WITHOUT BORDERS Curators’ Statements

About Without Borders

Without Borders was the theme of the first annual Ayers Island Contemporary Arts Festival. The goal of AICAF was to create a gathering place for a wide variety of people who are interested in diverse forms of contemporary art and cultural expression. Featuring emerging international, national and local artists in an eclectic array of music, performance, poetry, film and exhibition programs, the Festival offered a two-weeks-long cultural feast in August 2004. We brought a wide variety of international artists to Maine while at the same time showcasing local and national art and culture.

The Festival was an important catalyst for artistic development within the region. We feel it prompted an awareness of, and created a sustained demand for, contemporary forms of the visual, literary and performing arts. The Festival also served as a catalyst to arouse wider public interest in the arts and encouraged artistic dialogue and cultural exchange. It had real potential to act as a stimulus for artistic innovation and provided a pivotal springboard for many artistic careers, in the state of Maine and beyond.

For this first festival we invited artists from Canada, France and UK to join together with artists from Maine in order to facilitate interactions between these countries and to foster the already existent creative connection between our cultures. The festival organizers believed that it was important, with regard to the history of this state and its unique position as a gateway between cultures and countries, that this international group of artists participate as the initiators of many more such exchanges. This festival brought together a group of international artists from across multiple borders to present a range of work that might be described as on the edge of different art practices or that crosses the usual borders between artistic media and practices. In this convergence, technology is often key; thus this festival also focused on artistic forms that utilize technology in either production or presentation of their work.

August 20th - September 15th 2004

Experiments in Art, Culture and Technology The boundaries between traditionally differentiated elements such as text/image, subject/object, and real/artificial have shifted dramatically over the last few years. Driven by technological advancements and the increased impact of networks as a de-mediating factor, these shifting boundaries provide both an opportunity and danger for artistic praxis. The variety of artists included in the exhibition ”Without Borders: Experiments in Art, Culture and Technology” that was part of the first annual Ayers Island Contemporary Arts Festival not only understand this janus face of art in our technological age, but also seek to explore how such changing parameters offer potentials for creative engagement. The installations, videos and performances that constitute the works in this exhibition present a selection of insightful and creative engagements that variably challenge, excite, entertain and question our expectations.

The festival included a main exhibition centered around a variety of installation sculptures using new technologies, as well as performances, live music and poetry readings, video screenings and workshops, all of which created a daily fertile exchange of creative ideas, artistic explorations, learning and just plain fun.

Participating Groups :University of Maine, Department of Art, New Media Program (US)Université du Québec à Montréal (Canada)École Nationalé Superieure d’Arts de Paris-Cergy (France)Wimbledon School of Art (United Kingdom)

Festival Organizers :Ayers Island, LLCThe Souillac GroupUniversity of Maine

The breadth of works challenges not only the methods of creating artistic or cultural experiences, but manifest, through their own physicality, the present and future promise of intermedial art.

Three central questions are repeatedly returned to in the work included in this exhibition: what is the relationship between the artist and the audience? What are the materials of art? And what are the processes of manipulation/creation available to the artist? Although these questions may seem simplistic in that many artists throughout the 20th century have explored such concerns, they are also still worthwhile because of the new materials and paradigms available to artists in the beginning of the 21st century. In considering these and other related questions the key is not so much their general nature, but the nuances in the ways that each artist seeks to explore a range of possible answers, or just respond to them through creative processes.

Although the themes are multiple in the exhibit, a few are worth highlighting. In a number of the works by Chia-Wen, The Richards, Martin Leduc, Renaud Patard, and Sheridan Kelley, a theme of technology and the environment predominate. Rather than presenting us with a simple dialectic of opposition or an image of loss, these works evidence a recognition of this relationship as something more complex - a vacillation between a seeming rupture and a constant compression in which neither human technology nor the natural world is left unchanged.

In the works of The Mars Walkers, Andy Hamm, and Loris Greaud the primary emphasis is on an exploration of the narrative nature of technologically mediated experience. The viewer becomes an active agent, both physically and cognitively, in the construction of meaning and the narrative frames that hold these meanings in place. In Margaretha Haughwout’s and Ivor Hadziabdic’s works the theme of information as shaped by communication, technology and social contexts is problematized.

These works seek to engage the viewer in questioning the designation of significance as fixed or pre-determined – a recognition of meaning as only situationally determinable given the nature of both information and political and social power relations. In all of the installations, videos and performances presented in Without Borders we are presented with a rich mix of modes of artistic explorations and engagements that evidence the wide diversity of contemporary creative praxis.

This exhibition goes beyond digital art and installations created out of a choice of purposes, including expression, entertainment, education, or socializing to posit what I will describe as an art of conditional situations. By this I mean an art that can be explained as an intertwining of the place of the viewer as interpreter, the artist as initiator, and the materials of the work in the process of constructing one’s experiences as the ultimate nature of the work. Viewed this way these works should be seen as signs that a viewer, in the process of engagement, interaction and decoding, is given a place of creative responsibility. We are, quite simply, a collaborator in the creation of the work. Through the very act of engagement with the work in this exhibition we enter into a playful dance of signification that draws from our previous experiences, the artists’ intent, the experience of the work itself, and the human desire to know and categorize. Given this, the title of the exhibition, Without Borders, should be taken not only as a reference to the international selection of artists from North America and Europe that were included and the experimental and intermedial nature of the work, but also the way these works challenge the traditional fixity between artist and audience, object and experience and artwork and non-art work.

