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Cuadernillo de Educación Plástica 1° año Prof. Marina Morales
Ilustración 1. Henry Matisse, La
tristeza del rey, collage 294 x 350cm.,
1952.
Recopilación teórica. Ciclo lectivo 2019.
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Contenidos:
Introducción
Hacia una definición de arte
El circuito de producción
El artista y el espectador
Los lenguajes artísticos
Elementos del lenguaje visual
El punto
La línea
El plano
La forma
La textura
El color
Composición
Relación figura – fondo
Simetría
Ritmo
Indicadores espaciales
Bibliografía
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Introducción
Hacia una definición de arte
En la actualidad, se considera que el arte es un lenguaje, un sistema de comunicación elaborado por seres humanos con el objeto de
transmitir ideas y sentimientos. Pero, a diferencia de otros lenguajes, el arte está condicionado por el deseo estético, es decir, por el deseo
de alcanzar la belleza.
El ideal de belleza se modifica en las distintas épocas y culturas. Por
este motivo, las artes cambian con el tiempo -de acuerdo con el
acontecer de los hechos políticos, económicos y sociales- y según el
lugar y la cultura en que se desarrollan. Sin embargo, en la
actualidad, el fenómeno de la globalización (integración económica,
política y cultural entre las diferentes naciones) y el surgimiento de la
sociedad de masas han homologado las artes y, en consecuencia,
pueden encontrarse poéticas similares en sitios distantes.
Ilustración 2. Paul Klee, Castillo y sol. 1928. Óleo sobre lienzo. 50 x
59 cm. Colección particular
Las categorías estéticas, que definen el gusto de una época, también
se han modificado con el tiempo. Esto explica porqué muchas de las obras que hoy resultan agradables y que son consideradas objetos de
arte no fueron aceptadas como artísticas por sus contemporáneos. Por ejemplo, las obras del escritor francés Émile Zola (1849-1902) fueron
rechazadas por el público, no obstante, en la actualidad, Zola es considerado unos de los maestros de la literatura del siglo XIX.
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El circuito de producción
En el proceso de producción de una obra artística, intervienen varios elementos. En primer lugar, el artista, quien se expresa mediante su
obra; en segundo lugar, la obra en sí misma, que es el producto; y por último, la audiencia, que es quien completa la obra en el momento de
apreciarla y de interpretarla.
A partir de lo anterior, se puede decir que existen dos etapas claves en la elaboración de una obra: la ejecución que realiza el creador y la
recepción por parte del público. Este circuito se produce en un contexto geográfico, social y político determinado que influye tanto en el
creador como en el público. Por ejemplo, durante la Edad Media (siglo V al XV) se elaboraron los poemas épicos o cantares de gesta que
basados en acontecimientos históricos, narraban la historia de los hombres nacionales, quienes representaban los ideales del pueblo. Esos
poemas épicos o cantares de gesta servían no sólo como entretenimiento sino, además, como forma de establecer modelos que la comunidad
intentaba alcanzar, de modo que también contribuían a afirmar la identidad cultural.
En el arte, se desarrolla un proceso en el que participan lo sensorial, lo emocional, lo afectivo y lo intelectual, ya que, en todo quehacer
artístico, se comprometen la percepción, el pensamiento y la acción corporal. Entre todos estos factores, desempeña un papel muy importante
en la imaginación creadora.
El artista y el espectador
Para el artista ruso Wassily Kandinsky (1866-1944), la verdadera obra de arte nace del artista en forma misteriosa, casi mística. Cuando
el artista se coloca frente a una tela, un papel, o un bloque de mármol, se inicia un diálogo muy especial: de un lado, está el soporte que
espera una respuesta, un acto, y del otro lado está el artista que va a responder a aquél elaborando una obra. El artista procede según una
necesidad interior, que no se agota en una sola creación, de allí que él siga produciendo a lo largo de su vida.
Separada del artista, la obra adquiere vida propia, una independencia con respecto al ser que le había dado esa vida. La forma que contiene
es la idea, que se libera del creador que la produjo y va a ser completada por el espectador.
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Ilustración 3. Wassily Kandinsky, Juicio final, 1912. Pintura al agua y
tinta china en cristal, 33,6 x 45,3 cm. Centro Georges Pompidou, París.
El soporte de la obra de Kandinsky es un vidrio, y el tratamiento
decorativo del marco se integra en la obra
Las posibilidades de lectura de una obra son muchas, y la comprensión
e interpretación que se le otorgan están influidas por las ideas en una
sociedad, en un tiempo determinado y, también, por las propias
creencias de quien percibe esa obra.
