Semana Internacional de la Música

el instrumento rey del siglo XX. Cuando escuchen cualquier motivo de las “Cuatro estaciones de Vivaldi”, comprenderán que la buena música en manos de un buen interprete, traspasa con facilidad la barrera del tiempo para llegar con nitidez a nuestros días.

La Semana conserva sus orígenes ofreciendo música de cámara de alta calidad. La que siempre cuidaron los principales compositores. En este caso será el pianista Iván Martín, que después de su éxito en Salzburgo se unirá a la violinista rusa Natalia Lomeiko, primer premio del certamen Paganini y al viola Yuri Zhislin, para acercarnos algunas de las obras referencia dentro de la música para los más escogidos.

La importancia adquirida por todo lo relacionado con la época renacentista, se hace patente por distintos lugares, en la actualidad. En las salas de concierto es difícil encontrarse con la música de esa época, hecha con rigor y seriedad. El grupo “Ensemble La Danserye” nos propone un amplio recorrido por la música que abarca la última Edad Media hasta adentrarse en los principios del barroco, yendo desde lo sacro a lo profano. Música interpretada por instrumentos originales, procedentes de su colección particular, una de las mayores de España. El concierto cuenta con una pareja de baile que marcará los pasos de las danzas del pueblo y de la corte.

Los músicos cercanos que cada año demuestran su categoría, tendrán este año como representante a la Coral Universitaria de Valladolid, dirigida por Javier Fajardo, que con más de sesenta años de historia, interpretará obras religiosas clásicas y contemporáneas. Bajo el título “Death and Love”.

Al día siguiente, la Semana ofrece el concierto de mayor despliegue en sus 26 ediciones. La Fura dels Baus se ha convertido en un grupo de culto a nivel mundial. Es conocido en los más importantes escenarios del mundo. La semana acoge el espectáculo Free Bach 212 que no es sino la escenificación de la cantata Campesina de Bach, hecha por el cuarteto de cámara “Divina Mysteria” al que se unen soprano, barítono, sintetizador danza y cante. El espectáculo cuenta con un original atrezzo y una incorporación multimedia proyectada en directo. Será una de las propuestas más novedosas vistas en Medina del Campo de la mano de un grupo que ha impactado con sus escenografías operísticas en los teatros de todo el mundo.

Y dentro de la misma calidad, la Semana propone la unión de dos estilos tan poderosos como el Barroco y el Flamenco, para ofrecer música de cámara que se une de modo milagroso, entre melismas y percusiones para ofrecer las más conocidas canciones tradicionales y las arias del barroco, para terminar con el flamenco auténtico, representado por la eterna seguiriya. Al frente del concierto la luminosa voz de Rocío Márquez, primera cantaora en leer una tesis doctoral sobre técnica del cante flamenco en una Universidad. Y con ella el viola de gamba Fahmi Alqhai, un virtuoso que propone las obras de modo intenso y personal.

Y para finalizar, los padres podrán acompañar a los más pequeños en el concierto titulado “Locos por Disney” con el que La Orquesta de las Esquinas, cerrará la presente edición.

La Semana les propone un año más, descubrir los paralelismos entre la música y la vida, con este variado programa. Les esperamos para recorrer juntos este camino.

omprender la música, significa simplemente disfrutarla. Aunque es verdad que algunos de sus aspectos pueden ser objeto de un estudio más detenido, lo esencial está en esa impresión directa que nos hace conectar con su sentido emocional y dramático. A lo largo del tiempo, la música ha evolucionado y ha sabido adaptarse a los cambios sociales. Han aparecido nuevos instrumentos y los ritmos han asaltado los pentagramas con osadas propuestas.

El Ayuntamiento de Medina del Campo, quiere facilitar a través de la Semana Internacional de la Música, ese encuentro de la gran música con la sociedad. Y para ello viene programando en las últimas ediciones, una serie de conciertos que, sin perder el rigor original de la partitura, ofrecen una escucha diferente de las obras, adaptadas a nuevas propuestas estéticas.

Dentro de la programación de este año, podremos disfrutar una vez más con la calidad de la OSCYL, la orquesta de la Comunidad que está considerada entre las mejores de España. Y además, uniendo la música en directo con las imágenes de una película. La música hecha pare el cine es la favorita para ese público que reconoce las grandes obras escritas para acompañar a las imágenes. La música original que Shostakovich compuso, para la película “La Nueva Babilonia” de Grigori Kotzintsev, será dirigida por Damin Iorio.

Una de las propuestas más novedosas de la edición será el concierto ofrecido por Electric Guitar Orchestra, la primera orquesta sinfónica de guitarras eléctricas del mundo. Su director Pablo Salinas ha logrado un grupo original, dotado de una calidad excepcional. La guitarra eléctrica en sus manos puede considerarse

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ORQUESTA SINFÓNICA DE CASTILLA Y LEÓN.

“Música e Imagen”. Director: Damián Iorio

una gira por Francia y otra por Portugal; actuaciones con los maestros Jean Crhistophe Spinosi, Lionel Bringuier, Semyon Bychkov, Vasily Petrenko entre otros y solistas como Vadim Repin, Maria Joao Pires, Nicolai Lugansky o Javier Perianes entre otros.

Es importante reseñar la alta implicación de la orquesta en las numerosas iniciativas sociales y educativas que el Centro Cultural Miguel Delibes está llevando a cabo, como el proyecto “In Crescendo”. La actividad de la OSCyL llega a más de 70 centros escolares y a 70.000 niños a través de talleres, conciertos especialmente diseñados para alumnos de la ESO y otras actividades, por ejemplo en centros para niños con necesidades especiales. Asimismo cabe destacar la versatilidad de la formación, que se pone de manifiesto en la participación de ensembles y agrupaciones de cámara en los ciclos de programación propia.

Director italiano nacido en Londres, Damian Iorio, se crió en una distinguida familia de músicos italianos e ingleses. Después de estudiar en el Reino Unido y los EEUU, comenzó su carrera musical como violinista, estudió dirección de orquesta en St. Petersburgo. Damian ha trabajado con una impresionante lista de orquestas y compañías de ópera incluyendo la Filarmónica de Londres, el Glyndebourne Festival Opera, la Sinfónica de Detroit, la Sinfónica de San Francisco, la Ópera Nacional de París, la Filarmónica de los Países Bajos, la Filarmónica de San Petersburgo, la BBC Symphony, Oper Bonn y la Orquesta Nacional de Bélgica. y la Orquesta de Chambre de Lausanne.

Damian Iorio ha regresado recientemente a la Filarmónica de Londres, la Orquesta Sinfónica de Lahti y la Orquesta Nacional de Bélgica y ha debutado con la Royal Philharmonic Orchestra, la Royal Liverpool Philharmonic y la BBC National Orchestra de Gales.

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La Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCyL) fue creada en 1991 por la Junta de Castilla y León, y tiene su sede estable desde 2007 en el Centro Cultural Miguel Delibes de Valladolid. Su primer director titular fue Max Bragado-Darman y, tras este periodo inicial, Alejandro Posada asumió la titularidad de la dirección durante siete años, hasta la llegada de Lionel Bringuier, quien permaneció al frente hasta junio de 2012. Desde ese año cuenta con el maestro toresano Jesús López Cobos como director emérito. En la temporada 2015-2016 Eliahu Inbal fué designado principal director invitado, con lo que entró a formar parte del equipo de la OSCyL . Desde la temporada 2016 la OSCYL cuenta con el director Andrew Gourlay como titular y sigue contando con Jesús López Cobos como director emérito.

