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Dibujo artístico
Dibujo artístico: Autorretrato de Durero a los 13 años. Dibujo de Albrecht Dürer de 1484.
Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una abstracción de nuestra mente que permite fijar la apariencia de la forma, puesto que el ojo sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad. Los dibujos artísticos suelen ser representaciones de objetos o escenas donde el artista ve, recuerda o imagina. Estos pueden ser realistas: un ejemplo son los retratos, o los dibujos arquitectónicos. El dibujo también puede llegar al grado de perder cierta aproximación con la realidad (como las caricaturas), relativamente alejados de la realidad (o los dibujos animados y los cómics), hasta llegar a lo surrealista y lo abstracto.
Proceso en el dibujo artístico:
Apunte: Dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo que se va a dibujar después. Es especialmente útil cuando se dibujan exteriores o figuras en movimiento.
Boceto: Prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el encuadre, la composición, qué elementos se incluyen…
Encajado: Líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o borran después) que sirven como base del dibujo.
Línea: Dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo mas general y después el detalle.
Sombreado: Para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más oscuras. Las zonas de luz se pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o similar.
Color: Un dibujo puede llevar color, especialmente si está destinado a ser una ilustración (dibujo que acompaña a un texto en libros, carteles, etc.). El color se puede aplicar con varias técnicas: acuarela, tinta, lápiz de color, ordenador... El color puede ser plano (homogéneo) o con textura (apariencia irregular que se puede conseguir con el material, el papel, la técnica...).
Correcciones: Los errores se pueden corregir: Borrando, cubriendo una zona del dibujo con pintura o un trozo de papel y dibujando sobre él, o escaneando el dibujo y modificándolo en un programa de retoque fotográfico (ej.: Photoshop). Con estos programas de retoque se pueden eliminar, añadir o resaltar cosas, mejorar contrastes y colores...
Un modo de dibujo a mano alzada es el realizado sobre la marcha, sin correcciones posteriores, por viajeros, exploradores, científicos. A este tipo de dibujos se les conoce como Cuadernos de campo. Como ejemplo se pueden citar al colombiano Juan José Gutiérrez, al alemán Wilhelm Filchner y al español Julio Caro Baroja.
Proporción: La proporción en el dibujo es muy importante, ya que está dará al objeto representado la armonía necesaria al relacionar correctamente todos los elementos que lo conforman. Un consejo útil y práctico al momento de realizar el encuadre del dibujo, es colocar esté frente a un espejo, de esta manera descubriremos si nuestra obra se encuentra bien proporcionada y si guarda la simetría correspondiente; esto es muy útil en especial con los dibujos del rostro y en retratos. En ocasiones nuestro ojo suele "engañarnos" al momento de dibujar y resulta que al terminar un trabajo, desde nuestra mirada puede parecernos correcto y bien encajado, mas al colocarlo frente al espejo se descubren algunos errores de proporción y, es conveniente no olvidar que es asi como lo verá el espectador. Esto se corrige con la práctica constante y recordando que es muy importante la observación para que podamos relacionar correctamente todos los elementos del objeto a dibujar y lograr asi una representación correcta. Otras formas de evaluar si nuestro dibujo es correcto son: colocarlo al revés, mirarlo a contraluz por el reverso de la hoja y, colocar nuestra hoja un poco más abajo para cambiar nuestra perspectiva al mirarla.
DIBUJO A TINTA
Este ejercicio consiste en tramas y achurados que se utilizan en el dibujo a tinta, entre más densos más oscuros, de esta manera se busca la valoración tonal.
Este ejercicio consiste en tramas y achurados que se utilizan en el dibujo a tinta, entre más densos más oscuros, de esta manera se busca la valoración tonal.
8.1 Achurado
Los dibujos bidimensionales pueden ganar una apariencia muy atractiva al aplicar en sus detalles un buen achurado.
El achurado es sinónimo del sombreado con líneas y es la forma elemental para aplicar sombras en las representaciones graficas.
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Los achurados son patrones de sombreados y sirven básicamente para este fin.
Curiosamente el vocablo achurar significa literalmente "herir o matar a cuchilladas" y la verdad es una metáfora muy adecuada pues se aplica a los efectos de línea que pueden simular trazos enfáticos y profundos.
Son líneas paralelas hechas a mano alzada o trazadas con ayuda de reglas. Aunque son líneas sólidas pueden representar los tonos grises pues cuanto más próximas estén las líneas, más intenso será el tono del gris que se percibe visualmente y de manera gradual puede llegar a convertirse en negro.
Los negros o grises sólidos se logran por la proximidad entre si de las líneas pero también se puede lograr cruzándolas o aumentando su espesor.
La técnica del achurado es parecida al puntillismo. Es una repetición modulada de trazos pero su diferencia radica en que permite aplicar líneas rectas o curvas para ilustrar el dibujo.
Se recomienda que las líneas de achurado no midan más de medio centímetro para obtener trabajos finos, aunque los volúmenes y grosores dependerán de lo que el dibujante desee lograr, pudiendo crear diseños cada vez más complejos de acuerdo a su creatividad.
Esta técnica tiene como objeto elaborar diferentes imágenes a través del uso único de la línea en sus diferentes estilos:
Delgada Gruesa
Continua
Intermitente
También se debe tomar en cuenta la dirección del trazo que puede ser horizontal, vertical o diagonal.
Al cuidar aspectos del achurado tales como la cercanía entre una y otra línea o las diferencias de trazo entre sí, se puede lograr una óptica o una composición de cualquier cosa, incluyendo objetos con volumen, matices y desde luego sombras.
El achurado no es una técnica que requiera de mucha paciencia y su gran ventaja es que permite el uso de cualquier tipo de lápiz, aunque debemos siempre recordar que para un acabado más delicado, es necesaria una punta fina.
8.2 Patrones de textura
La textura, aporta al dibujo una sensación de que la superficie del objeto tiene relieves tridimensionales.
Por tal motivo, denominaremos textura al tratamiento que puede darse a una superficie de dibujo para que simule diversos materiales.
La textura crea una simulación gráfica de la realidad añadiendo dimensión y riqueza a cada dibujo.Puede trasmitir reacciones variables en el espectador, las cuales son utilizadas por el dibujante para aumentar el grado de contenido en su representación grafica.
Podemos distinguir dos tipos de textura:
Textura táctil. Textura visual.
Textura Táctil
Son las texturas que simulan visualmente la percepción táctil del material. Con estas podemos emular superficies con relieve como las suaves estrías de un pétalo, la rugosidad de una pared. La suavidad de la tela o la fina textura de un papel.
Textura Visual
En este renglón conjuntaremos las texturas visuales que aparentan la realidad por su fidelidad gráfica. Son ejemplos de este tipo arena, ladrillos, piedras, rocas, granito, etc.
Llamaremos patrón de textura o textura mosaico a la expresión modulada de trazos que repetida al infinito describirá la superficie de cualquier material. Sirve para diseñar fondos de dibujo o decorados para papel de envolver.
8.3 Realces y efectos
El realce es un efecto óptico sobre el dibujo o sobre una sección del mismo que sirve para enfatizar la atención hacia éste.
Los efectos que realzan las representaciones graficas son diversos, de los más efectivos son:
Realce de la línea. Realce de achurado.
Dibujo de alto contraste.
Aplicación de degradados.
Realce en la línea
Consiste en robustecer la línea para definir importancia del objeto dentro de la composición. También se le puede añadir movimiento a través de sinuosidades y alternancia de grosores en un mismo trazo.
Realce en achurado
Por ser un tramado que se da en ciertas partes del dibujo es excelente para realzarlo. Es una forma de sombreado que le da vistosidad a los dibujos.
Dibujo de alto contraste
El alto contraste se compone por los valores de negro absoluto y blanco puro. No tiene tonos intermedios por eso es de gran fuerza gráfica y de claro contenido.
Aplicación de degradados
Existen múltiples maneras de generar valores tonales en los objetos gráficos. Los más comunes son la mancha, el achurado y el difuminado. En este último podemos encontrar al degradado que a diferencia del alto contraste produce transiciones de sombreado fluidas y sin brusquedad en el cambio de tonos. Con el degradado es posible conseguir resultados de máximo realismo.
El Puntillismo es un estilo de pintura que aparece por primera vez en 1883, encabezado por el pintor neoimpresionista Georges Seurat, y contando entre sus seguidores más fieles tales como Henri Edmond Cross y Vlaho Bukovac. El procedimiento empleado por estos artistas, consistente en poner puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre tela, fue el resultado de los estudios cromáticos llevados a cabo por Georges Seurat (1859-1891), pintor francés, quien en 1884 llegó a la división de tonos por la posición de toques de color que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas. Otro de los más importantes seguidores del puntillismo fue Paul Signac, participante junto con Seurat y otros neoimpresionistas en la fundación de artistas independientes (1884), todos ellos seguidores del puntillismo o divisionismo.
Este movimiento, dentro de las coordenadas del Postimpresionismo, parte también de la imagen de la naturaleza, es decir, del mismo motivo que los impresionistas, pero para ellos serán unas leyes físicas y fisiológicas muy determinadas las que caractericen la esencia de la pintura. Su material de reflexión serán, sobre todo, los escritos de Charles Blanc y, de un modo más radical los impresionistas, los tratados científicos de Cheverul, Sutter, Rood y otros. Gracias a ellos, el Puntillismo vio abierto ante sí un campo en el que su tarea habría
de ser la aplicación metódica de sus conocimientos y la reconciliación de los rígidos principios del dibujo con los principios ópticos intuidos por los grandes coloristas. La mente lógica y reflexiva de estos pintores pedía la reducción del instinto al orden, del impulso al cálculo, reduciendo a lo esencial, no sólo los temas de la vida moderna o el paisaje, sino también el método impresionista de presentarlos.
