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TEMA 61: ARTE BARROCO
1. INTRODUCCIÓN
2. CARACTERÍSITCAS GENERALES DEL BARROCO
3. ARQUITECTURA
3.1 ARQUITECTURA EN ITALIA
3.2 ARQUITECTURA FRANCESA
3.3 ARQUITECTURA ESPAÑOLA Y LATINOAMERICA
3.4 ARQUITECTURA EN INGLATERRA
3.5 ARQUITECTURA EN AUSTRIA Y ALEMANIA
4. ESCULTURA
4.1 CARACTERÍSTICAS GENERALES
4.2 ESCULTURA EN ITALIA
4.3 ESCULTURA EN ESPAÑA
4.4 ESCULTURA EN FRANCIA
4.5 ESCULTURA EN EL RESTO DE EUROPA
5. PINTURA
5.1. CARACTERÍSTICAS GENERALES
5.2 PINTURA EN ITALIA
5.3 PINTURA EN FLANDES Y HOLANDA
5.4 PINTURA EN ESPAÑA
1. INTRODUCCIÓN
Por regla general se considera al Barroco como un estilo asociado a la ideología religiosa, derivada de la Contrarreforma, y a la monarquía absolutista. Un estilo unitario caracterizado por el sentido teatral y el dinamismo, que se contrapone al Renacimiento. Pero esta idea tradicional puede decirse que está superada: tenemos que considerar al Barroco como un estilo multiforme y pluralista que sirvió a muchos intereses contrapuestos.
El Barroco es la expresión de grandes cambios políticos, económicos, ideológicos o sociales cuyos resortes de acción son muy diferentes a los del Renacimiento, por lo que exige la utilización de un lenguaje distinto. Ello no quiere decir que sea un lenguaje totalmente opuesto al clasicismo renacentista, sino que entabla, con ese clasicismo, un diálogo distinto. En realidad, el Barroco nació como evolución del arte del siglo XVI, no de la oposición a lo clásico.
Como vamos a ver en este tema, es muy difícil reducir a la unidad un periodo de la cultura europea que abarca siglo y medio, tanto desde un punto de vista ideológico como psicológico, cuando las condiciones y los factores históricos son diferentes en cada país. No se puede reducir a la unidad el arte barroco cuando se presenta dividido en múltiples escuelas.
En fin, el siglo XVII -considerando los límites cronológicos desde un punto de vista flexible- es un siglo lleno de acontecimientos relevantes que preparan el camino a la idea moderna de Europa, frente a la concepción de “cristiandad” imperante en el Renacimiento y en la Edad Media. Surge también el concepto de europeismo fundado en la secularización y la adopción de otros valores: la confianza en la razón y en la ciencia como medios que permitan llegar a una convivencia entre las naciones.
2. CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL BARROCO
Entre las características generales del arte barroco están:
- su sentido del movimiento, la energía y la tensión. - Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos
cuadros, esculturas y obras arquitectónicas. - Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis,
martirios y apariciones milagrosas. - La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas;
tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva.
- El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes.
- La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.
3. ARQUITECTURA
- Frente a la armonía, equilibrio y sentido estático renacentistas, se impone ahora el gusto por los contrastesgusto por los contrastes, ya sean cromáticos, utilizando diferentes materiales (ladrillo, piedra, mármol,...) o lumínicos, alternando zonas oscuras con otras fuertemente iluminadas, contraste de claroscuro
- Ya no existe una organización unitaria, sino que la planta del edificio tiene varios centros de interés;
- Predomina el interés por el movimientointerés por el movimiento, en plantas y alzados. Las plantas pierden ahora sus formas tradicionales, siendo ahora circulares, elípticas, octogonal. Se llega al abandono de líneas rectas y superficies planas.
- No reniega de las formas clásicas (columnas, arcos, frontones, frisos), pero las transforma de manera fantasiosa.
- Se empiezan a dibujar fachadas cóncavas y convexas, apogeo de lo curvoapogeo de lo curvo, de los constantes entrantes y salientes, de la columna salomónica. En los interiores también se buscan las superficies curvas
- Arcos y frontones mixtilíneos. El arco descansa sobre la columna por el intermedio de un entablamento (esto es el modo romano), o descansa directamente sobre el capitel (modo bizantino). Ambos modos fueron empleados en el Renacimiento.
- Las ventanas son ovales o cuadradas con la parte superior curva.
