Historia del Arte en Portugal

David Felipe Blanco Pérez

INDICE

1. Introducción. Página 22. La escultura durante la muestra. Página 33. Artistas Internacionales. Página 34. Artistas Nacionales. Página 105. Epílogo. Página 186. Enlaces de interés. Página 18

1. INTRODUCCIÓN. LA EXPO DE LISBOA 1998

La Exposición Internacional de 1998, cuyo tema fue "Los océanos: un patrimonio para el futuro", fue una Exposición Internacional Especializada regulada por la Oficina Internacional de Exposiciones, que se realizó en Lisboa, Portugal, del 22 de mayo al 30 de septiembre de 1998.

La zona escogida para albergar el recinto de la Expo fue el límite oriental de la ciudad, junto al río Tajo. Se construyeron diversos pabellones que permanecen al servicio de los habitantes y visitantes integrados en el ahora llamado Parque de las Naciones, destacando el Oceanário (uno de los mayores acuarios de Europa con 5 ambientes marinos distintos y numerosas especies de mamíferos y peces, del arquitecto Peter Chermayeff), el Pabellón de la Utopía (actualmente Pavilhão Atlântico/Pabellón Atlántico), obra del arquitecto Regino Cruz) y un complejo de transportes con metro y conexiones ferroviarias (Estación de Oriente, del arquitecto Santiago Calatrava).

La Expo'98 se extendió en un recinto de 50 ha, acogió la participación de 155 países y recibió a 10.128.204 visitantes, según cifras oficiales.

Su éxito, en parte, se debió a la vitalidad cultural que demostró - por ejemplo, sus cerca de 5000 eventos musicales que constituyeron uno de los mayores festivales musicales de la historia de la humanidad. Arquitectónicamente, la Expo revolucionó esta parte de la ciudad e influyó en los hábitos de conservación urbana de los portugueses, el Parque das Nações es un ejemplo de conservación de un espacio urbano.

2. LA ESCULTURA DURANTE LA MUESTRA

La escultura tomó un importante protagonismo durante la exposición, haciéndose protagonista de las calles del Parque de las Naciones. Artistas nacionales y extranjeros fueron invitados a participar en el evento. En el Parque de las Naciones el arte esta en las calles, plazas y jardines esto convierte al parque en un museo al aire libre.

Nuestro trabajo se orienta a hacer una visión general de este arte mediante pequeñas biografías de estos artistas y una breve explicación de su obra así como de sus materiales, acompañado de una fotografía. Estas fotografías son muy recientes lo que demuestra su perfecto estado de conservación y también sirve para demostrar lamentablemente como en otras exposiciones universales, véase el caso de Sevilla, las esculturas que albergaron están en un deplorable estado conservación, no obstante los organismos pertinentes ya están tomando cartas en el asunto y restaurando dichas obras.

Como bien indica el titulo de este trabajo monográfico esta dedicado a la escultura durante la muestra, esto significa que hemos dejado fuera ostros aspectos del recinto dignos de reseñar como la notable labor de jardinería y las diversas fuentes de carácter ornamental que embellecen el recinto. Además el Parque de las Naciones alberga diversas labores en azulejería (donde los portugueses destacan) y pavimentación artística.

A través de estas páginas vamos a mostrar a diversos artistas, muchos de ellos internacionalmente como conocidos como Jorge Viera. Además de talentos multinacionales como Susumu Shingu o Fabrice Hybert.

Para hacer mas fácil el estudio y diferenciar bien los posibles estilos o líneas de trabajo vamos a dividir nuestro trabajo en dos partes, artistas portugueses y artistas foráneos o extranjeros.

3. ARTISTAS INTERNACIONALES

Cursiva de Amy Yoes

Escultura en hierro pintado que se asemeja a una letra capital de un códice barroco,evocando al vocabulario barroco portugués.

Amy Yoes creció en Houston y vivió en Chicago, donde estudió en la Escuela del Art Institute de Chicago. Es un artista multifacético que utiliza alternativamente la pintura, la fotografía, el cine y la escultura. Su interés por el lenguaje y detalles decorativos de arquitectura está presente en toda su obra, que se basa en la tradición histórica de la estética barroca y la actitud.

