Resumen 12 Temas TLSO Antonio Mas

7/25/2019 Resumen 12 Temas TLSO Antonio Mas

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Textos literarios del Siglo de Oro

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TEMA 1. IDEOLOGÍA Y ESTÉTICA EN EL RENACIMIENTO

1. Definición, contexto y características del Renacimiento

Se denomina Renacimiento al movimiento ideológico y estético surgido en Italia a

finales del s. XV y que se extendió por toda Europa durante el s. XVI.Tras el período de la Edad Media y el siglo de transición que supone el s. XV, comenzóa principios del s. XVI la época del Renacimiento en toda Europa. Este período secaracterizó por los descubrimientos geográficos, los viajes, los avances científicos, elmejor conocimiento de la Naturaleza y por el interés consolidado de la cultura antigua.Gracias a las excavaciones, en Italia se despertó una gran afición por la Arqueología.Ruinas, esculturas, pinturas, monedas y edificios antiguos fueron utilizados comoadornos, y muchos nobles, convertidos en mecenas, contaban con el criterio de losartistas para combinar esos objetos antiguos con otros de la época o imitarlos.

La consideración de la cultura como distintivo de prestigio social fue una de las

características del humanismo. Los hombres cultos (pensadores, artistas, científicos)formaban un grupo elitista, una nueva aristocracia basada en la capacidad personal yen el esfuerzo individual. Se favoreció el culto a la personalidad, que en arte se tradujoen la importancia que adquirió la pintura de retratos. El artista, por primera vez, tratóde reflejar en el lienzo la personalidad y el carácter del retratado, porque entendía quelo más valioso era su singularidad, y el rostro era lo que mejor lo expresaba.

Gracias al descubrimiento de la imprenta (1456), la cultura pudo extenderse. Algunostextos literarios alcanzaron un éxito rotundo en toda Europa, multiplicándose susediciones (caso de “El cortesano” o “Los diálogos de amor”). En España, por indicacióndel cardenal Cisneros, se imprimió muy pronto (entre 1514 y 1517) la “Biblia políglotacomplutense”. Italia, que por entonces ya había iniciado el Renacimiento, se convirtió

en el modelo artístico e intelectual, y la difusión de los textos humanísticos, literarios,poéticos y científicos dejó asentada la influencia de Italia en toda Europa.

Los descubrimientos geográficos permitieron conocer culturas diferentes. Los avancescientíficos contribuyeron al cambio de mentalidad y el hombre se sintió centro delmundo y dueño de su destino. Las ciencias naturales, la física y la experimentaciónpasaron a ocupar un lugar preeminente. Técnicos, inventores y genios intuitivos (comoLeonardo) desarrollaron una importante labor.

La Naturaleza se convirtió en el elemento principal de todas las artes. Se utilizó comomodelo ideal, armónico, equilibrado, al que el hombre debía imitar. Unas veces, laNaturaleza está vista solamente desde la perspectiva pagana, pero otras se presenta

con todas sus cualidades espirituales de acuerdo con su origen divino.

Socialmente, el modelo de noble propuesto por Castiglione en “El cortesano” seconvirtió en el ejemplo que siguieron todos cuantos se sentían preocupados por hacerde su vida un equilibrio armónico entre “las armas y las letras” (lo físico y lointelectual). Su entusiasmo por crear, investigar y realizar proyectos determinó laproliferación de grandes genios (Leonardo, Rafael), cuyo último fin era alcanzar laeternidad.

Políticamente, las tesis de Maquiavelo (El príncipe) a favor de los dirigentes políticos yen defensa de las razones de estado, por encima de la religión o de otros valores,contrastaban con las de Tomás Moro (Utopía), que proponía la creación de una nueva

sociedad más justa y natural.




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En el terreno religioso, surgió una mayor libertad individual en la interpretación de laBiblia, debida al influjo de Lutero, el cual se hizo portavoz de las aspiracionesrenovadoras. En 1517 formuló sus nuevos principios y dio paso a la división de laIglesia. Sin embargo, la Contrarreforma frenó en los países católicos esta actitudindividual, aunque no pudo terminar con la espiritualidad interior y la libre

interpretación de los textos.En las artes, el orden y la proporción se impusieron y el canon clásico se trató derecuperar. En la pintura, la figura humana constituyó el eje temático más importante.En la poesía, el centro también era el hombre y su mundo giraba alrededor de cuantole interesaba (sus sentimientos personales y sus aspiraciones más elevadas), haciendodel amor el tema fundamental de la lírica, aunque también la sátira y la burla se fueronabriendo paso hasta expresar de la forma más grosera esos sentimientos (Barroco).

La expresión poética contó con una aportación decisiva en métrica, el soneto, quecontribuyó a que el poeta lograse su ideal de equilibrio. Gracias a esta estructura,perfectamente lógica, el poeta podía exponer los sentimientos más apasionados

porque el molde frenaba la pasión y lo equilibraba con la razón. Junto al amor, laexaltación de la Naturaleza y la recreación de mundos estéticos y personalesconstituían los principios fundamentales de la poesía.

La prosa de ficción estuvo representada por las novelas de caballerías y por la novelapicaresca. Con el “Lazarillo de Tormes” se rompieron los moldes clásicos y permitió elnacimiento de la novela moderna, años después, con Cervantes. Ideológicamente, latécnica realista utilizada en el Lazarillo manifestaba la existencia de un mundo opuestoa la idealización humanística.

2. El neoplatonismo como pensamiento y estética

En el s. XV, en la corte de Florencia, bajo Cosme de Médicis, se produjo una verdaderarevolución que rompió definitivamente con los principios de la Edad Media paraintroducir la modernidad: la creación de la Academia. En ella participaron poetas,pintores, arquitectos, políticos, burgueses y banqueros. El príncipe confió a MarsilioFicino (1433-1499) la dirección de la misma y la traducción de los textos de Platón.

Ficinio, además de traducir a Platón, se nutrió de todo el pensamiento oriental, sesintió fascinado por la magia, la astrología y el mundo de los sueños, estudió lainfluencia de la melancolía en el carácter de las personas y, sobre todo, se interesó porel arte de la época. Le encantaba la arquitectura y el arte de la marquetería y, porsupuesto, le interesaba la pintura y la lengua.

Incluso antes de traducir y comentar a Platón, Ficino había traducido textos de Dante yde esoterismo, y se había sentido muy atraído por la ciencia de Hermes Trimegisto, elpadre de la alquimia y creador de la hermenéutica.

La hermenéutica se puso de moda en el s. XV tras los descubrimientos de los jeroglíficos egipcios, y se centró en la interpretación de los textos. El hermetismodesembocó en una verdadera imaginería lingüística (alegorías, analogías, alusiones,imágenes y símbolos) que tendía más a destacar la sensación y la intuición que larazón.




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El interés de Ficino por Hermes y Zoroastro, Pitágoras y Platón, procedía deconsiderarlos depositarios de un saber primero. La misión de estos pensadores habríaconsistido en crear códigos secretos, no asequibles más que a los iniciados para nodañar el verbo original. La gran obra “Jeroglíficos”, atribuida al egipcio Horopolo (siglo

V), fue considerada en el Renacimiento como un verdadero código en el que se

hallaban las claves para descifrar muchos de los signos secretos del lenguaje divino Laobra estimuló la imaginación de escritores y artistas (Bellini, Tiziano, El Bosco) y delpropio Ficino.

La Academia, sin ser una sociedad esotérica, tenía un carácter secreto. Tambiéndesarrolló una gran actividad científica y, además de la hermenéutica, se estudiaron lasmatemáticas, cosmografía, astrología y magia. Desde 1490, la Academia tuvo tantoprestigio que se convirtió en centro de peregrinación de humanistas, con unaimportancia decisiva para el Renacimiento, que llegó a considerarla un emblema deperfección.

Ficino tradujo al latín el “Pimandre”, obra capital de esoterismo atribuida a Hermes.

Según Kepler, bajo ese nombre se escondía el propio Pitágoras, y realmente laimportancia que atribuía a las esferas y a la magia del Universo coincidía con sus tesis.Las doctrinas gnósticas del Pimandre exponían una concepción mágica del mundo queinfluyó, entre otros, en Durero, cuya obra “La esfera armilar” (1525) puedeconsiderarse el símbolo más representativo del Renacimiento.

La “Teología platónica”, la obra más importante de Ficino, representó uno de losrepertorios más interesantes de los poderes imaginativos. Las visiones, los sueñospremonitorios y el mundo de los prodigios físicos que se acumularon en ese libroresultaron ser un enorme caudal para la producción literaria posterior. La afición porlas etimologías, los juegos de palabras, las alegorías, los símbolos, las visiones, sueñosy predicciones, formaron parte esencial de la poesía y del teatro del Renacimiento, y

sobre todo del Barroco.

Ficino sintió fascinación por la esfera, al considerarla el símbolo más eminente de ladivinidad, de acuerdo con las doctrinas pitagóricas y herméticas. De acuerdo con el

“Timeo” de Platón, el movimiento giratorio del Universo y su forma perfecta (la esfera),representaban lo acabado y perfecto. Símbolo de la perfección del Universo. “La esferaarmilar” obra de Durero (1525) preside la Biblioteca del Escorial. Símbolo másrepresentativo del Renacimiento.

Además de todos estos temas, el amor era el tema fundamental que se desarrolló en la Academia. Se consideraba la más alta actividad con la que el alma actuaba demediadora entre Dios y el mundo.

En España, Ficino y la Academia tuvieron una gran influencia. Garcilaso y Lope de Vegafueron lectores de Ficino, y la teoría del amor de Ficino tuvo en España una amplísimadifusión.

3. Precedentes humanistas y su actualidad en el Renacimiento: Dante,Petrarca y Boccaccio

Los antecedentes inmediatos al Renacimiento más importantes fueron los tres grandesescritores del s. XIV italiano: Dante, Petrarca y Boccaccio, quienes asimilaron el

humanismo clásico. Su actitud ante los clásicos y sus obras singulares impulsaron larenovación artística que dio lugar al Renacimiento.




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3.1. Alegoría, sentimiento y creación artística: Dante

Dante Alighieri (1265 – 1321) puede considerarse el iniciador de la nueva poesíaeuropea. Con 9 años, Dante conoció a una niña, Beatriz, que iba a convertirse en la

musa del nuevo estilo de entender la poesía en toda Europa. A los 18 años, volvió averla y consiguió que la joven le saludara. Este hecho se tradujo en el que habría deser el primer diario lírico en literatura.

Con el título de “La Vida Nueva”, esa mujer ocupó el lugar central de todas sus demáspreocupaciones. La obra, estructurada en tres partes, respondía en una primera etapaa las fórmulas del amor cortés en el tratamiento de la dama, pero a medida que ibaconstruyendo la obra y alcanzaba la madurez, la mujer concreta y real (Beatriz) seconvirtió en algo superior y trascendente. La llegó a considerar una perfección y reflejode Dios. Cuando ella murió, el poeta mostró un dolor auténtico y lo vertió en formalírica y en prosa.

A partir de entonces, Dante profundizó en sus sentimientos y prometió esforzarse porcrear una obra nueva y original para quien había sido una mujer única. Lo cumpliótotalmente en “La divina comedia”, viaje alegórico y simbólico en el que Beatrizacompañó al poeta en su peregrinaje por el cielo. Antes, Virgilio (símbolo de la razón,cultura y estudio) le había acompañado por el Purgatorio en un amplio recorridoalegórico por toda la sociedad de la época. Sin embargo, la dama, identificadadefinitivamente con la gracia, máxima expresión cristiana, le pudo llevar al cielo por suamor.

La humanidad que se desprende de la obra de Dante, la capacidad de analizar yrecrear artísticamente sus propios sentimientos y el deseo de realizar una obra original,adelantó el auténtico humanismo renacentista.

3.2. Actitud moderna ante los clásicos y la creación: Petrarca

Francesco Petrarca (1304 – 1374) aportó al humanismo renacentista una nueva formade acercarse a los clásicos. Con Petrarca, por primera vez, los clásicos se consideraronautores vivos y su estilo moderno. En Cicerón descubrió al maestro de la prosa, y en

Virgilio al de la poesía. Asimismo, defendió una mayor exigencia en el tratamiento delos textos. Leyó las obras de la Antigüedad y consideró necesario interpretarlas a partirde una lectura directa, y no mediante el filtro al que habían estado sometidas en laEdad Media. Su preocupación por la lengua y por el texto permitió su estudio ydepuración.

Escribió en latín gran parte de su obra, imitando a sus modelos. Sus “Epístolas”constituyen un testimonio de gran interés para conocer su vida personal, espiritual yliteraria. En su poema épico, “África”, en latín, rindió tributo a la Roma antigua en unmomento en que su patria estaba dividida, y rindió extraordinariamente la figura deEscisión, modelo de héroe valeroso, prudente y culto que el Renacimiento puso demoda.

De tema muy diferente es su obra “Secreto”, donde vertió toda su intimidad conflictivatras la muerte de su amada y musa, Laura. La forma de un sueño dialogado, entre elpoeta y San Agustín, le permitió exponer su dolor desde distintas perspectivas. Se haconsiderado el libro más humano de esta época, anticipador de su obra másimportante, el “Cancionero”.




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Petrarca consideraba las composiciones del Cancionero (366 poesías) “fragmentosinsignificantes”, a diferencia de sus obras latinas, con las que estaba convencido deque conseguiría la inmortalidad. La diferencia fue muy diferente.

Su Cancionero gozó de una fama extraordinaria. Las ideas contenidas en esta obrainfluyeron en la corte florentina. Toda la lírica española fue deudora de ella, sobre todoa través de Boscán y Garcilaso, hasta el punto de que el petrarquismo, gracias a lasrelaciones políticas que había entre los dos países, penetró en todos los géneros y suinfluencia ha llegado hasta nuestros días.

La mayoría de las composiciones del Cancionero elogiaban a la mujer, Laura, yalrededor de ella, el poeta iba tejiendo su autobiografía, con las ilusiones ypensamientos más dispares e íntimos. Una parte la escribió Petrarca mientras vivíaLaura, y la otra, tras su muerte.

El misterio que envolvía a Laura, a quien nunca se vio con el poeta, permitió creer asus contemporáneos que se trataba sólo de un recurso literario y que dicha dama notenía existencia real. El propio Petrarca lo negó rotundamente, y en su obra Secreto serefirió a ella. Sin embargo, los únicos datos conservados sobre esa mujer han llegado anosotros insertos en una nota autógrafa que el poeta escribió en un manuscrito de

Virgilio. En esa nota, Petrarca dejó constancia de su extraordinaria belleza, de su luzsobrenatural, su castidad y de cómo y dónde la había conocido. Según ello, la conocióen los primeros días de abril de 1327, en la Iglesia de Santa Clara, de Aviñón. A pesarde que ni sus contemporáneos ni la crítica pudieron identificar a la dama (pese abarajarse posibles mujeres de la corte), es posible que fuese una dama casada, y queLaura fuese sólo un seudónimo poético que ocultase su personalidad.

Petrarca quiso ordenar sus textos en sus “Rimas”, cuando sentía cercana su muerte, ytranscribió e hizo transcribir sus poemas a un amanuense. De esta forma, el poeta

consiguió una nueva forma de acercarse a su propia creación, corrigiendo, añadiendo otachando composiciones y logrando verter una conciencia nueva.

Fruto de esta fusión temporal, surgió una diferencia de tono que actuó sobre la nuevamentalidad impuesta por el poeta respecto a su tiempo pasado. El centro de su poesíapasa a ser él mismo, y no Laura. El Petrarca maduro puede verse en las cartasdirigidas a su amigo Boccaccio. En ellas le contaba cómo acompañaba su vejez de lalectura de los clásicos Cicerón y San Ambrosio, que le confirmaban en el abandono desus errores juveniles y le compensaban de su desengaño de la vida, y cómo crecía suesperanza en conseguir una gloria humana por sus escritos.

