Las obras

Maria Helena Vieira da Silva

Educación Infantil (Grupo 60)

Esther Algote

Carolina Álvarez

Carol Gálvez

Montse Roig

Puri Veiga

1

“El artista debe tener algo que decir porque su deber no es dominar la forma sino adecuarla a un contenido.”

Vasili Kandinsky.

2

¿Qué es para ti la capacidad creadora? ¿Qué relación tiene ésta con la enseñanza del arte en

la escuela?

La capacidad creadora se podría definir como la habilidad que tenemos los seres humanos

para comunicar y expresar nuestros sentimientos, ideas o emociones a través del arte. Ésta es

el resultado de nuestras interpretaciones visuales en relación con las personas u objetos que

tenemos a nuestro alrededor y entorno a las diferentes experiencias en las que nos vemos

sumergidos diariamente. Los seres aprendemos a través de los sentidos. Nuestra capacidad de

ver, oír, sentir, oler y gustar nos proporciona los medios necesarios para establecer una

interacción satisfactoria con el medio. Por este motivo es vital potenciar el desarrollo de la

sensibilidad perceptiva, para que la capacidad creadora que cada individuo posee se pueda ir

perfeccionando.

Dentro de cada uno de nosotros, existe un impulso creativo que nos hace sentir un deseo

natural de usar y experimentar con nuestras manos, los diversos materiales que utilizamos

como vehículos de la expresión artística. La realización artística esta supeditada a diversas

formas, como por ejemplo la pintura, la escultura, los dibujos, los grabados, la música, el baile,

etc. Hay muchísimas maneras de poder exteriorizar la capacidad creadora y éstas proceden,

principalmente, de una relación coordinada y armoniosa entre nuestras manos, nuestros ojos y

nuestro cerebro.

La enseñanza del arte en la escuela es uno de los instrumentos más unificadores y que ayuda a

fortalecer el dinamismo. Los niños, mediante un dibujo o una pintura, pueden expresar partes

de ellos mismos que a los educadores nos proporcionan características de su forma de pensar,

de sentir o de cómo se ven a si mismos. Por esta razón, para mejorar el desarrollo de la

creatividad de los niños, es fundamental el hecho que desde la escuela, se tengan en cuenta

las relaciones que tienen con el ambiente en el que viven, además de percatarse del

conocimiento que poseen, sea positivo o negativo, de ellos mismos. El origen de este

desarrollo, aparece de forma intrínseca conectado a sus sentidos. Por este motivo, se debe dar

más valor a la sensibilidad perceptiva de los mismos dentro del transcurso educativo, para

poder incrementar su capacidad creadora motriz. El sistema educativo debe fortalecer la

enseñanza del descubrimiento autónomo de los niños, dándoles la oportunidad de desarrollar

sus propias emociones a través de su sensibilidad y de la percepción que tienen de su entorno.

Esto les ayudara a crecer íntegramente como personas, a avanzar en su proceso de creación

artística y a poderla exteriorizar libremente y con satisfacción.

3

¿Crees que durante el proceso de escolarización que tú misma has seguido la capacidad

creadora era un objetivo que tus educadores tenían en cuenta?

Hemos decidió explicar las diferentes respuestas individuales de cada componente del grupo

ya que hemos seguido distintos camino:

Esther Algote

En mi escuela, las Dominicas de la Anunciata, prevalecían otros valores educativos por encima de la capacidad creadora. Se valoraba el esfuerzo personal y la constancia. El volumen de deberes era muy considerable y el seguimiento por parte del alumno requería una atención firme si se querían obtener buenos resultados. La capacidad creadora estaba acotada en asignaturas como plástica e incluso en ésta se guiaba al alumno en su proceso creador, rara vez se le dejaba volar libre. Sí, lo eché de menos. Lo echo de menos.

Carolina Álvarez

Mi escolarización fue bastante rígida en este aspecto. Estudié en un colegio de monjas, dónde los principales objetivos, no eran precisamente potenciar la capacidad creadora. Era un colegio muy rígido y estricto, la base fundamental era el aprendizaje a nivel teórico. La clase dedicada al arte, era plástica, se trataba de clases dirigidas y cerradas, sin libertad de expresión o movimiento. Siempre he echado de menos, tener la oportunidad de pintar sin dirección, mezclando colores, y dejar libre mi capacidad de creación.

