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UNIVERSIDAD PARTICULAR
DE CHICLAYO
VICERRECTORADO DE
INVESTIGACIÓN
FACULTAD DE EDUCACIÓN
PROPUESTA CURRICULAR PARA LA
ENSEÑANZA DEL ÁREA DE ARTE EN LAS
INSTITUCIONES EDUCATIVAS DEL NIVEL
PRIMARIA EN EL DISTRITO DE
LAMBAYEQUE. 2012-2013
Dra . NELLA IZQUIERDO MEGO Mag. PERCY C. MORANTE GAMARRA
2013
2
INDICE
RESUMEN
PRESENTACIÓN
CAPÍTULO 1. MARCO TEÓRICO. ARTE. GENERALIDADES
Pag.
1.1. Antecedentes……………………………………………………………09
1.2. Arte. ……………..……………………………………………………….12
1.3. El arte y los artistas……………………………………………………..13
1.4. Educación artística……………………………………………………...13
1.5. Fundamentos de la educación artística………………………………14
1.6. Educación artística y educación……………………………………….16
1.7. Finalidad………………………………………………………………….17
1.8. Importancia………………………………………………………………17
1.9. Funciones del arte en la educación……………………………………21
1.10. Objetivos de la educación artística…………………………………….26
1.11. Aportes de la educación artística a la formación ciudadana………..27
1.12. Aportes de la educación artística en el ámbito de la cultura………..30
1.13. La expresión plástica…………………………………………………...32
1.14. Teatro……………………………………………………………………..54
1.15. Danzas……………………………………………………………………75
1.16. Educación musical………………………………………………………91
1.17. Creatividad………………………………………………………………100
CAPITULO 2 EL ARTE EN EL DISEÑO CURRICULAR NACIONAL
2.1. Apreciación artística………………………………………………………109
2.2. Expresión artística…………………………………………………………109
2.3. El arte en el Diseño Curricular Nacional 2009………………………….110
2.4. Competencias y capacidades por ciclo………………………………….114
2.5. Artes Visuales. Actividades……………………………………………….121
2.6. Música. Actividades………………………………………………………..132
2.7. Teatro. Actividades…………………………………………………………151
3
2.8. Danzas. Actividades…………………………………………………….160
2.9. Actividades integradoras……………………………………………….168
CONCLUSIONES
SUGERENCIAS.
BIBLIOGRAFIA.
4
RESUMEN
El arte en la escuela, cumple un rol fundamental en el objetivo de
formar integralmente a los estudiantes. A través de él, los docentes tienen
la posibilidad de generar experiencias enriquecedoras, que permitan a los
educandos explorar su mundo interior y expresar en forma libre y
espontánea sus ideas, sentimientos, pensamientos, así como manifestar
sus deseos y anhelos.
La escuela tiene la obligación de responder acertadamente a esta
necesidad de expresión que tienen los estudiantes, por lo cual debe ser
capaz de proporcionar las condiciones adecuadas para el desarrollo de las
actividades artísticas que el Diseño Curricular Nacional propone.
Entre los factores que intervienen en la formación artística de los
estudiantes, tenemos al docente, los recursos, la infraestructura y los
miembros de la sociedad en su conjunto. Sin embargo la responsabilidad
principal está en el cuerpo docente, que es el encargado de estructurar las
experiencias artísticas en las que participarán los educandos.
En presente estudio tiene por finalidad proponer un conjunto de
estrategias didácticas, que permitan desarrollar los contenidos existentes
en el currículo escolar a partir de la adecuación y contextualización de los
mismos a nuestra realidad regional.
5
ABSTRACT
The art in school, plays a fundamental role in order with the objective of
providing a holistic education to the students. Through it, teachers have the
chance to generate enriching experiences that enable learners to explore their
inner world and express freely and spontaneously their ideas, feelings,
thoughts, and express their wishes and desires.
The school is required to respond accurately this need of expression
that students have, so should be able to provide the right conditions for the
development of the artistic activities that the National Curriculum Design
proposes.
Among the factors involved in the artistic training of students, we have
the teacher, the resources, the infrastructure and the members of the society
as a whole. However, the primary responsibility is on the faculty, which is
responsible for structuring the artistic experiences where students will
participate.
This current study will aim to propose a set of instructional strategies,
which allow to develop the existing content in the school curriculum from the
adaptation and contextualization of these to our regional reality.
6
INTRODUCCIÓN
Actualmente la educación artística en nuestro país, atraviesa por una
situación muy delicada en cuanto a la aceptación y verdadera dimensión que
esta tiene como un área curricular indispensable en el currículo escolar.
A través de diferentes reformas curriculares que se han venido
proponiendo durante varias décadas en nuestro país, siempre han existido
serias limitaciones y restricciones en cuanto a la enseñanza del arte. En unas
propuestas más que en otras se ha podido apreciar ciertas mejoras en relación
a los conocimientos y actividades que los estudiantes de educación primaria
deben experimentar en el área de arte, pero las falencias se han presentado en
cuanto al dominio que poseen los docentes para la implementación y desarrollo
de las actividades que se proponen en el diseño curricular básico.
Existe una jerarquización arbitraria que los docentes de educación
primaria practican al relegar el área de arte a un último plano, priorizando las
áreas “fuertes” como son comunicación y matemática según la valoración que
hacen; sin tener en cuenta que esta área relegada, es un pilar que permite al
estudiante adquirir las bases para una sólida formación básica.
Entre las causas que han llevado a minimizar la enseñanza del arte
podemos mencionar la ausencia de asignaturas de especialidad en el currículo
de los futuros docentes de educación primaria, la escasa bibliografía y
materiales educativos, equipos, para la implementación de las disciplinas
artísticas, la errónea idea que solamente con el empleo de materiales de costo
elevado y “de marca” se pueden realizar las actividades artísticas, ausencia de
capacitaciones en el área de arte, falta de ambientes adecuados para las
prácticas artísticas, docentes de la especialidad son asignados al nivel
secundaria, entre otras causas.
Esta realidad presentada, se observa con mayor frecuencia en las
instituciones educativas públicas; sin que sea ajena a las privadas que
7
imparten talleres artísticos; pero a los estudiantes que demuestran habilidades
para una determinada actividad artística, relegando a una mayoría significativa
de estudiantes de esta actividad indispensable.
Ante la situación presentada se planteó la siguiente interrogante:
¿Cómo influye una propuesta curricular en la enseñanza aprendizaje del área
de arte en la escuela primaria?
Para lo cual nos hemos planteado los siguientes objetivos:
Realizar un estudio de los aspectos teóricos básicos del área de
educación artística.
Contextualizar los contenidos del área de arte.
Proponer un conjunto de estrategias metodológicas para la enseñanza
del arte en la escuela primaria.
El trabajo se encuentra dividido en 03 capítulos que comprenden los
siguientes apartados:
En el capítulo 1, se realiza un estudio teórico de los fundamentos del arte en
la escuela, comprendiendo los antecedentes y definición de términos
esenciales.
En el capítulo 2, se revisa el currículo escolar en el área de arte y se plantea
una propuesta de contenidos contextualizados.
En el capítulo 3, proponemos un conjunto de estrategias metodológicas para
las diferentes áreas artísticas, recursos y criterios de evaluación.
Finalmente se presentan las conclusiones y sugerencias de la investigación
realizada.
8
CAPITULO 1
9
CAPITULO 1
MARCO TEÓRICO
1.1. ANTECEDENTES DEL PROBLEMA.
En los estudios realizados en nuestro país, se ha encontrado un
número limitado de trabajos que abordan en tema del arte, existiendo a
nivel mundial investigaciones que Entre los que podemos señalar los
siguientes:
Paredes, M. “Programa de Actividades Gráfico Plásticas para posibilitar
la escritura creativa en los niños del primer grado de la E.P.M.N° 10119
Illimo” (2002) concluye:
“Existe la necesidad de propiciar en la escuela un ambiente adecuado,
donde sea el docente quien promueva en los alumnos el desarrollo de la
creatividad, la misma que posibilite el logro de las capacidades
propuestas”
La autora incide en la necesidad de convencer al docente con la
finalidad de que se constituye en el agente motivador de las experiencias
que los estudiantes propongan en el salón de clase. Éstas deben estar
orientadas al desarrollo de las capacidades creativas e intelectuales que
el DCN manifiesta.
Galván, L ( 1983) “Elaboración y validación de un programa de
estimulación de la creatividad a través del drama creativo y la pintura
para niños de 6 a 10 años” concluye:
- “Se puede afirmar que se da un aumento en el nivel de creatividad de la
muestra a través de dicho programa diseñado en jerarquías de
aprendizaje que van facilitando una serie de recursos para que el niño
10
pueda crear. Es así como, tras un proceso de sensibilización,
reproducción, llega a la producción, descubriendo el proceso creativo y
siendo consciente de él.
Con este programa han desarrollado habilidades tales como observación,
sensibilidad, expresividad, originalidad, fluidez, flexibilidad, generándose
una actividad creadora (demostrando productos creativos, cuentos,
improvisaciones, coreografías, etc.) y una actitud creadora (proceso de
crear).
La creatividad es un componente que está presente en las actividades
artísticas, por lo que se hace indispensable dotar a los docentes de las
estrategias metodológicas adecuadas, que les permitan propiciar un clima
favorable para que los estudiantes desarrollen su imaginación.
Lagos, R. y Palacios N. (2010) “Incidencias del Teatro en el Aprendizaje
y Personalidad de Niños y Niñas de 6º Año de Educación General Básica”
Chile. Santiago.
Concluye:
“Entre los efectos del taller de teatro se pueden destacar variados
aspectos de la vida de los niños y niñas. Por un lado se pueden conocer
aspectos de índole académica y por otro lado de formación personal
valórica, en donde el propósito principal no es formar actores
profesionales para un futuro próximo, sino que generar conocimiento
cognitivos y emocionales a través de un proceso vivencial, el arte teatral.
Efectivamente en este taller los alumnos y alumnos adquieren
conocimientos básicos teatrales en donde se genera un lazo entre lo
teórico y práctico ligando estos aprendizajes constantemente al área de
lenguaje y comunicación, dado a que se trabaja constantemente con la
expresión oral y corporal, así mismo se refuerza el tema de la escritura
empleando compresión lectora, redacción entre otras.”
El autor enfatiza en la necesidad de formar a los estudiantes a través del
arte dramático como una forma de potenciar sus conocimientos y
11
fortalecer sus actitudes, sin que se vea como objetivo final que se
conviertan en artistas en un futuro.
Hernández, J. ( 2011) “Efectos de la implementación de un
programa de educación musical basado en las tic sobre el
aprendizaje de la música en educación primaria” España.
Entre conclusiones manifiesta:
“Los participantes en el estudio presentaban necesidades en su nivel
de competencia inicial en música en casi todos los bloques de
contenido del currículo de música para el tercer ciclo de educación
primaria, a excepción de la audición, confirmándose un mayor
desarrollo de la competencia musical.”
“En expresión vocal y expresión instrumental, los estudiantes
mostraron un nivel de competencia escasamente desarrollado, sobre
todo, en procedimientos, demostrándose la complejidad en la
adquisición de las destrezas vocales y la dificultad que tiene el
alumnado en la ejecución instrumental.”
De las conclusiones podemos señalar que los estudiantes poseen
mayores habilidades en cuanto a la apreciación musical, al ser esta
actividad la que implica un conocimiento más elemental por parte de
los docentes para implementar las prácticas auditivas. Asimismo se
aprecia que en el área de ejecución instrumental se manifiestan
dificultades notorias.
Páes , T. (2011) . “Técnicas grafo plásticas para desarrollar la
creatividad en los niños y niñas de primer año de educación básica
del centro educativo “Ágape” de la ciudad de Quito, durante el año
lectivo. 2010 – 2011” Ecuador.
Concluye:
“Las oportunidades artísticas sirven para el desarrollo intelectual del
niño con la utilización de las técnicas grafo plásticas mismas que
facilitan los aprendizajes significativos.”
12
“La auto expresión comienza desde la primera etapa del garabateo
y que a ello se llama arte infantil, manifestándose los primeros
indicios de la comunicación desarrollando destrezas y habilidades.”
Considera al arte como un soporte que permite a los niños
desarrollar habilidades y capacidades de manera significativa,
iniciándose con aproximaciones a lo que se será posteriormente la
expresión artística a través de la plástica.
1.2. ARTE
Etimológicamente, la palabra latina ars y la palabra griega tekhné tienen
la misma significación: el ejercicio de un oficio determinado por reglas
prácticas. Los pensadores griegos, como Platón y Aristóteles,
empleaban la palabra arte en este sentido, ampliándolo. "El arte (tekhné)
es una disposición susceptible de mover al mover al hombre a hacer una
creación, acompañada de razón verdadera", escribió Aristóteles (Ética a
Nicómaco,6,4). Sus reflexiones sobre el arte abarcan tanto al pintor
como al arquitecto, el poeta y el tapicero, el carpintero y el tirador con
arco. No existe pues distinción entre artista y artesano, ni separación, en
el seno de la producción social, entre objetos técnicos y objetos de arte.
Asimismo, la antigüedad, como las sociedades tradicionales, reconocía
el talento artístico de ciertos creadores (Fidias, Apeles... ) y sabía
apreciar la mayor o menor belleza de las obras de arte.
El arte en su sentido primigenio manifiesta también una actividad mental,
un conocimiento: la creación artística se diferencia de la creación
natural, la habilidad se opone a la inspiración, y la regla sustrae el arte a
la rutina. Estas relaciones entre el arte y el saber se prolongan a través
de la Edad Media, con la distinción entre "artes liberales", que apelan a
la libertad de espíritu (Gramática, Retórica, Dialéctica, Geometría,
Música Aritmética, Astronomía), y "artes mecánicas", es decir,
13
manuales, que no requieren conocimientos profundos. El Renacimiento
rompería esta alianza; para Leonardo da Vinci, el arte es un modo de
conocimiento del universo. Además, la vuelta, en el s. XV, de la noción
griega y aristotélica de imitación de la naturaleza (mímesis) con el
desarrollo de las técnicas de la perspectiva refuerza en gran manera el
aspecto intelectual del acto de creación.1
1.3. EL ARTE Y LOS ARTISTAS
No existe, realmente, el Arte. Tan sólo hay artistas. Éstos eran en
otros tiempos hombres que cogían tierra coloreada y dibujaban
toscamente las formas de un bisonte sobre las paredes de una cueva;
hoy, compran sus colores y trazan carteles para las estaciones del
Metro. Entre unos y otros han hecho muchas cosas los artistas. No hay
ningún mal en llamar arte a todas estas actividades, mientras tengamos
en cuenta que tal palabra puede significar muchas cosas distintas, en
épocas y lugares diversos, y mientras advirtamos que el Arte, escrita la
palabra con una A mayúscula, no existe, pues el Arte con A mayúscula
tiene por esencia que ser un fantasma y un ídolo. Podéis abrumar a un
artista diciéndole que lo que acaba de realizar acaso sea muy bueno a
su manera, sólo que no es «Arte».
Y podéis llenar de confusión a alguien que atesore cuadros,
asegurándole que lo que |e gustó en ellos no fue precisamente el Arte,
sino algo distinto. En verdad, no creo que haya ningún motivo ilícito
entre los que puedan hacer que guste una escultura o un cuadro.2
1.4. EDUCACIÓN ARTÍSTICA
1 CHEVALIER, J. y GHEERBRANT, Alain. Diccionario de los símbolos. Herder
Barcelona, 1986.
2 GOMBRICH, E. H.: Historia del arte. Ediciones Garriga, 1998
14
El concepto que se tiene de educación artística generalmente es
muy variado, diverso y en ocasiones confuso, pero los principales
conceptos son:
Por educación artística se entiende lo que constituye uno de los ejes
fundamentales de la formación integral del individuo por su importancia
en el desarrollo de la sensibilidad y de la capacidad creativa, así como el
valor intrínseco de las obras de arte en la configuración de cualquier
tradición cultural.
Es la forma de expresar y comunicar sentimientos, imaginación,
inventiva, creatividad, experiencias y vivencias a lo largo de la vida, que
a través de una obra de arte se transmite al espectador por medio de los
sentidos.
Es una disciplina científica que estudia las leyes del desarrollo del
arte y su estrecha relación con la realidad, está vinculada a la vida, a las
relaciones humanas, al trabajo, a la ambientación escolar, a la ética, a la
moral.
1.5. FUNDAMENTOS DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA
La educación artística se basa en fundamentos de carácter filosófico,
psicológico, científico, pedagógico y social.
Fundamento Filosófico.
Todo grupo humano que ha sido capaz de generar cultura, es porque ha
podido desarrollarse en forma autónoma, sin sojuzgamiento ni
interferencia de otras personas mayores.
El arte es una forma de conciencia social en el que se expresan las
ideas y sentimientos de acuerdo a la realidad en la que nos
desenvolvemos. Permite, una identificación con todos los elementos que
constituyen su cultura, desarrollando así la sensibilidad necesaria para
15
cultivar y crear sus propios valores y la apertura para entender y aceptar
y rechazar a otros.
Fundamento Psicológico
El hombre desde que nace está sujeto a una interacción con personas y
fenómenos, que le hacen reaccionar psicológica y emotivamente, ya sea
en forma positiva o negativa. En este sentido, está probado que la
experiencia artística, permite al niño desahogarse y liberarse de aquello
que le está afectando. También favorece el desarrollo de sus cualidades,
sensibilidad, hábitos y habilidades que le ayudaran a alcanzar su
formación plena.
Fundamento Científico.
La maduración de la inteligencia (Piaget), se produce en los primeros
siete años, luego es casi permanente; por otro lado, la mayor o menor
inteligencia que alcance un niño, depende de su alimentación, sus ricas y
variadas experiencias y de la metodología que utilizan las actividades
artísticas, proporcionando la base para el desarrollo intelectual a través
del despliegue de la capacidad creadora.
Fundamento Pedagógico.
La educación, tal como es entendida hoy, implica una acción liberadora,
consecuentemente no debe darse en un sentido impositivo sino que debe
explorar y posibilitar el desarrollo de cada niño- partiendo de sus propias
experiencias y posibilidades, sin ignorar la existencia del medio social al
que pertenece el niño y que tanto influye en su formación. Por tanto la
educación no debe ser ajena a las necesidades de ese contexto.
Una labor pedagógica así concebida, posibilitará al niño crecer
integralmente bien formado, consciente de su realidad y de sus
posibilidades: tiene que ser pues creadora, crítica, cooperadora y justa.
16
Fundamento Sociológico.
La vida del niño transcurre en una sociedad compleja, a la que debe
integrarse y con la que debe identificarse si pretendemos que alcance una
realización plena. Por este motivo la experiencia artística, favorece e
incentiva a través de su labor el acercamiento, la camaradería, la unión, el
espíritu de trabajo cooperador, es decir favorece el desarrollo de la
persona socialmente integrada.
1.6. EDUCACIÓN ARTÍSTICA Y EDUCACIÓN.
La educación artística debe contribuir a que el alumno perciba la
existencia intrínseca del componente estético-artístico de su pensamiento
y dirigir esa conciencia en el sentido de una visión artística que reflexione
y comprenda la práctica social, instrumentándola de modo de facilitar la
expresión de esa visión a través de su propia producción.
El arte en la escuela favorece la revelación del individuo en su plenitud. Al
trabajar el pensamiento estético-sensible amplía el universo personal y
colectivo de los alumnos.
La vivencia de lenguaje artístico en el currículum adquiere relevancia en
el proceso educativo al favorecer la plena utilización de los recursos
expresivos de que dispone el ser humano para procesar la comunicación
de su grupo social y conocerse a sí mismo.
Es necesario contar con una práctica pedagógica que familiarice al
alumno con los elementos propios de los lenguajes específicos de cada
disciplinar artística y que también proporcione un ejercicio de observación
crítica de la producción.
Se propone que las diversas asignaturas de la educación artística, en la
medida de las posibilidades de cada institución, interaccionen para
contribuir a que el alumno tenga una visión globalizadora de la dimensión
17
del arte y para que esa visión se extienda a las demás formas del
conocimiento.
"Para que la mente crezca necesita contenidos sobre qué reflexionar. Los
sentidos como parte de un todo cognitivo, inseparable, aportan ese
contenido."
1.7. FINALIDAD
Educación artística tiene por finalidad despertar el sentimiento artístico del
niño, expresándolo libremente, sin traba alguna, a fin de que sirva como
base en su educación, para que pueda mantener su huella de sensibilidad
cuando intervenga en cualquier acto de la vida cotidiana. Tiene la gran
posibilidad de desarrollar y contribuir a la capacidad intelectiva del
educando.
La enseñanza del arte en Educación Primaria debe considerarse como un
medio y no como fin, es decir prepara y desarrolla todas las facultades
sicológicas, actitudes, aptitudes y habilidades; así como las intelectuales
(pensamiento, sentimiento, inteligencia y memoria) a fin de que colaboren
en la formación integral del alumno y consecuentemente en un cambio de
conducta. En este sentido planteamos aspectos básicos del desarrollo de
la creatividad.
1.8. IMPORTANCIA
El arte es una actividad dinámica y unificadora, con un rol potencialmente
vital en la educación de los niños.
El dibujo, la pintura o la construcción constituyen un proceso complejo en
el que el niño reúne diversos elementos de su experiencia para formar un
todo con un nuevo significado. En el proceso de seleccionar, interpretar y
reafirmar esos elementos, el niño nos da algo más que un dibujo o una
escultura; nos proporciona una parte de sí mismo: cómo piensa, cómo
siente y cómo ve.
18
La educación artística, como parte esencial del proceso educativo, puede
ser muy buena la que responda por la diferencia que existe entre un ser
humano creador y sensible y otro que no tenga capacidad para aplicar
sus conocimientos, que no disponga de recursos espirituales y que
encuentre dificultades en sus relaciones con el ambiente. En un sistema
educacional bien equilibrado se acentúa la importancia del desarrollo
integral de cada individuo, con el fin de que su capacidad creadora
potencial pueda perfeccionarse.
Para el niño el arte es primordialmente, un medio de expresión. Es para
ellos, un lenguaje del pensamiento. El niño ve el mundo de forma
diferente y, a medida que crece, su expresión cambia.
El entusiasmo de algunos maestros por la manera intuitiva con que ciertos
niños pintan, los lleva a imponerles sus propios esquemas sobre los
colores, proporciones y forma de pintar. La discrepancia entre los gustos
del adulto y el modo en que se expresa el niño es la causa de la mayoría
de las dificultades que surgen y que impiden que el niño utilice el arte
como un verdadero medio de autoexpresión.
Si los niños pudieran desenvolverse sin ninguna interferencia del mundo
exterior, no sería necesario proporcionarles estímulo alguno para su
trabajo creador. Todo niño emplearía sus impulsos creadores,
profundamente arraigados, sin inhibición, seguro de sus propios medios
de expresión.
En educación artística, el producto final está subordinado al proceso
creador. Lo importante es el proceso del niño, su pensamiento, sus
sentimientos, sus percepciones, en resumen, sus reacciones frente al
medio.
Todo individuo, independientemente del punto en que se encuentre en el
proceso de su desarrollo, debe considerarse como un individuo. La
expresión que se manifiesta es un reflejo del niño en su totalidad. Un niño
19
expresa sus pensamientos, sus sentimientos y sus intereses en los
dibujos y pinturas que realiza, y demuestra el conocimiento que posee del
ambiente, por medio de su expresión creadora.
Aunque, en la educación artística, los patrones artísticos del maestro
deban estar subordinados a las necesidades de los niños, eso no significa
que los dibujos y pinturas del niño no puedan poseer belleza en sí. Es
más, el arte surge a través del proceso artístico. Si concentráramos
nuestra atención en el producto del arte nos ocuparíamos primordialmente
de hacer objetos hermosos, más que de los efectos de esa elaboración
sobre los niños. La educación artística, por lo tanto, se preocupa
principalmente por el efecto de ese proceso sobre el individuo, mientras
que las llamadas “bellas artes” se preocupan más por los productos
resultantes.
Todo instituto de enseñanza debe tratar de estimular a sus alumnos para
que se identifiquen con sus propias experiencias, y de animarlos para que
se desarrollen en la medida de lo posible los conceptos que expresan sus
sentimientos, sus emociones y su propia sensibilidad estética.
El componente esencial es el niño; un niño que tiene sentimientos, que
experimenta emociones, amor y odio, y que no necesita la figura tiesa que
se le puede enseñar en primer grado, o el diseño abstracto que se le
ofrece en la escuela secundaria. Su expresión tiene para él tanta
importancia como para el adulto la creación artística. El maestro debe
reconocer que sus experiencias acerca del aprendizaje no le sirven al
niño, pues lo que importa en el proceso educacional es el aprendizaje del
niño. No es la respuesta del adulto sino el esfuerzo del niño para lograr su
respuesta, lo que resulta crucial.
Solamente a través de los sentidos puede tener lugar el aprendizaje. Esto
quizá parezca una cosa obvia; sin embargo, sus consecuencias
aparentemente no se tienen en cuenta en nuestro sistema educacional.
20
Es posible que la educación esté simplemente reflejando los cambios que
se producen en nuestra sociedad, pues parece que el hombre cada vez
confía menos en el contacto real con el ambiente, a través de los
sentidos. El hombre se está convirtiendo en un observador pasivo de su
cultura, antes que en un constructor activo de ella.
No obstante el hecho de que aprendemos sólo a través de los sentidos, la
escuela ha hecho muy poco para educarlos.
Además, si queremos que la escuela sea eficiente y revalorice su
prestigio, es necesario que nos propongamos como uno de los primeros
objetivos, el fomentar la creatividad.
Si nos aferramos al sistema expositivo y repetitivo como recurso casi
exclusivo de la enseñanza, seguiremos con la escuela cansina, pasiva y
rutinaria, matando la creatividad. Es importante fomentar la actitud
creadora de los alumnos.
Entre las aptitudes más enriquecedoras está la creatividad. La sociedad
reclama creatividad. La consecuencia que para el futuro de la
humanidad supone el cultivo de la creatividad es incalculable. Es evidente
que la solución de muchísimos problemas humanos depende de la
educación. Un pueblo educado, es un pueblo creativo.
Actualmente, el propósito fundamental en las escuelas en las que se
contempla el arte como espacio curricular, es el de contribuir a la
formación integral de los alumnos mediante el logro de competencias
estético expresiva; desarrollando la imaginación creadora, con
fundamentos éticos y actitud estética. Vivencias procesos estéticos
expresivos para aprender a comunicar y apreciar desde los lenguajes
artísticos.
Los aprendizajes se construyen a partir del desarrollo paulatino de una
estética personal e intuitiva para expresarse y comunicarse, canalizando
el propio y único modo de percibir y vivenciar la realidad de cada uno. En
21
la medida en que se acrecientan estos saberes, la estética se transforma
cada vez más en una construcción consensuada, recuperadora de raíces
y socialmente compartida.
Los contenidos o saberes deben ser encarados fundamentalmente, desde
su naturaleza procesual, como saberes que posibilitan el desarrollo del
mundo interno y de las competencias para interactuar desde él,
interpretando y emitiendo mensajes en diferentes lenguajes artísticos,
para fortalecer procesos socializados de autoconstrucción y proyección.3
1.9. FUNCIONES DEL ARTE EN LA EDUCACIÓN
"Sin contexto no existe significado" (Bateson, 2002).