Esta actitud de respeto escrupuloso del autor hacia su propia creación, a diferencia del

anonimato medieval, constituía una gran novedad. Fortaleció la importancia de la obraartística, del autor y de los textos. Petrarca quiso dejar para la posteridad unos textosfijados y definitivos que no pudieran ser manipulados por la tradición o los intereses, aligual que había tratado de hacer él con los clásicos.

3.3. El precedente de la novela moderna: Boccaccio

La aportación de Boccaccio (1313 – 1375) al humanismo fue en el género narrativo.Como Dante, también se enamoró de una joven a la que cantó en sus versos. Adiferencia de Beatriz o Laura, se trataba de una mujer sensual y frívola quecorrespondió al escritor, pero cuyas infidelidades y abandono definitivo le ocasionarongran desesperación. Sus “Rimas” fueron desahogos líricos a semejanza de las poesías

trovadorescas.




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En la “Fiammetta”, la psicología de la protagonista, el ambiente cultural y geográfico yel argumento (las infidelidades de la mujer contadas en primera persona, con la únicadiferencia de que en la realidad Fiammetta abandonó a Boccaccio, mientras que en lanovela ella fue la abandonada), responden a la realidad biográfica del autor.

Su originalidad estriba en la naturalidad del argumento y en el dolor auténticomostrado por la protagonista. Constituyó el primer ejemplo de novela sentimental,caracterizada por un relato sencillo y escrito en una prosa elegante y culta, queadelantaba la novela moderna.

Escribió el poema en terceros donde, bajo la forma de un sueño y estructurado en trespartes (como la Divina Comedia), relataba el camino recorrido por el poeta encompañía de una bella mujer al Castillo del Placer; después pasaban al jardín sensualdonde les esperaba Fiammetta.

Sin embargo, su obra más importante fue el Decamerón, que se convirtió en modelode la prosa renacentista. Su título responde al contenido de los 100 cuentos, relatadosen diez días por siete damas y tres hombres. Estructurado en diez jornadas, losdiferentes relatos, interdependientes entre sí, se corresponden con un ordenargumental.

El libro se inicia con un “proemio” donde el autor se refiere al carácter narrativo y altema amoroso de sus páginas. En la introducción a la primera jornada, se cuenta eldesastre de Florencia tras la terrible peste de 1348 y el cambio de vida y costumbresque trajo consigo. Huyendo de la ciudad, diez jóvenes se retiran al campo y se instalanen un palacio donde permanecen dos semanas. Cada día uno es nombrado rey o reina,cuya misión es proponer un tema al que deben someterse las narraciones de cada uno.El resultado son los 100 cuentos (pues, por razones religiosas, se suspende la fiesta losviernes y sábados), resultado de los diez contados por cada uno. Boccaccio se sitúa al

margen de los narradores y sólo participa activamente en el “incipit” y “proemio” parareferirse a la obra y en dos momentos del relato: en la introducción a la jornada cuarta,para criticar a los lectores que se habían escandalizado por los cuentos primeros, y alfinal, para defender el carácter poético de su obra y la pureza de sus intenciones.

La variedad de cuentos, anécdotas, temas, motivos, asuntos, historias tradicionales,fábulas, chistes, opiniones y críticas sociales, relatados en estilos muy diversos,hicieron del Decamerón una historia única y sin precedentes en la literatura moderna.

Por esa variedad de contenido, el libro fue interpretado de forma muy diferente. Paraunos, se trataba de una obra plenamente sensual; para otros, del testimonio de lanueva sociedad, más apartada de la Iglesia, y de sus nuevas aspiraciones.

En España se publicó por primera vez en 1496, en Sevilla, con el título de Las ciennovelas de Juan Boccaccio. En 1559 fue incluida en el Índice de libros prohibidos, yhasta 1876 la obra no volvió a ser editada.

4. La revalorización de los textos antiguos: ediciones y traducciones

Una de las consecuencias importantes para la cultura en el Renacimiento fue lacreación de importantes colecciones de arte y libros. Las bibliotecas y los museos sellenaron de restos antiguos y manuscritos. Entre los restos encontrados, el busto dePlatón descubierto en las ruinas de la Academia florentina, se convirtió en símbolo de

perfección ética y estética. Las noticias que habían llegado por los escritores antiguosle habían convertido en un ser ideal, en maestro de lo divino.




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Al igual que las piezas arqueológicas, los textos antiguos despertaron gran interés. Virgilio, Ovidio, Homero, Aristóteles, etc., fueron comentados, adaptados y utilizadoscomo modelos poéticos.

Para el grupo de Florencia, La Divina comedia de Dante resultaba el modelo másperfecto donde la estructura, el valor simbólico de los colores, el sentido alegórico y laexistencia de fuerzas encontradas (amor y terror), representaban la síntesis de lapoesía y la cultura, con Beatriz y Virgilio como modelos. Se multiplicaron las edicionesilustradas de la obra de Dante.

4.1. Pitagorismo y música de las esferas: El Sueño de Escipión

Macrobio (escritor latino del s. IV) había realizado un “Comentario” al “Sueño deEscipión”, de Cicerón. En este Comentario se refería a la armonía universal: cadaesfera respondía a una ciencia y todas las actividades humanas podían insertarse enlas correspondencias universales. Consideraba que existía un alma en el mundo y queentre ésta y el alma humana había comunicación.

Es muy importante la importancia que tuvo la figura de Escipión entre los humanistas.Lo sentían cono un nuevo modelo de hombre en oposición al propio César. Era activo ycontemplativo; héroe y sabio; dedicado a las armas y a las letras. Antes de serglorificado por Macrobio, Escipión ya pertenecía a la galería de hombres ilustres, sobretodo por su enfrentamiento con Cicerón y Aníbal.

El Sueño de Escipión inauguró una estética y una estructura de discurso simbólico enlas literaturas europeas. Su influencia desde que se conoció a través del Comentario deMacrobio y se editó, fue enorme.

En la Academia florentina, la obra tuvo extraordinaria repercusión. Manifestaba laimportancia de la armonía universal y de la capacidad humana para construir un

estado espiritual interior, personal, reflejo de la armonía cósmica. La idea de la músicaconstituía el símbolo perfecto de la actividad artística, y el propio Ficino lo habíarepresentado en el medallón de Orfeo con su lira que presidía la Academia. Se

justificaba así la idea de que el espíritu humano podía llegar a Dios.




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TEMA 2. HACIA UN NUEVO CONCEPTO DEL HOMBRE

1. En busca de la felicidad humana. El diálogo sobre la dignidad delhombre

Una de las más importantes aportaciones del humanismo fue la consideración de la

dignidad del hombre. Mientras que en la tradición pagana y en la cristiana existía unaliteratura que trataba de consolar al hombre de su destino inexorable y del dolorpropio de una existencia miserable, el Renacimiento alejó esa idea y exaltó el carácterdivino del hombre.

Petrarca fue pionero en este tipo de obras que se erigieron contra la tradición medieval.En su tratado “De remediis utriusque fortunae” incluyó el diálogo “De tristitia etmiseria”. Allí, a través de dos personajes simbólicos, Dolor y Ratio, Petrarca mostrabael enfrentamiento de las dos posturas vigentes en su época. Dolor representaba lavieja idea de la miseria humana, mientras que Ratio era el portavoz de la nuevamentalidad y defendía la necesidad de que el hombre fuese feliz en el mundo pese a

las desgracias que pudieran aquejarle.Siguiendo esta misma línea de pensamiento, Bartolomé Fazio escribió el tratado “Deexcellentia et praesentia hominis”, donde mostraba los elementos positivos por los quedebía sentirse feliz el hombre. Por las mismas fechas, en 1452, Giannozzo Manettiescribió otro tratado en respuesta a la sombría visión del hombre divulgada porInocencio III. A partir de Cicerón, Lactancio y de Séneca, Manetti destacó lascualidades específicas del hombre (capacidad intelectual, creadora, científica) y subelleza física, para justificar la dignidad humana.

La escuela florentina prestó mucha atención a las teorías sobre la felicidad humana.Platón, en el tratado “Sobre la voluntad”, expresaba sin ninguna duda la aspiración del

alma a la felicidad absoluta. Sin embargo, la principal aportación de la escuelaflorentina a este tema consistió en realizar la conjunción de la tradición hermética conel cristianismo, hecho que consideraron clave en la historia universal.

Ficino, en su “Teología platónica”, recordó la admiración de Zoroastro por el serhumano, y desde su visión platónica declaró que el alma humana tendría “a convertirseen todas las cosas, como Dios es todas las cosas”. La seguridad de Ficino por ladignidad y superioridad del hombre la justificaba por su ansia de Dios: “El espírituhumano alcanza a Dios todos los días; por él arde el corazón, el pecho respira, lalengua le canta…”

La labor de Ficino fue corroborada por Pico de la Mirandola. En su tratado sobre la

“Apología del hombre”, defendió con tal ímpetu su dignidad que transformó elpensamiento occidental. Acudió a diferentes autoridades (paganas, cristianas y árabes)para corroborar que el hombre era el mejor compuesto de todos los elementosnaturales.

En esta línea de pensamiento en defensa del hombre, la obra más importante ycompleta fue la del español Hernán Pérez de Oliva. Su “Diálogo de la dignidad delhombre” (escrito antes de 1531) fue la primera obra de este tipo escrita en lenguavulgar (castellano). Enfrentó dos pensamientos opuestos: el de la tradición epicúrea,que mostraba la miseria del hombre, y el de la tradición estoica y cristiana quedefendía su dignidad.




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La obra se inicia cuando dos amigos, Antonio y Aurelio, coinciden en el campo yentablan un debate sobre la soledad. Para Aurelio, representante de la idea de lamiseria del hombre, el deseo de soledad se justificaba por “el aborrecimiento queconsigo tienen los hombres de sí mismos”, mientras que Antonio consideraba que nohay “criatura más excelente que el hombre, ni que más contentamiento deba tener por

haber nacido”. A diferencia del discurso negativo de Aurelio, donde no aparece nunca el nombre deDios, el de Antonio está lleno de referencias a Dios, a su gran obra y a su gran amorpor el hombre, lo cual puede interpretarse también como una lección religiosa que,lejos de servir al hombre como rémora, le permite gozar de la felicidad que todo su serle muestra.

2. El modelo de hombre renacentista: El Cortesano

La obra de Baltasar de Castiglione, “El Cortesano”, escrita entre 1508 y 1516, fue

publicada en 1528 y traducida al español por Boscán en 1534. Se trata de uno de lostextos más representativos del Renacimiento italiano y más influyentes en toda Europa.Muestra el espíritu refinado de la época, expone el ideal de perfecto caballerocortesano (hombre de armas y de cultura) y tiene muy en cuenta el valor de la mujeren la nueva sociedad.

Estructurada en cuatro partes o libros, en forma dialogada, desarrolla lasconversaciones o juegos que tuvieron lugar durante cuatro noches seguidas en la cortede Aretino. El primer diálogo trata del linaje y la educación de un cortesano; elsegundo refleja las costumbres sociales y las calidades en que el cortesano debedestacar; el tercero se ocupa de describir el ideal de la perfecta dama de palacio, y elcuarto se refiere a las relaciones entre el cortesano y el príncipe.

Entre las cualidades necesarias para ser perfecto cortesano se destaca, además de la “gracia” natural de rostro y cuerpo, el ejercicio de las armas, la cultura y elconocimiento de la música y la pintura.

Además de ser un tratado sobre el comportamiento del nuevo hombre renacentista, laobra también informa sobre el nuevo papel de la mujer en la sociedad y en la cultura.Entre las cualidades que Castiglione asigna al perfecto cortesano figura el tratoexquisito a la mujer. Muestra una alta consideración hacia la mujer, que se manifiesta,en primer lugar, en dar un gran protagonismo a las damas en los diálogos, y endestacar la formación de la “perfecta dama”. Considera que las cualidades propias delcortesano (discreción, gracia, cultura, naturalidad), deben compartirlas las mujeres,aunque también señala otras específicas, como la dulzura del gesto, la delicadezatierna y blanda, y, sobre todo, la belleza o gracia. Se enumeran muchos ejemplos demujeres importantes y se destaca extraordinariamente el caso de la reina españolaIsabel la Católica, cuya política y buen gobierno permitió grandes éxitos en España.

Entre las virtudes compartidas por los dos sexos, Castiglione destacaba “la prudencia,la grandeza del ánimo, la continencia”, aunque elogiaba determinadas virtudes muytradicionales, como “ser buena y discreta, saber regir la hacienda del marido, y la casay los hijos si fuere casada, y todas aquellas partes que son menester en una señora desu casa”.

Entre las habilidades que debían desarrollar las damas, Médicis enumera las letras, lamúsica y la pintura, sobre todo. Considera que la mujer era muy capaz de ejercercargos públicos.




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La forma dialogada del libro permite la discusión y el enfrentamiento de posturas, perolo que el libro representa de forma evidente es la igualdad de los sexos y la necesidadde complementarse hombre y mujer para desarrollar mutuamente su vida natural,social y anímica. Para Castiglione, la mujer representaba el motor de la vida cortesana.

El balance de la obra resulta totalmente positivo en favor de la dama cortesana y laprueba más evidente es la participación de las mujeres en las tertulias, el respeto porsus opiniones y el espíritu crítico que muestran ante los diferentes interlocutores.

Por último, el tema del amor tiene gran importancia. Su definición y defensa se hace através del poeta Pietro Bembo, el cual, para justificar la importancia del amor humano,recuerda las tres formas de conocimiento del alma: por el sentido, de donde nace elapetito; por la razón, de donde nace la elección; y por el entendimiento, de dondenace la voluntad y permite a los hombres equipararse con los ángeles. Bembo llega aconsiderar el amor como la forma de superar las formas de conocimiento.

3. Reivindicación de la mujer y participación en la culturaDesde el s. XV, comenzaron a surgir ejemplos aislados de mujer (siempre entre lasmonjas o entre las mujeres de la nobleza) que sintieron deseos de saber e inclusoplasmaron en textos ese afán. El humanismo favoreció esta tendencia y desdeentonces se extendió el gusto por saber entre mujeres laicas. En el círculo de Florencia,

junto a los máximos representantes del nuevo pensamiento (Ficino, Colonna yCastiglione), las mujeres ocuparon un puesto principal en la vida social y cultural.

Caterina Cornaro, reina de Chipre, dirigió en el reino de Asolo una importante Academia cultural. Se rodeó de artistas y escritores y, entre ellos, Bembo celebró ensus “Asolani” (una especie de memorias) la labor de mecenas de esta mujer. Los

Asolani fueron traducidos al castellano en 1551, y marcaron un nuevo rumbo para lamujer y su integración en la sociedad junto al hombre.

Desde el humanismo, las mujeres podían asistir, junto con los hombres, a una escuelade estudios clásicos donde se enseñaba latín y griego, entre otras materias, y lasmujeres organizaron sus salones culturales. Algunas fueron también protectoras depoetas, otras dirigieron compañías dramáticas, etc.

El tema de la defensa de la mujer y su dignidad fue objeto de muchos tratados, sobretodo en Italia. El tratado de Cornelio Agrippa, “De la nobleza y excelencia del sexofemenino” (1529), se ha considerado el mejor argumentativo a favor de lasreivindicaciones femeninas.

En realidad, todos los tratados defendían a la mujer por su nobleza y su virtud,consideradas las auténticas cualidades por las que las mujeres podían ser alabadas.Sólo tras la difusión de las ideas erasmistas sobre la mujer, la cultura y la formación sesintieron necesarias para la mujer noble. Esta nueva actitud a favor de la mujerpermitió un avance considerable, especialmente en Italia. Lo más novedoso delhumanismo fue la participación de las mujeres en la empresa intelectual de la época.Se convirtieron en modelos para los artistas y en tema para escritores.

En España, la reina Isabel la Católica fue la gran mecenas de la cultura. La educaciónde la mujer fue una de sus grandes preocupaciones. En la Academia Palatina se ocupóde formar a los jóvenes (hombres y mujeres) en todas las ramas del saber. Ella misma

aprendió la lengua latina bajo el magisterio de Beatriz Galindo, sabia que acompañó ala reina en sus desplazamientos bélicos y diplomáticos.