Carolina Gálvez

La capacidad creadora no era uno de los objetivos principales en mi escuela, CEIP Brasil. Lo

más cerca que estábamos del mundo de la creación era en las clases de música y plástica.

Trabajábamos con las artes plásticas, utilizábamos su material…pero siempre destinado a la

eficiencia de algo dado. La creación propiamente dicha ya estaba definida por el profesorado

lo cual dificultaba tu propia creación, tu capacidad para hacer y deshacer, para imaginar. Esto

no quiere decir que no te ilusionara hacer manualidades, aprender una canción o que no te

sintieras orgulloso de algo que habías acabado…pero quizás, si en esa pequeña cosa hubiera

algo más de ti...hoy seria otro cantar.

Montse Roig

En mi etapa de escolarización, las asignaturas que estaban más relacionadas con el desarrollo

de la capacidad creadora eran música, plástica y, en actividades extraescolares, patinaje.

Pienso que la capacidad creadora siempre ha estado presente en las diferentes etapas de

escolarización, pero dependiendo del sistema de enseñanza que se haya utilizado, ésta era un

4

objetivo de mayor o menor importancia. En mi caso, recuerdo que la metodología utilizada en

aquel entonces, era la basada en una enseñanza directa, en la que los maestros daban las

respuestas o explicaban como se podían realizar las diferentes actividades, y como

consecuencia de esto, era bastante difícil que los alumnos pudiéramos participar,

experimentar, descubrir o desarrollar nuestra creatividad de una forma autónoma.

Puri Veiga

Durante el parvulario, básicamente desarrollábamos nuestra capacidad creadora a través de fichas de colorear y de dibujos libres. En estos años, de los 3 a los 5 aproximadamente, pintábamos garabateando y cuando los dibujos libres empezaban a cobrar un poco de sentido, eran algo abstractos y desordenados. Un claro ejemplo es el siguiente dibujo, realizado cuando una de nosotras cursaba P5, donde se ve como las personas aparecen sin cuerpo, el hombre únicamente posee cabeza y piernas.

Ya durante la época de primaria, desde los 6 a los 12 años trabajábamos más las manualidades que el dibujo. Aprendimos técnicas como la del collage y de esa manera hacíamos muchos montajes con fotos de revistas, con diferentes tipos de papel (papel pinocho, charol etc.)Finalmente, durante la ESO continuamos perfeccionando técnicas como los collages, el dibujo a carboncillo etc. y realizábamos trabajos y proyectos más bien enfocados al mundo publicitario (Spots, diseños de productos para llamar la atención…). En este punto las manualidades eran ya casi inexistentes y comenzamos a dar materia teórica (los diferentes planos, las perspectivas, profundidades etc.)

¿Crees que el arte es un tema donde existen respuestas específicas y correctas?

El arte es en sí mismo un tema controvertido. ¿Qué es arte y qué no lo es? ¿Quién lo juzga? Especialmente en al arte contemporáneo la controversia es enorme. Nadie pondría en duda el volar artístico de un Miguel Ángel o un Picasso. ¿Pero es arte la Fuente de Duchamp? ¿ Son arte las grandes superficies de colores planos del expresionismo abstracto de Rothko o el action painting de Jackson Pollock? En ambos casos la respuesta es afirmativa. Conocer la situación histórica del momento, saber valorar la ruptura que estos artistas provocaron con el

5

arte convencional o tradicional, pueden ser la clave para valorar positivamente sus obras. Kandisky lo expone de forma magistral en su libro De lo espiritual en el arte: “Toda obra de arte es hija de su tiempo, muchas veces es madre de nuestros sentimientos”

“De la misma forma, cada periodo de la cultura produce un arte propio que no puede repetirse. El intento de revivir principios artísticos pasados puede producir, a lo sumo, obras de arte que son como un niño muerto antes de nacer. Por ejemplo, no podemos en absoluto sentir y vivir interiormente como los antiguos griegos. Los esfuerzos por poner en práctica los principios griegos de la escultura, por ejemplo, solamente crearán formas parecidas a las griegas, pero la obra quedará inanimada para siempre. Una imitación semejante se parece a las imitaciones de un mono. Exteriormente los movimientos del mono son idénticos a los humanos. El mono se siente y sostiene un libro ante los ojos, lo hojea y adopta un aire de gravedad, pero el sentido interior de estos movimientos falta completamente.”

