La Libertad Guiando al Pueblode

Delacroix

AUTOR:

Ferdinand Eugéne-Victor Delacroix (1798-1863).

(Autorretrato)

CRONOLOGÍA:

1830.

LOCALIZACIÓN:

Museo del Louvre.París (Francia).

Patio de Napoleón y pirámide de acceso.

Patio de Napoleón y pirámide de acceso

Patio cuadrado del Louvre(realizado por Pierre Lescot en el siglo XVI).

Patio cuadrado del Louvre (relieves de Jean Goujon, siglo XVI).

Columnata del Louvre (realizada por Pierre Perrault en el siglo XVII).

El Louvre (propuesta de Bernini en el siglo XVII).

Columnata del Louvre (propuestas de Bernini, siglo XVII).

Arco de Triunfo del Carrousel

Jardines de las Tullerías

Jardines de las Tullerías

Etapas en la construcción del Louvre

Fortaleza de El Louvre en época tardomedieval.

El Louvre en época renacentista (El patio cuadrado, proyectado y realizado por Pierre Lescot en el siglo XVI) .

El ala sur comunicaba en el siglo XVI el palacio del Louvre y el Palacio de las Tuillerías.

Ala sur

Tuillerías

Louvre

El Louvre unido al desaparecido palacio de las Tuillerías.

Palacio de las Tuillerías

El palacio de las Tuillerías, en el espacio que hoy se abre los jardines del mismo nombre.

ESTILO:

Romanticismo.

DIMENSIONES:

260 cm de ancho x 325 cm de alto.

MATERALES Y TÉCNICA:

Óleo sobre lienzo.

TEMA: El tema de la obra es la insurrección burguesa que tuvo lugar los días 27,

28 y 29 de julio de 1830 (denominadas «las Tres jornadas gloriosas»). Es una de las revoluciones burguesas, y más concretamente la que puso fin al terror blanco tras los dieciséis años de la restaurada la monarquía borbónica, encarnada en el ultraconservador Carlos X, que fue expulsado del trono y sustituido por Luis Felipe de Orleans, el llamado Rey burgués, con lo que se consumó el acceso al poder de la burguesía liberal, aunque no se instauró la república. Delacroix estuvo del lado de los revolucionarios, es más, él mismo se ha representado en el cuadro como el hombre que lleva el sombrero de copa negro y que se encuentra entre los combatientes y en primera fila.

La revuelta se inició el 27 de julio como protesta contra una serie de ordenanzas que restringían libertades ciudadanas (supresión del Parlamento, restricción de la libertad de prensa, …). En esa noche jóvenes republicanos se pusieron al frente de la insurrección y ya de día se elevaron barricadas (de hecho al cuadro se le conoce también como La Barricada). El día 29 los revolucionarios eran dueños de la ciudad. La revuelta rebasó las fronteras de Francia y dio lugar a levantamientos similares, de lucha contra los monarcas reaccionarios o de liberación nacional (como los belgas sublevados contra los holandeses), en varios países europeos.

Según G. C. Argan nos encontramos ante el primer cuadro político de la pintura moderna, pues en su opinión la historia contemporánea es la lucha política por la libertad. Libertad que, según este mismo autor, estaba ligada indisolublemente en aquella época al concepto de Patria (Nacionalismo unido a Liberalismo). De ahí que la figura central de la mujer, que es alegoría de la libertad, lo sea también de la nación. Hemos de recordar que la lucha por la libertad y por la nación (el nacionalismo) es una constante en los románticos. El mismo autor trata idéntico tema en otras obras como La matanza de Quíos y Grecia sobre las ruinas de Missolonghi, cuadro éste último en el que la nación aparece igualmente representada por una mujer (en este caso con el pecho sin descubrir totalmente) y que además refleja un episodio de la lucha del pueblo griego por su liberación del yugo turco, en el que pereció (colaborando con el bando griego) el gran poeta romántico Lord Byron.

DESCRIPCIÓN: Hay una estructura en forma de pirámide con los muertos por

la libertad en la base y la libertad en la cima sosteniendo en la mano derecha la bandera tricolor y en la mano izquierda un rifle. El ligero pincel de Delacroix y la fuerza luminosa de sus colores exaltan la vitalidad de sus cuadros. Para aumentar la tensión y el movimiento añadió contrastes complementarios junto a la oposición de los claroscuros. El color para Delacroix no solo tenía un valor de representación, sino sobre todo un significado emocional propio, con el que el pintor intentaba plasmar sobre el lienzo el sentimiento y la disposición de ánimo de las personas. De fondo se ve el cielo de París tormentoso (otra característica romántica). Se utilizan colores pálidos con pinceladas sueltas destacando el azul, el rojo y el blanco de la bandera.

