Norman Mc Laren(1914 -1987)

orman Mc Laren animador y director de cine, terminó sus estudios en 1932 en Glasgow School of Fine Arts de Londres, luego se incorporó a la Glasgow Film

Society, ya a los 19 años mientras cursaba en la escuela de arte, se veía interesado por la animación, pero comenzó su trabajo profesional durante los años ’30, en la General Post Office Film Unit, en Londres, periodo en donde los el cine ya había alcanzado grandes avances, (la incorporación del sonido al film de forma sincronizada, el technicolor, las tomas en cámara lenta, entre otras), Mc Laren se dió cuenta de la importancia del séptimo arte como medio de expresión por lo que aprovecho dichos recursos decidió experimentar con ellos y explotarlos, comenzó entonces a animar sin cámara pintando directamente sobre negativos, o raspando la emulsión de la película logrando así nuevas técnicas y destacándose como un visionario, un tanto surrealista, abstracto por momentos, todo un artista del color, la música y el movimiento.

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Durante la Guerra Civil Española Mc Laren trabajó como camarógrafo. Un fuerte interés en el socialismo, por su admiración y estudio del trabajo de los grandes maestros rusos Eisenstein y Pudovkin, hizo que se uniera al plantel comunista y le llevo a trabajar en 1936 para el bando republicano, realizó trabajos como cartógrafo, filmó varios bombardeos del bando franquista, en ocasiones desde la perspectiva de los niños. Tras su mala experiencia en los escenarios bélicos y ver la amenaza de la Segunda Guerra Mundial se traslada a New York (1939), donde trabajo algunos años haciendo películas, mas tarde en 1941 volvió a Canadá para unirse a John Grierson y fundar National Film Board de Canadá (NFB organización pública canadiense cuyo el objetivo consiste en producir y distribuir películas para promover el país en todo del mundo) al principio de esta nueva etapa Mc Laren aplicó algunas de sus técnicas experimentales aportándole a estas películas documentales cierta cuota de comicidad a través de “fantasías”, además de desarrollar enormemente su carrera. Sus experimentos causaron tal repercusión que el instituto decide fundar un departamento exclusivo de dibujo animado, donde sus colegas de NFB le construyeron un dispositivo cinematográfico: un sistema especial de cámara y proyector para que pudiera experimentar sin límites. De esta época, en Canadá, se destacan también los Films: "V for Victory"(1941), "Five for five"(1942), “Neighbours” (1952) y "Dollar Dance" (1943), donde se hace mención el tema de la guerra.

Mc Laren explora las posibilidades de la animación en relación con la música y el color mediante el uso de diversas técnicas: stop-motion, animación con actores (método al que bautiza como pixilation que inaugura con el corto “Neighbours”, (ganador del Oscar en 1952), dibujo directo en celuloide, y raspado del mismo, como lo hizo en “Addler de Dee” (1947) donde tomo una cinta de una película vieja y comenzó a rasparla y a pintar con tinta sobre ella, como resultado obtuvo “colores danzantes” y a partir de ahí hizo una interpretación de la música. De esta época datan también “Boogie Doodle” (1940), “Hen Hop” (1942) y “Begone Dull” (1949),” Blinkity Blank” (1955), “Canon” (1964), entre otros, películas en las que busca y de hecho logra de maneras maravillosa, hacer visible el sonido interpretándolo con formas simples, (salvo en “Cannon” donde utiliza personas), que en su ritmo de aparición y su metamorfosis representan distintos sonidos y en su accionar constituyen una sinfonía. En 1951, realizó los primeros films tridimensionales: " Around is around" y "Now is the time". Su sentido del movimiento lo hizo aplicar la animación a todo lo que le fuera posible, utilizó como personaje a una silla en "A chairy tale” (1957).

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La danza fue otro elemento de exploración, y en sus últimos años realizó tres cortometrajes, con la participación de destacados bailarines: "Ballet Adagio" (1972), "Pas de deux"(1967) y "Narciso” (1983, su ultimo film). En ellos experimentó ralentizar el tiempo quedando visible el desarrollo de cada movimiento creando con estas formas e imágenes de increíble belleza y una dimensión desconocida del ballet.