Owen Smith Lead Curator of W/ODirector of the New Media Programm_University of Maine

The Ayers Island exhibit confirmed that, more and more, young artists are creating works that help us understand and perceive the real world with more sensitivity and more intelligence.Thanks to these artists and their work, we are looking to the natural and built environments in which we live with more attention and more worries. In these works, which use the most innovative technologies, poetry and knowledge are shared in the most unexpected places, with total freedom for bodies to perform.

Installation and performance transform the public’s vision of what is art nowadays, convincing them that their bodies are a subtle sensor essential to understanding art works.This leads us, at the same time, to consider the way we are thinking about art and art history that is driven by new scientific knowledge rather than traditional philosophical methods. The consequences are important for young artists’ education. In order to transform their vision of the world into artistic processes, without excluding any domains of knowledge, which happens too often, they need three spheres of abilities.

The first one is the digital culture that enables computer skills, with its technical interfaces and networking. Skills in electromechanics are sometimes necessary for the works that use automatism and coincidence. This is the case in multimedia and interactive installations.

New Artists, New Tools “ Without Borders...”

The second consists of the necessary abilities of the engineer to conceive technical systems. Some works are objects of high technical nature. Finally, mathematics are increasingly taking care of analyzing and understanding reality. The world of simulation and modeling is as much interested in explaining natural phenomena as those resulting from human intervention. In this field of thinking, new humanisms are rising and artists can become inventors through their ability to transform their personal experiences into universal values.

The question is not to transform artists into universal human beings; it is, in order to define their personal stakes and to imagine works that are conceived with the knowledge and the culture that we use to organize our world, to show that the discovery of this new knowledge is essential for them. It is in this sense that art is contemporary, with new artists, new tools,“without borders...”.

Jean-Pierre NouhaudArt Historian/ Professor, National School of Fine Arts of Paris-Cergy

New Artists, New Tools “ Without Borders...”

The Without Borders 2004 exhibit brought together work by graduating art students from Maine, France, Canada and the UK in an attempt to create an aesthetic communication between our cultures and opportunities for students to meet other young artists and other conditions and work possibilities. We all view the world from our different cultural experience which we tend to accept as a given in spite of an unsaid understanding that there might be others equally valid or at least as interesting and perhaps even provocative. A show, such as the one we have just seen, brings some of that together in the same physical space and allows us to appreciate the somewhat different regard that other cultures and other people from those cultures provide.

Besides proposing sometimes healthy new perspectives to the way we see the world (a spectator told me that he would never be able to look at water the same way after seeing the installation by Chia-Wen Tsai), the meeting between students brings new information to everybody and opportunities to students and faculty alike for exchange, long-distance collaboration and eventually travel to the other countries. This kind of exploration beyond our own borders is essential today if we are to understand the changing world which confronts us.

There is a style and energy within each culture that is different, that is built on a slightly different world-view which, when we are confronted by it, encourages us to look beyond our everyday experiences. In general, this is part of the art experience since nothing is more subjective than artistic practice and nothing reflects more the confrontation between the individual and his or her environment than the aesthetic choices proposed by the artist. Our cultural baggage is present in our art and seeing those differences collected in the same space can be a revelation.

Without Borders, Without Walls

This is a part of the MARCEL network, http://marcel.wimbledon.ac.uk/marcel.htm, of which I am the international coordinator. Our network was built on an understanding of the need for exchange, the necessity to work together over long distances and to occupy a new space of communication with art and educational experimentation. The MARCEL network, which now comprises over 80 members in 17 countries, exists because its members understand this need. It is essential, however, to the MARCEL project that its various members have the occasion to be together in the same physical spaces and that their collaborations take place in real space and not just virtual. I have been involved in helping organize this exhibit as a natural extension of the activities of the MARCEL network and have been pleased with the modest beginning of what must become standard practice in the art world.

Just as we are creating meeting spaces for artistic exchange in both physical and virtual space, we have to think of our institutions now as existing without walls. Today, no institution can realistically contain everything students and faculty need. We accept educational exchange programs between different institutions with students and faculty moving and spending time in other countries. Collaboration is considered normal and desirable and several kinds of exchange programs already exist. What can be and should be different today is that, with the arrival of ultra-high-speed networks, working with someone from another city or country can be a daily experience. We can now go where the complimentary resources exist and offer to our students experiences beyond the four walls of our buildings and institutions. This kind of mental displacement should be a common experience now, offering to our students the possibilities of seeing beyond their own cultures and learning from that effort.

The Without Borders exhibition was a natural evolution from the online exchanges that have already existed between the institutions in the Marcel network. What is required today is working out a pattern of all these exchange possibilities, offering our students an experience no longer limited to the physical space of their university.

Events such as Without Borders are an important part of that exchange and must continue in order for it to be effective. We need more than the virtual and such meetings between students and teachers offer that dimension. I can only hope that the multidimensional experience will continue to exist in the forms we have already found and others to be invented.

Don Foresta General Coordinator of W/O, Director of Marcel(Multimedia Art Research Centres and Electronic Laboratory)

http://www.mmmarcel.org

Curators’ StatementsTranslations/Traductions des intentions de commissaires

Without Borders est le thème du premier festival annuel d’Art Contemporain de Ayers Island. Le but du AICAF est de créer un espace de rencontre pour une large communauté de personnes interéssées par diverses formes d’expressions de l’art contemporain. A la fin du mois d’août le festival offrira, le temps d’un weekend, au travers d’une exposition et de différents évènements culturels, la possibilité à de jeunes artistes internationaux, nationaux et locaux de s’expimer au travers de pratiques aussi variées que la musique, la performance, la poesie et le cinéma.