Entrada en el puerto de Marsella. Paul Signac (1918)
De hecho, la declaración de Charles Blanc (El color, que está controlado por leyes fijas, se puede enseñar como la música), publicada por primera vez en 1865 en su conocida Gramatica Ades arts du dessin, resume perfectamente la actitud de los puntillistas ante las posibilidades expresivas del arte e indica su programa. Según esto, al igual que existen relaciones matemáticas entre los tonos musicales, hay relaciones físicas entre los colores, que pueden demostrarse en el laboratorio y llevarse a efecto en el estudio. Con el fin de estudiar con más detalle la interacción de los colores y sus complementarios, algunos puntillistas confeccionaron un disco en el que reunían todos los matices del arco iris, unidos unos a otros mediante un número determinado de colores intermedios. En su paleta también utilizaban el blanco mezclado con los colores primarios, lo que les permitía obtener una multitud de tonos que iban de un color con una ligera presencia de blanco hasta un blanco casi puro. El disco se completaba de manera que los matices puros se concentraban en torno al centro, desde donde iban desvaneciéndose hacia el blanco hasta llegar a la periferia.
Clima gris. Seurat (1888)
Los experimentos físicos habían probado también que la mezcla de colores los ensucia y desemboca finalmente en el negro. Por ello, la única mezcla capaz de producir el efecto deseado es la mezcla óptica, que se convierte así en el factor predominante de su ejecución. Tras haber reunido por separado en sus telas los elementos individuales de color presentes en la naturaleza, el pintor asignaba a la retina del espectador la tarea de unirlos de nuevo. La técnica de pinceladas de los impresionistas no permitía la exactitud matemática que necesitaban los puntillistas para aplicar su sistema con pleno rendimiento. Mediante la adopción de minúsculas pinceladas en forma de punto lograron acumular, incluso sobre superficies reducidas, una gran variedad de colores y tonos, cada uno de los cuales se correspondía con uno de los elementos que contribuía a la apariencia del objeto. A una distancia determinada esas partículas diminutas se mezclan ópticamente y el resultado tenía que producir una intensidad de colores mucho mayor que cualquier mezcla de pigmentos. En este sentido, sus estudios de luz y color sobrepasan los realizados por cualquiera de los impresionistas, pero también se encontraron con mayores dificultades. Con más conocimientos y un ojo más disciplinado, tenían que hallar todos los matices del espectro luminoso, así como un modo de iluminar u oscurecer un matiz dado en relación con los contrastes simultáneos producidos por los colores que le rodeaban.
A pesar de lo aparentemente acertado de la denominación de puntillismo, sobre todo en lo que se refiere a la técnica de este grupo, ni Seurat ni Signac la aceptaron nunca y ambos condenaron y evitaron rigurosamente este término a favor del de "divisionismo", que abarcaba mejor todas sus innovaciones.
Como su propio nombre indica, esta técnica consiste en pintar a base de pequeños puntos de color puro. En la octava exposición del impresionista de 1886, se dio la primera alternativa a la crisis de los lenguajes. El cambio de Impresionismo a Puntillismo se debió a las aportaciones científicas y teóricas. Félix Feneon ya habló de "Impresionismo Científico" y Chevreul aportó su obra escrita Libro sobre la complementaridad de los colores. Los estudiosos de estas cuestiones se multiplican, Charles Henry descifra el efecto de colores y líneas en el espectador en su Tratado sobre la estética científica. Ahora la Naturaleza hay que verla con los ojos de la mente. Hay que superar la concepción retiniana para incidir en una más conceptual. Este es el punto de partida para el arte abstracto posterior.
Diferencias con respecto al Impresionismo:
La imagen adquiere una entidad desconocida La obra parte del "plein air", pero a diferencia del Impresionismo se termina en
el taller.
Se recupera la división entre obra definitiva y boceto.
Las figuras en el espacio adquieren monumentalidad y rigidez, lo que potencia la pérdida de la espontaneidad. Algunos han apuntado que esta rigidez podría recordar a la del primer quattrocento de Piero della Francesca.
Hay una marcada tendencia a la esquematización de formas y a los volúmenes simplificados.
Da la sensación de que la luz emana de los cuerpos. En el Impresionismo el procedimiento era a la inversa, ya que la luz era la que incidía sobre los cuerpos.
Se establecen conexiones con el Simbolismo.
Representantes:
Seurat Signac
*Otros seguidores son: Pissarro, Henry Edmond Cross, Regoyos... aunque en ellos ya no puede hablarse de un Puntillismo puro, ya que se permiten pintar en comas o colocando las pinceladas en líneas paralelas, habiendo dado previamente una capa unificada de color. Cada autor debe ser considerado como entidad independiente, ya que cada uno se ve influenciado por una o varias tendencias diferentes.
Clases de dibujo
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».
El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo.
A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.
Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fauvismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.
Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que represente, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.
La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahi en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.
IMPRESIONISMO
Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como la música y la literatura, su vertiente más conocida, y aquella que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo este. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.
Inicios
Millet, Les Glaneuses (1857), Museo de Orsay.
Con anterioridad al Impresionismo, el marco artístico, era dominado por un eclecticismo, al que respondió la generación de las rupturas estilísticas, una serie de rupturas que darán personalidad propia al arte moderno. La primera de ellas o, si se prefiere, su preámbulo, es el Impresionismo, un movimiento, resultado de una prolongada evolución, que coloca definitivamente al siglo XIX bajo el signo del paisaje y que busca un lenguaje nuevo basado en un naturalismo extremo.
Tiende a usar con creciente frecuencia colores puros y sin mezcla, sobre todo los tres colores primarios y sus complementarios, y a prescindir de negros, pardos y tonos terrosos. Aprendieron también a manejar la pintura más libre y sueltamente, sin tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas y la luz se fue convirtiendo en el gran factor unificador de la figura y el paisaje.
Florecimiento y primera exposición
Portada del catálogo para la primera exposición impresionista (1874).Artículo principal: Exposiciones impresionistas
El año 1873 marcará un giro característico del Impresionismo: el paso de la fase preparatoria a la fase de florecimiento. Los tanteos estaban olvidados y el trabajo adelantado. Pisarro y Monet habían hecho en Londres estudios de edificios envueltos en nieblas; Alfred Sisley, aún más vaporoso, se les había adelantado por ese camino; Renoir se hallaba, de momento, bajo la total influencia de Monet; y Edgar Degas empezaba a tratar los tutús de sus bailarinas del mismo modo que Monet o Renoir las flores del campo.
Todos los impresionistas, incluyendo a Berthe Morisot, eran ya conscientes de formar un grupo y de tener iguales objetivos que defender. Su primera aparición pública como tal se estaba fraguando. A fin de pesar más a los ojos del público intentaron atraerse a otros artistas y fundaron una Sociedad anónima de pintores, escultores y grabadores que, por fin, en 1874, logró organizar una muestra en los salones del fotógrafo Nadar. En total participaron treinta y nueve pintores con más de ciento sesenta y cinco obras de las que diez
eran de Degas, la mayor aportación individual del grupo, y entre las que estaba la ya legendaria Impresión: sol naciente de Monet que, burlonamente citada por un crítico, dio nombre al grupo.
La difusión
El Impresionismo se difunde en toda Europa (entre otras cosas, gracias a la facilidad y rapidez con la que se podía ejecutar una obra).
Origenes del surrealismo
Los términos surrealismo y surrealista proceden de Apollinaire, quien los acuñó en 1917. En el programa de mano que escribió para el musical Parade (mayo de 1917) afirma que sus autores han conseguido:
una alianza entre la pintura y la danza, entre las artes plásticas y las miméticas, que es el heraldo de un arte más amplio aún por venir. (...) Esta nueva alianza (...) ha dado lugar, en Parade a una especie de surrealismo, que considero el punto de partida para toda una serie de manifestaciones del Espíritu Nuevo que se está haciendo sentir hoy y que sin duda atraerá a nuestras mejores mentes. Podemos esperar que provoque cambios profundos en nuestras artes y costumbres a través de la alegría universal, pues es sencillamente natural, después de todo, que éstas lleven el mismo paso que el progreso científico e industrial.
La palabra surrealista aparece en el subtítulo de Las tetas de Tiresias (drama surrealista), en junio de 1917, para referirse a la reproducción creativa de un objeto, que lo transforma y enriquece. Como escribe Apollinaire en el prefacio al drama:
Cuando el hombre quiso imitar la acción de andar, creó la rueda, que no se parece a una pierna. Del mismo modo ha creado, inconscientemente, el surrealismo... Después de todo, el escenario no se parece a la vida que representa más que una rueda a una pierna.
Los surrealistas señalaron como precedentes de la empresa surrealista a varios pensadores y artistas, como el pensador presocrático Heráclito, el Marqués de Sade y Charles Fourier, entre otros. En la pintura, el precedente más notable es Hieronymus Bosch "el Bosco", que en los siglos XV y XVI creó obras como "El jardín de las delicias" o "El carro de heno". El surrealismo retoma estos elementos y ofrece una formulación sistemática de los mismos.
La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton, precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vache y a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, movimiento artístico precedido por Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo.
En el año 1924 Breton escribe el primer Manifiesto Surrealista y en este incluye lo siguiente:
Indica muy mala fe discutirnos el derecho a emplear la palabra surrealismo, en el sentido particular que nosotros le damos, ya que nadie puede dudar de que esta palabra no tuvo fortuna, antes de que nosotros nos sirviéramos de ella. Voy a definirla de una vez para siempre:
Surrealismo: "sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral."
