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SAPER VEDEREDi Gaetano Barbella

Non   sono   pochi   i   miei   interventi   su   determinate   opere   d’arte   famose,   in   prevalenza pittoriche,   l’ultima  delle  quali   e   l’affresco  di  Raffaello,   “Scuola  di  Atene”,   segnalato   in occasione   della   quinta   edizione   della   Carnevale   della   Fisica   dall’organizzatrice   della manifestazione, la prof. Annarita Ruberto, una cara amica alla quale sono riconoscente. In tutti i casi dei saggi suddetti ho svolto mie indagini personali entrando “dentro l’opera” per estrapolare un possibile scheletro geometrico, cosa consueta trattandosi di opere del Rinascimento. In verità questo modo di vedere le opere d’arte è solo un aspetto che viene analizzato dagli studiosi  di  queste  cose.  Prima di   tutto,  entrare  “dentro   l’opera”  comporta un  itinerario accademico che è tutto basato sul disegno, cosa che fa acquisire all’artista in formazione la capacità di “saper vedere”. Questo deve contare come base insostituibile.

Buona cosa costituiscono oggi le tante iniziative del Mondo Mostre, come la “Progettazione e realizzazione di eventi culturali” di Leonardo Mondadori, per il quale organizza ai Musei capitolini  di  Roma,  dal  13  Marzo  al  5  Settembre  2010,   la  mostra   “I   cento   capolavori dell'Ermitage”,   inaugurando   le   Scuderie   Papali   al   Quirinale.   Ne   parla   compiutamente l’amica Annarita nel il post relativo del suo blog Web 2.0. Senza contare dell'apporto di nuove tecnologie. Come per “Women In Art”: Straordinario Esempio Di Digital Art del post precedente. Di  queste   cose  ne  parlo  nel   commento   che  ho   rilasciato   al   suddetto   “Mondo  Mostre” suddetto   e   che   poi   l’amica   Annarita   ha   ritenuto   di   metterlo   in   bella   mostra   come approfondimento del post. Grazie mia cara amica.

Per  il  tema di questo scritto,  non è  male che io riporti  quanto già  esposto di cui sopra poiché mi disporrò a far vedere come affrontare una cosa assai ardua, la verosimiglianza, l’aderenza del disegno al modello di riferimento.

«È innegabile il grande beneficio offerto a tutti, magnifica occasione che incrementa lo sviluppo evolutivo delle masse di ceto sociale, fino a ieri “lontane” da tutto ciò. E così escluse dal beneficio della luce e calore solare delle opere d'arte per avvalersene nel fronteggiare eventi della vita non sempre amabili. Oggi non è più così ma c’è qualcosa che mancherebbe a gran parte di coloro che oggi sono indubbiamente ammirati al cospetto di tante opere d’arte, sia pittoriche che scultoree. Essi possono pure interessarsi alla vita degli artisti delle opere che si dispongono a vedere. E così capire il percorso da loro fatto per giungere alla finitura delle loro opere. Ma basta per entrare in sintonia con le immagini pittoriche e scultoree è vederle così come le ha viste questo o quell'artista suddetto? No, perché si tratta dei risvolti offerti dal disegno, lo stesso che si impara a scuola ma che poi si abbandona salvo alcuni che per professione o passione lo coltivano. Manca perciò l'indispensabile supporto del disegno. Si può sperimentare a occhi chiusi il beneficio di una poesia e poetare di riflesso, ma con le immagini pittoriche è un’altra cosa. 

Cosa si può dire sul disegno? Il disegno ha un fascino immediato che conquista ed eccita la fantasia. Può essere bello disegnare con la mano quello che si vede, che si pensa e che si sente, ma 

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cosa occorre fare per attuarlo? Direbbe un artista: occorre cercare di distinguere ed individuare le funzioni e i momenti del disegno, in modo da ritrovare una successione logica di argomenti necessaria per acquisire un “disegno” personale. Il primo momento è quello della “conoscenza”: il disegno è un mezzo per imparare a vedere, osservare e capire, confrontare e conoscere. Esempio: chissà quante volte siamo passati, nei nostri percorsi quotidiani (per andare al lavoro, a scuola, al mercato), davanti ad un edificio importante o davanti alla facciata di una chiesa o di un palazzo particolarmente interessanti. Ebbene, se ci chiedessimo come è “fatta” quella facciata, quali siano le sue proporzioni, quanti siano i piani, quali le caratteristiche del portone e delle finestre, o qualsiasi altro particolare, sono certo che non sapremmo rispondere o risponderemmo con molta approssimazione. Perché? Ma perché siamo talmente abituati a quella facciata, a guardarla, che non l'abbiamo mai vista realmente. Così pure, se cercassimo di ricordare i particolari del volto di una persona con cui abbiamo abitudini di vita, potremmo essere in difficoltà. Ma se, per una volta, proviamo a disegnare quel viso, proviamo soltanto, allora saremo costretti a ritrovarne le forme caratteristiche, a scoprire la linea delle sopracciglia, l'attacco del lobo dell'orecchio, la curva delle narici, il profilo: a vederlo veramente. Possiamo dunque affermare che 

IL DISEGNO DIVENTA UNA SCUOLA INSOSTITUIBILE A SAPER VEDERE. ».