Le festival sera un important catalyseur pour le dévelopement d’une scène artistique au sein même de la région. Nous pensons qu’il favorisera une plus grande sensibilité à la création contemporaine au sein des arts visuels, literaires et performatifs ainsi qu’une demande solide permettant son implémentation. Il encouragera les dialogues artistiques et les échanges culturels permettant l’expansion de l’intérêt du public pour l’Art. Son potentiel en tant que stimulateur de l’innovation artistique et comme tremplin de carrières artistiques dans l’état du Maine et au delà, sera un des points forts de ce festival.

Dans ce cadre, nous invitons des artistes du Canada, de la France et du Royaume-Uni à se joindre à des artistes du Maine dans le but d’une part de faciliter les interactions entre ces pays et d’autre part pour fortifier une connexion créative déjà existante entre nos cultures.

Ayant en vue l’Histoire de cet état et sa porte ouverte aux échanges culturels entre ces pays, les organisateurs du festival réalisent l’importance que peut avoir ce groupe d’artistes internationaux en tant qu’initiateurs de nombreux échanges similaires à venir. Le festival de cette année, prévu entre le 20 et le 22 Août, réunira un groupe d’artistes internationaux présentant une palette de travaux à la lisière de différentes pratiques, éclatant les barrières classiques entre les médias et leurs pratiques. La technologie étant souvent au centre de la convergence de ces pratiques, le festival portera donc aussi son attention sur les formes artistiques utilisant la technologie aussi bien dans le processus de création que dans la présentation du travail.

A Propos de Without Borders20 Aout - 15 Septembre 2004

Groupes participants :Université du Maine, Department of Art, New Media Program (US)Université du Québec à Montréal (Canada)École Nationalé Superieure d’Arts de Paris-Cergy (France)Wimbledon School of Art (United Kingdom)

Organisateurs:Ayers Island, LLCThe Souillac GroupUniversity of Maine

Le festival incluera une exposition principale présentant une variété d’installations et de sculptures utilisant les nouvelles technologies, et une série de programmations incluant performances, concerts et lectures de poésies, projections vidéos, et workshops. Le tout créera un échange fertile d’idées créatives et d’explorations artistiques, éducatives et ludiques.

Les frontières existant habituellement entre les éléments d’opposition tels que texte/image, sujet/objet ou réel/artificiel se sont dramatiquement transformées depuis quelques années. Ces changements, entraînés par les avancements technologiques et l’impact croissant de réseaux agissant comme éléments anti-médiateur, offrent une opportunité mais aussi un danger pour les pratiques artistiques. La diversité des artistes présents à l’exposition “Without Borders, expérimentations sur l’art, la culture et la technologie“ lors du premier festival annuel d’art contemporain d’Ayers Island, ont non seulement compris cette figure janusienne de l’art dans notre ère technologique, mais ont aussi su explorer les potentiels offerts, par de tels changements, à l’engagement créatif.

Les installations, vidéos et performances qui constituent les travaux de l’exposition, nous apportent un aperçu des engagements créatifs qui défient, excitent et questionnent nos espérances. L’envergure de ces travaux défit les méthodes de création d’expériences artistiques ou culturelles, et révèle, au travers de leurs matérialités, les promesses présentes et futures d’un art qui réside entre différent médias.

Trois questions centrales sont récurrentes dans les travaux de l’exposition : quelle est la relation entre l’artiste et le public ? quels sont les matériaux de l’art ? de quels processus créatifs et manipulatifs dispose l’artiste ? Parce que explorées par de nombreux artistes au cours du 20ème siècle, ces questions paraissent simples, et avec le début du 21ème siècle et l’apparition de nouveaux matériaux et paradigmes, ces questions restent d’actualité. Les différentes nuances avec lesquelles chaque artiste cherche à explorer les réponses possibles et à y répondre au travers de processus créatifs, sont la clé pour l’analyse de ces questions.

Bien que les thèmes y soient nombreux, certains se doivent d’être soulignés. Dans les travaux de Chia-Wen Tsai, The Richards, Martin Leduc, Renaud Patard et Sheridan Kelley, prédomine le thème de la technologie en relation à l’environnement. Au lieu d’utiliser une dialectique d’opposition ou une idée de perte, ces travaux mettent en lumière cette relation comme quelque chose de plus complexe : un vacillement entre une rupture apparente et une compression constante dans laquelle ni la technologie humaine ni le monde naturel n’est laissé inchangé.

Experimentations en Art, Culture et Technologie

Dans les travaux de The MarsWalkers, Andy Hamm et Loris Gréaud, l’accent est mis sur une exploration de la nature narrative de l’expérience médiatrice technologique. Le spectateur devient agent actif, à la fois physique et cognitif, dans la construction de signification et des cadres narratifs qui la constituent. Dans les travaux de Margaretha Haughwout et Ivor Hadziabdic, la problématique de l’information façonné par la communication, la technologie et les contextes sociaux, est abordée. Ces travaux cherchent à encourager le spectateur à questionner le concept de signification comme fixe ou prédéterminé, et vu la nature de l’information et des relations politiques et sociales données, à procéder à une reconnaissance du sens qui serait définissable seulement en situation. Toutes les installations, vidéos et performances présentées dans ce festival, constituent un mélange riche d’engagements et d’explorations artistiques qui mettent en lumière une large diversité de pratiques artistiques.