Junto con Grant Munro, Mc Laren produjo una serie de cinco películas llamada "Animated Motion" (1976-1978) que constituye introducción o curso de cine de animación en el que se analizan los conceptos de tiempo y espacio en las filmaciones cuadro a cuadro.

Entre sus trabajos se encuentran: “Love on the Wing” (1938) “Dots” (1940) “Boogie-Doodle” (1940) “Mail Early”(1941)(NFB) “Two Bagatelles” (1952) (NFB) “Rythmetic” (1956) (NFB) “A Chairy Tale” (1957) (NFB) “Mosaic” (1965) (NFB) “Synchromy”(1971) (NFB) “Also Animated Motion” (1976-1978) (NFB) “Narcissus” (1983) (NFB)

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Saul Bass

(1920 -1996)aul Bass fue un diseñador gráfico estadounidense, reconocido por su trabajo en la industria cinematográfica y en el diseño de algunas de las identidades corporativas

más importantes de Estados Unidos (AT&T, Bell Systems, United Airlines, Alcoa, Minolta, Warner Communications, entre otras). Estudió en el estudio de Artes League en Nueva York y después en el Colegio de Brooklyn, donde tuvo como maestro a Gyorgy Kepes,(diseñador gráfico húngaro que había trabajado con László Moholy-Nagy en Berlín ), este introdujo a Saul Bass estilo Bauhaus de Moholy y al constructivismo ruso, que se refleja en sus trabajos llenos de conceptualismo y abstracción basados en una síntesis de los mensajes visuales con los menores recursos gráficos posibles y también le introdujo al constructivismo ruso.

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Trabajó para varias agencias de diseño de Nueva York, mas tarde trabajó de forma independiente hasta abrir su propio estudio allá por 1950 en Los Ángeles, que por su ubicación próxima a los más importantes estudios de cine le permitió trabajar directamente con la publicidad y la industria cinematográfica. Saul Bass marcó un antes y un después en el cine, fue un pionero en el diseño de títulos y créditos. Hasta el momento que Otto Preminnger contrató a Bass para diseñar el póster y los títulos de The Man with the Golden Arm (1955), los cineastas no le daban mucha importancia a la forma en que estaban colocados los créditos de las películas, se colocaban las placas detenidas o con poco destaque de la información, sin introducirlas del todo en el universo planteado por el film.

Los títulos en “The Man with the Golden Arm” (1955), eran una animación sobre negro de líneas blancas que se cruzaban hasta finalmente formar un brazo. Saul Bass decidió poner el brazo como una imagen poderosa de la idea del film, ya que le serviría de símbolo para el póster y los títulos. Esa imagen minimalista y austera fue bastante fuerte e impactante para el comienzo del film. Luego, en “Anathomy of a Murder” (1959), también de Otto Preminger, hizo lo mismo con la silueta de un cuerpo desmembrado que fue animando hasta completarlo con el título de la película sobre las piernas y el tórax.

Podemos decir entonces que este diseñador supo articular, antes que nadie, los títulos de crédito con la gráfica promocional del film y con el film en sí, introduciendo de alguna manera el concepto de identidad en la comercialización del cine. Enfrentándose con los conceptos establecidos que profesaban la "obligatoria" aparición de las fotos de los protagonistas en los afiches, Saul Bass introdujo diseños abstractos transformando los simples carteles en una nueva forma de expresión artística. Revolucionó el mundo de la gráfica animada al mostrar una vigorosa traslación de la grafica bidimensional a su forma cinética y con la irrupción del estilo moderno de sus carteles para las películas, retando a los de la época. Despojo al diseño grafico estadounidense de la complejidad visual y redujo la comunicación a una imagen pictográfica sencilla.Marcó un estilo abstracto de tipografías manuscritas con una marca personal específica y característica, el conjunto de su obra incluye breves, prodigiosas y estilizadas metáforas y síntesis. La tipografía escogida por Saul Bass en muchos de sus trabajos