Para el profesor de Filosofía Hans Gadamer (nacido en Alemania en
1900), la percepción de la obra de arte es un encuentro del espectador
consigo mismo. Argumenta, además, que existe una “familiaridad enigmática” con las obras de arte del pasado, porque existe cierta conexión,
aunque las obras sean de épocas históricas lejanas al espectador. Esto se debe a que, el arte se encuentra en un presente intemporal y
permanece en su decir. El lenguaje del arte vuelve presente su propia actualidad, por eso, no se agotan sus significados ni sus sentidos. A
diferencia de las leyes de la Antigua Atenas o de los códigos militares romanos que son documentos históricos, cuyo sentido está agotado
para la actualidad, una obra de arte siempre resulta una experiencia novedosa.
Los lenguajes artísticos
Las expresiones artísticas como, por ejemplo, la arquitectura, la pintura, el grabado, la fotografía, la música, el cine, el teatro, la literatura
y la danza- pueden caracterizarse como lenguajes artísticos en tanto transmiten significados y fenómenos comunicativos. Estos lenguajes,
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que se valen de códigos renovados constantemente, constituyen un sistema específico distinto del lenguaje verbal cotidiano. Cada uno tiene
procedimientos, técnicas, métodos y materiales que le son propios y que le otorgan diferentes formas de expresión.
Literatura: es un arte cuyas manifestaciones son creaciones artísticas –denominadas obras literarias- que se expresan mediante palabras,
tanto en forma escrita como oral. El término literatura también se aplica al conjunto de obras escritas de un país, por ejemplo, literatura
griega; de una época, como literatura medieval; de un estilo o movimiento como literatura romántica.
Música: es una organización de sonidos durante un lapso determinado de tiempo. La música está constituida por relaciones entre sonidos
cuyas combinaciones permiten la creación de un discurso musical. La música desempeña un papel importante en todas las sociedades y
existe una gran cantidad de estilos característicos de diferentes regiones geográficas o de distintas épocas históricas.
Danza: es una forma de comunicación o de expresión caracterizada por movimientos corporales rítmicos, acompañados generalmente de
música. La danza incluye un vocabulario preestablecido de movimientos, pero también, pueden utilizarse gestos simbólicos o el mimo.
Cine: es el arte de representar, sobre una pantalla, una sucesión de fotogramas inmóviles que, a cierta velocidad, dan sensación de
movimiento. Estos fotogramas se organizan según un discurso narrativo.
Teatro: es el arte de componer obras dramáticas -del griego drama: acción- y de representarlas. El teatro se diferencia de otras artes
performáticas por la pluralidad de signos que lo componen. Ellos son: lingüísticos (el texto y los diálogos), visuales (escenografía, vestuario,
utilería, iluminación), cinéticos (movimientos y gestos de los actores), sonoro (voces, música, efectos). Estos signos nunca son comunicados
directamente, sino mediante un conjunto de indicios (artificiales). Son artificiales, porque representan la cosa, pero no son la cosa misma.
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Ilustración 4. Herbert Bayer, Soledad del ciudadano, 1932. Gelatinobromuro de plata, 34 x 26,9cm.
Colección Gruber. Esta es una creación fotográfica que muestra las manos del artista flotando ante
las fachadas de un patio interior de Berlín. Sus ojos miran al espectador desde las palmas de las
manos abiertas.
Fotografía: el principio de este arte se basa en el efecto que la luz produce sobre un soporte
material sensible a ella. Ese material -placa o película- contiene una emulsión particular de
compuestos de plata que al ser expuesta a la luz sufre transformaciones químicas. La operación se
realiza en una cámara oscura en la que entra la luz a través de una lente. Una vez impresionado
el material sensible, es sometido a operaciones de revelado y fijado para obtener un negativo que,
luego se hace positivo sobre el papel.
Las artes plásticas:
Los términos artes plásticas caracterizaron las bellas artes, en la cultura occidental, desde el Renacimiento (siglos XV y XVI) hasta principios
del siglo XX. La denominación artes plásticas surgió en el siglo XVIII para designar el dibujo, la pintura, el grabado, la escultura y la
arquitectura, disciplinas todas que se desarrollan en el espacio -a diferencia de la música, la literatura, el teatro y la danza, que se desarrollan
en el tiempo-.
Dibujo: se asocia a la pintura como un medio para proyectar el diseño de una obra pictórica, pero también como un medio
independiente capaz de revelar el proceso creativo del artista. Su característica primordial es el trazo o la línea y se diferencia de las demás
técnicas artísticas por el soporte empleado que puede ser cualquier superficie plana; por la técnica lápiz, pluma, carbonilla-; y por la relativa
brevedad en el tiempo de ejecución y por sus reducidas dimensiones.