Cette exposition va au-delà de l’art digital et d’installations crées à partir d’un choix d’objectifs incluant expression, divertissement, éducation et social, et établit ce que je décrirais comme un art dépendant de sa situation. C’est à dire un art qui s’explique par l’entrelacement du spectateur en interprète, de l’artiste en initiateur et des matériaux de processus d’élaboration de l’expérience de l’autre en nature même du travail. Vu de cette façon, ces travaux doivent être vu comme différents signes que le spectateur, engagé dans le processus de lecture et d’interaction, a été alloué d’une responsabilité créatrice. Nous collaborons d’une manière simple à la création du travail. Dans l’engagement envers les travaux de cette exposition, nous entrons dans une danse ludique de significations qui, à partir de nos expériences antérieures, dessine les intentions de l’artiste, l’expérience du travail lui-même et le désir humain de connaître et de catégoriser. En considérant cela, le titre de l’exposition Without Borders, doit être interprété non seulement comme une référence à la sélection internationale d’artistes venant d’Amérique du Nord et d’Europe et à la nature expérimentale et “entre-médias“ des travaux, mais aussi à la manière dont ces travaux défient la relation statique entre artiste et spectateur, entre objet et expérience, et entre œuvre d’art et non-œuvre d’art.

Owen Smith Comissaire general de W/ODirecteur du departement de Nouveaux Media_Universite du Maine _USA

L’exposition d’Ayers Island confirme que les jeunes artistes imaginent de plus en plus des œuvres qui nous font comprendre et percevoir le monde réel d’une manière à la fois plus sensible et plus intelligente. Grâce à eux et à leur travaux nous regardons l’environnement naturel et construit dans lequel nous vivons avec plus d’attention et d’inquiétude : poésie et connaissance vont ensemble dans ces œuvres qui croisent les technologies les plus innovantes, les lieux les plus inattendus selon une totale liberté performatives des corps. L’installation et la performance se transforment en transformant l’idée que le public se fait de l’art aujourd’hui, le convaincant que son corps est un capteur d’une infinie subtilité indispensable à l’interprétation des œuvres.Cela nous conduit a réfléchir en même temps à la manière de penser l’art et une histoire de l’art qui seraient conduits par les nouveaux savoirs scientifiques et techniques plutôt que par les modes philosophiques traditionnels. Les conséquences seraient importantes dans la formation intellectuelle des jeunes artistes. Trois grands domaines de compétences leur seraient aujourd’hui nécessaires pour transformer leur vision du monde en travail artistiques sans qu’aucun domaine de la connaissance ne soit exclus comme cela se produit trop souvent. Le premier de ces domaines est celui d’une culture numérique qui permette la maîtrise de l’ordinateur, de ses interfaces techniques et programmatiques et de sa mise en réseau.

Nouveaux artistes, nouveaux outils “Without Borders...”

Le deuxième est celui des compétences nécessaires à l’ingénieur pour concevoir des systèmes techniques. Certaines œuvres sont des objets d’une importante technicité. Enfin les mathématiques se préoccupent de plus en plus d’analyser et de comprendre le réel. L’univers de la simulation et de la modélisation s’intéresse tout autant à l’explication des phénomènes existants dans la nature qu’à ceux provoqués par l’homme. De nouveaux hu-manismes naissent dans ce champ de réflexion et l’artiste peut-en être l’inventeur de par son aptitude à transformer en valeurs universelles ses expériences personnelles. Bien entendu il ne s’agit pas de transformer l’artiste en homme universel mais de montrer que la découverte de ces nouveaux savoirs lui sont indispensables pour définir ses enjeux personnels et penser des œuvres qui soient conçues selon une culture et des connaissances qui soient celles avec lesquelles nous organisons notre monde pour y vivre : c’est à ce prix que l’art est contempo-rain avec de nouveaux artistes, de nouveaux outils “ Without Borders...”

� Historien de l’Art, Professeur à L’Ecole Nationale supérieure d’Arts de Paris-Cergy

L’exposition Without Borders a réuni les travaux d’étudiants diplômés d’écoles d’arts du Maine, de France, du Canada et d’Angleterre. Elle a eu pour tache de créer un échange esthétique entre nos différentes cultures ainsi que des opportunités pour les étudiants de rencontrer d’autres jeunes artistes et d’autres conditions de travail. Nous avons tous une vision du monde qui diffère selon nos points de vue culturels et nous avons tendance à l’accepter comme tel, au détriment d’une acceptation non dite qu’il y en aurait d’autres aussi valides, si ce n’est plus intéressantes, voir plus provocatrices. Une exposition, comme celle que nous venons de voir, réunit certaines de ces idées dans le même espace physique et nous permet d’apprécier cet autre regard, que d’autres cultures et d’autres personnes venant de ces cultures nous apportent.

En dehors de proposer de nouvelles perspectives quand à la manière dont nous voyons le monde (un spectateur m’a confié qu’il ne regarderait jamais plus l’eau de la même manière après avoir vu l’installation de Chia-Wen Tsai), la rencontre entre étudiants apporte de nouvelles perspectives à tout le monde ainsi que de nouvelles opportunités d’échanges entre les étudiants et les professeurs, des possibilités de collaborations à distance et d’éventuels voyages dans d’autre pays. Ce type d’exploration au delà de nos propres frontières est essentiel aujourd’hui si nous voulons comprendre ce monde changeant qui nous défit sans cesse.

Il y a, dans chaque culture, un style et une énergie qui diffère, construit selon une autre vision du monde, et qui, lorsque nous y sommes confrontés, nous encourage à aller voir au delà de nos expériences quotidiennes. Cela fait en général partie de l’expérience artistique, d’autant qu’il n’y a rien de plus subjectif que la pratique artistique et que rien ne reflète plus les confrontations entre les individus et leurs environnement que les choix esthétiques proposés par les artistes. Notre bagage culturel est présent dans notre art et voir ces différences réunies dans le même espace peut en être la révélation.