PERSONAJES: En el lienzo aparecen representadas distintas edades y clases sociales, jóvenes,

adultos, clase obrera, burgueses y soldados hasta campesinos y obreros, para manifestar que en el proceso revolucionario existió una amplia participación.

Aparecen defendiendo a la Libertad que, como ya se ha dicho, en este caso se identifica también con Francia y es representada como una mujer empuñando un fusil de la época (rasgo realista) y con el pecho al descubierto, hecho este último que escandalizó a críticos y a parte de la sociedad de la época. Entre los muertos del primer plano (abajo, a la derecha del espectador) aparecen también soldados leales a Carlos X. Su anatomía es perfecta.

El personaje del sombrero, el más cercano a la mujer, es un burgués, en el que se autorretrata Delacroix a pesar de que no participó en los hechos. En una carta fechada el 18 de octubre de 1830 escribió a su hermano: "He comenzado un cuadro de tema moderno, una barricada... y, si no he luchado por la patria, por lo menos pintaré para ella". Aunque, como era habitual en los románticos, Delacroix criticaba a la pequeña burguesía por su estrechez de miras, él mismo procedía de una familia de la alta burguesía y frecuentaba los salones y los ambientes de las altas esferas burguesas. Por otra parte, así como fue revolucionario en 1830, adoptó una postura contrarrevolucionaria en 1848, en la que comienza a emerger la clase obrera (ese año Marx publica su Manifiesto Comunista). En cualquier caso como ocurrió con David, fue un autor políticamente comprometido.

La figura de la Libertad (que recuerda a algunos la Venus de Milo y a otros la Victoria alada de Samotracia) porta dos símbolos revolucionarios: el gorro frigio y la bandera tricolor, que el nuevo régimen (a pesar de ser monárquico) adoptó nuevamente. En segundo plano, a la derecha del espectador, encontramos Notre-Dame de París, en una de cuyas torres ondea la bandera revolucionaria, quizás para afirmar el sometimiento de la iglesia, que había sido uno de los apoyos de la restauración borbónica.

COMPOSICIÓN: Es estrictamente clásica: las figuras se distribuyen de arriba abajo, en

una pirámide cuya base está formada por los caídos. La escena se divide en dos mitades, a ambos lados de la mujer.

La composición del cuadro es claramente piramidal, presentando muchas coincidencias con La Balsa de Medusa de Géricault, obra en la que posiblemente se inspira. Al igual que en la balsa, «el plano de apoyo es inestable, construido con vigas inestables (la barricada), y de esta inestabilidad nace y se desarrolla in crescendo el movimiento de la composición» que acaba culminando en una persona que agita algo, en el caso de la balsa un harapo y en este una bandera. Los dos muertos en primer término también guardan un cierto paralelismo con los cuerpos sin vida en primer plando de la obra de Géricault. Incluso, las piernas alzadas del difunto de la izquierda parecen inspirarse en las del muerto del lado opuesto de La Balsa. No obstante, este mismo autor señala que aunque hay similitudes, también hay diferencias, y así en mientras que en la obra de Géricault el movimiento es de delante hacia atrás, en la Libertad es todo lo contrario (hacia el espectador). Cuadros de Goya como La carga de los mamelucos o Los fusilamientos del 3 de mayo, parecen también haber influido en esta obra, por las asimetrías, las diagonales y los estallidos de color.

PERSPECTIVA, LUZ Y COLOR: La sensación de perspectiva está presente en la obra gracias a los edificios del

fondo y a la multitud, que se va alejando y reduciendo en tamaño al fondo del lienzo. La línea del horizonte es algo inestable, sería la línea imaginaria entre las cabezas de la multitud al fondo del cuadro, que se difuminan con el humo y los edificios del fondo del lienzo. Los tres elementos (bandera, camisa del muerto de la izquierda y vestimenta del herido que se alza frente a la Libertad) forman una línea recta imaginaria que forma un eje central. Las figuras principales se enmarcan dentro de una pirámide que asciende en el vértice de la cual el eje central es la Libertad y los dos muertos en primer término cierran el triángulo.

La luz del cuadro es irreal, ilumina la Libertad con la bandera tricolor, una parte del cuerpo del niño que hay a su lado, al moribundo de la chaqueta azul, al muerto del margen inferior izquierdo y las manos y media del hombre del sombrero de copa. En este caso la luz y el color tienen un objetivo en común: potenciar el movimiento. La luz se convirtió en una verdadera obsesión en la trayectoria de Delacroix. En esta obra, estalla en la blusa del cuerpo caído en primer término, envuelve la figura de la mujer y se disuelve entre el humo y las casas del fondo, insinuado con breves pinceladas que funden la atmósfera y el humo de la pólvora.