Considerando importante también el planteamiento que en la educación
actual están proponiendo las funciones interpretativas del arte (no solo las
productivas), los contextos educativos y la cultura escolar permanecen
como uno de los principales lugares para proporcionar experiencias
significativas a través de esta función cultural y social de las artes,
entendida como dinamizadora de los procesos simbólicos que sirven no
solo para ordenar la realidad, sino también para modificada y entenderse
en ella. Creer en la educación como espacio de posibilidades es también
creer en los procesos educativos vividos por una colectividad que
comparte unos símbolos propios y que se reconoce en las
manifestaciones resultantes de la transformación simbólica de una misma
realidad que nos conecta. En esta situación actual de procesos continuos
para la transmisión y la producción cultural, la educación artística debe
estar implicada en la construcción y organización del conocimiento, los
deseos, los valores y las prácticas sociales (Hernández, 2003). Todo ello,
entendiendo la educación artística como un espacio de cuestionamiento y
reconocimiento que permite, quizá más que otras materias y disciplinas,
situar las experiencias de los propios protagonistas del aprendizaje en el
3 http://carolinadebenito.webs.com/laimportanciadelarte.htm
22
centro mismo del proceso educativo. Para ello, la escuela (y, en general,
cualquier contexto educativo) no debe ser solo el lugar para "crear" la
experiencia, sino también para pensar las relaciones que se crean gracias
a esa experiencia e interpretar sus significados' utilizando la singularidad
de todas y cada una de las identidades de los educandos como base para
la planificación de los programas educativos y sus valores.
Esta función de las artes en la educación parte de una concepción
contextualista (Eisner, 1992), que subraya las aplicaciones y
características que las artes poseen como medio de intervención para
atender a las necesidades de las personas y colectividades donde la
enseñanza artística va a desarrollarse como vía para una posible
transformación, desarrollando una racionalidad6 de carácter cultural, que
considera las artes como una manifestación que usa diferentes
representaciones como mediadores de significados en cada época y
cultura. Esta tendencia está vinculada con algunos referentes y contextos
de la educación artística posmoderna que revisan una función del arte
más relacionada con las imágenes (reales y virtuales) entendidas como
constituyentes de las representaciones sociales en la idea implícita de
"comprender para transformar"
Esta orientación reconstruccionista conlleva una comprensión de la
educación como re- construcción social y multicultural a través de todas
sus representaciones posibles, preparando actualmente para el cambio
social y promoviendo objetivos encaminados a una comprensión
significativa de la diversidad social y cultural del mundo contemporáneo
De esta manera, el conjunto de imágenes de la cultura visual describe
una diversidad de prácticas e interpretaciones críticas sobre las relaciones
establecidas entre las maneras de entender y visualizar las
representaciones de las prácticas culturales y sociales. Así se van
creando modelos representacionales o narraciones de uno mismo y del
mundo cada vez más complejos y abstractos
23
Las justificaciones contextualistas de Eisner argumentan el papel de la
educación a través de las artes determinando previamente las
necesidades de la persona, de la comunidad o entramado social.
Fernando Hernández (2003) adapta y amplía las formas de racionalidad
que utiliza Erráuriz (1997) para definir la argumentación que sostiene un
estado de opinión para avalar una innovación educativa.
En esta experiencia integradora, como ya se ha descrito, se debe tener en
cuenta la situación real del contexto educativo con relación a los deseos,
las creencias y expectativas de los educandos y educadores.
Todo ello propone la necesidad de una educación artística en la escuela
como puerta de acceso a una experiencia integradora de todos esos
aspectos, que proporcione los instrumentos y las competencias para
establecer vínculos de pertenencia a una cultura como propuesta activa
de desarrollo humano. Las relaciones establecidas a través de las artes
acompañan los procesos de vida como base para el aprendizaje durante
todos los años de experiencia escolar, sirviendo para describir las
"estructuras de apego" existentes en las representaciones culturales a las
que la educación artística contribuye, de manera muy especial, a ofrecer
sentido. Este se elabora en la producción, reconocimiento y negociación
de los significados que provoca una experiencia de arte, con todos los
valores educativos, simbólicos y performativos que posee para integrarse
en cada historia de vida y en cada biografía personal, transformando
(aunque sea mínimamente) la manera de sentir y de pensar, de mirarse y
de mirar como forma de presentar y entender una educación "basada en
individuos en tránsito que construyen y participan en experiencias
rizomáticas de aprendizaje, en las que aprenden a dar cuenta de las
indagaciones en las que dan sentido al mundo y a sus relaciones
recíprocas con los otros y consigo mismos" (Hernández, 2007, p. 12).
24
De esta manera, la educación artística posee también una función
eminentemente narrativa, que reconoce, articula y enlaza las historias
individuales que confluyen en la posibilidad de elaborar y construir estas
narraciones de manera compartida. La escuela, y la educación en
general, son contextos únicos que proporcionan los instrumentos para el
narrar y el narrarse como sentido permanente de estar juntos.
Subrayando aún más esta idea, decidimos compartir culturalmente una
narración y un sentido de historia donde necesitamos interpretamos como
forma de pensamiento y como adscripción a una cultura (Bruner, 1997).
Mediante estas narraciones, por lo tanto, construimos la percepción de
nosotros mismos en el mundo y cada cultura ofrece también a sus
miembros la posibilidad de asumir modelos de identidad y
comportamiento. Mediante esta función de las artes, el proyecto escolar
puede ingresar en una nueva dimensión narrativa, que dialoga con las
situaciones cambiantes que afectan tanto a los sujetos pedagógicos como
a las relaciones sociales, las representaciones culturales y los
conocimientos, entendidos no solo como una situación de intercambio en
los procesos de enseñanza y aprendizaje (en el peor de los casos, de
dominio), sino como una práctica de política comunitaria para el desarrollo
humano.
Para que esto sea posible, los contextos educativos se conciben como
comunidades de interpretación e investigación, con la capacidad de
generar una cultura escolar propia, donde las artes pueden servir de
andamiaje en la construcción de las estructuras afectivas y pedagógicas
que favorecen la trasmisión de valores, no como algo impuesto de forma
unívoca, sino como piezas para integrar en nuestras vidas (Gardner,
1994). En definitiva, proyectos educativos basados en experiencias
artísticas como impregnadoras y mediadoras de sentido, que permitan
establecer relaciones con significado para reconocer lo verdaderamente
importante en la complejidad de cada situación cultural.
25
De esta manera, la institución escolar se adhiere a una manifestación
global de la cultura como un sistema de sistemas en interrelación abierta
y dinámica, en permanente intercambio con otros sistemas a través del
complejo entramado de relaciones que se producen en la interacción,
resignificación y gestión de las representaciones y prácticas culturales
como construcciones de sentido y subjetividad. La educación artística
participa necesariamente en la configuración del conjunto de valores,
creencias y significaciones que nos permiten elaborar sentido, ya que no
es posible entender los procesos educativos sin una participación activa
en un contexto cultural de referencia y en la utilización de los recursos
culturales que proporciona para aprender, recordar, representar o
imaginar (la cultura, en su sentido biológico, significa lugar de crecimiento,
considerando también la escuela un lugar cultural para crecer).
Las artes permiten realizar una interpretación de la cultura en cada
contexto, que no solo es verbal o visual, sino que vincula procesos
interpretativos que ponen en relación a la historia de cada uno de los
productos culturales realizados desde todos sus ámbitos (oficiales y no
oficiales) en una dinámica que produce cultura como resultado de la
acción de personas concretas que se organizan en formas singulares de
vivir y que se representan mediante diferentes sistemas investidos de
simbología que es posible compartir mediante su transferencia: desde los
mitos antiguos hasta los modernos hardware, desde las manifestaciones
artísticas planificadas desde categorías estéticas de belleza hasta las
propuestas más radicales de los movimientos contraculturales, incluyendo
como un sistema más el currículo escolar como producción cultural y
narrativa de actitudes específicas que se identifican con un imaginario
para tejer un sentido de comunidad determinado por relaciones de
progreso para todos.
La producción cultural que surge del imaginario social es también cultura
crítica, en contraposición a la cultura instituida u "oficial" que se dispone
principalmente para una relación de consumo, existiendo la diferencia
entre "alta cultura" y "cultura popular" solo en el interior de esta relación.
26
1.10. OBJETIVOS DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA
Según G. Fuentes los objetivos de la educación artística son :
- Indagar en las posibilidades del sonido, la imagen y el movimiento como
elementos de representación y comunicación y utilizarlas para expresar
vivencias, ideas y sentimientos, contribuyendo con ello al equilibrio
afectivo y a la relación con los demás.
- Desarrollar la capacidad de observación y la sensibilidad para apreciar
las cualidades estéticas, visuales y sonoras del entorno.
- Aprender a expresar y comunicar con autonomía e iniciativa emociones
y vivencias a través de los procesos propios de la creación artística en
su dimensión plástica y musical.
- Explorar y conocer materiales e instrumentos diversos, y adquirir
códigos y técnicas específicas de los diferentes lenguajes artísticos para
utilizarlos con fines expresivos y comunicativos.
- Aplicar los conocimientos artísticos en la observación y el análisis de
situaciones y objetos de la realidad cotidiana y de diferentes
manifestaciones del mundo del arte y la cultura para comprenderlos
mejor y formar un gusto propio.
- Mantener una actitud de búsqueda personal y/o colectiva, articulando la
percepción, la imaginación, la indagación y la sensibilidad y
reflexionando a la hora de realizar y disfrutar de diferentes producciones
artísticas.
- Aprender a ponerse en situación de vivir la música: cantar, escuchar,
inventar, danzar e interpretar, basándose en la composición de sus
propias experiencias creativas con manifestaciones de distintos estilos,
tiempos y culturas.
- Iniciarse en la práctica de un instrumento musical.
- Conocer algunas de las posibilidades de los medios audiovisuales y las
27
- tecnologías de la información y la comunicación en los que intervienen la
imagen y el sonido descubriendo significados de interés expresivo y
estético, y utilizarlos como recursos para la observación, la búsqueda de
información y la elaboración de producciones propias, ya sea de forma
autónoma o en combinación con otros medios y materiales.
- Conocer y valorar diferentes manifestaciones artísticas del patrimonio
cultural propio y de otros pueblos, colaborando en la conservación y
renovación de las formas de expresión locales y estimando el
enriquecimiento que supone el intercambio con personas de diferentes
culturas que comparten un mismo entorno.
- Desarrollar una relación de auto-confianza con la producción artística
personal, respetando las creaciones propias y las de los otros y
sabiendo recibir y expresar críticas y opiniones.
- Planificar y realizar producciones artísticas, de elaboración propia o ya
existente, individualmente y de forma cooperativa, asumiendo distintas
funciones y colaborando en la resolución de los problemas que se
presenten para conseguir un producto final satisfactorio.
- Realizar producciones artísticas de forma cooperativa, asumiendo
distintas funciones y colaborando en la resolución de los problemas que
se presenten para conseguir un producto final satisfactorio.
- Conocer algunas de las profesiones de los ámbitos artísticos
interesándose por las características del trabajo de los artistas y
disfrutando, como público, en la observación de sus producciones,
asistiendo a museos y a conciertos.4
1.11. APORTES DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA A LA FORMACIÓN
CIUDADANA
El contexto socio-cultural en el que acontece la actividad humana en la
contemporaneidad, sin dudas ha cambiado sustantivamente en las
últimas décadas. En el presente, los sujetos conviven con los medios de
4 http://www.educa.madrid.org/web/cp.gloriafuertes.meco/archivos/profesores/artistica.pdf
28
comunicación social masivos, con diversidad de lenguas y códigos y con
realidades tecno - producidas.
La cotidianeidad desenvuelve innumerables situaciones saturadas de
espectáculos y escenografías: mundos fragmentados cuyos bordes más
de una vez se confunden con la ficción. Asimismo, los avances
tecnológicos y fundamentalmente los de la comunicación, han acentuado
los procesos de globalización y los términos de las interrelaciones entre
las naciones, incidiendo fuertemente al interior de las mismas. Estas
cuestiones no se restringen sólo a determinados aspectos sociales, sino
que se dan en forma integral.
Cabe mencionar aquí otros dos aspectos de la realidad actual que
gravitan fuertemente en la valoración artística y en la educación. Uno
refiere a la cuestión de lo popular y lo aceptado socialmente como arte
clásico con status para acceder al ámbito académico; otro, refiere a los
nuevos formatos simbólicos – lenguajes artísticos o disciplinas artísticas
– reconocidos actualmente.
En primer término, más allá del consenso actual acerca de la crisis de la
dicotomía moderna arte popular – académico/clásico, resulta necesario
reconocer los problemas sociales y educativos que devienen cuando los
saberes se presentan escindidos de los valores culturales, de la realidad
y del conocimiento cotidiano. Acercar la educación a la realidad vivida
por cada uno, vinculando las experiencias concretas y locales con
miradas de corte global, favorece el tránsito hacia otros saberes.
En este sentido, la denominada cultura popular debiera formar parte de
las políticas curriculares, no sólo como andamiaje y motivación, sino
fundamentalmente como fuente cultural genuina para el intercambio
social y la producción de conocimiento.
Por otro lado, el valor estratégico del arte y su educación han tomado
nuevos alcances en el mundo, sobre todo en las últimas décadas, a
partir del desarrollo tecnológico y comunicacional, dando curso
fuertemente al desarrollo del campo audiovisual y multimedial como
nuevos lenguajes/disciplinas constituyentes del campo del arte. La
producción artística tiene un lugar predominante en los medios de
29
comunicación masiva en el presente y conlleva como aspecto específico
y privilegiado el de expresar y activar el capital simbólico de las
sociedades contemporáneas. Los bienes y mensajes que produce
constituyen una de las tendencias actuales globalizadoras más fuertes.
Sin embargo, sus saberes difícilmente forman parte del patrimonio
cultural legitimado y de los contenidos curriculares.
La complejidad del lenguaje audiovisual y su alta difusión requiere de
sujetos capaces de interpretarlos bajo diversas miradas. La formación en
las diferentes disciplinas artísticas resulta fundamental para posibilitar un
análisis crítico de estas realidades y evitar quedar sometidos
pasivamente a las necesidades impuestas por una lógica de mercado y
concentración económico simbólica. En todo caso, se trata de interpretar
estos nuevos discursos como manifestaciones de un mundo complejo,
portadores de planteos estéticos y culturales que contienen valores e
ideologías, para luego ser capaces de elegir y tomar decisiones.
La breve mención a las cuestiones precedentes tiene el propósito de
colocar la atención en la complejidad de nuestra cotidianeidad; señalar
la alta diversidad de las producciones estético – artísticas, sus circuitos y
posibilidades de difusión y las disímiles interpretaciones que un mismo
hecho o producción despliega. Pero, fundamentalmente, reconocer que
las producciones artísticas del pasado y del presente, pertenecientes a
diversos sujetos y grupos sociales, expresan saberes, modos de
producción y valores simbólicos de una sociedad determinada en el
espacio y en el tiempo.
No se trata de olvidar las obras del pasado, ni de eliminar las diferencias
del presente; tampoco de negar los nuevos procesos de globalización,
sino de interpretar las diversas producciones socio - culturales con una
mirada crítica y comprometida como sujetos libres, democráticos y
solidarios en pos de construir nuestras identidades y transformar la
realidad.
En este marco, se explica por qué la función de la Educación Artística en
la Educación Común no ha sido ni es centralmente procurar la formación
de artistas. Su finalidad de base como campo de conocimiento para la
30
interpretación de la realidad- es de por sí esencial y trascendente para la
formación ciudadana en la contemporaneidad.
En tal sentido, se requiere desarrollar una línea político - educativa que
contemple las diversidades culturales como rasgos inherentes de la
realidad, en tanto diferencias enriquecedoras y no como barreras para
justificar la desigualdad social.
1.12. APORTES DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA EN EL ÁMBITO DE LA
CULTURA
Más allá de los desarrollos previos, vinculados íntimamente a este
ámbito, y que en gran parte ya expresan los desafíos que se presentan
en cuanto a su abordaje, se estima pertinente manifestar algunas
consideraciones al respecto, sin que ello implique la intención
de ahondar en tan vasta cuestión.
En 1982 la UNESCO define a la cultura como “el conjunto de los rasgos
distintivos, espirituales y materiales, intelectuales y afectivos que
caracterizan una sociedad o un grupo social”. Esta definición engloba,
además de las artes y las letras, los modos de vida, los derechos
fundamentales del ser humano, los sistemas de valores, las tradiciones y
las creencias.
La cultura constituye un concepto dinámico y permanente, por lo que la
formación que brinda la educación artística debe orientarse hacia una
proyección sistémica, racional y flexible que, en este sentido, considere
los medios de comunicación masivos; la interculturalidad; la diversidad;
las producciones culturales locales, regionales, nacionales y del resto
del mundo.
Es Importante entender la complejidad de nuestra época, reflexionando
acerca de las limitaciones y posibilidades que presenta. Se trata de
pensar cómo educar a las nuevas generaciones y en particular cuál
debe ser el papel formativo del arte en la educación para contribuir a una
ciudadanía plena.
La interrelación social que hoy estimulan los procesos de globalización,
favorece el conocimiento recíproco entre culturas antes desconectadas y
31
el acceso de amplios sectores de la sociedad a los bienes culturales y
servicios regionales, nacionales y transnacionales.
Sin embargo y pese a estos fenómenos de apertura, el problema de la
distribución desigual de dichos bienes y servicios sigue siendo un
obstáculo.
La educación en la contemporaneidad globalizada necesita colocar el
énfasis en el desarrollo autónomo del sujeto, favoreciendo
oportunidades para que cada persona construya críticamente,
interpelando la realidad y sus modos de sentir, pensar y actuar. Así
entendida, ella supone un proceso de construcción personal y cultural.
En las sociedades pre modernas lo cultural iba asociado a mecanismos
de poder y una práctica política de exclusión entre clases sociales de
una misma comunidad. Con este origen, llegan hasta nuestros días las
hipótesis y teorías sobre la reproducción social, el capital cultural y un
naturalizado principio de meritocracia.
La dinámica socio histórica traslada dicho esquema al estado moderno
con un matiz relevante: la posesión de capital cultural se convierte en un
criterio selectivo no sólo intragrupal sino también intergrupal. Reconocer
la existencia de distintas formas de organizarse y entender lo humano no
comportó a la par una valoración equitativa de todas y cada una de
estas distintas formas.
La contemporaneidad y la globalización rompen las barreras de espacio
y tiempo, y nos adentran en la enorme complejidad de considerar
simultáneamente una cantidad gigantesca de información y
conocimiento de muchas civilizaciones y grupos humanos. La diversidad
cultural pasa de ser un elemento coyuntural a convertirse en un
importante elemento estructural en nuestras sociedades. Los efectos de
esta internacionalización acelerada se han dejado sentir en los procesos
de construcción de las distintas dimensiones de la identidad cultural. Si
por cultura queremos entender algo vivo y dinámico, ya nadie puede
hacer referencia a comunidades culturales homogéneas sin quedarse
anclado en definiciones y elementos del pasado.
32
Lo identitario se sirve de lo cultural no para legitimarse o resistirse en un
marco social simplificado de minorías y mayorías, sino para proyectarse
en tiempo y espacio reales, intentando abarcar la densa trama de la
diversidad que recorre la sociedad sin perder de vista el hilo invisible que
teje las distintas piezas del mosaico. El gran reto reside en que cada uno
y cada grupo pueda afirmar su identidad sin herir la diversidad.
La educación debe posibilitar que las personas puedan elaborar marcos
culturales con elementos compartidos, fruto de la interacción y la
comprensión de la alteridad, en una dinámica que permita incorporar,
satisfacer y reforzar las necesidades de cohesión de toda sociedad que
se quiera justa y equitativa.
En este contexto, la educación y en particular la educación artística tiene
un papel relevante como ámbito específico para posibilitar la apropiación
de saberes y desarrollar capacidades que permitan abordar diferentes
interpretaciones de la realidad, para que todos puedan reconocerse en
sus diferencias, logren un acceso más justo a los recursos materiales y
simbólicos, y se relacionen solidariamente dentro del territorio y con los
demás.
Los alcances de esta proyección deberán comprender la articulación con
otros organismos públicos y privados en pos de programas y acciones
formativas que promuevan la participación cultural y la inclusión de los
alumnos al sistema educativo. En razón de ello, resulta necesaria la
acción del Estado para el desarrollo de un proyecto estratégico,
racionalmente concebido, que permita la producción, circulación y
distribución de bienes simbólicos y la construcción identitaria
conformada por la sociedad toda.5
1.13. LA EXPRESIÓN PLÁSTICA
DEFINICIONES
5 http://www.me.gov.ar/consejo/resoluciones/res10/104-10_01.pdf
33
La expresión grafico plástica según Oscar Combetta es la actividad
artística que no sólo permite el arte al papel, madera, cuero, etc.; sino
que impulsa al espíritu hacia la apreciación sensible de la obra creada.
Wals la define como forma de expresión natural que constituye el
lenguaje de la infancia y le sirve para representar las imágenes y las
ideas.
Según Nori Rojas Morote la expresión grafico plástica es aquel tipo de
lenguaje que utiliza medios plásticos para expresarse.
La expresión plástica como todo lenguaje, supone un proceso creador.
Para llegar a representar, comunicar creativamente a través de la
imagen, las percepciones, las vivencias, es necesario conseguir un
equilibrio entre lo que se vive y lo que se expresa, entre acción y
lenguaje, y es necesario además, encontrar una “forma de decir” en este
caso una forma práctica.
La expresión plástica, además de su valor como lenguaje expresivo, es
el cauce para la expresión de contenidos mentales de índole estética y
emocional y también para la expresión de contenidos cognitivos acerca
de configuraciones visuales y espaciales, haciendo posible la
materialización de las ideas junto con la formación y desarrollo de la
propia motricidad, afectividad y cognición del niño.
Asimismo, la expresión plástica tiene un fuerte valor procedimental como
recurso didáctico para la comprensión de los contenidos de otras áreas.
Con respecto a su valor actitudinal, la expresión plástica es el medio
idóneo para propiciar actitudes como sentir percibiendo, ver
interiorizando, comprendiendo, descubriendo,... gracias al placer
derivado de los estímulos visuales, táctiles, de experimentación, etc.
34
Todo ello nos obliga a darle un peso específico a la expresión plástica
dentro del proceso de enseñanza-aprendizaje en la etapa de la
Educación Infantil.
FUNDAMENTACIÓN DE LA EDUCACIÓN PLÁSTICA
Entre los argumentos que justifican la necesidad de la educación
plástica y la expresión artística en la Educación Infantil, destacaremos:
Su valor intrínseco, ya que el arte aparece, junto a las ciencias y la
tecnología, como una de las facetas fundamentales del ser humano; por
tanto, debe aparecer en la formación inicial del niño.
Su adecuación al desarrollo madurativo. La psicología evolutiva pone de
manifiesto que desde la adquisición del lenguaje oral hasta la
culminación de las operaciones concretas, el período comprendido entre
los 2 y los 6 años está dominado por la función simbólica, cuyas
manifestaciones básicas son el dibujo, el juego y el lenguaje verbal. Las
tres se hallan íntimamente relacionadas y son justamente la base sobre
la que se desarrollará la experiencia artística.
Forma de desarrollar la sensibilidad. La pedagogía cognitiva defiende
que el conocimiento se origina y fundamenta en la percepción sensorial.
La educación de la sensibilidad es la vía idónea para potenciar todas las
operaciones mentales del sujeto. El desarrollo de la sensibilidad implica
aumentar la capacidad de reconocimiento y discriminación de formas,
colores, volúmenes,... y sus relaciones.
Como desarrollo de la capacidad creativa. Para el fomento de la
creatividad, la actividad artística tiene un papel destacado, ya que
requiere ejercitar el impulso creador y no la reproducción mecánica de lo
ya conocido.
35
Como medio de autoexpresión. Las actividades plásticas son idóneas
para dar rienda suelta a todo lo que el niño necesita manifestar.
Medio para desarrollar la autoestima, ya que en la actividad plástica el
niño se siente implicado completamente en la tarea que realiza por tanto,
esta implicación debe ser potenciada y valorada positivamente para
inducir al niño a confiar en sus propios recursos expresivos y hacerle
comprender el interés que tienen sus trabajos cuando son
verdaderamente personales.
Como multiplicador de los recursos expresivos. Junto a los lenguajes
verbal y matemático, el lenguaje gráfico, así como el musical y el
corporal, constituyen instrumentos básicos de comunicación.
Como medio de democratización de la cultura. Lo heterogéneo de los
ambientes familiares y socioculturales que rodean al niño hacen que no
todos lleguen a la escuela con el mismo bagaje cultural ni con la misma
motivación hacia las experiencias artísticas. La Educación Infantil debe
equilibrar desde el principio estas desigualdades con el fin de
universalizar y democratizar el bagaje cultural.
OBJETIVOS
Objetivos que debe desarrollarse en el arte grafo plástico:
- Despertar del niño/a ante sí mismo. Es decir descubrir su propio yo,
sus sentimientos, potencialidades, poder de creación.
- Adquirir conciencia del medio. Es decir que el niño/a asimile el mundo
físico, colores, sabores, texturas, incluyendo las manifestaciones
culturales con el fin de situar su propio yo y su capacidad de modificar
el mundo que le rodea.
36
- Conocer el uso de técnicas y materiales que darán acceso a la
adquisición de habilidades y destrezas para preservar y desarrollar el
potencial creador del niño/a.
- Desarrollar los medios de expresión. Tendiendo puentes entre lo que
siente y piensa el niño/a y su concepción del mundo. Facilitando el
diálogo implícito y explícito y el intercambio emocional cuyo germen
radica en la obra plástica.
- Incrementar el poder de crear. Resume los objetivos
anteriores, correlacionando la percepción y la emotividad o la
realidad del medio circundante, usando como canal de
expresión un medio plástico, dando como resultado el producto
testimonial de la creación infantil.
IMPORTANCIA
Las actividades gráfico plásticas son importantes porque:
Logra satisfacer la necesidad de comunicación que tiene el niño, lo que
le es difícil de expresar con palabras por diversas razones.
Se equilibra emocionalmente, mediante ella expresa alegría, disgustos;
libera sus temores y ansiedades, es capaz de sentir la paz interior.
Afianza en su personalidad.
Es utilizado nada más que como un medio y no como un fin en sí mismo.
El propósito de la educación por el arte es usar el proceso de creación
para conseguir que los individuos sean cada vez más creadores, no
importando en qué campo se aplique esa capacidad.
37
La introducción de la educación artística en los primeros años de la
infancia podría muy bien ser la causa de las diferencias visibles entre un
hombre con capacidad creadora propia y otro que, a pesar de cuanto
haya sido capaz de aprender, no sepa aplicar sus conocimientos,
carezca de recursos o iniciativa propia y tenga dificultades en sus
relaciones con el medio en que actúa.
La actividad artística podría muy bien ser el elemento necesario de
equilibrio que actúe sobre el intelecto y las emociones infantiles”.
En una cultura auténtica que considera como indispensable la formación
humana, la creación del joven y la recreación del adulto deformado, la
belleza aparecerá como armonización equilibradora de sí mismo, fuente
de lo que nos es más necesario: la paz interior, el gozo en el recurso a
nosotros mismos.
EVOLUCIÓN DE LA EXPRESIÓN PLÁSTICA EN LOS NIÑOS Y
NIÑAS.
La evolución de la expresión plástica en los niños/as pasa por varias
etapas:
- ETAPA DEL GARABATEO (2-4 años).
El primer registro permanente de la expresión gráfica, por lo general,
toma la forma de garabato alrededor de los 18 meses. El garabato no
tiene intención representativa. Son estructuras lineales que muestran las
variaciones de tensión muscular que está atravesando el niño y que no
requiere control visual. Esa etapa del garabateo atraviesa los siguientes
pasos:
- Garabateo desordenado. No tiene ninguna finalidad
representativa. Son trazos largos, sin sentido ni orden,
38
desarrollados a partir de movimientos kinestésicos, puramente
gestuales, como juego, que generalmente dan lugar a dos tipos
de garabatos: longitudinales y circulares. Aún no tiene el niño
control visual.
