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Memoria explicativa de mi proyecto
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EASD. MURCIA.
2012
*Te invito a pensar… “Lo que mi lenguaje oculta, lo dice mi cuerpo”.
Roland Barthes.
Nazaret Barceló Hernández-Gil
F O T O G R A F Í A A R T Í S T I C A . 1 º A .
Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 2
Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 3
ÍNDICE:
1. INTRODUCCIÓN……………………………………….…..Pag. 4
2. ANÁLISIS HISTÓRICO-ARTÍSTICO……………..………Pag. 5-11
3. INFORMACIÓN…………………………………………..…Pag. 12-29
4. ANÁLISIS COMPARATIVO…………………………..…..Pag. 30-31
5. DESCRIPCIÓN DEL PROYECTO…………………..……Pag. 32-36
6. DOCUMENTACIÓN GRÁFICA…………………………...Pag. 37-39
7. BIBLIOGRAFÍA…………………………………………….Pag. 40
Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 4
1. Introducción.
Vivimos en un país donde, en comparación con el resto de Europa, la
pobreza está bastante agudizada. Desde que salimos de casa hasta que
volvemos nos cruzamos con miles de miradas desconocidas que luchan
por conseguir lo fundamental, bebida y comida. Podríamos perder la
cuenta de los vagabundos que encontramos en cada esquina de la
ciudad. De todas las nacionalidades (incluso ahora con la crisis
españoles).
Exactamente, en España contamos con once millones y medio de
personas en riesgo de pobreza o exclusión social, y desde el comienzo
de la crisis ha cogido fuerza.
He decidido mostrar en mi proyecto personal, la otra cara de la vida.
Personas con nombre y apellido de todas las nacionalidades, que viven
en la calle. Muchos de ellos piden, otros en cambio tocan algún
instrumento o realizan algún tipo de acrobacia para conseguir algo de
dinero para comer y sobrevivir. Mostrare la otra cara de la sociedad, otro
modo de vivir, donde cubrir las necesidades básicas y la supervivencia
es el primer objetivo.
1.1 Abstract.
We live in a country where, comparing to the rest of Europe; poverty is
something sorrounding and critical. Since we go out from home until we return
we found thousand of unknow looks that are fighting for finding cruzial and vital
things such as drink and food. In many cases, there are such a lot of poor
people around us that we are not able to count them. These people are from all
around the wordl, including spanish people that have been beaten by this crisis
that is throwing it all away.
That`s the point, nowadays in Spain there are one million and a half of people at
risk of social exclusion or near to the poverty; situation that is going worse
because crisis is increasing each day.
Considering this as a starting point, I have decided to go deeply in this fact, the
other way round of the life I am used to live. Persons with names and
surnames, of many different countries that now find themselves homelessness.
Some of them ask for money, other try to get money doing streets funnier; at
the end waiting for some money for eating and living at the end.
My purpose in this work is to show the other face of the nowadays society, the
other way of living where basic needs and survive are first objetives.
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2. Análisis Histórico-Artístico.
El concepto de pobreza, tal como el fenómeno que describe, posee una
antigüedad respetable. Su etimología nos lleva a la palabra
latina paupertas, que remite originalmente a la condición de pauperos
que significa, literalmente, parir o engendrar poco y se aplicaba al
ganado y, por derivación, a la tierra pobre, es decir, infértil o de poco
rendimiento. De esta acepción de pobreza como falta de potencialidad o
capacidad de producir deriva un concepto distinto que apunta a la
carencia misma de una serie de bienes y servicios básicos. Este es el
origen del concepto de pobreza absoluta. También surgió
tempranamente el concepto de pobreza como contraposición al de
riqueza, donde el sentido de cada uno de estos términos se define por la
relación misma entre ellos. De allí proviene el concepto de pobreza
relativa.
La pobreza no es algo nuevo en la historia de la humanidad. Su causa
fundamental radica en la baja productividad del trabajo en las
sociedades preindustriales, a lo cual hay que sumar la desigual
distribución de la riqueza y el ingreso. Vivir en una condición de premura
material fue la situación normal del género humano hasta que los
progresos tecnológicos de la era moderna hicieron posible, para las
amplias mayorías, tener acceso a niveles de consumo, salud, educación
y bienestar en general impensables en épocas anteriores.
Como podemos ver, la pobreza es algo que existe desde hace mucho
tiempo, por lo que es fácil encontrar la pobreza como temática en las
obras de arte.
A continuación mostraré las obras que tratan la pobreza y los artistas
que han trabajado con esta temática más relevantes.
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Diego Velázquez. Vieja friendo huevos. 1618.
Diego Velázquez (1599-1660) fue uno de los pintores que trató el tema
de la pobreza. Pues en sus obras, le gustaba plasmar el realismo de la
época, Sobre todo en su primera etapa como artista se dedicó a realizar
cuadros donde los vagabundos eran el tema fundamental. Destaco éste
por ser de relativa importancia. Pero tambien podriamos encontrar otros
como “La mulata”, “El aguador de Sevilla” o “Los borrachos”.
En todos los óleos realizados con esta temática prima la técnica del
tenebrismo, donde el sujeto principal de la imagen recibe la luz y se
aprecian de manera fabulosa las texturas de la piel estropeada, una piel
estropeada de “vivir en la calle”.
Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 7
Bartolomé Esteban Murillo. El niño mendigo. 1650.
El niño mendigo, también conocido como Niño espulgándose, es un óleo sobre lienzo realizado por el pintor español Esteban Murillo en 1650. Fue adquirido en 1782 para las colecciones reales de Luis XVI. Murillo ha sido mundialmente conocido por ser el pintor barroco de las Inmaculadas, pero en su extensa obra, también realizó un tipo de pintura realista y de carácter social. Dentro de este género, desarrolló retratos de mendigos, pilluelos y gente de la calle, en general. Sin embargo, el carácter de drama social de sus retratados no le influyó para captarlos siempre con amabilidad y ternura, sin expresar dolor o miseria.