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denota una fuerza comunicativa. La integra como parte de la composición, une tipografía hecha a mano con tipografías de imprenta, todo para que la tipografía sirva para representar la expresión de una acción.La base de su trabajo en los créditos de cine esta en el desarrollo del concepto del título, en la aplicación de la retórica sobre este, podemos ver ejemplos muy claros de esto en “Anathomy of a Murder”,” Vertigo” (1958), “Walk on the Wild Side (1962), o en “It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World” (1963).“Mi idea inicial sobre lo que puede hacer un título era establecer la emoción y sugerir el núcleo del tema, para expresar la historia de forma metafórica. Veo los títulos como una forma de condicionar a la audiencia, para que cuando empiece la película el espectador ya esté emocionado con ésta” (Saul Bass.)Otra característica esencial de las obras de Bass se encamina hacia la síntesis del mensaje: comunicar una idea con la menor cantidad de recursos. Sus técnicas son variadas y sencillas: recortes animados, montaje, acción real y diseño de nombres. Como por ejemplo en la apertura para West Side Story, es un sólido bloque de color que varía de acuerdo a la insinuación.

Las secuencias de títulos comenzaron a integrarse con la ficción, expresadas mediante un juego gráfico, las imágenes deben simbolizar la película, para lo cual sus técnicas son muy variadas; elementos tipográficos, animación “cut-out” (demostrando su estilo de síntesis grafica y económica, en colores rojo, negro y amarillo, influencias directas del constructivismo ruso), y secuencias reales, entre otras tantas; todas ellas cargadas de fuerza, color y movimiento. A pesar de las diferencias entre una secuencia de título y otra, el estilo de Bass es perceptible en cada una. Creó animaciones de recortes y montaje pero también de acción real y supo utilizar las posibilidades emocionales de la imagen unida a la música hasta el punto que ésta forma parte indivisible de los títulos de crédito que diseñó.

Podemos decir entonces que Saul Bass revolucionó el mundo de la gráfica animada al mostrar una vigorosa traslación de la grafica bidimensional a su forma cinética, logró la simbiosis perfecta entre el diseño grafico y el cine.

Entre sus trabajos se encuentran: “Carmen Jones” (1954) “Around the World in Eighty Days” (1956) “Psyco” (1959) “Ocean's Eleven” (1959) “The Word of the Roses” (1989) “Cape Fear” (1991) “Casino” (1995)

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Kyle Cooper(Julio de 1962)

yle Cooper, diseñador gráfico y director de arte, estudió en la Universidad de Yale, y comenzó su trabajo como profesional en R/Greenberg Associates NY, luego se

trasladó a Los Ángeles, para desempeñarse como director creativo de R/Greenberg Associates LA. En 1996 fundó Imaginary Forces y en 2003 Prologue Films donde trabaja en la actualidad. Es considerado como uno de los sucesores de Saul Bass ya que con sus trabajos renace la valoración de los títulos y créditos en las películas. Cooper ha sido el uno de los primeros en sacar partido de las posibilidades digitales en este campo, esta ha sido la clave de su trabajo, la utilización de un software digital como una herramienta más, pero no por ello se ve limitada la creatividad y la originalidad, la capacidad de experimentar con nuevos materiales y técnicas.

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Todos los títulos de crédito realizados por Cooper, son identificables por su personal manera de trabajar, donde los títulos se conectan con el film por medio de la adaptación de la estética general de este último, convirtiendo los títulos de apertura en un prólogo de la película de manera que parecen ser parte de la pieza aunque no lo son, es decir que, nos introduce poco a poco “precalentando la mirada” a lo que viene.

Cooper se propuso romper elementos como luz, oscuridad, distancia, el balance del color y la profundidad generando espacios alternos donde comunicar. La tipografía es un mecanismo que también funciona como imagen. Trabaja las imágenes detalladamente para lograr las sensaciones en el espectador desde el inicio. Busca símbolos y juega con las imágenes, dándoles algún aspecto de la historia que está faltando de la película o tal vez enfatizar algo de la misma.

