Verdi además compuso una nueva obertura (reemplazando al breve preludio) que era una larga introducción con los motivos de la ópera; el añadido de una escena final en el Acto III, después del duelo entre Carlos y Álvaro. El estreno fue de esta segunda versión, la más conocida y grabada actualmente, ocurrió el 27 de
febrero de 1869 en el Teatro alla Scala de Milán. Es la que se ha convertido en la versión "estándar".
Actualmente La fuerza del destino sigue estando en el repertorio operístico, estando entre las cien óperas más representadas del período 2005-2010, según la base de datos Operabase. En concreto es la n.º 64 de la lista. En Italia es la 26 y la 11.ª de Verdi; todo ello, por 64 representaciones.
Esta obra tiene fama de gafe, pues tanto su composición como su estreno estuvieron plagados de desgracias y contratiempos que perduraron muchos años. Así, la noche del 4 de mayo de 1960, sobre el escenario del Metropolitan Opera House de Nueva York, el barítono norteamericano Leonard Warren falleció mientras cantaba É salvo! O gioia!.
Una edición crítica3 de todas las versiones de la ópera (incluyendo material de la partitura original del año 1861 que nunca se había interpretado tal como se escribió) ha sido preparada por el musicólogo Philip Gossett de la Universidad de Chicago.4 La edición crítica de la versión de 1869 fue interpretada por la Ópera de San Francisco en noviembre de 2005 mientras que el Caramoor International Music Festival dio una versión de concierto de la versión de 1862 más piezas vocales nunca reformadas de la versión de 1861 en el festival de julio de 2008.5 El artículo de Gossett sobre las diferencias entre las versiones se incluyen en la página web de Caramoor.6
Personajes[editar]
Personaje Tesitura
Elenco del estrenonoviembre de
18627
(Director: -)
Versión revisadaElenco del estreno27 de febrero de
18697
(Director: Eugenio Terziani8 )
El marqués de Calatrava bajo Meo Giuseppe Vecchi
Leonora, su hija soprano Caroline Barbot Teresa Stolz
Don Carlo di Vargas, su hijo barítono Francesco Graziani Luigi Colonnese
Don Álvaro, pretendiente de Leonora tenor Enrico Tamberlick Mario Tiberini
Curra, doncella de Leonora mezzosoprano Lagramante Ester Neri
Preziosilla, una gitana joven mezzosoprano Constance Nantier- Ida Benzi
Didier
Alcalde bajo Ignazio Marini Luigi Alessandrini
Maestro Trabuco, un muletero y vendedor ambulante
tenor Geremia Bettini Antonio Tasso
Padre Guardiano, un franciscano bajoGian Francesco Angelini
Marcello Junca
Fra Melitone, un franciscano barítono Achille De Bassini Giacomo Rota
Un cirujano bajo Alessandro Polonini Vincenzo Paraboschi
Campesinos, servidores, peregrinos, soldados, vivandières y frailes
Argumento[editar]
Rosa Ponselle y Enrico Caruso, escena de La fuerza del destino.
«Nè gustare m'è dato un'ora...»
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Apertura del Acto III, escena 3. Interpretado
por Enrico Caruso y Giuseppe De Luca.
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La trama transcurre en España e Italia, alrededor de 1750.9
Acto I[editar]Habitación del castillo de Calatrava, cerca de Sevilla
Don Álvaro es un joven noble de Sudamérica (presumiblemente Perú) que es en parte indio y que se ha establecido en Sevilla, donde, sin embargo, no se piensa bien de él. Se enamora de doña Leonora, la hija del marqués de Calatrava, quien, a pesar de su amor por su hija, ha decidido que ella se case sólo con un hombre de la más alta cuna. Leonora, conociendo la aversión de su padre, y profundamente enamorada de Álvaro, decide abandonar su casa y su país para fugarse con él, ayudada por su sirvienta, Curra.(A.:Me pellegrina ed orfana - "Yo, exiliada y huérfana").
Su padre entra inesperadamente y descubre a Álvaro; él lo amenaza de muerte, y, para eliminar cualquier sospecha sobre la castidad de Leonora, Álvaro ofrece entregarse al marqués. Tira su pistola con tan mala suerte que del golpe se dispara y hiere mortalmente al padre de Leonora quien muere maldiciendo a su hija.
Acto II[editar]Cuadro I.