Las pinceladas muestran una gran desenvoltura y ondulación. El rojo y el azul de la bandera, de la vestimenta del herido que se alza delante de la Libertad, y de la camisa del muerto de la izquierda resaltan por encima de todo el predominio de las tonalidades ocres y grises del conjunto. Los grises y terrosos son un homenaje del autor a Géricault, uno de sus maestros. En vez de colores planos, prefiere la vibración de tonos combinados con pinceladas sueltas.

MOVIMIENTO: Es uno de los elementos que caracterizan el cuadro, que refleja la ruptura

que supuso el Romanticismo con las convicciones del Neoclasicismo. Todas las figuras y objetos están recorridos por el temblor y la tensión revolucionarios. La obra está impregnada de movimiento no solo por los gestos dramáticos de los personajes, y por la composición en diagonales, sino porque los del primer plano avanzan sobre la quietud de los muertos que se encuentran en la base de la composición y todas las formas muestran ondulaciones que ponen de manifiesto la admiración del autor por Rubens. Por otra parte la luz lo refuerza, pues es una luz dramática y compleja, con zonas iluminadas y otras en penumbra, pero cuyo origen no se vislumbra. La figuras del primer plano aparecen iluminadas por un foco lateral, pero a su vez se recortan a contraluz sobre un fondo encendido, humeante y nuboso, que dota de más inquietud a la composición. No obstante, ese tenebrismo aludido no da como resultado figuras homogéneas en tonos de bronce –como en Caravaggio-, pues incorpora con gran maestría más fuerza y variedad cromática, como por ejemplo el azul de la bandera o de la camisa del personaje que postrado mira fijamente a la Libertad. Lo que pone de manifiesto que Delacroix domina también el color, del que fue un fino estudioso.

FUNCIÓN: El cuadro es de gran contenido revolucionario, un gran

icono. Marca el momento en que el movimiento romantico abandono las fuentes de inspiración historicas antiguas para integrarse en la vida contemporanea. Es tambien uno de los antecedentes historicos del realismo, por su intención crítica y su crudeza visual, y la primera composición pictorica política. La obra, una verguenza para los conservadores, fue comprada en 3.000 francos con destino al Museo Real, que la oculto al público por su caracter revolucionario.

SIMBOLISMO: Es este un cuadro de gran contenido político. No solo es una de las obras

mas importantes de este pintor, sino una obra cumbre del romanticismo y un símbolo de las revoluciones burguesas.

La mujer representa la libertad, aparece con el torso desnudo y porta la bandera tricolor en su mano derecha y un arma en la izquierda. Su figura se ha convertido en la alegoría de la República Francesa. Según la critica de la época, su vestido desgarrado, su piel sucia e, incluso, el ligero vello que aparece debajo de la axila demostrarían que la protagonista del cuadro es una mujer del pueblo llano. Delacroix eligió como modelo las estatuas de Venus del mundo grecorromano.

Junto a la figura alegórica de la Libertad, se dan otros detalles tremendamente realistas como puede ser el pubis desnudo de la persona muerta que hay en primer plano, abajo a la izquierda (obrero de la camisa blanca). ¿Es un cuadro alegórico o histórico? No parece que sea ninguna de las dos cosas, por cuanto que lo único alegórico es la figura de la mujer-libertad-patria y tampoco representa un hecho concreto real. Théophile Thoré elogió la obra y refiriéndose a la mujer dijo: «¿Es una muchacha del pueblo? ¿Es el genio de la libertad? Es ambas cosas [...] La verdadera alegoría debe tener el doble carácter de ser una figura viviente y un símbolo».

VALORACIÓN: Es este un cuadro de gran contenido político. No solo es una de las

obras mas importantes de este pintor, sino una obra cumbre del romanticismo y un símbolo de las revoluciones burguesas.

La perfecta combinación de tema, movimiento, luz y color, junto a una pincelada suelta que en los planos posteriores (por ejemplo, los combatientes de detrás de la mujer) recuerdan a Goya, determinan que nos encontramos ante una obra y un autor de una tremenda trascendencia en la pintura contemporánea. Por otra parte su maestría en ordenar grandes composiciones como La muerte de Sardanápalo o la de esta obra, es también evidente. Delacroix, que tuvo una formación neoclásica, reaccionó contra el academicismo y llegó a convertirse en el culminador del romanticismo del que su amigo Géricault (tempranamente muerto) fue iniciador. Con Delacroix se produce una ruptura con la herencia clásica a consecuencia de la cual, el arte deja de mirar hacia lo antiguo y empieza a plantearse el ser, a toda costa, de su propio tiempo.