Muchos/as artistas se suben al carro de la modernidad o la posmodernidad, pero en realidad sus creaciones son vanas, carentes de sentido, tediosas, de una técnica pésima y vacías. Pero de nuevo no existe una respuesta unánime. El arte es subjetividad en muchos sentidos. Y cada cual aplica su sistema de valores a las obras. De todas formas un simple “me gusta” o “no me gusta” no determina en absoluto la calidad artística de nadie. Podemos hacer un juicio de valor en un sentido negativo, pero saber ver de todas formas que, pese a que la línea que sigue tal o cual creador/a no encaja con nosotros o no nos hace vibrar, su obra es sin embargo arte. Tiene un valor real.

De todas formas, pese que la especificidad de las respuestas ante el arte es imposible, existen unos varemos que pueden ser comunes a cualquier ser humano en el momento de valorar una creación. El arte por definición no debería dañar a otros seres ni buscar el sufrimiento ajeno. Me refiero a la ética del arte. El dolor puede llegar a ser estético si se quiere, incluso la muerte, pero desde luego no es ético ni moral dañar deliberadamente a otro ser con un objetivo creador, artístico o de denuncia. Nos referimos en este punto a personajes como Guillermo Habacuc Vargas y su conocida atrocidad con el perro en el museo. Ante tal acción la respuesta tiene que ser unánime. De debe ser ¡No!. Señor Guillermo usted no es un artista. Guillermo usted no es un señor. Si se pretende hacer arte-denuncia que ponga de manifiesto la crueldad humana o la pasividad ante el dolor ajeno, desde luego no es la mejor manera provocando más sufrimiento o generando más dolor. Hubiera sido preferible que se atara él mismo para demostrar tales cosas. En ese sentido nadie podría haber dicho nada porque cada cual es dueño de sí y de su cuerpo. En sentido amplio, podemos denominar como Arte a toda creación u obra que exprese lo que el ser humano desea exteriorizar, obedeciendo a sus propios patrones de belleza y estética. Pero en esta definición necesitamos añadir algo más. Y es la ética o la moral, en su sentido más básico y evidente. Aún con todo hay que ser vigilantes en este sentido dado que lo que para alguien puede no ser ético, pongamos por ejemplo una obra que critique directamente una posición religiosa, puede ser totalmente válido e incluso necesario para otras personas con otro sistema de valores.

De nuevo el arte es subjetivo y su valoración también lo es.

No hay un arte válido por definición. Ni un/a artista tipo. 6

¿Cuál es la función del maestro de artes plásticas?

El arte es una actividad dinámica, y la función del maestro es mantener ese dinamismo, no hacer de la clase una clase monótona.

Debe organizar un ambiente que estimule y oriente la actividad de los niños.

Debe conseguir desarrollar la capacidad creadora de los alumnos, que éstos se diviertan y a la vez aprendan y comuniquen a través de sus trabajos. Para ello, debe sugerir actividades que ayuden al niño a expresarse, debe tener en cuenta sus iniciativas etc.

Debe proponer actividades motivadoras y entretenidas, que incentiven la imaginación de los niños y que les ayude a desarrollar sus competencias en esa materia.

¿Qué es para ti la educación en valores o de que manera se puede relacionar con la enseñanza del arte?

“Sólo empieza a haber conocimiento cuando el sujeto deja de tener trato con datos. Es el dato,

lo dado, lo que impide que se produzca conocimiento. Hay conocimiento cuando, entre lo

dado, se desprende una singularidad”. Estas palabras de E. Frías en su Tratado de la pasión,

podemos vincularlas con la enseñanza del arte. O en otras palabras, mediante la motivación

artística o la predisposición a ella, se llega a las fuentes de un auténtico conocimiento. De una

manera sutil, nos invita a alejarnos de aquello que nos es dado para mirarlo con otros ojos, con

otra perspectiva…y ser conscientes de otra realidad. ¿De qué realidad se trata? Pues ni más ni

menos que una educación en valores, de un aprendizaje a través del arte.

Los diferentes puntos de vista acerca de la Educación en valores están relacionados a

interrogantes como: ¿qué son los valores?, ¿qué es la valoración?, ¿qué relación existe entre la

educación en valores y el proyecto educativo? Algunos afirman que vivimos en una sociedad

sin valores; otros que han aparecido nuevos valores asociados al nuevo paradigma

socioeconómico y cultural; también hay quien dice que el problema está en la existencia de

multivariedad de valores, lo que produce confusión y desorientación en la actuación y

valoración de los seres humanos.