Ho annotato alla fine, di aver tratto alcuni spunti dal “Corso di pittura e disegno" di Gaspare de Fiore, edito dalla Mondadori. È   interessante   a   questo   punto   entrare   “dentro   l’opera”,   e   per   questo   mi   avvalgo direttamente della parola del citato maestro, il prof. Gaspare de Fiore per far luce su una curiosità   nell’arte   di   disegnare,   la   più   difficile,   o   almeno   tra   le   più   ardue,   La verosimiglianza, la corrispondenza al modello. Ma Gaspare de Fiore, appena nominato, ci rassicura e dice così in proposito:

LA LIBERTÀ E LA REGOLA

Sfatiamo subito quella che sembra una difficoltà insormontabile, o almeno tra le più ardue: la verosimiglianza, la corrispondenza al modello. Ogni epoca interpreta la figura umana secondo uno stile ed ogni artista, interprete della sua epoca, vede e disegna secondo la sua personalità. Sappiamo che, prima ancora di rappresentare,  disegnare significa conoscere:  il  disegno, proprio in quanto tale, è sempre il tentativo di potenziare la realtà, di esprimere una realtà più viva di quella che normalmente vediamo. C’è   l’esempio dei disegni  incisi  dagli  egizi  (ma anche di tanti  disegni o delle pitture di Picasso): vedi illustrazioni di seguito. Ebbene, noteremo che in quelle immagini ci sono volti umani rappresentati di profilo: con l’occhio disegnato invece di fronte; ma sono più vivi del vero. Perché? Ma perché nel volto umano ci sono due evidenze più significative: il “profilo" e l’occhio visto frontalmente. La sintesi spontanea di questi due elementi in un disegno non è allora un mostro, ma un uomo   più   vero,   più   vivo   di   quello   che   stancamente,   usualmente   vediamo   o,   meglio, guardiamo. Con questo, non voglio assolutamente consigliarvi di disegnare in un modo piuttosto che in un altro; vorrei soltanto riaffermare la libertà della concezione e del disegno, del modo di vedere, di pensare e di interpretare. 

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Particolare di una pittura murale del XIII sec.  a.C.   della   tomba   di   Sennedjem   a   Deir­el­Medineh 

Gli  egizi  non disegnano quello  che vedono, ma   quello   che   sanno:   le   figure,   i   ritratti, seguono canoni precisi, regole geometriche e matematiche. Gli  artisti  egizi  sanno che per rappresentare   i   lineamenti   del   volto   è   più efficace disegnare  il  profilo,  che evidenzi   la linea della fronte, del naso e del mento e che precisi,  pur nel disegno codificato,  la forma dell’occhio.   Tutta   la   rappresentazione   della figura,   del   resto,   e   guidata   dallo   stesso principio:   la   parte   superiore   del   corpo   si allarga   in   superficie,   mentre   la   testa   e riprodotta di profilo.  

Lavinia, in una miniatura del XIII sec. tratta  dall’Eneide di Heinrich von Veldeke ­ Tubingen,  Stiftung Preussischer Kulturbesitz­Depot der Staadtsbibliothek.

L’immagine   della   miniatura   testimonia   lo sforzo degli artisti bizantini per affermare la spiritualità   intensa   ed   il   carattere   quasi magico delle figure. Gli artisti non cercano la verosimiglianza,   il   movimento,   il   volume: tendono   a   rappresentare  una   profondità   di pensiero   interiore   negli   occhi   dilatati,   nel pallore del volto, in figurazioni magiche nelle quali,   quanto   più   diminuisce   la   forma materiale,   tanto   più   aumenta   la   forza spirituale. 

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Eugène   Carriere   (1849­1906     Ritratto   di  donna   col   viso   appoggiato   alla   mano   ­  carboncino ­ 35,1 x 25,4 mm­ Parigi, Louvre,  Cabinet des Dessins. 

Eugene Carriere  si   conferma uomo del   suo tempo, cercando con effetti di ombre quelle variazioni della forma che gli   impressionisti cercavano con effetto di luci. Ma vi aggiunge lo   spirito   poetico   e   la   sintesi   personale, niente vie di superfluo,  l’accessorio sparisce dinanzi   all’essenziale   e   la  maschera   affiora dal   fondo   come   una   scultura   bagnata   di penombra, con i riflessi insieme del mistero e della vita. 

Pablo Picasso (188]­1973  Autoritratto ­ 1938  ­   carboncino   su   tela  non   fissato   ­   grandezza naturale. 

Picasso   interpreta   la   realtà   secondo   l’ottica cubista e supera il concetto dell’inquadratura unica   e   fissa,   moltiplica   i   punti   di   vista, sovrappone   in   un   unico   disegno   diverse immagini   prese   da   differenti   posizioni.   È Picasso stesso a parlare di un occhio interiore che vede e  sente emotivamente:  “attraverso questo   occhio   della   fantasia   e   possibile vedere,  comprendere e amare al  di   la della vista in senso fisico; e questa visione interiore può essere tanto più intensa proprio quando le finestre sul mondo esterno sono chiuse”.