Cursiva es el renacimiento de la escultura en el curso de la artista. Funciona como un molde gigante de tipográfica naturaleza y tridimensionaliza un capítulo de un códice medieval. Su posición en avance asegura el sentido laberíntico que estos códices tenían.

El espectador siempre encuentra nuevos puntos de vista a esta escultura. Nuestro movimiento asegura el movimiento de la obra misma. Somos las piezas de este rompecabezas a mitad de camino entre obra y paisaje urbano, entre obra y función urbana.

Kanimambo de Ángela Ferreira

Kanimambo, en el lenguaje mozambiqueño criollo significa "gracias”, es un homenaje a todos los trabajadores que participaron en la construcción de la Expo 98. Recordando a un campo de juego, este conjunto de estructuras nos lleva a la idea de construcción. Se trata de un conducto de hormigón, de donde una manguera rebosa una gota de agua, dos mesas con asientos, bancos similares a los construidos por los trabajadores para la comida y, por último, una estructura ambigua cerca de una pared que da la idea de un andamio.

Nacida en la antigua colonia de Mozambique, Ángela Ferreira - polifacética artista contemporánea - estudió en Sudáfrica y vivió en Portugal y Sudáfrica desde principios de los años 90. Su experiencia en el continente africano marca profundamente su trabajo a través de lecturas y autobiográfica irónica. Temas como la geopolítica se encuentran entre los principales puntos de partida y la reflexión de su trabajo.

Rizoma de Anthony Gormley

Escultura de hierro compuesta por nueve figuras humanas de tamaño natural, que encajan entre sí para simbolizar la unión entre los hombres, sugiriendo incluso las ramas de un árbol. Este trabajo es de hecho el esbozo de una multitud de posibilidades.

Anthony Gormley nació el 30 de agosto de 1950 en Londres. Después de estudiar en Ampleforth College, en Yorkshire, se licenció en Historia, Arqueología, Antropología y Arte en el Trinity College de Cambridge entre 1968 y 1971. Luego viajó a la India y Sri Lanka. Cuando regresó a Londres en 1974, estudió en la Escuela Central de Arte y Colegio Goldsmith antes de completar sus estudios de postgrado en escultura en la Slade School of Art entre 1977 y 1979.

Durante muchos años de trabajó esculturas de la figura humana, mediante la investigación del cuerpo y la memoria. Utilizar su propio cuerpo como materia, tema y herramienta.

Como él mismo explica: "Por lo general, el arte tradicional del cuerpo humano se sexualiza, politiza o idealiza. Usó el cuerpo como un espacio abierto, un espacio abierto de posibilidades sobre el futuro es más humano que una memorización de pasado de la humanidad. "

"Yo estoy interesado en el cuerpo porque el cuerpo es donde las emociones están más directamente grabadas. Cuando nos sentimos contentos, felices o deprimidos el cuerpo lo registra."

Obras de metal en espiral y cubos, que a menudo da lugar a un hombre de pie con las piernas y los brazos pegados al cuerpo. Su escultura más famosa - y un hito en la escultura británica contemporánea - es probablemente el "Angel of the North" (1998), que se encuentra en Gateshead, Inglaterra, representa a un hombre con los brazos abiertos que se asemejan a alas.

Premiado internacionalmente, Gormley ha realizado exposiciones individuales y colectivas en Europa, Escandinavia, América, Japón y Australia. Sus esculturas han sido adquiridas por numerosas colecciones públicas y privadas en todo el mundo. En 1994 ganó el Premio Turner y en 1999 el premio South Bank de Arte Visual, y en 2007, el Premio Bernhard Heiliger de Escultura

Rainha D. Caterina de Bragança de Audrey Flack

Replica de la estatua de 10 metros de altura de Estados Unidos y construida por la Asociación Amigos de la reina Catalina, para celebrar el hecho de que el condado de Queens, Nueva York, le debe el nombre a la Reina Catarina.