- la decoración se va haciendo cada vez más rica y colorista. La decoración se enmarcaría con toda suerte de complicaciones y de extravagancias naturalistas. La naturaleza entra a formar parte de las perspectivas arquitectónicas.
- El rechazo de la simplicidad y la búsqueda de lo complejobúsqueda de lo complejo
-- Gusto por lo dramático, exuberante y teatral. Gusto por lo dramático, exuberante y teatral.
- El espacio se rompe, las formas abren, se rompe el equilibrio matemático. Este es el Barroco de la arquitectura: las “formas abiertas“formas abiertas” sustituyen a las “formas cerradas” con ímpetu lleno de inquietud, con un gusto orgánico de agregación más que de geometría y simetría.
- Las obras son: palacios, religiosas, urbanísticas, grandes jardines.
3.1 ARQUITECTURA BARROCA EN ITALIA
Durante el S. XVII se confirma el papel de Roma como capital del arte Italiano. Será en esta cuidad donde se encuentren la mayor parte de obras y artistas.
Las primeras muestras del barroco aparecen en Italia y su mejor representante es Gian Lorenzo Bernini, que proyectó la plaza de san pedro en el vaticano (comenzada en 1656). Gracias al complicado juego perspectivo de la doble columnata (de planta oval abierta con dos brazos) la fachada chata de Carlo Maderno para la basílica de San Pedro cobra un nuevo vigor. Otra de sus mejores obras es la Escala Regia (1663-1666), también en el Vaticano, donde consiguió construir en un espacio reducido una de las escaleras más impresionantes de la historia de la arquitectura.
Casi contemporáneo de Bernini es Francesco Borromini. Su arte se caracteriza por la búsqueda constante del movimiento y la reivindicación de la libertad del artista para crear espacios originales. Diseñó la iglesia de Santa Inés en la plaza Navona (comenzada en 1652) y la planta de Sant’Ivo alla Sapienza. La elegante ondulación de la fachada de San Carlo alle Quattro Fontane (1665-1667) en Roma, obra de Borromini, con sus ritmos cóncavos y convexos trasladados al interior mediante una planta oval, podría considerarse como la culminación del estilo barroco en Italia.
3.2 ARQUITECTURA FRANCESA
En el S. XVII Francia de la mano de su rey Luís XIV tomó el relevo en la hegemonía europea de España que tras una larga guerra con este país firma la paz de los Pirineos en 1659. Desde este momento el rey Luís XIV se convierte en el rey más poderoso de Europa y pretende construir una Monarquía absoluta y centralista. Símbolo de este poder será el Palacio de VersallesEl palacio de Versalles es el monumento arquitectónico más importante del barroco francés. Su dedicación al Rey Sol, sus estrictas formas clásicas, sus vastos y complejos jardines y los suntuosos interiores, estaban destinados a mostrar la gloria y el poder del monarca; dio origen a imitaciones encargadas por los reyes absolutistas de toda Europa.
Un proyecto igualmente grandioso fue la ampliación del palacio del Louvre , encargada a Bernini en un primer momento pero definitivamente realizada por Le Vau, Lebrun y Claude Perrault entre otros.
La arquitectura palaciega se caracteriza por su gran clasicismo de exteriores relativamente sencillos en los que se emplea como único ornamento columnas y pilastras de orden clásico, así como frontones o entablamientos y cornisas. Casi todos los palacios tienen la misma estructura, un cuerpo rectangular franqueado por otros dos laterales en ángulo recto que forma un patio abierto donde se encuentra la fachada principal que suele estar en la parte de atrás dando a un gran jardín.
La muerte de Luís XIV en 1715 coincidió con una serie de renovaciones en el mundo del arte que desembocaron en lo que se conoce como estilo rococó.
3.3 ARQUITECTURA ESPAÑOLA Y DE LATINOAMERICA
A pesar de la crisis económica y política, surge una actividad artística excepcional: lo que se ha denominado “Siglo de Oro”. Sin embargo, en el terreno artístico hay una clara víctima de la situación decadente: la arquitectura, como arte más costoso, se resentirá de la falta de presupuestos a la hora de construir. Ello tiene como consecuencia la pobreza de los materiales constructivos y la escasa calidad estética de los conjuntos arquitectónicos.
No hay una notoria aportación de soluciones nuevas aproximadamente 1660, fecha en torno a la cual aparecen esquemas constructivos que pueden clasificarse de barrocos. Hasta entonces se mantienen los esquemas tradicionales procedentes de la arquitectura clasicista española, fruto de la ideología contrarreformista y de su plasmación en la arquitectura herreniana, que vino a convertirse en el estilo oficial en el último cuarto de siglo XVI.