- Garabato controlado. Hacia los 6 meses de haber empezado a
garabatear existe ya en el niño una coordinación viso-motora y
goza practicándola. El niño no pretende dibujar nada concreto. Es
capaz de copiar un círculo, pero no un cuadrado y se interesa por
el uso de los colores.
- Garabato con nombre. Hacia los 3-4 años empieza a conectar los
movimientos que ejercitaba con el mundo que le rodea, le da
nombre a los garabatos que dibuja, aunque en realidad la
representación es irreconocible como tal. Esto supone que el niño
transforma el pensamiento kinestésico anterior en un
pensamiento de imágenes.
En esta etapa aumenta el tiempo que les dedica a sus dibujos y es
cuando más disfruta de los colores.
Sus garabatos empiezan a evolucionar rápidamente. En poco tiempo los
círculos y líneas comienzan a combinarse formando unos burdos pero
reconocibles esquemas de la figura humana.
Puede resultar perjudicial que los adultos interpreten los garabatos o
impulsen al niño a que le dé nombre o encuentre explicación a lo que ha
dibujado, puesto que el garabato tiene más que ver con el desarrollo
físico, motriz y psicológico del niño que con una motivación puramente
artística. El maestro debe inculcar confianza y entusiasmo en esta etapa
y abstenerse de hacer interpretaciones o de intentar enseñar a dibujar o
a copiar al niño. Es más importante la participación del adulto en la
experiencia del garabato que en el dibujo en sí.
39
- ETAPA ESQUEMÁTICA (4-6 años).
La frontera entre el garabato y el esquematismo es la aparición de la
intencionalidad, y empieza a elaborarse lo que se denomina vocabulario
gráfico del niño, constituido por una serie de esquemas con valor
representativo. Estos esquemas al principio son muy simples: líneas,
círculos, curvas, etc. Se repite constantemente introduciendo pequeñas
modificaciones que con frecuencia se incorporan al dibujo.
En esta etapa los trazos y garabatos se van haciendo controlados y se
refieren a objetos visuales. El niño trata de establecer una relación entre
el dibujo y lo que intenta representar:
- A los 4 años ejecuta formas reconocibles.
- A los 5 años pueden ser reconocibles personas.
- A los 6 años los dibujos se distinguen claramente.
Las características del esquematismo gráfico que están relacionadas
con el sincretismo del pensamiento pre operacional son:
- Ejemplaridad, utiliza el mismo esquema para representar cosas
distintas.
- Dificultad para coordinar los distintos subconjuntos del dibujo.
- Distintos puntos de vista coexistiendo.
- Transparencias: dibujos en rayos X.
- Desproporciones: aumenta el tamaño del dibujo que para él es más
llamativo.
Entre los 5-6 años aparece la línea de tierra o línea base, sobre la que
va a situar los elementos del dibujo. Cuando quiere representar cosas
sucedidas en tiempos diferentes, las separa en escenas.
40
Con respecto a la evolución del dibujo de la figura humana, la primera
representación que el niño hace es lo que se conoce por renacuajo. Esta
representación consiste en un círculo por cabeza y dos líneas verticales
que representan las piernas.
Con 5 años representan la figura humana con cabeza, ojos, nariz, boca,
cuerpo, piernas, y las niñas además dibujan los brazos.
A los 6 años ya es capaz de lograr un dibujo bastante elaborado de la
figura humana. En esta etapa existe poca relación entre el color elegido
por el niño para pintar un objeto y el objeto representado.
Siguiendo a Piaget, una vez finalizada la etapa del garabato, el niño
pasa por los siguientes estadios:
- Imagen defectuosa: el niño no dibuja el objeto mismo, sino la
representación que de él se ha hecho (renacuajo).
- Imagen intelectual: no dibuja el objeto como lo ve, sino que dibuja
todo lo que sabe de él.
El dibujo esquemático termina hacia los 6-7 años, cuando supera el tipo
de pensamiento preoperacional. Aparece entonces el realismo gráfico.
- REALISMO DESCRIPTIVO: De (7 a 9 años)
Los dibujos tienden a ser más lógicos que visuales; el niño coloca lo que
sabe no lo que ve.
- REALISMO VISUAL: ( 9 a 10 años)
41
El niño pasa de la etapa del dibujo a base de memoria e imaginación a
la etapa del dibujo a partir de la observación de la naturaleza.
- REPRESIÓN: (11 a 14 años)
Esta etapa se inicia por lo común alrededor de los trece años. El niño
siente desilusión y desaliento al ver que muchas veces no puede
reproducir lo que él desea. Ya es raro que represente la figura humana.
A comienzos de la adolescencia, alrededor de los quince años, sus
dibujos relatan algo, ya se convierten en una actividad artística.
ELEMENTOS DE EXPRESIÓN GRÁFICO-PLÁSTICA
Partiendo de la observación los niños y niñas podrán sacar conclusiones
generales relacionadas con las características de cada uno de los
elementos de la Expresión Plástica.
Los principales elementos de la Expresión Gráfico-Plástica que
comúnmente son empleados por los docentes en la Educación
Preescolar y primeros grados de la Educación Primaria, son: las
imágenes, las formas, los colores, las texturas, la composición, el ritmo,
el sonido, el espacio, incluyendo las manifestaciones culturales, el arte
popular, la ciencia y la tecnología.
a) Las imágenes:
Las imágenes son las representaciones mentales o reales de las formas.
Muchas nos sugieren sentimientos y emociones, las cuales
manifestamos al verlas, oírlas, tocarlas, olerlas o probarlas, porque ellas
estimulan nuestros sentidos: vista, oído, tacto, olfato y gusto.
En el Jardín de Niños se nota un ambiente infantil festivo y alegre donde
se realza la belleza y la armonía de la línea, el color, la textura, el valor,
el ritmo y los gestos como elementos de las artes plásticas, musicales y
escénicas.
Las imágenes pueden ser de varios tipos:
42
• Visuales: cuando miramos algo, un paisaje, un pájaro, apreciamos
un cuadro, un color y hasta una textura.
• Olfativas: cuando apreciamos el olor de las formas el aroma de
las flores, la fragancia de una colonia, etc.
• Auditivas: cuando escuchamos algo como una canción, el trinar
de los pájaros, la lluvia cuando cae, niños riéndose, etc.
• Gustativas: cuando probamos algo y nos deja el sabor específico
de algo: La comidas, dulces, especies.
• Táctiles: cuando tocamos la superficie de algo y sentimos cómo
es. Si es blando, suave, áspero, liso, etc.
Además las imágenes pueden ser: imágenes mentales (creadas a partir
de objetos y escenas imaginarias o reales) e imágenes reales (que
representan objetos y escenas de la propia realidad).
b) Las formas:
Las formas pueden clasificarse según diferentes criterios:
• Por su origen:
- naturales (provenientes de la naturaleza como una flor),
- artificiales (creadas por los seres humanos como una mesa),
- concretas (representación de seres reales como un pájaro)
- Abstractas (creaciones mentales que no son palpables o
tangibles).
• Por su contorno:
- positivas (son oscuras con fondo blanco),
- Negativas (la forma aparece en blanco y el fondo aparece en
color oscuro),
- Cerradas (masas compactas sin espacio en el interior) y
- Abiertas (dejan penetrar el espacio en su estructura abierta).
• Por su dimensión:
- Bidimensionales (tienen 2 dimensiones que son el largo y el
ancho del objeto)
43
- Tridimensionales (tienen 3 dimensiones que son largo, alto y
ancho).
c) Los colores:
El color es el elemento esencial de la pintura y el reto es identificarlo
y llegar a controlarlo.
Todo tiene un color, incluido blanco y negro, lo más difícil para el artista
es reproducir los colores del modelo fielmente, con las pinturas que tiene
en la paleta. El color es uno de los elementos fundamentales de la
composición. Para sacarle el máximo partido hay que conocer como es
modificado por sus colores vecinos, y como modifica este a sus vecinos,
favoreciendo la armonía y el contraste.
Los colores se clasifican en:
Calientes (el amarillo, el rojo y el naranja)
Fríos: (el azul, el verde y el violeta)
Estos términos caliente y frío son indicativos, pues un rojo puede ser frío
y un azul caliente. Los colores calientes parecen avanzar y los fríos
retroceder. Con esto se puede crear una ilusión de perspectiva utilizando
colores fríos para el fondo y calientes para los primeros planos.
El color, usos e influencias:
Uno de los elementos más atractivos de la pintura es el color. Por su
naturaleza lumínica y por su repercusión en la vida material, es uno de
los principales elementos que facilita la percepción de las formas,
constituyendo su aspecto superficial.
Su influencia en el espíritu de las personas es innegable, les produce
sensaciones de gozo o depresión; están íntimamente ligados con la
psicología de la persona; no a todos nos agradan los mismos colores.
En el niño se han realizado múltiples investigaciones, observando sus
44
preferencias por determinados colores y asociando a estos sus su
comportamiento; así como usar determinados colores para advertir
cómo influyen en su vida.
Así:
El rojo: Es un color activo y fresco que atrae a los niños desde temprana
edad. Por esta razón, la Estimulación Temprana hace mucho uso de
este color para hacerles fijar la mirada. Para fortalecer los músculos del
cuello, para mantener el tronco derecho y lograr mayor tiempo la
posición de sentado, para ejercitarlos en el caminar.
El color rojo simboliza actividad, movimiento, calor, sangre, fuerza,
agresividad, pasión, alegría.
El amarillo: Por su luminosidad favorece la concentración, por lo que es
recomendable pintar los ambientes dedicados al estudio o decorarlos
con objetos de este color.
Las personas que prefieren el amarillo son de trato delicado y modales
agradables, les anima un afán de prestigio, figuración y deseo de
impresionar bien a los demás.
El azul: Es utilizado para relajarse, para tranquilizar el ánimo e infundir
deseos de vivir, ya que al contemplarlo semeja un cielo despejado con
aguas tranquilas y cristalinas tiene la ventaja de ser poder ser percibido
aun con poca luz. Las personas que gustan del azul son moderadas en
sus impulsos y afectos, tienden a ser retraídas.
El verde: Tiene el poder de equilibrar emocionalmente, es apacible y
revitalizante. Las personas que gustan de color verde, gustan también
de los ambientes tranquilos y pocos bulliciosos y son personas
45
equilibradas y de reacciones estables espontáneas y alegres y es que es
el color que simboliza el campo, el bosque, la primavera.
El anaranjado: Es un color cálido, por su luminosidad da alegría; se
aconseja usarlo sobre fondo blanco a fin de resaltarlo mejor.
El morado: En sus tonos suaves simboliza la tristeza, aflicción,
profundidad, misterio. En sus tonos purpúreos representa dignidad.
Las personas que prefieren el color morado son inquietas, activas,
excitables y de trato cordial; son muy sociables, un tanto superficiales,
con tendencia a fingir y teatralizar.
El marrón: Es un color asociado al egocentrismo. También al orden, a la
prolijidad y a la resistencia, por lo que es usado en muebles de diferente
tipo.
El negro: Por la seriedad que inspira y por el contraste que tiene al
respecto a los demás colores es considerado un color muy elegante.
Tiene la virtud de reducir óptimamente las imágenes o cuerpos frente a
iluminaciones internas.
Se observa que los niños que lo utilizan con mayor frecuencia son
introvertidos, poco afectivos y les agobia la tristeza. Si es utilizado
eventualmente por niños extrovertidos es porque tienen algún problema
familiar o se sienten relegados.
Para que los niños aprendan los colores, primero se les enseñarán los
colores primarios: rojo, amarillo y azul, en el mismo orden en que se
señalan. Estos colores necesitan de la orientación docente.
El circulo cromático:
46
Es el elemento más útil para comprender el comportamiento de los
colores. Compuesto por colores primarios, secundarios, terciarios... en
función de las mezclas que deseemos realizar entre ellos.
Los tres colores principales o primarios son el amarillo, el azul y el rojo.
Son colores puros, pues no se pueden obtener por medio de mezclas.
Entre los primarios encontramos los colores secundarios, naranja, verde
y violeta, que se obtienen por la mezcla de los primarios. Así el amarillo
y el rojo nos da el naranja, el rojo y el azul nos da el violeta y el azul y el
amarillo nos da el verde.
Entre estos colores secundarios y cada primario podemos colocar los
terciarios que serían el resultado de mezclar el primario con el
secundario de su lado. Así el rojo con el naranja nos da rojo anaranjado,
el naranja y amarillo nos da amarillo naranja, el amarillo y el verde nos
da amarillo verdoso, el verde y el azul nos da azul verdoso, el azul y el
violeta nos da azul violáceo, y el violeta y el rojo nos da rojo violáceo.
Así podríamos ir incluyendo entre estos otra gama de mezclas y otra, así
hasta conseguir una lista de colores infinita.
d) Las texturas:
Pueden ser divididas en las siguientes categorías: naturales
(provenientes de la naturaleza), artificiales (creadas por los seres
humanos), orgánicas y geométricas.
La composición:
Uno de los conceptos más importantes en el estudio y en la
experimentación de los valores plásticos es la composición y la
organización de las formas y el color para alcanzar un efecto
determinado.
La composición se puede apreciar en la percepción de obras plásticas y
resolverse en la producción de estas. Se refiere al tratamiento de la
tensión, la construcción, el movimiento, el ritmo, el equilibrio, la armonía
y la proporción, en el contexto de la organización compositiva de la obra
artística.
47
En la composición, se exponen y se organizan diseños y combinaciones
de líneas, puntos, figuras, colores y texturas en forma homogénea y
creativa, por lo que son muy utilizados en la ornamentación, la
decoración, la arquitectura y el diseño textil.
El espacio y el tiempo:
El espacio y el tiempo son dos estructuraciones de base neurológica que
se consolidan en el ser humano mediante un proceso aprendizaje y de
ejercitación psicomotriz.
La construcción de las relaciones espaciales en el niño y en la niña,
según Piaget se da en forma progresiva y está relacionada a los planos
perceptivo y sensorio motriz, y en el representativo e intelectual. Para
conocer el espacio es imprescindible vivirlo, luego interiorizarlo para
saber utilizarlo en los aprendizajes escolares.
Por otro lado, también establece otro sistema diferente, pero
estrechamente relacionado llamado organización espacial, que se
produce cuando a partir de las pautas de orientación en función del
propio cuerpo, se establecen formas de relación externas con otra
persona u objeto, empleando conceptos como: encima y debajo, delante
de, detrás de, hacia y hasta, antes y después, junto y separado, cerca y
lejos, etc.
El concepto de tiempo, como se comentó, se hace difícil para el niño,
por no ser algo perceptible para los sentidos, por lo que habrá de valerse
de los acontecimientos diarios para hacerles sentir la existencia de tal
realidad.
Las actividades de Expresión Gráfico-Plástica en el Jardín de Niños,
favorecen la construcción de las relaciones espaciales, cuando el niño y
la niña realizan actividades con relación a:
• Su propio cuerpo
48
• Su cuerpo con relación a los otros
• Su cuerpo con relación a los objetos
• Relacionando objetos entre sí
Todas estas nociones se reflejan en la composición Gráfico-Plástica
realizada por el niño y la niña, al distribuir y organizar las imágenes en el
dibujo o pintura.
ESTRATEGIAS DE EVALUACIÓN DE LAS TECNICAS DE
EXPRESION GRAFICO PLASTICO
La valoración de las actividades gráfico-plásticas abarcará todos los
apartados vistos en los objetivos: capacidades, destrezas, actitudes.
La valoración de las actividades tiene varios aspectos, uno individual y
otro como grupo en cuanto a incidencias, organización, ritmo de trabajo,
interés, actitud. Además se requiere un análisis riguroso respecto a la
metodología del educador.
En este análisis reflexivo de la metodología hay que tener en cuenta tres
aspectos:
Análisis de la organización. El educador debe tener una visión conjunta y
progresiva de los objetivos a alcanzar en un periodo concreto, además
de programar objetivos a largo plazo. Debe coordinar las actividades y
proponerlas con claridad.
Análisis de la actitud. Se debe reflexionar sobre la predisposición del
educador para trasmitir un clima estimulante. Si se realiza o no un
seguimiento individualizado del alumno, evita la rutina, adecua las
actividades a los objetivos educativos, procura que las actividades sean
más importantes que el resultado.
49
Análisis del procedimiento.
- Según sea la actividad, habrá que valorar en función del número de
alumnos si será operativa, ya que en la atención individualizada es
fundamental esta consideración.
- Conocer los recursos materiales de que se dispone, incluyendo el
espacio físico.
- Preparar con anterioridad los materiales necesarios.
- Prever alternativas por si falla algún recurso didáctico.
- Seguir un orden coherente con los progresos cognitivos y las
destrezas motoras.
- Que el proceso no sea asfixiante, dejando que el niño confíe en sus
capacidades y experimente la sensación de haberlo conseguido o
intentado.
En la evaluación de las actividades plásticas es difícil valorar
cuantitativamente los aspectos expresivos sin caer en valores subjetivos.
Se puede llevar a cabo una lista de control sobre los diversos aspectos:
comprensión, percepción, interpretación, realización, desarrollo visual,
expresándola en términos como: comprende, no está interesado, lo
domina, lo desconoce.
CONSIDERACIONES DIDÁCTICAS EN LAS SESIONES DE
EXPRESIÓN GRÁFICO PLÁSTICA.
En las actividades artísticas lo importante es el proceso, no el resultado;
no hay que buscarlo porque no hay respuestas específicas ni correctas.
De acuerdo con este principio se señalan algunas orientaciones
metodológicas para el desarrollo de las actividades.
EL EDUCADOR
50
Su papel será de observar el proceso. Estará alerta en todo momento
para prestar ayuda al niño sólo si este lo necesita, ya que es él mismo
quien tiene que experimentar y sentirse satisfecho de lo que ha hecho.
Su actitud ha de ser abierta y positiva. Se mostrará satisfecho frente a
las producciones infantiles. No es conveniente reprender, sino,
simplemente, reconducir la actividad para lograr el éxito del niño, aunque
esto no quiere decir que no haya que cambiar ciertos hábitos o actitudes
que no sean adecuados. Siempre halagará las realizaciones del niño por
el efecto motivador que supone esta actividad.
No debe deshacerse de nada de lo que modele o pinte el niño; no es
recomendable borrar. El niño ha de observar lo que hace; en todo caso,
repetirá en otra actividad la técnica hasta mejorarla, pero siempre como
una nueva experiencia, no como una repetición, pues de lo contrario, el
trabajo se convertirá en una especie de castigo.
Sus instrucciones serán siempre claras y concisas, los niños han de
saber en todo momento lo que se espera de ellos.
Vigilará que los niños adopten una postura correcta y que estén
cómodos.
LAS ACTIVIDADES
Estarán planteadas en función de los objetivos propuestos y tendrán un
carácter global. Salvo que se quiera reforzar una habilidad, en cuyo caso
se propone algo específico. Se secuenciarán de modo progresivo en
cuanto a la dificultad y complejidad de las mismas, en lo que se refiere al
nivel madurativo de cada uno de ellos.
La presentación y desarrollo de los ejercicios de expresión se debe
llevar a cabo de forma lúdica. A pesar de adecuar las actividades a los
objetivos, se pueden aprovechar algunos acontecimientos que aumentan
51
el interés de los niños y de las niñas como las fiestas locales o
Navidades.
En su planificación hay que incluir el tiempo de los siguientes momentos:
1. presentación y preparación de los materiales.
2. ejecución del trabajo.
3. recogida, limpieza de los materiales y del espacio utilizado.
4. puesta en común para conversar sobre las experiencias realizadas.
Durante las actividades de pintura o dibujo libre no se debe dar un
tiempo limitado ni interrumpir al niño.
La experiencia artística es algo más que el uso de los materiales para el
proceso de dibujar o pintar en un momento dado. Estos momentos
tienen que ser lo suficientemente flexibles como para permitir que
cualquier niño se aparte de la actividad del grupo.
Por medio de las actividades que ahora nos ocupan los niños tienen una
vía para expresar sus sentimientos, sus ideas, sus sensaciones, y sus
conocimientos del entorno; y al mismo tiempo, conocen a sus
compañeros. Por eso es muy valioso exponer las producciones que se
hacen en los grupos. Esta exposición permite la comunicación de las
sensaciones a los demás, y que todos conozcan y admiren lo que han
hecho los compañeros.
CRITERIOS DE SELECCIÓN DE LOS RECURSOS.
En cada momento será necesario constatar el nivel de maduración de
los niños/as, en cuanto al desarrollo de sus capacidades perceptivas, su
coordinación óculo-manual, sus destrezas y habilidades, y su
pensamiento. Por otra parte, también habrá que precisar las
capacidades que se pretenden desarrollar con el uso de unos u otros
52
materiales y técnicas, el tiempo que se necesita para ello, el cansancio
que puede suponer e incluso el grado de abstracción que se requiere.
A la vista de lo expuesto, la clasificación de los materiales que se
consideran más adecuados para el periodo de 0 a 6 años, es la
siguiente:
Pintura sólida. Incluye la utilización de ceras, crayón, tizas y rotuladores.
Con las primeras se puede simultanear
Pintura líquida
Papeles
Materiales tridimensionales.
Partir del rincón de plástica
Materiales:
- Hacer una previsión de lo que necesitamos
- Se presentará por orden de dificultad en su manipulación.
Dependiendo de las capacidades manipulativas del niño. Se irán
introduciendo poco a poco.
- Libre manipulación de los materiales
- Las distintas técnicas que se realicen se han de combinar con
diferentes soportes.
- Los materiales estarán distribuidos por zonas y al alcance aquellos
que pueden utilizar los menores.
- Normas claras de utilización
- Seguridad, Ejemplo cerrar los botes de pintura
- Limpieza, trapos para limpiarse
- Papel resistente
Espacio:
- Será luminoso, luz natural
- Material suficiente y ordenado
- Zonas: manipulación, agua, exposición, para guardar
- Tamaño apropiado al número de niños
53
Mobiliario:
- Amplio
- Se adaptará a los diferentes soportes que se utilizan
Incluirá estos elementos: mesa amplia, pileta para limpiar los materiales
y experimentar con líquidos, caballetes, tablero de corcho, espacio para
ver los trabajos, un espacio para dejar trabajos inacabados, perchero
(colgar babis)
Estas condiciones analizadas son igualmente válidas para otros rincones
creados dentro de la sala de actividad de un grupo o para un taller.
LA CREATIVIDAD Y LA EXPRESIÓN PLÁSTICA.
La expresión plástica es un instrumento de desarrollo y comunicación
del ser humano que se manifiesta por medio de diferentes lenguajes. La
expresión plástica, como forma de representación y comunicación,
emplea un lenguaje que permite expresarse a través del dominio de
materiales plásticos y de distintas técnicas que favorecen el proceso
creador. Lo fundamental en este proceso es la libre expresión, no la
creación de obras maestras.
La expresión plástica es un cauce fundamental para el desarrollo de la
creatividad, aunque no el único. La educación infantil permitirá este
desarrollo, así como el proceso que implica la solución de los problemas.
La expresión plástica está ligada al arte pero, en la etapa infantil, no
tiene como fin lograr artistas, sino el desenvolvimiento del proceso
interior del niño que desarrolla distintas capacidades. “lo fundamental no
es el producto, sino el proceso”. Los aspectos técnicos deben de estar
supeditados a los diversos objetivos de disfrute, expresión y
comunicación, sin que eso suponga privar al pequeño de los
conocimientos y el uso de las técnicas que favorezcan su maduración.
54
Entre los factores implícitos en el proceso creador se encuentran los
ambientales, en los que influye el educador o educadora, de modo que
su actuación es fundamental.
¿Cómo influir positivamente en el desarrollo de la creatividad?
A través del estímulo, la espontaneidad, la libertad y la flexibilidad
Poniendo al niño en contacto con el arte de distintas épocas.
Evitando estereotipos de la decoración y en las realizaciones infantiles.
El educador o educadora infantil evitará el uso de los modelos, el niño
no debe copiar (ya se trate de copias de la pizarra, fichas o cuadernos
de colorear). Se evitará que dependa del modelo que ofrece el adulto
para, de este modo, adquirir seguridad en sí mismo y desarrollar la
capacidad creadora.
Individualizando los ritmos de aprendizaje.
Estimulando la observación, la experimentación, los sentidos, la
percepción, la curiosidad, la intuición, la imaginación y la seguridad.
Valorando las producciones de otros niños.
Aceptando respuestas muy variadas y distintas de las que se podrán
esperar.
Favoreciendo el juego y el manejo de materiales poco estructurados.
La creatividad es la capacidad de ver donde otros no ven, es decir, ante
cualquier situación la persona creativa es capaz de buscar otro
encuadre; analizar de otra forma distintas variables, y por supuesto
encontrar otras vías de solución que a los demás no se le ocurrió
1.14. EL TEATRO
DEFINICIONES
Renoult, N; Vialeret, C. (2003) manifiestan que el teatro es el nombre de
un lugar donde se reúne la gente: hay quienes van a observar, escuchar,
reír, entretenerse, y hay quienes van a actuar, que son los que hacen
reír o llorar, y hacen participar en una emoción o una idea.
55
Asimismo, refiere que el teatro es un lugar que pertenece a todos, tanto
actores como espectadores. Pero cada uno ocupa en él un especio bien
definido: los primeros en el escenario que son los que actúan y los
segundos en el patio de las butacas que vienen a ser los espectadores.
Meyer, R y otros (1980: 165) presenta dos definiciones de teatro:
-“Teatro es la representación dramática que se lleva a cabo frente a un
público”.
-“Teatro es la representación secuencial de situaciones en las cuales
ciertos personajes se expresan a través de lo que les pasa, de lo que
logran hacer, de lo que no consiguen hacer ”
Por su parte la enciclopedia de Pedagogía y Psicología (1997),
menciona que el teatro infantil, en cuanto a instrumento educativo Puede
considerarse desde dos puntos de vista como juego escénico; acción
estética y como espectáculo. Considerado como juego, consiste en la
organización de grupos escénicos que no deben buscar el éxito ante
otros espectadores, sino contribuir a la formación de la personalidad de
sus componentes, mediante la participación en representaciones
teatrales.
CLASES DE TEATRO.
Meyer, R y otros (1980) mencionan que la obra dramática puede ser de
distintos tipos: tragedia, drama, comedia, melodrama, farsa. Pueden
tener distintos estilos: realista, no realista, clásico, romántico,
expresionista, simbólico, etc.
El espectáculo puede ser dado para un público adulto o infantil. En el
segundo caso tendremos el teatro para niños. El teatro tiene un valor
educativo, siempre y cuando esté bien dirigido y el contenido tenga un
56
valor social. Asimismo, el teatro es un medio excelente de expresión y
de comunicación, puesto que el mensaje llega a la mente de los
espectadores por la vía auditiva, visual y por las emociones.
Actores y espectadores se benefician con los valores educativos del
teatro, pero de distinta manera: los actores, porque en su preparación
para actuar van ganando en sensibilidad, en imaginación, en poder de
concentración, de observación, en agilidad mental, en memoria, en
dominio, en capacidad para comprender a los demás. Los espectadores
se benefician no sólo porque cada obra que observan puede ser un
medio de ampliar su campo cultural, sino que también por un proceso de
identificación que les permite ejercitar su grado de concentración,
sensibilidad e imaginación.