A lo largo de más de dos décadas, la OSCyL ha ofrecido centenares de conciertos junto a una larga lista de directores y solistas, entre los que han destacado los maestros Semyon Bychkov, Rafael Frühbeck de Burgos, Gianandrea Noseda, Masaaki Suzuki, Ton Koopman, Josep Pons, David Afkham o Leopold Hager; los cantantes Ian Bostridge, Angela Denoke, Juan Diego Flórez, Magdalena Kozena, Leo Nucci, Renée Fleming o Angela Gheorghiu; e instrumentistas como Vilde Frang, Daniel Barenboim, Xavier de Maistre, Emmanuel Pahud, Gordan Nikolic, Viktoria Mullova, Mischa Maisky o Hilary Hahn, entre otros muchos.

Durante sus veinticinco años de trayectoria, la OSCyL ha llevado a cabo importantes estrenos y ha realizado diversas grabaciones discográficas para Deutsche Grammophon, Bis, Naxos, Tritó o Verso entre otras, con obras de compositores como Joaquín Rodrigo, Dmitri Shostakóvich, Joaquín Turina, Tomás Bretón, Osvaldo Golijov o Alberto Ginastera. Además, ha llevado a cabo una intensa actividad artística en el extranjero, con giras por Europa y América, que le han permitido actuar en salas tan destacadas como el Carnegie Hall de Nueva York.

Algunos de los compromisos para la presente temporada 2017-2018 incluyen

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DAMIÁN IORIO.

Auditorio Municipal

20:30 h.

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Novyy Vavilon(The New Babylon)Grigori Kozintsev y Leonid Trauberg. 1929, Unión Soviética (URSS)

Guión: Grigori Kozintsev, Leonid TraubergMúsica: Dmitri ShostakovichFotografía: Andrei Moskvin (B&W)Reparto: David Gutman, Yelena Kuzmina, Andrei Kostrichkin, Sofiya Magarill, A. Arnold, Sergei Gerasimov, Yevgeni ChervyakovProductora: Sokvino

En el año de 1870, en pleno auge de la guerra Franco-Prusiana, el desarrollo del conflicto bélico dio lugar a que las tropas de Prusia avanzaran sobre la capital francesa. Ante la inminente invasión de París, el gobierno francés se apresuró a pedir una tregua, lo que pronto dio lugar a la capitulación total. El orgulloso pueblo francés, avergonzado por la pusilánime reacción del gobierno, se alzó enfurecido. El gobierno sustituto, la Comuna, duró menos de dos meses en el poder, y sus líderes fueron prontamente fusilados. Con estos hechos como referencia, los cineastas rusos Grigori Kozintsev y Leonid Trauberg

concibieron un filme en el que siguieron un procedimiento bastante común: el narrar un hecho de importancia histórica universal a través de la visión de personajes individuales. En el caso del filme de Kozintsev y Trauberg, el personaje principal es Louise Poirier, dependienta de la tienda parisina que da su nombre al filme, La Nueva Babilonia. Es a través de la mirada y las percepciones de Louise (interpretada por Yelena Kuzmina) que los cineastas narran esta historia, que es a la vez una presentación de hechos y una toma de posición frente a ellos. En este caso, esa posición está claramente anclada en la lucha de clases.

y actualmente es Director Musical de la Orquesta Nacional de Cuerdas Juveniles de Gran Bretaña. En 2014 se convirtió en Director de Música de la Orquesta de la Ciudad de Milton Keynes, que está construyendo una fuerte reputación como parte central de la vida cultural en la región y la ciudad.

En 2006 recibió al Caballero de la Orden de Sant'Agata de la República de San Marino en reconocimiento por sus servicios a la música.

Damián Iorio ha dirigido el "Macbeth" de Verdi en el Glyndebourne Festival Opera y "The Bartered Bride" de Smetana en la Ópera Nacional de París donde vuelve en 2018 para "Boris Godunov". Los recientes debuts exitosos con Helikon Opera en Moscú ("Carmen") y Norrlands Opera en Suecia ("Eugene Onegin") han llevado a una fuerte relación con ambas compañías.

Hizo su debut en Estados Unidos con Central City Opera en Colorado en Britten "The Rape of Lucretia", que fue admirado por la prensa internacional. Ha aparecido en la ópera de Bonn para una producción de "Turandot" de Puccini, condujo la ópera noruega varias veces y también muchos centros de ópera italianos incluyendo el teatro Regio di Torino. En San Petersburgo dirigió "The Turn of the Screw" de Britten y en Moscú el estreno en ruso de Michael Nyman, "El hombre que confundió a su esposa con un sombrero", nominado a la mejor producción de ópera en el Golden Mask Festival.

Su reciente grabación de Ghedini y Casella en Naxos ha sido apreciada por The Guardian y fue galardonada con el prestigioso “Choc” de Le Monde de la Musique. Su interés en la creación de música nueva lo ha llevado a realizar varios estrenos, colaborando estrechamente con compositores como Tan Dun, Huw Watkins, Silvia Colasanti y Michael Nyman.

Damian Iorio fue Director Artístico de la Orquesta Filarmónica de Murmansk, donde fue catalizador de su éxito y crecimiento en la ópera y el concierto.

Le gusta trabajar con jóvenes músicos



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“Nueva Babilon” es una película soviética dirigida por Grigori Kozintsev y Leonid Trauberg. La película, esta basada en un acontecimiento histórico, sobre el que se asienta todo un entramado ideológico. Al igual que en otros filmes soviéticos, la intención era la de dar a conocer los nuevos valores de la revolución soviética.

El argumento se sitúa en 1870, durante la guerra Franco-Prusiana. Después de la derrota francesa, en París se estableció un gobierno que Marx calificó como el primer gobierno socialista de la historia. En poco tiempo fue reprimido por los poderes reaccionarios, desde el sur de Francia. La historia está vista desde una perspectiva contemporánea, y tiene relación con la historia de la revolución soviética.

Es una de las últimas películas mudas en las que el lenguaje cinematográfico empleado resulta de gran interés.

La trama se centra en una historia particular, aunque de fondo trata un acontecimiento histórico, como fue La comuna de París. La historia individual es la de una mujer que mantiene una relación amorosa con uno de los soldados. Las mujeres tienen en la película una importancia capital.

El filme nos recuerda de manera evidente al cine del director soviético Einsentein. La película es atrevida y en los momentos

más dramáticos destaca por un excelente uso del montaje.

La música es fundamental. La compone Dimitri Shostakovich, uno de los referentes musicales de la primera etapa soviética. La banda sonora no se limita a una música que acompaña la historia, sino que juega un papel experimental de sumo interés. Para empezar, pretende condicionar ideológicamente al espectador, siguiendo la propuesta argumental, lo que se demuestra en la deformación que se realiza sobre el himno nacional francés. La película presenta a los soldados como marionetas en manos de la burguesía. Hay un instante en que uno de los políticos habla en mitin cargado de nacionalismo. En ese momento Shostakovich mezcla las notas del himno francés con las del “can can” de Offenbach, en una burla evidente que el compositor utilizó en muchas ocasiones en sus sinfonías. En definitiva la película utiliza la música para denunciar lo absurdo del nacionalismo, en contraposición con la lucha de clases.