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Gracias a la imprenta y a la publicación de obras en lengua vernácula, se amplióconsiderablemente el número de lectoras, paso previo para la realización de unaescritura propia. El tránsito de lectora a creadora no fue fácil, porque en los manualesde educación se afirmaba que la mujer no debía ser elocuente. Como se afirmaba en laobra de Pedro de Luján, “Los coloquios matrimoniales”, “… la mujer jamás yerra

callando y muy poquitas acierta hablando”.Por razones de castidad se impedía a la mujer tañer instrumentos en público o cantarapasionadamente canciones de amor porque podía seducir al varón. Si la mujercantaba o tocaba instrumentos en público (cuando le daban permiso), debía ponerextremado cuidado en el vestido, los gestos y las posturas. La castidad del vestuariodebía ir acompañada de una actitud de humildad: la mirada puesta en el suelo ysuavidad en el tañer o cantar. En caso contrario, la mujer se situaba próxima a laprostitución.

En España, el humanista Juan Luis Vives desarrolló un detallado programa de lecturasque debía realizar una mujer. Defendía que las mujeres aprendiesen a leer para que

conociesen las obras de piedad religiosa, las Sagradas Escrituras y las de los Padres dela Iglesia. También las animaba a estudiar la lengua latina para poder leer a losautores clásicos (Platón, Séneca, Cicerón). Sin embargo, no aceptaba que leyesenobras de ficción por los engaños vertidos en ellas. Les recomendaba, asimismo, que nose preocupasen de la retórica (hablar en público) y que se mantuviesen en silencio,pues su misión era, ante todo, prepararse para el matrimonio.

Erasmo, defensor de una posición más avanzada que Vives con respecto a las mujeres,escribió varias obras para reivindicar la posición de la mujer en la cultura y en lasociedad. En el coloquio “El abad y la erudita”, defendió la igualdad de educación parahombres y mujeres. Consideraba muy positivo que las mujeres aprendieran latín ygriego, primer paso obligado para adquirir cualquier conocimiento en la época. En otro

coloquio, “Puerperio”, estructurado en forma de discusión acerca de los méritos dehombres y las mujeres, el interlocutor femenino se mostraba muy por encima delmasculino. El debate sobre la mujer se iniciaba en esta obra cuando varias mujeres,cansadas de obedecer a los hombres, decidieron formar un consejo para defender susintereses. Con ello mostraron su capacidad para autoorganizarse y discutir en público,facultades que sólo se consideraban entonces propias de los hombres.

En “La mujer que se queja del matrimonio”, Erasmo expuso la obligación de que elesposo hiciese feliz a la mujer, condenando conductas violentas, aunque sin dejar deapoyar al sexo masculino al que no creía que debía someterse la mujer de forma ciega,sino mediante unas relaciones de equidad entre ambos. Las traducciones de Erasmo

tuvieron extraordinario éxito en España, sobre todo entre las mujeres. Aunque se aceptaba que la mujer aprendiese a leer, no se admitía que escribiese.Pensar en que una mujer llegase a escribir obras de ficción (cuyos modelos erancensurados) resultaba impensable.

En el Renacimiento, la Universidad abrió las puertas a la mujer, aunque por pocotiempo, pues a fines del s. XVI se cerraron en la práctica. La primera en abrirlas fue lade Salamanca, y en esta ciudad se ubicaron bastantes obras literarias con protagonistauniversitaria. En España, aunque no abundaron los ejemplos de mujeres universitarias,algunas sobresalieron, como Francisca de Lebrija, Lucía Medrano y, sobre todo, BeatrizGalindo, “La Latina”, consejera de la reina Isabel la Católica y famosa por dirigir una

importante Academia en la que participaron eminentes comentaristas de los clásicos.




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Entre la nobleza también había muchas mujeres que además de dedicarse a laliteratura, eran pintoras, una práctica que necesitaba para su ejercicio de una buenacultura. Hacia mediados de siglo empezaron a proliferar mujeres que se dedicaban porgusto a la pintura y, como en el ejercicio de la literatura, la causa hay que buscarla enla corte y en ejemplos concretos que sirvieron de modelo para muchas otras.

El caso más llamativo fue el de la cremonense Sofonisba Anguisciola, de educaciónexquisita y que vino como dama de la reina. Desarrolló una gran actividad comoretratista, y fue una excelente música y gran aficionada a la lectura. Esta mujer nopasó desapercibida por su preparación y dejó profunda huella en otras artistas.

El propio Lope de Vega, en muchas de sus obras, dejó un nutrido número de nombresde mujeres cultas a las que dedicó grandes elogios, como Isabel Sforcia (filósofa),Laurencia Méndez de Zurita (poetisa), Olivia Sabuco de Nantes (científica), etc.

Un caso excepcional de mujer emprendedora y culta fue el de Mencia de Mendoza.Llegó a ser la mujer más rica de Castilla y reunión una colección de arte insólita para laépoca. Durante su estancia en tierras flamencas tuvo como preceptor a Vives, quien lainstruyó en la lengua latina, literatura y cultura clásica, la asesoró en la adquisición delibros y obras de arte y, lo más importante, la introdujo en el ambiente humanistaeuropeo, donde conoció a los eruditos más importantes (Erasmo, Juan de Maldonado,Guillermo Budé). La vuelta a Valencia, tras su segundo matrimonio, la permitióconvertirse en mecenas de los humanistas valencianos. La dedicación de esta mujer alas artes y las humanidades, su independencia económica y su criterio artístico yliterario constituyen un importante ejemplo del interés de la mujer renacentista porsituarse al mismo nivel que el hombre.

El otro camino para el acceso a la cultura se imponía desde el convento. La reforma delas Órdenes religiosas impulsada por mujeres, como las de las clarisas o las carmelitas,

abrieron nuevas formas de vida y cauces de expresión que les valió, en muchos casos,ser perseguidas por la Inquisición.

Sin embargo, a pesar de que hubo una situación favorable para que las mujerestuviesen una mejor educación gracias a los humanistas, la realidad es que ellas nomostraron demasiado interés por el tema. Aunque las obras de Vives y Erasmo fueronconocidas y muy leídas, lo fueron por grupos muy minoritarios. La inmensa mayoría notenía ningún interés por el latín ni el griego y lo que leía, cuando lo hacía, era laliteratura de amor cortés o los libros de caballerías.

La literatura, al igual que ofrece textos donde se reconoce la función superior de lamujer y su heroicidad para traspasar las barreras que las impedían acceder a la

Universidad, también muestra la vida cotidiana. En obras de Lope de Vega, comoPeribañez y el comendador de Ocaña , muestra expresiones como “ya sabes que lamujer para obedecer se casa, que así lo dijo Dios”, suficientemente elocuente de loque se consideraba la formación que debía recibir una mujer del pueblo en la época.

El teatro constituyó el inicio de una mentalidad moderna y, aunque sin abandonartópicos sobre la mujer, desarrolló una vía diferente en su tratamiento. La comediapermitía alusiones constantes a la realidad, a la vez que la posibilidad de seguirexaltándola como ideal. Lope, Tirso, Calderón y Rojas fueron muy audaces en algunosde sus planteamientos y, sin olvidar que el teatro era ficción, también era el espejodonde el pueblo aprendía la nueva consideración de la mujer.




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4. El amor: estética y pensamiento. Los diálogos de amor

El amor, en cuanto pensamiento y estética, constituye el eje temático fundamental enla literatura del Siglo de Oro. Para Ficino y la Academia, el amor resultaba una fuerzaque procedía de Dios y se difundía al mundo bajo tres nombres: belleza, amor y deseo.En su teoría, el amor procede de la belleza y termina en el deseo. Gracias al amor, lacreación pasó del caos (oscuridad) al cosmos y éste se llenó de belleza (luz).

De acuerdo con la teoría platónica, la belleza no está en la propia materia, que por símisma no tiene cualidades, sino en el influjo divino que tiene su fuente en Dios ydesciende a los elementos después de atravesar los cielos en forma de resplandorluminoso.

En la Teología platónica , Ficino consideraba que en cada objeto y persona brillaba elresplandor del sumo Bien y donde brillaba con más perfección estimulaba a quien locontemplaba, lo extasiaba y le obligaba a venerarlo hasta transformarlo en esplendor.La mujer, en cuanto objeto amoroso, actuaría con esa fuerza irresistible hacia elhombre hasta hacerle penetrar y confundirse con su luz.

Para los intérpretes del amor cortés existía todo un vocabulario del sufrimiento, pues laocultación de ese amor era uno de los elementos más importantes del ritual eróticoque permitía subrayar la distancia entre el enamorado y su dama, de manera quecuando más inaccesible se hacía para el amado, más fuerte era el objeto de su deseo.Llegó a ser una verdadera enfermedad sin cura, puesto que el enamorado deseabapermanecer en ese estado que consideraba como una “infección fantástica”.

Mircea Eliade estudió este tema a partir de la influencia que en el s. XII tuvo la seca deiniciados consagrada al culto de la mujer y a los secretos del amor espiritual. Entreellos se produjo un fenómeno especial que tuvo amplia repercusión en la literaturaposterior. Se trataba de la comunicación de un mensaje secreto espiritual a través dela literatura, y Dante fue el más famoso representante de esta tendencia.

Toda la doctrina del amor como estética y pensamiento se difundió a partir de losDiálogos de amor , de León Hebreo, seudónimo de Judá Abarbanel, natural de Lisboa,aunque de familia culta castellana, cuyo padre había sido un reconocido comentaristabíblico. El libro tuvo un éxito extraordinario; se hicieron numerosas ediciones ytraducciones, y fue conocido y citado por los grandes creadores, pensadores y hastapredicadores del Siglo de Oro.

Pertenece al género dialogado y la estructura responde al esquema de preguntas yrespuestas. Los interlocutores son sólo dos (Sofía y Filón). Filón (Amor) ama a Sofía(Sabiduría), pero nunca llega a poseerla porque se trata de un amor platónico.

El tema es el amor y sus repercusiones en todo lo creado, desde la naturaleza, laastrología y la mitología. La tesis de Hebreo es la misma de la Academia de Ficino:todo cuanto existe participa del amor, que es un perpetuo acercarse a la belleza,equivalente a la luz, y que dimana de un principio superior, fuente de toda belleza, queno es otro sino Dios. La finalidad del amor, por tanto, será volver al principio.

La obra fue traducida al español por Garcilaso de la Vega en 1586. Organizada en tresdiálogos, el primero trata del amor en cuanto concepto; el segundo, de cómo todocuanto existe tiene su origen en el amor, y el tercero aborda el origen del mismo.




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Tras referirse a las diferentes virtudes como modos de acercarse a las pasiones, sedestaca la templanza y, sobre todo, la fortaleza. La fortaleza conforma el núcleodramático de los grandes personajes del teatro del Siglo de Oro, como el conocidoSegismundo, de La vida es sueño .

En el segundo diálogo, sus ideas respecto a los elementos, al Universo y a lascorrespondencias entre lo natural y lo humano, conforman una estética de la queparten todos los escritores de la época para interpretar al mundo y al hombre. La ideadel hombre como pequeño mundo también está muy presente en las creaciones de losescritores del Siglo de Oro.

El diálogo tercero comienza con la petición de Sofía de que le explique su amado lasrazones por las que el amado construye las fantasías sobre la amada. Filón se refiereentonces al proceso por el que la imagen de la amada queda grabada en el alma delamante, gracias a la luz, elemento fundamental del pensamiento. Como consecuenciade todo ello, Sofía proclama la superioridad del sentido de la vista sobre los demássentidos (propio de la estética renacentista), y Filón así lo ratifica.

Hay que tener en cuenta que en el Renacimiento, la arquitectura era el arte máscaracterístico, y el sentido más importante era la vista. Sin embargo, en el Barroco, elarte propio era la pintura, y el sentido característico el oído por su mayor dificultadpara ser engañado en un mundo donde todo responde al engaño, la teatralidad y elaspecto exterior.

La importancia concedida al amor fue tal que los mitos más importantes se utilizaronpara definirlo e ilustrarlo. Ficino la había definido como un pulso irresistible y unafuerza violenta del ser. A su vez, la pintura proporcionó ilustraciones fundamentalesque expresaban el pensamiento y la estética neoplatónica. La luz y la oscuridad y elcolor ayudaron también a expresar las diversas situaciones del enamorado.




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TEMA 3. MODELOS ARTÍSTICOS

1. La naturaleza, modelo para la creación artístico-literaria

Desde el s. XV, debido a los grandes descubrimientos geográficos y físicos, se produceun interés extraordinario por conocer el Universo y su diversidad. En Florencia se

iniciaron los estudios en torno a la Naturaleza. Se buscaba un orden y suscorrespondencias para explicar el sentido del Universo y la situación del hombre en él.

El neoplatonismo había roto con la vieja idea del estatismo del Universo y habíaintroducido la noción de correspondencias. Se pensaba que el Cosmos era un gransistema matemático, perfectamente organizado por una mano superior de acuerdo conun plan divino.

Según Ficino, Dios había diferenciado cuatro elementos en la materia y cuatropropiedades en el espíritu humano. Las propiedades espirituales tenían su perfectacorrespondencia con los elementos materiales: al fuego le correspondía la propiedadespiritual (intelecto); al aire, la inteligencia; al agua, el alma; y a la tierra, la Naturaleza.

Gracias a la existencia de un Anima mundi , equivalente al principio de unidad, se regíatodo el Universo.

Para la escuela florentina, el Universo tenía un carácter óptico. Las tres dimensionesdel mundo (de las formas inteligibles, de las figuras y de los números) proporcionabanuna estructura matemática de la que derivaba la música (por el orden numérico) y loscuatro elementos (por el orden geométrico). El resultado de esas combinaciones seríanlas 12 caras, 12 esferas y las 12 figuras del zodíaco.

El descubrimiento de esa Naturaleza perdida desde la Antigüedad fue un hechoesencial en los primeros momentos del Renacimiento y afectó fundamentalmente alarte. La pintura trataba de “imitar” la Naturaleza y las creaciones acerca de ella o sobre

el cuerpo humano (el elemento más perfecto de la Naturaleza) se basaban en la ideade proporción o concordancia, según el ejemplo natural.

2. El valor de la mitología y su interpretación humanista

Los mitos griegos inspiraron a poetas y dramaturgos antiguos para sus creaciones, lomismo que a los autores y a artistas plásticos renacentistas y barrocos, pero a costa deuna clara desmitificación del contenido sacro que pudieron tener en alguna ocasión.Por eso, es necesario distinguir el mito , como sustancia sagrada, del relato mítico , quefrecuentemente se confunde con la fábula o la leyenda, habiendo perdido muchas

veces esa sustancia originaria que es posible que tuvieran en otro tiempo.Desde la Antigüedad a la Edad moderna se editaron numerosos tratados mitológicos.La más importante teoría sobre la interpretación de los mitos que nos ha legado la

Antigüedad en la propia Grecia procede de Evémero. Explicaba éste los mitos y lasleyendas de toda especie diciendo que eran “versiones ennoblecidas de las hazañas deguerreros y caudillos de carne y hueso que habían vivido mucho tiempo atrás, y quehabían sido transformados en dioses por la admiración de sus tribus”.

Lactancio, entre los s. III y IV, en sus Divinae instituciones , fue el autor que impulsó laidea evemerista de que todos los dioses fueron en su origen hombres. Idea quedivulgó San Isidoro de Sevilla a lo largo de toda la Edad Media en sus Etimologías .