Audrey Flack nació en Nueva York en 1931. Es una pionera del realismo fotográfico y una pintora y escultora de reconocimiento internacional. Estudió arte en Nueva York entre 1948 y 1953.

Su decisión de estudiar el arte provenía de su deseo de pintar de forma realista. En sus propias palabras: "Siempre he querido pintar de forma realista. Para mí el arte es un constante descubrimiento de la realidad, una exploración visual del tiempo que ha existido durante siglos, en la que cada artista aporta al avance de la próxima generación que quería ir un paso más hacia adelante y ampliar los límites. También creo que la gente tiene una profunda necesidad de comprender el mundo que les rodea y que la realidad del arte aclara. "

Una de sus obras más significativas se conoce como "Caravana de Kennedy" y captura los momentos justo antes de que el presidente Kennedy fuera asesinado. Sin embargo, fue en 1969-1970 cuando pintó su primer cuadro "El Retrato de familia Farb".

Audrey Flack a menudo llena sus cuadros con recuerdos personales relacionados con sus experiencias como mujer. Por ejemplo, su serie de pinturas "Vanitas" de los 70 está llena de ricas telas, joyas y lápiz de labios... En los años 80 llegó a representar diosas.

Su primera escultura fue creada en 1981 bajo la forma de un querubín con un escudo sobre el corazón. Caben en la palma de la mano.

Más tarde decidió hacer una serie de tamaños mucho mayor, dando lugar a la fuerza femenina. Que van desde una diosa del sol a la mítica diosa Atenea y Diana. En 1988 creó su serie "Civitas", cuatro diosas de bronce que custodian la entrada de Rock Hill, Carolina del Sur. Ha creado numerosas obras de arte, muchas de las cuales se encuentran en galerías, exposiciones o museos en solitario.

Homens de Bessines de Fabrice Hybert

69 figuras humanas de resina y acero inoxidable, plagado de chorros de agua que hacen de esta fuente pública un lugar muy singular.

Fabrice nació en 1961 en Hybert Luçon en Francia. Es un artista de renombre internacional. Posee obras en pintura, escultura, instalaciones y vídeo. Su primera aparición fue en Nantes, bajo el título "Mutación". En 1989 nació la obra pública para la ciudad de Bessines - "Bessines Man" - pequeño hombre verde de 86 cm - personaje imaginario, una figura familiar y ágil, pero al mismo tiempo, se ve extranjero. Instalado en el agua, los hombres de Bessines son también una fuente de agua para todos con el lanzamiento de sus once orificios corporales. Después de 1989, poco a poco invaden las ciudades en Francia y en todo el mundo.

En palabras del propio artista: “Lo que difunde la obra pública no es sólo un aspecto visual y estratégico, sino también viral. Cada elemento se designa el lugar mismo, pero multiplicado - el lugar es aquí el hombre Bessines en funciones siempre distintas funciones en el sentido de comunidad. El arcaísmo del Hombre Bessines es un invento. El deseo de ficción no deja de tener consecuencias: debe ser el punto de partida del modelo de búsqueda después de la imagen. No hay duda de que existe y ahora tenemos los medios para encontrarlo e identificarlo, en otros lugares, en todas partes.” El propio artista sugiere que su trabajo explora la "enorme reserva de lo posible."

En 1994 creó la UR (responsabilidad ilimitada), una organización con el objetivo de crear vínculos entre artistas y empresas.

Onda Luso Americana de Sthephen Frietch y Steve Spurlock

La escultura en acero inoxidable y el azulejo representa la ola de inmigración portuguesa a los Estados Unidos de América. Fue diseñado por el artista Stephen Frietch y el arquitecto Steven Spurlock, de Washington, y entregado por la Comunidad Luso-Americana a Lisboa.

La obra fue concebida como una onda abstracta, refiriéndose a las tradiciones portuguesas náuticas y también como un lazo que une el océano portugués con todo el mundo.