La arquitectura de la primera mitad del siglo XVIII ofrece dos aspectos: - por una lado, una corriente nacional que nos ofrece una interpretación del barroco
plenamente hispana, con una propensión a lo decorativo, desde 1720 puede hablarse de “Rococo”, cuyas características nos lo emparentan con el elegante y refinado barroco europeo.
- por otra parte, el cambio de dinastía supone un cambio de orientación en el arte cortesano, alejado del gusto hispano por lo recargado. El arte de los Borbones se caracteriza por un relacionalismo basado en la disposición ordenada y clara de los elementos arquitectónicos de influencias francesas e italianas. Felipe V trata de evocar el ambiente versallesco, ejemplo, reconstrucción del Alcázar, el Palacio de la Granja y el Real Sitio de Aranjuez.
Ya en el siglo XVIII la riqueza y fantasía decorativas alcanzan su apogeo con las construcciones de la familia Churriguera, especialmente en Madrid y Salamanca, así como también en la obra de arquitectos como el madrileño Pedro de Ribera y el gallego Fernando Casas Novoa.
Por última mencionar el barroco en América aunque sea brevemente, en grandes líneas se caracteriza por cientos aspectos de exaltación, riqueza ornamental, audacia en los alzados y gusto por el color. Sorprende, sin embargo, el carácter generalmente conservador de las plantas en América Latina. La riqueza de los retablos es especialmente llamativa por su desarrollo que llega a cubrir por completo los interiores. Se emplea mucho el arco mixtilíneo y las claraboyas estrelladas, así como motivos decorativos indígenas. El barroco más típico corresponde al siglo XVIII.
3.4 INGLATERRA .
Es la arquitectura más clasicista de todo el Barroco, muy influida por Palladio.
Destaca la figura de C. Wren, entre sus obras destaca la Catedral de San Pablo de Londres, y el Palacio de Kensington. Después del incendio de Londres de 1666, Wren dirigió la reconstrucción de la ciudad aunque no se llevó a cabo su plan urbanístico. Sin embargo, realizará numerosas iglesias.
La gran obra del siglo XVIII será la Ciudad balnearia de Bath, obra de Word
3.5 AUSTRIA Y ALEMANIA
Es un barroco tardío con respecto al barroco italiano y francés. La Guerra de los Treinta Años, constituyó para Alemania un tremendo bache económico y social que determina un parón en
la actividad artística. En realidad hasta después de 1648 no puede hablarse de arquitectura barroca alemana, e incluso en un primer período, son sobre todo artistas italianos los que acuden a trabajar allí.
A finales de siglo y comienzos del XVIII encontramos ya una serie de arquitectos alemanes, de gran personalidad que dan carácter propio a su arquitectura y que, aunque se inspiran en Bernini, Borromini y Guarini Guarino, y recogen ya ecos del mundo francés, ofrecen soluciones personales y un nivel de calidad extraordinario.
El centro principal será Viena, donde destacan las figuras de Fischer y Earlach, que realizan respectivamente la iglesia de San Carlos Borromeo, y el Palacio de Schönbrunn. Otra figura es Lucas Hildebrandt que realiza del Palacio de Belvedere de Viena.
Otro artista de inspiración plenamente barroca es el prusiano Andreas Schlüter, autor del Palacio y la Armería de Berlín, de monumentalidad casi clásica, inspirado tanto en lo italiano como en lo francés versallesco.
Muy característico de esta zona son una serie de abadías que se realizan en torno al Danubio, son como pequeñas ciudades, destacando la de Melk y la de Klosternouburg, son los llamados “palacios de la fe”.
ARQUITECTURA BARROCA EN ITALIA
BERNINI CARLOS MADERNO
PLAZA DE SAN PEDRO EN EL VATICANO FACHADA DE LA BASILICA DE SAN PEDRO
FRANCESCO BORROMINI
FACHADA DE SAN CARLOS DE LAS 4 FUENTES SAN CARLO ALLE QUATTRO FONTANE
PLANTA DE SANT´ IVO ALLA SAPIENZA
ARQUITECTURA BARROCA EN FRANCIA
PALACIO DE VERSALLES PALACIO LOUVRE
ARQUITECTURA BARROCA EN ESPAÑA
CHURRIGUERA
CONVENTO DE SAN ESTEBAN PALACIO DE LA GRANJA PALACIO DE ARANJUEZ (SALAMANCA) (SEGOVIA)
PEDRO RIBERA FERNANDO CASAS NOVOA
HOSPICIO DE MADRID PUENTE DE TOLEDO FACHADA DEL OBRADOIRO EN LA CATEDRAL SANTIAGO DE COMPOSTELAARQUITECTURA BARROCA EN INGLATERRA
WREN
CATEDRAL DE SAN PABLO (LONDRES) PALACIO DE KENSINGTON
ARQUITECTURA BARROCA EN ALEMANIA Y AUSTRIA
FISCHER EARLACH
IGLES. SAN CARLO DE BORROMEO PALACIO DE SCHONBRUNN
LUCAS HILDEBRANDT
PALACIO DE BELVEDERE (VIENA)