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Ilustración 5. Miguel Ángel, Estudio para la Sibila Líbica (Capilla Sixtina), 1511. Tiza roja
sobre papel, 29 x 21cm. Museo Metropolitano, Nueva York. Durante el Renacimiento, la tiza
roja natural era uno de los medios más comunes para dibujar.
Pintura: es el lenguaje artístico que se desarrolla sobre diferentes superficies para crear
una composición, ya sea figurativa o abstracta. Sus elementos plásticos son: la forma, la línea,
el color, el espacio y la composición. Los materiales empleados pueden ser: el óleo, el temple,
el acrílico o el pastel, que junto con los soportes y
con los instrumentos utilizados determinan las
diversas técnicas.
Escultura: es el arte de crear formas
figurativas o abstractas en tridimensión. Pueden
realizarse esculturas con casi todos los materiales
orgánicos o inorgánicos. Los métodos que se emplean son: la talla (en madera o en piedra), el
modelado (en arcilla o en barro) y el vaciado (en metal).
Ilustración 6. Auguste Rodin, El Beso, 1886 (reproducción del original). Talla en mármol, altura
183cm. Tate Gallery. Londres. Rodin realizaba bocetos de sus trabajos en formato pequeño;
luego, efectuaba sus obras en tamaño natural.
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Grabado: a diferencia de la pintura o del dibujo, es una técnica en la que el artista no coloca el material sobre el soporte, sino que se
vale de un material intermedio llamado matriz para realizar una producción en serie. Comprende tres procedimientos fundamentales según
los modos de estampación. Estos métodos son: impresión de relieve (solo las partes elevadas de la matriz son entintadas, traspasando el
color al papel bajo presión o prensado), huecograbado (las líneas grabadas sobre el fondo de la plancha se rellenan con tinta, siendo después
dicho color al papel, bajo presión de cilindro o prensa) e impresión plana (la matriz es dibujada, recibe el color y lo traspasa en impresión).
Arquitectura: es una disciplina cuyo objetivo es la construcción de edificios perdurables. Sigue determinadas reglas, con el objeto de
crear obras adecuadas a su propósito, agradables a la vista y capaces de provocar un placer estético. Es decir, la arquitectura no depende
sólo del gusto de los cánones estéticos, sino que considera una serie de cuestiones prácticas, estrechamente relacionadas entre sí -como la
elección de los materiales y su puesta en obra, la disposición estructural de las cargas y el precepto fundamental del uso al que está destinado
el edificio-.
Elementos del lenguaje visual
El punto
Concepto
Según Wassily Kandisnky, el punto es el elemento plástico básico, ya que en él se encuentran en embrión la línea y el plano. Para que un
punto sea percibido como tal, deberá tenerse en cuenta la relación de su tamaño con el tamaño del plano que lo contiene. Por ejemplo: un
punto -de determinado tamaño-, que se vea como tal colocado sobre un pizarrón, se verá como un plano si se traslada a una superficie mucho
más pequeña, como la hoja de un cuaderno.
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Definiremos al punto como el resultado del contacto de una herramienta sobre una superficie. La “forma” del punto dependerá de la “forma”
de la herramienta (lápiz, bolígrafo, pincel, dedo, espátula, esteca, gubia, etc.) y del material de la superficie o soporte (papel, cartón, arcilla,
yeso, chapa, plástico, etc.). De aquí deducimos que el punto puede ser bidimensional o tridimensional, y que no existe, a priori, una forma o
un tamaño determinados.
Posibilidades expresivas del punto
La utilización de muchos puntos, colocados de manera ordenada en el espacio, nos permite expresar sensaciones complejas. Con el punto
podemos realizar imágenes abstractas o figurativas,
sombrear para dar sensación de volumen y colorear para
transmitir alegría o tristeza.
Construir formas
Todas las formas se pueden descomponer en puntos; ¡hay
muchísimas posibilidades ya que podemos utilizar puntos
de diferentes formas, tamaños y colores.
Podemos utilizar al punto como elemento de figuración,
creando formas extraídas de la realidad exterior.
Ilustración 7. Georges Seurat, “Poseuse de profil”,
1887.Esta obra es un ejemplo de composición figurativa y
fue realizada por uno de los líderes del movimiento
Neoimpresionista.
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También podemos utilizar al punto como elemento de abstracción, en creaciones donde no se representa ningún elemento de la naturaleza
o del mundo que nos rodea. Ver Imagen 8.