También evoca la estructura de una embarcación situada al lado del río. Tiene 24 metros de altura y 18 metros de largo.

Concebida como agradecimiento a Portugal por los inmigrantes luso-estadounidense, están inscritos los nombres de los inmigrantes y luso-descendientes de esta comunidad.

Reflexo do ceú, navegante de Susumu Shingu

Las palas en movimiento bajo la acción del viento de esta enorme escultura de acero inoxidable reflejan los rayos de luz del cielo, en movimiento. Su parte superior mide 6 metros

Susumu Shingu, nació en 1937 en Osaka, Japón Después de graduarse de la Universidad de Artes de Tokio en 1960, estudió en la Universidad de Roma de Bellas Artes.

Escultor, investigador y filósofo de la naturaleza, y Susumu Shingu creó esculturas monumentales instaladas en todo el mundo, basados en los flujos impulsados por las fuerzas de la naturaleza, el viento, el agua y la gravedad.

Su investigación sobre el movimiento se basa en la observación de los elementos de la naturaleza y el funcionamiento del cuerpo humano. Se apoya además por sus conocimientos en tecnología y el uso de materiales innovadores.

Toda su obra demuestra que debemos seguir estos ritmos naturales para redescubrir la armonía entre nuestro ser interior y los fenómenos de la naturaleza.

Vulcôes de Wet Desing / Risco

Estos simbólicos "volcanes" son 6 conos con una altura de 4 metros cada uno con juegos de agua que se repiten cada 25 segundos, un total de 1.600 brotes de agua por día. Estas erupciones repentinas de agua a 3 metros de altura se desintegran formando dos olas que se rompen al final de los dos canales longitudinales.

Recubiertas con azulejos policromados de diferentes tamaños, cuyos colores van del rojo al verde a través de una serie de matices intermedios fueron elaborados por la viuda de Lamego.

4. ARTISTAS NACIONALES

A Girafa de Fernanda Fragateiro

Objeto de culto y la fascinación de los visitantes, “La Jirafa (el espejo)” - a gran escala, pintado de un color neutro, casi blanco - es el sello distintivo de los jardines donde se encuentra, o incluso de su secreto. La presencia del espejo representa el sentido metafórico en general.

Fernanda nació en 1962 en Montijo. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Lisboa y comenzó a exponer su obra en 1981, desarrolló una práctica artística diversa.

Preocupada desde entonces por intervenir con su trabajo en lugares públicos no se limita sólo a los lugares habituales de exposición.

Sus proyectos van desde la escultura y la instalación, intervenciones en espacios públicos, proyectos de ilustración y colaboraciones en la arquitectura o paisajismo.

Realizó numerosas exposiciones personales, que se encuentra en colecciones públicas como la Unión Fenosa (La Coruña - España), el Museo de Arte Contemporáneo de Serralves (Oporto) y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (España).

Esfera Armilar de Fernando Conduto

Escultura de acero situada en el ángulo superior del edificio ECRAN, inspirado en una "esfera armilar".

Fernando nació en Lagos en 1937. Estudió escultura en la Escuela de Bellas Artes de Lisboa.

Formó parte del Comité Técnico y cofundador del Curso de Formación Artística de la Sociedad Nacional de Bellas Artes. Realizado tres exposiciones individuales.

Ilha de Reposo de Rui Sanches

Escultura que consta de tres plataformas circulares que se cortan por un muro, con la intención de dar la idea de una "isla de descanso". El muro está perforado por una ventana rectangular que permite ver el río - como una pintura - y la montaña representado por el bloque de piedra. Este pretende ser un lugar de meditación donde cada transeúnte ve el río, las montañas y la luz de forma diferente.

Porta Habitavel en Vermelho e Verde de Joâo Chartres de Almeida

Los colores rojo y verde de la escultura son en alusión a la propuesta inicial de color del edificio, diseñado por el arquitecto Troufa Real, originalmente concebido como "Bandera habitada" por tener los colores de la Bandera Nacional.