Taberna en las afueras de Hornachuelos
El Alcalde, varios muleteros y don Carlos de Vargas, hermano de doña Leonora, están reunidos en la cocina de una posada. Don Carlos, disfrazado como un estudiante deSalamanca, bajo el nombre ficticio de Pereda, busca vengarse de Álvaro y Leonora (Son Pereda son ricco d'onore - "Soy Pereda, de noble ascendencia"). Durante la cena, Preziosilla, una joven gitana, narra las fortunas de los jóvenes y los exhorta a alistarse a la guerra (Al suon del tamburo - "Cuando suene el tambor") por la libertad de Italia, algo con lo que todos se muestran de acuerdo. Habiéndose separado de Álvaro, Leonora llega disfrazada de varón, pero se escapa sin ser descubierta por Carlos.
Cuadro II.
Atrio del monasterio
Leonora se refugia en el monasterio (R.: Sono giunta! [¡He llegado!] ... A.: Madre, pietosa Vergine [Madre, piadosa Virgen]) donde ella cuenta al abad, Padre Guardián, su verdadero nombre y que pretende pasar el resto de su vida como ermitaña. El abad le relata los desafíos por los que va a apasar. Leonora, el Padre Guardián, Fray Melitón y otros monjes se unen en oración.
Acto III[editar]Cuadro I
Bosque próximo al pueblo italiano de Velletri, en Italia
Mientras tanto, don Álvaro se ha unido al ejército español bajo el nombre de don Federico Herreros (R.: La vita è inferno: O tu che in seno agli angeli - "La vida es un infierno para aquellos que son infelices... ¡Oh, mi amada, entre los ángeles!"). Una noche salva la vida de don Carlos que sirve en el mismo ejército bajo el nombre de don Félix Bornos. Se hacen amigos y van a la batalla uno al lado del otro.
Cuadro II
Habitación de los oficiales
En una de esas escaramuzas don Álvaro resulta, como él supone, mortalmente herido, y confía a don Carlos el cuidado de una valija que contiene un puñado de cartas que tiene que destruir en cuanto don Álvaro muera. (D.: Solenne in quest'ora - "Júrame, en esta solemne hora"). Don Carlos ha jurado no mirar el contenido de las cartas, pero empieza a sospechar de su amigo. (Sc.: Morir! Tremenda cosa! ... A.: Urna fatale del mio destino - "¡Morir, qué cosa tan tremenda!... Aléjate, fatal lote enviado a mi Destino!"). Abre la valija, encuentra el retrato de su hermana, y se da cuenta de la verdadera identidad de Álvaro. En ese momento un cirujano dice que don Álvaro puede recuperarse. Don Carlos se alegra de poder vengar la muerte de su padre.
Cuadro III
Campamento militar cerca de Velletri
Don Álvaro se ha recuperado y se enfrenta a don Carlos. Empiezan un duelo, pero los soldados los separan a la fuerza. Mientras contienen a don Carlos, el angustiado don Álvaro jura entrar en un monasterio.
Los soldados se reúnen. Trabucco, un vendedor ambulante, intenta venderles sus productos; fray Melitón los sermonea por sus comportamientos viciosos; y Preziosilla los lidera en un coro en alabanza de la vida militar (Cr.: Rataplan, rataplan, della gloria - "Rataplán, rataplán, del tambor es la música que enardece el espíritu marcial de un soldado").
Acto IV[editar]Cuadro I
El monasterio
Don Álvaro ha ingresado en el monasterio de Hornachuelos, cerca de donde está la cueva de Leonora, con el nombre de Padre Rafael. Don Carlos llega y le fuerza a luchar (D.: Col sangue mio [Con mi sangre]; Le minacci, i fieri accenti - "Con mi sangre... Las amenazas, los acentos fieros").
Cuadro II
Exterior de la cueva donde vive Leonora
Leonora reza para encontrar la paz en la muerte (A.: Pace, pace mio Dio! - "¡Paz, oh Dios padre todopoderoso, dame paz!"). Álvaro entra, pidiendo ayuda, después de haber herido mortalmente a don Carlos en su duelo. Los dos amantes se reconocen. Leonora sale de escena para ver a su hermano, quien, mientras ella se inclina hacia él, la apuñala en el corazón. Leonora regresa con el Padre Guardián; él y don Álvaro rezan al cielo mientras ella muere.