Las formas en que Cooper aborda su trabajo son variadas, utiliza técnicas de animación digital 3D donde las escenas están construídas completamente por ordenador, con un lenguaje ligado a lo tecnológico como en el caso “Superman Returns (2006)” o ”Spiderman” (2002); entre otras, también utiliza la superposición de imágenes y texturas marcando los tiempos y el ritmo del audio empleado (acá también existe una superposición de música y efectos de sonido) y son en estos casos en los que el potencial de sus piezas esta en su aspecto de collage, tal es el caso de “Seven” (1995) y “Mimic” (1997), se trata de un diseño orgánico, manual, en donde que texturas y las imperfecciones conviven con la infalibilidad de las computadoras.

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Cabe destacar como una de las constantes en su trabajo el dinamismo que se le da a los elementos que por lo general son imágenes existentes, de episodios anteriores, partes de la saga o simplemente imágenes que no tienen una vinculación directa con el film, pero si una relación en la temática como en “Dawn of the Dead” (2004); así como también ante todo destaca la función de los títulos de presentación o los créditos finales, porque pese a la incorporación de imágenes en estas piezas el texto tiene el protagonismo correspondiente dado que se encuentra enriquecido tanto desde la fuente, la incorporación a la escena (a lo que va pasando de fondo), su adaptación al estilo del film, como en su organización en el espacio.

Su obra influida por el posmodernismo, corta con las reglas del buen diseño inculcadas por el modernismo en el que hay un orden y uso tipográfico legible. No le importa destruir una tipografía si eso marca el clima de la película, o colocar una imagen borrosa si eso da alguna expresión. Trabaja según un concepto que trata de potenciar al máximo, fijándose en cada detalle que enfatice esa idea. No solo trata de informar sino de marcar sensaciones sobre la persona que ve sus títulos.

Entre sus trabajos se encuentran: “ The Island of Dr. Moreau” (1996) “Flubber” (1997) “The Mummy” (1999) “Zoolander” (2001) “Spider-Man” (2002, 2004, 2007) “Godzilla: Final Wars” (2004) “The Incredible Hulk “(2008) “The Orphan” (2009) “Sherlock Holmes” (2009) “Final Destination” (2011) “Rango” (2011) “American Horror Story” (2011)

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Michel Gondry(Mayo de 1963)

ichel Gondry nació en Versalles, Francia. Es director de cine, de anuncios publicitarios y vídeos musicales, reconocido por su innovador estilo visual y su

manipulación de la puesta en escena. En el medio de superproducciones llenas de efectos especiales realizados con los últimos avances tecnológicos Gondry se aleja un poco para crear cine de cuentos cotidianos, de trucos artesanales, de sueños y de fantasías visuales. Y aunque el uso de la tecnología sea imprescindible para la creación de sus piezas, ya sea en la edición como en la combinación de técnicas visuales, el trabajo artesanal aparece como su impronta, la creación de escenografías, y el uso de herramientas de teatro, para obtener ilusiones ópticas, que si bien se pueden obtener por medio de efectos especiales el prefiere traer aquellos ingeniosos recursos utilizados en los principios del cine para lograrlo como en el videoclip de Björk “Bachelorette” (1997).

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Su trabajo en la realización de videos musicales comenzó con los videos para la banda de rock francesa Oui Oui, de la cual era también baterista. El estilo de sus vídeos llamó la atención de la cantante Björk, quien lo contrató para dirigir el vídeoclip de su canción “Human Behavior” (1993).

Desde sus primeros videoclips, se puede observar el perfil de su trabajos: osados puntos de vista, alteración de la dimensión natural de las cosas, desestructuración del espacio y del tiempo, repetición de los objetos, mezcla de lo real y lo ficticio, además de la exploración en todo lo vinculado a mente y las proyecciones del universo onírico jugando con las apariencias, las ilusiones y lo infinito.