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Mucho más importante que el evemerismo, que no habría conducido más que a unrechazo de la mitología antigua, fue la interpretación simbólica, porque suponía unpaso más allá de la versión meramente historicista y antropomórfica de los mitos talcomo los entendía el evemerismo directo. Boccaccio compuso un extenso tratado demitología de gran erudición, que significó la gran colección de mitos antiguos y la

interpretación más amplia y exhaustiva realizada hasta entonces.En España, el primer tratado importante de mitología desde la perspectiva simbólicafue el de Juan Pérez de Moya, Philosophia secreta , de 1585. El autor recoge las fábulasde los gentiles y de cada una se hace una posterior “declaración” en la que se indica elvalor alegórico-moral de la misma.

3. La importancia de los jardines y el mito de la Arcadia

A partir del Renacimiento, y por influencia de la Antigüedad clásica, el jardín ocupó unlugar fundamental en las casas nobles y en los palacios. Por influencia del humanismo,

nació a partir del s. XV en Italia un nuevo concepto del jardín que intentabaconfundirse con el paisaje natural. Fueron Rafael y Bramante los artistas que en lasgrandes villas romanas establecieron las premisas de lo que habría de ser el jardín enlos siglos posteriores y quienes definitivamente lo integraron en la arquitectura.

El jardín renacentista contaba con varios elementos: vegetales, animales (aves, pecesy cisnes, normalmente), piezas arquitectónicas (fuentes, pabellones, escaleras) y agua;es decir, arte y Naturaleza. La escuela de Florencia dio al jardín una especial relevancia.Se convirtió en el lugar donde el religioso, el pensador o el hedonista podíanreflexionar sobre su significado y símbolo complejo. En el teatro barroco se utilizó demanera extraordinaria como escenografía y espacio dramático para diferentes acciones.

Para hallar el primer jardín intelectual, hay que retroceder al s. IV a.C., hasta el Jardínde Academos, donde Platón iniciaba a sus discípulos en los misterios pitagóricos yegipcios. La influencia que ejerció el Jardín de Academos en el pensamiento occidentalpuede resumirse en el fervor de los humanistas italianos por resucitarlo cuandoconocieron los textos de Platón en 1439.

En el Jardín de Médicis convivían Leonardo, León Batista Alberti y Marsilio Ficino, y allíse trataba de fundir el pensamiento católico con el libre discurrir de la filosofía. Inclusose intentaba unir la alquimia con el cristianismo en un gran esfuerzo por encontrar lasraíces de todas las formas de religiosidad y el conocimiento del hombre y del cosmos.

En España, la época de Felipe II coincidió con la internacionalización del jardín. Si

durante siglos había sido el espacio pequeño y cerrado, se convirtió entonces enestancia señorial y abierta, de acuerdo con los modelos italianos.

El Renacimiento recuperó también con la mitología los amplios espacios naturales y, junto a ellos, lo elementar y casi vulgar adquirió gran importancia por influencia delpensamiento franciscano. En el Barroco se dieron cita todas las posibilidadesmetafóricas del jardín. Se convirtió en el espacio amoroso, en elemento de teatralidady en laberinto de todas las pasiones, ya que los cinco sentidos estaban presentes contoda la fuerza que permitían el arte, el símbolo y la Naturaleza. En los famosos tapicesdel s. XV relativos a La dama y el unicornio ya podía observarse la importancia de loscinco sentidos y el placer que proporcionaban los elementos naturales; el Renacimientoaportó una mayor integración de arte y naturaleza, y el Barroco intensificó de modoextraordinario todas sus capacidades ocultas.




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El Renacimiento recuperó también la Naturaleza en libertad procedente del mundoclásico. Junto a los paisajes placenteros y fértiles, se dio entrada a los pastores, quevivían en el campo, tenían tiempo libre, eran universales y además contaban con unaascendencia cristiana (fueron los primeros en acudir al nacimiento de Jesús). Esemundo pastoril tenía su propia organización social, con diversos tipos y jerarquías

(vaqueros, cabreros, pastores), pero todos tenían en común el amor. A quien se debe el éxito del género y su influencia en toda la tradición occidental fue a Virgilio. Con él, la Arcadia pasó a ser el espacio de felicidad de los pastores. En susBucólicas , Virgilio acercó a ese lugar fantástico su propio mundo personal y la historiade Roma. Esos paisajes agradables se convirtieron en escenario de la poesía bucólicaque prácticamente utilizaron todos los géneros: la epopeya, para informar de unatopografía y situar al héroe (Poema de Mio Cid ); la poesía de clerecía (Berceo) paraacercar lo sobrenatural; la novela caballeresca para idealizar un paraje incluso enmedio de un bosque salvaje, etc.

Con estos precedentes, el napolitano Jacobo Sannazaro (1457 – 1555) inauguró con su

obra la Arcadia el interés del Renacimiento por todo lo pastoril y la Naturaleza enlibertad. Tanto la originalidad de su forma (narración en prosa, con lírica y cantoincorporados) como su intención de transmitir un profundo mensaje humano y literariobajo el símbolo de la Naturaleza, confirieron a este texto un carácter excepcional.

Además, suponía la confirmación de que el género no se limitaba ya a la égloga(composición en que uno o varios pastores se reúnen para cantar sus penas y alegrías)sino que podía ampliarse a las diferentes estructuras (dramáticas, narrativas) yutilizarse de forma alegórica para expresar incluso biografías personales.

La obra se inicia con un Proemio donde se justifica la elección del género pastoril y secierra con el simbólico capítulo A la zampoña , donde se despide del instrumento y delmundo bucólico en aras de otros intereses superiores. A partir de la prosa VII, la

Arcadia deja de ser una sucesión de escenas bucólicas para convertirse en algo másprofundo: en la historia personal de uno de los pastores, el narrador, trasunto delautor.

La obra tuvo un éxito extraordinario en toda Europa durante los siglos XVI y XVII. Ayudó a formar una nueva sensibilidad favorable a lo natural y opuesta a la urbe, ycontó con gran número de imitadores, especialmente a partir de Garcilaso y suscomentaristas.

La complicada vida del autor se manifestó en el desequilibrio de la estructura de laobra. Mientras las primeras prosas resultan un pretexto narrativo para ubicar laséglogas, a partir de la VII el relato toma un carácter autobiográfico, y las dos últimas

se alejan del ambiente pastoril para tratar el tema de la muerte: en la XI se describenceremonias fúnebres, y en la XII se narra el viaje de regreso del protagonista a travésde la tierra.

4. Alegoría, mito, jardín y amor en El sueño de Polífilo

El sueño de Polífilo ha sido considerado como uno de los libros más curiosos yenigmáticos. Tribuido a Francesco Colonna, desde su aparición se vio rodeado depolémica por su contenido de carácter esotérico, sus grabados de autor desconocido yel misterio en torno a su autoría.

Estructurado en dos partes y en 38 capítulos, los primeros 24 tienen por narrador aPolífico, mientras que desde el 25 al final la narradora es Polia.




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La primera parte resulta una novela alegórica, propia de la literatura de visiones.Relata el camino de ascensión espiritual del protagonista desde el miedo inicial hasta elencuentro con su amada Polia (una misteriosa ninfa). El relato finaliza con la rupturasimbólica del velo de Venus por una flecha de oro de Cupido. Este argumento estáinterrumpido por complejas historias mitológicas y descripciones de lugares fantásticos.

La segunda parte tiene por protagonista a Polia, la amada de Polífilo, quien dejó deaparecer como ninfa y se presentó como una joven real (Lucrezia Lelli), con grandesdudas sobre ser amada de Diana o amada de Polífilo. Aunque podrían parecer doslibros diferentes, tienen en común la forma de sueño alegórico en la línea de La divinacomedia de Dante o la Amorosa Visione de Boccaccio.

Se inicia con una descripción cultural y pictórica de la Aurora para referir el amaneceren que, tras una noche de insomnio, Polífilo se quedó dormido en un día de primavera,fecha en que comenzó su visión. El estilo culto, con una escritura dilatada y lenta,propio del s. XV, influyó más en la prosa barroca que en la propiamente renacentista,más equilibrada.

La estructura de sueño está organizada a partir de motivos apropiados para eseencuentro con el otro mundo. Los jardines, bosques, prados, flores, etc., la música, losseres mágicos (dioses, ninfas), tienen una doble lectura: la estética y la simbólica. Conello, el autor mostraba la importancia de la escenografía espectacular como ubicaciónespacial para situar la grandeza del amor neoplatónico.

Además del carácter alegórico y estético, el libro ofrece un lenguaje artístico, sensual yartificioso. Tiene extraordinaria importancia la preocupación por la lengua. Los motivosde los jeroglíficos, inscripciones, lemas de los emblemas, etc., están en relación con laimportancia de la palabra que el humanismo destacó.

También la obsesión del autor por destacar números simbólicos como el tres, el cinco(las jóvenes que representan los cinco sentidos) o el siete (las siete muchachas quecantan en el banquete), los colores, animales de toda clase y las diversas formas quese muestran se corresponden igualmente con tradiciones simbólicas, presentes en elhermetismo.

Por todo, El Sueño de Polífilo puede considerarse como un gran compendio informativode temas, motivos y alegorías más propios del gusto del Barroco español que delRenacimiento, más equilibrado y sencillo.




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TEMA 4. TEXTOS ANTIGUOS, TRADUCCIONES Y NUEVAS CREACIONES

1. La lírica, expresión del pensamiento y sentimiento renacentista

La consideración de la individualidad del hombre, de la importancia de la Naturaleza ydel amor como sentimiento trascendente, justifica el éxito de la lírica en el

Renacimiento. El amor (a la mujer o a Dios) representaba la fuerza más importante porla que el poeta podía aspirar a toda belleza y perfección.

El ejemplo de Petrarca y las definiciones del amor insertas en el Cortesano y en losDiálogos de amor se erigieron en modelo para los creadores.

Además, la aclimatación del soneto en España permitió concentrar la expresión poéticaen una medida ajustada (dos cuartetos y dos tercetos de versos endecasílabos), capazde controlar el sentimiento desbordado. Con la creación o recreación de nuevas formasmétricas (como las odas), las posibilidades de comunicar las diversas emociones sefueron ampliando.

La lírica fue el género más importante del Renacimiento porque, por primera vez en lahistoria de las ideas, la cultura se sentía y se vivía, y la vida se confundía con la culturaen un perfecto equilibrio del que el hombre se sentía creador.

2.

Naturaleza, sentimiento y mitología en Garcilaso

Garcilaso de la Vega nació en Toledo (1501), hijo de una ilustre familia cercana a lacorte de los Reyes Católicos. Murió muy joven (1536), en Niza, en una campaña militar

junto al emperador Carlos V. Prototipo de perfecto caballero renacentista, dedicado alas armas y a las letras, participó en diferentes expediciones militares. En la boda deCarlos V conoció a una dama de la corte portuguesa, Isabel Freire, que se convertiríaen mujer ideal y musa de su obra. Viajó por diversas partes de Europa, estuvodesterrado en una isla del Danubio, primero, y en Nápoles después. Durante suestancia en esta ciudad conoció a importantes humanistas italianos y españoles (Juande Valdés y Ginés de Sepúlveda); estudió griego, latín, italiano y francés; entablóamistad con poetas italianos y conoció las novedades literarias. Allí escribió parte de suobra y revisó la traducción del Cortesano .

En las obras de Garcilaso se pueden observar dos estructuras diferentes: la formadapor metros castellanos (octosílabos), que continuaba la línea de los cancionerostradicionales, y la más original, vertida en metros italianos, a partir de 1526. Estosmetros fueron, sobre todo, el soneto (estructura compuesta por dos cuarteros y dos

tercetos, con versos endecasílabos), la canción (formada por estancias deendecasílabos y heptasílabos mezclados) y el verso endecasílabo (instrumentofundamental para la nueva expresión del pensamiento y las emociones por laflexibilidad que permitía). También el terceto y la octava, además del verso suelto (sinrima) y la rima interior, permitieron nuevos cauces de expresión.

Garcilaso compuso obras de factura propia, donde se destacaba la emoción personal ysensibilidad equilibrada. Sólo en los momentos más tristes, esta armonía aparecía rota,como, por ejemplo, cuando murió Isabel Freire. Entonces sus versos muestran lapasión, el tormento y la decepción que sólo el sentimiento de la Naturaleza y eldescubrimiento de su belleza musical y plástica, logran aminorar.

Su obra total en castellano es breve pero esencial. Está compuesta de coplas,canciones, sonetos, odas, elegías y epístolas.




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Sus temas fundamentales son el amor y la Naturaleza. El amor resulta el tema capitalde toda su obra. La originalidad del autor es que, utilizando los recursos propios delneoplatonismo (amor ideal), canta un amor real y sincero sentido por una personaconcreta, Isabel Freire. En sus versos, las consecuencias de ese amor nocorrespondido pero deseado (Garcilaso estaba casado con una dama de la corte

española), se presentan en forma de arrepentimiento, duda, temor y, sobre todo, demelancolía. Esa tristeza, expresada bajo los motivos de los celos, desdenes, luchas yhasta el deseo de morir, ocupa gran parte de sus sonetos. Sin embargo, el estoicismoy el ejercicio de la virtud (voluntad), actúan como medio de superación del individuo.

Así, frente a la pasión íntima, la razón organiza el ánimo del poeta y por sí mismaadquiere valor propio, como exclusiva del ser humano.

En cuanto a la Naturaleza, vista como lugar ideal, se presenta estéticamente perfecta,como la de la Arcadia, de Sannazaro. Se trata de una Naturaleza pagana, sensual,habitada por divinidades míticas que se extienden a lugares cercanos al autor (el Tajoo el Danubio). Las églogas (poesías en las que los protagonistas eran pastores)muestran a la Naturaleza cono un lugar ideal, noble, alejado de la civilización y el

engaño.En los sonetos, Garcilaso logra extraordinarias obras. De los 40 sonetos que escribió, lamayor parte tratan del amor. El soneto V refleja la supremacía del amor, expresadocon la metáfora de la imagen de la amada grabada en el alma del amante; el Xmuestra el dolor del poeta ante la muerte de Isabel Freire; el XII hace referencia almito de Apolo y Dafne y a la conversión de la ninfa en árbol para expresar que el amor,como el árbol de Dafne, cuanto más se riega con lágrimas, más crece; el XXIII, uno delos más conocidos, desarrolla el tema horaciano del carpe diem (aprovecha el tiempo),a partir de la invitación a una joven para que disfrute de su juventud y de toda belleza.

De las cinco canciones que escribió, la III describe el paisaje bucólico y sus recuerdos

en la isla de Danubio. La canción V, que por sus características se denomina oda, estádedicada a una mujer que vivía en Italia y a la que pretendía su amigo. El principio delpoema “si de mi baja lira” alude al instrumento de Orfeo, y sirvió para dar nombre a laestructura métrica aquí utilizada (combinación de dos versos endecasílabos y tresheptasílabos).

3. Naturaleza y pensamiento en Fray Luis de León

Tras Garcilaso, se distinguen claramente dos escuelas diferentes de poesía: lasalmantina y la sevillana. La primera, de mayor influencia clásica en el lenguaje, con

menos adornos expresivos y más inclinada a los metros cortos, rimas sencillas y versolibre, está representada por Fray Luis de León. La sevillana se dejó llevar por unlenguaje más artificioso y complejo, que dio lugar después al Manierismo y al Barroco.

Fray Luis, natural de Belmonte (Cuenca), estudió en Madrid, Valladolid y Salamanca.Profesó en el convento de los agustinos, en 1544, y fue alumno de Cipriano de laHuerga, la mayor autoridad entonces en el estudio de la Biblia. Tras ganar unasreñidas oposiciones a la cátedra de la Universidad de Salamanca, fue denunciado a laInquisición por haber realizado unos comentarios al Cantar de los cantares . Su vuelta ala Universidad, tras pasar cinco años en la prisión de Valladolid, fue apoteósica. Se hizofamosa su frase “decíamos ayer”, al iniciar el nuevo curso para olvidar las desgraciasocasionadas por la envidia. Obtuvo la cátedra de la Biblia en 1572 y en ella permaneció

hasta su muerte.