Sans Frontières, Sans Murs.

Cela fait partie des objectifs partagés du réseau MARCEL dont je suis le coordinateur international. Notre réseau s’est construit sur la compréhension d’un réel besoin d’échange, d’une nécessité de travailler ensemble à distance et de l’importance d’occuper un nouvel espace de communication développant l’expérimentation entre l’art et l’éducation. Le réseau MARCEL, qui comprend plus de 80 membres dans 17 pays, existe grâce à la compréhension par ses membres de cette nécessité. Cependant, il est essentiel pour le projet MARCEL que ses nombreux membres puissent avoir l’occasion de se réunir dans le même espace physique et que leur collaboration puisse se réaliser dans un espace réel et non uniquement virtuel. J’ai été impliqué dans l’organisation de cette exposition comme étant l’extension naturelle des activités du réseau MARCEL, et ai été heureux du modeste début de ce qui doit devenir pratique standard dans le monde de l’art.

De la même manière que nous créons des espaces de rencontre dédiés à l’échange artistique qui sont à la fois physiques et virtuels, nous devons penser nos institutions comme existantes sans murs. De manière réaliste, aujourd’hui aucune institution ne peut réunir dans le même temps tous les besoins des étudiants et professeurs. Nous parrainons des programmes d’échanges éducationnels entre différentes institutions qui permettent à des étudiants et des professeurs de passer du temps dans d’autres pays. La collaboration est considérée normale et désirable et plusieurs sortes de programmes d’échanges existent déjà. Avec l’arrivée des réseaux à très haut-débit, ce qui peut, et devrait être, différent dans l’expérience de travailler avec quelqu’un d’une autre ville ou d’un autre pays, est qu’elle devienne quotidienne. Nous pouvons maintenant nous rendre là où les ressources complémentaires existent et offrir à nos étudiants des expériences au delà des quatre murs de nos bâtiments et nos institutions. Ce genre de détournement intellectuel devrait être de nos jours une expérience commune, offrant à nos étudiants les possibilités de voir au delà de leurs propres cultures et tirer bénéfice de cet effort.

L’exposition Without Borders était une évolution naturelle des échanges en ligne qui existaient déjà entre nos institutions. Ce qui est indispensable aujourd’hui est de construire un modèle de tous ces échanges possibles qui offrent à nos étudiants une expérience qui ne se limite plus à l’espace physique de leur université.

Des événements tels que Without Borders sont une part importante de cet échange et doivent être réalisés pour que de tels échanges aient lieu. Nous avons besoin de plus que le virtuel et de telles rencontres entres étudiants et professeurs offrent cette dimension, et je ne peux qu’espérer que l’expérience multidimensionnelle continuera à exister dans les formes que nous avons déjà rencontré et dans d’autres qui sont à inventer.

Don Foresta Coordinateur general de W/O, Directeur de Marcel

(Laboratoires Electroniques et Centres de Recherches en Art Multimedia)http://www.mmmarcel.org

Artists’ StatementsTranslations/Traductions des intentions d’artistes

Eleanor Bowen Thinking Body

La linéarité est un attribut décavé présentant une mise au point non seulement pour les trajectoires dans l’espace et le temps mais aussi pour la ligne comme limite

(frontière, contour, peau). Dans ce cadre, la ligne comme limite devient entre-deux ou zone liminal pour l’opération, un espace de processus et d’habitation pour le corps

pensant. Dans ce contexte, Thinking Body est une série de courts dessins digitaux qui, dans la phase initiale de mon projet, explorent des

aspects de linéarité.

N.B. Aldrich , Zach Poff & D.M. Ingalls 01010

Les membres du MAP Intermedia Performance Collaboration, situés dans la ville de New York, ont présentés une performance interactive en collaboration avec D.M.Ingalls, poète et multi-instrumentiste, originaire du Maine. Utilisant un outil

de tracking vidéo, développé la première fois pour une performance du MAP, Variatsioonid, les sons percussifs et les mots produits par le poète, sont transformés

en temps réel. La performance devient conversation entre le poète et sa propre performance alors que les gestes créant la musique deviennent les processus

sonores qui nourrissent à nouveau le poète.

Mon sujet étant le dessin , pour moi la fontiere est contour/périmètre/paramètre/peau/limite/ ne peut être ni joint ni séparé.

...Nous concentrant sur l’interactivité, l’idée de transformer un geste physique en un geste sonore donne une opportunité de transcender les barrières percues du fonctionnement de l’ univers physique...

Ce travail se concentre sur les « opérations de construction spatial », qui sont des méthodes de modélisation 3D utilisées pour la création d’objets et de bâtiments dans l’industrie et l’architecture. Ces opérations sont aussi appelées opérations

booléennes parce qu’elle établissent les trois principaux liens algébriques booléens : intersection, union et soustraction. Elles ne peuvent que décrire les liens d’opérations

binaires définis, c’est à dire les espaces intérieurs et extérieurs. Les opérations booléennes font partie de l’algébre booléenne et sont fondées sur les règles de

logique dites d’Aristote. Tout en générant des séries d’animation, les opérations de construction booléenne ont prouvées être trop abstraites et trop imprévisibles. Elles

génèrent des géométrie numériques inhabituelles de « solides invalides », c’est à dire d’auto-intersection et de formes à moitié ouvertes. Les séries d’animation

testent la validité des frontières de ces solides numériques à travers les opérations booléennes d’intersection et de soustraction. Les rapports inattendus entre vide et zones solides révèlent les flots de frontières, supposés bien définis, entre les

données de construction et leur visualisation. De tels flots encourage la redéfinition des constructions de solide numériques en pièces définies.