Fue el precursor en la utilización de la técnica conocida como bullet time, técnica en donde varias cámaras capturan una imagen de algo o alguien desde distintas perspectivas al mismo tiempo y posteriormente se edita de manera que en la toma simule que el objeto esta detenido en tiempo y espacio mientras que lo que se mueve es el punto de vista del observador. Esta técnica se la puede observar en el video “Like a Rolling Stone” (1995) en la versión que la banda Rolling Stones hicieron del tema de

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Bob Dylan. Inventó un tipo de técnica de morphing especial en la que utilizan dos cámaras, y se intenta reproducir la visión estereoscópica para crea el efecto de que el fondo está adherido a la piel de la figura, un efecto que, además, transmite a la perfección la noción de una mirada yonqui. Su exquisito gusto por la imagen, (siempre con la intencionalidad de aportar algo nuevo), su capacidad de invención y su carácter despierto lo han llevado a la utilización de técnicas innovadoras y de vanguardia. Las imágenes de ciertos videoclips son lo más parecido a una percepción tetradimensional (observar desde un lugar no regido por los parámetros arriba/abajo, izquierda/derecha, atrás/adelante), sintetiza múltiples puntos de vista en una sola imagen; sus personajes se muevan al margen de los clichés y repeticiones en dimensiones y situaciones extrañas, a la vez humanas, convirtiendo así cada una de las historias en algo inverosímil.

Un recurso que emplea bastante en la creación de videos musicales es la prioridad de la representación de la música por encima de la letra de la canción, el ritmo esta visualmente marcado con la repetición de elementos, y el espacio físico donde se van ubicando los objetos tiene la función de transcurso de la canción ejemplos de esto son: el videoclip de The White Stripes “The Hardest Button To Button” (2003) donde la percusión se marca con la aparición de la baterista haciendo sonar su instrumento, y cada golpe es sucedido por el siguiente quedando marcado con una replica de la batería atrás, de esta forma con la repetición de los instrumentos se hace un recorrido por la ciudad en la duración de la canción; el video de Mia Doi Todd “Open Your Heart” (2010) acá los elementos repetitivos para marcar el ritmo de la música son personas, junto con el color de sus prendas, y sus movimientos creando además una puesta en escena bastante lúdica de baile y coreografía. Y es admirable en estas piezas la precisión con la que trabaja, todo esta medido y coordinado para que nada este fuera de tiempo.Es también recurrente la temática del sueño, en donde a menudo los protagonistas se encuentran dormidos (ej.“Hyperballad”1996, Björk), se acaban de despertar (ej.“Sugar Water”1996, Cibo Matto), o están soñando (ej.“Let Be Forever”1999, The Quemical Brothers), tal ves como un método que le permite a Michel Gondry trabajar de manera experimental, “…la justificación para poder jugar libremente con las herramientas del apararato cinematografico”. (Fátima de los Santos Romero, “El artificio estético de un Soñador: Michel Gondry”)

Entre sus trabajos se encuentran:

Videoclips

“La Tour De Pise” (1993) Jean François Coen “Bachelorette” (1997) Björk

“Everlong” (1997) Foo Fighters

“Dance Tonight” (2007) Paul Mc Cartney

“Come Into My World” (2002) Kylie Minogue

“Star Guitar” (2002) The Quemical Brothers

“Walkie Talkie Man” (2004) Steriogram

“King of The Game” (2006)Cody Chesnutt

“Crystalline”(2011)Björk

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Cine

“Be Kind Rewind “("Rebobine,por favor" o "Rebobinados",2008) “La science des rêves”(La ciencia de los sueños, 2006) “Eternal Sunshine of the Spotless Mind ” (2004) “Human Nature” (2001)

MK12 (Desde 2000)

n el año 2000 en Kansas City se fundó MK12, un estudio de diseño y realización cinematográfica colectiva conformada por artistas plásticos, diseñadores gráficos y

otros profesionales, entre los que se encuentra Matt Fraction, Ben Radatz, (diseñador/compositor Shaun Hamontree) y Chad Perry, entre otros. Su estilo se adapta al diseño de títulos de cine, secuencias de juego, de promoción, videos musicales por ejemplo “Agenda suicide”(2001) The Faint

E, los proyectos de la red y la publicidad, entre otros esfuerzos creativos. Trabajan constantemente desafíando los límites entre la estructura narrativa y narración experimental a través de yuxtaposiciones de acción en vivo, diseño gráfico, nuevas tecnologías y técnicas antiguas para lograr resultados tan sorprendentes. Y es por este tipo de trabajo que MK12 se convierte en uno de los estudios de animación más interesantes del mercado actual.