Filosofía: "El surrealismo se basa en la creencia de una realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo, y en el libre ejercicio del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos psíquicos, y a sustituirlos por la resolución de los principales problemas de la vida.
Han hecho profesión de fe de Surrealismo Absoluto, los siguientes señores: Aragon, Baron, Boiffard, Breton, Carrive, Crevel, Delteil, Desnos, Eluard, Gerard, Limbour, Malkine, Morise, Naville, Noll, Peret, Picon, Soupault, Vitrac."
Tal fue la definición del término dada por los propios Breton y Soupault en el primer Manifiesto Surrealista fechado en 1924. Surgió por tanto como un movimiento poético, en el que pintura y escultura se conciben como consecuencias plásticas de la poesía.
En El surrealismo y la pintura, de 1928, Breton expone la psicología surrealista: el inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa de forma privilegiada en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas. El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia. De ahí que elija como método el automatismo, recogiendo en buena medida el testigo de las prácticas mediúmnicas espiritistas, aunque cambiando radicalmente su interpretación: lo que habla a través del médium no son los espíritus, sino el inconsciente.
Durante unas sesiones febriles de automatismo, Breton y Soupault escriben Los Campos Magnéticos, primera muestra de las posibilidades de la escritura automática, que publican en 1921. Más adelante Breton publica Pez soluble. Dice así el final del séptimo cuento:
"Heme aquí, en los corredores del palacio en que todos están dormidos. ¿Acaso el verde de la tristeza y de la herrumbre no es la canción de las sirenas?"
P R O F U N D I D A D
¿El aire es transparente?
Fijate en estos tres arboles. Son muy parecidos pero uno esta cerca y los otros cada vez mas lejos. Por eso se ven diferentes. ¿que diferencia observas?
El que esta mas lejos se ve mas borroso, con menos detalle. Los colores son menos intensos, mas parecidos al del fondo, en este caso blanco.
Cuando miramos un amplio paisaje es facil saber que objetos estan mas cerca y cuales mas lejos. Los que estan mas lejos son mas pequeños, su base esta mas alta y ademas estan menos definidos (mas difusos). Se llama efecto atmosfera. Ocurre porque entre nosotros y el objeto hay mas aire cuanto mas lejos esta. Aunque el aire sea transparente, tiene humedad y suciedad (niebla, polvo, contaminacion...) Por lo tanto cuanto mas lejano esta un objeto mas difuminado y tenue se ve.
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A causa de ese efecto de atmosfera en muchas imagenes las montañas lejanas son de color azul, el color del cielo (aunque su color real vistas desde cerca sea normalmente marron o verde).
Monet Dan Phyillaier
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Cuando dibujamos podemos imitar ese efecto de atmosfera y profundidad. Para conseguir en un dibujo que un objeto o zona parezca lejano usamos:
- Colores mas apagados y frios. Cercanos al color del cielo del dibujo que suele ser azul, gris claro o blanco. - Poco contraste. De dia colores mas claros, de noche mas oscuros. - Lineas mas finas y suaves, incluso sin lineas. - Dibujo sin detalles, poco nitido.
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Si quieres hacer un dibujo con niebla (o lluvia, humo, contaminacion...) exagera este efecto de atmosfera. Cuanto mas lo hagas, mas densa parecera la niebla.
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Para que se note que un objeto esta mas cerca que otro se puede superponer, colocar uno delante del otro de forma que lo tape en parte. Cuidado, si lo tapa muy poco no se notara el efecto, pero si lo tapa demasiado no dejara que se vea.
Tintin________________________________________________
Algo de gran tamaño (por ejemplo el suelo, el mar o el cielo), puede tener parte cerca y otra parte lejos. Entonces se dibuja definido y contrastado en la parte mas proxima y menos a medida que se aleja.
Tim Mcburnie 2
Para que quede mas claro cual es el objeto que esta detras se puede acabar la linea e incluso reducir el color un poco antes de que se encuentre con el objeto que esta delante.
R. Walley 1 2 Gary Undercuffler
Cuanto mas lejano esta el elemento en el dibujo, menos nitido y mas apagado lo dibujamos. Los mas lejanos apenas se diferencian del cielo.
Antonio Lopez Studio Ghibli Goro Fujita
RESUMEN
Para dar sensacion de profundidad los elementos mas lejanos se dibujan: - Con colores mas claros (oscuros de noche), apagados y sin contraste. Mas cercanos al color del cielo del dibujo. - Con menos definicion y detalles. - Ligeramente por detras de los que estan delante.
E J E R C I C I O P R O F U N D I D A D
Recuerda leer todo el ejercicio antes de empezar a hacerlo.
Material: 3 hojas de papel. Pinturas (cualquier tipo). Tijeras. 2 hojas de papel cebolla o traslucido (tambien puedes usar el plastico semitransparente, no transparente, que se utiliza en algunos envoltorios de revistas, cereales...reutilizar es ecologico).
1 En la parte superior de una hoja de papel normal dibuja el fondo de un paisaje de dia. Por ejemplo unas montañas. Utiliza colores y lineas semejantes en los tres dibujos, sin intentar conseguir profundidad con ellos.
2 En la parte media de otra hoja de papel normal dibuja otra zona mas proxima del paisaje. Por ejemplo arboles o casas. Recorta la parte superior para que se pueda ver detras el dibujo de la hoja 1.
3 En la tercera hoja de papel normal, en la parte inferior dibuja la zona mas cercana. Por ejemplo personas, plantas o animales. Recorta la parte superior para que se pueda ver detras los dibujos de las hojas 1 y 2.
4 Superpon ordenadamente los dibujos (sin pegarlos con pegamento).
5 Ahora hazlo colocando entre la hoja 1 y la 2 y entre la 2 y la 3 el papel traslucido.
6 ¿Te atreves a conseguir el mismo efecto en una sola hoja, solo dibujando, sin recortar ni interponer papel? No es dificil ahora que sabes como.
Es interesante como ahora el fondo parece mucho mas lejano. Se consigue profundidad.
VOLVER AL PRINCIPIO
Profundidad
Incluso se puede añadir mas de una hoja de papel traslucido para aumentar el efecto.
F O N D O Y F I G U R A
¿Por que cuesta tanto encontrar a Wally?
Normalmente en un dibujo se puede distinguir facilmente la figura del fondo.
La figura (o figuras) es el elemento principal, un objeto, persona o animal protagonista. El fondo es el contexto, el lugar en el que se encuentra la figura. Muchas veces solo es un mero adorno. En otras, como en los paisajes, tiene mucha importancia.
FONDO Y FIGURAen este tema:
- Diferenciar fondo y figura
- Equilibrio entreel fondo y la figura
- Resumen
- Ejercicio
Equilibrio entre el fondo y la figura
En el momento de plantear un dibujo es importante buscar un equilibrio entre el fondo y la figura.
RESUMEN
Si en un dibujo la figura es complicada, se puede compensar con un fondo sencillo yviceversa.
Cuando un elemento esta encima de otro el que esta detras debe ser lo mas sencillo posible, al menos en la zona en la que se superponen.
C O L O R 1
Mezclando pinturas ¿Por que sale marron en vez de morado?
AVISO: La calibracion de la pantalla del ordenador puede influir en la apariencia de los colores de este tema.
¿Como llamarias a este color? Podemos llamarlo verde azulado clarito un poco grisaceo. Pero si le pides asi a una imprenta el color de una portada es probable que no acierten con el color exacto.
Por eso se han creado formas mas concretas de definir los colores. - Segun su tono, luminosidad y saturacion. - Segun la cantidad de cada uno de los tres colores primarios que se necesita para conseguir ese color.
Colores aditivos son por ejemplo los de los focos de un escenario que se usan para conseguir una iluminacion de un color concreto. Tambien los que usan las pantallas, mirando con una lupa la pantalla de un ordenador o de una tele se pueden ver puntos de color rojo, verde y azul (RVA o RGB en ingles). La suma de los tres es el blanco, la ausencia de todos el negro (la oscuridad).
Colores sustractivos son los que usa por ejemplo un pintor de paredes para mezclar los colores y son a los que nos referiremos en dibujo. La suma de los tres es el negro, la ausencia de todos el blanco (el papel). Tambien son los que se usan en una imprenta. Mirando con una lupa una revista en color se pueden ver puntos de color cian, magenta y amarillo. Tambien se ven puntos de color negro. Las imprentas usan el negro ademas de los tres colores primarios porque las letras son habitualmente de ese color (CMAN o CMYK en ingles).
Existen tres colores que mezclados nos dan todos los demas. Se llaman colores primarios. Colores secundarios son los que se crean al mezclar dos primarios (a partes iguales).
Pero los tres colores primarios no son los mismos colores en luz (aditivos) que en pinturas (sustractivos). Los colores primarios en luz son precisamente los secundarios en pinturas y viceversa.
Esto ocurre porque los colores aditivos son los de la luz y los sustractivos son los de un objeto (en este caso la pintura) que refleja parte de la luz y por eso los vemos de un color u otro. Pero este es un tema de fisica, no de dibujo.
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Esta muy extendida la idea equivocada de que los colores primarios son el azul ultramar, el rojo bermellon y el amarillo yema de huevo. Como no son colores primarios NUNCA se pueden, mezclandolos, obtener todos los colores.
El resultado normal son dibujos en tonos apagados y sucios llenos de marron y gris. Por eso sale un color marron muy triste cuando los mezclamos para intentar conseguir por ejemplo morado.
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Complementarios y armonicos
Se llaman colores armonicos los que tienen un tono parecido.Se llaman colores complementarios los que tienen un tono opuesto.
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Lo mejor para resaltar unos ojos de color verdoso es usar en el parpado maquillaje de un color complementario, por ejemplo uno rojizo.