Análisis musical[editar]
La obertura es una larga y dramática introducción a la ópera, que constituye además una excelente pieza de concierto. Poderosos toques de trompeta simbolizan el destino. A continuación, se presentan diferentes temas que representan a los personajes principales de la obra. La fuerza del destino es una de las óperas verdianas favoritas de los teatros.
Instrumentación[editar]
2 flautas (2.ª doblando flautín), 2 oboes, 2 clarinetes (2.º doblando clarinete bajo), 2 fagotes; 4 trompas, 2 trompetas, 3 trombones, cimbasso; timbales, percusión (caja, bombo); 2 arpas; cuerdas. En escena:órgano, 6 trompetas, 4 cajas.10
https://www.youtube.com/watch?v=q3lTV-da5Kw
Madama ButterflyMadama Butterfly
Madama Butterfly
Cartel de Adolfo Hohenstein (1854–1928).
Género Tragedia japonesa
Basado en Madame Butterfly (1898) cuento de J. L. Long,
que fue dramatizado por David
Belasco y Madame Chrysanthème (1887) novela
de Pierre Loti.
Actos 3 actos
Idioma Italiano
Música
Compositor Giacomo Puccini
Puesta en escena
Lugar de estreno La Scala
Milán
Fecha de estreno 17 de febrero de 1904
Personajes B. F. Pinkerton, teniente de la marina de los
EE.UU. (tenor lírico-spinto)
Sharpless, cónsul de los EE.UU. (barítono)
Cio-Cio-San, geisha(soprano lírico-spinto)
Suzuki, su sirvienta (mezzosoprano)
Goro, casamentero (tenor ligero)
Representante del imperio nipón (bajo)
El notario (barítono)
El bonzo, tío de Cio-Cio-San (bajo)
El príncipe Yamadori (tenor ligero)
Mrs. Kate Pinkerton (mezzosoprano)
Amigos y parientes de Cio-Cio-San, criados1
Coro participación destacable2
Libretista G. Giacosa, L. Illica
Duración 2 horas
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Madama Butterfly (título original en italiano; en español, Señora Mariposa) es una ópera en tres actos (originariamente en dos actos) con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica. Puccini basó su ópera en parte en el cuento "Madame Butterfly" (1898) de John Luther Long, que fuedramatizada por David Belasco. Puccini también se basó en la novela Madame Chrysanthème (1887) de Pierre Loti. Según un estudioso, la ópera se basó en acontecimientos que realmente ocurrieron en Nagasaki a principios de los años 1890.3
Índice [ocultar]
1 Historia 2 Personajes 3 Argumento
o 3.1 Acto 1 o 3.2 Acto 2 o 3.3 Acto 3
4 Arias célebres 5 Intérpretes 6 Grabaciones
o 6.1 Audio o 6.2 Vídeo
7 Filmografía 8 Adaptaciones teatrales 9 Anecdotario 10 Referencias 11 Enlaces externos
Historia[editar]
Puccini escribió cinco versiones de la ópera. La versión original de la ópera,4 en dos actos, fue estrenada el 17 de febrero de 1904 en La Scala de Milán. Obtuvo muy mala recepción del público y la crítica, a pesar de la presencia de destacados cantantes como la soprano Rosina Storchio, el tenor Giovani Zenatello y el barítonoGiuseppe De Luca en los papeles principales. Esto se debió en gran medida a que se acabó tardíamente y al tiempo de ensayo inadecuado. Puccini retiró la ópera y la reescribió notablemente, dividiendo el segundo acto en dos y haciendo otros cambios. La segunda versión revisada que conquistó a la audiencia se estrenó enBrescia el 28 de mayo de 1904.5 Fue esta segunda versión la que se estrenó en los Estados Unidos en 1906, primero en inglés el 15 de octubre de 1906 en el Teatro Columbia de Washington D. C., y después el 12 de noviembre del mismo año en el Teatro Garden de Nueva York,6 por la Compañía de Ópera Inglesa de Henry Savage (así llamada porque interpretaba en traducciones al inglés).
Se estrenó en Argentina el 2 de julio de 1904 en el Teatro de la Ópera, Buenos Aires. En 1908 se estrenó en el nuevo Teatro Colón, representándose por 29 temporadas. En Londres su primera representación en el Reino Unido se dio el 10 de julio de 1905 en la Royal Opera House, Covent Garden.