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Reinaldo Giudici. La sopa de los pobres. 1884.
Reinaldo Giudici (1853-1921) realizo este oleo en su etapa de aprendizaje.
Aquí nos presenta una serie de personajes humildes de la ciudad, algunos de
los cuales toman un plato de sopa en la puerta de una fonda donde se la
cocinaba en grandes cacerolas. Los detalles nos muestran la pobreza,
profundizada por el pintor en detalles de la ropa, las paredes descascaradas,
los muebles corroídos por el tiempo, los pies descalzos de los niños.
La temática social, que ingresa a la pintura porteña con los artistas de la
generación del 80, marcó la obra de cada uno de ellos que previamente se
habían dedicado al retrato, el paisaje y la naturaleza muerta.
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Diego Rivera. La noche de los Pobres. 1927.
Diego Rivera (1886-1957). desarrolló un estilo en sus pinturas de
temática social e indigenista. Trataba el tema de la pobreza en sus obras
como un toque de atención hacia la sociedad en la que vivía. En este
cuadro retrata el rostro de los niños de manera conmovedora.
A pesar de desarrollar en el siguiente punto de manera más extensa los
diferentes fotógrafos, corrientes y fotos que han tratado la temática de la
pobreza, creo conveniente explicar en este apartado, cuando la
fotografía se apartó de su fin meramente experimental y artístico para
comenzar a realizar denuncias sociales o mostrarnos la realidad tal y
como se exhibía.
Pues como ya hemos estudiado durante todo el curso, los comienzos de
la fotografía son difíciles y abstractos, evolucionando a pasos
agigantados hasta como la concebimos hoy día.
La Historia de la fotografía empieza "oficialmente en el año 1839, con la divulgación mundial del primer procedimiento fotográfico: el daguerrotipo. Como antecedentes de la fotografía, se encuentran la cámara oscura y las
investigaciones sobre las sustancias fotosensibles, especialmente el ennegrecimiento de las sales de plata. Ibn al-Haytham (Alhazen) (965 a 1040)
llevó varios experimentos sobre la cámara oscura y la cámara estenopeica.
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La primera iniciativa de fotografía artística surge en 1890 en Europa. Un grupo de fotógrafos crea técnicas de manipulación en la toma y en el positivado, y
propone que el resultante de su uso es una obra de arte fotográfico, en cuanto requieren de manipulación por parte del autor y generan obras únicas: dos de los puntos discutidos por parte de los pintores para negar la artisticidad de la fotografía. Algunos autores pictorialistas son: Peter Henry Emerson, Robert
Demachy, Henry Peach Robinson, Comandante Puyo. Los pictorialistas reconocen influencias y antecedentes en la fotografía academicista de Oscar
Gustav Rejlander y en la obra de Julia Margaret Cameron, ambas de la década del 60 del siglo XIX. La fotografía pictorialista también se conoce como
fotografía impresionista por la similitud formal y temática con esta corriente de la pintura. Durante el desarrollo de esta iniciativa, el fin principal de estos
autores, era la lucha constante por separar fotografía de pintura y ser reconocida ésta primera como un arte propio y no como una evolución de la
pintura.
La aproximación a este período histórico de la fotografía nos lleva ineludiblemente al análisis del periodismo fotográfico, la relación de las
vanguardias históricas y la fotografía y a una exposición de los diferentes realismos fotográficos que se desarrollan en estos años.
El periodismo fotográfico es el que nos da a conocer por medio de una foto todo lo que pasa en un lugar, estas visualizaciones nos cuentan mucho y por
esto ya tenemos idea visual de lo que pasa en un lugar.
Todos los géneros fotográficos surgidos en momentos históricos anteriores tienen su continuación tras la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Especial relevancia presenta la evolución en estos años del periodismo
fotográfico, en el ámbito de la fotografía documental y los nuevos diálogos que se establecen entre la fotografía y las artes plásticas, que comienzan a fundirse
en la denominación genérica de artes visuales.
Por lo tanto, es durante esta época, cuando la fotografía comienza a tratar temas sociales haciendo especial mención como iniciadores de esta corriente a Diane Arbus, Rober Doisneau o Robert Frank. Este tipo de fotógrafos, cogen su
cámara, se lanzan a la calle intentando captar el momento de sus días, la sociedad de entonces, muchas veces como un tipo de denuncia social para
acabar con problemas mundiales como el tratado en mi proyecto personal, la pobreza.
A este tipo de denuncias sociales, ayuda también la aparición de agencias como Magnum Photos, una agencia internacional de fotografía, con oficinas en
Nueva York, París, Londres y Tokio.
Magnum fue fundada en 1947 por los reporteros de guerra Robert Capa, David Seymour "Chim", Henri Cartier-Bresson, George Rodger y Bill Vandivert,
además de Maria Eisner y Rita Vandivert, a la postre, primera presidenta. Cada uno de los fundadores puso un capital de 400 dólares, siendo dicha agencia
una de las primeras cooperativas en el mundo de la fotografía. Por primera vez eran los propios fotógrafos los que tenían sus derechos, pues hasta entonces
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la empresa que compraba las fotografías las podía usar siempre que deseara sin pagar más a los fotógrafos.
Por otro lado Magnum fue una iniciativa que permitía a los fotógrafos una relativa independencia en la elección de los temas a documentar, su edición y su publicación, procesos que en la Agencia Magnum estaban en control de los
autores y no de los medios de prensa, como sucedía con los fotógrafos contratados por diarios y revistas de la época.
La cooperativa Magnum posibilitó que los fotoperiodistas documentaran muchos de los hechos más importantes de la historia del siglo XX. Los
fotógrafos tienen más libertad a la hora de mostrar la realidad tal como surge y no vetada por los periódicos de la época, donde fotógrafos tenían que ceñirse a
lo que este quisiese mostrar.