1. Teatro para niños
Meyer, R y otros (1980) señalan que el teatro para niños está referido a
la función – producción dramática producida para un público conformado
por niños. El director y los actores son adultos; los niños son solo
espectadores. Este teatro exige obras, actuación, dirección, producción.
El espíritu crítico de los niños es muy grande. Lo que recibe en su
infancia perdurará toda la vida. Por ello es necesario que encierre
valores estéticos y sociales.
2. Teatro escolar
“Es el que tiene lugar en la escuela. No es comercial y está realizado por
actores niños o adolescentes dirigidos por un profesor.”
Por consiguiente, el teatro que se realiza en la escuela no tiene fines
comerciales, sino que es empleado como recurso educativo, donde los
actores son los mismos niños.
IMPORTANCIA DEL TEATRO
57
Agüera, I. (2002) manifiesta que tanto profesores como padres deben
ser conscientes de las ventajas psicopedagógicas derivadas de la
puesta en escena, entre ellas tenemos: refuerza la autonomía,
autoestima y personalidad.
- Potenciar la creatividad de los alumnos.
- Valorar la importancia del teatro como recurso para un desarrollo
integral del niño.
- Experimentar el trabajo cooperativo como medio de aprendizaje
metodológico.
- Profundizar en el lenguaje de los niños.
- Desarrollar la expresión verbal y no verbal de los alumnos.
- Animar a la lectura de obras literarias infantiles.
- Conocer y poner en práctica dramatizaciones.
La gran importancia que la dramatización tiene tanto en el desarrollo de
la vida del niño, en la vida misma de la escuela, hace de esta materia un
lugar privilegiado en el currículo. En ella se articulan todos los
aprendizajes importantes del niño: expresión (oral, escrita, corporal-
gestual, gráfica y musical), comunicación, relación con los demás y
resolución de conflictos. Así mismo a través del cuento y la narración el
niño va a aprender la realidad de la vida cotidiana de una forma global,
con sus ilusiones y sus desaciertos, etc. Todo ello nos permite una
prevención de conflictos personales y un desarrollo de habilidades de
relación a través de la interacción social que propone la dramatización.
EL TEATRO EN LA ESCUELA
Renoult, N; Vialeret, C. (2003) refieren, que están convencidos de que
no hacen falta ni vocación ni dotes particulares para abordar el teatro en
la clase.
58
Asimismo, señalan que es necesario que el profesor se atreva a superar
sus temores y sus complejos respecto de un arte que considera propio
de los profesionales. Además, es importante que el profesor se
encuentre en este nuevo medio de expresión que exige una profunda
entrega y que poco a poco va a ir descubriendo todas las riquezas y los
límites de la acción teatral. Cuando ya esté en condiciones para hacer
que sus alumnos puedan aprovechar la experiencia, no debe dejarse
desanimar por las dificultades propias de las condiciones de la
enseñanza. Son muchas las dificultades que podría desanimar a los
profesores, pero no hay que desanimarse, pues el camino es el mismo
que para enseñar cualquier otra materia.
Por su parte Agüera, I. (2002) puntualiza diciendo que el teatro bien
orientado ya no exige grandes esfuerzos ni grandes recursos para
hacerlo realidad entre los alumnos. Lo que sí se necesita es un poquito
de imaginación e ilusión.
Asimismo, recomienda a los profesores lo siguiente:
Que intervengan en cada guión todos los alumnos y alumnas de la
clase.
Que los personajes primarios no los designe el maestro, sino que se
sometan a votación de los alumnos. De esta forma nadie podrá pensar
en preferencias por parte del profesor.
Así como el resultado de la elección es respetado, se les da libertad
para, de común acuerdo, cambiar los papeles si por alguna razón alguno
se siente incómodo.
VENTAJAS DE HACER TEATRO EN LA ESCUELA
59
Agüera, I. (2002) manifiesta algunas de las ventajas de hacer teatro en
la escuela, entre ellas tenemos:
Los alumnos se vuelven más extrovertidos.
La posibilidad de actuar en coros tiene la gran ventaja de desinhibir a los
alumnos tímidos y hacer que poco a poco pierdan el miedo a
representarse en público.
Se marca en los alumnos una tendencia a perfeccionar las cosas como
resultado de los ensayos y de sus mutuas críticas.
La socialización adquiere grandes dimensiones, dados los continuos
roces que tienen que superar. Y también por la posterior alegría de
compartir aplausos.
Se agiliza la memoria.
Se activa la atención sorprendentemente, al tener que depender cada
actuación de la palabra del personaje anterior.
Se eleva el grado de seguridad ante los demás.
Por su parte Renoult, N; Vialeret, C. (2003) manifiestan que hacer teatro
en clase permite dar una motivación a las disciplinas escolares. La
creación de una obra de teatro proporciona un material que puede
explotarse en numerosos ámbitos: en lenguaje, en actividades
manuales. La actividad teatral permite al niño:
Hablar, mejorar su lenguaje. Ayuda al enriquecimiento del vocabulario.
Ejercitarse en la expresión escrita, puesto que se lee la historia, los
diálogos.
Situar geográficamente e históricamente, es decir, en el tiempo y en el
espacio el tema tratado.
Ponen es práctica ciertos medios de expresión artística (el canto, la
danza, la poesía, el dibujo, la pintura).
Familiarizarse con otros medios de expresión (expresión corporal,
mímica)
60
Incluir la educación física. Los ejercicios psicomotores y la relajación
pueden adquirir una significación distinta si se pone al servicio de la
creación teatral
DRAMATIZACIÓN
Drama viene del griego, que significa acción, acción representada, Es un
proceso de creación dónde lo fundamental es utilizar técnicas del
lenguaje teatral, cumple su objetivo al utilizar estas técnicas como apoyo
lúdico, pedagógico o didáctico.
Esta técnica se refiere a la interpretación "teatral" de un problema o de
una situación en el campo general de las relaciones humanas.
La dramatización es fácil de planear pero exige gran habilidad en su
aplicación real. Puede elegirse para proporcionar datos inmediatos y
empíricos sobre relaciones humanas comunes a todo el grupo, logrando
una indagación más profunda que los métodos convencionales.
Dramatizar es cuando se representa acciones, generalmente
dialogadas, capaces de despertar el interés de quienes hacen de
espectadores.
En la dramatización se da un proceso convencional en el cual las cosas,
objetos, hechos, personas, dejan de ser lo que son para convertirse en
otras a las que representan.
Dramatizar proviene del griego acción, que llega hacer la acción
representada, utilizando distintas técnicas teatrales para despertar el
interés de un grupo de espectadores.
CARACTERÍSTICAS
61
La dramatización no es teatro, porque permite el uso del lenguaje
espontáneo.
La dramatización no exige escenarios, ni trajes especiales.
La dramatización favorece la sociabilidad de las personas y permite la
participación de los tímidos, los cuales pueden presentarse en escenas
realizando acciones mudas .Además, permite el sano esparcimiento y
propicia en las personas el entusiasmo y la alegría.
OBJETIVOS:
- Enriquecer el vocabulario.
- Adquirir mayor soltura, claridad y precisión en la expresión.
- Mejorar la pronunciación y el tono de voz.
- Intensificar el desarrollo de la imaginación creadora, la originalidad y
el poder de invención.
- Desarrollar progresivamente hábitos, habilidades y destrezas.
DRAMATIZACIÓN Y EDUCACIÓN.
El juego dramático es una forma concreta del juego infantil que requiere
de una edad más avanzada que la del juego simbólico9. Para una mayor
comprensión veámoslo en el siguiente cuadro elaborado por Motos
(1996). En él aparecen dos vectores: espontaneidad-elaboración
técnica, que se refiere al grado de estructuración y libertad que una
forma dramática posee. Aquí aparecerían desde actividades que se
expresan con plena espontaneidad hasta aquellas otras que se
encuentran sometidas a una serie de reglas fijas y muy estructuradas. El
otro vector, el proceso lúdico-producto artístico, se refiere a la finalidad
con la que utilizamos las diversas formas dramáticas, al tiempo que las
relaciona con las etapas educativas: desde las lúdicas, cuya finalidad es
62
la mera diversión, hasta el producto artístico finalizado, elaborado para
una finalidad comunicativa o estética.
En una lectura vertical de este cuadro con el que le sigue, podemos
relacionarlas edades y etapas escolares en las que, aproximadamente,
aparecen las condiciones adecuadas en el alumno para trabajar cada
forma dramática.
LA EXPRESION CORPORAL EN LA ESCUELA.
EL CUERPO
El niño o la niña deben expresarse para vivir, y disponen, gracias al
cuerpo, de un maravilloso instrumento para lograrlo. Su cuerpo es una
materia privilegiada, abierta a la belleza del gesto, a la invención, al
ritmo, al equilibrio, al arte.
La expresión corporal en la educación infantil se propone esencialmente
una meta, lograr que el niño o la niña se descubran a sí mismos, y
darles los medios necesarios para su mejor adaptación al mundo en
cuanto seres humanos individual y social.
El cuerpo desempeña, como trasmisor de un determinado mensaje, un
papel de primordial importancia. Constituye la materia que se debe
modelar, organizar, a partir de un tema.
Lo que se pretende con la expresión corporal es:
1. La autenticidad del procedimiento.
2. La riqueza del contenido (con invención, creatividad).
3. La libertad de creación, la espontaneidad, la autenticidad.
EL MOVIMIENTO
La expresión corporal significante se consigue a través de la dinámica
del movimiento.
Por lo tanto, será necesario desarrollar todas las posibilidades del
movimiento corporal.
63
Pero para llegar al lenguaje corporal expresivo no sólo es necesario
procurar un dominio del cuerpo, una habilidad física y técnica -esto
indudablemente da más posibilidades, facilita la tarea-, sino que además
intervienen otros factores como son el tiempo, el espacio. Se requiere,
pues, descubrir, conocer técnica y vivencialmente el propio cuerpo y su
disponibilidad motriz, así como los factores del movimiento espacio-
temporales para luego poder utilizarlos de modo espontáneo.
Hay que partir de lo físico, que será el punto de unión entre mi yo (mi
mundo interior), y lo que me rodea (el mundo exterior). Por lo tanto, en
ese acto de expresión confluyen actividades físicas, intelectuales y
efectivas. Dada la individualidad del ser humano, cada persona tendrá
una forma exclusiva, propia de “ver”, sentir y expresar.
SENTIDO LÚDICO
No hay que olvidar que toda la actividad se apoya continuamente en el
aspecto lúdico de la infancia, en su necesidad de jugar y crear, en la
energía y curiosidad encauzadas hacia la experimentación
sensoperceptiva, en la transformación de lo experimentado en imágenes
con un contenido simbólico-emocional propio de cada persona del
grupo.
EL JUEGO DRAMATICO EN LA EDUCACIÓN PRIMARIA
Concepto Y Fines Del Juego Dramático
Juego dramático designa las múltiples actividades de un taller de
expresión dramática, que agrupa el conjunto de recursos y de prácticas
convergentes (actividades de expresión corporal, expresión lingüística,
expresión plástica y expresión rítmico-musical, juegos de roles,
64
improvisaciones, juegos mímicos, de títeres y de sombras, etc.) que se
funden en un mismo proceso de descubrimiento y de creación. La acción
puede plasmarse mediante el lenguaje corporal, el verbal, a través sólo
de los gestos, etc. y los jugadores pueden actuar de modo directo
(juegos dramáticos personales) o bien utilizar sustitutos simbólicos:
máscaras, títeres, sombras... (juegos dramáticos proyectados).
Su finalidad es lograr una experiencia educativa integradora de
lenguajes expresivos que, basada en el juego y el protagonismo de los
niños, posibilite su expresión personal, el impulso de su capacidad y
actitud creativas y la mejora de sus relaciones personales. El niño puede
decir mediante la acción lo que es y lo que quiere en un lenguaje
globalizador que no parcela artificialmente sus manifestaciones
expresivas. A cara descubierta o tras la máscara, descubre una
sensibilidad personal y las posibilidades comunicativas del cuerpo y la
voz, el gesto y el movimiento, la palabra y la música, el color y las
formas.... así recrea la realidad, amplía su experiencia y aumenta su
bienestar. Se trata de proporcionarles la ocasión de enriquecer el campo
de su experiencia y de mejorar su vida y sus relaciones a partir de las
situaciones más diversas, superando inhibiciones, miedos y complejos.
Un espacio y un tiempo para aumentar la sensibilidad, la observación y
la escucha y para desarrollar la creatividad expresiva. En definitiva, para
explorar las posibilidades infinitas de un lenguaje que combina todas los
medios de expresión con el ambicioso fin de fomentar la expresión
creadora y contribuir al desarrollo integral de la personalidad de todos
los niños y niñas sin distinción.
El lenguaje del teatro es aquí un medio al servicio del desarrollo
individual y colectivo. Sin escenario ni espectadores, busca su
satisfacción en la actividad misma, en la calidad educativa del proceso, y
prescinde del valor artístico del producto. Lo fundamental es la
exploración y el placer compartido mediante el juego, el
desenvolvimiento expresivo y creador de cada niño/a y su participación
65
física, emocional y lúdica en el seno de un grupo (Tejerina, 1994 y
1997).
LA DRAMATIZACIÓN COMO ELEMENTO MOTIVADOR DE LA
CREATIVIDAD.
La condición básica para que se dé el aprendizaje es que quien va a
realizarlo, tenga el propósito de hacerlo; no en vano se dice que “querer
es poder”. Correspondería con lo que Amabile, denomina motivación
intrínseca, definida como “la motivación para ocuparse en una actividad
por su propio gusto, porque es intrínsecamente interesante, agradable o
satisfactoria”. Esta motivación intrínseca genera una mayor decisión e
implicación en la tarea que la simple motivación extrínseca en la que la
decisión para realizar una tarea está supeditada a alcanzar alguna meta
externa como el reconocimiento, la recompensa, el premio...
Amabile considera además que la motivación intrínseca es fundamental
no sólo para
un aprendizaje eficaz sino para iniciar y perseverar en un proyecto
creativo: “La gente será más creativa cuando se sienta movida
primeramente por el interés, placer, satisfacción y desafío del trabajo por
sí mismo y no por presiones externas”. La idea de un mayor interés
hacia el propio trabajo actúa incrementándola al ser la propia tarea el
medio y el fin en sí misma, mientras que cuando prevalece la motivación
extrínseca, la atención oscila de la tarea a la meta y se dispersa.
Con la motivación intrínseca hay un mayor detenimiento en el ámbito
conceptual relevante y mayor exploración, debido a que se ponen en
juego las emociones, el afecto positivo. Y esta relación actúa como
mediadora en la orientación para conseguir el resultado deseado.
Csikszentmihalyi, hace referencia a un estado emocional muy especial
en el proceso creativo, que llama “experiencia de flujo” por el cual el
individuo se siente fuertemente motivado intrínsecamente, con la
66
sensación de estar envuelto y arrastrado por la actividad, eliminándose
otros pensamientos ajenos a la tarea.
Esta dimensión afectiva del trabajo, es un componente necesario para
que se desarrolle la creatividad. El propósito o motivo para realizar una
tarea, requiere un cierto nivel de autoimplicación que se consigue de
manera espontánea en el juego dramático, ya que este plantea una
situación problemática (drama-problema) que hay que resolver dentro de
una dimensión lúdica que permite aproximarse a la realidad sin la
tensión o responsabilidad que generaría el hecho real.
ACTIVIDADES DRAMÁTICAS
Los juegos de roles
Condemarín. M y otros. (1993) con referencia a los juegos de roles
manifiestan, "los juego de roles consiste en caracterizaciones o
limitaciones de personas u objetos que pueden ser realizadas desde la
etapa preescolar; sirven de preparación para las dramatizaciones
espontáneas o preparado, pero que se caracterizan por ser grupales e
interactiva" (p. 90)
Por su parte Cassany. D y otros (2002) manifiestan, “Los juegos de roles
pueden plantear cualquier situación comunicativa, tratar todo tipo de
temas y pueden tener tantos participantes como sea conveniente. Las
ventajas de la técnica residen en que los alumnos se implican en cuerpo
y alma, que es muy rentable lingüísticamente (los alumnos “actúan” el
100% del tiempo) y que ofrecen oportunidades verosímiles de usar la
lengua” (p. 157)
En líneas generales el juego de rol:
Define a grandes rasgos la situación comunicativa (contexto,
participantes, objetivos, etc.), pero no determina ni fija el lenguaje que se
debe usar.
67
El alumno asume un rol o un papel (profesión, edad, intereses, actitudes,
etc.).
Se realiza de manera espontánea y con una cierta improvisación. Los
alumnos escogen lo que dicen y cómo reaccionar.
Los sociodramas
Son representaciones, donde se diferencian 02 momentos:
En un primer momento la docente plantea una situación problemática de
interés para el grupo.
Se buscan las causas y un grupo dramatiza.
Luego en plenario se discuten las posibles soluciones y una vez que se
decide por la mejor, el grupo dramatiza esta solución.
Las improvisaciones dramáticas
El principal elemento de las dramatizaciones escolares será la
improvisación, uno de los recursos principales durante el desarrollo de
un actor o actriz. A través de la improvisación el aprendiz conoce su
cuerpo, su voz y se da cuenta de su dominio de ciertas materias que
muchas veces guarda dormidas en su subconsciente. Este elemento
teatral, tan efectivo para preparación de actores y actrices, es
fundamental en el desarrollo del alumnado.
La actividad consiste en poner en escena una situación o acción de la
cual sólo se darán algunos datos generales, algunas características de
los personajes que intervendrán e ella o algún otro detalle para la
correcta ubicación temporal y espacial. Y el resto esta guiado por la
imaginación y la fantasía de los participantes.
La pantomima
La Pantomima es la forma y la expresión del lenguaje corporal, en el
cual se escenifican historias y/o dramas, para así comunicar
68
emociones, deseos, sentimientos, estados de ánimo, etc. utilizando sólo
el cuerpo y gesticulaciones faciales, quitando de lado la voz; es decir
que es un teatro silencioso sin palabras.
El término pantomima proviene del griego “pantómimos” que significa “el
que imita todo”, mientras que mimo viene de “miméomai” que significa
“imitar”, entonces podríamos decir que pantomima es arte de la
mímica, y mimo, es la persona que se dedica al arte de la pantomima.
Origen: Las primeras expresiones corporales y mímicas se originaron en
las fiestas dionisiacas, en los anfiteatros griegos y romanos en el siglo V
a. d C. donde la mímica era un elemento muy importante en los teatros,
en el cual, la mayor parte del público no podía oír, era difícil hacerse
escuchar, entonces era más fácil transmitir el mensaje por medio del
lenguaje visual, movimiento corporal y gestual, para proyectar a cada
uno de los presentes.
En Grecia se realizaba un tipo de escenificación dramática en la que el
elenco portaba máscaras o caretas con diferentes expresiones anímicas
para el cumplimiento de un papel, se realizaba narraciones y solían
acompañar con música.
Para los romanos se convirtió en espectáculo popular, donde realizaban
narraciones de hazañas militares y épicos de una forma jocosa y
burlesque (ridiculización). Durante la edad media se representaba por
medio de los juglares que viajaban de pueblo en pueblo, en las plazas
públicas y con narraciones en prosa, en el siglo XIV se difunde el drama
N’o en Japón, donde comparte muchas características de la pantomima
moderna.
La mímica moderna alcanza a la cúspide y popularidad en Italia (siglo
XVI) con la “Comedia dell’Arte”, donde los actores portaban unas
69
máscaras muy llamativas para la representación de escenas cómicas
acompañados con piruetas y acrobacias, allí surgieron los arlequines.
Hoy en día, grandes y pequeños sabemos que la pantomima lo realiza
una persona llamado mimo, que es el actor, que se vale de su cuerpo,
diferentes posturas, gestos y movimientos para llevar a cabo su obra
artística, dejando completamente de lado la expresión verbal (palabra),
expresa imitando la vida, los diferentes estados de ánimo a través de su
rostro , posturas del cuerpo y las manos, se necesita mucho
entrenamiento, y debido a su peculiaridad, la mímica y/o pantomima, es
el lenguaje universal que puede ser comprendido por cualquier edad, sin
la necesidad de palabras.
En la pantomima, los mimos se caracterizan por tener un maquillaje de
rostro blanco (barras conocidas para carnaval) o las caseras, talco
mezclada con vaselina, detalles que sobresalgan como: labios rojos o
negros (lápiz labial), ojos resaltados o delineados de color negro, cabe
remarcar, que se puede pintar de acuerdo al personaje que se
representa (estrellitas, corazones, lágrimas cruces, rayos, etc.), después
de desmaquillarse, usar agua y jabón.
El vestuario, es una de las partes importantes para el mimo, cuya
particularidad es la de mejorar la impresión visual hacia el espectador, si
no hay ésta, pierde su impacto. El actor debe estar vestido con ropa
cómoda y liviana para facilitar libremente los movimientos, las faldas y
pantalones no debes ser apretados, también es bueno usar zapatillas de
lona.
Los colores clásicos son el pantalón o falda de color negro, camisa
blanca o polo a rayas, manga larga o corta, también se puede realizar
combinaciones con el rojo, en fin, el diseño puede ser abstracto en
negro. El tirante del pantalón le da un toque especial, como también las
gorras, sombreros; todo es cuestión de usar la imaginación, para resaltar
las manos, usar guantes de color blanco.
70
Los títeres
Historia
Según excavaciones hechas por arqueólogos de las diferentes culturas
dan muestras que los títeres existen desde tiempos antiguos, por
ejemplo en ciudades egipcias se han encontrado muñecos articulados,
cuya antigüedad es de miles de años.
En la India y en la China especialmente en la isla de Jaba se han
encontrado títeres de cerámica y porcelana en ciudades griegas y
romanas también se han encontrado en muchos descubrimientos la
presencia de títeres. En México también han encontrado muñecos de
barro y tela de algodón lo cual son artículos y se piensa que
pertenecieron a las culturas Maya y Azteca.
En el Perú también se han encontrado títeres de barro articulados
hechos de fibra de algodón, cuyo origen se remonta hasta las culturas
pre-incas.
En Canadá, en algunas tribus se han encontrado marionetas el cual es
el más antiguo de los títeres.
Definiciones
Hinostroza. A. (1988) haciendo referencia a los títeres señala, “con la
palabra títere se designa a los muñecos que pueden moverse mediante
hilos (marionetas) por acción directa de los dedos (títeres de guante o
varilla) o por proyección de sombras sobre una pantalla. En conclusión,
títere, es toda figurilla, hecha de trapo, engrudo o madera que se mueve
o acciona mediante algún artificio”.
Los títeres son muñecos que al ser manipulados por la mano y dedos
del hombre representan personajes.
Por su parte Rivas. A. (1990) define a los títeres como optima escuela
de educación social, medio eficaz para el continuo mejoramiento de la
71
expresión, para el desahogo espontáneo de la exuberancia, el
sentimiento, el dominio y control se sí mismo, la alegría de hacer divertir.
Los títeres son muñecos si vida y manipulables que se usan con el
propósito de transmitir o comunicar un mensaje como hacer reír al
público, por lo que es innato en el hombre dar vida y animar a estos.
El títeres puede ser cualquier objeto por más insignificante que sea
desde un botón hasta avión. Todo depende del tema, de la realidad, del
objetivo y la creatividad del profesor.
Basta con agregarle elementos que le den apariencia de personaje que
deseamos y tendremos un medio educativo y estético.
Lo importante es que mediante el podemos comunicarnos, divertir y
enseñar o educar.
Clases de Títeres.
Existen varias clases de títeres por su gran poder de comunicación, por
esta razón, los títeres se utilizan en la enseñanza – aprendizaje y la
clasificación se hace de acuerdo a la forma y el material que se utiliza en
la construcción entre estos tenemos.
• Títeres de Guante: Son aquellos que se utilizan como guante y
que pueden ser confeccionados promedias, calcetines o papel
dándose la forma del personaje a representar.
• Títeres de Vegetales: Son los títeres que se confeccionan a base
de frutas, verduras, hortalizas y semillas.
• Títeres de Bolsa: Son aquellas que se confeccionan con bolsa de
papel, se da la forma del personaje, pintándose los ojos, nariz,
boca, oreja, etc. Estos se complementan con el papel crepe.
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• Títeres Plano: Son aquellos que se confeccionan tomando como
material el cartón, papel de colores, tela, dándole la forma y
tamaño, al gusto del titiritero.
• Títeres de Marionetas: Es el más antiguo de los títeres, a
diferencia del títere de guante este se manipula de arriba hacia
abajo, mediante hilos, se utiliza en escenario especial para que el
titiritero puede manipular, la marioneta está unida a una cruceta
de color.
• Títeres de Dedal: Los títeres de dedo son útiles en grupo pequeño
Especialmente de preescolares. No es necesario el dialogo
complicado. Se puede utilizar el franelógrafo o láminas para
contar una historia.
TÍTERES DE HILO
Algunas marionetas se mueven con hilos que unen las distintas partes
de su cuerpo a una caña, de la que cuelgan. Para manipularlas, los
titiriteros usan una mano para mover la caña, y la otra, para tirar de cada
hilo. Esto exige una gran habilidad. Estas marionetas reciben el nombre
de marionetas de hilo o títeres.
Se cree que el nombre de "marioneta" surgió en la edad media. En aquel
tiempo, los monjes y sacerdotes las usaban para enseñar a la gente la
historia del nacimiento de Jesús. El principal personaje era la Virgen
María; de ahí viene el nombre de marionetas o ‘pequeñas marionas’.
Durante los siglos XIV y XV nacieron otros personajes que
representaban historias cotidianas, como maridos celosos, soldados que
iban a la guerra… Su fabricación y manejo se convirtió en todo un arte.
Los títeres se hicieron tan sofisticados que a veces tenían hilos con los
que podían abrir y cerrar la boca.
73
En las ciudades más importantes de Europa se abrieron teatros de
marionetas, e incluso se llegaron a representar óperas.
TÍTERES DE VARILLA
Otras marionetas no se manipulan mediante hilos, sino con cañas o
varillas. Las primeras marionetas de varilla se hicieron en la antigua
China y en la India. Se usaban para representar antiguas historias de
dioses y nobles hindúes.
Las marionetas eran siluetas planas, recortadas en cuero, que se
manipulaban sosteniendo en una mano una varilla unida a la cabeza
y, en la otra, dos varillas unidas a los brazos. Las personas que las
movían se colocaban detrás de una pantalla, iluminada desde el
fondo con una intensa luz. El público, que se sentaba al otro lado, lo
único que veía eran las sombras de las figuras moviéndose y
danzando.
Este tipo de marionetas es muy popular todavía hoy en diferentes
partes del mundo. En Indonesia, aún se representa un espectáculo
muy antiguo, llamado Wayang Kulit, que emplea más de doscientas
marionetas y dura varios días. Los famosos teleñecos son marionetas
que se manipulan en parte mediante varillas.
TÍTERES MANIPULADOS POR GUANTE
Las marionetas que se manejan con los dedos son las más simples
de todas. Nada más fácil que hacer y decorar unos cilindros de papel
o de tela y convertirlos en personajes que se deslizan por tus dedos.
Para fabricar este tipo de marionetas se pueden utilizar hasta unos
viejos calcetines. Algunas tienen cuerpos y cabezas de paño; otras se
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hacen con papel maché, cartón o plástico. Todas se manejan
metiendo la mano en su interior y moviéndoles la cabeza y los brazos
con nuestros dedos.
Las marionetas de guante son las más baratas de fabricar y las más
sencillas de manipular.
TÍTERES MANIPULADOS POR EQUIPO
Algunas marionetas necesitan más de una persona para poderlas
manipular. En Japón, por ejemplo, existe un tipo de teatro, llamado
bunraku, que utiliza muñecos en lugar de actores. Estas marionetas
son de tamaño natural, y cada una de ellas es manejada por tres
personas, que visten de negro y se mueven por el escenario.