Nos encontramos ante una obra que desafortunadamente es poco conocida y por eso el concierto merecerá la atención de los más cinéfilos. En él disfrutaremos de la unión magistral del mejor cine soviético con la música extraordinaria de Shostakovich.



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SINFONITY.PRIMERA ORQUESTA SINFÓNICA DE

GUITARRAS ELÉCTRICASDirector: Pablo Salinas

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Ha tenido que ser en España, país de gran tradición de guitarristas, donde surgiese la primera orquesta de guitarra eléctricas del mundo. En realidad es el resultado de una búsqueda. De un ir más allá o simplemente de no querer conformarse con lo que hay.

Sifonity, es también el resultado de juntar nueve maestros o si lo prefieren, un puñado de locos, (depende de la mirada de cada espectador), para reinterpretar la música buscando la máxima expresión en la belleza de las obras. La guitarra eléctrica es un instrumento con una enorme capacidad para la articulación musical; ágil y capaz de expresar muy bien las emociones.

Además, los componentes de Sinfonity, son músicos de calidad contrastada, comprometidos con el proyecto. Entre ellos

se encuentran algunos de los más relevantes guitarristas de las escena nacional.

Con la intención de acercar nuestra herencia musical a las nuevas generaciones, Sinfonity interpreta a los grandes clásicos con una sonoridad inédita y conmovedora. Desde Bach a Katchaturian, desde Vivaldi hasta Falla, el repertorio de Sinfonity, constituye una grata y emocionante experiencia, utilizando la más moderna tecnología de sonido, en perfecto equilibrio con los métodos de la orquesta sinfónica tradicional.

Y, por último, Sinfonity es también una bocanada de aire fresco en el mundo de la música. Un mundo que suele separar lo clásico y lo moderno, como si no pudieran existir otras interpretaciones o como si ya estuviera todo dicho e inventado.

Auditorio Municipal

20:30 h.

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Director musical y creador de Sinfonity. Compositor, intérprete de guitarra y piano, arreglista y productor, al que avalan 30 años de experiencia profesional. Un artista polifacético, abierto a la colaboración con todo tipo de músicos, estilos y medios de hacer música. Ha grabado en numerosos discos y ha participado en giras nacionales e internacionales con grandes artistas y grupos, como Topo, Antonio Flores, Miguel Ríos, Luz Casal, Rosario Flores, Golpes Bajos, Enrique Morente, Joaquín Cortés, Manolo Tena, Ana Belén, Joan Manuel

PABLO SALINAS. Serrat, Jennifer López , Mike Oldfield, Kevin Ayers, Ollie Halsall, y tantos otros.

Como compositor ha creado numerosas bandas sonoras para cine, teatro y televisión. Entre sus últimos trabajos destaca la música para la obra teatral La avería, dirigida por Blanca Portillo, espectáculo premiado con cinco premios Max en 2012. Y en 2013, ha compuesto la música original del El lindo Don Diego, producción del Teatro Clásico Nacional, dirigida por Carles Alfaro y la banda sonora de la última película de Gracia Querejeta 15 años y un día, por la que ha recibido el premio a la mejor banda sonora del Festival de Cine de Málaga.



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Nacido en Las Palmas de Gran Canaria (1978), Iván Martín es reconocido por la crítica y el público internacional como uno de los músicos más brillantes de su generación.

Colabora con prácticamente la totalidad de las orquestas españolas, así como con la Orquesta Filarmónica de Londres, Berliner Konzerthausorchester y Orquesta de París, entre muchas otras, de la mano de la mayor parte de directores europeos, y siendo repetidamente invitado a participar en todos los continentes, visitando las salas de concierto más prestigiosas del Mundo como son Berliner Konzerthaus, Berliner Staatsoper, Berliner Philharmonie, Amsterdam Concertgebouw, Salle Pleyel de París, Carnegie Hall de Nueva York o Beijing National Center for Performing Arts.

Ha protagonizado estrenos de obras de compositores como Joan Albert Amargós, Benet Casablancas, Antón García Abril,

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Obras de Bruch, Mozart y Brahms.

IVÁN MARTÍN. PianoNATALIA LOMEIKO. Violín

YURI ZHISLIN. Viola

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IVÁN MARTÍN.

Auditorio Municipal

20:30 h.

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YURI ZHISLIN. Viola

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Cristóbal Halffter y Pilar Jurado, entre otros y ha estrenado los conciertos para piano y orquesta de Enric Palomar o Michael Nyman. Ha debutado como director junto a las orquestas Real Filharmonía de Santiago, Sinfónica de Castilla y León, Sinfónica de Galicia, Filarmónica de Gran Canaria y Orquesta Nacional de España, y es el fundador y director musical de “Galdós Ensemble”, un nuevo y versátil grupo orquestal con el fin de interpretar música del período barroco y el clasicismo, así como también música moderna y contemporánea.

Ha grabado numerosos programas de radio y televisión en España, Francia, Italia, Brasil y Estados Unidos. Sus publicaciones discográficas para Warner Music, dedicadas a los compositores Antonio Soler, Mozart y Schröter, han obtenido una calurosa acogida por el público y la crítica considerándose como referencia, así como nominaciones a importantes reconocimientos.

Asimismo, en su más reciente disco para el sello Sony Classical, interpretando conciertos de Beethoven -revisión realizada por el propio Iván Martín y publicada bajo el sello editorial Music Sales- junto a la Orquesta Sinfónica de Galicia, también debuta como director y ha sido artista en residencia de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria y del Centro Cultural Miguel Delibes de Valladolid.

Catalogada por Lord Menuhin como "una de las más brillantes de nuestras jóvenes violinistas", Natalia Lomeiko, se ha configurado como una versáti l e internacionalmente reconocida violinista y profesora en el Royal College of Music.

Después de haber ganado numerosos premios y concursos internacionales como el Tchaikovsky, Menuhin, Stradivari, en el año 2000 gano la medalla de oro y Primer Premio de "Premio Paganini" y el primer premio del concurso internacional Michael Hill. Natalia es una intérprete muy entusiasta y defensora de la música de cámara, habiendo establecido un dúo con su esposo Yuri Zhislin con el que imparte conciertos y clases magistrales.

En la próxima temporada de conciertos Natalia colaborará con Maxim Vengerov como solista con la orquesta del estado de Moscú bajo la batuta del Maestro Simonov y participará en numerosos festivales de música de cámara en Alemania, Japón, Austria y Nueva Zelanda.

NATALIA LOMEIKO.

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YURI ZHISLIN. Viola

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Mae, y de Nick Cave y ha grabado con músicos de jazz tan distinguidos como Guy Barker, Clark Tracey y Tommy Smith.

Sus planes futuros incluyen proyectos de música de cámara, conciertos en todo el Reino Unido, Europa y Norteamérica y varios proyectos de dirección.