La educación en valores es aquella que, principalmente, se centra en la transmisión y

promoción de aquellos valores que facilitan la convivencia entre las personas y que se

sustentan en el respeto a los derechos humanos. Estos valores podrían quedar definidos y

reflejados en las siguientes palabras: “En un mundo mejor hay respeto, comprensión y

tolerancia en todas las relaciones humanas”. Visiones de un mundo mejor, UNESCO.

7

Para ello, es importante que desde los primeros años escolares, niños y niñas desarrollen una

actitud reflexiva sobre lo que piensan y sienten acerca de sí mismos y de los otros; también es

fundamental que conozcan sus derechos, clarifiquen sus valores, identifiquen cuáles son sus

prejuicios, acepten las diferencias y logren asumir actitudes de mediación en la solución de

conflictos.

¿Cómo podemos relacionar esta educación en valores con la enseñanza del arte? ¿Son

independientes o van de la mano? Sabemos que la educación artística se utiliza como medio

de expresión y como medio de comunicación. Es una de las formas que tiene el ser humano

para manifestar su ser interior y social. La creatividad que se desprende se entiende como un

ejercicio de actividad mental reflexiva, que origina o da forma a estados de ánimo, vivencias

internas o de una necesidad crítica de lo que se ve y se percibe. El acto creativo, por tanto,

contribuye a desarrollar y conectar entre sí capacidades tan variadas como: cualidades

personales, intelectuales, emocionales, estéticas, imaginativas, perceptivas y sociales.

Si contemplamos un cuadro, aprendemos a mirar o creamos una obra artística por muy

pequeña que sea estamos construyendo una pirámide o escala de valores. Detrás de aquel

cuadro que estás observando, su autor te está transmitiendo algo, unos valores que formarán

parte de tu ser, de tu educación, no como un simple conocimiento, sino como una formación

interna, un desarrollo personal.

Además, a través de la enseñanza del arte podemos ampliar las áreas de cada individuo: el

desarrollo global de la personalidad, del espíritu constructivo, del sentido crítico y del espíritu

de cooperación, responsabilidad, solidaridad y tolerancia. Así, si queremos denunciar un hecho

o clamar por una igualdad, utilizaremos los elementos necesarios para plasmarlo en nuestra

obra creadora. Reflejaremos, entonces, unos valores.

Una de las habilidades básicas de aprender, es la capacidad de descubrir y buscar respuestas.

La posibilidad de preguntar y hallar soluciones, de encontrar nuevas relaciones entre las cosas

es fundamental para la educación del individuo. Las experiencias esenciales en una actividad

artística contienen precisamente estos factores.

Concluyendo, podemos decir que el arte es un camino hacia una integración única de cada

individuo.

8

Explica las características del dibujo infantil durante los primeros años de su desarrollo

Como hemos comentado anteriormente, los niños expresan sus sentimientos y emociones mediante el dibujo, ya que éste combina dos factores muy importantes: su conocimiento de las cosas y su propia e individual relación con ellas. Podemos afirmar que pueden decir muchas cosas que no podrían expresar de otro modo, por eso el arte es una válvula reguladora entre su intelecto y sus emociones.

EL NIÑO DE 2 A 4 AÑOS DE EDAD

Uno de los primeros medios que utiliza el niño para manifestarse es el movimiento. A esta edad comienza a intentar el trazado de líneas sobre el papel. Al principio tales movimientos parecen ser incontrolados pero luego llega un momento, después de su iniciación en los garabatos, que el niño descubrirá que puede producir movimientos y líneas a su propia voluntad. Este hecho le produce gran satisfacción y lo repetirá incansablemente, ya que le proporciona una experiencia y por tanto una confianza en si mismo.

El trazar rayas sobre el papel sin dirección significa para el niño placer, felicidad, desahogo pero sobre todo, el perfeccionamiento de una función muy importante: la coordinación de los movimientos.

Estudiar el significado del garabateo es una tarea muy extensa, ya que unos pueden ser firmes y recios, producidos con amplios movimientos, mientras que otros son delicados y tímidos y gracias a estos dibujos podemos entender sus pensamientos y miedos.