...fin/orion/horizon/croisement/versus/chora/au_bord_de

Eugenia Fratzeskou Untitled

Loris Greaud Super Imposed Exploring Camp To Be Activatedla limite sépare deux zones.

Suite à son invitation à l’exposition Without Borders, Loris Gréaud a imaginé une forme en trois temps. Le contexte de cette immense usine désaffectée, de cette étrange île, Ayers Island, de cet état particulier qu’est le Maine, berceaux

de manifestations extraterrestres, d’histoires surnaturelles et d’incroyables forêts peuplées de fantômes, pourraient être le point de départ de ces propositions. Au seuil

de l’exposition, à l’entrée de ce bâtiment industriel, on pouvait découvrir un étrange campement d’urgence déserté par les explorateurs qu’il abritait.

Super Imposed Exploring Camp (2004) se trouvait cerclé d’une architecture en bleu d’incrustation vidéo (technique couramment employée pour imposer un

décor à une image donnée). Cette production, à mi-chemin entre le plateau de tournage cinématographique et une situation réelle, était également prétexte à une

seconde pièce To Be Activated (2004), un peu comme si dans la précipitation, un des modules exploratoires aurait été oublié. Le visiteur pouvait s’emparer de cette œuvre et déambuler dans l’exposition, mettant en lumière ce à quoi il faisait face.

Ponctuellement et à son insu, cette lumière blanche se transformait en une courte séquence vidéo dessinant des couloirs à l’intérieur des couloirs. Le meilleur moyen de

se perdre pour une personne s’aventurant dans l’usine.Durant sa visite, le public trouvait forcément Almost (2004), une troisième proposition

imaginée avec The Mars Walkers. Un classique rêne lumineux en fonctionnement, dans un espace industriel à l’abandon, sans électricité, attendant patiemment Noël.En marge de l’exposition, Loris Gréaud proposait un projet personnel, Crossfading,

performance sonore retransmise sur Internet où en fonction de décalage fréquentiels, les auditeurs rentraient dans un état d’endormissement.

Ivor Hadziabdic& Margaretha Haughwout SoapBox

Un ruban décoratif autour du bord de quelquechose comme du tissu.

Sans frontières, sans, sans...Aujourd’hui plus que jamais nous parlons de nouvelles technologies qui brisent les

barrières et traversent les frontières culturelles.Le rêve utopique devient réalité même si les dirigeants ce de monde et leur dogme

culturel continuent à nous imposer frontières sur frontières sur frontières ...

En juxtaposant des éléments des médias (spécifiquement de la télévision pour ce projet), dans une environement clos et interactif, Soapbox explore les relations entre interactivité et identité. Soapbox est un espace qui procure à l’utilisateur un

certain degré d’interactivité et de choix de sujets parmi ceux auxquels nous sommes habituellement exposés à la télévision. C’est une satire qui cherche à examiner le

degré auquel la télévision détermine ce que nous devons penser, ressentir, ainsi que notre propre perception.

Margaretha Haugwout

Prototype :

n. m. Original, modèle, premier type, premier exemplaire.

Handy Hamm Prototype

Heureusement, des festivals comme celui-ci réussissent à réunir les gens et permettent la destruction des frontières de frontière de frontière de frontière de

frontière. Enfin sans !

Ivor Hadziabdic

Un ruban décoratif autour du bord de quelquechose comme du tissu.

Lignes géographiques dessinnées afin de maintenir le pouvoir de gouverner, ordre et espace. Ma manière préferée de conceptualiser l’espace est toutefois, une promenade dans les bois dans lesquelles ces lignes ne peuvent être connues mais où un chemin peut être trouver via les marques naturelles du paysage. De cette manière , l’espace peut être défini poétiquement avec narration.

.d.a.t.a.l.o.v.e.r. est un jeu /performance qui peut être joué par deux visiteurs passant par là. Cet espace de jeu a pour but de démasquer nos scénarios d’amour. Chacun

a accès à un ordinateur qui génère des rôles à interpréter avec l’autre. J’ai installé ce jeu dans deux petites pièces en ciment qui étaient rattachées à une plus grande salle

à l’intérieur de l’usine. Je pense que c’était à l’origine des salles d’eau dans lesquelles les ouvriers déposaient leur cartes de pointage. Il y avait des morceaux entiers de

peinture s’arrachant des murs, et de vieilles cartes jaunies y étaient répandues. J’ai mis des fleurs et des branches tout autour. Les petites pièces procuraient un

sentiment de secret et d’intimité, mais on pouvait aussi sentir à quel point ces pièces de ciment à fort écho étaient usées.

Margaretha Haughwout .d.at.a.l.o.v.e.r.La frontière nous prive les uns des autres.

Triangle est une installation vidéo de 15 minutes faite de lumières et d’un corps en mouvement répondant à l’espace et à l’installation lumineuse. Ce travail est une

collaboration entre un danseur, Richard Harding, et un compositeur, Yuki Morimoto. Triangle est une manipulation de l’expèrience consistant à habiter l’espace de

lumière, l’espace multidimensionnel et la réalité qu’il crée, ainsi que l’expèrience de la performance en direct à partir de laquelle la vidéo à été créée. Le triangle est matérialisé par trois fines lignes de lumière projetées sur le sol d’un espace noir de

théâtre. Elles font approximativement 6 mètres de longueur et 13 cm d’épaisseur. Les lignes ne se rencontrent pas. Les sommets sont formés par la projection des lignes à travers l’obscurité. Les sommets sont des espaces non éclairées. Le triangle est

équilatéral et son harmonie est définit par une tension active et dynamique entre les sommets, les lignes et l’espace délimité.