En 1906, Puccini escribió una tercera versión,7 que se interpretó en la Metropolitan Opera de Nueva York. El estreno en el Met el 11 de febrero de 1907 contó con la presencia de Puccini y cantaron Geraldine Farrar y Enrico Caruso. En el Met se ha representado 818 veces entre 1907 y 2009, siendo la sexta ópera más popular del repertorio. En 1907, Puccini hizo varios cambios en la partitura orquestal y vocal, y esta se convirtió en la cuarta versión,8 que se representó en París.
Finalmente en 1907, Puccini hizo su revisión final de la ópera en una quinta versión,9 que se conoce ya como la "versión estándar". Hoy, la versión estándar es la que se interpreta más a menudo en el mundo. Sin embargo, la versión original de 1904 también se representa ocasionalmente.
Madama Butterfly se estrenó en España en el Teatro del Bosc de Barcelona en agosto de 1907. En noviembre de ese año llegó al Teatro Real de Madrid, donde se representó 72 veces desde entonces hasta julio de 2007, cuando fue dirigida por Plácido Domingo. En el Teatro del Liceo se estrenó en 1909 y se representó 152 veces hasta 2007. En el Teatro de la Zarzuela se representó 18 veces entre 1965 y 1991. En 1968, el elenco fue protagonizado por Montserrat Caballé, Norma Lerer, Bernabé Martí y Manuel Ausensi.
La primera representación australiana se presentó en el Theatre Royal de Sídney el 26 de marzo de 1910, protagonizada por Amy Castles.
Entre 1915 y 1920, la cantante de ópera más conocida de Japón Tamaki Miura obtuvo fama internacional por sus representaciones como Cio-Cio San. Su estatua, junto con la de Puccini, puede encontrarse en el Jardín Glover en Nagasaki, la ciudad donde se ambienta la ópera.
Debido a las connotaciones negativas del personaje del teniente yanqui Pinkerton, la ópera fue suspendida en Estados Unidos durante los años de la Segunda Guerra Mundial en el enfrentamiento bélico entre Japón y Estados Unidos.
Butterfly es un hito en el repertorio operístico para compañías de todo el mundo y aparece como la 8.ª en la lista Operabase de las óperas más representadas por todo el mundo.10 la cuarta de Italia y la tercera de Puccini, después de La bohème y Tosca. Ha sido dirigida en los escenarios incluso por directores de cine, como por ejemplo, Ken Russell, Harold Prince y Anthony Minghella, autor de una controvertida puesta en escena en Londres y Nueva York.
Personajes[editar]
Personaje Tesitura
Elenco del estreno17 de febrero de
1904(Director:Cleofonte
Campanini)11
Elenco de Brescia28 de mayo de 1904
(Director:Cleofonte
Campanini)11
Cio-Cio San (Madama Butterfly) soprano Rosina StorchioSolomiya Krushelnytska
Suzuki, su doncella mezzosoprano Giuseppina Giaconia Giovanna
Lucacevska
B. F. Pinkerton, teniente de marina de los EE.UU.
tenor Giovanni Zenatello Giovanni Zenatello
Sharpless, cónsul estadounidense en Nagasaki
barítono Giuseppe De Luca Virgilio Bellatti
Goro, un casamentero tenor Gaetano Pini-Corsi Gaetano Pini-Corsi
Príncipe Yamadori tenor12 Emilio Venturini
El Bonzo, tío de Cio-Cio San bajo Paolo Wulmann 13
Yakuside, tío de Cio-Cio San bajo Antonio Volpini13
El comisionado imperial bajo Viale
El registrador oficial bajo Gennari
Madre de Cio-Cio San mezzosoprano Tina Alasia
La tía soprano Ghissoni
La prima soprano Palmira Maggi
Kate Pinkerton mezzosoprano Manfredi
Dolore ("Dolor"), hijo de Cio-Cio San papel mudo
Parientes, amigos y servidores de Cio-Cio San
Argumento[editar]Lugar: NagasakiTiempo: finales del siglo XIX o principios del XX
"Ancora un passo"
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Cantado por Frances Alda en 1913.