La edad corriente de la etapa del garabateo esta entre los 2 y los 4 años. Entre los 3 y los 4, los niños suelen dar nombre a sus trazados y así conectan las imágenes mentales con lo que hacen. Nunca se debe insistir al niño para que acelere su desarrollo ya que debe ser el mismo el que guie sus pasos y la función de los adultos a de ser la de facilitarle el camino.

EL NIÑO DE 4 A 7 AÑOS DE EDAD

A medida que va creciendo ya no se satisface con una ficticia relación entre su pensar en imágenes y lo que dibuja o pinta. Ahora querrá establecer relaciones “reales”, ya que al tiempo que el niño crece, sus relaciones con el medio cambian. A medida que éstas se vuelven más complejas, sus dibujos se diferencian y hay mayor número de cosas que adquieren más importancia.

Dibujará las cosas en el orden que aparezcan en su mente ya que ha descubierto que puede establecer una relación “real” entre los objetos y sus pinturas. Sería pedirle demasiado que estableciera también, un orden de lo que dibuja. Encontraremos que irá pintando mientras va recordando, sin ninguna relación particular entre sí y el dibujo. Aparecen dispersos sin relación espacial ya que, está más preocupado en los detalles de las cosas. Si obligáramos al niño a prestar atención al espacio se sentiría confuso y perdería confianza. Estas relaciones espaciales, funcionan de distinta manera cuando hablamos de vínculos emocionales ya que ante éstos el niño las establece fácilmente.

9

El dibujo de objetos reconocibles y de figuras depende del deseo infantil de establecer relaciones entre lo que dibuja y el mundo exterior. Y es el niño, quien debe determinar el momento en el que quiere vincular sus pinturas a experiencias externas, y nuestra función será ayudarle a establecer relaciones cada vez más sensibles. Para el niño es mucho mas importante no verse frustrado en sus propios descubrimientos y experiencias, ya que diez años después, será de gran importancia para él si se produjo una frustración en su pensar independiente.

No olvidemos que a esta edad, el significado de los dibujos que realizan los niños es muy subjetivo. Debemos evitar preguntas que concreten el significado, por ejemplo: ¿es un árbol? El trabajo del adulto no es el de adivinar, sino dejar que el niño nos diga lo que ha dibujado, ya que si no acertamos, el niño puede sentirse herido al ver que no hemos reconocido su dibujo.

EL NIÑO DE 7 A 10 AÑOS DE EDAD

A medida que crece mejora las relaciones entre sus dibujos y las cosas que representa. Tiene más conciencia del medio en el que vive gracias a las múltiples experiencias que ya ha vivido.

Este es el momento, en el que piensa a sentir la necesidad natural de probarse a sí mismo. Dibuja los objetos y figuras siempre de la misma forma, y sólo cambiará cuando quiera expresar algo bien definido. Es en este periodo cuando se siente satisfecho con sus obras.

En esta etapa, podemos por ejemplo, árboles sin ramas, casa sin ventanas……Una explicación, seria que ante este dibujo el niño a necesitado “asegurarse” que era capaz de dibujar el árbol, la casa…..en un periodo muy temprano, cuando su sensibilidad de las cosas que quería pintar no estaba muy desarrollada. Llegar a esta etapa precozmente no representaría ninguna ventaja, ya que si un niño necesita demostrarse algo a sí mismo es que puede carecer de seguridad emocional.

Debemos intentar motivar al niño para una creación más flexible y diversificada. En esta etapa el niño fijará las figuras mediante la repetición. El estudio de las clases de cambios mediantes los cuales el niño expresa sus experiencias nos permitirá comprender la intención en el trabajo creador infantil.

Encontraremos niños que siguen dibujando sin guardar las proporciones, de ahí que dar dimensiones aumentadas a partes que considera importantes no es sino, un medio del que se vale el niño para expresarse en ese periodo de su desarrollo. Si dibuja “proporciones correctas” significará que emocionalmente no ha sido tocado por sus propias experiencias. Por el contrario si exagera ciertas partes no quiere decir que exista “una falta de proporción”, sino que en realidad se trata de un cambio del foco de interés, que pasa de la proporción visual a proporciones determinadas por la emoción.

Como hemos comentado anteriormente, en la etapa del garabateo, es posible estudiar el significado de los dibujos, en este periodo el campo es mucho más amplio, ya que, podemos encontrar niños que siguen sin vincular las cosas entre sí, que siempre pintan el cielo con un sol, que siempre usan los mismos colores para los mismos objetos, el que nunca mezcla los colores, el que quiere que toso parezca “real”, el que pinta sin propósito alguno……Pero

10

adentrarnos en cada uno de estos campos seria extendernos demasiado, para el objetivo de este estudio.