4. ESCULTURA
4.1 CARACTERÍSTICAS GENERALES.
Podemos establecer las siguientes características de la escultura barroca:
La seriedad del personaje y la frialdad, y un gran abstractismoabstractismo en los personajes, con un pronunciado gusto por lo recto, la seriedad y la rectitud de los cuerpos, acentuando al mismo tiempo lo sobrio y el espeticismoespeticismo.
El gusto por el desnudismodesnudismo y la realización de esquemas compositivos libres del geometrismo, lo que choca con la proporción equilibrada del renacimiento.
La escultura barroca va a ser la escultura del movimientomovimiento. Frente al equilibrio y reposo del renacimiento o la tensión interior del manierismo, la escultura barroca va a proyectarse hacia fuera: composiciones en aspas, los paños flotantes, gesticulación expresiva de brazos y manos.
Hay un gran deseo de naturalismodeseo de naturalismo. La escultura se enfrenta a la volatilidad de los elementos, llegando a una fusión con la luz, el agua y el aire. El deseo de naturalismo hará que las superficies reproduzcan las diversas calidades de las cosas desde las telas hasta la carne. En muchas ocasiones se buscará también la policromía.
Junto a la escultura en sentido estricto se encuentra la estatuaria, la taracea policromada, el bajorrelieve se yuxtapone a diversas técnicas como la fundición, la forja o el trabajo de madera.
Se utilizan preferentemente la madera, el metal y el oro. Se busca asimismo del graphito.
4.2 ESCULTURA EN ITALIA
La escultura barroca, al igual que la arquitectura, tiene su origen en Italia. La gran figura es el polifacético Bernini. La importancia de Bernini se centra en un hecho fundamental: sus obras imponen una verdadera transformación de las concepciones establecidas en el campo de la escultura.
Sus obras expresan un dramatismo y una profundidad emocional acordes con la intensidad espiritual de la Contrarreforma. Se caracterizan también por la interrelación de luces
y sombras y por la forma dinámica de plasmar el movimiento. Su Apolo y Dafne demuestra que también poseía un gran virtuosismo técnico al trabajar el mármol. El David es una de sus primeras obras y contrasta con el David más clásico y contenido de Miguel Ángel, que nos mostraba una figura contemplativa y reservada. La versión de Bernini es una figura en pleno movimiento, con la atención fija en el punto donde aparecerá el adversario y el cuerpo contorsionado para efectuar el disparo.
Somete a sus grupos a una composición completamente diferente a la establecida por sus antecesores, sus esculturas no pueden concebirse solas, sino formando parte de un conjunto arquitectónico y pictórico que les da todo su sentido. Todo ello se observa en el Extasis de Santa Teresa en la iglesia de Sta.Mªde las Victorias, grupo escultórico en el que logra la máxima teatralidad y en donde funde lo espiritual y lo sensual de manera inaudita.
4.3 ESCULTURA EN ESPAÑA
Las especiales circunstancias de la realidad histórica española determinan unas características particulares en su arte. Durante el siglo XVII y mientras en Italia y Francia se desarrolla la gran escultura barroca de origen berminiano, en mármol y bronce, con amplio uso de la mitología y la alegoría, en España se cultiva la escultura en madera policromada, de carácter exclusivamente religioso, que se pone por entero al servicio de la sensibilidad piadosa contrarreformista, que procura aproximar la realidad del hecho religioso representado, para mover la sensibilidad del creyente, que asiste, así, en cierto modo, al hecho (al “paso”) de la Pasión de Cristo, o siente a los Santos como personas vivas y reales.
En sus comienzos la escultura barroca española permanece al margen de la evolución hacia el dinamismo, movimiento y teatralidad de lo italiano. Sólo a mediados del siglo, en la Corte y en Andalucía, se comienza a tener noticia del barroquismo berninesco, que a finales de siglo, y sobre todo en el siglo XVIII, será generalmente conocido e incorporado a nuestro arte.