Nacido en Moscú en 1974, Yuri Zhislin comenzó a tocar el violín a la edad de seis años, uniéndose a la escuela de música Gnessin de Moscú para niños superdotados Desde sus primeros años, Yuri participó en numerosos conciertos públicos, representando a la escuela tanto en Rusia como en el extranjero, actuando como solista con orquestas como la Filarmónica de Kishiniev, la orquesta de cámara del Ermitage y la Filarmónica de Yaroslavl. Grabó para la radio de Moscú y apareció en la radio y la televisión nacionales. Yuri ganó el Balis Dvarionas concurso internacional para jóvenes músicos en Lituania en 1989. En enero de 1990, participó en el concierto de "jóvenes talentos" en Moscú.

Ganador del premio Sarasate de violín en España en 1991,Yuri es invitado regularmente a participar en festivales internacionales. Sus actuaciones se han emitido en la BBC, radio clásica (España) y en varias otras redes europeas y americanas. Yuri ha grabado también varios discos. Yuri ha sido el director de la orquesta de cámara rusa de Londres desde su fundación en 1998 hasta 2002.. Aunque su especialidad es la música de cámara, las intervenciones de Yuri incluyen música con varios artistas del pop. Ha participado en una de las grabaciones de Vanessa-

YURI ZHISLIN.

ENSEMBLE LA DANSERYE.DANZANTES Y MINISTRILES: DE LO SACRO

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Grupo instrumental centrado en el estudio, reconstrucción e interpretación de la música y los instrumentos de

viento de la Edad Media y Renacimiento.

lugar, la primera grabación mundial dedicada a la música para ministriles en el Nuevo Mundo: Ministriles Novohispanos: obras del Manuscrito 19 de la Catedral de Puebla de los Ángeles, a partir del manuscrito conservado en el archivo de la Catedral de Puebla (México) y publicada por la Sociedad Española de Musicología dentro de la colección “El Patrimonio Musical Hispano”. Casi simultáneamente el sello Lindoro publica el registro: “Yo te quiere matare”, Ministriles en Granada en el Siglo XVI, que constituye la primera grabación mundial monográfica sobre la música conservada en el Manuscrito 975 del Archivo Manuel de Falla (Granada), un libro para uso de ministriles vinculado a la Capilla Real de Granada en la segunda mitad del S. XVI. En 2014 fueron seleccionados para participar en el Fringe del MAfestival de Brujas (Bélgica) y el Fabulous Fringe del Festival de Música Antigua de Utrecht (Holanda) con el proyecto “Christe Potens Rerum: early wind bands in Spain and the New World”. Ambos registros han obtenido excelentes críticas en las revistas especializadas a nivel mundial, que han llevado a La Danserye a ser considerado el “exponente moderno más relevante del mundo en la música instrumental del Renacimiento” (Douglas Kirk, Revista Española de Musicología, 2014).Su interés por experimentar con las fuentes originales les lleva a crear en 2013 el grupo vocal “Capella Prolationum”, conjunto con el cual son residentes en el Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza desde 2013 y con el que han realizado varios proyectos de recuperación de patrimonio musical hispanoamericano en el marco del mismo Festival, en el Festival de Música Sacra de Bogotá (Colombia), en la Semana de Música Religiosa de Cuenca o en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada. Además, graban conjuntamente en 2014 el primer monográfico dedicado a Francisco López Capillas (Lindoro), maestro de capilla de la Catedral de México, registro que está obteniendo importantes reseñas en revistas de música, musicología o historia del arte.

La Danserye se crea en 1998 en Calasparra (Murcia, España) con el objetivo de investigar, recrear y difundir la música y los instrumentos de viento desde el final de la Edad Media hasta el principio del Barroco, especializándose en el periodo del Renacimiento. Todos sus miembros se dedican a la investigación y reconstrucción de instrumentos de viento, formando su propio taller desde el principio, completando su formación como intérpretes con prestigiosos profesores en diferentes cursos y clases magistrales: Jean Tubéry, Josep Borràs, Douglas Kirk, Renate Hildebrant, Jordi Savall o Jeremy West. Actualmente cuentan con la colección de instrumentos del Renacimiento más importante de España y una de las mayores de Europa, superando el medio centenar de instrumentos diferentes de todas las familias. Igualmente muestran una gran inquietud por el mundo de los ministriles y el papel que desempeñaron en el mundo cultural de los siglos XVI y XVII, desarrollando tareas de investigación con musicólogos como Juan Ruiz Jiménez, Javier Marín López, Douglas Kirk y Michael Noone, entre otros.

Actualmente se centran en la interpretación de la música bajo una perspectiva históricamente informada, conjugando los diferentes aspectos de investigación e interpretación con el objeto de ofrecer un producto musical de calidad con el máximo rigor histórico posible. En este sentido, La Danserye ha participado en numerosos festivales y ciclos especializados en España, Francia, Holanda, México y Colombia, principalmente con proyectos relacionados con la recuperación del patrimonio musical español, aspecto con el cual se encuentran muy sensibilizados y dentro del cual han realizado dos grabaciones pioneras a nivel mundial publicadas a finales de 2013. En primer

Auditorio Municipal

20:30 h.


A LO PROFANO

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cierto grado de detalle determinados aspectos musicales de esta época pretérita, algunos de los cuales se ejemplifican en el presente concierto.Los conjuntos de instrumentos de viento florecientes en el siglo XVI: chirimías, cornetas, bajones y bajoncillos, sacabuches, orlos, flautas, etc..., tañidos por compañías de ministriles, se sumaban junto a la percusión a crear un ambiente único, y contribuyen a dar una sonoridad propia y exclusiva de este momento de la historia, añadiéndose a una combinación que difícilmente hoy día se puede escuchar en los escenarios que tratan de recrear el ambiente musical de esta época. En este contexto, el presente programa, dividido en tres partes, pretende recrear el mundo de las danzas y los entretenimientos musicales en la Europa del Renacimiento (bloques I: música popular y bloque III: música cortesana) mostrando en vivo una recreación tanto musical como coreográfica de una selección de las danzas y pasos más famosos de la época, a partir de música impresa y/o manuscrita conservada en tratados o impresos desde 1530 hasta 1612. Entre la música de danza, el bloque central (bloque II) se inspira en la música que los mismos conjuntos de ministriles tenían a su disposición en las capillas musicales que servían al oficio divino. Un conjunto de motetes, partes de himnos litúrgicos y “canciones” (algunas de ellas camufladas bajo ingeniosos títulos), servían a los ministriles para desarrollar su función dentro de la liturgia. De este modo, estos grupos instrumentales caminaban frecuentemente entre dos mundos tan diferentes como el sagrado y el profano,

Desde tiempos inmemoriales, la música ha constituido uno de los principales recursos para expresar gran diversidad de situaciones, sentimientos y estados de ánimo en el ser humano. De hecho, su carácter innato hace que siempre haya estado presente de una u otra forma en la evolución de nuestra raza, hasta llegar a convertirse hoy día en un producto de consumo diario, de disfrute voluntario, individual, o que nos puede llegar de forma involuntaria, inconscientemente, y no nos parecería raro. La música está tan ligada a los aspectos cotidianos de la vida moderna, que difícilmente entenderíamos ahora una vida sin música, en sus múltiples aspectos. Nos parecería que nos hemos quedado sordos.