En la televisión y en el cine, a veces, se usan marionetas de tamaño
natural o incluso más grande. Se necesita un equipo entero para
manipularlas, mediante sofisticados mecanismos que llegan a
controlar incluso pequeños gestos, como el movimiento de las orejas,
el levantamiento de cejas o el mohín con la nariz.
MANIPULACIÓN DE TÍTERES
Es la técnica de manejo correcto de títeres. Para que esto sea fácil y
natural debemos practicar constantemente el movimiento de los
dedos y las manos hasta la perfección.
Debemos tener en cuenta lo siguiente:
- La altura de los títeres deben estar nivelados, salvo que
representemos a un enano.
- Debes caminar, no parecer que saltas o patinar. Para hacerlo caminar
se debe mover la muñeca o el codo hacia delante, caminar con el si
fuéramos el mismo títere.
75
- Se debe coordinar la voz con el movimiento, si es niño, si es niño,
joven, anciano, animal, etc.
- Se debe tener movimiento continuo.
- Cuando se emplea dos títeres, el que habla lo debe hacer
moviéndose, el otro escucha quieto, afirmando o negando lo que
escucha pues si todos se mueven el público puede confundirse y no
sabrá quién habla, además el títere se debe ver entero en la función
por lo que los dedos del titiritero debe tenerlos a la altura de la nariz
de dicho títere.
- COORDINACIÓN DE TÍTERES
- Es la acción armónica del títere cuando habla y se nueve en relación
de los demás que están en escenas. Cuando dos títeres que están
manejando el dialogo debe manipular e títere uno con la mano
derecha y el otro con la mano izquierda, pues esto permite un
manejo, por lo que es importante lograr ser diestro y usar las manos
y se debe tener cuidado que el tamaño del títere debe estar en
relación al tamaño del escenario.
ELABORACIÓN Y MOLDES DE TÍTERES.
Antes de empezar a fabricar lo títeres, se tendrá que pensar un poco
en el tamaño que sería más apropiado para el propósito que tenga.
Para ayudar a tomar esa decisión hay que tener en cuenta la edad
del grupo, el tamaño del grupo y los recursos económicos
disponibles por lo que se pueden utilizar materiales para su
confección como:
- Medias o calcetines.
- Papel.
- Telas (retazos).
- Cartón, focos.
- Algodón, agujas, tijeras, hilo, etc.
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El títere pertenece al mundo mágico del niño por lo tanto su
construcción debe tener un acabado elegante, imaginativo y su
vestuario debe ser armonioso y bello.
1.15. LA DANZA
DEFINICIONES
Según Cohen, S . (2004). Manifiesta que la danza es la ejecución de
movimientos acompañados con el cuerpo, los brazos y las piernas. La
danza ha formado parte de la historia de la humanidad desde tiempo
inmemorial.
La danza es símbolo y signo, dado que al estar relacionada con las
expresiones de lo corporal, refleja en cada gesto la intención del
danzante, una intención que parte de una idea para llegar a ilustrarla;
"como afirma Duran G. (citado por Galagalza 1978) al referirse a la
función de lo simbólico. En tal sentido, la danza es fuente de ideas, en
tanto el símbolo posee figura y significado. La figura otorgada por la
representación corporal (el gesto) de una idea y el significado por la
imaginación y sueño que asume la idea a representar. Según Murcia y
Jaramillo (2000)
La danza puede ser definida como el arte de expresarse mediante el
Movimiento del cuerpo de manera estética y a través de un ritmo, con o
sin sonido.
Esto significa que algunas danzas se pueden interpretar sin el
acompañamiento de la música. (Domínguez, I ; Gómez, E y otros (2000).
La palabra danza procede del sánscrito y significa “anhelo de vivir”, o
sea, un sentimiento humano, una necesidad de índole espiritual emotiva
que se expresa en la acción corporal.
77
En el mundo entero, y allí hasta donde llega la memoria de la
humanidad, existió y existe la danza.
La danza está arraigada en lo individual y en lo colectivo.
El concepto de danza abarca tanto el proceso de danzar como también
su producto (o sea, una danza determinada).
Tan importantes son las danzas heredadas o fijadas, como las formas
espontáneas de la danza. Al igual que en la música, en la danza
encontramos creación, recreación e improvisación.
Historia de la danza:
La danza está estrechamente vinculada al desarrollo social. Se tienen
noticias de su existencia y de la necesidad del hombre de expresarse a
través de ella desde la Prehistoria, con fines religiosos, ceremoniales o
puramente artísticos. Pinturas rupestres encontradas en España y
Francia, con una antigüedad de más de 10.000 años, muestran dibujos
de figuras danzantes asociadas con ilustraciones rituales y escenas de
caza, lo que da una idea de la importancia de la danza para el hombre.
Según Domínguez, I ; Gómez, E y otros (2000).
Elementos Fundamentales de la Danza:
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Según Stokoe, P(2002) El hombre se ha expresado a través de las artes
desde su aparición en la Tierra, y de esta manera manifestado alegrías,
tristezas, deseos, emociones, pedidos y agradecimientos. Así nos llegan
desde tiempos inmemoriales sus artes, y de su mano, sus costumbres,
su vida toda, y hasta parte de su historia. La danza no es ajena a este
fenómeno, y es posiblemente de las primeras artes a través de la cuál se
comunica, y es importante destacar que tal vez sea la más simbólica de
las artes ya que, al prescindir básicamente de la palabra, se acentúa la
necesidad de una buena transmisión gestual.
La danza pues, es movimiento. Y un movimiento muy especial ya que
requiere de cinco elementos fundamentales, los cuales se
interrelacionan para transmitir un mensaje artístico:
Ritmo
Expresión corporal
Movimiento
Espacio
Color
De esta manera llegamos entonces a poder definir la danza como el
desplazamiento efectuado en el espacio por una o todas las partes del
cuerpo del bailarín, diseñando una forma, impulsado por una energía
propia, con un ritmo determinado, durante un tiempo de mayor o menor
duración.
El uso predominante de uno u otro de los elementos del movimiento no
es siempre parejo. En algunas danzas predomina el ritmo, en otras el
uso del espacio, etc. También es importante destacar que de acuerdo al
carácter de ella se acentuará el uso de uno u otro elemento.
Cuando la danza no se manifiesta como el puro bailar, o como el
equilibrio estético que es el ballet clásico, sino que se imprime una
intención determinada se complementa con el que llamaremos
79
Adicionales No Danzantes. Éstos son cuatro: mímica , gesto simbólico,
canto y palabra.
Ritmo
En un sentido general el ritmo es un flujo de movimiento controlado o
medido, sonoro o visual, generalmente producido por una ordenación
de elementos diferentes del medio en cuestión. El ritmo es una
característica básica de todas las Artes especialmente de la música,
la poesía y la Danza. También puede detectarse en los fenómenos
naturales.
Ritmo en la música
El ritmo en la música se refiere a la frecuencia de repetición (a
intervalos regulares y en ciertas ocasiones irregulares de sonidos
fuertes y débiles, largos y breves, altos y bajos) en una composición.
El ritmo se define como la organización en el tiempo de pulso y
acentos que perciben los oyentes como una estructura. Ésta sucesión
temporal se ordena en nuestra mente, percibiendo de éste modo una
forma. El ritmo está muy asociado a los estados de ánimo; por
ejemplo en la música folklore Así también como la música africana
contiene ritmos instintivos y básicos, la contiene ritmos lentos y
relajantes.
El ritmo musical engloba todo aquello que pertenece al movimiento
que impulsa a la música en el tiempo. En la Danza el ritmo gobierna
los movimientos del cuerpo.
El ritmo tiene mucho que ver con definir el compás , el tipo de compás
que define al acento y a las figuras musicales que la componen. El
ritmo no se escribe con el pentagrama sólo con la figura musical
definitoria de la duración del pulso. Si al pentagrama se le agregan la
nota musical aparece el sonido. Al sumar los acentos, figuras y un
compás definido por el ritmo, surge la melodía . En otras palabras el
80
ritmo se apoya en los acentos, dando la estructura. La melodía da
forma a todo esto.
Expresión corporal
El teatro está considerado como el arte total ya que utiliza todos los
lenguajes (lenguaje verbal y no verbal, lenguaje plástico, rítmico-
musical, etc.). La expresión corporal o lenguaje del cuerpo es una de
las formas básicas para la comunicación humana. Stokoe, P(2002)
Dimensión de la Expresión Corporal
Cuando se habla de expresión corporal, cualquiera sea el contexto, se
suele poner el énfasis fundamentalmente en la dimensión expresiva,
algo en la dimensión relacional y comunicativa pero se olvida la
dimensión cognitiva.
La dimensión expresiva también implica estimular, abrirse a las
sensaciones, afinar los sentidos despertando la sensibilidad, darse
cuenta de lo que se percibe aquí y ahora. El contacto sensorial actual
con los sucesos internos en el presente y el darse cuenta de las
fantasías son otros de los objetivos. Por eso, algunos autores
relacionan la expresión corporal con la de toma de conciencia y con
las técnicas de bienestar .
La expresión corporal se da siempre en relación. El individuo se
autoexpresa mediante las relaciones que establece con su medio,
espacio, objetos y con los otros. "Sin esta dimensión relacional no
podríamos hablar de expresión corporal" (Santiago, 1985 citado por
Stokoe, P(2002)
Y por último, se coloca el acento en que la expresión corporal supone
un expresarse con intencionalidad comunicativa. Y cuando esta faceta
se lleva hasta el terreno artístico aparece la expresión corporal
espectacular, cuyo objetivo es utilizar el lenguaje corporal para
81
transmitir un producto bellamente elaborado en un espectáculo (mimo,
teatro, ballet).
El movimiento
Es un cambio de posición respecto del tiempo .
En el movimiento es un fenómeno físico que se define como todo
cambio de posición que experimentan los cuerpos de un sistema o
conjunto, en el espacio con respecto a ellos mismos o con arreglo a
otro cuerpo que sirve de referencia. Todo cuerpo en movimiento
describe una trayectoria.
El Espacio
Según. El Diccionario de la Real Academia Española (2003) El
espacio proviene del latín spatium .
En el escenario es el espacio destinado para la representación de
obras de teatro, de otras a artes escénicas Música, danza , canción ,
etc.) o utilizado para otros acontecimientos de conferencia).
Especialmente al espacio , en el que se ubican los objetos sensibles;
y cuya la extensión que contiene toda materia existente; la distancia
entre dos cuerpos
En un sentido más abstracto un espacio es un conjunto de aspectos
descriptivos, objetos, o entidades los cuales tiene relaciones
abstractas de adyacencia, que pueden ser interpretadas en términos
geométricos. Según la disciplina científica o contexto en el que
aparezca la palabra se puede concretar más su significado.
El espacio escénico puede utilizarse de una manera más o menos
clásica o innovadora, y entendido como espacio artístico (término que
comparte con otras artes) puede referirse a un término propio del arte
82
de vanguardia que supera en dimensiones físicas y conceptuales al
escenario tradicional, vulnerando el principio clásico
LA DANZA INFANTIL
En líneas generales, podemos decir que la danza infantil se
compone de movimientos sencillos, organizados en un marco
espacio-temporal concreto. Los elementos-pasos, enlazamientos,
evoluciones, etc.-, pueden ser ejercitados como formas aisladas
(unidades de movimiento) o como formas elaboradas en una
composición coreográfica. Por ejemplo, la combinación de marchar,
saltar, girar, correr en forma semejante a una cadena, encontrarse
en un círculo, evolucionar en una dirección, etc. Breves secuencias
de movimientos encadenados forman una totalidad mayor, una
danza. Y todo ello vivido, experimentado por cada participante y por
el grupo en conjunto.
VALOR EDUCATIVO DE LA DANZA
El profesorado en muchas ocasiones, consciente de esta situación,
ha renunciado a su aplicación por temor a no sentirse capacitado
para emprender esta actividad
Actualmente, la enseñanza se está mostrando más interesada por
esta forma de educación y expresión artística, incluyendo en sus
programas la danza, frecuentemente al lado de la música. Surge así
la oportunidad de que el niño o la niña puedan familiarizarse desde
sus primeros años con ella.
En las Escuelas Infantiles donde se fomente la educación por la
danza, se ha de centrar la atención en el efecto benéfico que esta
actividad creativa tiene sobre el alumnado, y no tanto en la ejecución
perfecta de danzas con vistas a un espectáculo.
83
Por lo tanto, deberá practicarse teniendo en cuenta este principio y
siguiendo unos procedimientos claramente definidos.
El impulso innato infantil de realizar movimientos similares a los de la
danza es una forma inconsciente de descarga, y refuerza las
facultades espontáneas de expresión.
Las tareas de la escuela, entonces, serán:
1. Aprovechar, fomentar y alentar este impulso.
2. Preservar y fomentar la espontaneidad del movimiento en los
niños y niñas.
3. Ayudar a la expresión creativa infantil representando danzas
adecuadas a los dones naturales y a la etapa de su desarrollo.
4. Aumentar la capacidad de tomar parte, de manera progresiva, en
las danzas colectivas dirigidas.
En general se podría afirmar que la danza, para que tenga un
verdadero valor educativo, debe basarse en la observación de los
movimientos naturales, espontáneos del cuerpo humano, en los que
confluyen simultáneamente los elementos de cuerpo, energía,
tiempo y espacio. Los movimientos corporales trazan formas en el
espacio y las impregna el esfuerzo, es decir, la energía que surge de
toda una gama de impulsos, intenciones y deseos internos. El
cuerpo se convierte así en instrumento sensible que manifiesta la
interrelación entre el mundo interior y el exterior.
El empleo de la danza permitirá al alumnado valerse de su movilidad
para todos los fines prácticos que persiga en su vida cotidiana. De
ese modo, obtiene una valiosa preparación para satisfacer las
diferentes exigencias físicas de su existencia.
84
Pero hay algo más profundo. En la danza, la experiencia se ve
acentuada mediante la concentración de ritmos y formas corporales
definidas de movimiento.
Y ello ocurre no sólo en los movimientos amplios del cuerpo, sino
también en las acciones musculares más reducidas (sobre todo de
rostro y manos), que son sumamente expresivas y, por lo tanto,
comunicativas. Los movimientos ligeros e inconscientes de rostro y
manos, o de partes aisladas del cuerpo, son tan expresivos del
estado mental del niño o la niña y tienen un efecto tan grande sobre
su mente como los movimientos más amplios
La danza, que induce al niño o a la niña en la ejecución de unos
movimientos regulares de sus articulaciones y músculos, realizando
unas acciones definidas espacialmente, encadenadas en pequeñas
frases, y éstas en secuencias, con ritmo, le procuran una vía eficaz
para canalizar su fuerza y su energía personal, a la vez que ejerce
una gran repercusión sobre su actitud física y mental.
Mediante la danza grupal, el alumnado puede adquirir la experiencia
de ver cómo las personas se adaptan entre sí, por lo que es una
forma valiosa de fomentar las relaciones sociales.
La danza, como medio de composición y organización de
movimientos, puede compararse con el lenguaje hablado o cantado
y estimula de igual modo la actividad mental. Así como las oraciones
están compuestas de palabras, así también las frases de danza
están compuestas de movimientos. A partir de la combinación
espontánea o deliberada de gestos, desplazamientos y pasos en el
suelo surge una variedad casi ilimitada de composiciones
coreográficas. El aprendizaje de las mismas debe otorgar al
alumnado la capacidad y la agilidad necesarias para moverse con
cierta desenvoltura y seguridad. Si presta la debida atención,
ejercitará al mismo tiempo la memoria auditiva (órdenes, consignas,
85
palabras, sonidos -percusión y música-, canciones...) y motriz
(posiciones individuales y relativas a los demás, pasos, figuras,
gestos, y sus encadenamientos)
En síntesis, puede decirse que el valor educativo de la danza es
doble. Primero, en razón de la práctica del movimiento, y segundo, al
facilitar el perfeccionamiento de la armonía personal y social que
fomenta la observación exacta del esfuerzo.
Con la práctica sistemática de la danza en la educación, el
alumnado:
a) Perfecciona el sentido cinestésico (por el cual percibe el esfuerzo
muscular, el movimiento y la posición de su cuerpo en el espacio).
1. Incrementa con garantía la conciencia del propio cuerpo, en
cuanto que las
sensaciones de los movimientos se hacen más diferenciadas, y se
desarrolla
más la capacidad de adaptación rítmica.
2. Logra seguridad en los movimientos y, tras experimentar muchas
y variadas
gradaciones y combinaciones de los mismos, obtiene la plenitud del
rendimiento y de la creatividad.
3. Acrecienta la capacidad de respuesta inmediata y automática en
los movimientos,
debido a la adecuación a los variados y diferenciados cambios de
velocidad, de ritmo y de ubicación en el espacio.
b) Consigue movimientos armoniosos al lograr, con el mínimo
esfuerzo, el mayor rendimiento. El movimiento armonioso se basa en
el control de la energía y en el buen sentido rítmico.
c) Establece una relación corporal con la totalidad de la existencia,
modela su personalidad, se ejercita en la expresión artística de
acuerdo con su estadio de desarrollo y su talento.
d) Vive la interacción social.
86
APLICACIONES PEDAGÓGICAS DE LA DANZA
Desde hace años, se empezó a valorar el movimiento como un
aspecto básico y necesario de la educación. Desde entonces la
educación física y la psicomotricidad, son materias que mutuamente
se necesitan. Y, afortunadamente, en los programas de educación
aparecen como algo básico y fundamental. La danza tiene algo que
ver, pues desarrolla diversos aspectos:
– El Ritmo: Las primeras formas de danza que el niño debe utilizar
son las rondas, corros y las danzas-juego, o canciones- juego.
Interiorizando el ritmo. Muchas veces se ha pretendido enseñar el
ritmo únicamente de forma auditiva.
Toda la metodología musical moderna incluye el ritmo corporal y el
movimiento.
– El Esquema Corporal: Ayuda a su elaboración, ya que favorece
todo tipo de coordinación del mismo. Toma conciencia de sí mismo.
- La lateralidad: En la danza y por medio de los desplazamientos a
derecha o a izquierda, se contribuye a afianzar la lateralidad.
– La dimensión espacio-temporal: Recorrer un determinado espacio
y en un tiempo concreto, que viene marcado por el ritmo, ayuda al
niño a captar esta dimensión y en cierto modo a afianzar el sentido
del equilibrio y de la orientación. El niño toma conciencia de su lugar
en el espacio en relación con sus compañeros, con los objetos, etc.
– La coordinación global: Todo su cuerpo es percibido de forma
nueva y al unísono, para desempeñar una misma función.
– La creatividad: Es uno de los elementos en los que más se insiste
actualmente. Y aquí puede buscar nuevos pasos, nuevas
coreografías.
87
– El compañerismo: La danza se hace en grupo y hay que saber
amoldarse a los demás. Esa coordinación individual que uno logra
debe saber estar en relación con los otros. Saber desplazarse a la
vez que otros niños puede ayudar a fomentar las relaciones
humanas entre ellos.
– La relajación: aunque en ocasiones puede producir cansancio
físico, psíquico, distiende y relaja.
– La diversión: es un elemento lúdico y, como tal, produce alegría,
diversión.
– La atención: El alumno está obligado a permanecer concentrado,
para no moverse antes de tiempo, ni después, lo que le ayuda a
desarrollar su capacidad de atención.
– El control y el dominio de sí: En relación con todo lo anterior se
facilita este aspecto tan importante y tan difícil de conseguir
OBJETIVOS FUNDAMENTALES
Los objetivos de la danza en la Educación Infantil,
independientemente de lo que en cada caso se pretenda, en general
pensamos que se pueden concretar en:
Conocer, controlar y dominar el propio cuerpo.
Dar al movimiento precisión en su organización temporal, rítmica.
Tomar conciencia del cuerpo como instrumento de comunicación.
Disfrutar y recrearse con el movimiento en un ambiente lúdico.
Fomentar y perfeccionar la relación grupal.
Enriquecer la expresión de la afectividad.
Adquirir confianza en sí mismos.
Capacidad de percepción y vivencia.
Capacidad corporal y habilidades de movimiento.
El encuentro con la propia vivencia de la danza.
88
El aprender a utilizar la danza como una forma de expresión y
relación con los demás no verbal.
¿Qué son las enseñanzas artísticas de la danza?
Las enseñanzas artísticas de danza, consideradas como de régimen
especial en el sistema educativo, tienen como finalidad proporcionar
a alumnos y alumnas una formación artística de calidad y garantizar
la cualificación de futuros profesionales de la danza.
Estas enseñanzas que no tienen carácter obligatorio, pueden
realizarse, dependiendo de las expectativas e intereses de cada
alumno/a en Conservatorios o Escuelas de Música y Danza.
La enseñanza de danza reglada se dirige a aquellas personas que
tienen interés en convertirse en profesionales y, por lo tanto
conllevan una cierta expectativa laboral; estas enseñanzas se
realizan en los Conservatorios centros autorizados y tienen una
titulación oficial.
En definitiva se enfoca a aquellos alumnos y alumnas que posean
aptitudes y voluntad para dedicarse a este tipo de estudios ya que
exigen constancia y vocación.
Para aquellas personas interesadas como aficionadas se les ofrece
la oportunidad de adquirir una formación en música y danza en las
Escuelas de Música y Danza a través de una enseñanza no reglada
en su estructura y contenidos.
En estas escuelas los estudios que se imparten no tienen validez
académica oficial y están orientados a la formación de aficionados,
sin limitación de edad, y a favorecer un mayor conocimiento de estas
disciplinas a edades tempranas, descubriendo vocaciones y
aptitudes que podrán encauzarse en las enseñanzas profesionales.
Según Sebastián, S (2000)
89
FINALIDAD Y ORGANIZACIÓN DE LAS ENSEÑANZAS
PROFESIONALES DE DANZA EN LAS ESCUELAS
Las enseñanzas profesionales de danza tienen como finalidad
proporcionar al alumnado una formación artística de calidad y
garantizar la calificación de los futuros profesionales de la danza.
La finalidad de las enseñanzas profesionales de danza se ordena en
cuatro funciones básicas: formativa, orientadora, profesionalizadora
y preparatoria para estudios posteriores.
CARACTERÍSTICAS ESENCIALES DE LA DANZA :
“La palabra danza procede del sanscrito y significa “anhelo de vivir”,
o sea, un sentimiento humano una necesidad de índole espiritual y
emotiva que se expresa en la acción corporal”
El concepto de danza abarca tanto el proceso de danzar como su
propio producto, es decir, una o variadas danzas determinadas de
los más variados estilos.
CARACTERÍSTICAS GENERALES QUE PUEDEN DEFINIR LA
DANZA SON:
Danzar es un placer y casi una necesidad”.
Danzar es una tradición profunda y universal”.
Danzar es una expresión individual y colectiva”.
Danzar supone una educación de los ritmos naturales”.
Danzar exige una educación de la atención”.
Danzar implica una organización espacial correcta”.
Danzar exige una educación del oído”.
Danzar es uno de los aspectos de la educación estética”.
PROCEDIMIENTOS EN EL APRENDIZAJE DE UNA DANZA :
90
Los procedimientos a seguir en el aprendizaje de una danza según
indica el diseño curricular base serían:
1. Utilización de un repertorio de danzas y de ritmos fijados e
inventados.
2. Improvisación de pasos y fórmulas rítmicas básicas.
3. Interpretación del movimiento adecuado al ritmo y al sentido
musical de la danza.
4. Comprensión de la danza:
Reconocimiento de las distintas partes de una danza por su música.
Diferenciación espacial y temporal en la realización personal de la
danza,
En la utilización de los distintos procedimientos la experiencia
adquirida en la Educación Primaria condicionará el uso posterior en
la Etapa Secundaria y evidentemente en el aprendizaje posterior.
La música está en estrecho contacto con la danza a través de
distintos medios, ya mencionados, tales como el lenguaje musical -
en su faceta más directa relacionado con este tema, que lo
constituyen el ritmo y la métrica- o la utilización de distintas fuentes
sonoras.
Estudiar la métrica de una obra musical es enseñar a marcar los
tiempos fuertes, y dar a conocer los diferentes compases
fundamentales, en ejercicios que los contemplen también
alternativamente. Así surge la medida del compás intuitivamente
mediante la amplitud de los gestos y de los pasos que servirán para
expresarlo.
Los conocimientos acerca de la realización de una danza con la
música que le es propia, son necesarios y útiles para alcanzar mayor
precisión. Muchas veces es la música la que determina la estructura
formal, sobre todo en las más antiguas o de carácter tradicional. Por
91
otra parte las frases musicales y las formulas rítmicas componen la
estructura interna. Sobre ellas se regulan las figuras y las
evoluciones en que se dibujarán los pasos.
Respecto a las fuentes musicales o sonoras, éstas pueden ser
directas o indirectas, llevadas a cabo por el profesor o procedentes
de otras materias ya elaborados; todo ello dependerá siempre de la
finalidad de la actividad que se realice. Generalmente, si se quieren
realizar danzas tradicionales, la música ha de ser de la máxima
autenticidad posible, para lo cual siempre será más fácil utilizar una
fuente sonora probada, si se quieren realizar formas improvisadas o
libres, la aportación del maestro o la ayuda ajena de otros alumnos o
instrumentistas será muy importante.
Entre las actividades a desarrollar en la clase de danza en Eduación
rítmica en la escuela encontramos numerosos ejemplos para realizar
ejercicios relacionados con los pasos, los desplazamientos , los
gestos de imitación o expresivos.. Es importante también, dada la
actualidad, estudiar la relación entre música y movimiento en los
medios de comunicación.
En la información sobre una danza se abarcan factores como la
época en que se bailaba, personas que lo hacían, vestuario que
utilizaban, función social que desempeñaba esa danza
independientemente o respecto a otras; por otra parte otra forma de
información la constituye el aspecto profesional de la danza, es
decir, su evolución histórica y sus figuras más destacadas. Esta
información evidentemente variará si va orientada a alumnos de
diferentes edades; en las más iniciales la información se basará en
la experiencia personal
1.16. EDUCACIÓN MUSICAL :
DEFINICIÓN
92
Es una actividad pedagógica que enriquece diversos aspectos del
desarrollo del niño que está comprendida por un conjunto de
actividades que le permite al niño la posibilidad de ejercitar su voz,
afinar su oído, desarrollar su sentido rítmico natural y expresarse
corporalmente. Los ayuda a un desarrollo integral. La educación
musical puede ser considerada de dos formas.
Un medio:
Que permite motivar, desarrollar o reforzar nociones propias de otros
aprendizajes. Concretamente podemos planificar nociones de
aprestamiento presentándolos mediante canciones o juegos
musicales, o realizar actividades psicomotrices a partir de juegos
musicales inclusive podríamos hasta evaluar diversas capacidades(
atención, percepción, auditiva, memoria visual, coordinación).
Como fin:
En si misma constituye un excelente medio de expresión,
comunicación y creación que ejercita nuestra sensibilidad humana la
inteligencia creadora, y la imaginación.
Estas dos formas la música juega un importante rol que favorece y
dispone positivamente al niño, a que forme su personalidad, su
sentimiento, su cuerpo y su inteligencia.
IMPORTANCIA DE LA EDUCACIÓN MUSICAL
SIU YOUNG (1990) Educación Artística 1990,respecto a la
importancia de la música expresa En todo proceso educativo la
música tiene un rol pedagógico fundamental porque ayuda a lograr el
desarrollo integral del individuo cultivando su sensibilidad estimulando
y complementando todos los aspectos de su personalidad.