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Acto 1[editar]En 1904, B. F. Pinkerton, un oficial de la Armada estadounidense a bordo del USS Abraham Lincoln, toma una casa sobre una colina en Nagasaki, Japón, para sí y su prometida, la quinceañera Cio-Cio-San, apodada Butterfly. Por intermedio del casamentero Goro, el marino ha arreglado su matrimonio con la muchacha. Ella ve ese vínculo como un compromiso de por vida, pero para Pinkerton sólo se trata de una aventura fuera de su país. Como las leyes de divorcio japonesas son muy laxas, su secreta intención es divorciarse de la joven nipona una vez que encuentre la esposa estadounidense adecuada. La boda tendrá lugar en la casa, y Butterfly está tan animada por casarse con un estadounidense que antes se convierte secretamente del budismo al cristianismo. Su tío Bonzo, un monje budista, descubre la conversión, va a la casa, maldice a la joven y ordena a todos los invitados que se vayan, lo que hacen todos al tiempo que reniegan de ella. Butterfly y Pinkerton se casan de todas formas, y tienen su apasionada primera noche de amor (dúo Vogliatemi bene).
Acto 2[editar]Tres años después, Butterfly está a la espera del regreso de Pinkerton, quien partió a Estados Unidos poco después de la boda. Su criada Suzuki intenta convencerla de que él no volverá, pero ella no la escucha. En un apasionado intento por convencerla de lo contrario, Butterfly canta su gran aria (Un bel dí vedremo). Goro (el casamentero que arregló el matrimonio) sigue intentando casarla de nuevo, pero ella no lo escucha tampoco, pese a la pobreza extrema que atraviesa. Sharpless, el cónsul
norteamericano, llega a la casa con una carta que le ha enviado Pinkerton, en la que le pide que le explique a Butterfly que él volverá a Japón, pero no con la intención de estar con ella. Él comienza a leer la carta pero no puede decidirse a acabarla pues Butterfly se altera demasiado al oír que Pinkerton regresa. Con el fin de prepararla para la verdad, Sharpless le pregunta qué haría con su vida si Pinkerton decidiese no volver jamás. Con seriedad impetuosa, Butterfly responde que sólo podría volver a divertir a la gente con sus canciones, o bien, morir.
Cuando Sharpless trata de convencerla de que se case con el rico Yamadori, un príncipe que la pretende, Butterfly le revela que tuvo un hijo de Pinkerton, producto de su noche de bodas, y argumenta que el marino podrá olvidarla a ella pero no a su hijo. Dado que Pinkerton ignora por completo los hechos, el alarmado cónsul promete informar a Pinkerton del asunto y a la vez trata de persuadir a la joven a casarse con Yamadori. Ella le ordena retirarse, pero el diplomático permanece en la casa y ve cómo Butterfly, desolada, toma al niño en sus brazos y canta su dolorosa aria "Che tua madre dovrá", en la que explica que sin dinero y sin un marido que la proteja ella tendrá que pedir dinero en las calles o cantar; que hará todo menos "ese oficio deshonrado" (que puede interpretarse como prostitución). En su delirio y desesperación la joven dice preferir acabar con su vida. Conmovido, Sharpples pregunta con dulzura al niño su nombre; Butterfly responde por él: "su nombre es Dolor". Sharpples se retira y la joven corre a observar con un catalejo por la ventana hacía el océano. Al divisar la bandera de la nave estadounidense "Abraham Lincoln" (el barco que dirige Pinkerton), siente triunfar su amor por verlo volver y le pide a Suzuki que llenen el espacio con flores de todo tipo, para que la llegada de Pinkerton sea en primavera como él había prometido. Aquí comienzan los pasajes más tristes de la ópera.
Expectantes, Suzuki, Dolore y Butterfly esperan toda la noche la llegada del barco. Al amanecer, Butterfly cae rendida y duerme.
Acto 3[editar]Suzuki se despierta por la mañana; Butterfly duerme. Llegan Sharpless y Pinkerton, junto con Kate, la nueva esposa estadounidense del marino. Han venido porque, al enterarse de la existencia del hijo deciden recogerlo para criarlo en los Estados Unidos. Cuando Pinkerton ve cómo Butterfly ha decorado la casa para su regreso, se da cuenta de que él ha cometido un gran error. Admite que es un cobarde y no puede enfrentarse a ella, de manera que Suzuki, Sharpless y Kate le dan la noticia a ella. Ella se muestra conforme con entregar al niño si Pinkerton viene él mismo a verla. Mientras tanto, ella pide perdón ante una estatua de Buda, se despide de su hijo y le tapa los ojos (Tu tu piccolo iddio). Luego se retira a sus habitaciones y se clava el cuchillo de su padre. Tambaleante, besa a su hijo y muere. Pinkerton se apresura a entrar, pero es demasiado tarde.