En resumen, podemos establecer las siguientes características:
- Realismo y expresividad: escorzos, dominio de la diagonal, abundancia de plegados.
- El material básicamente empleado es la madera, policromada lo que ayuda a acentuar el naturalismo. No serán extraños los añadidos, los postizos: ojos, pelos, vestidos,... todo aquello que ayude a crear sensación de verismo.
- La temática casi de forma exclusiva, será religiosa. En menor medida encontraremos escultura de carácter funerario;
- Los escultores van a trabajar generalmente para parroquias, monasterios, gremios y cofradías que sacan las esculturas que poseían en procesión.
A comienzos del siglo XVII se pueden señalar dos focos escultóricos:
● Castilla, con Valladolid y la Corte de Madrid: Los principales escultores fueron Gregorio Fernández, máximo exponente de la escuela castellana, con impresionantes tallas de Inmaculadas, Piedades y Cristos yacentes.
● A ndalucía , con Sevilla y Granada. Los representantes de la escuela andaluza, en especial Juan Martínez Montañés, Pedro de Mena, Juan de Mesa. Estos últimos repartieron entre Sevilla y Granada buena parte de sus Cristos crucificados, Inmaculadas, santos
y otros temas típicos de los pasos procesionales, para los que iban destinadas muchas de estas imágenes cargadas de realismo, expresividad y fervor religioso.
En el siglo XVIII a estos núcleos se agregan algunos más, especialmente en Levante:
● Murcia. Encontramos la figura más importante del siglo y la que cierra el ciclo de la gran escultura policromada española: Francisco Salzillo. Supo aunar la gracia italiana con el dramatismo español, resultando un arte delicado, plenamente Rococó. Realizó pasos procesionales como el de la Oración del Huerto y el Prendimiento. Pero su obra más popular es el Belén del Museo de Murcia.
4.4 ESCULTURA EN FRANCIA
La escultura barroca francesa tiene esencialmente un carácter cortesano, mitológico y decorativo. Aunque también es lógico que haya escultura religiosa aunque su importancia y personalidad es menor que la profana.
En el reinado de Luis XIII no hay grandes figuras. En tiempos de Luis XIV y en torno a la construcción de Versalles surgen los dos escultores más importantes de Francia:Francois Girardon, es autor del Mausoleo de Richelieu, compuesto con serena perfección y del grupo de Apolo y las Ninfas, para Versalles. Antoine Coysevox, realizó el gran relieve de estuco de Luis XIV a caballo, para el Salón de la Guerra de Versalles, y varias esculturas para el parque del palacio. Fue además un gran retratista, sus bustos-retratos nos transportan por su realismo a la vida de su siglo, busto de Luis de Borbón.
Al margen de París, está el más genial de los escultores franceses: Pierre Pugetque es, además, el más auténticamente barroco, amigo del dramatismo, de la tensión y de la violencia formal: Milón de Crotona, Alejandro y Diógenes.
4.5 ESCULTURA EN EL RESTO DE EUROPA
Como hemos dicho el estilo de Bernini inunda Europa. Artistas educados en Italia vuelven a sus países de origen con el estilo formado en aquellos modelos. Así, en la Alemania Protestante encontramos a Andreas Schüter que realiza la estatua ecuestre del Gran Elector en Berlín. En la Alemania católica encontramos, como en España, la supervivencia de la escultura en madera policromada.
En Inglaterra, también la inspiración berninesca determina el tono de los grandes monumentos funerarios, de carácter conmemorativo, que se levantan en Londres.
ESCULTURA ITALIANA
BERNINI
ÉXTASIS DE SANTA TERESA APOLO Y DAFNE EL DAVID
ESCULTURA EN FRANCIA
FRANCOIS GIRARDON
TUMBA DEL CARDENAL RICHELIEU APOLO Y LAS NINFAS LUIS XIV
EL INVIERNO MADRE DOLOROSA ALEGORIA RELIGIOSA
ESCULTURA EN ESPAÑA
GREGORIO FERNANDEZ JUAN MARTINEZ MONTAÑES
CRISTO CRISTO YACENTE INMACULADA
PEDRO DE MENA JUAN DE MESA
Mª MAGDALENA CRISTO DE LA BUENA MUERTE
FRANCISCO SALZILLO
EL PRENDIMIENTO LA ORACIÓN DEL HUERTO
LA SANTA CENA VIRGEN DE LAS ANGUSTIAS CRISTO EN EL PASO DE LA CAIDA
LA DOLOROSA
5. PINTURA
5.1 CARACTERÍSTICAS GENERALES
La pintura barroca es una de las manifestaciones más ricas y abundantes y variadas del siglo XVII.