Tambien en dibujo para dar mas intensidad a un color se pone junto a el su complementario.
Los pintores impresionistas usaban ese efecto por ejemplo poniendo en la zona de sombra, en el fondo... el complementario del color de un objeto.
Sorolla Van Gogh 1 2
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En realidad ningun material de pintura (tempera, acuarela...) es perfecto. Por ejemplo el negro suele ser un poco verdosos y al mezclarlo con amarillo sale verde grisaceo.
Por eso es bueno tener siempre un trozo de papel para hacer pruebas antes de pintar en el dibujo (para ahorrar papel utiliza trozos de papel desechados, la parte de atras de una hoja que no sirva... ).________________________________________________
RESUMEN
Los tres colores primarios (que en dibujo y pintura son siempre: magenta, amarillo y cian) mezclados nos dan los demas colores.
Se llama color armonico al que es semejante a otro y complementario al que es opuesto.
E J E R C I C I O C O L O R 1
Recuerda leer todo el ejercicio antes de empezar a hacerlo.
Material: Hoja de papel. Pinturas, las tecnicas mas adecuadas para este ejercicio son las que se aplican con pincel y se pueden mezclar (tempera, acuarela...) no las secas (lapiz, cera...). Tambien muchos programas de ordenador permiten crear colores cambiando la proporcion de magenta, amarillo y cian (CMAN o CMYK).
1 Coge estos tres colores exactamente: magenta, amarillo y cian. (Recuerda que si tu pantalla esta mal calibrada puede que los veas distintos. Si no tienes otra referencia, el color magenta es muy parecido al “color fucsia”, el amarillo al “amarillo claro” y el cian al “azul electrico”).
Recuerda que, como son colores primarios, no se pueden conseguir mezclando otros colores.
Color 1
2 Mezclando solo estos tres colores intenta conseguir el color mas parecido que puedas a estos.
No hace falta que gastes mucha pintura, con un poquito basta.
Al principio resulta dificil conseguirlo pero en cada intento aprendes cosas sobre la mezcla de colores aunque no consigas el color que buscas.
4 ¿te atreves a hacer un dibujo con muchos colores pero usando solo tres pinturas (los tres primarios: magenta, cian y amarillo) y mezclandolas?
3 Prueba ahora a conseguir, mezclando, otros colores. Por ejemplo tu color favorito o el de la ropa que llevas.
Puedes que necesites aclarar un color. Si usas una tecnica transparente como la acuarela puedes diluir el color añadiendo agua. Si la tecnica es opaca necesitaras usar pintura de color blanco para los colores mas claros.
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En muchos envases, por ejemplo los tetra bricks impresos a todo color, en la base aparecen tres formas con esos colores (magenta, amarillo y cian). Sirven como referencia en la impresion.________________________________________________
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C O L O R 2
¿Cuantos verdes existen?
Mira a tu alrededor ¿cuantas cosas verdes ves? ¿son todos los verde iguales? Hay muchisimos verdes y rojos, grises… Ademas de en tono varian en luminosidad y saturacion.
“Luminosidad” es la cantidad de blanco que tiene un color. Cuanto mas blanco, mas luminoso es. A la “luminosidad” tambien se le llama brillo, y a los colores luminosos “colores pastel”.
“Saturacion” es la cantidad de negro que tiene un color. Cuanto mas negro menos saturado.
A la “saturacion” tambien se le llama pureza, a los colores saturados “colores puros” o “colores vivos” y a los poco saturados “colores apagados”.
Temperatura de color
Colores calidos: Son los colores que relacionamos con el fuego. Rojos, naranjas, amarillos...
John Clapp
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Si no tenemos negro para quitarle saturacion a un color podemos mezclarlo con un poco de su complementario. Si no tenemos blanco para aumentar su luminosidad podemos usar el blanco del papel. Es decir si queremos un color mas claro diluimos la pintura para dejar que se transparente mas el papel.________________________________________________
Colores frios: Son los que relacionamos con el hielo. Azules, verdes, morados... Los colores frios resultan mas lejanos y los calidos mas cercanos. Algunos colores estan en el limite entre frios y calidos. Por ejemplo el amarillo verdoso o el purpura.
Taeyoung Choi John Clapp
El color de un objeto es diferente segun la luz que lo ilumine. Una camisa puede verse azul al mediodia y morada al atardecer. Al elegir los colores de un dibujo piensa que clase de luz hay.
Los colores se ven mas calidos: - Al atardecer - A la luz de una chimenea - A la luz de una bombilla incandescente. - En verano o cuando hace calor.
Eterea Van Gogh
Los colores se ven mas frios: - De noche - Con niebla - Con iluminacion alogena o fluorescente. - En invierno o con frio.
Eterea The Pink Inuit
Los colores calidos se utilizan para dar sensacion de “calidez” cariño, amor, hogar… y tambien de accion. Los frios se usan para transmitir lo contrario: tristeza, desamparo… y quietud.
John Clapp
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Para dar un aspecto mas atractivo a los alimentos (sobre todo carnes y fiambres), algunos supermercados los iluminan con luces muy calidas ¡y a veces a la luz del dia no parecen tan apetitosos !________________________________________________
RESUMEN
Colores calidos son los colores que relacionamos con el fuego. Colores frios son los que relacionamos con el hielo.
Recuerda leer todo el ejercicio antes de empezar a hacerlo.
Material: Hoja de papel. Pinturas, las tecnicas mas adecuadas para este ejercicio son las que se aplican con pincel y se pueden mezclar (tempera, acuarela...) no las secas (lapiz, cera...). Tambien muchos programas de ordenador permiten crear colores cambiando la proporcion de magenta, amarillo y cian (CMAN o CMYK).
1 Haz un dibujo sencillo.
Color 2
2 Elige un color (mejor un color puro: saturado y poco luminoso). Recuerda que segun el tipo de iluminacion, el color mas adecuado sera un color frio o uno calido.
3 Usa ese unico tono para colorearlo. Mezclalo solo con blanco y-o negro para conseguir diferentes grados de luminosidad y saturacion.
C O L O R 3
¿Que camiseta me pongo con esto?
Cuando te vistes ¿combinas prendas de cualquier color o las escoges de colores que queden bien entre si? ¿procuras no poner juntos dos colores demasiado opuestos? ¿si usas una camiseta de colores muy llamativos intentas que el pantalon sea mas neutro? A la hora de colorear un dibujo ¿usas todos los colores que puedas, o escojes los mas adecuados?
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Muchas peliculas y videos musicales usan filtros para modificar los colores de la imagen. Para reducir la saturacion de los colores, reducir la cantidad de gamas de colores, hacerlos mas calidos…________________________________________________
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Normalmente todos sabemos como combinar los colores de nuestra ropa para que el conjunto sea elegante. Tambien para que sea adecuada a la situacion.
Las reglas son las mismas en dibujo. Piensa en los colores que vas a emplear como en prendas para un conjunto.________________________________________________
Elegir colores para conseguir coherencia
Demasiados colores y-o tipos de colores en un dibujo pueden crear caos en ved de variedad. Los grandes dibujantes seleccionan con cuidado la gama de colores que usan en cada dibujo.
Las opciones mas empleadas para elegir el conjunto de colores de un dibujo son:
- un grupo de colores con caracteristicas parecidas (saturacion parecida, luminosidad o tono)
- una mayoria de colores neutros y reservar los mas llamativos para unos pocos objetos.
1 Que todos los colores tengan un nivel parecido de saturacion.
Tuesugi Tipika
3 Usar solo una o dos gamas de colores. Si son dos, hay que asegurarse de que funcionen bien juntas.
David Guirao Man Arenas Tipika Enzo's Wok
2 Que todos los colores tengan un nivel parecido de luminosidad (por ejemplo los colores pastel).
Francesc Rovira Gina Capaldi
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Cuando los colores son muy saturados el dibujo puede quedar muy agresivo. Para suavizarlo se pueden:- Separan los colores con linea. Son mas efectivas las lineas gruesas, continuas y de color neutro (generalmente negra, aunque tambien blanca, gris, azul marino...) -Dejar abundantes espacios neutros (generalmente en blanco que es el color que mas descansa la vista)
Kandinsky Caillou Francesc Rovira ________________________________________________
4 Usar colores poco saturados (neutros como los grisaceos y tierras) en la mayoria del dibujo. Se usan colores mas saturados solo en algunos elementos. Normalmente los que se quiere resaltar o los mas cercanos.
Raul Allen Man Arenas Tipika Peter de Seve
Elegir colores segun lo que expresa el dibujo
Los colores influyen en nuestro estado de animo. Una habitacion de un color azul suave resultara relajante y una naranja intenso estimulante.
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Muchos restaurantes de comida rapida utilizan colores calidos y saturados (amarillo, naranja...) que estimulan el apetito y te animan a comer mas rapido y dejar tu mesa libre cuanto antes.________________________________________________
Cada color transmite un sentimiento. Puedes elegir los colores que vas a usar segun el sentimiento, la idea que quieras transmitir.
Amarillo: sol, alegriaVerde: naturaleza, esperanzaAzul: cielo, tranquilidad, eternidad, justicia, tristezaMorado: poder, magia, misticismo, religionRojo: calor, sangre, accion, peligro, pasionNaranja: fruto, vidaNegro: noche, la nada, el mal, decisionBlanco: luz, pureza, el bienRosa: amor, femineidad, ternuraGris: suciedad, neutralidad, sin sentimientosMarron: tierra, firmeza, antigüedad
Colores luminosos: dia, suavidad, ternuraColores poco luminosos: noche, brusquedad, fuerzaColores saturados: alegria, informalidad, vida, fiesta, veranoColores poco saturados: tristeza, formalidad, seriedad, tradicion, invierno
Ciertos grupos de personas se asocian con ciertos tipos de colores:
Niños: Colores saturados y luminosos. Francesc RoviraAdultos: Colores poco saturados y oscuros. TuesugiFemenino: Colores luminosos y calidos. Rosa, lila...Masculino: Colores poco saturados y frios. Gris, azul oscuro...