Geraldine Farrar.
Arias célebres[editar]
Los pasajes más célebres de la ópera son:
el dúo Pinkerton/Sharpless «Dovunque al mondo» - Acto I el conjunto «Ecco ! Son giunte» (Goro y los amigos de Butterfly) - Acto I el dúo Butterfly/Pinkerton «Viene la sera» - Acto I el coro a boca cerrada - Acto II el aria de Butterfly «Un bel dì, vedremo» - Acto II el aria de Butterfly «Che tua madre dovrà» - Acto II el dúo Pinkerton/Sharpless «Addio, fiorito asil» - Acto III el aria de Butterfly «Con onor muore » - Acto III
Intérpretes[editar]
Claudia Muzio, Toti Dal Monte, Geraldine Farrar, Iris Adami Corradetti y Bidu Sayão fueron las Butterflies preferidas de la generación preguerra.
Desde la postguerra, la más célebre Cio-Cio-San fue Renata Scotto, seguida por Victoria de los Ángeles, Renata Tebaldi, Pilar Lorengar, Anna Moffo, Raina Kabaivanska y Mirella Freni (que nunca lo cantó en escena) en la película de Karajan-Ponnelle.
Pero ni la misma Renata Scotto logró superar a "La Divina" Maria Callas que fue la Butterfly más importante por lo emotiva, dramática, fuerte y portentosa de su grandiosa voz, pero su aspecto físico y belleza de la clásica mujer griega conspiraba contra lo menudo del rol. Lo mismo sucedió con Leontyne Price, Martina Arroyo y Montserrat Caballé, aunque magníficas vocalmente.
En la actualidad la chilena Cristina Gallardo-Domâs y la norteamericana Patricia Racette cosechan grandes éxitos como Butterfly.
Grabaciones[editar]
Audio[editar]
Año
Elenco(Cio-Cio San,Pinkerton,
Suzuki,Sharpless)
Director,Teatro y orquesta
Sello discográfico14
1929
Rosetta Pampanini,Alessandro Granda,Conchita Velasquez,Gino Vanelli
Lorenzo Molajoli,Coro y orquesta de La Scala, Milán
(Grabado por Columbia)Audio CD: ArkadiaCat: 78041
1929–1930
Margaret Burke Sheridan,Lionello Cecil,Ida Mannarini,Vittorio Weinberg
Carlo Sabajno,Coro y orquesta de La Scala, Milán
(Grabado por HMV)Audio CD: Romophone,Cat: 89001-2;Arkadia, Cat: 78030
1939
Toti dal Monte,Beniamino Gigli,Vittoria Palombini,Mario Basiola
Oliviero de Fabritiis,Coro y orquesta del Teatro de la Ópera de Roma
(Grabado por HMV)Audio CD: PearlCat: 929015
1948
Eleanor Steber,Jan Peerce,Suzanne Carré,Richard Bonelli
Eugene Ormandy,Coro y orquesta de Hollywood Bowl(Grabado por una interpretación en el Hollywood Bowl, 3 de septiembre)
Audio CD: Video Artists InternationalCat: VAIA 1220
1949
Eleanor Steber,Richard Tucker,Jean Madeira,Giuseppe Valdengo
Max Rudolf,Coro y orquesta de la Metropolitan Opera
(Grabado por US Columbia)Audio CD: SonyCat: MH2K 62765
1951
Renata Tebaldi,Giuseppe Campora,Nell Rankin,Giovanni Inghilleri
Alberto Erede,Coro y orquesta de la Academia Nacional de Santa Cecilia, Roma
Audio CD: Decca,Cat: 440230
1954
Clara Petrella,Ferruccio Tagliavini,Mafalda Masini,Giuseppe Taddei
Angelo Questa,Coro y orquesta de la RAI de Turín
(Grabado por Cetra)Audio CD: Warner FonitCat: 0927-43551-2
1954 Victoria de los Ángeles, Gianandrea Gavazzeni, (Grabado por
