MUY TEC

Diseñada y Realizada por:

Marlen ValenciaWendy Michel Gisela Acevedo Adrián Martínez

Leonardo Negrete Licea

José de los Santos Carvajal

Entrevista: Daniel Peixe, de Walt Disney Animation Studios

Imagino que como mucha gente de este mundillo, desde muy pequeño sentí mucha curiosidad sobre cómo se hacían los dibujos animados. Recuerdo que de pequeño era un niño muy curioso y preguntaba mil cosas a mis padres sobre el tema, no veía normal que esos dibujos se movieran y estuvieran “tan vivos”, ¡tenían que ser creados por alguien!

Mi insistente curiosidad me llevó a llenar los libros de la escuela de pequeños dibujos y bocetos. Ya en la adolescencia, llegó a mis manos un libro de Raúl García, explicando, en español y con todo lujo de detalles, cómo se hacían los dibujos animados. A partir de ese momento,

el dibujo y la animación forman una parte destacada de mi vida.

En un pequeño estudio de Palma de Mallorca tuve la oportunidad de comenzar profesionalmente, concretamente para un proyecto de serie para televisión.

Estuvimos trabajando en un tráiler promocional para la serie “Honderos” que nunca llegó a producirse. Realizar el tráiler conllevaba infinidad de retos para un grupo muy reducido de animadores, jóvenes y con cero experiencias. Fue algo muy intenso y emocionante a la vez.

Recuerdo que pusimos un anuncio, en un periódico mallorquín, buscando gente que le gustara la animación tradicional y tuviera interés en participar en el proyecto. Yo me encargué de poner una prueba a la gente que respondiera al anuncio, y de seleccionar a los posibles candidatos. ¡Era algo de locos!, ¡YO!, que apenas había empezado en esto, ¡ya ejercía de Supervisor!

Al final fuimos un grupo de 3 animadores, haciendo la mayoría de la animación principal. Luego se contrató más dibujantes para la asistencia, “clean-up” e “in and paint“. También tuvimos que hacer mogollón de dibujos conceptuales para completar la “Biblia de Estilo” de la serie.

En esa Biblia se incluía también las hojas de modelo de cada personaje,

La vocación es una clara constante para todos

aquellos que se dedican a la animación. ¿En qué

momento fuiste consciente de ello?

¿Cómo fue tu evolución hasta tu primer trabajo

de animación?

¿En qué consistía

ese primer

trabajo?

las sinopsis de cada capítulo y la guía general de diseño, incluyendo logotipos, tipografías, etc. Fue un trabajo muy duro, donde los 3 tocamos diferentes áreas de la producción y aprendimos mucho de la experiencia. También trabajaron duro el diseñador de personajes, el guionista y nuestro productor.

Al final todo el esfuerzo fue en vano, la serie no llegó a ser comprada en los diversos festivales donde se presentó, pero bueno, creo que nos sirvió a todos para aprender mucho de la profesión. Además, mientras hacíamos ese trabajo tuvimos pausas para realizar pequeños anuncios de animación para empresas locales, que suponían un soplo de aire fresco y para poner a prueba lo que habíamos aprendido.

Allá por el año 1999, la escuela de Bellas Artes de Palma de Mallorca me concedió una beca para estudiar en el extranjero algo relativo a mis estudios de ilustración que recientemente había finalizado.

Así que decidí llevar mi interés por la animación más lejos e ingresé en un programa de estudios de 6 meses impartido por la London Animation Studio. Allí fue donde realmente comencé a formarme profesionalmente, ya que, por primera vez , una persona con mas de 20 años de experiencia en la animación me daba autentica teoría y practica

sobre el tema. En el proyecto de “Honderos“, estábamos todos muy “verdes”, trabajábamos por pura intuición, teníamos algún que otro libro por ahí en ingles con teorías y mecánica de la animación. Pero no es lo mismo cuando alguien te lo explica en persona , te corrige y te pone ejercicios muy concretos.

Gracias a mis trabajos en aquella escuela y a unos contactos, conseguí entrevistarme con Ulimeyer, el dueño de uno de los estudios más antiguos y respetados de la animación en Londres.

Muchos me decían que para llegar a animar en ese estudio, debías pasar antes por un largo periodo de asistente de animador. Yo debí “caerle en gracia”, porque recién salido de la escuela, me dio la oportunidad de animar un plano de “Nesquik“.

Fue algo muy curioso y surrealista para mi el trabajar en aquel anuncio, tenía a mi lado a un señor con 20 años de experiencia pasando a limpio mis dibujos!!! Fue un sueño hecho realidad, sentarse en una auténtica mesa de animador de madera barnizada, muy bonita, como las de aquellos viejos documentales de Disney, con los que yo babeaba tiempo atrás, y trabajar dibujando a un personaje tan conocido como “Quicky“, el conejo de Nesquik.