La música en la escuela es importante por los siguientes aspectos:
Ayuda a desarrollar la capacidad auditiva
93
Las investigaciones realizadas en este campo nos confirma que los
niños que pueden recibir los estímulos acústicos, también tendrán
mejores resultados en otros cursos: o sea, que un buen aprestamiento
auditivo trae como consecuencia el aumento de su capacidad de
aprendizaje.
De allí la importancia y necesidad de realizar con los niños
experiencias que favorezcan el desarrollo de su capacidad auditiva, la
que les permitirá contar con medio eficaz tan importante como el de la
vista o tacto en la captación de informaciones, todo lo que luego, será
utilizado en los diferentes campos donde se desenvuelvan.
Colabora al ordenamiento psicomotor
La educación rítmica responde una necesidad del niño , moverse o
sea, está ligada estrechamente al desarrollo motriz. Se trata sobre
todo de oir música persiguiendo que a la agudeza de percepción del
sentido auditivo siga la expresión corporal de lo percibido.
Colabora al desarrollo de la memoria
Los alumnos necesitan retener “lo escuchado para reproducirlo y
para hacerlos presente en el momento preciso, ya que durante el
aprendizaje es fundamental repetir las experiencias, como producir
sonidos, entonar melodías, recitar textos etc. Son experiencias que
dentro del campo de la educación musical constituye una ayuda
valiosa para cultivar l memoria.
Favorece el desarrollo de la capacidad de expresión y de
creación.
El niño participa de las actividades musicales con verdadero placer; le
grada cantar y canta con entusiasmo, asiste a audiciones y escucha
con gusto. En efecto permitirle que surja a la superficie todo lo que
fermenta en las profundidades que algún día pueden causarle
problemas es ayudarle a encontrarse a si mismo y , por lo tanto
94
afirmarse. Con ello va adquiriendo seguridad y confianza y todo le
parece posible, ingresando alegremente al campo de la creación,
expresándose de las diversas formas.
Contribuye a la formación ética y espiritual
La música despierta en los niños y niñas sentimientos sublimes, que
los transportan a una dimensión paz y tranquilidad provocando en
ellos actitudes positivas hacia los demás.
Favorece la socialización.
La música también se hace presente en el quehacer educativo como
factor importante en el proceso de socialización del niño.
Desde las primeras experiencias en el campo de la actividad musical
( juegos, rondas, etc, demanda la participación e integración de los
educandos)
INTELIGENCIA MUSICAL.
En cuanto a la inteligencia musical se propone que por ejemplo
ciertas partes del cerebro desempeñan papeles importantes en la
percepción y la producción musical, Estas áreas se sitúan generalmente
en el hemisferio derecho, aunque la capacidad musical no está
“localizada” con claridad, o situada en un área específica, como el
lenguaje. A pesar de que la susceptibilidad concreta de la habilidad
musical a las lesiones cerebrales depende del grado de formación y de
las otras diferencias individuales, existe evidencia clara o pérdida de
habilidad musical. Los datos que apoyan la interpretación de la habilidad
musical como una “inteligencia” proceden de fuentes muy diversas. A
pesar de que la capacidad musical se considera generalmente como una
capacidad intelectual, como las matemáticas, sigue nuestro criterio que
deberá considerarse así.
Inteligencia Musical es la capacidad de percibir, discriminar, transformar
y expresar las formas musicales. Incluye la sensibilidad al ritmo, al tono y
al timbre. está presente en compositores, directores de orquesta, críticos
95
musicales, músicos y oyentes sensibles, entre otros. Los alumnos que la
evidencian se sienten atraídos por los sonidos de la naturaleza y por
todo tipo de melodías. Disfrutan siguiendo el compás con el pie,
golpeando o sacudiendo algún objeto rítmicamente.
JIMENEZ, 1998 comenta que la inteligencia musical, fortalece las
actitudes y las aptitudes frente a las diferentes formas de la música para
desarrollar habilidades innatas que tiene todos los seres humanos frente
a la estética musical. En esta inteligencia se deben diferenciar tonos y
ritmos, para poder reproducir y construir sobre ellas nuevas formas
musicales.
GADNER, 1995, sostiene que la capacidad musical, pasa las otras
pruebas necesarias para ser considerada una inteligencia. Por ejemplo
ciertas partes del cerebro desempeñan papeles importantes en la
percepción y la producción musical, Estas áreas se sitúan generalmente
en el hemisferio derecho, aunque la capacidad musical no está
“localizada” con claridad, o situada en un área específica, como el
lenguaje. A pesar de que la susceptibilidad concreta de la habilidad
musical a las lesiones cerebrales depende del grado de formación y de
las otras diferencias individuales, existe evidencia clara o pérdida de
habilidad musical. Los datos que apoyan la interpretación de la habilidad
musical como una “inteligencia” proceden de fuentes muy diversas. A
pesar de que la capacidad musical se considera generalmente como una
capacidad intelectual, como las matemáticas, sigue nuestro criterio que
deberá considerarse así.
Indicadores para la evaluación de la inteligencia musical
Se da cuenta cuando la música está desentonada o suena mal.
Recuerda las melodías de las canciones.
Tiene buena voz para cantar.
Toca un instrumento musical o canta en un coro o algún otro grupo.
96
Canturrea sin darse cuenta.
Tamborilea rítmicamente sobre la mesa o escritorio mientras
trabaja.
Es sensible a los ruidos ambientales (por. ej. La lluvia sobre el
techo).
Responde favorablemente cuando alguien pone música.6
PRINCIPIOS DE LA EDUCACIÓN MUSICAL
La finalidad de la educación musical no puede ser, en ningún momento, la
de promover músicos.
Los músicos surgirán solos, por selección natural, entre la masa de todos
aquellos que reciben la educada enseñanza básica. A ellos habrá que
dedicar luego una educación especializada.
La educación Musical es para todos
Sin excepción alguna. No debe ser una materia con tantas “horas”
semanales, sino tiene que incrustarse indisolublemente en el día del niño,
del joven, que forma parte importante de su existencia. La verdadera
educación musical se aplica a toda hora.
La educación musical comienza en la cuna.
Al iniciarse el niño en la vida escolar su oído ya debe estar formado, su
deseo de expresarse cantando ha de ser firme y natural.
La escuela ahonda esta relación, la orienta. Comenzar la educación
musical sólo cuando el niño pasa al colegio secundario es como
enseñarle a caminar o a hablar cuando ya tiene diez años : absurdo. La
música es tan innata en el ser humano como lo es el hablar y el caminar.
La existencia de tanta gente “no musical” o “amusical”, no prueba que la
naturaleza haya dotado de sentido musical sólo a unos pocos “elegidos”,
6 http://sardis.upeu.edu.pe/~alfpa/inteligencias.htm
97
sino sustentado en la prueba de la ineficiencia de la enseñanza musical.
Prueba que la educación no ha sabido introducir a los niños en el mundo
sonoro que nos rodea a cada paso.
En lo musical, cuando el niño no repite correctamente una melodía que
apenas ha oído unas pocas veces, lo declaramos exento de condiciones
musicales, no dotado de oído musical, etc. Le cerramos el paso hacia el
universo sonoro, probablemente para siempre.
La educación musical ha de dotar al niño de sensibilidad para captar las
manifestaciones del mundo sonoro
Ha de desarrollar su facultad de expresarse mediante la música, ha de
modelar su alma sensible mediante mensajes musicales; ha de formar en
él una conciencia de lo que es, debe y puede ser el arte, ha de acercarlo
a sus semejantes; ha de despertarlo en el sentido sonoro como se
despierta en el terreno visual, del tacto y del olfato, ha de formar su
carácter en dirección hacia un mayor idealismo: ha de convertirlo en un
ser sensible y por ende bueno, en el mejor sentido de la palabra.
La Educación Musical no puede ser materia cuestionable; es un deber
absoluto.
Del estado como de los padres. En muchos países es una de las materias
más atrasadas, peor encaminadas y menos comprendidas.
La mayoría de los jóvenes que finalizan sus estudios primarios o
secundarios están perdidos para la música: no han aprendido a amarla ni
practicarla, ni vivir en ella, ni expresarse por su intermediario.
Una clase de canto y de música debe ser una fuente de alegría; si no es
así, la clase está mal dada.
98
La culpa no es de los maestros; es casi siempre de los métodos. De los
métodos anticuados que consideraba la música una “materia” como la
matemática o la geografía y que creían enseñarle al niño la teoría de la
música, antes de haberle hecho participe de sus bellezas, su sana
alegría, su mensaje.
Todos tenemos musicalidad, ésta es un don innato con el cual la
naturaleza nos ha dotado, en mayor o en menor grado.
Lo que sí es un privilegio es lo que podríamos llamar “la musicalidad
superior”. Algunos se destacarán tendrán “talento”. Las tareas escolares
han de interrumpirse, varias veces durante las horas de clase, para dar
lugar a una canción o a una alegre improvisación musical con
instrumentos.
El maestro es quien se encargara de la Música tendrá los suficientes
conocimientos musicales, para entonar una canción con su clase. El
especialista, el profesor de música, sólo intervendrá mucho más tarde.
El maestro ha de saber entonar cánones y sencillas canciones.
Corregir los defectos, conocer las bases de la respiración y de la emisión
vocal correcta. Y debe poseer la firme convicción de que los cantos que
entona a diario con sus alumnos contribuyen a la formación espiritual,
sentimental.
DIMENSIONES DE LA EDUCACIÓN MUSICAL
Dimensión biológica o fisiológica. La música posee la capacidad de
desarrollar la fisiología humana, sobre todo, a través del ritmo. La
expresión rítmica proporciona una capacidad de coordinación que se ve
reflejada en la capacidad psicomotriz de la persona.
99
Dimensión psicológica. El desarrollo de la capacidad psicológica
supone a su vez el desarrollo de distintas capacidades: intelectual,
afectiva, moral, cognitiva, etc. Según la relación que establece E. Willems
entre las funciones psicológicas y las funciones o elementos de la música,
el desarrollo del ritmo supone el desarrollo de la psicomotricidad, el
desarrollo de la melodía el de la afectividad y el desarrollo de 0la
armonía, por su parte, supone el desarrollo puramente intelectual.
Dimensión sociológica. Se trata del desarrollo de la capacidad o
inteligencia interpersonal de cada persona. Es decir, del establecimiento
de relaciones sociales, ya que el ser humano es social por naturaleza. A
este respecto, según A. Merriam la música se define como un fenómeno
humano que se explica sólo en términos de interacción social.7
EL REPERTORIO DE CANCIONES EN LA ESCUELA.
Según MACURI 1996, considera que el repertorio de canciones debe
contener los siguientes aspectos:
Juegos cantados.
Canciones para los diversos momentos del trabajo en el aula.
Canciones que permiten la sustitución de una frase o palabra.
Canciones para los eventos del año.
Canciones para desarrollar diversos contenidos.
Canciones tradicionales.
Canciones para el desarrollo de la memoria auditiva.
Canciones con sonidos onomatopéyicos.
Según su configuración morfológica, usos, propósitos, contextos de
surgimiento y demás variables, proponemos clasificar las canciones que
suelen utilizarse en el repertorio de las salas de jardín de la siguiente
7 http://lisandra-lugo.espacioblog.com/post/2008/07/10/dimensiones-la-educacion-musical
100
manera, sólo a fin de estructurar nuestro conocimiento sobre ellas y saber
recurrir a su uso con un criterio más fundado.
Vertiente tradicional y folclórica.
Vertiente escolar.
Vertiente didáctica.
Canciones no específicamente infantiles.
La vertiente moderna.
La canción funcional.
Las canciones provenientes del folclore ofrecen la ventaja de una gran
riqueza rítmica, apta para trabajar con ostinatos, instrumentación, etc. Y
ser también un vehículo cultural significativo. Es conveniente conocer y
practicar previamente las canciones de este tipo puesto que suelen tener
una dificultad particular desde las acentuaciones y el ritmo. Nos han
acostumbrado a vincular ritmo con pulso y acento. No obstante, muchos
se sorprenderían al verificar que los niños suelen tener una mayor
facilidad para incorporar el ritmo desde las figuraciones que desde las
constantes de pulso y acento de compás, lo cuál es tan natural como que
aprendan a hablar y a utilizar las palabras antes que a analizar letras y
funciones sintácticas. Las figuraciones específicas y los incisos que se
vayan trabajando pueden ir insinuando el pulso o el acento en la medida
en que esto sea posible y necesario. Al respecto dice:
Lo importante es brindar a los niños un repertorio musical que lo
familiarice con expresiones válidas. No se trata de convertir a los niños en
“aprendices” de músico, sino de permitirles ejercitar criterios para sus
propias elecciones, convirtiéndolos en buenos oyentes.
La misión del docente consiste en revisar, con cuidado y conocimiento;
toda aquella producción que elaborada o no especialmente para la
infancia, es oportuno y eficaz que le sea alcanzada.
El niño además está en condiciones de acceder a formas de música
concreta, aleatoria, electrónica , funcional, etc. ya que las bandas
sonoras de las series, las películas, el cine, discos con narraciones
101
grabadas, las transmisiones radiales, etc., lo han acostumbrado ya a
escuchar estos sonidos. Estos elementos podrían complementar y
mejorar o remplazar la natural entrega de caudal musical a los niños.
1.17. LA CREATIVIDAD.
Definiciones
La definición de creatividad es tratada por muchos autores, se citará
algunos conceptos.
A continuación citamos definiciones del material “Creatividad:
Tendencias y Concepciones Psicopedagógicas” de la autora cubana:
MsC Adania Guanche.
Potencialidad transformadora de la persona, basada en un modo de
funcionamiento integrado de recursos cognitivos y afectivos,
caracterizado por la generación la expansión, la flexibilidad y la
autonomía. (América Gonzáles Valdés, Cuba Proyecto PRYCREA,
1994)
La producción de algo nuevo, incluyendo nuevos procesos. Debe
manifestarse en los profesores a partir de la producción de procesos de
enseñanza y con la intención de trascender la rutina principalmente.
(Alberto Labarrere Sarduy)
La cultura es la máxima expresión de la creatividad del ser humano, de
la liberación de su potencial y de la lucha por la elevación de su
dignidad. El proceso creativo implica la transformación del medio y por
tanto del individuo en el que se anota lo que aprende y las habilidades
para abordar y solucionar problemas de manera diferente (Marta
Martínez Llantada. Cuba 1995)
102
Es el proceso de la personalidad mediante el cual la persona produce o
construye otros procesos, ideas, elementos nuevos y originales; en
dependencia de su situación social de desarrollo. (Francisca Morales
1996)
Para MARTÍNEZ SÁNCHEZ Y OTRAS La creatividad en el niño surge
principalmente de sus vivencias. Del diálogo con la naturaleza y la
sociedad que le rodean surgirán sus primeras motivaciones. Los
primeros deseos de expresarse, vendrán dados por la forma concreta de
sentir la vida; la familia, la casa, el barrio, las fiestas serán las fuentes
motivadoras en las que los niños encontrarán reflejado sus posibilidades
de diálogo creativo, que junto al desarrollo del lenguaje conocimiento de
su esquema corporal, correcta estructuración del espacio y desarrollo
afectivo, irán forjando las bases de su futura personalidad.
PACHECO, 1998. Acerca de la creatividad dice: “El ser humano
combina sus experiencias entre sí y construye nuevas realidades las
cuales corresponden a sus necesidades y curiosidades. Por eso es
necesario, indispensable, que el niño crezca en un ambiente rico en
motivaciones, oportunidades y estímulos en todas direcciones”.
En una sociedad saturada de repeticiones y de recuerdos nostálgicos y
de fieles reproductores de técnicas, en una sociedad donde todo sabe a
revaluado, en una sociedad como la nuestra, con miedo a crecer, se
necesita de hombres creativos, que sepan utilizar su imaginación para
cambiarla.
El niño y el adolescente tienen su mente abierta y sólo necesitan de
alguien o algo que los lleve por el maravilloso mundo de la invención, sin
pretensiones, pero con propósitos claros.
Elementos característicos de la creatividad.
a) Conectividad. Se refiere a la creatividad combinatoria por la cual se
103
mira en diversas perspectivas buscando más de una respuesta. La
persona creativa construye vínculos entre lo afectivo y cognitivo, entre lo
racional e irracional, entre lo individual y lo grupal, entre el pasado,
presente y futuro, concilia distintos puntos de vista para observar desde
perspectivas múltiples.
b) Originalidad. Uno de los principales criterios para evaluar el producto
creativo es su originalidad, ya antes se ha mencionado la relatividad de
este criterio, en todo caso se puede establecerse una suerte de
gradiente de niveles de creatividad. Además el criterio de originalidad
cuando la creatividad se evalúa con pruebas psicológicas se establece
con referencia a resultados estadísticos en la población evaluada,
juzgando como creativas las respuestas menos frecuentes en el grupo
evaluado.
c) Fluidez. Se refiere a la gran productividad de las ideas, de
asociaciones, de pensamientos, de imágenes que aparecen en la mente
del creador, tiene que ver con la facilidad para movilizar y combinar esas
asociaciones, ideas, imágenes, pensamientos, etc.
d) Flexibilidad. Se refiere a la características de poder cambiar de
enfoques, de perspectivas, de afrontes. El mudar de ideas, para
desarrollar otras.
e) Valor. Una obra creativa lo es tal cuando resulta valiosa, para el
grupo familiar, la comunidad o la humanidad.
Factores de la creatividad
Indudablemente que en la actividad creativa, cualquiera sea el ámbito en
que ocurre ( las artes, las ciencias, la tecnología o la vida corriente en
general )
concurren una serie de eventos psicológicos a los cuales podríamos
denominar
factores en la creatividad. Hablándose entonces de factores afectivos,
cognoscitivos, meta cognitivos y ejecutivos.
Factores afectivos.
104
Alta motivación necesidades de diverso tipo, interés definido por algún
asunto, motivación para el logro, tolerancia a la frustración, alta
autoestima.
Factores cognitivos.
Una marcada conducta exploratoria y de indagación y mayor capacidad
de alerta, así como una gran capacidad para la atención desfocalizada (
procesamiento en paralelo) ; gran capacidad de observación, amplio uso
de los sentidos, capacidad para percibir desde distintas perspectivas en
forma secuencial y simultánea; gran capacidad de almacenamiento de
información, capacidad para movilizar representaciones en memoria de
largo plazo con el fin de asociar y conectar múltiples datos y de distinta
procedencia, amplitud de redes conceptuales; amplios recursos
lingüísticos o lógicos, fluidez y flexibilidad en el uso de palabras;
excelente manejo conceptual, capacidad de resolución de problemas,
utilización de distintos estilos de pensamientos, uso de pensamiento
convergente y divergente, uso de analogía, metáforas, acceso y uso de
fantasías, desbordante imaginación.
Factores metacognitivos.
Conocimiento del proceso creativo, sus etapas y sus recursos,
capacidad para modular las tendencias actitudinales, afectivas y
conductuales, conciencia de la subjetividad en la percepción;
reconocimiento de las herramientas requeridas para abordar los
problemas, disponibilidad de estrategias de aprendizaje y de búsqueda
activa de información; evaluación y monitoreo del propio desempeño,
sensibilidad a la retroalimentación externa; organización del trabajo en
forma eficaz; tener conciencia de sus capacidades y de sus limitaciones.
Factores ejecutivos.
Actividad sostenida durante períodos largos de tiempo ( trabajando en
ocasiones más de doce horas diarias es algo corriente en las etapas de
mayor creatividad) persistencia en los empeños.
105
Niveles de la creatividad
DELGADO 1994, con referencia a los niveles de creatividad cita a I.A.
TAYLOR al estudiar la naturaleza del proceso creativo distingue cinco
niveles:
a) Nivel expresivo. Se caracteriza por la espontaneidad y libertad, los
dibujos espontáneos de los niños son el ejemplo tipo.
b) Nivel productivo. Se manifiesta en la preocupación por el logro de
una producción técnica, que limita y controla la actividad libre.
c)Nivel inventivo. Está caracterizado por un despliegue de ingenio que
implica la combinación de relaciones inusuales entre elementos que
anteriormente se encontraban separados. No consiste en la producción
de buenas ideas, sino formas de ver las cosas
d) Nivel innovador La creatividad innovadora depende de la habilidad
de penetrar y entender los principios fundamentales de cualquier teoría y
tratar de perfeccionarla con nuevas aportaciones.
e) Nivel emergente : Este nivel implica estar entregado a la
producción de respuestas, que emergen de forma continua y totalmente
diferentes. Cualquier estímulo sirve para dar expresiones inusuales.
Etapas del proceso creativo.
PARRA, 2003, acerca de los procesos creativos presenta una
redefinición del proceso creativo propuesto por Wallas y que sostienen
otros estudiosos de la creatividad:
Exploración.
Es la etapa en que definimos el problema. Se reconoce por la sensación
de concentración.
Sobreexplotación.
Comenzamos a buscar nuevas formas de abordar el problema. Le
damos vuelta a la formulación del mismo, jugamos con acercamientos
distintos, buscamos diferentes formas de resolverlo. Se reconoce por la
sensación de desorden y ambigüedad debido a la dispersión.
Bloqueo.
106
Llegamos a un punto de saturación debido a la exploración del
problema. Se reconoce por la sensación de frustración, sobrecarga
cerebral.
GUANCHE, 2002, citando a Chibás Ortiz considera las siguientes
etapas o momentos:
Preparación: Identificación del problema
Incubación: Es cuando se “echa a andar” el conocimiento acumulado y
las experiencias para darle solución.
Visión o iluminación: Fase en que la persona toma conciencia de la
idea solucionada, que generalmente surge de manera súbdita.
Comprobación o verificación : Etapa de examen de lo realizado
previamente, para así elaborar una idea final que pueda ser transmitida
a los demás.
a) Cuestionamiento. Consiste en enfocar algo como un problema.
El cuestionamiento es fruto de la inquietud intelectual, de la curiosidad,
del interés cultivado largamente, de hábitos de reflexión, de la capacidad
de percibir más allá de las apariencias.
b) Preparación. Una vez planteado el cuestionamiento la persona
tiene que recoger datos a fin de prepararse y poder estar en condiciones
de afrontar el problema. Se recopila la información que ha de ser
materia prima con la cual se establecerán las relaciones entre los
elementos para realizar la obra nueva. Los datos pueden recogerse a
través de viajes, visitas, lecturas, encuestas, conversaciones y a través
de experiencias personales diversas. Aquí intervienen procesos
preceptúales de memoria y selección.
c) Incubación. Es un proceso que ocurre en paralelo y en forma
anoética. En paralelo, porque ocurre al mismo tiempo que la persona se
va dedicando a tareas distintas a la situación problema, y
anoéticamente, por cuanto el sujeto no se percata de cómo es que
realmente ocurre este proceso. Aquí se Perfeccionan las habilidades
básicas del individuo y se elimina lo trillado. Es un tipo de trabajo
personal que no debe ser forzado ni obstaculizado por un pensamiento
107
deliberado. Es un tempo de análisis, de indagación, explorando y
descubriendo. En este período se realiza el procesamiento de la
información, en el interviene decididamente la memoria a través del
proceso de búsqueda de información.
d) Iluminación. Se refiere a la presentación repentina de ideas
después de un período de confusión. El momento en que se tiene el
percatamiento de que ya se alcanzó a resolver el problema. Una
solución o una idea nueva puede surgir en medio de cualquier actividad.
Algunos autores llaman a esto insigth y lo identifican como un fenómeno
de salida de información procesada, en forma de solución a un
problema.
e) Elaboración. Proceso deliberado en el cual, luego de la
iluminación, se da forma al producto final del trabajo creativo: escribir el
poema, la sinfonía, la novela.
f) Verificación y valoración. Se trata de constatar si las ideas
surgidas cumplen los criterios de novedad, verdad y utilidad. A través de
medios de comprobación y con base en éstos, el sujeto podrá después
proceder a decidir, no la utilidad definitiva de una idea sino transitoria. Es
un proceso de reflexión y constatación. Estos son proceso que vienen de
fuentes externas , los “otros” convalidan las características creativas de
una obra.
PRINCIPIOS BÁSICOS DE ACCIÓN CREATIVA
ROSAS 1998, comentan en su libro “hacia una pedagogía Teatral”: En
toda actividad docente comunicativa que intente potenciar la creatividad,
en la planificación de todas y cada una de las actividades que se
desarrollan, es preciso que el profesor se revista de una mentalidad,
actitud y estilo de hacer guiados por los siguientes principios :
108
Respetar todas las respuestas y reacciones de los alumnos sin rechazar
nada, aunque no sean aceptables par su saber, hacer y entender, de
acuerdo con criterios adultos.
Guardar silencio, callar las respuestas, ideas y soluciones propias para
dejar que los niños las descubran por sí mismos. El profesor no debe
informar de lo que sabe, sino estimular socráticamente con las preguntas
pertinentes para que los niños indaguen, piensen, descubran, se
expresen. Sólo al final les ayudará a organizar y estructurar sus
pensamientos.
Intentar lograr el mayor número posible de ideas y reacciones hasta que el
grupo no tenga más que decir.
Impulsar la originalidad, el hacer las cosas distintas más que la imitación
de originales. Después de cada actividad basta pedir al niño o grupo
proponga variantes a la misma. A ver cómo hacemos la música más, el
movimiento con la mano que nunca hemos hecho, el sonido extraño que
nunca hemos oído.
Cada una de estas actividades originales que hace el niño puede ser
imitada por todos, pues imitar o reproducir actividades originales
contribuye a potenciar la creatividad, al romper moldes o clichés de
comportamiento pautado o usual.
109
CAPITULO 2
CAPÍTULO 2
EL ARTE EN EL DISEÑO CURRICULAR NACIONAL
2.1. EXPRESIÓN ARTÍSTICA.
110
La expresión es el ámbito dedicado a la comunicación de ideas y
sentimientos y al descubrimiento de los lenguajes artísticos por
medio de la exploración de sus elementos y técnicas; generalmente
se concreta en la creación de un producto. Los contenidos de los
programas de estudio ubicados en este eje favorecen la
participación activa de los alumnos en distintas actividades prácticas
que les permiten la construcción de cono- cimientos, a la vez que les
brindan la oportunidad de exteriorizar sus ideas y emociones. La
imaginación es un recurso fundamental de la expresión, pues los
alumnos tienen una gran capacidad de fabulación, de invención de
historias (en las que se combinan elementos reales y fantásticos), a
través de las cuales van aprehendiendo la realidad. Por ello, es
importante ofrecerles experiencias significativas para que se
expresen con libertad a través del dibujo, la música y el canto, la
expresión corporal y el juego dramático.
2.2. APRECIACIÓN ARTÍSTICA.
El eje didáctico de la apreciación artística tiene que ver con el
descubrimiento del arte a través de la sensibilidad y percepción.
Para llevarlo a cabo, es importante que el docente trabaje la
vinculación que existe entre la forma y el contenido de una obra
artística. Es decir, que la audición de una pieza musical o la
observación de un montaje dancístico, por ejemplo, vaya
acompañada de un proceso de percepción y de sensibilización hacia
sus cualidades estéticas, es decir, hacia su forma y contenido. Aquí
los alumnos puedan interactuar con la obra artística desde varios
ángulos: intelectual, sensorial y emocionalmente.