Ilustración 8. Wassily Kandinsky, Ilustración para su libro: Punto y línea sobre
el plano. Aquí observamos cómo a través de puntos podemos crear una
composición abstracta.
Generar sensación de volumen
A través del agrupamiento y la dispersión de puntos podemos trabajar luces y
sombras. De esta manera, agrupando puntos logramos zonas más oscuras
(valores bajos) y dispersándolos, zonas más claras (valores altos). Esto también
nos permite generar sensación de profundidad.
Ilustración 9. Composición figurativa realizada con puntos donde se
trabajan luces y sombras para generar sensación de volumen.
Crear texturas
A partir de la repetición uniforme de puntos podemos crear distintas
cualidades superficiales. Podemos trabajar zonas con puntos de
distintas formas y tamaños.
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Ilustración 10. Teju Behan, Fragmento de una de sus las
ilustraciones .
Trabajar el color: También a través del agrupamiento y la dispersión de puntos podemos dar color a las formas que construimos. Las
zonas que presenten mayor concentración de puntos mostrarán el color más saturado que aquellas áreas donde los puntos estén más
dispersos. También podemos colocar en una misma zona puntos de colores distintos para que produzcan en nuestra retina un color nuevo
(mezcla óptica). Por ej.: rojo y amarillo: naranja.
Ilustración 11. André Derain, “El Puente de Waterloo”, 1906. Además de
trabajar el color, la utilización de diferentes tamaños de puntos puede dar
la sensación de diferentes planos en el espacio: los puntos más pequeños se
alejan y los más grandes parecen estar más cerca. La lejanía y proximidad
de los puntos nos permite alejar y acercar formas y crear así una sensación
de profundidad.
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La línea
Concepto:
La línea, siguiendo el razonamiento de Wassily Kandinsky, es el resultado del movimiento del punto en el espacio. Para decirlo con sus
palabras: “…es el rastro que deja el punto al desplazarse y, por lo tanto, es su producto”. Con respecto a las dimensiones, la línea es
unidimensional.
Nos encontramos por un lado con la línea geométrica, que se concibe como una sucesión infinita de puntos. Para dibujarla se utilizan
herramientas de dibujo técnico.
También nos encontramos con la línea gráfico-plástica que se utiliza tanto en el
campo de las artes gráficas como en las artes plásticas. Puede tener diferentes
formas, grosores y texturas; es más libre y puede dibujarse con o sin
instrumentos de apoyo. Como todo elemento del lenguaje visual puede
transmitir una determinada carga expresiva: puede hablarse de líneas calmas,
agresivas, dulces, etc.
Ilustración 12. Karl Schmidt-Rottluff. Planta en jarra negra. Óleo sobre lienzo.
77,5 x 91,5 cm. 1956. Colección Brücke-Museum Berlín. Berlín. Alemania. El
artista utiliza la línea para delimitar el contorno de los objetos y para crear
movimiento.
La organización en base a líneas genera espacio, relaciones rítmicas: equilibrio,
estática, dinámica. Hay que tener en cuenta que la línea sea siempre considerablemente más larga que ancha.
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Clasificación:
La línea puede clasificarse del siguiente modo:
Según su trayectoria o recorrido, la línea puede ser:
Ilustración 13. Trayectorias lineales
Según su posición la línea puede ser:
Ilustración 14. Posiciones
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Según su trazo, la línea puede ser:
Ilustración 15. Trazos lineales
Posibilidades expresivas de la línea
Construir formas
Podemos utilizar la línea como elemento de figuración (creando
formas extraídas de la realidad exterior). Podemos trabajar
líneas de contorno que delimiten los objetos y o líneas que
conformen la estructura de los mismos. Variando el grosor de
las líneas obtenemos zonas más o menos acentuadas
Ilustración 16. Pablo Picasso, Guerra y paz. Dibujo. 1952
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También podemos utilizar la línea como elemento de abstracción (en creaciones donde se utilicen
exclusivamente elementos puros: líneas, formas, colores; despojadas de toda imagen figurativa,
no representativas e independientes del mundo externo).
Ilustración 17. Paul Klee, Drawing knotted in the manner of a net, 31,1 x 19,1cm., tinta sobre
papel. 1952
Crear texturas
Podemos generar texturas visuales que brinden
mayor riqueza a nuestras producciones (ya sean
figurativas o abstractas) por ejemplo, a través de
la repetición de alguna trayectoria en alguna
zona y o del entrecruzamiento de líneas.