Pero poco después llegó tu salto a Londres.

¿Cómo fue?

¿En qué proyectos participaste?

Pues estuve en dos anuncios de Nesquik, y luego otro de “Ugi” (unos cereales israelíes). Luego participé en un proyecto de serie para TV “Fred Bastard“. Más tarde el estudio se pasó al 3D con Maya y participé en una serie de 7 anuncios para la cadena de televisión digital SKY de Reino Unido. Además de otros trabajos varios, como hacer

la animación de su página web, hacer dibujos clave para anuncios, etc. Recientemente he trabajado a distancia para él en un anuncio de “Domestos“.

¿Cómo era la metodología de trabajo?En Ulimeyer el método siempre ha sido puramente de animación tradicional, hasta que el estudio comenzó con el 3D. Uli contrató a un par de técnicos expertos en Maya y ellos establecieron el pipeline o método de trabajo. Al ser un estudio pequeño a veces era un poco caótico, debido a lo “verdes” que estábamos todos con el 3D, pero con mucho trabajo, se consiguió.

Usábamos Maya y referencias de animación de tal manera que el animador trabajaba solamente con las curvas de animación, y el modelador/rigger podía actualizar el personaje en caso de que diese problemas. Para el render se usóMental Ray, la composición con Combustion y la edición con Avid.

¿Qué sacaste en claro de esta primera experiencia?Para mi trabajar en Ulimeyer ha sido la mejor escuela que he podido tener. El señor Meyer, habiendo trabajado en “Quién engañó a Roger Rabbit” con Richard Williams, en “Space Jam“, “Mickey´s Runaway Brain” entre otras maravillas, es toda una eminencia en el mundillo de la animación y aprendí mucho con él. Ademas, la gente que le rodeaba,

¿En qué proyectos

participaste?

creaban un ambiente artístico único y aprendíamos constantemente unos de otros.

¿Cuál fue el siguiente paso en tu carrera profesional?Entre otros estudios de Londres, hice trabajos para Cartoon Network como animador 2D usando Adobe Flash. Y también como diseñador de personajes para un proyecto musical “VBirds“.

¿Qué diferenciaba el trabajo realizado en Cartoon Networks con lo que hiciste anteriormente?Cartoon Network en Londres era básicamente una oficina muy grande, llena de oficinistas, productores, creativos, publicistas, etc., pero apenas tenían artistas o animadores, se les contrataba temporalmente para proyectos puntuales destinados solamente a la versión local de Cartoon Network.

Las series famosas se realizaban todas en EE.UU. El ambiente de trabajo, al ser una multinacional, no tenía nada que ver con mis experiencias anteriores. Pero bueno, me lo pasé bien haciendo algunos proyectos en los que me dieron libertad creativa total: desde el storyboard hasta la animación final, yo controlaba todo el proceso de unos pequeños anuncios que me encargaron.

También tuve la oportunidad de animar a “Mojo Jojo!” el mono malvado de las Supernenas!!!Tu etapa en Cartoon

Networks finalizó cuando llegó a tu conocimiento

que buscaban animadores para la película de

animación ¨Valiant¨, de Gary Chapman para Vanguard Animation.

¿Cómo lograste entrar?

Lo cierto es que me costó bastante.

Yo no tenía experiencia en películas,

tuve que pedir referencias

a Ulimeyer, y también me ayudó

mucho mi colega Leo Sánchez, que

ya era modelador en el proyecto. Yo

estaba algo desanimado con el tema

y quería irme de vuelta para España.

Encontré un estudio que pintaba bien

en Barcelona, “Liontoons“. Estuve a

punto de entrar pero Vanguard Animation me hicieron la oferta y

acepté quedarme en Londres un año

más.

¿Cuál fue tu labor en Vanguard Animation?Entré como animador. Durante un año completo tuve la oportunidad de trabajar con casi todos los personajes de la película, pero en mi equipo estuvimos trabajando especialmente con los hermanos gemelos “cachas” y tontos. En esa película quedó patente mi facilidad para llevar a cabo los planos cómicos y los supervisores se dieron cuenta de ello, así que me asignaron casi siempre ese tipo de planos. La verdad es que es el tipo de animación con la que mejor me lo paso, así que yo encantado!

Era tu primera película de animación 3D. ¿Qué fue lo más traumático?12 meses era poco tiempo para hacer 1 hora y media de animación con un

equipo de 30 personas. Los horarios y los tiempos de entrega fueron lo más duro. Por suerte, el estudio trataba de compensarnos todo lo posible. Fue una buena experiencia en general.