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En publicidad se cuida mucho la eleccion de colores segun a que publico se intenta vender un producto. Hay muy pocos anuncios de perfumes para hombre en color rosa o de juguetes infantiles en colores grises y oscuros.
Cuando se intenta que algo parezca barato se utilizan colores saturados (logotipo de los supermercados). Cuando se quiere que parezca selecto y sofisticado se utilizan colores poco saturados y oscuros (marcas de ropa cara).________________________________________________
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Si crees que tus dibujos parecen demasiado “infantiles” prueba a usar menos colores y menos saturados.________________________________________________
RESUMEN
Al elegir un color hay que tener en cuenta:
- Que los colores empleados den sensacion de conjunto, no de barullo. Para conseguirlo podemos escoger un grupo de colores con caracteristicas parecidas (saturacion parecida, luminosidad, tono). Tambien podemos usar en la mayoria del dibujo colores neutros y reservar los mas llamativos para unos pocos objetos.
- El mensaje que queremos que transmita el dibujo y a quien va dirigido.
T E X T U R A
Dibujar con jabon y esponja
Cuando ves una cosa ¿puedes saber si es suave o rugosa sin tocarla, solo con verla? La mayoria de las veces si. La textura es algo que ademas de tocarse se ve. La textura es la apariencia del material. Al dibujar podemos dejar el color completamente plano y homogeneo o con textura.
El color plano
Se consigue facilmente con tecnicas como la tempera o el acrilico. Es mas complicado con otras como la acuarela o el oleo y muy dificil con pastel o lapiz.
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Es muy facil y mas rapido colorear con colores completamente planos con ordenador. La mayoria de los dibujos de tintas planas (comic, ilustraciones) hoy en dia se colorean en el ordenador.
Simpson ________________________________________________
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Los dibujos animados se colorean normalmente con colores planos porque seria muy dificil adaptar la textura al movimiento. Antes, cuando se coloreaban a mano, para que quedasen completamente planos (y ademas no se tapase la linea y se trasparentase el fondo) se hacia en la parte de atras de un acetato (plastico transparente).
Disney________________________________________________
Es un metodo muy adecuado cuando el dibujo y la linea son complicados. El color con textura podria ser demasiado y enturbiar en vez de resaltar el dibujo.
En tecnicas como el lapiz y el carboncillo se utilizan rayas como forma de colorear o sombrear.
Jennifer Emery
El degradado
Un degradado es una transicion suave y homogenea de un color a otro/s. Se puede aplicar con todas las tecnicas aunque es mas facil con las de pincel y ordenador y es tipica del aerografo.
El motivo o estampado
Se puede rellenar el color con una repeticion de uno a mas motivos. Puede ser un dibujo reconocible (flor, sol... ). Tambien un motivo grafico (puntos, lineas, cuadros...).
Harry and his Dinosaurs Degliuomini
Es especialmente util para hacer sombras y volumenes.
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En las imprentas las tintas son planas, sin degradados. Para simular los degradados se utiliza un estampado de puntos llamado trama. (Series de puntos que son de mayor tamaño cuanto mas oscuro deba ser el color) Para verlo mira con una lupa una foto de cualquier revista o periodico.
El estilo pop utilizo esta trama como parte del diseño.
Lichtenstein_______________________________________________
Las texturas
Existen muchos tipos de texturas:
- Cuando imita la textura del objeto al dibujarlo. Por ejemplo una pared de ladrillos, la arena, una cesta, la madera...
Amy Huntington
- Cuando la textura la produce la tecnica que usamos (lapiz, acuarela, pincel seco...).
Degliuomini
- Cuando la textura es la del soporte (papel, carton...) Ro-nellaluna Juriu
La tecnica se puede forzar para que aparezca mas o menos textura.
Degliuomini Tychoi
- Se puede crear texturas con muchas tecnicas. Poe ejemplo aplicar la pintura con otros materiales en ved de con pinceles (esponjas, telas, los dedos...), rascar o lijar el papel, dar varias capas de pintura del mismo o distintos materiales... Tambien se puede colocar algo con textura debajo del papel y pintar encima con alguna tecnica seca como cera o pastel. Se pueden añadir toda clase de materiales a la pintura (jabon, harina, purpurina...).
- Una de las tecnicas mas interesantes para disfrutar de las texturas es el collage. Se pueden pegar papeles y fotografias. Pero tambien materiales con mucha textura como papeles especiales, hojas de arbol, telas, arena...
Charlie y Lola Megan Brain
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Si tu dibujo te parece sencillo, una textura marcada puede ser una buena opcion.________________________________________________
RESUMEN
El color de un dibujo puede ser:
Plano: Todo igual, homogeneoDegradado: Cambia suavemente de un color a otro/sEstampado: Con un motivo (imagen, figura geometrica...) que se repiteCon textura: Apariencia irregular que se puede conseguir con el material, el papel, con la forma de usarlos...
E J E R C I C I O T E X T U R A
Recuerda leer todo el ejercicio antes de empezar a hacerlo.
Material: Como este es un ejercicio para descubrir nuevas tecnicas lo interesante es probar toda clase de materiales.
1 Este ejercicio consiste en experimentar, buscar y probar formas de hacer textura.
Mira entre tus materiales de dibujo pero tambien en muchos otros sitios (la cocina, el baño, el cajon de costura, el de las herramientas, la calle, un bosque...).Imagina nuevas formas de conseguir texturas. Haz pruebas y mezcla cosas. Lo normal es que gran parte de las pruebas no sirvan, pero si haces unas cuantas encontraras algunas muy interesantes
Textura
2 Haz un dibujo utilizando una o varias tecnicas de textura que no hayas usado nunca antes. Recuerda que cuanto mas compleja sea la textura, mas sencillo debe de ser el dibujo.
Ejemplo
1 Pintar con pintura negra (tempera o acrilico) toda la superficie de un cristal o acetato (plastico rigido transparente, como por ejemplo los de encuadernar).
Haz una prueba antes, no todos los tipos de pintura se pueden rascar bien. las mejores son las pinuras al agua.
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2 Rascar el dibujo levantando la pintura. Hazlo dejando "rayujos"
3 Darle la vuelta al acetato. Por este otro lado del acetato pintar con pintura de colores rellenando los huecos.
4 Al darle la vuelta:
L I N E A
¿cual es la principal diferencia entre pintura e ilustracion?
Pues la linea. Normalmente en pintura no se dibuja el contorno de los objetos, no se le pone borde. Pero en ilustracion lo mas habitual es usar linea. Antiguamente habia otras diferencias como el soporte y la tecnica, aunque actualmente en ilustracion y pintura se emplean toda clase de soportes y tecnicas.
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Para conseguir profundidad en un dibujo se puede usar linea mas oscura y/o mas gruesa en los objetos cercanos y mas clara y/o fina en los mas lejanos. Tambien poniendo linea en las figuras cercanas y no en el fondo.
Calvin Hobbes Joshua Middleton________________________________________________
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Por supuesto en la realidad un perro no tiene una linea negra alrededor. Entonces ¿Por que dibujamos con linea? Un dibujo es una representacion sencilla de la realidad, trata de que con poco se entienda mucho. La linea define y separa los objetos, y asi es mas sencillo entender el dibujo.
Nuestro cerebro reconoce y analiza cada objeto por separado. Por eso es mas facil entender un dibujo si los elementos estan separados entre si y del fondo por una linea.________________________________________________
El color
Lo mas habitual es el negro, pero tambien puede ser otro color cualquiera, o el del fondo. Incluso cada pieza del dibujo puede tener su propio color de linea como por ejemplo el color del relleno mas oscuro.
Bob Esponja Alberto Urdiales Tuesugi Lisa Cinelli Chhuy-Ing IA
Un color que no sea el negro es una buena forma de hacer una linea original, pero hay que elegir bien el color porque la funcion mas importante de la linea es que se vea mejor el dibujo y eso no todos los colores lo consiguen.
Tipos de linea
Un dibujo puede tener o no linea.
Gina Capaldi Poly Bernatene
La forma del trazo
La mayoria de los dibujos tiene lineas curvas y rectas. Un dibujo con mayoria de lineas rectas y angulos es mas agresivo, con fuerza, mas adulto. Un dibujo con mayoria de lineas curvas y cambios fluidos es mas suave, amable, mas infantil.
Gamon Breadwig Juan Bauty Monica Calvo
Si tiene linea, puede ser de muchos tipos. Depende de:
El trazo tambien puede ser mas o menos firme. Cuanto mas firme mas sensacion dara de seguridad y madurez. El trazo tembloroso es mas gracioso y tierno, es muy habitual en las tiras comicas. El trazo tipo boceto es informal y dinamico.
Baby Blues Charlie Brown Levin
Jordi Viladelclos Corto Maltes
La continuidad
Se puede cerrar o no la linea de cada zona del color. Si se cierra, el dibujo estara mas definido, mas formal. Si se dejan parcialmente abiertas dara mas sensacion de movimiento, mas informal. Otra opcion es usar una linea discontinua (esta es una opcion tipica del dibujo humoristico).
El grosor
Una linea mas gruesa es mas fuerte, grafica y agresiva. Cuando los colores de un dibujo son muy saturados, una linea negra gruesa sirve para separarlos y reducir el contraste entre los colores.Una linea fina es mas suave y amable. Es la mas adecuada para un dibujo realista.