EL NIÑO DE 10 A 12 DE EDAD

Durante estos años el niño pasará por importantes etapas de su desarrollo en todos los niveles. Durante este periodo donde los niños prepararan el terreno para su capacidad para trabajar en grupo y cooperar, ya que será mediante este trabajo en grupo donde conseguirá una interacción social.

No debemos pensar que a esta edad la actividad creadora consiste nada más en pintar y dibujar sino más bien en construir nuevas formas de expresión. La construcción es una de las ocupaciones infantiles más deseables y útiles. Es en esta edad donde el niño encontrará mas diferencias, por ejemplo, detalles entre un niño y una niña. En los dibujos y pinturas correspondientes a este periodo de desarrollo, observamos mayor énfasis en las características de los distintos sexos, tales como el pelo, las uñas, los labios y los vestidos de las chicas, y por otra parte, el bigote, pantalones, bambas…..de los chicos. Mediante la utilización del dibujo el niño encuentra su forma natural de expresión, es así, como la actividad creadora sirve para restablecer una especie de equilibrio en el interés recientemente descubierto.

Los detalles de la ropa son de gran importancia en éste desarrollo. Es muy probable encontrar dibujos que parecen “rígidos”. Esta dureza o rigidez puede observarse no sólo en las figuras sino también en las relaciones entre éstas y los objetos.

A medida de que el niño adquiere mayor conciencia de sí mismo, también la adquiere respecto a su medio, por ello, esta nueva conciencia será expresada mostrando su nueva concepción espacial, como por ejemplo, el niño que pinta el cielo hasta el horizonte.

No hemos de olvidar, que a medida que el niño crece su deseo de experimentar y usar materiales distintos también aumenta. Por eso en esta edad es conveniente facilitarle diferentes materiales para potenciar su capacidad creadora.

Actividades a partir de la obra de Maria Helena Vieira da Silva

Biografía de Maria Helena Vieira da Silva

Maria Helena Vieira da Silva (Lisboa, 1908 - París, 1992) fue una

pintora de la célebre Escuela de París desarrollada durante la

segunda posguerra y también el principal nombre portugués en el

11

arte internacional del siglo XX. Desde muy pequeña, su familia estimuló su interés por la

pintura, la lectura y la música.

En 1928 viajó a París donde estudió escultura, aunque su atención se inclinó definitivamente

en 1929 hacia la pintura. En Francia, tuvo la oportunidad de conseguir una madurez cultural y

una conciencia profesional al encontrarse con artistas de la talla de Bourdelle y Léger, Matisse

y Bonnard, Klee y Bissière, que para ella fueron verdaderos maestros. En 1930 se casó con

Arpad Szenes (pintor húngaro) que se convirtió en su tierno crítico y con el que compartió su

pasión por el arte durante casi sesenta años de vida en común. En 1940 se marcharon a Brasil,

como consecuencia de la proximidad del conflicto bélico y allí se quedaron durante 7 años.

Durante su estancia en Sudamérica, su obra fue muy valorada en ese país, y a la vez, llegó su

reconocimiento internacional gracias a que, en 1946, Jeanne Boucher organizó con éxito su

primera exposición en Nueva York, en aquel entonces, la ciudad que fue la nueva capital

mundial del arte. Otros valiosos reconocimientos que obtuvo, fueron el nombramiento de su

obra pictórica como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras (1960), el Gran Premio

Nacional de las Artes de París (1963) y su calificación como miembro de la Academia Nacional

de Bellas Artes de Portugal (1970).

Su pintura nos muestra una unión estable entre la memoria y el paisaje, los temas que la

inspiran son básicamente urbanos y, desde un principio, le despiertan una inquietud por el

espacio y la profundidad.

Su desarrollo evolutivo se caracteriza por el modo análogo con que se conectan conceptos

aparentemente opuestos, fusionando la geometría de la herencia cubista con el informalismo

ambiental del impresionismo, uniendo el urbanismo glorioso de un Léger con el intimismo de

los “Nabis” o interpretando la esencia vertiginosa de la delicadeza surrealista con la liberación

del espíritu del abstraccionismo.