Joâo Chartres de Almeida nació en 1935 en Lisboa. Desde muy temprano reveló su aptitud para las artes. Obtuvo el grado de Escultura de la Academia de Bellas Artes de Oporto. En 1966 ganó el Teixeira Lopes y el Premio de Prensa.

Después de haber explorado principalmente la arcilla, sintió la necesidad de explorar el potencial del metal, más tarde, la piedra y, por último, el hormigón.

Con obras de gran envergadura, tales como ciudades imaginarias - intervenciones que alcanzan 40 metros de altura y se puede ver en los parques y jardines en varios países - ocupa y redefine el espacio urbano, esto se aplica a las piezas de metal pintadas de rojo, en Lisboa, el diálogo con el paisaje de la Ribera das Naus Telheiras.

"Trato de decir lo máximo que pueda con la menor cantidad posible de elementos.", Dijo en una entrevista Charters de Almeida.

Lago das Tágides de Joâo Cutileiro

Conjunto de esculturas de figuras femeninas en piedra de mármol que evocan Tágides, figuras míticas en torno a un Camonian Falua, una embarcación tradicional del Tajo. Aparecen chicas desnudas que están jugando en el agua sin preocupaciones.

Joâo Cutileiro nació en Lisboa el 26 de junio de 1937. Tuvo una infancia y una adolescencia felices, después de haber viajado mucho, debido a la profesión de su padre, un médico de la Organización Mundial de la Salud. Desde muy joven se interesó por la escultura.

En 1951, cuando se dirigía a Kabul (Afganistán), donde su padre trabajaba, hace escala en Florencia, donde contacta con la obra de Miguel Ángel. Fue una experiencia notable, que ha aumentado la certeza de que quería dedicarse a la escultura. A su regreso de Kabul se inscribe, entonces la Escuela de Bellas Artes de Lisboa, donde es su maestro Leopoldo de Almeida.

Entre 1955 y 1959 estudia en la Slade School of Art de Londres, permanece hasta el año 1970 en Inglaterra. Trabajó principalmente con el escultor Reg Butler, quien influyó notablemente en el.

En 1966 comienzan Cutileiro el uso de máquinas eléctricas para cortar la piedra, lo que le permitió dedicarse exclusivamente al mármol. Entonces empiezan a surgir, a su vez, torsos, los paisajes, los cuadros, árboles y flores.

En 1970 se trasladó a Lagos, donde siguió las clases de escultura en el Centro de Piedra. En 1975 exploró la posibilidad de realizar un mosaico como una manera de reutilizar los desechos de mármol. Realiza la serie de árboles Piscibas y participa en exposiciones internacionales, en Alemania, Madrid, Londres y Nueva York.

De los diferentes temas desarrollados por el escultor, los cuerpos de las mujeres es el más llamativo. Cutileiro es muy independiente y cree que el arte siempre ha tenido una función decorativa y una carga metafísica muy difícil de evaluar.

Cutileiro encarna la definición del escultor que hizo Alberti en el siglo XV, revela la imagen que ve en el bloque de piedra, mediante la eliminación de lo superfluo. Esta es su forma de trabajar. Revolucionó la escultura portuguesa y tiene obras en colecciones dispersas en todo el mundo.

Homen-Sol de Jorge Viera

Escultura monumental inspirada en el sol, estructura vagamente antropomórfica, que asciende a lo largo de formas angulares de las barras y las medias lunas, recordando una figura humana. Se trata de 20 metros, 15 toneladas de óxido de hierro para el color final

"Hombre-Sol" es una especie de testamento de la síntesis de una carrera de casi 50 años, que reúne a la simbiosis surrealista con la abstracción pura, con el esquema primitivista en tres dimensiones de exploración.

Ricardo Jorge da Conceicao Vieira nació en Lisboa el 16 de noviembre de 1922 y murió en 1998 en Évora. Desarrollando una carrera artística marcada por el primitivismo, la abstracción y el surrealismo.

Hizo su formación en la Escuela de Bellas Artes de Lisboa. Comenzó un curso de arquitectura, pasando poco después a la escultura. Como estudiante, participó en la Exposición General de Bellas Artes (1947 y 1951) y se acercó al surrealismo.