En la pintura se produce la revolución más radical del arte barroco. Como características generales tenemos:
- Dominio de la profundidad que tiene en la perspectiva aérea su máxima expresión.
- Predominio de la luz sobre la forma, y del color sobre el dibujo.
- Un extraordinario realismo o naturalismo cuyas consecuencias más importantes son: la representación de lo desagradable, la humanización de los personajes sagrados o mitológicos.
- Desarrollo de géneros como el retrato (de cuerpo entero, de grupos, retrato pagano, etc) y/o el paisaje.
- La composición es abierta, ya todos los elementos parecen impulsados por una fuerza interna hacia la parte exterior del cuadro.
- La ordenación del espacio barroco tiene en la luz uno de sus elementos definidores esenciales. El siglo XVII rompe con el interés centralizador del renacimiento y crea focos de atención, que a pesar de ser secundarios en la historia aparecen como esenciales.
- Los colores son también de tonalidades diversas, atendiendo a las zonas de producción y a las tendencias artísticas. El Barroco utiliza colores cálidos, aunque matizados de manera artificial por la luz. Son colores persuasivos. Crea un medio de comunicación frío, distante y racional.
- Técnicamente se abandona el temple y la tabla, siendo sustituidos por el óleo y el lienzo, lo que facilita el aumento del tamaño de los cuadros. Se sigue utilizando la técnica del fresco, en pintura decorativa aplicada a la arquitectura.
- Gusto por lo teatral que produce una unificación de todas las artes.
5.2 LA PINTURA ITALIANA : Van a convivir dos tendencias:
Naturalismo : Caravaggio
Las principales aportaciones son el naturalismo que lleva a plasmar la realidad cotidiana y popular en sus cuadros religioso y, la utilización de un recurso el “tenebrismo”, consistente en presentar los personajes y los objetos sobre un fondo oscuro, destacándolos con una iluminación dirigida y violenta, que hace más evidente los gestos y los objetos, trayéndolos a una especie de primer plano. El “tenenbrismo” ignora el paisaje, pero valora enormemente naturaleza muerta. Obras suyas son, Conversión de San Pablo, Vocación de San Mateo, La muerte de la Virgen, David con la cabeza de Goliat.
Prolongación del clasicismo, a través de la escuela ecléctica de Bolonia los Carracci
A la vez que los caravaggistas reaccionan violentamente frente al manierismo, en Bolonia se produce un fenómeno paralelo de rechazo de las formas idealizadas en exceso. Pero buscando no la realidad inmediata, sino una realidad más matizada e intelectualizada, que pinta las cosas no como son, sino como deberían ser, buscando la belleza ideal y la expresión de los caracteres y estados de ánimo, de manera parecida a como había actuado el arte griego o el del Renacimiento, que pasan a ser modelos ideales.
Este clasicismo se interesa pronto por la naturaleza y crea un tipo de paisaje de enorme belleza y equilibrio, ordenado en planos, con utilización frecuente de motivos de ruinas clásicas.
Entre los primeros artistas de esta corriente está la familia de los Carraci, sobre todo Aníbal Caracci, que revivió los antiguos valores de arte italiano. Para ello se valió de un método tradicional: escoger lo mejor de los grandes maestros (eclecticismo). Se le encargó el programa decorativo del Palacio Farnese. donde se encuentra su obra más lograda. Esta obra es un ciclo de frescos con temas de la mitología clásica como el Triunfo de Baco y Ariadna.
5.3 PINTURA EN FLANDES Y HOLANDA
Aunque hemos puesto este título conjunto, hay que tener en cuenta que Europa vivía momento de convulsiones religiosas: Flandes, bajo el dominio español, será católica, por lo que los temas religiosos seguirán siendo de primer orden, será una religiosidad optimista y alegre. En la protestante Holanda estos temas quedarán relegados a un interés en los temas de carácter burgués, profano.