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En verso realizó traducciones, obras de imitación (sobre todo de Petrarca y Horacio) yobras originales, las más importantes, destacando sus Poesías originales . En prosadestacan la Exposición del Cantar de los cantares, De los nombres de Cristo, Laperfecta casada y La exposición del Libro de Job .

En su poesía original destaca la gran capacidad para expresar lo humano y lo sagrado,el sentido de la justicia y el deseo de ascender sobre lo material. Sus temasfundamentales son los temas morales y patrióticos, la búsqueda de la verdad, delconocimiento y de la armonía interior, y el deseo de soledad en la Naturaleza. Tuvopreferencia por la oda expresada en liras, metro que había desarrollado Garcilaso.

4. Amor y mística en San Juan de la Cruz

Juan de Yepes (1542 – 1591), natural de Fontíveros (Ávila), fue, junto con SantaTeresa de Jesús, el gran reformador de la Orden del Carmelo. Estudió Artes y Filosofíaen la Universidad de Salamanca, y tuvo una vida azarosa, de viajes por Andalucía para

conseguir reformar su Orden, y de conflictos con sus compañeros que se oponían a lareforma, que al fin triunfó.

A diferencia de la lírica de Fray Luis de León, que intentaba buscar un camino deperfección, la mística trataba de expresar la unión del alma con Dios. Estas dos formasreligiosas, muy diferentes entre sí, tienen como fundamento en el Renacimiento lanecesidad de devolver a las diferentes órdenes la sencillez evangélica y proponernuevas formas de acercamiento a Dios.

La originalidad de San Juan consistió en realizar una poesía mística de amor divino apartir de la poesía amorosa apasionada del Renacimiento y del Cantar de los cantaresbíblico. Aparentemente, su obra poética ofrece los mismos esquemas que la poesía

amorosa, profana, influida por Garcilaso. Sin embargo, en sus comentarios en prosaexpresó su intencionalidad simbólica. Así, los poemas que integran El Cántico espiritualtienen un desarrollo teórico y explicativo en los comentarios en prosa realizados por elpropio autor en Cántico espiritual, Noche oscura del alma y Llama de amor viva , todosellos precedidos de versos luego glosados en prosa.




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TEMA 5. OTRAS FORMAS Y TEMAS POÉTICOS

1. Amor y muerte en la poesía tradicional (Romancero y Cancionero)

Junto a las innovaciones italianas, pervivieron unas formas tradicionales, populares,caracterizadas por el verso octosílabo y la rima asonante, estructurada en una serie

indefinida de versos denominados romances. Estos romances podían tener como temala épica o la lírica.

Lo propio de estas formas era su carácter anónimo y su transmisión oral, hasta quefueron recogidos en el conjunto denominado Romancero , en el s. XV. Por suscaracterísticas, atrajeron a los poetas de los s. XVI y XVII, quienes, a imitación de losromances tradicionales (romances viejos), realizaron otros (romances artísticos), eincluso los incluyeron en las obras de teatro.

La facilidad de recursos, la escasa adjetivación, la eficacia estilística de las repeticionesy paralelismos, la viveza narrativa, la rapidez en componer las escenas dramáticas, laplasticidad, la capacidad de evocar y la síntesis entre lo popular y lo lírico, han

permitido su vigencia en diferentes épocas, pero, sobre todo, en el Siglo de Oro.Por otra parte, la tradición lírica condensó en formas más breves que los romances, lossentimientos amorosos. Se trata de las canciones tradicionales, de estructura muybreve, con ausencia de anécdotas y predominio de la yuxtaposición para dar mássoltura y dinamismo al sentimiento expresado. Tras la apariencia ingenua de loselementos naturales (rosa, vergel, fuente), suele ocultarse una metáfora erótica. Comoen el caso de los romances, eran anónimas y sirvieron de modelo para la creaciónartística de los poetas del Siglo de Oro y los dramaturgos las integraron en las obras deteatro.

2. La sencillez lírica y el tema de la noche en Francisco de la Torre

En torno a Salamanca y a Fray Luis destacaron importantes humanistas, escritores enprosa y algunos poetas, de entre los cuales sobresalió Francisco de la Torre. Sedesconocen de este poeta los datos de su biografía y su auténtica personalidad. Sólose sabe que Quevedo, en 1631, editó sus obras junto con las de Fray Luis comomodelo de poesía antigongorina.

En su obra destacan las composiciones dedicadas a la noche. En ellas, casipresagiando el tono romántico, encuentra en la noche el confidente de su desolaciónamorosa. Asimismo, en los poemas en que imprecaba a Tirsis como interlocutor

(desdoble de su yo poético), destacó el sentimiento de melancolía propio de todo elSiglo de Oro.

3. Lenguaje pictórico y expresión artística en la poesía andaluza

A partir de las Anotaciones a Garcilaso, realizadas por el sevillano Herrera (1534 –1597), se empieza a considerar el círculo de poetas que frecuentan la escuela delhumanista Mal Lara como grupo propio, diferente a otros. Así surge la escuela sevillana,cuyas características diferenciadoras de la salmantina proceden más de la forma quede los temas. La diferencia afecta, sobre todo, al lenguaje y a la expresión.




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Los poetas de la escuela sevillana mostraron su preferencia por un lenguajealambicado y descriptivo, más preocupado por incorporar cultismos y neologismos enel vocabulario, y atraídos por las estrofas de versos muy largos, que complican laexpresión.

El poeta más importante fue Herrar, denominado “el divino”. A diferencia de loscontinuadores de la lírica petrarquista, que todavía respondían al ideal cortesano dehombres de armas y letras, Herrera fue el primero en dedicarse exclusivamente a lasletras. Sus sonetos incorporan el sentimiento de la Naturaleza al tema amoroso oexpresan el tema de forma conceptual, o mediante la visión de un sueño ideal.Siempre muestran la distancia entre el deseo y la triste realidad.

Otro poeta de esta escuela es Baltasar del Alcázar, el cual, además de temas amatoriosy religiosos, mostró su gran originalidad en las poesías de carácter burlesco y festivo,como las dedicadas A un giboso, A una vieja y, la más conocida, Cena jocosa .

Importancia especial tiene Pablo de Céspedes (1548 – 1608). Fue pintor, poeta,escultor y tratadista de arte. Nació en Córdoba y estudió en la Universidad de Alcalá deHenares. Se formó en Italia y fue admirador de Miguel Ángel, Rafael y de losHermanos Zuccaro. Inició el camino para las interrelaciones entre pintura y literatura,de enorme importancia para el Barroco. En su obra, Arte de la pintura , extenso poemaen octavas reales, mostró su capacidad plástica con la pluma. En él no sólo se refiere aDios como gran pintor, sino a la técnica y al arte para, finalmente, elogiar laimportancia de la obra creada por el hombre como forma de inmortalizarse.

4. La poesía andaluza como puente entre el Renacimiento y elBarroco

La escuela andaluza, continuadora de Herrera, tuvo un papel decisivo ya que sirvió depuente entre el Renacimiento y el Barroco.

Así, frente al modelo ideal arquetípico, fijado por la tradición neoplatónica, se alzabacomo modelo nuevo el natural, lo vivo, con toda su carga existencial de dinamismo,hermosura o fealdad. Este cambio se produce mediante un proceso evolutivo queafecta a las formas y a la actitud de los poetas. El cambio que afecta a las formas, porinfluencia de las artes, se denominó Manierismo.

Esta innovación sustituyó la aparente espontaneidad y el equilibrio armónico de lasproporciones renacentistas por la artificiosidad y la buscada afectación. El nuevo estilofue el primer paso para la transformación del Renacimiento en Barroco. Este impulso,

al carecer de nuevos contenidos que lo informasen, quedaba reducido en la mayoría delos casos a un formalismo estético. El lenguaje se convirtió, por sí mismo, en fuente deinspiración. Las metáforas, muy abundantes en este estilo, desempeñaron una funciónparalela a la distorsión de las formas en las obras plásticas. Ni poesías ni pinturastrataban de describir un objeto, sino que pretendían alejar su imagen común, medianterelaciones asociativas cada vez más complejas, hasta conseguir originales estructuras yexpresiones.

Hacia 1600 se puede concretar esta transformación y ya en 1604 su uso era tanacentuado que los preceptistas lo condenaron como vicio reprobable. Ximénez Patón,en 1604, en la Elocuencia española , declaraba que, frente a la oscuridad de estos

juegos, la segunda virtud del lenguaje era la claridad y Cervantes, a través de DonQuijote, se convertirá pocos años después en el máximo defensor de la sencillez.




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En cuanto a los temas, se siguieron utilizando los mitos y los motivos paganos que, enmuchos casos, por la influencia religiosa, se divinizaron. En cuanto a la estructura, aligual que el estilo, se tendía a la complejidad. Se intensificaron los artificios decorrelación y plurimembración de versos, en los poemas se pierde el tema principal porla presencia de los subtemas que, a veces, se desarrollan con mayor extensión que

aquél, etc.Como estilo de transición, se extendió desde 1590 a 1605, aunque sus formaspervivieron durante el período barroco pero ya con más propiedad por los nuevoscontenidos ideológicos.

En 1605, Pedro Espinosa realizó la antología utilizada Flores de poetas ilustres , donderecogió las composiciones de los poetas más destacados de ese momento,caracterizado por la transición entre la tradición herreriana y las nuevas formas queapuntaban ya al Barroco.




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TEMA 6. PERSPECTIVISMO Y TEMAS EN LA PROSA

1. El carácter didáctico de los tratados y diálogos: Menosprecio decorte y alabanza de aldea (Fray Antonio de Guevara)

En la prosa renacentista, las diversas tendencias están determinadas por su

intencionalidad o función. Los diálogos, coloquios y epístolas son las formas queadopta la prosa humanística por influencia de los autores antiguos (Platón, Cicerón).

Un ejemplo importante es la obra de Fray Antonio de Guevara (1481 – 1545),humanista en la corte de los Reyes Católicos. Su obra Menosprecio de corte y alabanzade aldea responde al ideal horaciano de elogiar la vida auténtica del campo frente a lade la ciudad, corrompida. Su estilo enfático, sentencioso y retórico, de frase amplia,era propio de los predicadores (pertenecía a la orden franciscana).

2. Perspectivismo y cultura lingüística: Diálogo de la lengua , de Juan

de ValdésLa obra Diálogo de la lengua , de Juan de Valdés, fue escrita en Nápoles alrededor de1535. Además de ser un documento fundamental para la historia de la lengua, es unaclara defensa de la lengua castellana y de la claridad, sencillez y naturalidad del estilo.Los interlocutores son cuatro amigos (Marcio, Valdés, Coriolano y Pacheco) que sereúnen a comer y entablan una conversación acerca de la lengua castellana.

También tiene gran importancia la obra de Fray Luis de León, De los nombres de Cristo ,porque en ella sintetizó en prosa el contenido de sus poesías. Su gestación duró variosaños. Aquí, los interlocutores son Marcelo, Sabino y Juliano, reunidos en la Flecha ,finca de los agustinos en cuya huerta contemplan la Naturaleza.

3. Historiografía artística: Pintura y jardines

Fray José de Sigüenza, uno de los grandes humanistas, ha sido considerado uno de losprimeros críticos de arte de la España moderna. Su prosa fluida, amena y detallista leconvierten en modelo de escritor y testimonio del gusto por el arte en la época deFelipe II.

De su obra Historia de la orden de San Jerónimo , organizada en tres partes, la terceraconstituye la fuente más importante para conocer cómo fue la fundación delMonasterio, los gustos del rey, de la época y las piezas artísticas que albergaba laconsiderada mejor pinacoteca de la época. También prestó gran interés por los

jardines y, como en el arte, su testimonio es fundamental para conocer el diseño de losmismos.

En cuanto a sus valores literarios, destaca su sobriedad, clasicismo y por los períodosalternantes que rompen la monotonía de la prosa. Curiosamente, cuando se refiere alos jardines, su prosa se muestra con mayor riqueza ornamental y abundan losadjetivos y metáforas para ponderar la metáfora, aunque también se burla de lasexageradas descripciones habitualmente utilizadas por los escritores.




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4. Historiografía indiana: épica y naturaleza

La gesta del descubrimiento de América dio lugar a una abundante literatura sobre lashazañas de los conquistadores, las descripciones de las nuevas tierras, sus habitantesy costumbres. Unas historias tienen un carácter general y otras particular, además dediferentes puntos de vista sobre una misma realidad.

Por ejemplo, la de Francisco López de Gómara, capellán de Hernán Cortés, de quien elautor trata de hacer una apología, y la de Bernal Díez del Castillo, que intenta hacerprotagonista de la empresa a todos cuantos participaron en ella. El estilo de Díez delCastillo es más vivo, ágil y espontáneo, mientras que el de López de Gómara resultamás culto y plagado de citas de autores clásicos.




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TEMA 7. LA FICCIÓN NARRATIVA. DIVERSIDAD

1. Relatos breves de influencia italiana: pasatiempo y recreo

Tras el ejemplo del Decamerón de Boccaccio y las anécdotas que habitualmente secontaban en las fiestas cortesanas, tuvieron gran éxito los cuentos, que conformaron

después las novelas cortas y dieron lugar a obras cuyos capítulos procedían decuentecillos populares.

Es el caso de Juan Timoneda, quien adaptó el relato corto a la novela de la época. Ensu obra El Patrañuelo , sus 22 narraciones o patrañas responden a fuentes popularesconocidas. El lenguaje llano y sencillo fue el antecedente más directo de las novelascervantinas.

2. El género picaresco: autobiografía, sátira y realidad

La novedad de este género procede del protagonista que, lejos de ser un héroe,resulta un marginado, lo cual no es obstáculo para que se sienta digno y cuente, enprimera persona, su biografía al lector.

El Lazarillo de Tormes , ejemplo claro de este género, se desarrolla en siete tratados,que comprenden desde el nacimiento y la niñez de Lázaro hasta su definitivaintegración en la sociedad. La novela, de autor desconocido, se publicó en 1554 y tuvoun extraordinario éxito.

A diferencia del resto de la narrativa de la época, idealista, ésta trata de reproducir unmarco realista. Se presenta como una obra de burlas pero siempre con dos caras: laamoralidad de las acciones que cuenta y la moralidad de las enseñanzas recibidas.

La tradición satírica de Menipo y Luciano: El Crotalón El éxito del Lazarillo fue general en Europa y muy pronto se realizaron traducciones alfrancés, al inglés y al neerlandés. Después de la primera edición impresa fuera deEspaña, el mismo editor, Martín Nucio, daba a la luz una Segunda parte de Lazarillo deTormes , también anónima.

Se trataba de un texto que criticaba la vida cortesana y militar. Lázaro aparece ahoraembarcado en una expedición a Argel. Su nave naufraga y él aprovecha para llenar suvientre de vino y así no ser tragado por las aguas. Baja al fondo del mar, se transformaen atún y se hace amigo del general de los peces y favorito del rey, pero caído en unared recobra su aspecto humano y vuelve a Salamanca.

Esta ciencia ficción, donde los animales hablaban, había tenido gran éxito entre loshumanistas (Erasmo), que lo aprovecharon para enseñar deleitando, y fue modelopara Cervantes (Coloquio de los perros ) y también motivo de inspiración para Quevedo(Sueños ).

Dentro de la tradición de los diálogos satíricos del s. XVI, destaca El Crotalón (atribuidoa Cristóbal de Villalón). En esta obra se puede descubrir la influencia del diálogosocrático, que representa el carácter dialogado del pensamiento, de la sátira menipea(originaria de Menipeo de Gandara, s. III a.C.), que había tenido una viva tradición enla Edad Media y se difundió por toda Europa en el Renacimiento, y cuyaexperimentación entre lo cómico y lo serio, a partir de la forma de viaje, dio lugar a

importantes creaciones.




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Sobre todo, en esta obra se observa la influencia de la sátira lucianesca. Luciano deSamósata (s. II a.C.) fue muy conocido en España por las paráfrasis italianas. En suscreaciones, había dado entrada a la participación de personajes de diferente índole(imaginarios, históricos, míticos) y de géneros y modos distintos (filosóficos, alegóricos,fantásticos) que sólo podían aparecer unidos bajo la forma de un Sueño.