El paso por la Slade School of Arts de Londres ha jugado un papel clave en su formación, puesto que le ofreció un contacto directo con grandes nombres como Henry Moore y Reg Butler, entre otros. Además, viajó por Europa teniendo contacto con el arte de Picasso, Arp, Max Ernst y Victor Brauner.

De vuelta en Portugal, Jorge Vieira desarrollado una colaboración leve pero regular con los arquitectos George Frederick Silva y Conceição, Daciano Costa en relieves decorativos o esculturas de varios edificios como en la Avenida Infante Santo de Lisboa en 1957, las puertas de la agencia Banca y Fonseca Burnay en Chiado, en el año 1959 o los paneles decorativos de la estación de metro Saldanha en Lisboa, 1996.

Llevó a cabo su primera exposición individual en 1949. Desde entonces ha participado en exposiciones nacionales e internacionales de escultura y artes plásticas, fue premiado en exposiciones de arte organizadas por la Fundación Calouste Gulbenkian (1957 y 1961) y representó a Portugal en el segundo Bienal de São Paulo (1953).

A los 50 años, Jorge Vieira obtuvo su primer reconocimiento fuera de Portugal en un concurso de gran importancia internacional, realizó una obra dedicada a "El prisionero político desconocido". Jorge Vieira fue el único artista portugués admitido en la competición, ganando un segundo premio que le permitió participar en la exposición de la famosa Galería Tate.

Toda esta atención internacional no fue suficiente para que el artista tuviera éxito en el desarrollo de proyectos de escultura pública, sólo a partir de los años 90, desarrolló un conjunto de gran monumentalidad de pedidos públicos.

Sete Portas de Jose Pedro Croft

El artista describe su obra como siete carteles de diferentes tamaños que aparecen de lado a lado en una arboleda, en un camino recorrido por peatones. La primera sensación es de una intervención violenta en el espacio verde, pero en el otro lado, dibuja ahora la promesa del fascinante mundo de la publicidad de la imagen. Pero la única imagen que se nos da a ver es nuestro reflejo en el espejo.

Pintor y escultor, José Pedro Croft nació en 1957 en Porto. Estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes de Lisboa. Su carrera artística se ha caracterizado por el hecho de que trabajó con el escultor John Cutileiro.

La escultura en piedra marcó su trabajo en los años 80. En la primera serie de esculturas que realizó hace bajo relieve y modelado. Más tarde, su obra evoluciona hacia formas más geométricas hechas de grandes bloques de piedra. Este repertorio de arquitectura de formas-tipo (columnas, pisos, arcos) se realiza a través de procesos de fragmentación y la superposición.

Poco a poco reemplaza el mármol por otros materiales como el yeso, bronce o poliuretano (a menudo pintado de blanco).

En los 90, su trabajo hace hincapié en las cualidades intrínsecas de la escultura como el peso, la densidad, expresada en la dualidad de estabilidad / inestabilidad y la inmovilidad / ligereza. En esta fase de esculturas, que evocan recuerdos de las anteriores características asociadas a los objetos que los integra (mesas, sillas y platos), y la exploración de la relación del volumen con el espacio y la luz.

A mediados de la década, la incorporación de espejos introduce una nueva dimensión al juego de la duplicación virtual de la forma, que se asocia a menudo con la deconstrucción formal del objeto. En paralelo con la escultura, ha hecho un trabajo en el grabado, que está presente en la misma preocupación con la definición de formas primarias.

Homenajem D. Joâo II de Manuel Rosa

Escultura de bronce en homenaje a D. Juan II, cuya visión de carácter universal sentó las bases del Estado moderno.

La escultura no representa al mismo monarca, pero simboliza la universalidad. El monumento consta de dos partes bien diferenciadas: la escultura en sí y su base. La Fundación expresa su dedicación a su pueblo, a través de la representación de sus armas y un pelícano (símbolo del amor de los padres y el sacrificio).