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3. Información.
Podría dividir mis influencias en dos aspectos fundamentales, por un lado artísticas, nombrare y comentare la obra destacada de los
fotógrafos sociales por los que me he sentido muy influenciada a la hora de realizar este proyecto, y por otro lado la técnica, aquellos que han
trabajado y de los que también me he influenciado haciendo trípticos u hojas de contacto, como estética fundamental de su composición.
3.1. Influencias Sociales.
Mineros Sudafricanos. Abbas. 1970.
Debe ser por la tarde, después de la jornada de trabajo, porque el sol está cerca del horizonte y los mineros conversan tranquilamente. A la izquierda, dos hombres acaban de lavarse y cambiarse, mientras sus tres camaradas de la derecha han interrumpido sus ocupaciones para leer una carta. Los otros parecen contentos, aunque sea simplemente
por el hecho de charlar. Esta composición, que concede el mismo interés a toda una serie de elementos dispuestos alrededor de una
estufa muy discreta, pretende ser una reflexión sobre la vida cotidiana y constituye una de las fotografías más idílicas de Abbas. La vena utópica que anima esta imagen ha permitido a Abbas reconocer y producir, a su
pesar, las injusticias y miserias del mundo. La reputación como fotoperiodista que se ha labrado. Abbas arranca de los reportajes de
impacto que realizo durante la época de los 70 en las peligrosas zonas de Biafra y Vietnan del Sur. Desde la década de 1980, explora sobre
todo el mundo del islam y la civilización cristiana.
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Niño con granada. Diane Arbus. 1972.
La granada, la mueca y la mano a modo de garra parecen señalar un futuro sin esperanza, histérico y militarizado. La imagen funciona porque
la rareza del niño se pone en escena en un decorado amablemente natural: hay incluso una relación de consonancia entre esos troncos de árboles emparejados y las largas y flacas piernas del niño. El motivo de
Arbus, en esta y otras obras, es la discrepancia entre los mundos imaginados e idealizados, representados aquí por los arboles y la luz del sol en el parque, y la violencia aparentemente prometida por el niño. La
artista imaginaba la distopia, pero siempre la consideraba desde el punto de vista del Jardín del Edén. El ejemplo de Arbus, que es conocida
sobre todo por las ocho fotografías publicadas en Diane Arbus en 1972 marco una gran diferencia en la fotografía documental, aun cuando
nadie pudiera repetir su logro. Alumna de la influyente Lisette Model en Nueva York a finales de los 50, trabajo sobre todo como fotógrafa por
cuenta propia para revistas en la década de los 60.
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Una escena callejera en Nápoles. Bruno Barbey. 1963.
En Nápoles, cerca del callejón Scassacocchi, en el barrio de San Lorenzo, un enano pide limosna en medio de un grupo de niños que se
ríen del mendigo, del fotógrafo y unos de otros. Los protagonistas lo dan todo en su papel, y esto ha sido siempre uno de los sellos distintivos de
la fotografía de Barbey. Aunque ha fotografiado en todo el mundo, incluidas zonas de guerra como Vietnan del Sur en 1972, Italia ha sido
sin duda, uno de sus mejores escenarios, pues es en ese país donde los mendigos mendigan y los deudos se plañen con la más excesiva
efusión. La crisis social puede estar en el horizonte, pero mientras todos los modelos de Barbey se entregan gustosos a lo que están haciendo en ese momento. Barbey heredo esta valoración del género humano de la década de los 50, de Cartier-Bresson y Robert Frank por ejemplo, pero
mientras que los humanistas anteriores pensaban a menudo en términos representativos y heroicos, su tendencia en cambio ha sido siempre
valorar lo privado y lo concreto.
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Niño andino, Cuzco. Werner Bischof. 1954.
En un escenario idílico, un niño toca su flauta mientras anda por un camino de montaña que conduce a Cuzco, Perú. Bischof, que fue
periodista fotográfico internacional, tomo muchas fotografías conmovedoras de los niños como símbolo de un futuro mejor. Era un
visionario que deseaba vivir en un mundo civilizado y creía que la fotografía podía demostrar cómo se podía alcanzar ese objetivo. Aunque
cubrió la guerra de Corea y la de Indochina, la vida social fue su tema preferido porque hablaban de continuidad, en vez de renovación
absoluta que propugnaban los totalitarismos. Muchas de sus imágenes tienen como protagonistas a músicos de la calle. Werner murió poco después de tomar esta fotografía en un accidente de automóvil en los
Andes.
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Pobreza y Exclusión social. Henri Cartier-Bresson. 1933.
Henri Cartier-Bresson fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images à la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a
hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción. En esta imagen, Bresson sin duda capta la dureza del momento. La lucha
por la supervivencia y junto a la figura de la niña hace una reflexión acerca del mundo en que vivimos. La mirada del habla por sí sola, dolor,
sufrimiento y preocupación por la que probablemente es su hija. En la composición también llama la atención la mano de la niña que engancha
la chaqueta de su papa buscando la seguridad. Esta es una de las imágenes que más me ha inspirado.
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Madre e hijo. Bruce Davidson. 1967.
Sentados sobre el cubrecama blanco, madre e hijo permanecen
abrazados entre las paredes desnudas de una habitación mal iluminada
de un exiguo apartamento en una casa de vecindad. Esta pareja
aparece en las primeras páginas del libro de Davidson “East 100th
Street (1970)”, que es una de las grandes obras de la fotografía.
Davidson trabajo en esta calle de East Harlem durante dos años a
mediados de la década de los 60, documentando y entregando copias a
las personas fotografiadas. En una relación directa con la gente, expresó
con compasión la dignidad y la desesperación. Estas imágenes íntimas
realizadas en el interior de las viviendas, en las azoteas y en la calle dan
testimonio de la energía de la comunidad. Davidson comenzó su carrera
en la fotografía documental a finales de la década de los 50, con una
serie sobre una pandilla juvenil de Brooklyn. Se interesa, en general, por
las personas marginadas y contempla el mundo desde su interior, dando
muestra de una fuerza de expresión asombrosa.