Sin embargo, hace cuatro o cinco siglos, determinados tipos de música podían ser consideraros como artículos de lujo, como eventos extraordinarios en la vida de aquéllas gentes que, aún no sabiendo cual era el significado de esos sonidos, seguramente dejarían una huella imborrable en su memoria. Todavía en estos tiempos remotos, la funcionalidad de la música era patente, y su consumo, efímero. Las instituciones poderosas (casas reales, la nobleza y las eclesiásticas), con recursos suficientes para tener músicos asalariados, eran conscientes del poder de la música para medir su importancia, magnificar sus actos y mantener sus diferencias con el resto de la sociedad. En este sentido, la presencia de músicos ligados a estas instituciones, y la importancia de la propia música, hace que hoy día se conserven gran cantidad de documentos y fuentes musicales que nos permiten recrear con

característica que hoy día hace especialmente interesante su reconstrucción.

El primer bloque del concierto está dedicado a la música popular, concretamente a la música concebida para bailar. Es necesario distinguir, dentro de la música de danza, que el baile se consideraba un entretenimiento para las clases sociales inferiores, mientras que la danza estaba reservada para los estratos superiores, constituyendo un verdadero formulismo social al que se debía de responder debidamente. Entre los bailes más populares se encuentran los bransles, un tipo de danza muy simple que se bailaba en parejas o en grupos, de forma circular y cuyos movimientos suelen ser laterales. Parece que su origen es francés, pero rápidamente se extendió por Europa, y su estructura es sencilla. En esta sección del programa se ofrecen tres ejemplos de una de las colecciones más importantes de música de danza de la época: Orchésographie, publicada por Thoinot Arbeau en 1588, y reimpresa en 1589 y 1596, donde además se dan instrucciones precisas para aprender a bailar estas danzas y otras. Además de los bransles, se bailan unos canarios, baile de origen incierto, pero que tuvo una grandísima popularidad en el siglo XVII. Es un baile de pasos exóticos, puntillados y giros variados, cuya música en este caso se ha

extraído de las Danzas de Terpsichore, una colección de más de 300 danzas arregladas por el compositor alemán Michael Praetorius y publicadas en 1612. El díptico Ronde-Saltarello completa esta primera parte del programa, procedente de otra de las colecciones de música de danza más famosa de la época Het Derde Musyck Boeken, publicada por el músico, compositor e impresor de Amberes, Tilman Susato, en 1551.

En 1526, la Catedral de Sevilla se convierte en la primera institución eclesiástica española en contratar y mantener asalariado a un grupo de cinco ministriles (tres chirimías y dos sacabuches), para “magnificar el culto divino”. A partir de este momento, las instituciones más importantes y poderosas hacen lo propio, de manera que la presencia de estos grupos instrumentales ya es generalizada a finales del siglo XVI en toda España, y por extensión, en Hispanoamérica. De este modo, y gracias a la conservación de documentos en los archivos de las diferentes instituciones eclesiásticas (siempre mejor organizadas que otros archivos laicos), se dispone de mucha información sobre los grupos de ministriles, sus repertorios y funciones en la liturgia.

En el segundo bloque del programa se muestran diversos ejemplos de las músicas que tañían los ministriles en el ámbito sacro. Hay que destacar que podía tratarse de los mismos grupos de ministriles que tocaban la música de danza, puesto que muchas referencias aluden a las prácticas de los ministriles fuera de la iglesia, a pesar de contar con clausulas de “exclusividad”. Las fuentes utilizadas para esta sección proceden de tres de los cinco libros para uso de ministriles conservados en la actualidad. Abre esta sección el motete Ego flos campi, de Alonso Lobo, conservado como fuente única hasta el momento en el Ms. Mus. 1 de la Colegiata de San Pedro de Lerma (Burgos), un libro para el uso de los ministriles que servían al propio Duque de Lerma. El siguiente motete, Veni Domine de Cristobal de Morales, tañido con una familia de flautas


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dicho, la diferencia entre danzar y bailar respondía a una cuestión de estamento social. La pavana y la gallarda eran danzas que requerían del conocimiento preciso de los pasos y mudanzas, perfectamente codificados según la época y área geográfica concreta. De los cientos de ejemplos musicales, se ha elegido la Pavana y Gallarda pasemezzo, de Claude Gervaise, otro polifacético músico y editor francés que publicó gran cantidad de obras, asociado con el también famoso editor y compositor Pierre Attaignant, precisamente el autor de La Magdalena (baja danza), recoupe et tourdión, que cierra el concierto. Acompaña a estos dos músicos franceses nuevamente Praetorius, con su versión de la Españoleta, una danza de origen español que se danza en pareja y consta de varias mudanzas, que se dividen en tres secciones de ocho compases. Finalmente esta última sección del programa se completa con dos piezas recogidas en la colección Nobiltà di Dame (1600), del italiano Fabritio Caroso: celeste giglio y Laura soave.

En conclusión, un siglo de máximo esplendor de géneros tanto populares como cortesanos, capaz de divertir y entretener al pueblo llano y a nobles y reyes; música para bailar o danzar, según la categoría; música para el oficio divino en varias de sus vertientes… en definitiva, un espectáculo donde la combinación de música y danza nos transporta a una época tan remota como interesante y que difícilmente puede ser puesta en escena en la actualidad.

Fernando Pérez ValeraLa Danserye

dulces, proviene de otro de los libros para uso de ministriles que se encuentra actualmente en el Archivo Manuel de Falla de Granada, el Ms 975, libro datado ca. 1560 y que perteneció a los ministriles de la Capilla Real de Granada. A continuación, se ofrece un tríptico de estrofas de himnos (Monstra te esse matrem, del himno Ave Maris Stella; Arbor decora, del himno Vexilla regis y Pange lingua gloriosi, del himno del mismo nombre), todos conservados en el Manuscrito 19 de polifonía de la Catedral de Puebla (México), único libro para uso de ministriles en el ámbito novohispano. Estas estrofas eran copiadas por los ministriles para el uso del alternatim; así pues, según la festividad, en el momento del Himno alternaban las estrofas interpretadas en canto llano, canto de órgano, ministriles y órgano. Para finalizar la sección se ha elegido la Batalla de Clement Janequin, en la versión instrumental adaptada del Manuscrito 19 de Puebla, que acorta notablemente el modelo vocal original de Janequin. Esta obra nos ejemplifica, por un lado, la adaptación del repertorio vocal para los conjuntos de ministriles, y por otro, de como éstos se sirven de todo el corpus vocal para su repertorio. Utilizan canciones, madrigales, chansons, etc., composiciones en lengua vernácu la , que a l in te rp re ta rse instrumentalmente y carecer de texto, las hace servir como piezas polifuncionales dentro del servicio litúrgico.