A) FLANDES
La tradición pictórica de Flandes es sobradamente conocida. Se centra en el gusto burgués por lo cotidiano y los detalles, y la exaltación de su modo de vida.Entre todos los pintores flamencos destaca Péter Paul Rúbens. Se caracteriza por su dinamismo, vitalidad y exuberancia. Su colorido es cálido. Sus composiciones se ordenan habitualmente sobre un esquema diagonal. Cuerpos musculosos, a los que agrupa un ritmo turbulento, e incluso en el paisaje está ese impulso dinámico. Rubens abarca todos los géneros:
- religiosos , tiene obras que glorifican a la Iglesia triunfante, como El descendimiento, o El levantamiento de la cruz, en las que la composición diagonal remarcan la teatralidad, - Junto a esas obras tiene escenas profanas, de temática mitológica, en las que utiliza
el desnudo, como Las tres Gracias. - retratos: Duque de Lerma.
B) HOLANDA
Al contrario que Flandes, Holanda es la defensora del protestantismo y del triunfo de la burguesía. En el siglo XVII Holanda se coloca entre las grandes escuelas de la pintura con un marcado carácter nacional, gracias al desarrollo de la burguesía, que demandó gran cantidad de cuadros en los que se mostrase su estilo de vida. Presta atención al dibujo. Los colores son fríos, y el resultado es más realista que efectista. En realidad, el estilo está alejado del barroco, salvo en el caso de Rémbrandt. El tema preferido de los holandeses será el retrato, sobre todo el retrato colectivo, en el que aparecían los miembros de las corporaciones de hombres honrados. Utiliza temas de la vida real y cotidiana, escenas de interior, naturalezas muertas, paisajes y retratos, individuales y colectivos. Los acontecimientos más banales merecen la atención del pintor.
Frans Hasl, es el gran especialista, y creador, de los retratos colectivos, en los que con un gran detalle salen todas las gentes de bien. Utiliza tonos fríos y pinceladas planas pero vigorosas: La gitana,, El banquete de los oficiales de san Jorge.
Jan Vermeer de Delft, es otro de los grandes pintores holandeses. Sus obras son tranquilas, calmadas, de interior, con figuras estáticas y una atmósfera intimista de ambiente burgués, aunque puede llegar a lo grotesco. En sus cuadros encontramos sencillez compositiva y escenarios realistas: La encajera, Mujer leyendo una carta, La muchacha del turbante.
Rémbrandt van Rijn es el gran pintor de la escuela holandesa. Es un pintor lleno de personalidad y uno de los grandes genios del arte. Sus obras respiran espiritualidad. Pinta retratos de la sociedad, y también a sí mismo, pero sus temas alcanzan a todos los campos de la pintura. Utiliza el claroscuro tenebrista de una manera muy acusada. También pinta temas religiosos, pero basados en el antiguo testamento. Es profundamente realista y pinta comportamientos humanos vulgares y paisajes melancólicos. Su ejecución es muy personal, usa espátulas y los dedos para extender la pintura, con lo que logra efectos de gran dramatismo. Sus obras más representativas son La lección de anatomía, La negación de san Pedro, Autorretrato, La ronda de noche.
5.4 PINTURA EN ESPAÑA
El siglo XVII representa la época dorada de la pintura española por la calidad de sus pintores y el marcado estilo de las obras.
Los pintores españoles usan como inspiración a artistas italianos como Caravaggio y su
tenebrismo, aunque luego lo abandonan. La pintura flamenca barroca influye notablemente en España, debido al mandato que se ejerce en la zona, y a la llegada de Rubens al país como pintor de la corte.
Se deriva un predominio casi absoluto del lienzo sobre el fresco, como técnica más empleada.
La temática predominante es la religiosa, debido al peso de la iglesia como principal cliente de los artistas y al ambiente religioso que impregna todos los aspectos de la vida cotidiana.
Durante el siglo XVII la pintura española atravesó uno de los momentos culminantes de su historia, pasando del realismo tenebrista de la primera mitad del siglo, al colorismo y la luminosidad de influencia flamenca de la segunda mitad.
PRIMERA MITAD DEL SIGLO XVII: naturalismo tenebrista
Durante la primera mitad del siglo, las formas predominantes son las del naturalismo tenebrista, de influencia directamente italiana.
► ESCUELA VALENCIANA
Se suele incluir entre los pintores valencianos la figura de José de Ribera.
- Se formó en Valencia, pero joven marcha a Italia y se empapa de las influencias del tenebrismo de Caravaggio.
- Ribera sintió predilección por pintar cuadros que mostraban las gentes sencillas de la época. Ribera destacó por su impecable y realista tratamiento de la piel y de las arrugas.