La obra de Maria Helena Vieira da Silva es conocida por sus composiciones abstractas, en la

que las líneas y los colores originan espacios sugerentes que hipnotizan al público que saben

apreciarlos.

12

Actividad para trabajar con los alumnos. Vieira da Silva. El Metro, 1942.

Objetivos

En esta actividad trabajaremos la observación y la agudeza visual. A través del sentido de la

vista, miraremos de forma detallada las formas, los colores y todo aquello que componen esta

obra. Aparentemente, no se potencia la imaginación de una forma directa, pero sí que es un

paso previo a abrir camino al mundo de la fantasía. De lo que observamos y percibimos,

podemos imaginar y crear.

Por tanto, les ayudará a despertar su curiosidad por las cosas, por aquello que ven y a

quedarse con lo que es más significativo para ellos. Aprenderán a mirar y a valorar los detalles.

Metodología

Se expondrá el cuadro de esta artista en clase y daremos tiempo a los niños/as para que

investiguen, exploren y lo observen. Se trazarán líneas imaginarias que dividan el cuadro por la

mitad y en cinco partes verticales. Formaremos grupos de alumnos, cada uno de ellos tendrá la

función de observar una parte del cuadro designada. En otro mural, estará el mismo cuadro

pero faltarán algunas piezas del mismo, serán piezas sencillas que definan las formas de las

personas, su rostro, su ropa, las formas del gato...Cada grupo, de su parte observada, intentará

colocar las piezas que faltan, tratando de imitar lo más parecido posible al cuadro. De esta

forma, se creará un rompecabezas con una obra de arte, donde no sólo impera lo lúdico sino

que también podrán aprender de esta gran artista.

13

Actividad para trabajar con los alumnos. Vieira Da Silva. La Scala (Los ojos) 1937.

Objetivos

El objetivo de esta actividad es que los alumnos/as desarrollen libremente su imaginación y su capacidad creativa. Que trabajen el trazo y los colores y la expresividad de ambos. Que se den cuenta que en el arte se permiten ciertas licencias que confieren un espacio mágico para desarrollar nuestra expresividad. Un espacio donde los ojos pueden ser rosas, rojos, amarillos o violetas.

Asimismo, nos interesa que tengan un primer contacto con la obra de una gran creadora como Vieira Da Silva, cuyas composiciones tienen una belleza estética impactante y sutil, conocedora del lienzo y el alma humana, plasma en sus telas las sensaciones más efímeras, se basa en el estudio y las posibilidades del espacio. Observamos en su obra una preocupación por el área y la profundidad Que se trate de una mujer no es algo causal en nuestra elección. Consideramos que es muy importante que los alumnos/as tengan referentes femeninos en el mundo del arte (también de las ciencias o la cultura por supuesto) dado que históricamente la aportación de las mujeres se ha silenciado injustamente.

Otro objetivo añadido es que compongan una obra plural, que hagan un trabajo individual que luego forme una obra colectiva de mayor envergadura, para potenciar la unión del grupo, el sentido gregario.

14

Finalmente veremos cómo a través de la repetición de una misma imagen figurativa (en este caso ojos) podemos obtener una imagen cargada de sentido simbólico, de una estética impactante y cercana al arte surrealista y/ o contemporáneo.

Metodología

Colgaremos en clase un mural con la obra seleccionada en gran tamaño para que los alumnos se familiaricen con el estilo de Da Silva La consigna será que cada cual dibuje su propio ojo y lo coloree con los colores que más le gusten, no en función de la realidad sino siguiendo sus propios gustos o intuición. Luego recortaran el ojo eliminando la parte blanca sobrante en la medida de lo posible y en un nuevo mural iremos pegando todos los ojos juntos de los alumnos siguiendo el estilo de Vieira en la obra seleccionada. Finalmente expondremos ambas obras una al lado del otra. Creemos que puede resultar un cuadro fascinante o por lo menos muy vistoso y colorista y que los chicos/as disfrutaran de la actividad.

15

BIBLIOGRAFIA

Universidad de Valencia. Comunicaciones del congreso: Los Valores del Arte en la Enseñanza.

Ediciones Reproexpres, Valencia, 2001.

Wassili Kandisky. De lo espiritual en el arte. Ediciones Paidós Ibérica. S.A., Barcelona, 1999

El niño y su arte. Editorial Kapelusz. Viktor Lowenfeld. Moreno 372.Buenos Aires. Biblioteca de cultura pedagógica.

16