El tercer y último bloque del concierto vuelve de nuevo a la música de danza, pero en esta ocasión, se dedica propiamente a la danza, a diferencia de la anterior sección confiada al baile. Como hemos

Eva Narejos, Juan Jesús García Vázquez, danza y coreografíaFernando Pérez Valera, corneta, sacabuche, orlo, flautaJuan Alberto Pérez Valera, chirimía, corneta, bajoncillo, orlo, flautaLuis Alfonso Pérez Valera, sacabuche, orlo, flautaEduardo Pérez Valera, chirimía, bajón, orlo, flautaJosé Gabriel Martínez Gil, percusión

El Coro Universitario de Valladolid fue fundado alrededor de 1950 en el ámbito de la Universidad. Desde entonces, estudiantes, profesores y personal de esta Universidad han formado parte de una formación que considera tan importante como la habilidad para cantar en grupo, el entusiasmo y la ilusión por vivir la música.

Colaboran habitualmente con grandes grupos orquestales o coros de diferentes lugares de España, y realizan cada año intercambios con formaciones corales extranjeras para enriquecerse con su música y su cultura.

Cumplidos más de 65 años de historia, lejos de perder juventud y aprovechando la excelente formación musical de algunos miembros solistas, el coro esta también abierto a nuevos formatos y experiencias provenientes de la música contemporánea. En el concierto, llevarán a cabo un recorrido que va desde la música sacra a la más actual, incluyendo también piezas del repertorio popular.

Su nuevo director es el asturiano Javier Fajardo.

CORO DE LA UNIVERSIDAD DE

VALLADOLID.Director: Javier Fajardo

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20:30 h.

Iglesia de los Padres Carmelitas(Entrada gratuita)

La Fura dels Baus es una compañía en constante proceso de evolución que ha

abordado, desde su fundación en 1979, retos innovadores en el ámbito de las artes e s c é n i c a s . S u s espectáculos y sus acciones puntuales han causado un gran impacto tanto entre la crítica como entre el público internacional. No es aventurado afirmar que desde “Accions” (1983), La Fura dels Baus ha llegado a ser considerada un grupo de culto por miles de seguidores en todo el mundo.

Free Bach 212 es una per fo rmance-concierto de música y danza, basado en la Cantata profana 212 de J. S. Bach (Bauern-Kantate BWV. 212).

Interpretado por el ensemble barroco Divina Mysteria (la obra original completa) más los reprise flamencos de

Mariola Membrives y los paisajes sonoros de música electrónica. El trabajo videográfico envuelve músicos, bailaor y cantantes y da sentido y perspectiva a la obra.

Una versión libre de la Baukernkantate (Cantata de los agricultores) BWV.212 de JS Bach. Un convite atemporal. Lo burlesco,

humorístico. La crítica social. La invitación a los placeres más mundanos. En conjunto, son conceptos que parecen de lo bien lejanos a las expresiones musicales de épocas remotas. Como los encuentros entre diferentes disciplinas y estilos de musicales, los caminos cruzados que amalgaman discursos aparentemente contrastados en un solo movimiento.

Johan Sebastian Bach y su cantata campesina BWV 212 es una arma exquisita para desmontar esta creencia. Esta última cantata conocida es, precisamente, un muestrario de posibilidades diversas que se conectan y construyen una fórumla particularmente plural y efectiva.

Estrenada en un castillo en 1742. Compuesta por un gobernante y recaudador de impuestos que ascendía al poder a quien se elogia y critica su estructura literalmente oligárquica y cohabita en mundos absolutamente paralelos.

Con la utilización de canciones y danzas populares mezcladas con estructuras de corte noble y insinuadoras seducciones los placeres carnales y alcohólicos, Bach nos extiende una mano que cruza 273 años para invitarnos a la mesa, con una cantata que termina en una taberna donde la cerveza es el brebaje unificador. El convite está servido.

La Fura dels Baus y Divina Mysteria atienden como comensales reservando nuevas cruces interdisciplinares, donde las músicas electrónicas, la imagen multimedia, el flamenco y una poética contemporánea del espectáculo quieren resignificar al público actual: un precepto atemporal e inherente a la Cantata de los agricultores BMW 212, el de conmover y deleitar sin barreras ni limitaciones.

LA FURA DELS BAUS. Free Bach 212

Dirección, idea y guión: Miki Espuma y David Cid

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CANTATA CAMPESINA BWV-212 de J. S. BACHCantata escénica para orquesta barroca,

electrónica, solistas, cantaora y bailarín.

34Auditorio Municipal

20:30 h.



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cerveza en la vida, todo es tristeza”. Así que la organización tendrá el detalle de invitar a brindar a todos los asistentes, poniendo el cierre a un espectáculo plural, distendido y altamente creativo.

Emiliano Allende

La elección de la Cantata de los campesinos como primera incursión barroca con sello furero no ha sido casual. Bach, músico tenido por solemne donde los haya, también supo tener momentos alegres y jocosos. Y buena prueba de ello es esta obra, escrita en 1742 en honor a Carl Heinrich von Dieskau, director de la Capilla Real y músico de cámara en la corte de Dresde y, para más señas, antepasado del barítono Dietrich Fischer-Dieskau. Con texto en lengua sajona, la obra tiene un marcado carácter cómico: su acción discurre en una taberna -de allí la elección del espacio en el que se presentaba- donde una pareja alaba y critica al recaudador de impuestos local, y su música incluye diversas citas a melodías populares de la época.

A partir de esta materia prima -y en la práctica, sin adulterarla- Miki Espuma ha diseñado un espectáculo en el que, siguiendo la tradición barroca de dar espacio a la improvisación, se han añadido elementos procedentes de esos otros lenguajes creativos que discurren como un lenguaje paralelo que sólo en ocasiones interactúa directamente con la música de Bach.

El espectáculo, de pequeño formato, no cuenta con más atrezzo escénico que unos maniquíes de morfología humanoide,

La Fura dels Baus, se ha convertido en un grupo de culto por su creatividad y aceptación del riesgo. Miki Espuma es el director de una reinterpretación de la “Cantata campesina”, BWV212 de Bach, en la que inserta motivos electrónicos y cante flamenco, entre los 24 movimientos, que van desde la canción popular a las refinadas danzas. La aportación de Miki es copiosa y llena de una imaginación desbordante.

Apostado tras sus viejos sintetizadores MS 20, se acerca a la cantata con sus bucles analógicos y texturas, sin dañar la partitura original, alcanzando por momentos la gloria de afinar junto al cuarteto Divina Mysteria, encargado de velar por la interpretación historicista de la obra. Miki refuerza lo popular con un charango o con un artilugio mecánico, acompañando a Mariola Membrives en un exquisito martinete. La cantaora, que teje con su cante la trama, se une al bailarín Miguel Ángel Serrano, cuyos movimientos unen con acierto la profusa propuesta sobre el escenario. La mezzo Eulàlia Fantova y el barítono Joan García Gomá, son fieles transmisores de recitativos y arias. La dimensión escénica tiene, en el vídeo creado por David Cid, una importante aportación narrativa, centrada en los personajes de la cantata, que se funden en la pantalla entre texturas granuladas y flashes de colores. Original el atrezzo escénico, con unos maniquíes silenciosos y una vaca metálica que al final sirve para proveer de cerveza, en vez de leche, a los protagonistas de esta versión vitalista de Bach que, una vez más se demuestra, puede con todo.