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Podemos observar en sus trabajos el empleo de fotografías, misceláneas animadas, motion graphics (interacción de elementos gráficos, con videos, animación y sonidos para crear una sensación se movimiento), infografías, rotoscopía (técnica cinematográfica donde se trata de redibujar imagen real en movimiento para convertirla en animación) y tipografía herramienta principal. Mediante un lenguaje híbrido (fotos, 2d, 3d, gráficas, etc.), el estudio crea una nueva lectura de la realidad descontextualizándola, deformándola o simplificándola. Se toma la imagen de la realidad y se la redibuja, se hace una abstracción, se la cambia de plano, etc., para resignificarla y que actúe de otra manera. El uso de diferentes tipos de tecnologías hace que el movimiento se perciba de diversas formas, algo que se hace evidente en sus producciones.

Este estudio se desenvuelve entre un estilo experimental y artístico sobre el que se apoya, como bien se dijo, en las diferentes técnicas de cada profesional dentro de los integrantes que resulta beneficioso para realizar piezas de diferentes formatos, permitiéndoles aplicar conceptos de animación (sustitución, intencionalidad, aceleración), de cine (movimientos de cámara, espacio y tiempo fílmicos, encuadres, etc), musical (ritmo, dinámica) y de arte (las técnicas y conceptos contemporáneas, teoría del color, etc). Para caracterizar la estética que los define, recurren a lenguajes eclécticos y lo híbrido. Dentro de lo ecléctico encontramos la yuxtaposición, que consiste en emplear en una misma expresión múltiples fuentes de elementos. Se basa en el manejo de diversos planos que al sobreponerse transforman a cada una de las capas dándole un significado distinto a la composición final. La decisión de ofrecer variedad o uniformidad depende de que en determinado aspecto del diseño tenga que ser destacado o no.

Entre sus trabajos se encuentran: “Refrest 2000”(2000) “Infinity”(2001) “Brazil”(2002) “Auctionhaus I-IV”(2005) “Common-go”(2005) “Stranger than fiction” (2006) “Moosehead beer – Series”(2009) “Telephoneme”(2010)

Re Nascent(Desde 2002)

enascent es el nombre del estudio de Joost Korngold, un diseñador gráfico holandés, que se graduó en la Escuela de diseño Gráfico en 1999, con título en

diseño grafico y diseño industrial. Ha trabajado como diseñador de nuevos medios, de R

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gráficos en movimiento y de gráfica estática para un gran número de empresas. Participa en una nueva ola de jóvenes creadores que han evolucionado a partir del diseño a una estética electrónica futurista.

Korngold se dedicó a trabajar en agencias de diseño tales como FCI. En ese tiempo creó RENASCENT como una salida creativa que luego se convertiría en su propia compañía en el 2002.

Teniendo estos datos en cuenta, cuando vemos su obra entendemos un modo particular de trabajar en ella: la apariencia visual se caracteriza por un caos controlado. Tiene las características estilisticas de un movimiento arquitectónico que surge en la década de 1980 llamado deconstructivismo ( también llamado deconstrucción) que se caracteriza por la fragmentación, el proceso de diseño no lineal, el interés por la manipulación de las ideas de la superficie de las estructuras y, en apariencia, de la geometría no euclídea, (por ejemplo, formas no rectilíneas) que se emplean para distorsionar y dislocar algunos de los principios elementales de la arquitectura como la estructura y la envolvente del edificio, la forma de los edificios de la escuela deconstructivista se caracteriza por una estimulante impredecibilidad y un caos controlado.

El nombre del estudio también deriva del constructivismo ruso que existió durante la década de 1920 de donde retoma alguna de su inspiración formal. Como para confirmalo de algún modo, en su página web aparece una cita de Victor Hugo que dice;“ Poner las cosas en balance es bueno, pero ponerlas en armonía es aun mejor”. Esto nos da pie para asociarlo a la escuela suiza y, teniendo en cuenta las características del diseño postmoderno, poder entender esto del “caos controlado” como una reversión de los referentes (por ejemplo, Muller Brockman).