Giuseppe di Stefano,Anna Maria Canali,Tito Gobbi
Coro y orquesta de la Ópera de Roma
HMV)Audio CD: TestamentCat: 2168
1955
Maria Callas,Nicolai Gedda,Lucia Danieli,Mario Borriello
Herbert von Karajan,Coro y orquesta de La Scala
Audio CD: EMI Classics,Cat: 12946,Audio CD: Naxos,Cat: 8.111026-27
1956
Dorothy Kirsten,Daniele Barioni,Mildred Miller,Clifford Harvuot
Dimitri Mitropoulos,Coro y orquesta de la Metropolitan Opera (abreviada)
LP: Metropolitan Opera Record ClubCat: MO 722
1957
Anna Moffo,Cesare Valletti,Rosalind Elias,Renato Cesari
Erich Leinsdorf,Coro y orquesta de la Ópera de Roma
Audio CD: RCA Victor,Cat: 078635414523
1958
Renata Tebaldi,Carlo Bergonzi,Fiorenza Cossotto,Enzo Sordello
Tullio Serafin,Coro y orquesta de la Academia de Santa Cecilia, Roma
Audio CD: Decca,Cat: 452594
1960
Victoria de los Ángeles,Jussi Björling,Miriam Pirazzini,Mario Sereni
Gabriele Santini,Coro y orquesta de la Ópera de Roma
Audio CD: EMI,Cat: 7636342
1962
Leontyne Price,Richard Tucker,Rosalind Elias,Philip Maero
Erich Leinsdorf,Coro y orquesta de Ópera de la RCA Italiana
Audio CD: RCA Living Stereo,Cat: 68884
1966
Renata Scotto,Carlo Bergonzi,Anna di Stasio,Rolando Panerai
John Barbirolli,Coro y orquesta de la Ópera de Roma
Audio CD: EMI Classics,Cat: 67888
1974
Mirella Freni,Luciano Pavarotti,Christa Ludwig,Robert Kerns
Herbert von Karajan,Orquesta Filarmónica de Viena, coro de la Ópera Estatal de Viena
Audio CD: Decca,Cat: 417577
1978
Renata Scotto,Plácido Domingo,Gillian Knight,Ingvar Wixell
Lorin Maazel,Orquesta Philharmonia y el Coro de Ópera Ambrosiano
Audio CD: CBS Masterworks,Cat: 35181
1987
Mirella Freni,José Carreras,Teresa Berganza,Juan Pons
Giuseppe Sinopoli,Orquesta Philharmonia, Coro de Ópera Ambrosiano
Audio CD: Deutsche Grammophon,Cat: 423567
1991
Miriam Gauci,Yordy Ramiro,Nelly Boschkowá,Georg Tichy
Alexander Rahbari,Orquesta Sinfónica de la Radio Checoslovaca, Bratislava
Audio CD: Naxos,Cat: 8.660015-16
2009
Angela Gheorghiu,Jonas Kaufmann,Enkelejda Shkosa,Fabio Capitanucci
Antonio Pappano,Orquesta y coro de la Academia Nacional de Santa Cecilia
Audio CD: EMI Classics,Cat: 456215-2
Vídeo[editar]
Año Elenco(Cio-Cio San,
B.F. Pinkerton,Suzuki,
Director,Teatro de ópera y orquesta
Discográfica
Sharpless)
1956
Anna Moffo,Renato Cioni,Miti Truccato Pace,Afro Poli
Oliviero De Fabritiis,Coro y orquesta de la RAI de Milán
DVD: VAI
1974
Mirella Freni,Plácido Domingo,Christa Ludwig,Robert Kerns
Herbert von Karajan,Orquesta Filarmónica de Viena y coro de la Ópera Estatal de Viena(Película— dirigida por Jean-Pierre Ponnelle)
DVD: Deutsche GrammophonCat: 00440 073 4037
1986
Yasuko Hayashi,Peter Dvorský,Hak-Nam Kim,Giorgio Zancanaro
Lorin Maazel,Coro y orquesta de La Scala, Milán
DVD: Art Haus MusikCat: 100 110
2004
Daniela Dessì,Fabio Armiliato,Rossana Rinaldi,Juan Pons
Placido Domingo,Festival Puccini, Torre del Lago - Orquesta y coro Città Lirica
DVD: DynamicCat: 33457