Al final nos queda el mensaje: “sin

y un telón de fondo donde se proyectan las imágenes de vídeo o se integra al desplazamiento escénico de los cantantes.A lo largo del montaje, la música de Bach se va alternando con los pasajes protagonizados por la cantaora flamenca y la electrónica, que cada vez adquieren más protagonismo, mientras que el barítono trasciende también su propio espacio musical hasta el punto de rapear una letra de un tema del grupo mejicano Molotov. Miki Espuma, por su parte, también abandona por momentos su papel director tras las máquinas para unirse con un charango a la interpretación de una follia o para acompañar el cante con un artilugio semejante a una mezcladora de cemento.Mezcla pues multidisciplinar que, para despedirse, no cita a Bach sino una letra escrita para la ocasión por el poeta mejicano Ivan Leroy, que en la voz de Membrives le recuerda al mundo que «sin cerveza en la vida, no hay pasión, todo es tristeza». Igual a Bach le hubiera encantado.

Ana Maria Davila

MIKI ESPUMAMiquel Badosa Ricart es uno de los

seis directores artísticos de la compañía de teatro La Fura dels Baus. Nacido en Sant Andreu (Barcelona) en 1959, con dieciséis años inicia su carrera profesional como cantautor y músico de rock dentro de la llamada Onda Layetana. El estilo musical que aglutinaba a los músicos de jazz y rock de la Cataluña de finales de los 70. Sus actuaciones más relevantes fueron las 12 Horas de Canet-Rock (1976) y como telonero de Dr. Feelgood (1977). En 1980 entra a formar parte del grupo teatral La Fura dels Baus como músico y creador de los montajes escénicos i trabajos paralelos (discos, videos, conciertos, espectáculos de calle). Durante esos años, trabaja como compositor y coordinador de la sección musical y discográfica de la compañía.

DAVID CIDBarcelona, 1958. Pintor autodidacta, en

1976 inicia su trayectoria profesional en el ámbito de la animación tradicional en Estudi Andreu. Movido por sus inquietudes artísticas y creativas, en el año 2000 amplía sus producciones visuales al ámbito de las artes escénicas, destacando “Auf den Marmorklippen”, “Carmina Burana”, “Orfeo ed Euridice” y “Temptacions”, como colaborador habitual de la Fura dels Baus.



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MARIOLA MEMBRIVES. CantaoraGraduada en Barcelona con el título

superior de cante flamenco (Esmuc, 2012), becada a la excelencia por la Fundación Anna Riera y la AIE, y formada en el ámbito de jazz y contemporánea tanto en la Esmuc como en el Taller de Músics. Formada en Danza española y flamenca desde los cinco años, trasladó su residencia a Madrid para estudiar Arte dramático durante siete años, en las escuelas de Cristina Rota y Gina PIccirilli. Ha asistido al EXIB 2016 celebrado en Évora (Portugal) con su repertorio de Llorona. En 2017 fue la cantaora y actriz elegida para el montaje teatral de Pep Tosar Federico García. Junto al autor de bandas sonoras Alfonso de Villalonga, el guitarrista Juan Gómez Chicuelo y diversas orquestas filarmónicas de Europa, ha puesto voz a las proyecciones internacionales del film de Pablo Berger Blancanieves. Para el Festival Mas i Mas, ha inaugurado edición con un espectáculo a dúo con el pianista Chano Domínguez en el Teatre Grec.

DIVINA MYSTERIACreado en 2002 por el violinista Pavel

Amilcar y el gambista Thor Jorgen, Divina Mysteria es un proyecto dedicado a la investigación e interpretación de la música antigua con criterios históricos. Desde la investigación musicológica en numerosas bibliotecas de América Latina y Europa hasta la interpretación concertística en los escenarios, su labor ha consistido en profundizar y difundir un repertorio musical específico desde el estudio de su microhistoria, a partir de fuentes tratadísticas y documentos que desvelan poco a poco la riqueza estética de su interpretación. Ha ejecutado en diversas ciudades de México, Argentina, Chile, España, Francia, Alemania, Bélgica, Polonia, Inglaterra y China. Divina Mysteria plantea un hermenéutico acercamiento a la música occidental de los siglos XVII y XVIII, que emerge de los códigos estilísticos de su época, para fundirse con el atento sentir contemporáneo.

EUÀLIA FANTOVA. MezzosopranoNacida en 1983, comienza sus estudios

musicales en la especialidad de piano en el Conservatorio Profesional de Música de Badalona. Posteriormente, se especializa en canto y se licencia por la Escuela Superior de Música de Cataluña (ESMUC) con Matrícula de Honor. Ha colaborado con la ABO & C dirigida por Ton Koopman, la Capilla Real dirigida por Jordi Savall, la Xantria, el Coro de Cámara del Palau de la Música y otros grupos como la Hispano Flamenca, el Conjunto de violas In Nomine dirigidos por Sergi Casademunt o la Orquesta Barroca de Sevilla con los que ha grabado un álbum dedicado a Pedro Rabassa bajo la dirección de Enrico Onofri y ganador del premio FestClásica 2011. Colabora con Quadrivium Virelai un grupo de música medieval formado por violas de arco, percusión, teclados y voz y creado por Jordi Reguant. Recientemente ha ganado la Beca Bach 2014 otorgada por Bach Zum Mitsingen.

JOAN GARCÍA GOMÀ. BarítonoNacido en Sabadell, se inició musicalmente con la maestra Mª Teresa Boix y en la Escolania-Coral de Sant Agustí de Sabadell, donde estudió violín. Ha recibido clases de canto con Raquel Pierotti, Natalia Gavrilan, Josep Pieres y Mª Teresa Boix.

Ha trabajado con los repertoristas Mark Hastings, Manel Morante, Ricardo Estrada, Josep Buforn, Marta Pujol, Elena Kolesnicova. Ha interpretado los roles operísticos de Papageno (Flauta Mágica), Sílvio (I Pagliacci), Don Alfonso (Così Fan Tutte), Giorgio Germont (Traviata), Alfio (Caballeria Rusticana), entre otros. En oratorio ha hecho el barítono solista de El Mesías de Händel, Carmina Burana de Orff, la Pequeña Misa Solemne de Rossini, Requiem de Fauré, entre otros.

MIGUEL ÁNGEL SERRANO. BailarínGraduado en danza española por el

Conservatorio Profesional de Danza de Murcia, amplía estudios con Aída Gómez, Javier Latorre, Carmina Ocaña y Juanjo Linares, entre otros. Ha trabajado con las compañías Antonio Márquez y Carmen Cantero, Danzalabor y “Entre Danzas”. Bailarín solista en CMDANZA, donde es director adjunto desde 2009, participó en la ópera Carmen, bajo la dirección de Giancarlo del Monaco, y fue director artístico de las galas de apertura y clausura del Mundial de Patinaje Artístico (Murcia 2006).