Renascent se vale de la idea de deconstrucción: En los videos, la construcción y deconstrucción no se observan a través de elementos que son animados armándose y desarmándose continuamente, sino que se materializan en partes dispuestas en el campo visual, construyen un todo gracias a los movimientos que realiza la cámara alrededor de este todo.

La cohesión estética esta dada por el uso de un repertorio formal construído íntegramente en 3d combinado a veces con acción en vivo (filmada). Como ventaja, puede trabajar los elementos al máximo nivel de detalle, mostrar sus partes, y su totalidad. Lo interesante es que si bien, los objetos aparecen tal como en la realidad, hay una intención de mirada que se aleja de lo común, es decir, en cierto momento del clip, se llevan al límite del reconocimiento morfológico (lo mismo sucede con la tipografía, por ejemplo: en los títulos de la película “Odyssey in Rome”). Esto tiene que ver con su forma de trabajar deconstructiva, el poder mostrar una totalidad pero a través de sus partes.

Sus trabajos, más que nada, como motion graphic designer, incluyen una representación abstracta de las formas, generando una idea de materialidad muy fuerte, en tanto que las cosas representadas se ven como fuertes objetos, que se quieren tocar combinado con otros elementos. Esto le permite trabajar al detalle los objetos y controlar sus partes como su totalidad a su parecer.

Uno de sus objetivos es crear visualizaciones del sonido, esto significa encontrar una morfología sonora que generara sus piezas. Presta especial atención al diseñar el sonido, logra que no sea un audio que lo pegaron de fondo, trata que sea parte integral y coincida con la forma de hablar de la imagen en movimiento. Son utilizadas también voces u otros efectos, dentro del sonido musical principal que acompañan a los cambios de movimiento, explosiones de imagen, etc. Maneja el audio como conjunto integral con la imagen en movimiento, para que se acompañen.

Influenciado por las escuelas suiza y holandesa (1910 a 1970), se basa en varios preceptos de éstas como el uso de una rejilla modular que dota al diseño de coherencia y estructura interna, el empleo de las tipografías de palo seco y disposición de

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asimétria de los distintos elementos, la organización del espacio utilizando imágenes de formas planas y elementos representativos evolucionados hacia una abstracción, geométrica pura. Comparten la asimetría en las composiciones, que le aporta un fuerte dinamismo a la pieza, la austeridad de las formas y la coherencia y estructura del trabajo.

El estudio crea un clima tecnológico y futurista mediante su reconocido trabajo vectorial. La estética de sus producciones es a base de síntesis con colores oscuros, no planos, trabajados con luces y sombras emulando superficies metálicas, líquidas o de cristal. Los materiales son sólidos, sin texturas, brillantes, traslucidos, etc. Los objetos se construyen y deconstruyen dentro de una "línea de montaje" o retícula, en la cual las partes del todo parecen moverse por rieles imaginarios, con movimientos mecánicos..

La tipografía no es usada como meramente informativa, sino que su rol se limita al decorativo, porque son ilegibles y se modifican a gran velocidad. Los movimientos de cámara son muy fluidos, demostrando una mecanicidad sutil y delicada, y se interfieren mostrándonos un fotograma y el siguiente sucesivas veces para luego continuar con el movimiento.

Entre sus trabajos se encuentran: Underworld “Hamburg Hotel”, musica video misc MTV Networks “Hoods”, presentación Stoique “Shu Uemura”, commercial Guerrilla Games “Killzone 3 ID”, presentación de videojuego Fox sport “Fox sport HDID”, identidad MTV “Live Earth, comercial” Windows “Vista”, identidad

Fuentes consultadas:Norman Mc Laren:

www.escaner.cl www.macba.cat www.wikipedia.com

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www.youtube.com

Saul Bass:

www.icono14.net www.zootropico.com www.wikipedia.com www.youtube.com

Kyle Cooper:

www.notasdecine.com www.youtube.com www.imd.com

Michel Gondry:

“El artificio estético de un soñador: Michel Gondry” Fátima de los Santos Romero www.fama2.us.es www.imd.com www.wikipedia.com www.youtube.com

MK12:

www.mk12.com www.naugstudio.cl

Re Nascent:

www.youtube.com www,renacent.nl

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