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Belgrado, violinista navideño. Lewis Hine. 1918.
«Quise hacer dos cosas: mostrar lo que había que corregir y mostrar lo que había que apreciar». Son palabras del fotógrafo Lewis Hine. Decimos atípico
fotógrafo, porque comenzó tarde en esta profesión. Era maestro de escuela en Nueva York y aprendió fotografía con el fin de defender aquello en lo que creía que merecía la pena luchar. Su máxima, contar el lado humano de la Historia.
Y a ello se dedicó a partir de entonces. Como explica la comisaria de la exposición, Alison Nordström, Hine fue «un gran activista social». Buena parte
de su carrera la dedicó a fotografiar a los trabajadores en plena faena. Su objetivo, mostrar que el trabajo dignifica al hombre. Hay imágenes tan célebres
como «Mecánico en una bomba de vapor de una central eléctrica».
Lewis Hine murió pobre y olvidado, recuerda la comisaria. Pero, tras su muerte, se le reconoce su papel como pionero del documentalismo social. Y es que fue, a partes iguales, un apasionado y comprometido activista social y pionero de la
fotografía documental. Su legado fotográfico fue ofrecido al MoMA, que lo rechazó. Fue a parar a la Photo League hasta que finalmente llegó en 1955 a la
George Eastman House, que lo conserva como un tesoro.
Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 19
Manos. Michael Wells. 1980.
La mano del niño ugandés, comparada con la del misionero, parece la garra de
un ave escuálida o algo encontrado en un yacimiento arqueológico. Esta imagen yuxtapone el hambre y el Occidente próspero, aun cuando la mano que sirve de fondo sea la de un misionero bienintencionado que ha contribuido por propia voluntad. Las hambrunas en Uganda y en otros países de África han sido objeto de una considerable atención por parte de la prensa Occidental.
Hay muchas imágenes de cadáveres, que plantean preguntas acerca de cómo ha muerto la gente y con qué rapidez se descomponen los cuerpos, es decir,
sobre los aspectos prácticos del hambre. Los textos sobre la cuestión de África plantean casi siempre cuestiones morales insolubles en relación con los pros y
los contras de la intervención. Una imagen como esta, que es más emblemática que explicativa, compendia los textos, captando sobre todo su
elemento de culpabilidad y autoacusación y el significado de esa mano tendida bien alimentada y cuidada.
Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 20
3.2. Influencias Técnicas.
Lanzamiento de cuatro pelotas para
Formar un cuadrado. John Baldessari. 1974.
Desde este punto de vista, la intención del fotógrafo casi se ha logrado
en la imagen del Angulo inferior derecho, pero cualquiera de las otras
formaciones podría servir si se viera desde ángulos diferentes ¿Por qué
hacer 36 intentos para lograr un cuadrado lanzando pelotas sobre el
fondo del cielo de California? Para buscar la casualidad, o para probar
que las cosas pueden salir tal como queremos que salgan. Son muchas
las series fotográficas de Baldessari en las décadas de los 6º y los 70
que requieren tiempo para su representación y estudio, pero no es más
que el tiempo común, no el momento providencial del reportaje
fotográfico en el que los hechos y las apariencias se fusionan con
firmeza. La propuesta de Baldessari es que el tiempo ordinario es
fácilmente accesible, y que también podría utilizarse para obrar milagros,
sin importar lo pequeños que fuesen. Baldessari estudio pintura y a
mediados de los 60 se inicio en la fotografía. Para celebrar ese cambio
en 1970 hizo que se quemases en el crematorio todos los lienzos que
obraban en su poder.
Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 21
Torres en Construcción. Bern y Hilla Becher. 1980.
Cuando las fotografías de instalaciones industriales de los Becher se
exponen clasificadas en grupos, invitan a la composición y al estudio. El
motivo de esta serie parece ser unas fachadas industriales y su
decoración ¿Por qué han de estar decoradas, y si lo están, por qué han
de adoptar estilos concretos, como el de estos ejemplos? El primer libro
importante de los Becher sobre construcción industrial, titulado
Anonymous Sculptures: A tipology of Technical Construction se publico
en 1970. Después han aparecido muchos otros libros, como Water
Towers en 1988 y Blast Furnaces en 1990. A los Becher les gusta llamar
la atención hacia la grandeza de los edificios industriales, pero su
principal objetivo es invitar al espectador a prestar una gran atención a
los procesos que se examinan y a adquirir conciencia de esa atención a
menudo involuntaria. En la década de los 70 Bernd Becher fue un
influyente profesor de fotografía en la Academia de Arte de Düsseldorf,
donde conto con alumnos como Andreas Gursky y Candida Höfer.
Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 22
Sin título Cruz A1. Wallace Berman. 1970.
Conocido por los collage y trípticos realizados que comenzó a trabajar
en 1964, y cuya base es una fotografía de una radio en la que coloca
imágenes de verifax tomadas de la cultura popular y del mundo natural;
en este caso, una serpiente y un hongo. El verifax era un primitivo
procedimiento de fotocopiado, y Berman realzaba a veces los resultados
coloreando las imágenes a mano. Su arte, como el de Warhol en Nueva
York, se basaba en la idea de una conciencia nacional que de alguna
manera se mantenía unida gracias a imágenes populares
representativas. Warhol magnifico a Presley, Monroe y todos los demás
iconos, como si pertenecieran a un mundo aparte e inalcanzable. La
propuesta de Berman, en cambio, era que existe un banco de imágenes
de motivos menores que está bajo el control de un público que puede
elegir y recombinar estas imágenes para sí mismo. Berman, que fue el
editor de la revista de arte y poesía Semina entre 1955 y 1964, ejerció
una importante influencia en el arte que se desarrolla en Los Ángeles
durante la década de los 60.