Las músicas de raíz como el flamenco son un permanente crecimiento de nuevas ramas a partir del tronco de las tradiciones, una constante interacción entre lo nuevo y lo antiguo. Fahmi Alqhai y Rocío Márquez, cada uno desde su punto en ese tronco eterno, entrelazan sus hojas musicales buscando los puntos de unión de los cantes hoy vivos con sus orígenes, unos llegados a nosotros por la tradición oral y otros leídos en viejos manuscritos: cantes flamencos idos y venidos desde Andalucía al folklore americano y de nuevo a Andalucía, pero también chaconas y canarios que cruzaron el Atlántico para quedar escritos en los primeros libros de guitarra española, allá por el siglo XVII; cantos en ostinato del gran Monteverdi junto a ancestrales seguiriyas, con su rueda de acordes -siempre idéntica a sí misma- venida de esa misma Italia del Seicento; cantes de Alosno junto a cants del ocells...No es casual la confluencia de ambas tradiciones: fue en la España del Barroco, tan cerrada a Europa como abierta a América, donde se amalgamó un estilo de peculiares ritmos y armonías,

comunes a la música popular y la culta, que aún hoy reconocemos en los más viejos cantes flamencos. Pero para encender esas antiguas melodías ha de surgir una chispa entre unos artistas bien vivos, que hagan suya esa música, como hacen hoy Márquez y Alqhai.

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ROCÍO MÁRQUEZ Y FAHMI ALQHAI.

Diálogo de viejos y nuevos sones

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Rocío Márquez y Fahmi Alqhai, se acercan de modo muy personal a la música del renacimiento y el flamenco con este programa, concebido como una suite. No es una fusión de géneros, porque cada uno de ellos mantiene sus signos de identidad.

Es un concierto de cámara en el que los cuatro músicos comparten melodías, colores y armonía, bordeando los límites de cada estilo sin caer nunca en lo vulgar.

Rocío Márquez, que acaba de leer su tesis doctoral sobre técnica vocal del cante flamenco, canta con una naturalidad envidiable. Su afinación es excelente y su sensibilidad hace que cada tema crezca de manera especial y Fahmi Alqhai, excelente instrumentista, obtiene de la viola de gamba un sonido pleno, en cuerpo y color, con aportaciones muy personales.

En el programa hay un poco de todo. Los cantes de ida y vuelta, la “bambera de Santa Teresa” que suena con pasión contenida en la voz, mientras el arpegiado de la viola trama una complicidad que va en aumento a lo largo del concierto. La cantaora ataca el Cante de Alosno, con el apoyo de la percusión sutil y certera de Agustín Diassera, convirtiendo la pieza en un luminoso fandango. En “Si dolce è’l tormento” de Moteverdi, el ostinato sereno, pone originalidad, mientras que en los “Canarios”, Alqhai hace una exhibición de su depurada técnica.

La cantaora esboza la “petenera”, para ir al “Romance de la Monja” y a la canción sefardí “A la una yo nací”, y remata con un poder desbordante, controlando con pulso fortes y pianos. Alqhai, siempre creativo, arropa a la cantaora en la eterna “Seguiriya”, noble y auténtica, con detalles de extrema calidad aderezados por un percusionista pleno de ritmo y color.

Estos “Diálogos de viejos y nuevos sones”, buscan y encuentran una expresión nueva y delicada de la música.

Emiliano AllendeAuditorio Municipal

20:30 h.

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Nacida en Huelva en 1985, ha obtenido los primeros premios de los festivales flamencos de Alhaurín de la Torre, Calasparra, Marchena, Mijas y Jumilla entre otros, pero es en 2008 cuando su carrera sienta un punto de inflexión al hacerse con la Lámpara Minera del Festival del Cante de las Minas de la Unión, que obtiene junto con otros cuatro primeros premios, hecho que sólo ha conseguido Miguel Poveda anteriormente. Sus actuaciones se extienden por numerosas peñas flamencas, los festivales más importantes y teatros tan considerados como la Zarzuela, el Teatro Español, el Palau de la Música de Valencia, el Palacio de la Magdalena de Santander, el Price de Madrid y el Auditorio Nacional. Internacionalmente ha paseado su voz por escenarios y eventos tan célebres como el Olympia de París, la Ópera de Dusseldorf, el Festival de Músicas Sagradas del Mundo en Fez, y los Institutos Cervantes de Chicago, Nueva York, Amán, El Cairo, Beirut y Omán.



ROCÍO MÁRQUEZ.

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Nacido en Sevilla en 1976 de padre sirio y madre Palestina, Alqhai está considerado hoy como uno de los más importantes intérpretes de viola da gamba del mundo, y uno de los mayores renovadores de la interpretación de la música antigua.

Ha estudiado con Ventura Rico, Paolo Pandolfo y Vittorio Ghielmi. Tras formar parte de numerosos y afamadísimos grupos de música antigua, entre ellos Hesperion XXI (Jordi Savall), funda en 2002 Accademia del Piacere junto a la soprano Mariví Blasco y el sello ALQHAI & ALQHAI con su hermano Rami Alqhai. Ha producido y grabado cuatro CDs de Accademia con los que ha conseguido o sido nominado para importantes premios. En 2014 presenta su primer CD a solo, A piacere, de cuya renovadora concepción de la viola da gamba histórica se ha escrito lleva la viola da gamba a un nuevo terreno de gozoso potencial”, y “un feliz tributo a todo lo que la viola pudo haber sido, y puede aún ser”. Desde 2009 es director artístico del FeMÁS, Festival de Música Antigua de Sevilla.



FAHMI ALQHAI.

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LA ORQUESTA DE LAS ESQUINAS.

“LOCOS POR DISNEY”CONCIERTO PARA NIÑOS Y NIÑAS

Recomendado para todos los públicos.

Auditorio Municipal

19:00 h.

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Sala Simón Ruiz del Museo de las Ferias / 18:00 horas. (entrada libre)

OTRAS ACTIVIDADES. Conferencia

Fernando Pérez Valera.Director de “Ensemble La Danserye”“Ministriles y Danzantes: de lo sacro a lo profano”8miércoles

Excmo. Ayuntamiento de Medina del CampoConcejalía de Educación y Cultura

Excmo. Ayuntamiento de Medina del CampoJunta de Castilla y LeónDiputación de Valladolid

Bodegas MenadeEscuela Municipal de MúsicaMuseo de las FeriasPadres CarmelitasPianorentSilvano Coello

Teresa Rebollo (Presidenta)Emiliano Allende (Director)Eduardo López (Coordinador)Juan Alfredo RodríguezRené GayDulce María HernándezAna María GayRosa AmigoFco. Javier Blanco

La Semana Internacional de la Música agradece expresamente la especial colaboración de las siguientes personas:

Fernando HerreroFrancisco JiménezJuan Ramón LaraFrancisco LorenzoVictoria M. NiñoIván MartínInés MogollónCamino MonjeJosé María MoratePablo Nicolás

Agustín AchúcarroJesús AlósValentín BenavidesJosé María CilleroManuel del RíoJavier FajardoRubén Fernández AguirreJordi GimenoVicenta HellínAlberto Hernández

Francisco OrejaFernando Pérez ValeraAdolfo Ruiz SánchezAntonio Sánchez del BarrioMar SanchoRichard SanzTeresa TardíoMay TorrejónJulio Tovar

Un recorrido por la música del Renacimiento y por sus instrumentos originales, algunos ya desaparecidos y reconstruídos por “Ensemble La Danserye”, que lleva a cabo una importante labor de investigación.

Javier Fajardo.Director del coro de la UVA9jueves

Un acercamiento al concierto “Death & Love”.

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