En El Crotalón , bajo la forma de sueño y la estructura del viaje, el personaje Galloencarna la figura de un sabio ridículo que detesta la falsedad del mundo. Bajo lamáscara de un animal se acerca a la realidad presente y establece una comparación.En la discrepancia entre su mirada y la realidad concreta surge la parodia y la sátira.

3. Naturaleza y relato amoroso: el pastor protagonista

En lugar de personajes rústicos, los pastores protagonistas de este tipo de novelas soncultos y refinados, de acuerdo con los estereotipos concebidos por Teócrito y Virgilioen la época clásica, y Sannazaro en el Humanismo.

Como en la Arcadia de Sannazaro y en las églogas de Gracilazo, en la novela pastorillos pastores cuentan sus amores no correspondidos. Sólo en la Naturaleza encuentranla paz y la armonía rota por el desamor de las pastoras.

La obra más importante de esta época fue Los siete libros de la Diana , del portuguésJorge de Montemayor. Tuvo un gran éxito y fue muy imitada.

4. El amor en los ambientes exóticos moriscos

La novela morisca tiene su origen en temas de la Reconquista y de los ambientes

fronterizos. La primera novela de este género, y la más importante, fue La historia del Abencerraje y la hermosa Jarifa (1565). En ella, el protagonista, prisionero de lastropas cristianas, es liberado por un alcalde, que le ayuda y da permiso para que secase con su prometida, a quien amaba desde la infancia.




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TEMA 8. EL BARROCO

1. El Barroco y la superación del Renacimiento

El término barroco se utilizó primeramente para definir las artes y luego la literatura.Desde el s. XVIII, lo barroco se consideró peyorativo debido a que su estética estaba

muy alejada de la norma y el equilibrio neoclásicos. Sin embargo, el propio barrocotiene su origen en las mismas bases renacentistas.

El resultado fue el alejamiento del equilibrio y la apuesta por lo retorcido, complicado ydifícil, aunque bajo esa dificultad se escondan los principios renacentistas.

A diferencia del carácter italiano del Renacimiento, el Barroco es genuinamenteespañol y transmitió a toda Europa su sello propio, que se extendió hasta bien entradoel s. XVIII.

2. El Barroco como arte de contrarios

Frente a la unidad cultural anterior, que había proporcionado optimismo y equilibrio, laReforma protestante y la Contrarreforma católica acercaron la muerte a la sociedadeuropea y tiñeron de sombras la felicidad y dignidad humanas. Igualmente, con Galileo,Bacon, Descartes y Newton, se produjo la mayor conmoción científica de donde surgióla ciencia moderna y con ella la primera noción de relativismo. Comenzó una mayorinseguridad del hombre, acostumbrado a ser el centro de todo y pieza fundamental einamovible.

Si en España el Renacimiento había sido un período de optimismo, coincidente con eléxito de los gobernantes, a partir de la muerte de Felipe II (1598) se produce uncambio total. Se inicia la decadencia política (Felipe III, Felipe IV y Carlos II). Sinembargo, en contraste con la decadencia económica, política y moral del país, tienelugar un extraordinario esplendor artístico. La pérdida del poder político de Españaimprime un carácter pesimista sobre muchas manifestaciones artísticas (temas de lamuerte), aunque, al mismo tiempo, surge una reacción popular contraria, centrada enel interés por la vida fácil, por las diversiones y por la literatura de ficción.

Entre estas dos orientaciones contrapuestas (el goce de vivir y la tristeza del fin) sedesarrolla el espíritu del Barroco. La vida privada, al igual que la cortesana, seconvierte en un verdadero juego teatral, de modo que el teatro se convierte en elespectáculo más importante y en el medio de comunicación más interesante de lasociedad barroca.

Sólo el tema del amor adquiere en el Barroco el mismo sentido trascendente. Resultauna de las pocas posibilidades que tiene el hombre de eternizarse, de continuar con elamor más allá de la muerte.

Como en toda época de decadencia, la sátira alcanza un extraordinario desarrollo. Lapolítica es el centro de las mayores censuras, la mayoría de las veces anónimas,aunque destacaron autores como el conde de Villamediana, Quevedo y Góngora. Lalírica barroca también se burló de cuantas manifestaciones clásicas había ensalzado elRenacimiento. Los asuntos mitológicos, los personajes heroicos o incluso las hazañasmás importantes, se transformaron en parodias.




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Al modelo renacentista del cortesano , natural, exquisito y equilibrado, le sucede ahorael discreto , callado y teatral, de acuerdo con el título de la obra de Gracián. Ladiscreción resulta ahora la mejor cualidad del hombre para desenvolverse en el mundo,y todos los triunfadores que se presentan en el teatro o en los tratados didácticostienen esta virtud.

Don Quijote , de Cervantes, es la obra que mejor representa el cambio delRenacimiento al Barroco. En la evolución del personaje se puede observar la transicióndel optimismo renacentista al desengaño barroco. La trayectoria del personaje secorresponde con la trayectoria ideológica de la época.

Otra de las diferencias fundamentales fue la inclusión de los elementos populares yvulgares en el arte. El Renacimiento rechazaba lo vulgar. Sin embargo, Lope de Vegarevolucionó con su Arte nuevo de hacer comedias (1609) los principios aristotélicos,introduciendo al “vulgo” como principal crítico de las obras. La participación de todaslas clases sociales en el espectáculo (con el rey a la cabeza) y la entrada de toda unacultura popular a través de los personajes graciosos o criados, sirvieron para plasmar

en el teatro lo culto y lo popular. Aunque el género más importante fue el teatro, también la poesía, la prosa didáctica yla novela alcanzaron su mayor esplendor. Puede considerarse a Cervantes en la novela,a Lope en el teatro y a Góngora en la poesía, como los mejores representantes delcambio de gusto que se verifica a finales de siglo. En estos autores están presentestodavía las teorías renacentistas, la nostalgia por su desaparición y la adaptacióncompleta a la nueva época.

En Calderón de la Barca (1600 – 1681) se sintetizaron todos los recursos de estilo,temas y motivos de la época, pero al mismo tiempo su obra manifestó una completaorganización del Universo que permitía equilibrar y armonizar el desengaño barroco

con las aspiraciones trascendentes del hombre. En su obra más importante, Los autossacramentales , se fundieron todas las artes (poesía, música, arquitectura, pintura,cultura popular y clásica) y se condensaron los elementos renacentistas y barrocos.

La importancia del arte. De Lope a Calderón

Aunque desde el Renacimiento, la pintura se introdujo en la literatura, fueron losescritores quienes ayudaron a defender la importancia de la pintura. Calderón, en suimportante Memorial dado a los profesores de pintura , fechado en 1677, manifestabala culminación de una larga trayectoria de defensas e identidades de las dos artes quese había iniciado con G.B. Alberti en Italia en el s. XV.

En esa obra se define la pintura como un compendio de las obras divinas y justifica ladignidad de la pintura por su origen bíblico. Además, ratifica un hecho fundamentalpara la cultura del Siglo de Oro, como es la interrelación de literatura y pintura: temascomunes, pintores como personajes dramáticos, citas de artistas o cuadros y unaconstante utilización de términos pictóricos y motivos propios de la pintura en las obrasliterarias.




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3. El humanismo vitalista y el nuevo tipo humano: El Discreto

En el Barroco aparece el afán vitalista derivado de la consideración individualista delhombre, de su propio valor. Lo humano y vital penetra en todas las esferas del arte ycondiciona todas las creaciones. Así se explica la presencia de lo feo y la abundanciade seres deformes, bufones, graciosos y las caricaturas de la realidad, que surgen allado de las más bellas idealizaciones.

La atracción por el mundo conduce a la recreación sensorial de todo lo vital y a laexaltación y exageración de las propias cualidades de los objetos. Pero es esa mismarealidad la que descubre al hombre lo efímero de su existencia y el carácter transitoriode todo cuanto le rodea.

Frente a la inconsistencia de todo lo terrenal, el hombre se siente atraído por losobrenatural. En ello, la influencia religiosa, tras el Concilio de Trento (1545 – 1563),es fundamental. Lo espiritual tiene tanta importancia que incluso en todo lo material sebusca un alma, un principio inmaterial que justifique una existencia prolongada.

Para alcanzar el éxito en la nueva sociedad era necesario un nuevo modelo humano.En El Discreto (1647), Gracián mantiene las cualidades del cortesano tradicional perose agregan la inteligencia y la astucia, necesarias para triunfar en el mundo de lanueva época. El estilo conciso, en ocasiones alegórico y en otras en forma de aforismo,manifiesta la concentración expresiva de una de las tendencias de la prosa de la época.

4. Imaginería y pensamiento en el Barroco: El Desengaño

La vida literaria de la época fue abundante, lo que se demuestra por la proliferación de Academias literarias (como la de los Nocturnos de Valencia, los Anhelantes de

Zaragoza, la Academia Imitativa , la Mantuana y la Salvaje , de Madrid). Abundarontambién los círculos cultos donde se reunían escritores y aficionados para enjuiciar ycriticar las obras y, lo que es más importante, para analizar la asimilación de un grannúmero de términos artísticos en la lengua. La influencia de la pintura sobre laliteratura es aún más patente ahora, y tanto el gusto por la armonía de colores comolas distintas técnicas y términos propios de pintor, los utilizan los poetas.

Siguiendo la doctrina neoplatónica del Renacimiento, que defendía la importancia delojo como instrumento de conocimiento de lo abstracto y lo espiritual, el Barrococonsideraba que todo cuanto entraba por ellos podía mover el ánimo y, enconsecuencia, originar sentimientos. Por eso, no es casual que los poetas barrocosconcediesen tanta importancia a la pintura, “arte divino”, según Lope.

Incluso en los temas de la época se observa un paralelismo entre obras pictóricas ypoéticas. Retratos, paisajes, bodegones y alegorías, sirven de motivo central de uncuadro o de una poesía. La humanización de los grandes mitos, que Velásquez pinta entono burlesco (La fragua de Vulcano, Las hilanderas ), se da también en la poesía ymuchos mitos, siempre respetados por el Renacimiento, como la Fábula de Piramo yTisbe , o Hero y Leandro , pasan a ser objeto de burla al despojarlos de su idealismo ytratarlos de forma realista.

El tema del sueño sirve ahora para expresar el carácter de la vida y de la muerte. Lostítulos de Calderón, La vida es sueño o El gran teatro del mundo , advierten del carácterpasajero y breve de la vida. Quevedo llega a considerar la vida como preparación para

la muerte, e identifica el proceso de vivir con el de morir con paralelismos como vivir –morir viviendo, morir – acabar de morir.




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El tiempo, verdadero protagonista del drama barroco, es lo único que permanece ydura y es la realidad donde se encuentran todos los seres y cosas. Ningún otro períodoen la historia ha mostrado tanto interés por el tiempo. Este interés se traduce en eldesarrollo del arte de la relojería. Se hace difícil no encontrar en cada autor unacomposición dedicada al tiempo, bien sea en forma abstracta o materializada en relojes

o flores. Pero más que la medida del tiempo, al artista le interesa destacar sufugacidad.

Con el tiempo se desarrollan paralelamente los temas del Ubi sunt y el motivo de lasruinas (Ubi sunt significa literalmente “¿dónde están?” y hace referencia a la fugacidadde las glorias mundanas). Las ruinas representan ahora la pervivencia del pasado y lasuperioridad de la obra humana sobre su propia vida. Si en el Renacimiento las ruinasestaban ligadas a un pasado ideal o al tema amoroso, en cuando la hiedra (símbolo delamor) vivía en ellas, ahora sirven de modelo aleccionador de la fragilidad de todas lascosas y de motivo para la meditación.

Junto al desengaño, se reitera el tema de la soledad, cuyo origen hay que buscarlo en

causas sociales y psicológicas. Probablemente la nueva vida urbana y el anonimato queseparaban a las personas condicionaban ese sentimiento. También la contemplación ymeditación que, por razones filosóficas y religiosas, se impone en el hombre barroco,llevándole al aislamiento voluntario o a la marginación, influyen en la insistencia deltema.

Al mismo tiempo que se desarrolla esta tendencia pesimista, aumenta la admiraciónpor las obras de arte y muchas poesías tienen como tema la descripción de un cuadroo el elogio a un pintor.

El contraste entre el arte y la naturaleza sirve de tema a muchas composicionespoéticas y, a veces, en el motivo de las ruinas o jardines, se unen los dos elementos

(sensualidad y enseñanza moral). Las plantas y flores, sobre todo la rosa, llegan aconvertirse en símbolos moralizadores. Muestran su belleza para después convertirseen polvo.

El hombre barroco se siente impulsado a gozar de todo cuanto le rodea. De ahí que laNaturaleza y cada uno de los elementos que la componen constituyan tema por sísolos de una obra de arte. La descripción minuciosa de esos elementos lleva al artistaa insistir en los valores plásticos que ofrece, especialmente el color. La adjetivación y laabundancia de símiles y metáforas basadas en ejemplos que contienen en gradomáximo el color, sirven para potenciar las cualidades naturales. Entre los extremosmás opuestos discurre el arte barroco y ningún escritor se redujo a una tendenciaporque el desengaño estaba presente en cualquier manifestación de los sentidos.

Quevedo, en 1612, realizó una completa personificación del Desengaño, que alcanzabaa todas las formas de vida y comportamiento social en El mundo por de dentro .

5. Arte y artificio en la creación literaria: la importancia de la palabra

La alta consideración del valor de la palabra a la que el Renacimiento había elevado,resultó uno de los resortes más poéticos y complejos de la literatura barroca. Toda larenovación iniciada en el Renacimiento se sintetiza en la lírica de Góngora y en elteatro de Calderón.




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Al inventar Góngora una lengua poética, exprimió cada elemento constitutivo de lapalabra y le dio una nueva vida llena de conceptos. Se incorporaron nuevas palabras alvocabulario literario y, sobre todo, términos pictóricos.

Se buscaba la originalidad en el léxico y se rastreaba en el vocabulario latino y en susintaxis; se intentaba la armonía y musicalidad del verso, y se competía por construirlas imágenes y metáforas más atrevidas y brillantes. Cuando las innovaciones en esteterreno aparecieron como peligrosas por su exageración, se acuñó el término culterano para designar a quienes, como Góngora y sus seguidores, participaban de esa “secta”de iniciados.

La otra tendencia extrema, la intelectual o conceptual, que tendía al laconismo,dificultaba el significado por la multiplicidad de elementos semánticos que convergíanen las palabras. Esto podía dar lugar a dobles sentidos, juegos lingüísticos quepermitían ocultar la verdad. Todos los estamentos sociales y los diferentes génerosliterarios practicaban esta disposición. En los autos sacramentales que tanto éxitopopular alcanzaron, los personajes más importantes desde el punto de vista dramático,

como la Culpa o Lucifer, trataban de vencer siempre con el lenguaje. Aunque la cultura era un síntoma de prestigio, toda la sociedad disfrutaba con ella. Eltriunfo social de la comedia nueva permitió una familiarización del pueblo con lacultura. Entre el pueblo también se puso de moda el interés por el arte, a lo quecontribuyó también la afición de Felipe III a la pintura, la presencia de ésta en laliteratura, decoraciones, etc.

Es en este ambiente donde el desarrollo de la lengua llegó al máximo esplendor. Elteatro, en cuanto que era poético y permitía expresarse en diferentes registros a lospersonajes, se convirtió en el vehículo de cultura lingüística más importante, puestoque todas las innovaciones poéticas se incorporaron e incluso se difundieron

popularmente gracias al éxito de este género.Se puede afirmar que la literatura barroca asimiló todo cuando pertenecía a la sociedad(culto y popular), a la vida y al cosmos para transmitir una nueva realidad. El proyectode crear una lengua poética diferente a la lengua común, por parte de Góngora, y lapreocupación por la etimología y por los juegos polisémicos de los nombres, por partede Quevedo y Calderón, hacen de este período uno de los más ricos de la lengua.