Ilustración 18. Vincent Van Gogh, Terraza del café de la Place du Forum, grafito, 62 x 47
cm. 1888. Dallas Museum of Art, Texas, EEUU. Aquí el artista realiza un boceto lineal de
carácter figurativo y rico en texturas.
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Generar sensación de volumen
Podemos sombrear una zona, mediante líneas, para conseguir sensación de
volumen. Agrupando y superponiendo líneas obtenemos áreas más oscuras y
separándolas conseguimos zonas más claras. También podemos variar el grosor de
las líneas para obtener, por ejemplo, zonas más claras o alejadas a través de líneas
más finas.
Ilustración 19. Leonardo Da Vinci, autorretrato, 1512
Trabajar el color
Podemos utilizar líneas de colores para generar distintas zonas o superficies.
Podemos trabajar líneas paralelas a una misma distancia y de un mismo color.
Podemos también variar la dirección de su trayectoria o trabajar combinando líneas
de distintos colores.
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El plano
Concepto
El plano es una porción de superficie limitada por una línea cerrada. Tanto el plano, como el punto y la línea, son elementos expresivos del
lenguaje visual y se utilizan para dibujar formas. Los planos también pueden llamarse figuras y dependen de la forma originada por la línea
cerrada. Desde la geometría, el plano es una sucesión de líneas yuxtapuestas, es decir, líneas paralelas trazadas unas junto a otras
generando una superficie bidimensional (ancha y alta). El tamaño del plano siempre será lo suficientemente grande como para no ser
considerado un punto. La superficie sobre la que dibujamos se denomina soporte o plano soporte y puede tener variadas medidas, formas y
puede colocarse en diferentes posiciones. Cada tamaño y posición influye en el efecto final de nuestro trabajo.
Clasificación
Según su forma pueden distinguirse dos tipos de planos: los planos geométricos (regulares e irregulares) y los planos orgánicos.
Los planos geométricos o polígonos son figuras geométricas formadas por lados. La palabra polígono proviene de los vocablos griegos “polys”,
que significa muchos y de “gonia” que significa ángulos. Los planos geométricos pueden ser regulares o irregulares.
Regulares: son los que tienen lados y ángulos iguales y pueden inscribirse en un círculo.
Ilustración 20.
Planos geométricos regulares
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Irregulares: son los que no tienen todos sus lados iguales y sus vértices no están circunscritos en un círculo.
Ilustración 21.
Planos geométricos irregulares
Los planos orgánicos, de formas libres e irregulares.
Ilustración 22.
Planos orgánicos
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Posibilidades expresivas del plano
La expresividad del plano depende de su contorno, su tamaño y su colocación en el espacio.
Construir formas El plano por sí mismo puede definir formas y objetos. Se pueden utilizar planos con formas diferentes. Existen obras de
arte realizadas solamente con planos. El plano como elemento de figuración:
Ilustración 23. Pablo Picasso, Guernica, óleo sobre lienzo, 3,50 x 7,80 m, 1937
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El plano como elemento de abstracción:
Ilustración 24.
Paul Klee,
In the style of
Kairouan, acuarela
sobre papel, 1914.
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Generar volumen
Podemos separar las zonas de luz y las zonas de sombra colocando planos claros, planos de valores intermedios y planos oscuros. Así,
producimos sensación de volumen y / o creamos ilusión de profundidad.
Trabajar el color
Los planos se pueden pintar con diferentes materiales. El color nos ayuda a identificar mejor las formas u objetos que construimos.
Ilustración 25. Lyonel Feininger, Sailboats,
Oil on canvas, 43 x 71cm, 1929, Detroit
Institute of Arts.
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La forma
Concepto
La forma es la configuración externa de algo. La vista capta a la forma como una de las características esenciales de los objetos, aunque
también nuestro conocimiento previo es influyente.
Clasificación
Formas planas y tridimensionales
Las formas planas son bidimensionales: alto y ancho. Ver El Plano en páginas anteriores.
Las formas tridimensionales tienen altura, ancho y profundidad. Ocupan un lugar en el mundo físico.
Ilustración 26. Ejemplos de formas 2D y 3D
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Formas abiertas y cerradas
Las formas abiertas son aquellas cuyo contorno está interrumpido, de modo que la forma se “confunde” parcialmente con el fondo que la
rodea. Podemos igualmente percibirla gracias a la ley de cerramiento, donde nuestra percepción completa los elementos faltantes para
apreciar la forma completa.
Las formas cerradas son aquellas que presentan un contorno continuo, de modo que la forma se “despega”, se distingue netamente del fondo
que la rodea.