La frontière est la où je vais pour trouver la verité.

Jude james Triangle

Martin Leduc Sonic TotemUne frontière sur une carte est pointillée et est facile à parcourir avec l’index et le majeur, sur le terrain, c’est quelque chose qui doit être traversé à pied où avec notre imagination.

Experimental music from the people

La présentation de l’installation sonore interactive Totem Sonique dans le cadre du festival Without Borders 2004 a été une expérience des plus enrichissante. Mon

intention était de proposer un instrument inventé permettant à des nons musiciens une nouvelle forme d’expressivité. Je voulais cette expressivité le plus déconditionné

de ce que les instruments conventionnels prescrivent, j’ai donc imaginé un instrument hybride jumelant des principes gestuels simples et un automate de transformation

sonore à l’écoute de l’improvisation, qui puissent souligner certaines tendances musicales ou surprendre et provoquer un univers sonore émergeant de la collectivité,

une musique en mouvement.

Sheridan Kelley ProcessFrontière : un bord entre deux entités.

Alors que nous flânons dans les salles vides qui autrefois abritaient une activité agitée, nous marchons sur les empreintes du passé. L’absence d’activité industrielle

à Ayers Island traduit les conséquences du progrès. Des décisions ont été prises pour la mettre en route, des décisions ont été prises pour la fermer et ce qui nous

reste est un sous-produit des avancements de la société. C’est une progression naturelle, et ce qui s’est passé à Ayers Island est une histoire courante dans le

Maine. La meilleure ressource du Maine a toujours été ses habitants, et alors que ses usines ferment et que le travail s’évapore, nous sommes toujours à la recherche

de nouvelles manières de nourrir et promouvoir la croissance des différentes communautés à travers l’état. La mousse de sphagnum est une autre de ses

ressources . En grandissant, la mousse masque la lumière du soleil à ses couches inférieures et elles meurent, créant la tourbe, cette matière fibreuse sombre, familière

à beaucoup de gens dans l’univers du jardinage et du compost. La tourbe grandit d’un millimètre par an. Ce que nous avons là, c’est mille ans de progrès.

Cette installation vidéo a été créee in situ.Dans cette installation, les spectateurs entrent dans une petite maison construite

contre un mur séparant deux espaces. A l’interieur de cette maison, dont l’espace a été obscurcit, se trouve un trou dans le mur par lequel les spectateurs peuvent voir

un film vidéo projeté dans le second espace, lui-même très sombre.Ce qu’ils peuvent voir est difficile à identifier au début : cela ressemble à des flashs

lumineux illuminant l’espace dans lequel le film est projeté. Après s’être habitué à l’obscurité et en prettant plus attention, les spectateurs peuvent voir apparaître des

personnages se déplaçant dans l’espace, chacuns d’entre eux ayant differentes activités.

Il n’y a pas de frontières sur Mars ....

The Marswalkers In Between

L’espace proposé par les organisateurs a grandement participé au succès de l’installation. La ferme est un espace chaleureux et le bois de l’instrument y était

naturellement intégré. L’acoustique a pu s’enrichir du toit cathédral et le vaste espace a permis aux gens d’aller jouer, après avoir écouté en divaguant autour. Le nom de

Totem venait justement de cette idée d’unir la collectivité autour d’une communication non verbale : Genre de rituel païen moderne où la musique, dégagée de la

compétition et de la virtuosité, reprend des fonctions apaisantes et spirituelles d’union entre les membres. Une expérimentation acoustico anthropologique est venue

s’ajouter par la prise de son subaquatique et la rediffusion de la rivière Penobscott dans l’espace de jeu. Il faut comprendre que l’instrument joue de lui-même lorsque personne ne le sollicite et ses matériaux sonores sont constitués d’une rétroaction

subaquatique, d’extraits d’enregistrements de la collectivité et pour cette exposition seulement de l’intégration des sons de la Penobscott. Ainsi, des gens de toutes les

classes et de tous les âges et provenances culturelles ont partagés des instants d’improvisation sur un instrument électroacoustique, le tout a côtoyé les sons d’une

rivière aux mille histoires. Qui a dit que la technologie isolait les hommes et que la créativité était l’unique affaire des artistes!

Malgré le fait que ce soit des images, les personnages apparaissent presque en trois dimensions, évoluant dans l’espace comme des êtres réels et donnant une étrange

sensation phantomatique. Ils manient des outils et transportent d’étranges objets lumineux. Ils donnent l’impression d’être d’ anciens travailleurs de l’usine ramenés à

la vie qui se seraient remis au travail.La manière dont les personnages ont été filmés et projetés dans l’espace, les font

apparaître entre images fixes et images en mouvement.

Au maximum deux personnes peuvent entrer, s’asseoir dans la maison et regarder le film; deux écouteurs sont placés pour l’écoute de la bande son.

La vidéo dure 10 min. et tourne en boucle..

Depuis plusieurs années, mes recherches artistiques se définissaient dans un environnement naturel et ceci du fait que ma relation

au monde avait débuté dans un milieu forestier. Pendant plus d’une vingtaine d’années, j’ai arpenté la texture sensible de la forêt en essayant de rester attentif aux conséquences de ma présence dans un espace,

où, l’absence parle plus que la trace . C’est pourquoi venir dans le MAINE, état où la cohabitation entre l’homme et la

nature est exceptionnelle devenait un moyen d’apporter un verbe de plus au lexique en place.