- Como otros pintores españoles de la época, sufrirá una evolución en la abandonando poco a poco el tenebrismo, que ya desaparece en su célebre obra Martirio de San Bartolomé. Este abandono del tenebrismo se produce por el contacto e influencia de Rubens y Velázquez.
- Otras obras importantes de José de Ribera son San Jerónimo penitente, San Andrés, La Magdalena, etc.
► ESCUELA ANDALUZA
Francisco de Zurbarán, afincado en Sevilla, fue el pintor monástico por antonomasia; nadie como él supo representar con más sencillez el fervor religioso de la vida monástica contrarreformista. Los volúmenes simples, la sencillez compositiva y el tenebrismo, caracterizado por los fuertes contrastes de luz y sombra, definen el estilo que no cambiará hasta los últimos años de su vida, cuando la influencia de Bartolomé Esteban Murillo le lleve a experimentar con una pincelada más suelta y ligera y un uso más vaporoso de los colores.
Sus obras más famosas son los ciclos monásticos, dan una idea vivísima de las devociones de su siglo (series de frailes mercedarios, dominicos, cartujos, franciscanos...). Pintó entre otras: Visión de Fray Pedro de Salamanca, El milagro del padre Salmerón, Virgen protectora de los Cartujos, Apoteosis de Santo Tomás y San Hugo en el refectorio.
SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XVII : realismo barroco
La segunda mitad del siglo, y especialmente bajo el reinado de Carlos II, se vive una transformación completa en cuanto a la pintura. A la influencia italiana, naturalista y tenebrista, de la primera mitad, sucede un predominio de lo flamenco, dinámico y colorista, con su sentimiento de brillo y riqueza que contrasta aparentemente con la realidad de la dura decadencia española.
Es en este periodo cuando tiene auge ciertos temas, como el bodegón de “vanitas”.Además, se desarrolla, un tipo de pintura mural, y de bóveda, nuevo por completo en España.
Bartolomé Esteban Murrillo
Murillo se centró también en la temática prácticamente religiosa. Murillo representa la cara dulce de la Contrarreforma. Fue muy popular y querido. Sus clientes fueron las órdenes religiosas y algunos párrocos.
Se produce una evolución en sus trayectoria como pintor, ya que al principio se adhiere al tenebrismo y pinta escenas de cámara, cuyos protagonistas son los niños. Si embargo, en sus últimos años su pintura se hace más colorista.
De la primera etapa es la Sagrada Familia del Pajarito. Es un cuadro tenebrista y de gran realismo y de una cotidianidad muy cercana al pueblo. Su composición se basa en líneas diagonales. Otras obras importantes de Murillo son Niños comiendo fruta, Niño mirando por la ventana, El Niño Jesús del cordero, El Buen Pastor, La Anunciación.
Otra de las obras maestras de Murillo es su Inmaculada Concepción. Es una pintura colorista con una escena idealizada donde la Virgen tiene una mirada de éxtasis místico.
Diego Rodrigo de Silva y Velásquez (tema 62)
PINTURA EN ITALIA
CARAVAGGIO
VOCACIÓN DE SAN MATEO CONVERSIÓN DE SAN PABLO ENTIERRO DE LA VIRGEN
EL DAVID CON LA CABEZA DE GOLIAT
CARACCI
TRIUNFO DE BACON Y ARIADNA
PINTURA EN FLANDES Y HOLANDA
RUBENS
LAS TRES GRACIAS ADORACIÓN DE LOS REYES MAGOS EL DESCENDIMIENTO
EL LEVANTAMIENTO DE LA CRUZ RETRATO DEL DUQUE DE LERMA
FRANS HASL
EL BANQUETE DE LOS OFICIALES DE SAN JORGE LA GITANA
JAN VERMEER DE DELFT
LA ENCAJERA MUJER LEYENDO UNA CARTA LA MUCHACHA CON TURBANTE
REMBRANDT
LA RONDA DE NOCHE LA LECCIÓN DE ANATOMIA NEGACIÓN DE SAN PEDRO
AUTORRETRATO ÚLTIMO AUTIRRETRATO
PINTURA EN ESPAÑA
JOSE RIBERA
MARTIRIO DE SAN BARTOLOMÉS EL PATIZAMBO MARTIRIO DE SAN FELIPE
LA MAGDALENA SAN ANDRES
FRANCISCO ZURBARÁN
SAN HUGO EN EL REFECTORIO EL BODEGÓN APOTEOSIS DE SAN TOMÁS
VIRGEN PROTECTORA DE LOS CARTUJOS
MURILLO
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