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El hotel, habitación 44. Sophie Calle. 1983.
Estas fotografías tomadas en un hotel de Venecia en Febrero de 1983,
son imágenes documentales y estaban pensadas para exhibirse
conjuntamente. Muestran camas revueltas, equipaje a medio deshacer y
ropa tendida a secar: el contenido normal de habitaciones anónimas.
Calle había empezado a trabajar como camarera temporal y durante 14
semanas tuvo a su cargo doce habitaciones de la cuarta planta. En ese
tiempo tomo fotografías y notas sobre los hábitos de los huéspedes. Los
resultados, frutos de una vigilancia secreta, fueron publicados y
exhibidos. La autora tuvo especial cuidado de no proseguir sus
indignaciones, por lo que la identidad de los ocupantes permaneció en el
anonimato. La importancia del arte de Calle ha estribado en plantear
cuestiones acerca de qué es lo que nos interesa: la estructura ordinaria
de la vida de los demás, por ejemplo. Sus procedimientos
desapasionados y objetivos han ejercido una gran influencia en la
fotografía de la década de los 80.
Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 24
Autorretrato cabeza abajo nº7.
John Coplans. 2003.
Coplans tenía un cuerpo velludo y ese engrosamiento del cuerpo que
parece desarrollarse con la edad. Vista cabeza abajo, esta fotografía nos
recuerda a San Pedro, que fue crucificado así, y a los santos y apóstoles
martirizados que aparecen en las pinturas del artista barroco del S. XVIII
Caravaggio. La obra de Coplans suscita recuerdos de la pintura barroca
que representa el cuerpo como un pesado estorbo. Sus fotografías están
hechas sobre fondos neutros, y no son retratos, aun cuando muestren el
cuerpo del artista. Esto significa que pueden referirse a cualquier cosa, a
la experiencia personal, a las estatuas clásicas y los martirios de los
pintores barrocos. Pero sobre todo desvían la atención de lo social y de
lo personal. Coplans estudio pintura en Londres y fue cofundador de la
influyente revista Artforum en San Francisco en 1962. En 1980 se
traslado a Nueva York, donde empezó a dedicarse a la fotografía, y en
1984 comienza su serie Self Portraits.
Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 25
Tríptico nº77. Thomas Florschuetz. 1993.
Los orificios nasales no son simétricos y tampoco los labios. El modelo
parece estar sudando. Se nos invita a examinar la convincente evidencia
forense que se muestra, y mientras lo hacemos a centrarnos en los
labios, los orificios nasales, la piel, la barba y el aliento. Los pies parecen
haber sido separados súbitamente, quizá como reacción al grito emitido
por la voz. Las impresiones en color de Florschuetz de finales de la
década de los 80 y de la siguiente son de grandes dimensiones y
muestran fragmentos aislados del cuerpo y otros misteriosos primeros
planos que suelen ser más difíciles de identificar que los de este
ejemplo. El objetivo es llamar la atención hacia el tipo de cosas que
fácilmente se dan por supuestas: los procesos fisiológicos o la vida
misma. Como muchos de sus coetáneos de la década de los 9,
Florschuetz se ha evitado por evitar significados fáciles a los que puede
accedes la fotografía documental. Sus imágenes están hechas para ser
expuestas en galerías y provocar respuestas en el público.
Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 26
Yo construí una pirámide. Duane Michals. 1978.
Michals escribió que para construir una pirámide propia había que superar dos
dificultades: la primera, madrugar lo suficiente para llegar al lugar escogido
antes de que alguien lo ocupase; la segunda, elegir piedras suficientemente
buenas. La construcción de esta pirámide ha requerido cierta planificación
previa, pues la sexta y última imagen muestra una creación que complementa
los ángulos de las grandes estructuras que se alzan más allá. Michals deja aquí
su impronta ante la intemporalidad representada por las pirámides de la
antigüedad. Sus fotografías, que a menudo se agrupan en series como esta,
son una parábola de la fragilidad humana; las personas parecen desaparecer,
abandonando el lugar sin dejar huella. Michals comenzó a hacer fotografías
durante un viaje turístico en la Unión Soviética en 1958, y a mediados de la
década de los 60, se había consolidado como uno de los más convincentes de
una nueva generación de paisajistas sociales. A finales de esa década
comenzó a hacer secuencias, acompañando algunas de ellas con texto.
Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 27
Sin título Nº180. Cindy Sherman. 1987.
A primera vista parece un cadáver reciente, aunque en realidad no es más que
una máscara coloreada. Pero es preciso examinar los ojos para comprobarlo.
Pero si es mentira ¿por qué es realmente repelente? En casi toda la obra de
Sherman, pide al espectador que la acompañe, para participar en la farsa. Por
lo que hay que ser consciente de sus intenciones, que es provocar nausea o
asco. Por lo que es una artista conceptual que cree que los datos de los
sentidos deberían acompañarse con las palabras. Esto le lleva a presentar la
idea de repulsión con hechos melodramáticos.
Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 28
Autorretrato. Andy Warhol. 1986.
Mientras que un solo retrato puede sustituir a un conjunto de personajes, seis
ponen en entredicho la idea de representación. Warhol siempre sintió interés
por la idea de la mera apariencia, en la confianza de lo que se ve es suficiente
o todo lo que se puede saber. Sin embargo también reflexionaba sobre las
profundidades que hay más allá por lo que esta fotografía es en el fondo una
imagen romántica y trágica, deliberadamente taciturna. Su contenido espiritual
apenas cabe en el formato. El mensaje fundamental de Warhol es que las
penalidades de la vida podían manejarse mejor formalmente, de modo que su
contenido desagradable pudiera ser catalogado o dejado a un lado para su
consideración posterior. En su estudio, al que llamaba “The factory”, produjo un
flujo constante de pinturas, serigrafías y esculturas. También tomaba
fotografías continuamente, su libro de retratos de Nueva York titulado “Andy
Warhol Exposures” causo un gran escándalo cuando fue publicado en los 90.
Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 29
Trípticos de extraños. Adde Adesokan. 2000.
El fotógrafo alemán Adde Adesokan utiliza el lenguaje del tríptico para realizar
retratos de extraños. Adesokan hizo de la fotografía de calle un trabajo y una
pasión. En esta oportunidad, el fotógrafo creó un proyecto llamado “Triptychs of
Strangers” que consiste en crear trípticos con personas desconocidas de las
calles. Este estilo es común en las pinturas y se construye por la división de la
imagen en tres partes. Así, al abordar las personas en la calle, Adde realiza
tres fotos del cuerpo de cada una de ellas, para después unirlas en un único
cuadro.
Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 30
4. Análisis Comparativo.
Son, como he mostrado, diversas las influencias, pero por supuesto
marcando mis propias diferencias. Pues la denuncia social es una de las
temáticas más reconocidas en la fotografía desde los inicios de esta. Y a
eso hay que añadirle, que como ya hemos oído en muchas conferencias
de fotógrafos sociales y no sociales, todo está inventado, solo cabe
destacar el propio punto de vista de cada uno, que es lo que va
marcando tu camino en la trayectoria como fotógrafo.
He usado el formato tríptico, como miles de fotógrafos a lo largo de la
historia, pero yo sobretodo quería hacerlo, para mostrar las acciones y
sus posteriores consecuencias, y creo que de esta manera tan
secuencial se expresa mucho mejor. A pesar de ello, hemos observado
que la mayoría de fotografías secuenciales, suelen marcar una línea de
tiempo y esa suele ser su finalidad, en mi proyecto, dichos trípticos, no
están realizados para marcar ni describir ninguna línea de tiempo, es
sobre todo la idea de ACCION=CONSECUENCIA.
Observando los trabajos de estos fotógrafos sociales, también caes en
la cuenta, de que si, está todo hecho, pero el contraste es brutal, porque
aunque parece lo mismo, si lo analizas, cada uno ha sabido aportar a la
perfección su propia visión, que sabe y destaca por ser diferente a las
otras, como la mía, en la que profundizare a continuación, en el
siguiente punto.
Otra de las grandes diferencias entre mi trabajo y el de mis influencias
principales, es que la mayoría de las fotografías que he mostrado
anteriormente, están tratadas en blanco y negro, independientemente de
la aparición del color en la película sensible. Yo en cambio, he preferido
aportar el color.
La idea que más se parece a la mía tal vez, es la del fotógrafo alemán
Adde Addesokan. Encuentro miles de similitudes entre su trabajo y el
mío, pero se establece también una gran diferencia, esta es dos puntos
de vista diversos. Mientras que el opto por hacerlo con desconocidos, yo
lo centre mas a una clara denuncia social, usando como personajes
principales a vagabundos, que como ciudadano, te cruzas cada día.
Pero es entonces, llegados a este punto, cuando se plantea una difícil y
delicada cuestión ¿Se les debe tratar como diferentes? Evidentemente,
desde el punto de vista de mi proyecto, este trato “diferente” se lo he
dado. Pero no con mala intención, ni como una exclusión hacia ellos, al
contrario, el mensaje es totalmente positivo, es una manera de decir
“Date cuenta de lo que tienes a tu alrededor”, no lo pases por alto.
Mientras que Adde Adesokan muestra en sus trípticos los complementos
de completos desconocidos incluso dando un toque cómico, pues ha
dado diferentes focales a cada fotografía y al unirlos asemejan a
enanitos y hasta tiene un punto cómico. En cambio, yo me centro en la
Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 31
mirada, vestimentas y sobretodo sus manos, que piden o tocan algún
instrumento para ganar una moneda. La cosa cambia totalmente.
Otra gran diferencia establecida es, la reflexión que mando al final con
mi propio autorretrato pidiendo y sobre la cual reflexionaremos a
continuación, solo adelanto, que siendo el prototipo de “chica normal” del
que estamos hablando, podría ser en realidad una vagabunda mas y
quien no me conozca y viese la tira de doce imágenes podría llegar a
creerlo, de hecho, no le cabria duda de que lo soy.
Se podría decir entonces, que me he nutrido de miles de autores, pero
he querido, como cada uno de ellos con sus obras, darle mi propio trato,
mi esencia y visto, vivido y experimentado desde mi experiencia y mi
perspectiva. Pero por supuesto, de lo que no cabe duda, es que dichas
influencias son más necesarias de lo que creemos para nutrirse,
empaparse y crecer como fotógrafos. Haciéndolo de esta manera, te das
cuenta y aprendes una gran lección, y es que las influencias no están
para ser copiadas, sino, como la palabra dice, para dejarte influenciar,
hacerte tu propio camino y crecer, saber qué es lo que quieres y que es
lo que no quieres, lo que te gusta y lo que no te gusta, a las pruebas nos
remitimos, pues nada tienen que ver los trabajos de unos artistas con
otros ni de estos conmigo, tratando siempre la misma temática. Si, no
cabe duda, es una denuncia, una fotografía social, pero esta está hecha
con mis ojos, con mis manos y con mi corazón, que es, según mi punto
de vista, el esqueleto de toda buena fotografía.
Cuando establezco influencias artísticas e influencias técnicas, no quiero
decir que de las secuencias mostradas en ellas, no me haya nutrido
también artísticamente, pues de algunas como la de Andy Warhol entre
muchas, he visto necesario también, como él en su día y como lo
justifica, hacerlo de manera tríptico.
Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 32
5. Descripción del proyecto.
Mi proyecto personal consiste en doce composiciones trípticos, un total de
treinta y seis fotografías, con una clara clasificación de fotografía social y una
clara intención de denuncia social, mandando también un mensaje de reflexión
a la sociedad, invitándola a meditar acerca de lo que sucede a su alrededor.