Pour moi, la frontière n’est pas une ligne qui sépare définitivement deux espaces mais une distance nécéssaire à l’observation de “l’autre”.la frontière est un point de vue qui rapproche les espaces flottants...

Renaud Patard Reeds Orchestra

The Richards Almost

Les bois des cerfs témoignent du rang hiérarchique qui détermine l’accès à la reproduction ainsi qu’aux meilleurs gagnages et abris.

Ils ont tout à la fois un rôle offensif et défensif.

Moyens de signaux à distance, renforcés par les mouvements de la tête, ils permettent aux coiffés de s’identifier entre eux et, au moins pour les adultes, de

reconnaître âge et statut hiérarchique.

Ils sont de plus utilisés pour marquer un territoire au moment du brame, pour se défendre des prédateurs, y compris les humains (“Au sanglier le barbier, au cerf la

bière”, disait-on au Moyen Âge). Accessoirement, ils permettent de faire tomber des fruits, et de se gratter le dos.

W/O apporte un nouvel élan dans la façon de s’adresser plastiquement au public, une nouvelle manière de sortir de la sclérose des expositions souvent reliés à la

demande. L’enjeu devenait clair, un espace en reconstruction, où, toutes les interventions s’adaptaient aux différentes données d’un terrain neutre où le reste du monde se

retrouvait pour dialoguer entre eux, pour un publics totalement nouveau et dans un environnement symbole de nouveau départ.

S’adresser au monumental avec les mains dans les poches était un défi vraiment trop excitant pour ne pas tenter de le réaliser.

Ce n’est certainenement pas la faute des Richards s ‘il y a tant de frontières dans le monde...

La rencontre de l’eau et des rayons de lumière produit une image fractale. Magique et calme au même instant, cette image est aussi la manifestation de « xu », le vide – une des idées fondamentales de la philosophie chinoise. De la même manière, l’écran bleu du vidéoprojecteur représente ce vide. Etant immatériel, il nous permet de respirer, de

contempler, d’imaginer et de circuler (physiquement ou mentalement) dans l’espace que j’ai crée.

Lorsque Don Foresta m’a proposé de réinstallé cette pièce à Ayers Island, j’étais tout d’abord heureuse de profiter de l’occasion pour montrer mon travail et échanger des

opinions avec les gens. Il m’avait dit que nous aurions accès à un espace énorme, cependant, lorsque j’ai vu l’usine pour la première fois, j’étais impressionnée par

l’immensité du lieu, par ses lourdes structures et par l’étrange odeur résultante d’un mélange de poussière et de produits inconnus...

C’était un jour pluvieux ; la symphonie des gouttes d’eau provenant des fuites du toit résonnait dans l’espace qui nous enveloppait.

Je me suis alors dis : « Génial ! » parce que j’avais juste besoin d’eau pour construire ma pièce. Alors dans un coin sombre, j’ai décidé d’installer « Jing/Jing » du fait qu’il y avait déjà une flaque due aux fuites d’eau et que les gouttes continueraient à tomber

sous la projection de lumière bleue. Et l’introduction de mon corps dans cette usine déserte devint encore plus étrange que jamais, créant une atmosphère mystérieuse.

« Jing/Jing » est une œuvre que j’ai réalisé pour la première fois en 2003. J’ai toujours été fascinée par les jeux de lumière associés aux infinies variations de

l’eau en mouvement. Dans cette pièce, j’ai essayé de trouver une représentation du caractère physique de l’eau, à travers la réflexion d’une lumière spécifique. L’idée

s’avère simple, ainsi l’est sa réalisation. Il n’y a pas d’image préenregistrée. La présence de l’eau sur le sol rugueux ainsi que sa réflexion naturelle, apparaissent

directement en face de nous. Ce n’est pas un décor mais un réel espace d’eau et de lumières, interagissant sur le mur et réagissant à mon passage par des vagues.

Il n’y a pas de frontières puisque nous sommes Un.“Sans frontières” signifie “sans peur” , ainsi , sans conflit.

Chia-Wen Tsai Jing/Jing

L’application artistique est un problème qui réside entre la seconde et la troisième dimension.

L’espace peut s’expliquer par l’application de formules algébriques et de configurations. Un exemple de cela serait le script qui réside caché sous une

interface visuelle 2D (moniteur d’ordinateur). Les formes mentales cachées ne sont pas faciles à visualiser. S’investir dans cela est une négligence de l’espace

en tant qu’environnement contenu et contraint. Ces formes sont faciles à exprimer analogiquement mais plus difficile à définir visuellement. Deux formes reconnues sont

celles d’Edward Abbott, Abbott’s Flatland, une plus grande analogie dimensionnelle, et la description d’Edward Hall de l’espace personnel comme bulle invisible. Afin de combiner concept et expérience, un saut doit être fait en évaluant le fossé existant entre les différentes manières conventionnelles d’utiliser le terrain pictural comme

représentation de notre environnement. La vidéo proposée pour l’exposition est un modèle visuel utilisant les représentations mentales d’espace personnel de Hall que j’ai adapté dans une membrane sphérique

pivotant dans un état de flux constant.

Amanda Windle Spin Sans frontières , la notion d’espace personnel est en flux et donc dans un perpetuel état de renouvellement.

Définir l’espace dans une pratique artistique est difficile parce que le terme “espace” est une énigme crée par l’Homme. Les notions d’espace contenu interroge les

concept d’espace personnel et d’espace caché tout en défiant l’existence de frontières. Les phobies spatiales et les violations d’espace explorent de plus grandes

dimensions. Cependant, dans la tentative de communiquer une expérience, il y a toujours une problème de visualisation.

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