2.1.3. EL CURRÍCULO ACTUAL DE ARTE EN EL DCN 2009
FUNDAMENTACIÓN:
111
El Arte es la expresión propia, íntima y significativa de una persona
y de un pueblo. En este sentido, la diversidad del Perú ha dado
vida a una amplia gama de manifestaciones artístico-culturales que
constituyen un modo de conocer y aproximarse a las distintas
realidades y entornos naturales, que mediante los lenguajes
artísticos nos revelan ideas, historias, sentimientos y emociones
evidenciando aspectos fundamentales de la experiencia humana y
colectiva. Por esta razón, el conocimiento y la práctica de las artes
son una contribución para fortalecer actitudes interculturales como
el respeto, la valoración de uno mismo y del otro, así como el
interaprendizaje, enriqueciendo nuestra vida cotidiana.
El área de Arte tiene como finalidad contribuir al desarrollo de la
capacidad comunicativa en los niños generando vivencias desde
las diversas formas de expresión artística: Artes Visuales, Arte
Dramático, Danza y Música, favoreciendo el manejo de los
lenguajes gestual, corporal, gráfico-plástico, sonoro, etc. para
usarlos en libertad al expresarse y permitir la creatividad, así como
comprender las expresiones de los demás y realizar
manifestaciones artísticas, apoyándose en el lenguaje oral, escrito
y en las tecnologías de la información y comunicación.
Cada vez somos más conscientes de la importancia del arte en el
proceso educativo, en la formación del ser humano. Los niños,
desde muy pequeños, expresan permanentemente su mundo
interior; lo hacen a través del cuerpo, la palabra, la expresión
gestual; conforme van creciendo van requiriendo mayores recursos
para volcar sus sentimientos, pensamientos, ideas, emociones.
Lo más importante en la edad escolar es qué puede hacer el arte
en el niño y no, al contrario, qué arte puede hacer el niño. El arte es
una vivencia real, profunda, que permite la construcción de una
personalidad creativa en libertad. El arte como experiencia vital en
112
la vida de toda persona permite la expresión del mundo interno y
externo, nos posibilita expresar y simbolizar anhelos, deseos y
realidades concretas. Pero también es un medio de comunicación
universal que nos revela la cultura, la historia de una persona, de
un pueblo, de una cultura, de una sociedad, de la humanidad. Nos
permite conocer las manifestaciones espirituales, culturales,
comunicativas desde miradas interculturales profundas.
En la formación integral del niño, el arte le da la posibilidad de
descubrir y buscar soluciones y respuestas diferentes. Los niños
deben ir encontrando en sus búsquedas personales diferentes
formas de comunicar su mundo personal. Hacer uso del arte les
permitirá concretar su capacidad de acción, su desarrollo
perceptivo y afectivo, su progresiva toma de conciencia social y su
capacidad creadora.
El arte en el proceso educativo permite que se cultive la
sensibilidad equilibrada en el niño, poniendo a su disposición y
alcance las condiciones necesarias para que el niño desarrolle al
máximo sus potencialidades.
Trabajar el área de Arte permite un aprendizaje holístico en los
niños y niñas, integrar áreas y promover la articulación entre la
escuela y la comunidad. Por todo lo que implica el arte en nuestro
país, revitalizar y rescatar las manifestaciones artístico-culturales
en la escuela asegura la continuidad del patrimonio y memoria de
nuestros pueblos. De allí se derivan sus posibilidades y aportes al
desarrollo local, regional y nacional.
Por tal razón, para desarrollar el área de Arte se debe considerar
los siguientes aspectos:
- El arte es una interpretación de la naturaleza y del medio
socio-cultural, así como la proyección del ser, ya que obedece
113
a una necesidad humana y social de expresar ideas,creencias
y valores, sobre todo el mundo interno del ser humano.
- Propiciar el uso de los diversos lenguajes artísticos de las
artes visuales, el arte dramático, la danza y la música para
expresar vivencias, emociones y sentimientos, posibilita un
equilibrio afectivo y el desarrollo de un espíritu lúdico y creativo
en constante descubrimiento y fortalecimiento de la identidad
individual y cultural.
- El arte es un medio para conocer, valorar y aprender de la
cultura propia y de otras.
El área tiene dos organizadores:
- Expresión artística
- Apreciación artística
A través de la expresión y la apreciación artística, los estudiantes
desarrollan el pensamiento divergente, su creatividad, el
fortalecimiento de su sensibilidad, el disfrute por el arte, el
reconocimiento y apreciación de las manifestaciones culturales
propias de nuestro país y de otras culturas. Así mismo, al vivenciar
y gozar el arte, los niños y niñas fortalecen y afirman su identidad y
personalidad, reconociendo sus propios gustos y preferencias.
También promueve en el estudiante el descubrimiento de sus
posibilidades y limitaciones, la confianza y seguridad en sí mismo
para expresar sus propios puntos de vista con libertad, el desarrollo
de su autonomía, la capacidad de decisión, el desarrollo de
actitudes solidarias con los demás y la actitud crítica.
Expresión artística
Promueve en el niño y niña el desarrollo de capacidades para:
114
Enriquecer su sensibilidad y percepción sensorial, a partir de
experiencias de exploración con los sentidos, mediante su
interacción con la naturaleza y su entorno cultural.
Experimentar con los elementos y técnicas básicas de los lenguajes
artísticos, así como con los recursos materiales, a fi n de descubrir
sus posibilidades de expresión.
Expresarse con espontaneidad, identidad personal y cultural,
autenticidad, imaginación, creatividad, todo a partir de la práctica
artística, empleando en forma pertinente los elementos y técnicas
del arte, así como los recursos de su localidad.
Satisfacer su necesidad de comunicar sus vivencias, sentimientos,
emociones, fantasías, ideas, pensamientos y su percepción del
mundo mediante diferentes manifestaciones artístico-culturales: el
dibujo, la pintura, la cerámica, el modelado, el tejido, el bordado, el
diseño, la construcción, la confección, la fotografía, los juegos
dramáticos, el teatro, los títeres, la pantomima, la expresión
corporal, la danza, los bailes, el canto, la percusión rítmica, la
interpretación instrumental, y otras.
Apreciación artística
Promueve en el niño el desarrollo de capacidades para:
Investigar y experimentar manifestaciones artístico-culturales
tradicionales y actuales de su localidad, región y país, conociendo
e interpretando sus significados y simbologías, para usarlas o
recrearlas en su expresión.
Percibir en el entorno natural las diferentes manifestaciones
artístico-culturales (el dibujo, la pintura, la cerámica, el burilado de
mates, el modelado, el recortado y plegado de papel, el collage, el
tejido, el bordado) el diseño, la construcción (la arquitectura, la
confección, la fotografía), la expresión corporal (la danza, bailes,
los juegos dramáticos, el teatro, los títeres, la pantomima, el canto,
la percusión rítmica, la interpretación instrumental, y otras).
115
2.1.4. COMPETENCIAS Y CAPACIDADES POR CICLO
III CICLO
EXPRESIÓN ARTÍSTICA
Expresa con espontaneidad y creatividad sus vivencias, ideas,
sentimientos y percepciones del mundo, haciendo uso de los
diferentes recursos artísticos para explorar los elementos del arte
vivenciándolos con placer.
APRECIACIÓN ARTÍSTICA
Percibe, observa y se expresa acerca de las características de los
diferentes elementos y espacios de su entorno natural y social,
sobre sus creaciones y las de sus compañeros, y las
manifestaciones artísticas presentes en su medio familiar y
comunitario, investigando sobre ellas y comentando sobre sus
gustos y preferencias.
PRIMER GRADO:
- Artes visuales: Dibujo, pintura, collage, modelado y construcción.
Línea, forma y color.
- Arte dramático: Juegos dramáticos, actuación, juegos de roles,
animación de objetos y títeres. Gesto, postura, expresión vocal.
- Danza: Expresión corporal y danza. Movimientos y
desplazamientos en el espacio en diferentes direcciones
(adelante, atrás, a la derecha, a la izquierda) y niveles (arriba,
abajo, al centro). Movimientos rítmicos.
- Música: Canto, cuentos sonoros, juegos rítmicos. Sonidos,
ritmos, melodías, canciones. Construcción de instrumentos de
percusión.
- El entorno natural y los ambientes construidos como fuente de
percepción y apreciación: paisajes, edificaciones, plazas, áreas
de cultivo, parques, monumentos arqueológicos; ferias, galerías,
museos, talleres,
116
iglesias.
- Tipos de líneas, formas, colores, movimientos y sonidos
presentes en elementos naturales, objetos y creaciones
artísticas del entorno.
- Creaciones manuales y artísticas presentes en el entorno
familiar y comunitario: tejidos, confecciones, bordados;
repujados, tallados; dibujo, pintura, cerámica, mates, retablos;
canto, música, danzas, bailes, pasacalles; teatro, clown, títeres,
cuenta cuentos.
SEGUNDO GRADO
- Artes visuales: Dibujo, pintura, collage, modelado y
construcción. Línea, forma y color.
- Arte dramático: Juegos dramáticos, actuación, juegos de roles,
animación de objetos y títeres. Gesto, postura, expresión vocal.
- Danza: Expresión corporal y danza. Movimientos y
desplazamientos en el espacio en diferentes direcciones
(adelante, atrás, a la derecha, a la izquierda) y niveles (arriba,
abajo, al centro). Movimientos rítmicos.
- Música: Canto, cuentos sonoros, juegos rítmicos. Sonidos,
ritmos, melodías, canciones. Construcción de instrumentos de
percusión.
- El entorno natural y los ambientes construidos como fuente de
percepción y apreciación: paisajes, edificaciones, plazas,
chacras, parques, monumentos arqueológicos; ferias, galerías,
museos, talleres, iglesias.
- Tipos de líneas, formas, colores, movimientos y sonidos
presentes en elementos naturales, objetos y creaciones
artísticas del entorno.
- Creaciones manuales y artísticas presentes en el entorno
familiar y comunitario: tejidos, confecciones, bordados;
repujados, tallados; dibujo, pintura, cerámica, mates, retablos;
117
canto, música, danzas, bailes, pasacalles; teatro, clown, títeres,
cuenta cuentos.
-
IV CICLO
EXPRESIÓN ARTÍSTICA
Expresa con espontaneidad sus sentimientos, emociones,
formas de ver el mundo. Cosmovisión y espiritualidad; utilizando
las técnicas del arte plástico, visual, corporal, dramático, musical
para estructurar mejor sus representaciones y volcar
creativamente y con placer su mundo interno.
APRECIACIÓN ARTÍSTICA
Describe y expresa sus emociones y opiniones sobre las
características y el funcionamiento de los diversos elementos y
espacios de su entorno natural y social; sus creaciones y las de
sus compañeros; y las manifestaciones artístico-culturales de su
entorno y su región, valorándolas, disfrutándolas e
interesándose por conocer sus características, significados e
historia
TERCER GRADO
- Artes visuales: Dibujo, pintura, collage, modelado, construcción.
Mural, panel, cartel. Maqueta. Viñetas, historietas. Línea, forma,
color, textura, volumen. Dos y tres dimensiones,
- Arte dramático: Juegos dramáticos, actuación, juegos de roles,
animación de objetos y títeres. Sketch. Gesto, postura, expresión
vocal.
- Danza: Expresión corporal y danza. Movimientos y
desplazamientos en el espacio en diferentes direcciones
(adelante, atrás, a la derecha, a la izquierda) y niveles (arriba,
abajo, al centro). Coreografías sencillas.
- Danzas tradicionales de su región. Movimientos rítmicos.
118
- Música: Canto, cuentos sonoros, juegos rítmicos. Sonidos,
ritmos, melodías, canciones. Canciones y temas musicales de la
región. Instrumentos de viento y percusión.
- Construcción de instrumentos de viento.
- Diseño y composición de los espacios, elementos naturales y
objetos construidos.
- Manifestaciones artísticas y culturales de su entorno y su región.
Procedimientos, materiales, motivos y temas que contienen.
Origen, significado e historia.
CUARTO GRADO :
- Artes visuales: Dibujo, pintura, collage, modelado, construcción.
Mural, panel, cartel.
- Maqueta. Viñetas, historietas. Línea, forma, color, textura,
volumen. dos y tres dimensiones.
- Arte dramático: Juegos dramáticos, actuación, juegos de roles,
animación de objetos y títeres. Sketch. Gesto, postura, expresión
vocal.
- Danza: Expresión corporal y danza. Movimientos y
desplazamientos en el espacio en diferentes direcciones
(adelante, atrás, a la derecha, a la izquierda) y niveles (arriba,
abajo, al centro). Coreografías sencillas.
- Danzas tradicionales de su región. Movimientos rítmicos.
- Música: Canto, cuentos sonoros, juegos rítmicos. Sonidos,
ritmos, melodías, canciones. Canciones y temas musicales de la
región. Instrumentos de viento y percusión.
- Construcción de instrumentos de viento.
- Diseño y composición de los espacios, elementos naturales y
objetos construidos.
- Manifestaciones artísticas y culturales de su entorno y su región.
Procedimientos, materiales, motivos y temas que contienen.
Origen, significado e historia.
119
V CICLO
EXPRESIÓN ARTÍSTICA
Expresa con espontaneidad sus sentimientos, emociones y
percepciones, en libertad, haciendo uso de los elementos
propios de cada manifestación artística, aplicando correctamente
las técnicas para potenciar desde lo concreto y lo abstracto su
representación, demostrando motivación hacia el arte a través
de su creatividad, innovación y placer por la creación individual y
colectiva
APRECIACIÓN ARTÍSTICA
Percibe, explica y manifiesta su opinión y aprecio sobre los
diferentes valores naturales y culturales de su localidad y del
sentido que le trasmiten; sobre las
creaciones individuales y colectivas en las que participa,
brindando sus aportes para mejorarlas; y sobre los resultados de
su investigación acerca de las manifestaciones culturales y
artísticas que forman parte del patrimonio e identidad local,
regional y nacional
QUINTO GRADO :
- Artes visuales: Dibujo, pintura, collage, modelado, construcción.
Mural, panel, cartel.
- Maqueta. Viñetas, historietas. Cestería, masa de pan, retablos,
cerámica utilitaria y ornamental, tallado en madera, otros. Línea,
forma, color, textura, volumen. Dos y tres dimensiones. Procesos
seguidos en diversas creaciones manuales y gráfi co plásticas.
- Instalaciones y exposiciones de arte.
- Arte dramático: Juegos dramáticos, actuación, juegos de roles,
animación de objetos y títeres. Sketch. Mimo y pantomima.
Gesto, postura, expresión vocal. Escenografía, utilería y
vestuario. Puesta en escena de una obra teatral.
- Danza: Expresión corporal y danza. Movimientos y
desplazamientos en el espacio en diferentes direcciones
120
(adelante, atrás, a la derecha, a la izquierda) y niveles (arriba,
abajo, al centro). Coreografías sencillas.
- Coreografías que narran historias. Danzas tradicionales de su
región. Movimientos rítmicos.
- Música: canto, cuentos sonoros, juegos rítmicos. Sonidos,
ritmos, melodías, canciones. Canciones y temas musicales de la
región. Instrumentos de viento y percusión.
- Construcción de instrumentos de viento.
- Ensamble musical. Construcción de instrumentos de cuerdas.
- Características y significado de los diferentes elementos
presentes en espacios naturales y ambientes construidos de su
entorno.
- Belleza compositiva.
- Diseño y composición de los espacios, elementos naturales y
objetos construidos.
- Manifestaciones artísticas y culturales de su entorno y su región.
Procedimientos, materiales, motivos y temas que contienen.
Origen, significado e historia. Sentido y significado para sí mismo
y la población.
- Patrimonio de la identidad local, regional y nacional.
SEXTO GRADO :
- Artes visuales: Dibujo, pintura, collage, modelado, construcción.
Mural, panel, cartel.
- Maqueta. Viñetas, historietas. Cestería, masa de pan, retablos,
cerámica utilitaria y ornamental, tallado en madera, otros. Línea,
forma, color, textura, volumen. Dos y tres dimensiones. Procesos
seguidos en diversas creaciones manuales y gráfico plásticas.
Instalaciones y exposiciones de arte.
- Arte dramático: Juegos dramáticos, actuación, juegos de roles,
animación de objetos y títeres. Sketch. Mimo y pantomima.
121
Gesto, postura, expresión vocal. Escenografía, utilería y
vestuario. Puesta en escena de una
- obra teatral.
- Danza: Expresión corporal y danza. Movimientos y
desplazamientos en el espacio en diferentes direcciones
(adelante, atrás, a la derecha, a la izquierda) y niveles (arriba,
abajo, al centro). Coreografías sencillas.
- Coreografías que narran historias. Danzas tradicionales de su
región. Movimientos rítmicos.
- Música: canto, cuentos sonoros, juegos rítmicos. Sonidos,
ritmos, melodías, canciones. Canciones y temas musicales de la
región. Instrumentos de viento y percusión.
- Construcción de instrumentos de viento.
- Ensamble musical. Construcción de instrumentos de cuerdas.
- Características y significado de los diferentes elementos
presentes en espacios naturales y ambientes construidos de su
entorno.
- Belleza compositiva.
- Diseño y composición de los espacios, elementos naturales y
objetos construidos.
- Manifestaciones artísticas y culturales de su entorno y su región.
Procedimientos, materiales, motivos y temas que contienen.
Origen, significado e historia. Sentido y significado para sí mismo
y la población.
- Patrimonio de la identidad local, regional y nacional.
2.5. ARTES VISUALES. ACTIVIDADES
122
ARTES VISUALES
ACTIVIDADES
123
JUGANDO CON LOS FIDEOS
MATERIALES
Cartulina
Goma
Fideos de diferentes formas
Témperas
Tijeras
Pinceles.
PROCEDIMIENTOS
Recortar la cartulina según el molde que se indica.
Pegar los fideos de acuerdo a su forma en cada una de las partes.
Pintar con témperas de diferentes colores cada una de las partes.
Colocar pabilo en los extremos para su uso.
CONSIDERACIONES
Para el desarrollo de los temas acerca de la historia de las culturas
preincas e incas se pueden realizar en representaciones dramática y
utilizar diferentes clases de collares.
124
GORRO DE INDIO
MATERIALES
Cartulina o cartón
Goma
Papel lustre de colores o corrospum
Lana
Plumón indeleble fino
Plumas de colores
Tijeras
Engrapador
PROCEDIMIENTOS
Recortar la cartulina según el molde que se indica
Forrar el molde con papel lustre.
Trazar algunos motivos en corrospum o papel lustre.
Pegar en la parte central del molde.
Pegar plumas de colores según modelo.
Unir con el engrapador.
CONSIDERACIONES
Para el desarrollo de los temas acerca de la historia de las culturas
preincas e incas se pueden realizar en representaciones dramáticas y
utilizar diferentes clases de collares.
125
TÍTERES
MATERIALES
Cartulina
Goma
Papel lustre de colores
Papel seda y crepé
Plumón indeleble fino
Tijeras
Palitos de chupete
PROCEDIMIENTOS
Trazar en cartulina diferentes clases de siluetas más pequeñas que el
palito de chupete.
Recortar las siluetas.
Forrar el molde con papel lustre y decorar.
Pegar la silueta en el palito de chupete
CONSIDERACIONES
Para el desarrollo de diferentes temas se organizan las siluetas y
proponemos a los estudiantes realizar diálogos e improvisaciones
utilizando los personajes diseñados.
126
MASCARAS DE ANIMALES
MATERIALES
Cartulina o fomix
Pegamento
Témperas
Plumón indeleble fino
Tijeras
Ligas
PROCEDIMIENTOS
Trazar en cartulina diferentes caras de animalitos.
Recortar las siluetas.
Pintar con las témperas.
Remarcar con el plumón indeleble.
Colocar las ligas en ambos extremos.
CONSIDERACIONES
El docente después de haber desarrollado temas como clasificación de
los animales organiza representaciones en la cual los estudiantes
utilizarán las máscaras.
Representación de fábulas, cuentos y canciones.
127
MARIPOSAS DE PAPEL
MATERIALES
Cartulina
Goma
Papel lustre de colores
Plumón indeleble fino
Tijeras
PROCEDIMIENTOS
Trazar en cartulina diferentes siluetas de mariposas.
Recortar las siluetas.
Forrar con el papel lustre.
Remarcar con el plumón indeleble y decorar
CONSIDERACIONES
Ambientar el aula en primavera.
Móvil para el sector de ciencia y ambiente.
128
DIBUJANDO CON TIZAS
MATERIALES
Tizas de colores
Papel bond o cartulina
Recipiente pequeño con agua azucarada
Agua
PROCEDIMIENTOS
Sumergir las tizas de colores en el agua azucarada.
Sobre la hoja de papel o la cartulina dibujar diferentes motivos con la tiza
húmeda.
Dejar que el papel seque por completo.
CONSIDERACIONES
Como actividad de extensión de un tema específico se pide que dibujen.
En la clase de arte enseñamos el trazado de dibujos y la combinación de
colores.
129
JUGANDO CON CASCARONES
MATERIALES
Cascarones de huevo
Pinceles
Temperas de colores
Barniz
Tijeras.
Lanas, telas, papel de colores.
PROCEDIMIENTOS
Seleccionamos los cascarones de huevo.
Con ayuda de las témperas, pintamos según los diseños que hemos
seleccionado.
Utilizamos papel y telas para decorar los trabajos.
Barnizamos los cascarones.
Dejamos secar el trabajo.
130
VESTIMENTAS DE PAPEL
MATERIALES
Papel periódico.
Témperas de colores.
Tijeras. Cinta de embalaje
Goma
Papel de colores.
PROCEDIMIENTOS
Colocamos la hoja de diario sobre la cabeza de un niño.
Con ayuda de la cinta de embalaje modelamos toda la base del
sombrero.
Corrugamos el resto del papel.
Decoramos con papeles de colores, témperas y goma.
131
HOJAS SECAS
MATERIALES
Hojas secas
Témperas de colores.
Goma
Cartulina blanca.
Pinceles.
PROCEDIMIENTOS
Con las hojas secas se forman diferentes
figuras.
Pegamos sobre la cartulina.
Con las témperas se decora el trabajo.
Dejamos secar nuestro trabajo.
132
DACTILOPINTURA
MATERIALES
Papel bond
Témperas de colores.
PROCEDIMIENTOS
Se unta los dedos de las manos con témperas de colores.
Sobre la hoja de papel se estampa en forma libre, buscando producir
diferentes figuras.
133
NOCIONES DE COLORES
MATERIALES
Témperas
Pinceles
Potes de plástico
PROCEDIMIENTOS
Reconocer los colores primarios en formas geométricas, mezclar para
hacer colores.
Ejemplo:
o Producir el color naranja, mezclando amarillo y rojo.
o Producir el color violeta, mezclando el azul con el rojo.
o Producir el color verde, mezclando amarillo y azul.
o Producir el color marrón, mezclando rojo con negro.
o Reconocer el blanco, el negro para producir los colores claros se
le agrega el color oscuro.
134
SECUENCIA DE TRAZADOS
MATERIALES
Témperas
Pinceles
Crayolas
Hojas de papel.
PROCEDIMIENTOS
• Trazar líneas de izquierda a derecha con el dedo índice, utilizando tempera
llenar toda la hoja.
• Trazar líneas de derecha a izquierda utilizando crayolas de cera
• Trazar líneas de arriba hacia abajo utilizando crayolas de cera.
• Trazar líneas de abajo a arriba utilizando témpera y dedo.
• Trazar líneas de arriba debajo de izquierda a derecha, una sobre la otra con
crayolas de cera, témpera y dedo, utilizar una hoja para cada trazo.
135
MODELADO EN ARCILLA
MATERIALES
Arcilla
Pincel
PROCEDIMIENTOS
Pensamos en un objeto o forma.
Utilizando plastilina de diferentes colores le damoas forma..
Con ayuda de la paleta vamos haciendo
los acabados.
136
TRENZADO
MATERIALES
Cono de cartón
Papel crepé de colores.
Goma
Tijeras.
PROCEDIMIENTOS
Cortamos tiras de papel crepé de colores.
Cada una de las tiras se corruga.
Cogemos tres tiras de colores y las vamos entrelazando formando una
soguilla.
Se vierte goma el cono y vamos pegando la soguilla de colores.
Dejamos secar nuestro trabajo.
137
IMPRIMIR CON PALITOS
MATERIALES
Témperas
Pinceles
Potes de plástico
Palitos
PROCEDIMIENTOS
Se vierte témperas en potes de distintos colores.
Utilizando palitos pequeños se estampa figuras diseñadas.
Dejar que sequen las témperas
138
2.6. MÚSICA. ACTIVIDADES
MÚSICA
ACTIVIDADES
139
BUSCANDO MIS COMPAÑEROS
MATERIALES
- Tarjetas con dibujos de animalitos.
- Papel y plumones.
DESARROLLO
- El profesor distribuye una tarjeta a cada uno de los estudiantes.
- A la indicación deben desplazarse simulando el movimiento que realiza
el animalito que contiene su tarjeta.
Ejemplo:
Caminar pausado saltar caminar muy lento
correr
- Observan a sus compañeros y sin emitir ninguna clase de sonido, deben
agruparse.
- En grupo deben representar en el papel y utilizando plumones el
recorrido que realiza el animalito que se les ha asignado.
- Identifican y relacionan el desplazamiento de los animalitos con los
ritmos que conocen.
VARIACION
- Emiten los sonidos, según los animalitos asignados y encuentran sus
compañeros.
SE LOGRA
140
Ejercitar la imaginación, expresión corporal y la discriminación auditiva.
GRAVE Y AGUDO
MATERIALES
Figuras de diferentes animales.
Cartulinas de colores.
DESARROLLO
Se ubican formando una “U”
el docente prepara láminas que contienen imágenes de diferentes
animales.
Cuando se presenta cada lámina, los estudiantes deben identificar si el
sonido que emite el animalito es grave o agudo.
Si el sonido es grave, deben ponerse en cuclillas.
Si el sonido es agudo, de pie extienden los brazos hacia arriba.
Ejemplo :
De pie extendemos los brazos Nos ponemos de cuclillas
En hojas de papel dibujas 02 animales que emiten sonidos graves, y 02
que emiten sonidos agudos.
Comparan sus trabajos.
Imitan los sonidos.
VARIACION
Organizados en una fila observan los carteles que el profesor les
presenta.
Si el sonido es grave, dan un salto hacia atrás.
Si el sonido es agudo, dan un salto hacia adelante.
Los que se confunden, abandonan el juego.
141
SE LOGRA
Ejercitar discriminación auditiva y el dibujo libre.
MÚSICA A COLORES
MATERIALES
Papel
Témperas
Grabadora
cd
DESARROLLO
Cada estudiante recibe una hoja de papel y témperas de colores.
El profesor selecciona una serie de 06 fragmentos musicales de
diferentes ritmos.
Se pide a los estudiantes que escuchen la primera melodía y luego que
elijan un determinado color de témpera que represente mejor a la
melodía.
Utilizando los dedos van dibujando sobre la hoja en forma libre.
Se presenta la segunda melodía y repiten el ejercicio.
Participan de una puesta en común comentan y explican la relación que
encontraron entre la melodía escuchada y el color seleccionado.
Comparan sus producciones.
VARIACION
Pueden realizar la actividad en forma grupal, dialogando previamente
acerca de los colores seleccionados.
SE LOGRA
Ejercitar la imaginación y capacidad de atención y concentración.
142
PASEO MUSICAL
MATERIALES
Papel
Témperas
Grabadora
Cd
DESARROLLO
El docente pide que imaginen estar en un lugar muy extraño.
La única forma de comunicación es a través de gestos y movimientos,
según el ritmo de las canciones que escuchen.
Se presentan diferentes melodías (marinera, huaynos, cumbia, saya y
festejo).
Los alumnos deben desplazarse siguiendo el ritmo de la canción.
No se pide que bailen.
El docente da algunas consignas. Ejemplo:
Estamos muy asustados.
Tenemos mucha sed.
Estamos felices.
Al término del paseo comentan la experiencia.