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TEMA 9. LA RENOVACIÓN POÉTICA DEL BARROCO

1. Del artificio a la poesía pura: Góngora

La moda de los romances viejos, impuesta durante el s. XVI, había constituido unestímulo para la creación de los nuevos poetas, entre los que se encontraban Góngora

y Lope, los grandes renovadores de la poesía tradicional. Lope logró una extraordinariapopularidad y sus composiciones se cantaban entre el pueblo como si perteneciesen alacervo popular. Su lirismo, musicalidad y naturalidad, con la que transmitía su propiosentir, le convirtieron en el autor más aclamado por el público. La renovación poéticade Góngora tenía que efectuarse por otro camino, y es lo que hizo el autor. Aprovechósu honda formación humanística para rescatar temas y formas de los mitos clásicos. Enlugar de fijarse en la historia conocida, seleccionó los episodios menos explorados o seremontó a las fuentes mismas para reconstruirlos.

Al mismo tiempo, su preocupación por el lenguaje le llevó a estudiar todas lasposibilidades expresivas de las palabras, de manera que pocas veces los objetos

aparecen nombrados en su obra directamente, sino aludidos por sus elementos mássignificativos o descritos mediante asociaciones con otros conceptos.

Consiguió enriquecer extraordinariamente el vocabulario al utilizar el término cuyosignificado era más culto y menos conocido; estableció un nuevo esquema sintáctico,más amplio y dominado por el hipérbaton, y fue maestro en el manejo de la perífrasis.

En su obra están representados los temas más importantes, orientados en sus dostendencias opuestas: hacia la trascendencia y hacia el mundo y los sentidos. Entre losprimeros destacan el tiempo, el desengaño, las lecciones morales y el valor de la vida yde la muerte. Respecto de los segundos, destaca la exaltación de la belleza, laafirmación de la vida, la importancia del amor y el elogio de la Naturaleza. Asimismo, el

tema del sueño como ilusión que permite acceder al mundo de la imaginación cobrauna gran importancia.

Góngora llevó el soneto a su máxima perfección. En sus últimos años de vidadisminuyeron los brillantes juegos de simetría y la riqueza colorista, al igual que eltema amoroso, y predomina el tono desengañado y dramático con alusionesautobiográficas que se corresponden con la situación de desamparo expresada en suscartas.

En cuanto a la poesía popular, Góngora escogió los motivos que estaban más acordescon su temperamento culto y los glosó en las letrillas de manera personal, unas vecescon gran finura y otras con una clara intención satírica. En ocasiones se vale de un

estribillo conocido para apuntalar el tema amoroso, pero la mayoría de los estribillosson creaciones personales que resumen el tema amoroso, religioso o del desengaño.

Desde sus inicios mostró una clara tendencia a la desmitificación, a la sátira y aburlarse de todo cuanto era respetado social y culturalmente, y en el extenso poemaburlesco de la Fábula de Píramo y Tisbe llevó al extremo esta tendencia.




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2. Tradición, lirismo y vitalismo en Lope de Vega

A diferencia de Góngora, Lope de Vega se muestra como un caso único de armónicaconvivencia entre vida y obra. Su arte es proyección de su biografía y sus versosconstituyen una secuencia escalonada de los acontecimientos más importantes de suvida.

Del mismo modo que estuvo abierto a la tradición culta de tipo italianizante, fuereceptor de la tradición española culta y popular, y de todas estas tendencias supohacer una síntesis muy personal, de modo que, aunque en su vertiente más popularlogró las mejores realizaciones, nunca está ausente en su obra el rasgo culto.

Su producción poética está presente en todas sus obras, sobre todo en el teatro, perotambién en su obra en prosa (La Arcadia, La Dorotea, El peregrino en su patria ) y sólouna pequeña parte la publicó como libros de poesía (Rimas, Rimas sacras, Romanceroespiritual ). El tema fundamental de su lírica lo ocupan sus sentimientos personales. Elamor constituye el elemento que da cohesión a toda su poesía.

Aunque ensayó todos los metros (sonetos, canciones, letrillas, églogas), tuvopredilección por el romance, la forma más utilizada también en su teatro. Algunos deesos romances se hicieron tan famosos que se cantaban por el pueblo y pasaron aengrosar el Romancero general . Lope fue también maestro en lírica musical, es decir,en crear canciones, a imitación de las cantadas por el pueblo (cantos de siega,villancicos, seguidillas), pero siempre seleccionando su carácter esencial, para asídevolverle al pueblo nuevas formas.

Además de esta vertiente popular, Lope fue un gran creador de poesía culta. En lasRimas sacras , reunió cien sonetos de tema ascético-místico y algunas elegías, como ladedicada a la muerte de su hijo Carlos Félix, una de las más emotivas de toda supoesía.

3. Inteligencia y desengaño en la poesía de Quevedo

A diferencia de Góngora, en quien predomina el mundo sensorial, y de Lope, en quienla vivencia humana y el mundo natural constituyen el centro de su producción, enQuevedo predomina lo intelectual.

Quevedo (1580 – 1645) reflejó en su poesía los sentimientos más contradictorios delser humano. Todos los temas están presentes en su poesía, desde el amor másidealizado a la burla más procaz o la más dura sátira. Toda la complejidad humana

expresada a través de contrarios (amor-odio, Dios-mundo, trascendencia-burla) sehalla en su poesía. Aunque desde muy joven fue famoso y sus poesías circulaban enantologías, en pliegos sueltos y en forma manuscrita, él nunca llegó a publicar susversos. Vieron la luz, completos, en 1670, y con graves problemas textuales.

Entre los múltiples temas de su poesía destacan el amor, el sentido metafísico oexistencial, el religioso y el satírico burlesco. Por la cantidad y calidad de poemasdedicados al amor, se ha considerado el más alto poeta del amor de la literaturaespañola. Dos notas caracterizan este tema: la autenticidad de los sentimientosconstruida por la palabra, y la síntesis de la poesía de cancioneros, petrarquismo yplatonismo en su expresión. Del apasionamiento de sus versos amorosos surgió launidad Amor-Muerte, que su poesía destacó como ninguna.




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En la denominada poesía metafísica, el sentido moral, la reflexión sobre la vida, laangustia del hombre al saberse abocado a la muerte, adelanta posturas propias delexistencialismo moderno. Temas como el Carpe diem , la brevedad de la vida, lavanidad humana, etc., revelan el desgarrón afectivo de su poesía. Los motivos de lasruinas, relojes, flores, ciudades o personajes del pasado, acentúan el protagonismo del

tiempo.Precisamente esa fragilidad de la vida le enseña al hombre la necesidad de acudir a loeterno y de ahí la importancia de la poesía religiosa. Otras formas de consuelo fueronpara él la labor intelectual y el pensamiento estoico. En este tipo de poesía graveaparece el tema de España. Su poesía muestra el dolor de España , que viodesmoronarse en lo material y moral.

Sin embargo, junto a toda esta poesía seria, Quevedo fue el escritor de su tiempo quecon más mordacidad criticó y se burló de todo cuanto existía, aunque las mujerespedigüeñas, el poder del dinero y los carnudos fueron sus frentes favoritos.

Su crítica política, su inconformismo, rebeldía y denuncia de las corrupciones le llevó ala cárcel, donde permaneció los últimos años de su vida. Su mayor originalidadconsistió en crear un lenguaje cargado de literatura. Gracias a su gran conocimiento dela lengua y a su extraordinaria cultura, consiguió una riqueza verbal capaz de expresarcon todo apasionamiento los temas que le interesaban.

4. Poesía y pintura: arte y pensamiento como superación del tiempo

La relación poesía-pintura permitió el enriquecimiento del lenguaje y la ampliación demotivos literarios. La admiración que los poetas mostraron por los pintores y por suarte quedó plasmada en la gran variedad de composiciones dedicadas a pintores, a la

pintura y a sus técnicas. En correspondencia, los pintores retrataron a los poetas ygracias a ellos podemos contemplar sus rostros.

Existen numerosos poetas que dedicaron composiciones a pintores o elogiaron lapintura (Pedro Espinosa, Lope de Vega, Góngora, Quevedo, Francisco Pacheco, etc.) y,sobre todo, se dedicaron múltiples composiciones que muestran una Naturalezatransformada en Arte.

Se ha considerado el tiempo como el verdadero protagonista del drama barroco.Quevedo fue quien con más profundidad reflexionó sobre el tema, pero en generaltodos constataron la agonía que deparaba su existencia y la vanidad de la belleza y detodo lo creado. Por ello el Arte se consideraba superior y, por lo mismo, la Naturaleza

se interpretaba en términos artísticos (colores, piedras preciosas) pasa salvarla de suaniquilación. La dualidad entre la grandeza del arte, inmortal, y la vida mortal y brevedel hombre y la Naturaleza, condiciona toda la creación barroca.




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TEMA 10. MODALIDADES DE LA PROSA BARROCA

1. Cervantes y la creación de la novela moderna: Don Quijote de laMancha

La obra de Cervantes (1547 – 1616) es una de las creaciones más originales que cabe

imaginar en aquellos momentos. Su obra se encuentra ubicada en el cruce delRenacimiento al Barroco y, por tanto, su obra está llena de elementos conflictivosprocedentes de la transición de una época de equilibrio a otra de inestabilidad. Todo elproceso ideológico y moral que sufre el caballero Don Quijote y todos cuantos lerodean en el transcurso de sus aventuras, representa el paso del idealismorenacentista al desengaño barroco.

Su muerte, definitivamente cuerdo, simboliza la renuncia a los ideales por parte delpueblo y la aceptación de la triste realidad. Para España, la realidad era la pérdida delImperio y el inicio de la decadencia.

Cervantes aporta la novela moderna, con la extensión, complicación, profundidad

psicológica y, sobre todo, sentido narrativo en el que se mezclan realidad y ficción. Sepuede decir que el Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha es la verdaderaprimera novela moderna, que se sustrae a la narrativa de ficción de los libros decaballerías o a la fría y artificial de la novela pastoril.

El prólogo a la primera parte resulta una declaración de la voluntad estética de suautor. En él se puede observar su propósito de escribir con naturalidad frente al excesode retórica y erudición que caracterizaban otras obras. El final de la segunda parte secorresponde con el triunfo del Barroco, representado por la vuelta a la cordura delcaballero y su muerte motivada por la melancolía, a la que había llegado por laausencia de ideales.

2. Prosa de ficción: arte y narrativa. Los trabajos de Persiles ySegismunda

Esta novela, publicada póstumamente en 1617, fue la última de Cervantes. Ya en elprólogo, confesaba estar “con el pie en el estribo” y se despedía de la vida y de lagloria.

La historia no sólo tiene interés en las aventuras propias de estas narraciones, llenasde fantasía y misterio, sino por las constantes relaciones entre literatura y pintura queofrece. El subtítulo (Historia septentrional) se debe a los lugares nórdicos donde se

desarrollan las aventuras de los dos primeros libros, porque los otros dos nocorresponden a esa ubicación. Es un libro donde la fantasía se une con lo visual y lopictórico.

3. El mundo realista y costumbrista de los pícaros

• Vida del escudero Marcos de Obregón , de Vicente Espinel. Esta obra, cuyocarácter picaresco ha sido discutido por anteponer una visión positiva delmundo frente a la más negativa del auténtico pícaro, tiene, sin embargo, lascaracterísticas propias de la picaresca: el carácter realista, la forma

autobiográfica y el carácter lineal del relato. A diferencia de otros relatospicarescos, su estilo es sencillo, ameno y natural.




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•

El Buscón , de Quevedo. Esta obra refleja, desde un punto de vistaautobiográfico, distintos episodios de la vida de Pablos, desde su nacimientohasta su marcha a las Indias. Es un relato itinerante y, por tanto, posee unaestructura de viaje. En cuanto a la función descriptiva, Quevedo utiliza unatécnica deformante de la realidad, totalmente caricaturesca, precedente del

esperpento de Valle-Inclán.

4. Prosa moral y alegórica: de Los sueños de Quevedo al Criticón deGracián

• Los sueños , de Quevedo. Quevedo expresó en esta obra unas visiones en lasque su sátira parece condenar a toda la humanidad. Lo más característico yoriginal es su estilo. Los personajes parecen títeres o esperpentos, gracias a lashipérboles o metáforas utilizadas para describirlos. Asimismo, el tono moral,culto y las expresiones populares permiten ocultar la realidad que, en cualquier

caso, queda desfigurada en una gran caricatura.•

El Criticón , de Baltasar Gracián. Se trata de un escrito que recoge influenciasmuy variadas y que representa el espíritu barroco en su integridad. Es una obrade carácter alegórico que expone las cuatro etapas de la existencia humana(niñez, juventud, madurez y vejez).

4.1. Otras formas alegóricas de acercarse a la realidad

La novela alegórica, la estructura de sueños y de visiones constituían las posiblesexperiencias que el escritor barroco contaba para acceder al mundo de la verdad, yaque directamente, por la experiencia de los sentidos, sólo podía encontrar engaños.

Por ello, son importantes las obras de Rodrigo Fernández de Ribera (Los anteojos demejor vista ) y de Vélez de Guevara (El Diablo cojuelo ). En la primera, de estilo mássencillo y directo, Ribera propone el motivo de los anteojos (labrados por la experienciay con el cristal de la verdad) para penetrar en la realidad, de modo que si no se utilizananteojos con cristales de la verdad no se podrá conocer la realidad y verdad del mundo.En la segunda (cuya estructura narrativa participa del sueño y de las visiones), es elDiablo quien acompaña al estudiante Cleofás pro los tejados de diferentes ciudadesespañolas y le enseña a ver todo desde dentro.




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TEMA 11. EL TEATRO, GÉNERO Y ESPECTÁCULO FUNDAMENTAL EN ELBARROCO

1. El teatro barroco: Arte, literatura y espectáculo

El Barroco fue un período donde lo visual y lo expresivo alcanzó gran notoriedad. Por

ello, el teatro fue el género de mayor éxito en el Barroco. Hay que tener en cuenta queel hombre común del s. XVII apenas sabía leer, y gracias al teatro podía ampliar sucultura.

El sentido del espectáculo que ilustra la vida de la corte se proyecta en el teatro y, a suvez, éste se plasma en esa vida. Los jardines, en los que se representaron las obrasdramáticas más espectaculares y se celebraron festejos reales, se convirtieron tambiénen la mejor escenografía del teatro. El palacio del Buen Retiro, inaugurado en 1634,pasó a ser el lugar más importante de las representaciones palaciegas.

Había tres lugares diferentes para las fiestas teatrales: la Corte (para obras deespectáculo), los corrales populares (para las comedias) y la calle (fiestas

sacramentales con los autos). El teatro en los corrales correspondía al género de lacomedia, cuya cantera más importante procedía de la vida que los dramaturgoscontemplaban a su alrededor.

Asimismo, la importancia de la pintura permitió que el teatro la utilizase enescenografía, temas y motivos dramáticos. La coincidencia en Madrid de los mejorespintores de la época como Tiziano, Rubens y Velázquez, y su relación con losdramaturgos, enriqueció la palabra poética y los escenarios. Incluso la pintura, comotema, ocupa un lugar importante en las obras, sobre todo de Lope y Calderón.

Poco a poco, el espectáculo teatral se fue enriqueciendo y complicando. Con Calderón,la escenografía se vuelve fastuosa y rica, llena de imaginación y posibilidades

fantásticas. Las mismas fiestas públicas, como el Corpus, se acompañan de elementospopulares (recorridos, procesiones, bailes) y, a la vez, de representaciones teatralescomo los autos sacramentales, loas y entremeses, escenificados en la plaza pública delas ciudades y pueblos. La ceremonia religiosa reviste así los mismos caracteresteatrales que las ceremonias cortesanas.