Manuel Rosa nació en 1953 en Beja. Realizó estudios de escultura en la Academia de Bellas Artes de Lisboa en 1978.

Forma parte de la generación de escultores de los años 80 con Pedro Croft, Calapez, Ana León, Rui Carvalho y Sánchez Rosa. Presentó su primera exposición individual en la Galería Módulo en 1984.

Utiliza preferentemente la piedra caliza como materia prima de sus obras.

Trabaja con objetos reconocibles, figuración con contornos o formas elípticas y cónicas, el establecimiento de un producto simbólico de un lenguaje propio.

Fue honrado en la Quinta Bienal de Vila Nova de Cerveira Premio Adquisición y Serralves tiene 2 º Premio.

O homem muralha de Pedro Pires

El trabajo consta de cinco esculturas antropomorfas orientadas en diferentes direcciones, con pequeñas diferencias. Formado por pequeños cuadrados de hierro que actúan como píxeles de una fotografía, pretende cuestionar el concepto de identidad en la industria contemporánea

Horas de Chumbo de Rui Chafes

Esta escultura, de hierro pintado de negro, da vida a la participación activa de los visitantes, que pueden oír a través de ella el sonido del viento y el eco de su propia voz.

Se compone de dos formas cónicas que apuntan a el viento y el agua, y más allá hacia el sur y el este.

Rui Chafes nació en 1966 en Lisboa. Se graduó en Escultura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa en 1989, después de haber ido a Dusseldorf, donde asistió a la Kunstakademie, bajo la dirección del artista alemán Gerhard Merz. La cultura alemana siempre ha interesado al escultor, como base de referencia de su trabajo.

El universo romántico de su obra nos lleva a un universo nostálgico, que es heredado del romanticismo alemán, que se refleja en los mismos títulos, con palabras como "Sueño", "Muerte", "Mañana", "Herida", entre otros. Sin embargo, el material de elección Chafer no tiene nada que ver con los bronces románticos pero el hierro es una pasión ibérica.

El "lugar" de la escultura es también una constante en la obra del artista. Realiza esculturas de suelo, techo, colgadas en las paredes como cuadros, objetos decorativos que ocupan las esquinas de las habitaciones y los muebles y se posan en los árboles como los pájaros. También es el autor de dibujos a lápiz negro, que siguen el curso formal de sus esculturas.

Expone regularmente desde mediados de los 80, consolidando múltiples exposiciones en Portugal y en el extranjero, así como representando Portugal en la Bienal de Venecia (en 1995,

con José Pedro Croft y Pedro Cabrita Reis) y la Bienal Sao Paulo (en 2004, un proyecto conjunto con Vera Mantero).

5. EPILOGO

Como hemos podido comprobar a lo largo de estos dos capítulos la labor escultórica en la Exposición lisboeta fue de una factura impecable además de vanguardista y trasgresora. A nivel personal ha sido muy enriquecedor poder conocer la obra de estos autores, especialmente los portugueses pues a través de ellos he conocido la realidad del arte de Portugal en la actualidad además de poder profundizar más en la obra de Jorge Viera, un verdadero genio a un nivel como el de Chillida u otros escultores españoles que trabajan en la actualidad. Quizás se echa de menos que los organizadores de la exposición invitaran a algún artista español, pues por ejemplo el anteriormente citado Chillada o el mismo Berrocal hubieran desempeñado una gran labor en dicha muestra.

6. ENLACES DE INTERÉS

A continuación detallamos algunos enlaces de interés para poder acercarse más a la obra de estos artistas.

www.amyyoes.com

www.antonygormley.com

www.audreyflack.com

www.hyber.tv

www.fernandafragateiro.com

www.fernandoconduto.com

www.chartersdealmeida.com

www.ruichafes.net

www.ruisanches.com

www.susumushingu.com

www.wetdesign.com

Enlace para visualizar video realizado por el alumno en el que se resume las obras citadas:

http://www.youtube.com/watch?v=poivuvMX9jI&feature=g-upl&context=G2698b44AUAAAAAAAAAA