VARIACION
Pueden realizar la actividad en forma grupal, dialogando previamente,
acerca de los colores seleccionados.
SE LOGRA
Ejercitar la imaginación y capacidad de atención y concentración.
143
TÍTERECANTO
MATERIALES
Papel de colores.
Goma
Tijeras
Plumones
Grabadora
Cd
DESARROLLO
Escuchan y aprenden una canción.
Ejemplo:
LOS PECECITOS
Nadan, nadan los pececitos,
nadan, nadan por el ancho mar,
mueven, mueven, su colita mueven,
es la hora de almorzar.
Forman grupos de trabajo.
Comentan acerca de su contenido.
Leen el contenido de la canción, determinan los personajes, el ambiente,
las principales acciones identificadas en la canción.
Utilizando cartulinas, colores, cartón, goma y tijeras, diseñan y
construyen los personajes de la canción.
144
Ensayan una coreografía
Representan en grupo su trabajo.
Comparten sus apreciaciones al término de la presentación.
VARIACION
Utilizan otra técnica (origami) para diseñar y construir los personajes de
la canción.
Ejemplo: El sapito
Salta, salta, salta, salta ya
El sapito en el campo está
Busca, busca, busca sin cesar
Un pocito para descansar ( bis)
SE LOGRA
Estimular la coordinación motriz fina
145
DESCUBRIENDO SONIDOS
MATERIALES
Grabadora
cd
DESARROLLO
Sentados en grupos, escuchan una canción.
Identifican los diferentes instrumentos que se pueden percibir en la
canción.
Diferencian los timbres de los instrumentos, identificados.
Señalan sus cualidades.
Imitan algunos sonidos.
Incorporan los sonidos a otras melodías.
Acompañan canciones con instrumentos corporales.
VARIACION
Confeccionan algunos instrumentos de percusión identificados en la
canción escuchada.
SE LOGRA
Ejercitar la atención discriminación auditiva.
146
BAILANDO CON TODO EL CUERPO
MATERIALES
Grabadora
Cd
DESARROLLO
Distribuidos en el aula escuchan atentamente una canción.
Identifican el rimo de la canción y empezarán a mover:
Las cejas, ojos, nariz, labios, cabeza, etc.
Después, continúan con el tronco y las extremidades, hasta que todo su
cuerpo esté en movimiento al ritmo de la canción.
VARIACION
Escuchan canciones con diferentes ritmos y repiten el ejercicio.
Comentan sobre las similitudes y diferencias entre los movimientos
ejecutados.
.
SE LOGRA
Ejercitar la imaginación y expresión corporal
147
ESPEJO MUSICAL
MATERIALES
Grabadora
Cd
DESARROLLO
Se forman parejas de estudiantes.
El profesor explica que en cada pareja existe:
La persona y el espejo.
Escuchan una música suave y el estudiante que asume el papel del
personaje parado frente a su compañero, debe realizar diferentes
movimientos y gestos, los mismos que serán repetidos de la forma más
exacta posible, por su compañero.
Luego intercambian los roles y repiten el ejercicio.
La actividad se realiza con diferentes canciones.
Comentan acerca de la experiencia.
VARIACION
El estudiante que asume el rol de personaje puede ejecutar diferentes
sonidos, los mismos que serán repetidos por su compañero.
SE LOGRA
Fomentar la habilidad para observar e imitar.
148
LOS MAGOS
MATERIALES
Grabadora
Cd
DESARROLLO
Organizados en parejas se desplazan por el ambiente, al ritmo de una
canción.
Un miembro de cada equipo se convierte en mago, y cubriéndose los
ojos con las manos, debe decir en voz alta la frase: “veo, veo un gatito”.
Al descubrirse su compañero se “transformará” en un gatito.
Luego intercambian los roles. Se sugiere nombre de animales.
Tomados de una mano, uno de ellos conduce al otro. Quien conduce
ejecuta una serie de movimientos de acuerdo a la melodía que
escuchan, el compañero debe repetir todos los movimientos; luego
intercambian roles y comentan la experiencia.
VARIACION
En grupos de tres personas ejecutan la actividad, luego intercambian
roles.
SE LOGRA
Incentivar el ejercicio corporal.
149
TESORO ESCONDIDO
MATERIALES
Pelota de tela.
DESARROLLO
Sentados en círculo el profesor solicita el apoyo de un voluntario.
El estudiante abandona la sala.
Se esconde la pelota en un lugar poco accesible a la vista.
Se invita al estudiante que ingrese a la sala y le pedimos que descubra
el tesoro que está escondido. En un tiempo de tres minutos como
máximo.
Los estudiantes que están en círculo empiezan a tocar palmas.
La consiga para los estudiantes que están en círculo es:
Cuando el estudiante se encuentre lejos del objeto escondido, las
palmadas serán débiles.
Cuando el estudiante se encuentre cerca del objeto escondido, las
palmadas serán intensas.
Si en el tiempo previsto no logra encontrar el objeto, se le sugiere que
escuche las palmadas, dándose a conocer la consigna.
VARIACION
Se puede reemplazar las palmadas por una canción, donde la consigna
sería:
Cuando el estudiante se encuentre lejos del objeto escondido, cantarán
muy suave.
Cuando el estudiante se encuentre cerca del objeto escondido, cantarán
muy fuerte.
SE LOGRA
Discriminar el sonido débil y fuerte.
150
LOTERIAS DE SONIDOS
MATERIALES
Instrumentos musicales.
Tarjetas con dibujos de instrumentos musicales.
DESARROLLO
En sus mesas, cada estudiante recibe 10 tarjetas con instrumentos
musicales.
El profesor haciendo uso de los instrumentos musicales que posee,
solicita a los estudiantes que cierren los ojos y escuchen los sonidos que
él producirá.
Ejemplo:
Pandereta, flauta, tambor, triángulo.
Los estudiantes deben recordar los sonidos escuchados y el orden en
que se ejecutaron, para ordenar en sus mesas con los instrumentos que
intervinieron.
El docente anota la secuencia realizada.
Los estudiantes comparan y comentan.
Luego se repite el ejercicio incrementando dos sonidos más, en la
medida que los estudiantes superan el ejercicio anterior.
SE LOGRA
- Ejercitar en la identificación del timbre de los instrumentos musicales.
151
2.7. TEATRO. ACTIVIDADES.
TEATRO
ACTIVIDADES
152
JUEGOS DE CALDEAMIENTO
El objetivo de estos juegos es crear un clima distendido, que permita al alumno
desconectarse del afuera, dejando de lado las experiencias más recientes y
contactarse con el aquí y ahora.
Para lograr estos objetivos, es necesario una primera parte de movimiento y liberación
de las tensiones corporales. Es por esta razón que proponemos diferentes ejercicios
corporales y respiración.
Imitación de animales
Descripción de la Técnica
Expresar corporalmente el comportamiento animal. Los participantes se distribuirán
por la sala, identificándose con un animal elegido por ellos o por el maestro.
Objetivo
Estimular el tono muscular y desarrollar la imaginación.
Participantes
Todo el grupo.
Indicaciones
Caminaremos libremente como hormigas (pasos pequeños), como osos (pasos
grandes y pesados), como perros (en cuatro patas), como conejos (saltos), como una
serpiente (arrastrándose), etc.
EJERCICIOS DE INTERACCIÓN
El objetivo de estos ejercicios es favorecer el conocimiento grupal y estimular la
cohesión. Desinhibir y afirmar el grupo así como potenciar la participación de todas de
sus miembros, en un clima cooperativo y de respeto mutuo.
Los ejercicios de interacción los dividiremos de acuerdo al objetivo específico
deseado. Nombraremos algunos, así tendremos juegos de presentación, de
comunicación y de confianza.
153
JUEGO DE PRESENTACIÓN
Objetivos:
Favorecer un ambiente distendido.
Iniciar contacto con el grupo.
Estimular el aprendizaje de sus nombres de forma dinámica.
Juego de la Pelota
Descripción de la Técnica: Los niños están en círculo. Se van pasando la pelota y
quien la recibe se nombra así mismo.
Material: Pelota.
Participantes: Todo el grupo.
Indicaciones: Nos iremos pasando la pelota a medida que decimos nuestros
nombres.
JUEGOS DE COMUNICACIÓN:
Objetivos:
Favorecer la comunicación impulsando otros canales.
Estimular los procesos de desición.
Tomar conciencia de cómo influyen los estereotipos de la comunicación.
Fomentar la idea de que todos tenemos algo que aporta al trabajo común.
Desarrollar la cooperación y el trabajo en equipo.
Presento al Compañero
Descripción de la Técnica: Los alumnos se presentaran por parejas. Cuando
terminen las explicaciones, se incluirá otra pareja. Se harán nuevamente las
presentaciones pero se explicara lo que no has contado lo que nos contado nuestro
compañero, luego se incluirá otros cuatro y se volverá a realizar las presentaciones,
pero intercambiadas.
154
Participantes: Todo el grupo, por parejas, luego en grupos.
Indicaciones: Nos pondremos en parejas (A-B) y le contaremos a nuestro compañero
algo de nosotros. Luego se incluirán otros dos (C-B) y A les contará quien es B, y B
quien es A, lo mismo harán C y D. Cuando se incorporé otro grupo podemos cambiar
de miembro a presentar.
JUEGOS DE CONFIANZA
Objetivos:
Fomentar la colaboración y el contacto físico.
Aprender a orientarse mediante el escucha.
Potenciar alternativas distintas de la competitividad.
Fomentar la interacción y la búsqueda colectiva de soluciones.
Resaltar la idea de grupo y el trabajo en equipo.
El Pintor
Descripción de la Técnica: Se distribuye a los alumnos por parejas, y cada uno elige
libremente ser el pintor o el pincel. Una vez distribuidos los personajes, el pincel tendrá
que seguir las directrices que le asigne el pintor.
Participantes: Todo el grupo, por parejas.
Indicaciones: Elegiremos una pareja, uno hará de pintor y otro de pincel. El pintor
pinta las diferentes partes de la sala con su pincel, representado por su compañero
que se dejará guiarse. El pincel puede ser el dedo del pie, la nariz, la boca, etc.
155
JUEGOS DE DRAMATIZACIÓN
El alumno es más capaz de realizar dramatizaciones si tiene confianza en su grupo y
en el coordinador. Si el clima es favorable, estos juegos se representaran de forma
más libre y creativa.
Las consignas al no ser tan estructurada, dejan mas libertad par la imaginación y la
originalidad. Los ejercicios de dramatización desarrollan capacidades de expresión,
verbal y corporal, ayudando a desinhibirse.
Museo de autómatas
Descripción de la Técnica
Divida la clase en dos, un grupo representara distintos oficios y profesiones
(carpintero, zapatero, medico, cantante,....). El otro grupo observa los movimientos y
tendrá que adivinar la profesión.
Participantes
Todo el grupo, divido en dos.
Indicaciones
Nos dividiremos en dos grupos. Unos saldrá fuera de la sala y el otro montara el
museo de autómatas. Cada uno elegirá la profesión u oficio que quiera representar.
CIRCULO DE REFLEXIÓN
La reflexión debe ser una constante al finalizar cada sesión. Es el profesor el
responsable de organizar el coloquio; esta responsabilidad, a medida que el grupo
avanza, puede depositarse en distintos alumnos.
Es importante estar al escucha de los estudiantes es la única manera de poder
ofrecerles lo que verdaderamente necesitan.
Como ejemplo describiremos un ejercicio de grupo y otro individual.
Reflexión Grupal
Consiste en caminar alrededor de una silla vacía a medida que se va expresando lo
que han sentido en el desarrollo del ejercicio. Así se escucharán comentarios como:
Genial, aburrido, agotador, divertido, aprendí que.....
156
Reflexión Individual
Consiste en caminar alrededor de la sala con un papel sujeto en la espalda. Cada
integrante del grupo escribirá en dichos papeles, sin firmar lo que piensa del trabajo
del compañero. Al finalizar la experiencia, los que así lo deseen podrán compartir con
el grupo los comentarios anónimos escritos.
LOS TÍTERES
Encontramos una gran diversidad de títeres en el medio, de la educación primaria:
EL PULPO
Materiales:
· Una pelota de tecnopor,
· un tubo de madera o plástico,
· un retazo de tela, lana gruesa
· retazos de fieltro, hilo, una banda de hule.
Útiles :
· Tijeras, aguja, lápiz, goma.
Instrucciones:
Meter el tubo en la pelota de tecnopor (un poco de goma en la punta de
la varilla lo asegurará mejor.
157
Recortar un círculo de la tela. El tamaño depende de Ia pelota, pero el
diámetro del círculo debe ser por lo menos tres veces más grande que el
de la pelota.
Doblar una y otra vez y cortar la parte doblada sin separar la tela por
completo. Cubrir la pelota con la tela y asegurar ésta con una banda de
hule. Coser las patas del pulpo hechas de lana. Hacer ojos de retazos de
fieltro, igual la boca y pegarlos a la tela de la cabeza.
Títere de dedo:
Los títeres de dedos son útiles en un grupo pequeño, especialmente de
preescolares. No es necesario el diálogo complicado.
Se pueden utilizar el franelógrafo o láminas para contar una historia.
El tamaño de los moldes es un poco grande, pero los puede hacer según el
tamaño de su dedo, así podrá utilizarlos para otras historias.
158
Títeres Sencillos
Además de los títeres de dedo, hay varios
títeres sencillos que se hacen sin mucho gasto
ni de dinero, ni de tiempo.
Tal vez el más sencillo es el títere que se hace
de una bolsa de papel. Hay varias maneras de
hacer un títere de bolsa. Si uno dibuja los ojos
en la parte de encima de la bolsa, entonces la
parte que se dobla se puede utilizar para formar
la boca. Esta boca se abre y se cierra con
facilidad si uno mete los dedos en la parte de
arriba de la boca y abre y cierra la mano.
Títeres de Plato:
Se hacen de varias cosas que se encuentran
en casa.
Un plato de papel o de plástico sirve para hacer
un lindo títere.
Se pinta con marcadores o se puede pegar con
goma, fracciones hechas de papel. Se pega
una varilla y está listo para el pequeño teatro.
Títeres de Cartón
Los cartones de rollos de papel higiénico o de
toallas de papel también sirven para hacer lindos
títeres. Aunque se pueden pintar las fracciones
directamente en el cartón, parece mejor
envolverlo en papel de fieltro bien pegado y pintar
o pegar la cara encima. Para hacer el pelo o un
159
sombrero, ponga el cartón encima de un pedazo de cartulina y dibuje un círculo
del tamaño del cartón. Recorte este y asegúrelo al cartón con cinta
transparente, El pelo se hace de lana o de algodón, que se pega al cartón con
goma.
160
2.8. DANZAS. ACTIVIDADES
DANZAS
ACTIVIDADES
161
LA CLASE DE DANZA
La clase de danza no debe empezar con el aprendizaje del baile que vayamos
a crear. Debemos ir paso a paso y conseguir así que los niños ejecuten los
movimientos que vamos a desarrollar de la forma más correcta posible.
Calentamiento
El calentamiento es imprescindible tanto para los niños como para los adultos.
Si no se calientan suficientemente los músculos, se pueden producir lesiones y,
además, se aumenta la fatiga.
Hay dos tipos de calentamiento:
Calentamiento específico, para calentar los músculos que usaremos para
un movimiento concreto.
Calentamiento inespecífico, para elevar la temperatura de todo el cuerpo.
Es bueno combinar los dos tipos de calentamiento.
Calentamiento similar al utilizado en las clases de Educación Física para elevar
la temperatura del cuerpo.
• Alternando ejercicios de carrera y marcha.
Saltar:
Saltar con los pies juntos hacia la derecha, hacia la izquierda, hacia
delante, hacia detrás.
Saltar alternando las piernas. Primero subiendo las rodillas hacia el pecho,
y después tocando con el pie izquierdo el muslo izquierdo y luego el
derecho.
Dan pequeños saltos con los pies juntos, y después saltan todo lo que
puedan. Hacen lo mismo alternando las piernas.
Saltan abriendo y cerrando las piernas.
162
Calentamiento con música donde se trabajan distintos músculos del
cuerpo.
Tumbados de espaldas con las piernas extendidas, doblan el pie
derecho hacia arriba y después hacia abajo 8 veces. Después se repite
con el izquierdo otras 8 veces.
Los mismo que el ejercicio anterior pero alternando; un pie se dobla
hacia arriba y el otro hacia abajo. Se realiza 16 veces.
Tumbados de espaldas, con las piernas extendidas, levantan un poco la
pierna derecha y realizan 8 pequeños movimientos circulares hacia
dentro con el pie, luego 8 hacia fuera. Repiten lo mismo con la pierna
izquierda.
Tumbados de espaldas, con las piernas extendidas, levantan unos
centímetros la pierna derecha, sin doblar la rodilla, y vuelven a la
posición inicial para hacerlo con la izquierda. Repiten 4 veces.
Igual que el número 4 pero levantando lo máximo posible. Repiten 4
veces.
Repiten el número 4.
Repiten el número 5.
Calentamiento similar al utilizado en las clases de Aerobic en donde se trabajan
distintos músculos del cuerpo.
Se realiza con música de discoteca porque tiene un ritmo fácil de seguir y
continuado. Para los más pequeños, por ejemplo, utilizar Los pitufos van a
tope, Los pitufos marchosos, etc.
Corren sin moverse de su sitio, levantando un poco las piernas del suelo
16 veces.
Repiten lo mismo que el número 1 pero levantando más las piernas 16
veces.
Repiten el número 1.
163
De pie, con los pies juntos y los brazos a lo largo del cuerpo, saltan
separando las piernas y a la vez, extienden los brazos lateralmente con
las palmas hacia abajo. Vuelven a la posición inicial saltando. Repiten 16
veces.
De pie, con las piernas separadas, se inclinan hacia la derecha haciendo
8 rebotes, con el brazo izquierdo muy estirado por encima de la cabeza,
y la mano derecha colocada en la cadera. Repiten 8 veces y luego
cambian de lado.
De pie, con las piernas separadas, se inclinan hacia delante sin doblar
las rodillas intentando tocar el suelo. Realizan 8 rebotes, estiran el
cuerpo y vuelven a repetir.
Repiten el número 5 y 6.
Realizan ejercicios de cabeza, hombros y manos (pueden servir todos
los explicados con las músicas de LINCKE y DIEGO MODEREZ).
En el suelo. Tumbados de espaldas, con las palmas de las manos contra
el suelo. Estiran las piernas hacia arriba y efectúan movimientos en tijera
con las piernas extendidas, la derecha sobre la izquierda y luego la
izquierda sobre la derecha 8 veces. Continúan con el movimiento en
tijera y bajan las piernas despacio. Repiten todo 4 veces.
Tumbados de espaldas, abrazan las rodillas apretándolas contra el tórax
y cuentan hasta 8 para relajar la musculatura abdominal.
QUÉ SE NECESITA UNA CLASE DE DANZA
Hay que hacer muchos ejercicios con los niños para que se aprendan bien
todos los pasos. En la segunda parte de este libro, encontraréis ejemplos de
ejercicios y juegos.
Para este aprendizaje se utilizará primero la barra. Si no la hay, puede servir de
sujeción la pared. Con las mesas y las sillas hay que tener cuidado porque hay
niños que se agarran como lapas (cosa que hay que evitar), y pueden terminar
en el suelo.
164
Después se pasará al centro donde se realizarán los ejercicios que se hicieron
en la barra pero sin la ayuda de ésta. Es bueno en este apartado hacer
ejercicios de expresión corporal a través del movimiento porque así los niños
aprenden los pasos jugando.
Aprendizaje de la Danza
Hay que hacerlo poco a poco. A veces se requieren meses de trabajo para un
buen aprendizaje. Primero tienen que escuchar bien la música y conocer la
historia, si la hay, de lo que van a representar. Se deben realizar también
ejercicios para que conozcan el ritmo de la música.
RELAJACIÓN
Al danzar, los niños se sienten alegres y se alborotan. Es aconsejable para
finalizar la clase, hacer ejercicios de relajación para descargar la energía
encerrada y bloqueada en el cuerpo.
Los niños de Educación Infantil, 1º y 2º de Educación Primaria, la mejor forma
que tienen para relajarse es durmiendo. Por eso, se recomienda que escojan la
postura más cómoda para cada uno, tumbados en el suelo o encima de una
colchoneta.
Son útiles para relajarse varias posturas de yoga:
• El cadáver: Tumbados de espaldas con los brazos a lo largo del cuerpo y
los pies juntos. Se deja el cuerpo sin tensión, se cierran los ojos y se
respira profundamente.
• Posición del arado. Tumbados de espaldas con las piernas estiradas y los
brazos estirados por encima de la cabeza.
Juego del muñeco de trapo. Se les dice a los niños que son muñecos de trapo.
Tienen que doblar el cuerpo por la cintura y dejar que cuelguen los brazos y la
cabeza. El educador puede coger los brazos de los niños y así comprobar si
165
están en tensión o no.
Si se han realizado muchos ejercicios con las piernas, para aliviar y descansar
los músculos, se ponen los pies encima de un libro o colchoneta para elevarlos
ligeramente, mientras se permanece tumbado con los brazos a lo largo del
cuerpo.
Si algún niño tiene alguna pequeña molestia en alguna parte del cuerpo
después de la clase, se le puede dar un pequeño masaje mientras se hace la
relajación.
También relaja la música. Se debe seleccionar una música tranquila y sin
palabras. Un adagio ayuda a conseguir un ambiente de descanso. Los niños
mientras lo escuchan permanecer tumbados, o andar lentamente por toda la
sala con el cuerpo relajado al ritmo de la música.
ASPECTOS IMPORTANTES PARA CREAR DANZAS CON LOS NIÑOS
• Tener paciencia. Los niños no son iguales y a la hora de bailar las
diferencias se van a notar, sobre todo si se trabaja con niños pequeños;
unos tienen buenas condiciones físicas pero no tienen musicalidad o al
revés; otros son muy expresivos pero son incapaces de llevar el ritmo;
otros son cohibidos, etc.
• Motivar al niño. No a todos los niños les gusta bailar. Muchos piensan que
hacen el ridículo, que no se les da bien, etc. Hay que animarles; decirles
que lo están haciendo mucho mejor y que se den cuenta de la importancia
que tiene cada uno dentro del baile.
• Crear un buen ambiente. Es importante que el niño se sienta cómodo y
que se divierta con lo que va a hacer. La danza ayuda a crear
compañerismo. Se deben hacer cambios de pareja, ya que no sólo sirve
para que se acostumbre a bailar con cualquier compañero, sino que
ayuda a relacionarse con todos los demás.
166
• Aprenderse la danza y la música. Deben aprenderse tanto el ritmo de la
música como el baile y expresiones corporales que requieran dicho baile.
Es necesario que presten atención para saber exactamente cuándo tienen
que aparecer en escena, cuándo tienen que desparecer, cuándo tienen
que quedarse quietos, etc. Es aconsejable colocar delante a algún niño
que se aprenda bien el baile y que tenga buen ritmo, pero hay que evitar
que siempre sea el mismo niño y procurar que no siempre sean los
mismos los protagonistas.
Posición del cuerpo.
- Mantengan el cuerpo erguido con naturalidad; enseñarles a contraer el
estómago y los glúteos.
- Las piernas deben estar giradas hacia los lados o rectas, pero nunca
para dentro.
- Las piernas deben estar estiradas y los brazos alargados para hacer
cualquier movimiento. No mirar al suelo; la cabeza erguida y ¡cuidado con
las muecas!
- La respiración debe ser rítmica y normal.
PASOS BÁSICOS PARA CUALQUIER TIPO DE DANZA
Hay una serie de pasos que deben practicarse antes de realizar el aprendizaje
de una danza. Son ejercicios iníciales imprescindibles que facilitan con
posterioridad la comprensión y realización de ejercicios más complejos, y
ayudan incluso a evitar posibles lesiones.
Todos los pasos básicos aquí expuestos, se pueden practicar con niños de
todas las edades, incluidos los de Educación Infantil.
Punta
Se estira la punta de los pies sin doblar las rodillas.
Flex
Se flexionan los pies sin doblar las rodillas.
Pliés
167
Es un ejercicio imprescindible en la Escuela clásica de Ballet porque prepara la
musculatura de la pierna. Consiste en una flexión de rodillas que puede ser
hecha con los pies totalmente apoyados en el suelo, en punta o media punta. A
la hora de saltar, siempre se debe procurar que el inicio y el final del salto se
realice con un demiplié: flexión de las rodillas sin levantar los talones del suelo.
Relevés
Se levantan los pies a la media punta procurando que el peso del cuerpo esté
equilibrado en todos los dedos del pie para no torcerse.
Andar
Marcha o Paso Básico. Andar normal, hacia delante o hacia atrás. Puede ser
también lateral si se realiza a los lados.
Paso lateral 2/4
I. Se separa el pie derecho hacia la derecha.
II. El pie izquierdo se junta con el derecho.
Andar en Ballet. Se apoya primero la punta del pie y lo último el talón.
Andar de puntillas. Andar con los pies en media punta.
Correr
Cuando haya que hacer un ejercicio de “correr” en una danza, hay que hacerlo
“de puntillas”, pisando con la punta de los pies (como un relevé) y levantando
los talones.
Saltar
Salto o Sautés. Se salta con las dos piernas a la vez. Primero se hace un demi-
plié, se salta estirando las piernas, y al caer volvemos a realizar demi-plié.
Paso saltado o Skips 2/4
I. Se apoya un pie, se salta sobre él y el otro pie se eleva doblando la
rodilla.
II. Se apoya el pie que estaba elevado y se vuelve a hacer el ejercicio pero
al revés.
Este ejercicio puede realizarse levantando mucho las rodillas o sólo un poco.
168
2.9. ACTIVIDADES INTEGRADORAS
Existe la posibilidad de integrar diferentes áreas artísticas, propiciando
un aprendizaje más significativo en los estudiantes. Entre las actividades
que se sugieren están las siguientes:
- Visitas guiadas a salas de exposiciones, conciertos, festivales de
danzas, puestas en escena de obras teatrales.
- Análisis de vídeos.
- Organización de ferias artísticas, festivales, talleres de arte.
- Organización de álbumes con recortes artísticos.
- Encuentros con artistas de la localidad.
- Producción de materiales: cuentos grabados, instrumentos musicales
de percusión, títeres y máscaras, etc.
169
CONCLUSIONES
1. El principal obstáculo que se presenta para una adecuada formación
artística en la escuela, es el desconocimiento que tienen los maestros de
las técnicas y recursos que se emplean en la implementación de las
diferentes áreas artísticas.
2. El arte cumple un rol de suma importancia en el proceso educativo, por
su naturaleza integra múltiples áreas del conocimiento que son
potenciadas con su práctica.
3. Existen diversidad de técnicas artísticas que cuidadosamente
seleccionadas, contribuyen al desarrollo delos contenidos propuestos en
el currículo escolar.
4. Una práctica adecuada del arte en la escuela potenciará los
aprendizajes de los estudiantes
170
SUGERENCIAS
Se deben implementar con carácter de urgente programas de
capacitación en el área de arte, dirigido a los docentes del nivel primario.
Los docentes deben seleccionar los recursos y materiales adecuados,
según el contexto donde laboran, evitando el uso excesivo de materiales
convencionales que por su elevado costo, no están al acceso de los
estudiantes en su gran mayoría.
Las instituciones educativas, deben adecuar espacios físicos dedicados
exclusivamente a la práctica de las diferentes actividades artísticas.
Erradicar la concepción reduccionista que se tiene acerca del arte,
estimulando a los estudiantes hacia la apreciación de eventos con valor
estético y cultural.
171
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