Los autos sacramentales, piezas alegóricas en un solo acto cuyo tema versaba siempreacerca de la Eucaristía, pero con argumentos muy variados, se representaban en lasfiestas del Corpus, generalmente en las plazas públicas de pueblos, villas y ciudades.Para ello, en un principio se utilizaron dos carros para las entradas y salidas de lospersonajes y una plataforma en donde podían actuar. Más tarde, en la época de

Calderón, se enriqueció la escenografía con cuatro carros que disponían máquinas ytramoyas complicadas, decorados complicados, etc. El auto así cobró rango de fiestaespectacular semejante a las óperas o zarzuelas de palacio. Y aunque tenía como temaesencial la conmemoración de la Eucaristía, los argumentos podían ser muy variados,desde mitos clásicos hasta leyendas bíblicas y medievales, o incluso asuntos decircunstancias como la construcción de un palacio (el Retiro).

El otro ámbito fundamental de la representación, además de la plaza pública y loscorrales, fueron los palacios y coliseos. En los palacios, los jardines se convirtieron engrandes tablados sobre los que se organizaban las celebraciones. Así, en los jardinesdel palacio de Aranjuez se representaron las obras con todo espectáculo, explotando lariqueza natural: agua, estatuas, olores de plantas y flores, sonidos de cantos de aves…




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La gloria de Niquea fue la primera experiencia de teatro cortesano, representada en unteatro levantado en el Palacio de Aranjuez en 1622. Era una fiesta ofrecida a la reinaIsabel de Borbón, esposa de Felipe IV.

En 1629 se escenificó en el Palacio Real, La selva sin amor , de Lope de Vega. En estaobra se introdujo en España la técnica italiana de los escenarios en perspectiva quecambiaban a la vista del público. A partir de esta obra se afirmó que, en cuestionestécnicas, la escena española en 1627 se mostraba, fuera de Italia, como la másavanzada de Europa.

Calderón, por su parte, contó desde 1640 con el Coliseo, un teatro con toda la técnicay posibilidad de tramoyas que podían permitir extraordinarios espectáculos teatrales.Se inauguró con una obra de Rojas Zorrilla, titulada Los bandos de Verona .

Calderón, en el año 1636, escribe Los tres mayores prodigios , para cuyarepresentación se necesitaban tres teatros diferentes para cada una de las jornadas delas historias mitológicas de que consta la comedia. Posteriormente, entre sus obras seencuentran El jardín de Falerina , con grandes momentos cantados y danzados, y Lafiera, el rayo y la piedra , representación con luces, perspectivas y una duración desiete horas.

Pero la aportación fundamental de Calderón residió en la creación de la zarzuelabarroca con El golfo de las sirenas y El laurel de Apolo , y, sobre todo, con la invenciónde la ópera española con el primer breve intento de La púrpura de la rosa y la plenitudde Celos aun del aire matan .

2. De las primeras escenografías al teatro artístico de Calderón

•

La gloria de Niquea .La obra del conde de Villamediana (1622) fue la primera experiencia de teatrode Corte. Se representó en un teatro levantado en el Palacio de Aranjuez, enuna fiesta ofrecida a la reina Isabel de Borbón, esposa de Felipe IV.

Se levantó un teatro de 115 pies de largo por 78 de ancho, contando configuras gigantescas, estatuas de bronce, esferas, etc. El protagonista, elcaballero Amadís, en busca de la selva encantada, encuentra una peña y,alentado por las voces que oye, la rompe y, a pesar de sus dimensiones (50pies de ancho y 80 de contorno), la parte en dos. Entonces aparece un Palacioy cuatro gigantes a los que el héroe hace huir. Los documentos de entonces

dicen que gracias a “una gran máquina”, “un solo hombre movía fácilmente” elartilugio para provocar ese efecto. En otro momento, la Edad apareció sobre unáguila de oro y el águila subió sobre el edificio del teatro por un medio tan biendisimulado que se le vio marcharse sin saber cómo.

El final fue también espectacular: “La montaña volvió a cubrir todo el escenarioy se reabrió pronto, al son de todos los instrumentos. El bosque que había ensu interior y el edificio se había transformado en un espectacular y bello jardíncon flores y fuentes naturales. Los espectadores no sabían que admirar más: latransformación o el artificio con el que se había conseguido”.




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•

La selva sin amor .

La obra de Lope de Vega era una égloga pastoril que se escenificó en el PalacioReal en 1629. Con esta obra se introdujo en España la técnica italiana de losescenarios en perspectiva que cambiaban a la vista del público.

•

Fieras afemina amor .Con esta obra de Calderón, el espectáculo teatral alcanzó la cota más alta. Enesta obra, el propio dramaturgo dio las indicaciones sobre cómo debía ser elescenario.

3. El teatro como documento de época: fiestas y lugares famosos

El teatro también ofrece información directa. Para saber cómo fueron las fiestas en laépoca, hay que acudir a los textos, ya que son los más vivos documentos de larealidad.

Por ejemplo, Lope de Vega, en La carbonera , nos refiere, por medio de un personaje,la fiesta que contempla en Sevilla con motivo de la llegada del Rey. Su narraciónresponde al importante papel que tenían todas las sensaciones, especialmente lasvisuales y auditivas, en las fiestas.

Además de las fiestas, el teatro actúa como catalizador de las costumbres. Trata depresentar vivos los centros de interés humano, cultural y social de la época. Lasdescripciones de la capital, lugar donde residían la mayor parte de los dramaturgos,están muy presentes.

La Zarzuela y el Pardo se nos presentan tal como eran en el s. XVII y se recuerdan sus

orígenes. En La púrpura de la rosa , de Calderón, se describe cómo es el lugar para lafiesta musical representada para celebrar las paces y felices bodas de la infanta deEspaña María Teresa con Luis XIV.

El Escorial aparece como un lugar privilegiado. Lope de Vega realiza una minuciosadescripción en La octava maravilla , en la que atiende a su lugar de origen,características, riqueza y coste de la obra.

Aranjuez era otro de los focos de mayor atracción de la época por sus jardines y porser un espacio dramático importante para las comedias. También aparece en el teatroel palacio de Aranjuez, con sus pinturas y la espectacularidad de las fiestas que allí secelebraban. Lope de Vega en La noche toledana da una completa información de ese

espacio natural y artístico.

4. Pintura y teatro. Temas y motivos coincidentes

El lenguaje dramático toma los términos de la pintura y de la técnica artística, y sonmuy frecuentes las alusiones a objetos relacionados con la pintura (cuadros, marcos,telas) y sus utensilios (pincel, paleta, caballete), así como las diferentes formas y usossociales de la época (tipos de pintura en las casas, palacios, etc.). Unos autores tienenpreferencia por los amaneceres y nocturnos, como Rojas Zorrilla, y otros, comoCalderón, alternan los distintos momentos y luces, aunque en las escenas fantásticas

se decanta por los azules.




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Dramaturgos y pintores compartían unos mismos intereses y los dramaturgos insistíanen relacionar a los mejores poetas del pasado con los mejores pintores. Por ejemplo,Tirso establece la relación entre Homero y Apeles (pintor de Alejandro Magno), porqueambas artes eran capaces de ofrecer los documentos más fieles para la historia.

Puede afirmarse que todos los géneros pictóricos aparecen en el teatro. Las pinturasde paisajes se hacen tan extensas en las narraciones dramáticas que a veces losinterlocutores tienen que tomar asiento para escucharlas. Así le ocurre al rey en Elburlador , que, ante la descripción de Lisboa, dice “dadme asiento”.

Dentro de los paisajes tienen especial interés las pinturas de jardines, por ser unespacio relacionado con la mujer y el amor, temas preferidos del teatro paradramatizar diferentes conflictos.

Dentro de los diferentes géneros de pinturas, son los retratos femeninos los queadquieren extraordinario interés. En general, cuando se trata de retratos de damas,pocos son los que hacen justicia al original, puesto que mantenían la estéticaneoplatónica y la luz constituía su elemento fundamental.

En ocasiones, los pintores se convierten en protagonistas, como ocurre con Tiziano, enLa santa Liga , de Lope de Vega.

También en las obras dramáticas son frecuentes las citas de cuadros famosos y algunopuede utilizarse como eje dramático. Por ejemplo, el lienzo de Progne y Filomena ,realizado por Tiziano, desencadena el drama de Lope de Vega, La quinta de Florencia .

También los cuadros pueden conformar espacios dramáticos. Al igual que en lacomedia pueden utilizarse puertas, armarios o mesas para engañar, también puedenutilizarse cuadros. Por ejemplo, en Casarse por vengarse , de Rojas, unas pinturasencubren el muro que atraviesan los amantes hasta que son descubiertos, y lo que era

adorno y color se convierte al final en tumba de la protagonista.En otras ocasiones, el teatro utiliza motivos muy experimentados en la pintura. Porejemplo, el caballo pasa a ser un elemento escenográfico extraordinario en el teatro.Son frecuentísimas las caídas en escena, bien narradas o mostradas y, aún más, elatravesar el tablado un caballo. Calderón fue quien mejor supo manejar el caballo enescena, recreando en sus descripciones todo el valor social que tenía en la realidad,pues todo acto público contaba con su presencia. Incluso en el auto La devoción de lamisa , Calderón da entrada a la estatua ecuestre de Felipe III, hoy ubicada en la PlazaMayor.

Tiene especial atractivo en el teatro, aunque nunca se presenta directamente en

escena, el motivo de la bañista desnuda. Siempre tiene una función dramáticafundamental. Si ocurre en una fuente natural o río, las bañistas recuerdan a Diana; sila acción sucede en una fuente, su modelo es la diosa de Chipre, Venus. Los baños deDianas y Venus, los Narcisos, las ninfas y náyades, tienen la misma presencia en elteatro que en la pintura. Ambas artes presentan a las mujeres en idénticas posturas,tendidas sobre la hierba o bañándose.




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TEMA 12. LA APORTACIÓN DE LOS DRAMATURGOS

1. La revolución dramática de Lope de Vega: la comedia nueva

Desde que se inauguraron los primeros teatros comerciales en Madrid (el Corral de laCruz y el Príncipe), el teatro se convirtió en el más importante medio de comunicación

social. El público ya no gustaba de las formas clásicas anteriores (unidad de acción,tiempo y lugar), y Lope de Vega, de forma intuitiva, escribió sobre lo que al público leinteresaba y de la manera en que mejor lo recibía.

Su triunfo popular fue extraordinario, y utilizó un nuevo modo de hacer teatro queteorizó en su obra Arte nuevo de hacer comedias (1609). Lo hizo a petición de la

Academia de Madrid. En esa teoría dramática, ajustada a la novedad de su fórmula,manifestaba sus diferencias con la comedia clásica y ratificaba el carácter moderno delteatro.

Entre las características de la comedia nueva están: libertad en la elección de temas,posibilidad de construir tragicomedias (sin respetar las normas rígidas anteriores),

didactismo de la comedia (con ella se puede aprender de todo) y necesidad de dargusto al público. Todos los medios para conseguir ese fin serán justos.

2.

La mitología y su expresión en el teatro

La mitología en el teatro barroco fue un género de gran vitalidad que tuvo especialinterés, no sólo por las recreaciones de las fábulas, sino porque los temas permitíanunos montajes escénicos de gran aparato que evolucionaron hacia formas deespectáculo musical y de invención arquitectónica.

Los autores, cuando utilizan los mitos en el teatro, no sólo actúan como poetas, sinocomo artífices de un género nuevo que necesita una estructura diferente, es decir, unmedio distinto al original y unas condiciones sociales en las que deben moversetambién diferentes (medios, ambiente, público, etc.). Todo ello requiere laconstrucción de grandes maquinarias, tramoyas y efectos de desplazamiento y detransformación, grandes escenarios, etc.

Raro fue el poeta dramático que no sintió atracción por la mitología, aunque los másimportantes fueron Lope de Vega y, sobre todo, Calderón.

Aunque en su origen los relatos mitológicos tenían una sustancia sacralizada, en elSiglo de Oro estos mitos son poetizados y, por tanto, revitalizados desde unaperspectiva diferente, otorgándoles una nueva sustancia religiosa procedente de laalegoría que se aplica en algunos géneros, como, por ejemplo, en los autossacramentales.




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3. La inclusión de la lírica en las obras dramáticas y el amor

La importancia de las canciones en el teatro es fundamental desde Lope de Vega. Esteautor utiliza, en unos casos, sus propias creaciones y, en otros, canciones tradicionales.La lírica, siempre relacionada con la mujer, puede aparecer para comunicar unsentimiento o para apuntalar una estructura dramática.

Hay muchos ejemplos en los que una canción tradicional o propia se convierte en leitmotiv de la acción dramática, como ocurre en El caballero de Olmedo .

Prácticamente todos los dramaturgos incluyeron canciones en el teatro. Calderónpotenció el valor dramático de las canciones por la importancia que concedió a lamúsica y al canto. Quizá sea en la obra de tema mitológico, Eco y Narciso , dondemejor puede verse el valor y la función dramática de las canciones en su teatro.

En la mayoría de los casos, las canciones son entonadas por mujeres. Con ellas puedendecir lo que la sociedad les hace callar. Sin embargo, una de las características denuestro teatro es el protagonismo femenino y la importancia del amor. La comedia

nueva tiene como tema central el amor y el eje en torno al que se articulan las obrases la mujer. Los modelos de protagonistas femeninos pueden estar apoyados en larealidad, en los mitos, en la historia o en acontecimientos sociales extraordinarios. Apartir del triunfo del gusto popular y del Arte nuevo , el espectador quiere verrepresentados temas y formas de la vida cotidiana y la mujer, por ser el centro social,pasa a ocupar el primer plano en el teatro.

Si con Lope se inició la importancia de la mujer en el teatro, sus seguidores aportaronal personaje femenino nuevas cualidades. El motivo de la mujer disfrazada de hombresiempre era muy aplaudido por los espectadores y con él podía enseñarse la igualdadde hombre y mujer. Tirso de Molina fue quien mejor penetró en la psicología de lospersonajes femeninos. En sus comedias se derriban los tabúes sociales y se presentanlas mujeres libres para decidir su futuro.

4. Las grandes creaciones de proyección universal: mitos e ideas

La importancia del teatro barroco no sólo reside en la modernidad de sus reglas, en laamplia variedad temática y en la diversidad estrófica, musicalidad y riqueza poética,sino en la capacidad para dramatizar todos los demás géneros (cuentos, leyendas,poesía, historia, refranes, novela) y utilizar la vida cotidiana como materia dramática.

Además, creó grandes personajes que pasaron a formar parte de la leyenda universal

(Don Juan, Fausto, Segismundo). Igualmente, conceptos universales como la vida essueño o el teatro del mundo y el valor de la libertad del pueblo oprimido frente alpoderoso se han convertido en emblemas del s. XX (Fuenteovejuna, El alcalde deZalamea).

4.1. El conflicto del hombre moderno: La vida es sueño

Es la obra más completa y perfecta de Calderón de la Barca y una de las másimportantes de la literatura dramática universal.

La obra revela la compleja situación ideológica del momento histórico en que seproduce (s. XVII) y, al mismo tiempo, resulta un testimonio capital del gran conflictodel hombre moderno, que se prolonga hasta nuestros días.




Esta obra supo captar todo el enmarañado mundo de las relaciones humanas, delconocimiento, de la competencia social y de la conciencia individual en cuanto queaspiraba a una eternidad, aunque sabedora de la finitud humana.

4.2. Concepto de la vida como teatro: El gran teatro del mundo

Se trata de uno de los autos sacramentales más difundidos de Calderón. Es unaconcepción universal de la creación del mundo en la que se compara éste con unteatro y una representación.

El Universo está concebido como un teatro donde el Autor (director de una compañía)es Dios, y los hombres los actores que han de representar su papel de acuerdo con losatributos recibidos. Están representados diferentes estamentos sociales y cualidades(rico, pobre, rey, labrador). Esta obra puede considerarse como la síntesis delpensamiento de la época. Las artes, el jardín, el teatro, el tiempo y las glorias humanaspertenecen a una representación.

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