El grosor puede ser siempre uniforme (ancho igual en toda la linea). Pero tambien puede ser variable o con textura.
El grosor variable es tipico de la linea hecha con pincel, pluma, rotulador viselado... aunque tambien se puede hacer con ordenador. Puede hacer interesante el dibujo. Ademas si se utilizan lineas mas gruesas en la zona de sombra (normalmente abajo y en uno de los dos lados) y mas finas en las de luz se consigue mas volumen. Para suavizar el acabado cuando el final de la linea queda suelto (no acaba en otra linea) se hace con linea cada vez mas fina.
PJ Loughran Calvin Hobbes David Pintor
La linea con textura es tipica del dibujo con lapiz o carbon. Le da al dibujo un aspecto natural y algo aspero.
Tuesugi Chhuy-Ing IA
Otra forma de linea irregular se consigue dejando ver el color del fondo. Dibujando el color de cada elemento sobre el fondo, pero dejando entre ellos una separacion que sirve de linea. De esta forma es el trozo de fondo que se ve el que actua como linea. Si el fondo es oscuro, este estilo solo se puede realizar con tecnicas que cubren el color del fondo (si con acrilico, collage, ordenador… no con transparentes como acuarela o lapiz).
Kandinsk Alberto Urdiales Nancy Coffelt Breadwig
La posicion
La linea normalmente se ajusta al borde del elemento. Pero tambien puede estar desplazada. Eso hace el dibujo mas dinamico pero tambien mas dificil de comprernder. Por eso es un estilo adecuado para dibujos sencillos y con pocos elementos.
Proud Family
Como elegir el tipo de linea
El tipo de linea adecuado es muy importante en un dibujo. Un dibujo sencillo mejora con una linea con personalidad, un dibujo blando mejora con una linea agresiva...
Segun el tema
Se puede elegir el tipo de linea que vas a usar en un dibujo dependiendo del tipo de dibujo que es: del tema (terror, romantico...) y a quien va dirigido. (niños, adolescentes...)
Por ejemplo: - Un dibujo con tema de terror para adolescentes: linea gruesa y oscura con trazos rectilineos e irregulares. - Un cuento para niños pequeños: linea fina y discontinua con trazos curvos y suaves.
Segun el dibujo que se quiere hacer hay que plantear: ¿cual es el tema? ¿a quien va dirigido? ¿que efecto quieres que tenga en quien lo vea? Cuando estan claras las caracteristicas del dibujo se elige el tipo de linea mas adecuado.
Segun tus preferencias
Eligimos el tipo de linea segun nuestros gustos.Mira dibujos con todas las opciones de lineas y elige cuales te resultan mas atractivas y cuales no tanto. Busca en libros, internet... dibujos que te gusten por su linea. ¿Que tipos de linea son? ¿Que tienen en comun y en que se diferencian?
Segun la tecnica
Segun que tecnica se use (lapiz, pincel, rotulador, pluma…) se consiguen resultados distintos. Una misma tecnica se puede usar de muchas formas distintas: con trazos continuos o discontinuos, irregulares o uniformes, con la tinta mas humeda o mas seca...
Y cada tecnica es mejor para un estilo de linea. Para textura se usan ceras, para una linea uniforme ordenador o rotuladores...
Segun tus capacidades
Si te gustan tus dibujos pero no como quedan despues de trazar las lineas (con tinta, rotulador...) tienes muchas opciones. La primera por supuesto es practicar mucho hasta mejorar tu tecnica.
Pero tambien puede que no hayas escogido la tecnica mas adecuada a tu forma de dibujar. Prueba tecnicas diferentes y busca la que te haga sentir comodo.
Si al dibujar el boceto a lapiz las lineas te salen decididas y firmes pero con el pincel o el rotulador no, puede que necesites practicar. Pero tambien puede que te cueste hacerlo con la misma soltura porque ya es el dibujo definitivo. Para evitarlo puedes:
- Actuar siempre como si fuera solo un boceto para tener mas seguridad. - Usar una tecnica que se pueda rectificar (borrar, tapar o retocar con el ordenador). Asi no te preocupara tanto cometer algun error.Por ejemplo: hacerlo a lapiz y escanear el dibujo para modificarlo en el ordenador haciendo los trazos mas oscuros e incluso mas gruesos. Tambien puedes redibujarlo en el ordenador con un programa de dibujo vectorial. - Otra posibilidad es usar un tipo de linea que no requiera mucha
firmeza: como trazo tembloroso, discontinuo, abocetado o a base de lineas rectas cortas.
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Mueve el papel y sujetalo bien. La posicion en la que es mas facil dibujar es en diagonal perpendicular a la linea del brazo. Las curvas es mas facil dibujarlas desde el interior. Asi que mueve el papel siempre que lo necesites para que la linea este en esa posicion.
Si el papel se mueve sin querer mientras dibujas es muy dificil hacerlo bien. Utiliza la mano libre para sujetarlo firmemente. Si te resulta incomodo puedes sujetarlo con celo o chinchetas. Si lo sujetas a una tabla o carton podras moverlo y girarlo si lo necesitas.________________________________________________
RESUMEN
LINEAen este tema:
- Tipos de linea
- Como elegir el tipo de linea
- Resumen
- Ejercicio
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EJERCICIO
C O M P O S I C I O N 1
¿y esto donde lo pongo ?
Cuando dibujamos ponemos elementos en el papel: un arbol, un perro, el suelo... Segun donde los ponemos, su posicion y su tamaño, tendremos un dibujo u otro completamente diferente.
Los niños comienzan poniendo un elemento (por ejemplo una casa) y van añadiendo mas en los huecos que les quedan. Despues aprendemos a hacernos una idea de lo que queremos poner y donde lo queremos poner, antes de empezar a dibujar. Es muy importante buscar la mejor manera de colocar todos los elementos de un dibujo. A esto le llamamos composicion: la posicion de todos los elementos en el dibujo y entre ellos.
Puede ser mejor un dibujo sencillo pero con una composicion buena que uno muy trabajado pero con una composicion mala.
Para conseguir una buena composicion hay varias opciones.
Linea de composicion
Podemos ordenar los elementos del dibujo en una linea (o una forma sencilla: circulo, triangulo...). Esta linea se puede formar con los bordes de los objetos, sus esquinas, sus centros, los ojos en las caras, la cabeza en las figuras...
Esta linea estara mejor definida cuantos mas elementos coincidan sobre ella, sobre todo los principales.
Segun su forma, la linea de composicion comunica distintas ideas:
- Horizontal: serenidad, solidez, amplitud
- Vertical: equilibrio inestable, elegancia
- Diagonal: movimiento, fuerza, transgresion
- ascendente: positiva, creciente
- descendente: negativa, disminuir
Francesc Rovira 1 2
- Curva: naturalidad, movimiento suave Merce Lopez
Otros ejemplos: cruz, circulo, zig-zag, piramide (una de las mas usadas):
Una figura puede tener partes que, en si, ya formen una linea de composicion. Por ejemplo las manos y la cabeza de un niño pueden formar una linea. Cuando usamos esta linea como la linea de composicion del dibujo, este tiene aun mas fuerza.
The pink inuit Merce Lopez
Agrupar
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Si queremos llamar la atencion sobre algo podemos colocar todos los elementos en una misma linea de composicion o en un grupo y ese objeto/s fuera.
Francesc Rovira David Guirao________________________________________________
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En los primeros dibujos que hacemos en la infancia tendemos ha poner elementos separados ocupando todo el dibujo. Despues aprendemos a agruparlos. Descubrimos que, si empezamos a dibujar primero el objeto que esta delante, es facil.________________________________________________
Una forma de ordenar los elementos del dibujo es agrupandolos. Se ponen algo superpuestos para que formen un grupo. Esto es muy util cuando hay muchos elementos distintos.
Normalmente los mas grandes se colocan detras y los pequeños delante para que se vean todos con claridad. Ademas asi se consigue mas equilibrio.
Poly Bernatene Francesc Rovira
Puntos de interes
En general funcionan bien las composiciones que tienen el objeto principal en uno de estos puntos:
Por ejemplo, si lo ponemos en el centro (vertical):
Mejor en un punto de interes:
Man Arenas 1
Antes de dibujar, para decidir la composicion (linea, grupos, puntos de interes) lo mejor es hacer un pequeño boceto sencillo con un esquema de donde va a ir cada elemento (tamaño y posicion).
La composicion no solo es importante cuando nos inventamos lo que dibujamos si no tambien cuando copiamos las imagenes de la realidad. En la copia de la realidad podemos elegir la composicion del dibujo cambiando la posicion desde donde miramos, el trozo que escogemos (encuadre) o moviendo los objetos...
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Antes de copiar, elige siempre la mejor composicion posible de los objetos que ves.Para hacerlo puedes hacer primero fotos o bocetos de las distintas opciones y elegir entre ellas.
Tambien puedes usar tus manos o dos angulos para elegir el mejor encuadre.
RESUMEN
Para conseguir un buen dibujo debemos elegir, desde el principio, en que lugar y con que tamaño vamos a poner todos los elementos (tanto si nos inventamos el contenido como si lo copiamos). Esto es la composicion.
Para conseguir una buena composicion podemos:- Colocar elementos siguiendo una misma forma o linea (linea de composicion).- Agrupar elementos superponiendolos.- Poner los elementos mas importantes en los puntos de interes.
E J E R C I C I O C O M P O S I C I O N 1
Recuerda leer todo el ejercicio antes de empezar a hacerlo.
Material: Varios objetos (5-9) faciles de dibujar de diferentes tamaños y formas. Una buena opcion son frutas, verduras y objetos de cocina. Hojas de papel. Pinturas.