Ilustración 27. Ejemplos de formas abiertas y
cerradas
Formas geométricas y orgánicas
Las formas geométricas son aquellas formas que están construidas según leyes matemáticas. Las formas geométricas se clasifican en
regulares e irregulares. Las primeras utilizan como referencia los polígonos que tienen sus lados y ángulos iguales, como por ejemplo: el
triángulo equilátero, el cuadrado, el pentágono regular. Las formas geométricas irregulares son, lógicamente, todas las demás. Las formas
orgánicas son más libres y espontáneas.
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Ilustración 28. Ejemplos de formas geométricas y
orgánicas
La textura
Concepto
La textura es la cualidad visual y táctil de las
superficies de todo lo que nos rodea. Cada
superficie está hecha de diferentes materiales y
puede ser lisa, rugosa, áspera, suave, opaca,
brillante, etc.
Ilustración 29. Muestrario de texturas
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Clasificación
La textura visual es la que percibimos a través de la vista. Posee una estructura bidimensional, es decir, que está configurada sobre una
superficie plana. Puede recordarnos sensaciones táctiles. La textura táctil es la que revela las características de una superficie con relieve.
La percibimos a través del tacto, por consiguiente, la textura táctil tiene carácter tridimensional.
El color
Concepto
El color es una sensación que percibimos gracias a la existencia y naturaleza de la luz y a la capacidad de nuestros órganos visuales para
trasmitir dichas sensaciones al cerebro. El color de los cuerpos no es una propiedad intrínseca de ellos, sino que depende de la naturaleza
de la luz que reciben. Por un lado, el color es la descomposición cromática de la luz blanca, y por eso lo denominamos color-luz. Por otro lado,
el color es una materia utilizada en las composiciones plásticas. El color-materia o color-pigmento es una aglomeración de pigmentos de
diferente naturaleza y comportamiento. La sensación del color depende de la intensidad de las radiaciones luminosas, del complejo
mecanismo de la visión y de la naturaleza de la materia sobre la que incide la luz.
Cualidades del color
- Matiz: Es la denominación que le damos a cada color. El término matiz también se utiliza como sinónimo de color.
- Valor: Es el grado de luminosidad, o sea de claridad u oscuridad de cada color. Nos permite trabajar luz y sombra. Cuando un color
o un gris son claros, se habla de valores altos; por el contrario, cuando son oscuros, hablamos de valores bajos.
- Saturación: Es el grado de pureza de un color. Se puede desaturar un color a partir de la mezcla con blanco, negro, gris o su
complementario.
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Círculo cromático
Es una manera de organizar visualmente las relaciones y mezclas entre colores, utilizaremos el círculo cromático de 12 zonas creado por el
artista, docente e investigador suizo Johannes Itten.
Ilustración 30. Círculo cromático de doce zonas de Johannes Itten
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Colores primarios, secundarios y terciarios
…“Coloquemos en un triángulo equilátero los tres colores primarios: el amarillo arriba, el rojo abajo a derecha y el azul abajo a izquierda.
El triángulo queda inscripto en un círculo en el cual construimos un hexágono. En los triángulos restantes, colocamos las tres mezclas: cada
uno de estos colores mixtos está constituido por dos colores primarios. Obtenemos así los colores secundarios siguientes:
Amarillo y rojo = anaranjado
Amarillo y azul = verde
Rojo y azul = violeta
Los tres colores secundarios deben mezclarse con mucha precisión: no deben tender ni hacia uno ni hacia el otro de los colores primarios.”
… “Luego, a una distancia oportuna del primer círculo, trazamos un segundo círculo concéntrico; dividimos la corona circular resultante en
doce zonas iguales. En este anillo colocamos, en los lugares correspondientes, los colores primarios y los colores secundarios, dejando una
zona vacía entre cada color. Entonces disponemos en las zonas vacías los colores terciarios compuestos de la mezcla resultante de un color
primario con un color secundario. Obtendremos los colores siguientes:
amarillo y anaranjado = amarillo-anaranjado
rojo y anaranjado = rojo-anaranjado
rojo y violeta = rojo-violeta
azul y violeta = azul-violeta
azul y verde = azul-verde
amarillo y verde = amarillo-verde
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De esta manera logramos un círculo de doce colores equidistantes; en ese círculo cada color ocupa un lugar fijo. Los colores se suceden en el
orden de los colores del espectro o de los colores del arco iris.” … “Los doce colores van dispuestos a intervalos regulares y los colores que se
enfrentan son complementarios.” (Extraído de El arte del color de Johannes Itten)
Ilustración 31. Colores primarios,
secundarios y terciarios.