Las influencias mencionadas arriba han sido un claro combustible para mi
realización personal del proyecto. Y a través de todas ellas, he ido creando mi
propia foto semilla para obtener este resultado en el proyecto personal. Ha sido
muy importante también en el proceso de decisión, el nutrirme de las
experiencias de fotógrafos a los que he tenido el placer de conocer en las
distintas conferencias organizadas en la EASD. He de nombrar sin duda a
Óscar Molina y los valiosos consejos que nos brindo durante su visita.
Consejos que por supuesto he tenido que poner en marcha durante este difícil
proceso. Hablo, por ejemplo, de la respiración creativa, pues esta es muy
necesaria en aspectos tan “aparentemente sencillos” como la elección del título
de mi obra. Por lo que la experiencia indirecta es casi tan necesaria como la
directa.
En cuanto a experiencia directa, he de decir, que este proyecto, por fin llevado
a cabo, es algo que ronda mi cabeza desde hace mucho tiempo. Mucho antes
incluso de tener mi cámara o de plantearme y decidirme por la fotografía como
mi futuro. Pues siempre que caminaba y camino por la calle, me han llamado la
atención cruzarme con estos personajes, tan diferentes a mí, los cuales seguro
alguna cara os resulta familiar. Y cuando los miro, me vienen a la cabeza miles
de curiosidades, preguntas que les haría y de qué manera podría yo blindarles
importancia, dándoles protagonismo de algún modo, dejarlos hablar y darse a
conocer. Por supuesto, cuando todo esto asaltaba en mi interior, no se me
pasaba por la cabeza, que desembocaría en mi proyecto personal de primero
de Fotografía Artística.
Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 33
Centrándonos más en mi proyecto en sí, comencemos a analizar las imágenes
para entender su finalidad:
La primera fotografía de cada composición es un retrato en plano detalle del
rostro, donde me centro sobretodo en la mirada. Siento pasión por la gente y
fascinación por sus rostros. El retrato trata de expresar el carácter de una
persona y sobre todo de ubicar al “modelo” en la jerarquía de su mundo, social
y físicamente, al mostrarnos su estatus, autoridad e importancia. Ofrezco con
esta primera foto de la composición, una visión profunda de la persona, más
allá de los detalles de su apariencia, porque creo que con estas fotos estoy
revelando aspectos desconocidos de su personalidad. Necesitaba algo más
que una persona situada delante de la cámara, no por encuadrar y disparar iba
a tener un retrato porque no quería solo revelar sus facciones y vestimentas,
sino que buscaba un estado de ánimo, una expresión, y eso fue lo complicado,
el buscar mas allá, el penetrar en su mirada, introducirme en su alma. Esto fue
muy complicado para mi, fueron muchos días previos a la toma fotográfica,
días en que les llevaba comida y hablaba con ellos, de su situación, y poco a
poco me iba adentrando en su mundo y ganando su confianza. Y así con
paciencia y “buena letra”, llego el día de la toma en la que solo les decía: “solo
quiero que me mires a la cámara”. Sinceramente, estoy contenta con el
resultado de las miradas, porque creo que todas y cada una de ellas hablan por
sí solas.
En la segunda imagen, siempre aparecen unas manos, es por tanto un plano
detalle de estas personas. Y ¿Por qué las manos? Porque para mí, junto a los
ojos, es una de las partes del cuerpo que mas dicen de una personalidad y
también porque son muy necesarias para el ser humano y sus actividades
diarias. Los retratos más reveladores de la historia se han creado examinando
detalles del modelo (p.e. las manos de pintores). Pretendo, representando las
manos, dos cosas. Por un lado revelar el estatus de la persona y por otro,
hacernos meditar sobre su posición social, sobre su “trabajo” que es pedir por
necesidad, porque no tienen las mismas oportunidades que nosotros, en
muchos casos. Por ello, ajuste el objetivo buscando profundidad y con un foco
total hacia sus manos.
La tercera imagen es una alternación entre pan y agua. La comida y la bebida,
ha sido desde siempre lo básico para la supervivencia del ser humano, y dentro
de ello, lo más básico ha sido el agua y el pan. Lo único que verdaderamente
ha necesitado el hombre para vivir y realizar sus tareas cada día. A lo largo de
la historia, sin darnos cuenta, hemos ido evolucionando y creando necesidades
hasta ahora inimaginables, como coche, peluquerías, restaurantes, ocio…etc.
Materialismo en muchos casos. Invito entonces a la reflexión, a desprendernos
por un momento de lo innecesario y a preguntarnos si verdaderamente muchos
de nuestros gastos son una necesidad vital porque la vida ha cambiado y
surgen otras necesidades o simplemente producto de una sociedad cada vez
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más consumista. No creo que a estas personas les preocupe cual es el color
de la temporada o su cita con el peluquero. Tampoco quiero con esto realizar
una autocritica, ni sentirnos culpables por el hecho de vivir con unos medios y
una sociedad más acomodada de la que yo formo parte. Si no al contrario,
sentirnos afortunados por ello y así disfrutarlo más, dejando a un lado las
banalidades y preocupaciones innecesarias. Alegrarnos por vivir la vida que
nos ha tocado vivir y disfrutarla al máximo, incluyendo los pequeños detalles
que casi no apreciamos, como tomar una cerveza al sol. Valorar y apreciar el
tesoro que tenemos.
La ultima fotografía, es mi propio autorretrato. Por un lado, otra invitación a la
reflexión ya comentada. Por otro, una mención acerca de la veracidad de la
fotografía y la manipulación existente desde la llegada de la “era digital”, un
fenómeno a debate que pone en duda la veracidad de la imagen, debate del
que podría escribir paginas. Mi autorretrato es también una paradoja, el
fotógrafo fotografiado. Saber que se siente cuando te fotografían tan cerca, casi
entran en ti. Saber que se siente cuando eres el protagonista, ponerme por una
vez, en el lugar de estos once protagonistas de mi proyecto. Mostrarme como
una extraña ante mí misma, me hizo sentirme atraída hacia esta ultima toma.