Composicion 1
1 Busca una superficie y un fondo muy sencillos para colocar los objetos.
2 Coloca los objetos de varias maneras hasta que encuentres la composicion que prefieres.
3 Para asegurarte haz un pequeño boceto solo con la silueta de los objetos y el encuadre del dibujo.
En el ejemplo, la composicion elegida tiene una linea de composicion (diagonal ascendente) marcada, la mayoria de los elementos estan agrupados y estan colocados cerca de los puntos de interes, no en el centro.
4 Cuando hayas elegido la composicion dibujalo. Haz primero un sencillo esquema de la composicion antes de empezar a dibujar con detalle.
5 Busca dibujos, pinturas e incluso fotografias y observa su composicion. ¿Hay lineas de composicion o agrupaciones? ¿Los elementos principales estan situados en puntos de interes?
Prueba tambien con este ejemplo:
C O M P O S I C I O N 2
¿Pesa mas el dibujo de un elefante que el de un raton?
Cuando pensamos en la composicion de un dibujo hay que tener en cuenta el equilibrio visual. Este depende del peso de los elementos.
Peso visual
Fijate en los objetos que hay a tu alrededor. Sin cogerlos ¿puedes saber cual pesa mas y cual menos? Cuando vemos un objeto nos hacemos una idea de lo que pesa. Algo grande y solido parece mas pesado que algo pequeño y hueco.
Cada elemento de un dibujo tambien da una sensacion de “peso” diferente segun sus caracteristicas:
Un objeto parece menos pesado cuando es: mas pequeño, de color mas frio y parecido al del fondo (menor contraste), de forma mas irregular y mas recortado.
Asi que, si dibujamos un raton grande y oscuro y un elefante mas pequeño y claro, el raton parecera mas pesado.
Equilibrio
Para que un dibujo parezca estable los elementos mas pesados se colocan en la parte inferior del dibujo y distribuidos de forma que los dos lados del dibujo tengan un peso parecido.
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Si nos imaginamos que el dibujo es una caja apoyada solo en un punto en el centro, es mas facil saber que composicion resulta mas o menos estable.
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Como leemos de izquierda a derecha (en occidente), miramos los dibujos de izquierda a derecha y nuestra vista se fija mas en el lado derecho. Por eso en las revistas los anuncios del lado derecho son mas caros de contratar.
Y por eso el lado izquierdo del dibujo puede tener algo mas de peso visual. _______________________________________________
Espacios en blanco
Un dibujo sin ningun espacio amplio vacio puede resultar agobiante. Es aconsejable dejar algun espacio libre. Tambien puede servir un espacio con un contenido uniforme. Por ejemplo un cielo, una zona de pared estampada pero sin muebles... Cualquier zona homogenea, sin cambios, vale para dar un descanso a la vista.
Garin Baker Chhuy-Ing IA
Tiene mas fuerza un espacio vacio grande que varios pequeños.
Para que la composicion este equilibrada, el mejor lugar para dejar un espacio en blanco es arriba y a la derecha.
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A veces un espacio libre en el lugar adecuado es muy importante. Por ejemplo delante de la mirada de una persona de perfil, o de un coche que se mueve hacia esa zona. A este espacio tambien se le llama "aire".
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RESUMEN
Los elementos de un dibujo dan una sensacion de peso visual diferente segun sus caracteristicas.
Para que un dibujo parezca estable los elementos mas pesados se colocan en la parte inferior del dibujo y distribuidos de forma que los dos lados del dibujo tengan un peso parecido.
P E R S P E C T I V A 1
Las personas parecen hormiguitas
Los estudios sobre la perspectiva son muy extensos y complejos. Este tema es un resumen facil de aplicar.
Fijate en la forma de un objeto sencillo como una caja o un lapiz. Si lo giras o lo miras desde otro sitio ¿cambia la forma que ves?
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En general cuanto mas lejos esta un objeto mas pequeño se ve. Cuando miramos desde un edificio alto las personas se ven tan pequeñas que parecen hormigitas. Solo con hacer los objetos mas pequeños y poner su base (donde tocan el suelo) mas alta ya parecen mas lejanos.
Tuesugi
Aunque si se trata de varios objetos, o estos son complejos o geometricos (por ejemplo una casa) lo mejor para dibujarlos es utilizar la perspectiva.________________________________________________
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La altura del horizonte nos da la postura del observador. Esta implica tambien una posicion psicologica. Si la linea del horizonte esta:
- Alta representa una mirada desde arriba. Es un punto de vista desde la superioridad. El que tendria un Dios o alguien que observa sin implicarse en los hechos. - Media es la de la normalidad. Es el punto de vista de alguien que se siente cercano y forma parte de la escena. - Baja es la de la inferioridad. Es la vision del que se siente abrumado o asustado. Es la vision de un niño o de alguien que se siente indefenso ante lo que ocurre. Gina Capaldi
Por lo tanto se puede utilizar la altura de la linea del horizonte para transmitir una sensacion. Por ejemplo sobre lo que siente un personaje de la historia que se ilustra.________________________________________________
La perspectiva define el aspecto que tienen los objetos, segun el punto de vista del observador, con geometria. Asi los podemos dibujar de forma que se parezcan a la realidad. Nos ayuda a representar sobre un papel los objetos tal y como los vemos.
Las lineas paralelas al horizonte parecen mas cercanas entre si cuanto mas se alejan.
Linea del horizonte
Es una linea, generalmente recta y horizontal, que simboliza el horizonte. Si mirasemos el mar, seria la linea donde acaba el mar y empieza el cielo. Si observamos un barco que se aleja, se acercara a esa linea del horizonte.
Esta linea siempre esta a la altura de los ojos del observador (el dibujante). Si el observador esta de pie, la linea estara mucho mas alta que si esta agachado.
Punto de fuga
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Cuando miras un gran suelo de baldosas o lamas de madera sabes que todas tienen el mismo tamaño. Pero, al verlas, las mas lejanas se ven cada vez mas pequeñas. Las lineas que se alejan, aunque son paralelas y tienen siempre la misma separacion, se ven cada vez mas proximas. De echo si las prolongamos se unen en un unico punto.
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Si las lineas paralelas estan en cualquier plano paralelo al horizonte (como el suelo, el techo de una habitacion o la superficie de una mesa) ese punto de fuga esta en la linea del horizonte.
Asi se aplica al dibujo, especialmente al de los objetos geometricos (casas, cajas...).
Pero la perspectiva tambien nos ayudan a saber el tamaño y posicion que ocupan los objetos irregulares (personas, plantas...) y es muy importante para calcular la deformacion que aparece en los objetos, por ejemplo los circulares.
RESUMEN
Las cosas tienen un aspecto diferente segun desde donde las miramos. Dibujarlas es mas facil usando la perspectiva.
A medida que se alejan del observador los elementos se ven mas pequeños y las separaciones entre ellos tambien se ven mas pequeñas. Ademas la posicion del objeto se acercan a la linea del horizonte.
Todas las lineas paralelas entre si parecen unirse en un mismo punto cuando se alejan. Se le llama punto de fuga. Para las lineas paralelas al suelo (horizontales), este punto esta situado en la linea del horizonte.
Si te gusta dibujar, esta es tu pagina. Da igual tu edad, el material para dibujar que tienes, si estas empezando o si aun crees que puedes mejorar. Y por supuesto es una pagina completamente abierta y gratuita.
Te enseñamos como dibujar y a encontrar tu propio estilo. Con muchas imagenes, ejemplos de autores importantes, trucos y curiosidades. Al final de cada capitulo encontraras el resumen y un ejercicio paso a paso.
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TEMAS
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PROFUNDIDAD¿El aire es transparente?
FONDO Y FIGURA
¿Por que cuesta tanto encontrar a Wally?
COLOR
1 ¿Por que sale marron en vez de morado?
2 ¿Cuantos verdes existen?
3 ¿Que camisetame pongo con esto?
TEXTURADibujar conjabon y esponja
LINEA
¿Cual es la diferencia entre pintura e ilustracion?
COMPOSICION1 ¿Y esto dondelo pongo?
2 ¿Pesa mas el dibujode un elefanteque el de un raton?
PERSPECTIVA
1 La gente de lejos parecen hormigitas
2 La casa torcida
ECOLOGIASalvar los bosques dibujando
EL PROCESODibujar, un deportede riesgo
MEJORARQue suerte¡tengo un defecto!
¿COMO DIBUJAR... ¿Por que mi retrato nose parece a mi?
DIBUJAR CARAS 1 ¿Tener un buen pelo es importante?
2 ¿Por que los Na`vi llevan trenzas?
CARICATURASLos guapos son peores
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Que suerte ¡tengo un defecto!
¿Que hace realmente interesante un dibujo? Hay muchos dibujos bien elaborados y trabajados que nos gustan, pero hay algunos que realmente nos entusiasman.
Aparte de la calidad de la tecnica hay cinco caracteristicas importantes para que un dibujo sea realmente atractivo, especial: personalidad, soltura, emocion, claridad y contraste. Y se resumen en uno: caracter.
Personalidad
Personalidad es todo lo que hace que un dibujo sea diferente a los de otros dibujantes. Cuando al ver un dibujo sabes quien lo ha hecho es que tiene personalidad propia. El estilo de ese dibujante es unico, original y diferente.Un dibujo llama la atencion si tiene algo distinto a lo habitual, y a todos nos gusta lo nuevo y diferente.
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¿Sabias que “Nuevo” es la palabra mas usada en publicidad?________________________________________________
No hace falta que un estilo no se parezca en nada a todo lo que has visto, solo que tenga alguna caracteristica (una forma de hacer los ojos de las figuras, de colorear, una textura especial…) que lo haga especial.