Colores complementarios
Los colores complementarios como dijimos, se encuentran enfrentados en el círculo cromático (rojo-verde; naranja-azul; amarillo violeta;
naranja amarillento-violeta azulado; etc.). El matiz varía en 180° entre uno y otro. Estos colores se refuerzan mutuamente si están
dispuestos juntos en una composición, de manera que un mismo color parecerá más vibrante e intenso cuando se halle asociado a su
complementario reclamando la atención del observador. Por el contrario, la mezcla de dos colores complementarios entre sí, los anula y
neutraliza alcanzando el gris.
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Ilustración 32. Esquema de
colores complementarios
mayores
Paletas: acromática, monocromática y policromática
Llamamos paleta a la tablilla de madera plana, generalmente rectangular, ovoide o en forma de riñón, con un orificio en un costado para el
dedo pulgar, donde los artistas disponen sus pigmentos para pintar. Por extensión, el término paleta define la gama de colores característicos
de un artista.
Paleta acromática
Los pigmentos a utilizar serán blanco, negro y grises. Se dice que un objeto es blanco cuando tiene la propiedad de reflejar todos los rayos
luminosos del espectro, que, sumados, constituyen la luz blanca. Por el contrario, un objeto es negro cuando absorbe todas las radiaciones
cromáticas y no rechaza ninguna. Tanto al blanco, al negro y a todos los grises se los denomina acromáticos.
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Escala de valores acromática
La escala de valores acromática es una graduación ordenada de grises, que abarca del blanco al negro a intervalos regulares. La que
generalmente se utiliza es la de Ross-Pope de nueve unidades correspondiendo el Nº 1 al negro y el Nº 9 al blanco.
Ilustración 33. Escala de
valores acromática de
Ross-Pope.
Paleta monocromática
Se trabaja con un solo color y sus mezclas con blanco y negro.
Ilustración 34. Escala de
valores monocromática
Paleta policromática
Esta paleta incluye muchos colores. Pueden trabajarse distintas armonías: colores análogos, adyacentes, otros.
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COLORES
FRIOS
COLORES
CÁLIDOS
Temperatura del color: colores cálidos y colores fríos
Por asociación con la luz solar y el fuego, llamamos colores cálidos a aquellos que van del rojo al amarillo, y por asociación con el agua, el
hielo y la humedad, llamamos colores fríos a las gradaciones del azul al verde.
La expresión del color y su temperatura en particular, no se aprecian sólo por su matiz, sino también por su valor y saturación. La división
de los colores en cálidos y fríos radica en la sensación de color y la experiencia humana. Los colores cálidos “avanzan” sobre el espectador,
mientras que los colores fríos “retroceden”.
Ilustración 35. Vincent Van Gogh, La meridiana o La siesta
1889-1890, Óleo sobre tela,73 x 91 cm.
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Composición
Concepto
Componer es organizar una serie de elementos sobre un soporte. La colocación de estos elementos gráficos crea varias relaciones, como
pueden ser las de figura-fondo. Esta organización puede plantearse a través de la simetría o de la asimetría. También pueden proponerse
distintos tipos de ritmo compositivo.
Relación figura – fondo
En la percepción visual, algunas formas llaman más nuestra atención, y se convierten en protagonistas, a este centro de atención lo
llamamos figura. Aquellos elementos de importancia secundaria y que parecen retroceder se convierten en el fondo (que también posee
forma y tamaño).
Normalmente percibimos como figuras a las formas delimitadas por un contorno cerrado; aunque también hay formas abiertas con valor de
figura, ya de mayor complejidad de lectura. La figura se percibe habitualmente en la parte superior o delante del fondo. Sin embargo, a
veces, lo perfora.
El fondo es usualmente más grande que la figura, y por lo general, más simple. El fondo puede percibirse como una superficie o como un
espacio. Las áreas del fondo también tienen forma, si bien a veces solo se trata de la forma negativa del espacio no ocupado.
Relaciones básicas de figura-fondo:
Figura simple – fondo simple
Figura simple – fondo complejo
Figura compleja– fondo simple
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Figura compleja– fondo complejo
El término simple se refiere a la facilidad de comprensión de lo que se ve.
El término complejo se refiere a la necesidad de un mayor esfuerzo perceptual para la lectura y comprensión de lo que se ve.
Esquemas reversibles de figura-fondo
A veces, nuestra percepción no puede establecer con certeza qué es figura y qué es fondo en una imagen. Y es que una misma área puede
poseer valores de figura o fondo, según varíe nuestro centro de interés. Este tipo de esquemas se denominan reversibles.