Esperar una intimidad inmediata y decirme a mi misma como tenía que
ponerme ante la cámara, me pareció de lo más atractivo. Encontrar en mi
rostro, la complicidad que buscamos en la persona cuando realizamos un
retrato. A menudo, los fotógrafos se muestran reticentes ante la cámara,
todavía no sabemos bien porque, y es una lástima, porque el autorretrato
ofrece descubrir aspectos de nosotros mismos, que tal vez de otra manera
desconocemos. Es también una motivación por el deseo creativo, una firma, un
proceso de autodefinición, afirmo en el mi identidad creativa y proporciono al
espectador, una vez que este ha descubierto que no soy una vagabunda mas,
una pista para que entienda mi trabajo y mi ambición.
El formato tríptico secuencial, es también toda una declaración de intenciones.
Un acto, equivale a una consecuencia. Además, creo que es desconocido por
muchos el poder que tienes las imágenes planteadas de esta manera, pues
estimula mucho mas la vista, es más intenso y se usa como un boli, narras una
historia invisible “no te cuento nada, saca tus propias conclusiones y
compártelas”. Mi intención es recrear de manera poética, algo que ocurre todos
los días.
No existen en este proyecto esquemas de luz, pues todo ha sido realizado con
luz natural en los retratos, en días soleados y por la tarde, excepto la mía. En
cuanto al pan y al agua, me gustaba la luz nostálgica que entraba por la
ventana de mi cocina al mediodía.
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He buscado durante todo el proceso la naturalidad, tanto en iluminación como
en revelado, que ha sido en lightroom, buscando el realismo en toda su
esencia, por lo que a la imagen en general he variado el contraste, brillo y
claridad de manera homogénea en todas las fotos, ya que es una tira y no
puede haber diferencias entre unas y otras. Y en cuanto a la mirada y las
manos, con el pincel corrector he aplicado de manera precavida algo de brillo,
saturación, exposición, luminancia y contraste, para en la mirada, resaltarla un
poco, y en las manos aplicar más textura a la composición de esas manos
sucias.
Las doce imágenes están sobre un fondo negro, que a mí me transmite
solemnidad, elegancia y al mismo tiempo sencillez y neutralidad. No quería que
el fondo afectase a las imágenes, que pudiese este distraer al espectador de su
análisis.
El enfoque que le daría a este proyecto sería el de una exposición fotográfica,
sacando las fotos en A4 (como las he presentado) y sin marco, para no
distraer, buscando la belleza de lo sencillo y ningún elemento que distraiga.
Poder mostrarle al espectador mi fin principal.
A modo anecdótico, diría que lo más complicado fue la realización de las fotos
en sí, pues encontrar a once vagabundos reales que quisiesen posar para mí,
fue mucho más complicado de lo que había pensado en un momento. Me dio la
sensación de que muchas de las personas que piden, pertenecen a mafias,
porque no consentían ni un acercamiento inicial en cuanto me veían aparecer
con la cámara. Por otro lado, la mayoría no hablaban mi idioma, y
comunicarme con ellos y explicarles él porque me resultaba a veces imposible.
Uno de los motivos por el que me reservare la identidad, nacionalidad y edades
de ellos. Viendo que el asunto iba a ser complicado, decidí ir unas tardes antes
a conocerlos un poco mejor, por lo que preparaba sándwich y bocatas e iba en
su búsqueda. Tuve que hacer muchos sándwich y también arrojar muchas
monedas.
Las imágenes están compuestas por nacionalidades muy diversas y varias,
desde españoles a serbios e incluso chinos, porque la verdad buscaba
diversidad, para hacer la composición en general más dinámica y así también
las fotos ganasen intensidad y el mensaje peso.
Algunos, como el alemán Jan, se mostro amable y educado durante todo el
proceso, pero solo me pidió que no quería que sus manos apareciesen
pidiendo, porque le daba vergüenza. Este hecho me emociono y enterneció
bastante.
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En general, la experiencia ha sido una de las mas contradictorias de mi vida,
dura y gratificante a la vez, intensa pero tierna y sobretodo os invito a la
reflexión, porque a mí me ha hecho reflexionar. Creo que todo este bombardeo
de emociones que he sentido realizando mi proyecto se respira en las
imágenes finales, de las cuales me siento muy orgullosa.
Espero que cada una de las fotografías se disfruten y sientan, tanto como lo he
disfrutado y sentido yo.
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6. Documentación Gráfica.
Adjunto en este apartado, lo que podría denominarse tomas falsas. En realidad,
me gustaban tanto como las otras, pero por ejemplo, me quise centrar en las
manos y no en los carteles en la mayoría de los casos, por lo que aquí están
para que se vean.
No hay disponibles esquemas de composición de luces, ya que he prescindido
de todos ellos para las tomas, buscando luz natural.
Hemos ido solo mi cámara y yo, y he de agradecer la compañía a ratos de un
gran amigo, que lo ha hecho todo más llevadero y sencillo.
Pruebas con Lightroom y Photoshop
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Un descanso y una sonrisa por favor, que hace mucho calor
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7. Bibliografía.
WEBS CONSULTADAS:
- Sdelbiombo.bloggia.com
- Slideshare.com
- Nodulo.org
- Sigojoven.com
- Tiempossalvajes.org
- Lacomunidad.com
- Wikipedia
LIBROS:
- Historia del Arte. John Assel. TASCHEN.
- EL ABC DE LA FOTOGRAFÍA. PHAIDON.
- Fotografía de la A a la Z. Hans-Michael Koetzle. TASCHEN.
- Fotografía. John Ingledew. BLUME.
- Otra manera de contar. John Berger y Jean Mohr. BLUME.
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