Por ejemplo la boca enorme con el labio de arriba mas grande y el color amarillo de la piel:
Simpsons David Guirao Tuesugi Juan y Tolola
En el colegio los profesores quieren dibujos de lineas bien rectas y coloreados sin salirse de la linea y sin “rayujos”. Quizas por eso a veces aun intentamos que las lineas parezcan trazadas con regla y compas y que el color sea perfectamente plano. Pero por mucho que nos esforcemos puede que no lo consigamos. Y esforzarse demasiado puede hacer que los dibujos sean rigidos y sosos. Lo importante es disfrutar dibujando y eso se reflejara en los dibujos.
A todos se nos da mejor unas partes del dibujo y peor otras. Puedes dar color muy bien pero tener una linea poco firme. O puedes tener muy buena tecnica y hacer unas composiciones un poco mediocres.
Conocer nuestros puntos debiles nos puede ayudar a mejorarlos. Pero muchas veces sencillamente somos asi y tratar de cambiarlo no hace que mejoremos sino que nos sintamos frustrados. Otra opcion es en vez de evitar esa caracteristica es usarla e incluso exagerarla. Eso no solo no tiene porque ser malo sino que le puede dar mucha personalidad al dibujo.
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Guarda los dibujos que haces y ponles fecha. Al mirar los dibujos que hemos hecho a lo largo del tiempo, podemos disfrutar viendo como mejoramos. Ademas podemos fijarnos en que es lo que hace nuestro estilo distinto a los demas y asi poder resaltarlo. ________________________________________________
LO QUE QUEREMOS LO QUE NOS SALE OTRA OPCION
A muchos grandes autores se les reconoce por una caracteristica que los hace distintos. Van Gogh representa la realidad distorsionada, los objetos deformados y los colores muy saturados y contrastados ¡y por eso es especial!
Van Gogh
Asi que si no te salen las lineas firmes, prueba a hacerlas claramente temblorosas. Si te cuesta no salirte al dar color, colorea siempre fuera de la linea. Si no consigues figuras con suficiente volumen, hazlas planas, son divertidas. Si no consigues que el color te quede bien plano, ¡dale mucha textura! Puede que asi encuentres esa caracteristica que haga tus dibujos diferentes y con personalidad.
Breadwig
Soltura
Soltura es lo que tienen una linea, una forma o un dibujo cuando dan la sensacion de que los han dibujado con seguridad y decision. Cuando se nota que el dibujante sabia lo que hacia y lo hacia con confianza.
La soltura se percibe y es muy importante para que un dibujo sea atractivo. Normalmente se consigue con mucha practica, pero a veces es dificil.
Trucos para coger soltura:
- Dejar que el cuerpo se mueva. Poner el papel en un soporte vertical (un caballete o sujetandolo con celo en una pared o un cristal…) a la altura del cuello estando de pie. Al dibujar de pie y sin apoyar el brazo este se libera y puede hacer movimientos mas fluidos.
- No sujetar el lapiz o el pincel por la punta, si no mas atras y sin apretarlo excesivamene. Asi se controlan menos sus movimientos y son mas sueltos. Esto es mas facil de hacer en dibujos de gran tamaño.
- Otra forma de conseguir soltura es despreocuparse un poco de que cada raya sea perfecta. Si se pueden reparar los fallos del dibujo (borrando, tapando o con el ordenador) es mas facil no preocuparse de no cometer alguno. A veces la soltura tiene que ver sobre todo con la mente. Estar preocupado porque el dibujo salga bien puede producir el efecto contario. Para dejarse llevar hay trucos como imaginarse que no es un dibujo definitivo si no un boceto (para quitarle importancia). Tambien hablar con otra persona mientras dibujamos o cualquier forma de evitar estar tenso al dibujar.
- Cambiar el tamaño. Hacer un dibujo muy grande o muy pequeño nos ayuda a dibujar de una forma completamente distinta y puede dar mucha soltura.
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Si cuando dibujas en un tamaño pequeño los dibujos y las composiciones tienen mas soltura, puedes hacer pequeño el boceto y luego ampliarlo con una fotocopiadora o un ordenador para calcarlo en el dibujo definitivo.
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Emocion
La historia no esta solo en los textos. “Una imagen vale mas que mil palabras”. El dibujo, como el texto, debe transmitir emociones y accion, (tristeza, alegria, misterio, vida, inmensidad, opresion, sorpresa... ) Un dibujo aunque sea sencillo puede transmitir mucha emocion.
Smile
Formas de transmitir con un dibujo:
- Con los personajes: Busca que el gesto de los personajes expresen emocion y accion. Nada como la expresion de una cara o una mirada para transmitir emociones.
Leonardo da Vinci Degliuomini Pitufos
Los personajes tambien transmiten emocion y accion con la postura, el movimiento, su situacion...
Moni Perez Calvin y Hobbes
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Si el personaje esta en una postura inestable (saltando, a punto de caerse, corriendo en la posicion en la que ningun pie toca el suelo…) da una sensacion aun mayor de emocion y movimiento.
Calvin y Hobbes Man Arenas The pink inuit David Small________________________________________________
- El fondo tambien puede transmitir emociones. Un paisaje evocador, una habitacion acogedora… Y tambien puede sugerir movimiento.
- El contenido, los objetos que elegimos y la forma en que los dibujamos tambien puede expresar emocion. Por ejemplo: las formas finas y curvas y los objetos pequeños transmiten delicadeza.
The pink inuit Çlau
- La tecnica, las caracteristicas del dibujo transmiten distintas emociones.
Por ejemplo:
Tristeza: los colores frios y poco saturados, poco contraste, los espacios vacios en el fondo, las lineas finas con curvas e inseguras, la composicion horizontal con lineas descendentes…
Enfado: colores calidos, saturados y oscuros, contrastes fuertes, poco fondo y sin espacios, linea angulosa y de ancho grueso e irregular, composicion vertical con lineas diagonales, figuras cortadas (por el margen)…
Claridad
Nos gusta entender las cosas. Al ser humano le disgusta no entender lo que ocurre, nos hace sentir inseguros. Por eso no nos gusta que en un dibujo no este claro si el personaje anda o se esta quieto o si una linea esta recta o torcida. Si al ver un dibujo no entendemos sin esfuerzo lo que nos quiere decir, o como quiere ser, nos molesta.
No hay que quedarse corto al expresar algo con un dibujo. Normalmente es mejor exagerar un poco que ser ambiguo. Es mejor que lo que queremos mostrar quede muy claro que indefinido.
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Tanto nos gusta llegar a entender las cosas, que muchos libros y peliculas o series de exito se basan en ello. Nos presentan un misterio y poco a poco nos desvelan la explicacion. Es el planteamiento tipico de las series de policias y detectives ¡y por eso nos molesta tanto cuando el capitulo no termina “continuara”!________________________________________________ Por eso asegurate de que todo en el dibujo sea evidente para cualquiera (no solo para ti).
Contraste
¡Otra vez sopa! Por mucho que te guste la sopa, si la comes y cenas cada dia, probablemente te deje de gustar. En general cuando algo es homogeneo y siempre igual es aburrido y poco interesante. La variacion, lo heterogeneo, lo diferente, el contraste es mas atractivo.
Pero tampoco la variacion excesiva es agradable, porque satura. En la vida a todos nos gusta una mezcla equilibrada de aventura y estabilidad. Que haya cosas nuevas pero que tambien haya cosas que estan siempre ahi.
Y en un dibujo es igual, se busca el contraste justo, un equilibrio, un ritmo entre: mucho y poco, simple y complejo, normal y extraordinario, sencillo y complicado, agrupado y separado, accion y estabilidad…
Ej. Contraste entre realismo y creacion.
Poly Bernatene 1 Merce Lopez Adam Mc Daniel
Ej. Lleno y vacio
Tadahiro Uesugi
Ej. Luz y sombra
Jorge Mendez
Ademas nada resalta mejor algo que lo que es diferente, incluso contrario. Para que alguien parezca grande lo mejor es colocarle junto a alguien pequeño, para que algo parezca muy suave lo mejor es colocarlo junto a algo aspero. Un grito en un parque de atracciones ni se notara, un grito en una biblioteca se notara mucho y llamara la atencion de todos.
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De los cuadrados del centro ¿Cual es mas oscuro?
¡Son iguales!
Pero junto a un color mas claro parece mas oscuro, y viceversa. Asi el rojo parece mas rojo junto a su contrario (complementario) el verde. Un niño parece que se mueve mas si todo a su alrededor esta quieto. Una caja parece mas vacia si todo a su alrededor esta lleno.
claudia degliuomini Ejemplo: el cielo parece mas inmenso y azul cuando las figuras son pequeñas y de colores calidos________________________________________________
RESUMEN
El proceso para hacer buenos dibujos tiene varios pasos:
Un dibujo especial tiene: personalidad, soltura, emocion, claridad y contraste.
Personalidad La personalidad de un dibujo se la da todo lo que hace que sea diferente a los de otros dibujantes. Es unico, original y diferente a lo habitual.
Soltura La tiene un dibujo que da la sensacion de que lo han dibujado con seguridad y decision. Cuando se nota que el dibujante sabia lo que hacia y lo hacia con confianza.
EmocionUn dibujo puede transmitir emociones. Lo hace con la tecnica (colores, lineas, texturas, composicion…) y con el contenido (expresion de las caras, movimiento, objetos…)
Claridad El dibujo debe comprenderse facilmente, que al verlo entendamos sin esfuerzo lo que nos quiere decir, o como quiere ser.
ContrasteCompensar y resaltar unas caracteristicas con las opuestas o distintas.