Ilustración 36. Copa de Rubin, esquema reversible de figura-fondo
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Figuras ambiguas
Otras veces, la misma figura puede significar cosas distintas, como este ejemplo de la anciana y la joven:
Ilustración 37. Ejemplo de figura ambigua
Figuras “imposibles”
Una figura imposible es un dibujo de un objeto que no puede construirse en la realidad. Propone una ilusión que juega con nuestra
percepción. Se dibujan entonces en dos dimensiones representaciones de objetos que sería imposible observar en tres dimensiones.
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Ilustración 38. Ejemplo de figura imposible
El artista gráfico holandés Mauritius Cornelius Escher, con su admirable habilidad
para las matemáticas, y en particular para la geometría, creó muchas imágenes de
este tipo que plantean desafíos al observador.
Ilustración 39. M. C. Escher, Beldevere, ejemplo de arquitectura imposible
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Simetría
La simetría es la concordancia entre las partes que conforman un todo.
Simetría bilateral o axial
Se produce cuando los elementos se “espejan” a ambos lados de un eje imaginario. Se trata de formas
iguales a igual distancia a ambos lados de un eje. Este tipo de composición es el más simple y causa efectos
de inmovilidad y quietud. Encontramos este tipo de simetría en los animales y el hombre.
Ilustración 40. Ejemplo de simetría bilateral o axial
Simetría central o radial
La composición en este caso se estructura alrededor del centro. Se produce cuando existen varios ejes de simetría
que se cortan en un mismo punto central. Provoca efectos visuales de movimiento giratorio.
Ilustración 41. Ejemplo de simetría central o radial
Asimetría
La asimetría se produce cuando no existe ningún tipo de relación simétrica; es la falta de correspondencia entre
las partes de un todo.
Ilustración 42. Ejemplo asimetría
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Ritmo
El ritmo es movimiento ordenado.
El ritmo es la repetición ordenada de elementos de origen semejante. En las artes plásticas el ritmo se da por la repetición ordenada de
líneas, formas, tamaño, espacio y color para formar una armonía. Cuando una pintura contiene la armonía del movimiento rítmico, la vista
recorre la obra con fluidez, dirigida ya sea por las líneas, el color, las formas o los valores que han sido ordenados por medio de ciertos
esquemas. El ritmo aparece de diversas maneras:
Ritmo uniforme
Se produce cuando un mismo elemento se repite de forma regular. Si el espacio entre los elementos es amplio crea una sensación de
movimiento lento y solemne y, cuando la distancia es muy pequeña, se crea una sensación de tensión rápida. Este tipo de ritmo es monótono,
ya que repite elementos iguales en espacios iguales, pero como puede pasar inadvertido sirve
para destacar otro elemento o tema.
Ilustración 43. Ejemplo de ritmo uniforme
Ritmo creciente:
se produce cuando los elementos aumentan de tamaño, altura, color, o aumenta
la distancia entre ellos.
Ilustración 44. Ejemplo de ritmo creciente
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Ritmo alterno
Se da cuando dos elementos distintos se van alternando de forma regular. Pueden plantearse de distintos modos: grandepequeño, arriba-
abajo, alternando formas o colores, siempre en espacios iguales.
Ilustración 45. Ejemplo de ritmo alterno
Ritmo decreciente:
Se origina cuando los elementos disminuyen de tamaño, altura, color, o disminuye la distancia entre ellos.
Ilustración 46. Ejemplo de ritmo decreciente
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Indicadores espaciales
Concepto
Los indicadores espaciales son recursos que nos permiten crear profundidad e ilusión plástica en superficies bidimensionales. Además
de la perspectiva hay una serie de indicadores que también pueden utilizarse. Algunos de ellos son: superposición, transparencia y
perforación.
Superposición
Las formas que están adelante impiden la visión de las que están detrás. Al superponer elementos en una composición, aquellos que
aparezcan por debajo parecerá que están más lejos.
Los objetos a distintas distancias de nosotros casi siempre se superponen al
proyectarse en nuestra retina. Cuando un objeto cubre parte de otro sabemos por
experiencia que debe estar delante de él. Por lo tanto, es probable que esté más
cerca.
Ilustración 47. Ejemplo de superposición en esta Naturaleza muerta del artista
Paul Cezanne.
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Transparencia
Las formas que están detrás se aprecian a través de las formas dispuestas delante. Este indicador es una variante de la superposición.
Expresa dos o más posiciones en el espacio.
Ilustración 48. Ejemplo de transparencia en esta obra del artista Paul Klee
Perforación
Las formas se interconectan.
Ilustración 49. Ejemplo del indicador: perforación
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