¿Qué tipo de compensaciones?En Vanguard tenían la política de tratar bien a los empleados siempre que fuera posible. Nos organizaban “picnics” o barbacoas en algunas ocasiones :-)

Cada viernes hacían una proyección en pantalla grande de los progresos de la película, lo llamaban “weekly“, y todos estábamos invitados a verlo y a tomar unas bebidas por cuenta de la empresa. Molaba mucho, ponían un cubo enorme lleno de agua con hielo y bebidas frías.

Era una manera genial de conectar con el resto del equipo y hacer algo de vida social. En estudios así tan grandes, con mas de 200 empleados, el trato se hace muy “frío” con la gente, a veces el contacto se reducía al e-mail. Los viernes teníamos esa ocasión de liberarnos de las tensiones del curro y conocernos mejor entre nosotros.

¿Qué retos suponía para ti la animación de este proyecto?Los pájaros de “Valiant” eran muy “humanizados” así que tenían como 2 modos de movimiento muy marcados: uno cuando estaban volando y otro muy diferente al estar de pie en el suelo. En el primer caso, se intentaba que el aleteo fuera lo más parecido

posible a un palomo real, en el segundo, el personaje debía ser más humano. Lo realmente complicado era cuando pasar de uno al otro!!!

¿Qué software se usó en esta producción?Trabajamos con Maya durante toda la producción. Se usó RenderMan para el render final y Houdini para el plumaje. Para los efectos especiales no recuerdo exactamente con qué software se realizaron, pero sí recuerdo que contábamos con muchos plugins de creación propia. En especial “Chanko“, un editor genial de librerías de animación, muy cómodo cuando había que animar muchos pájaros en una sola escena.

¿Qué metodología de trabajo sueles seguir a la hora de animar?Ya sea en 3D o en 2D intento siempre tener toda la información que necesito sobre el plano en cuestión. Para ello hago muchas preguntas al director del proyecto hasta que lo tengo todo muy claro. Luego empiezo a dibujar ideas y conceptos, simplemente poses muy generales del plano. En algunas ocasiones, me grabo con una cámara para ver las diferentes opciones.

La siguiente fase es mostrar esas ideas al director o a los compañeros. Pero para ello tienen que estar bien presentadas visualmente. Es lo que llamamos el blocking, ya sea en dibujo animado muy básico o en 3D, se ponen esas poses a lo largo del tiempo, y se juega con el tiempo que hay entre pose y pose, hasta que

consigues un ritmo que te gusta. En esta fase se supone que cambiar las cosas es fácil y no supone mucho trauma, así que trato de abrirme totalmente a las opiniones de los demás.

Una vez ese blocking está aprobado por el director viene “el momento de no retorno”, que no es otro que el de pulir la animación y añadir detalle poquito a poco de mayor a menor, comenzando por el centro de gravedad, la columna vertebral, las extremidades, la cara, etc.

Una vez la animación general del personaje está pulida, me pongo con todo lo considerado “secundario”, como la acción de las plumas en “Valiant“, o el movimiento de las correas del casco.

¿Qué aprendiste de esta experiencia en Vanguard Animation?Aprendí mucho en aquella producción. Era la primera vez que me enfrentaba a un proyecto de larga duración. El día a día presentaba muchos retos que antes no había experimentado. Además allí aprendí cómo funciona toda la producción de un largometraje de animación.

Lo siguiente fue ingresar en el equipo de producción de la película “Happily N’Ever After”. ¿Qué destacarías de esta película?

Esta fue una película difícil ya que el presupuesto estaba muy ajustado,

como en “Valiant“, pero además de eso, el equipo de animación estaba dividido en 3 ó 4 diferentes estudios repartidos entre Canadá, Australia y Berlín. El equipo de rigging, tampoco estaba bajo nuestro mismo techo, con lo cual era un poco caótico a la hora de tener una buena comunicación y resolver problemas. Más tarde se contrataron riggers en el propio estudio de Berlín para que nos pudieran echar un cable a los animadores.

Mi labor allí fue la de animador de personajes, durante 8 meses. Los diseños conceptuales de la película eran muy atractivos pero el resultado final no fue todo lo bueno que se esperaba. No es la película de la que esté más contento, muy floja a nivel de historia, dirección y animación. Una pena.

También estuviste implicado en la pre-producción de “Toy Story 3″, ¿qué pasó, cuál iba a ser tu labor en el proyecto?Fui contratado como animador para “Toy Story 3” durante unas sesiones de reclutamiento que Disney hizo en Londres. Me hizo mucha ilusión, pero más tarde, cuando faltaban unos meses para incorporarme, Disney compró Pixar y Lasseterpasó a ser Director General de Walt Disney Feature Animation. Su primera decisión fue cancelar la producción de “Toy Story 3“, para que la pudieran realizar en Pixar con sus guionistas originales.

Después de una buena temporada trabajando en el extranjero, Keytoon Animation Studio provocó tu regreso a España. ¿Cómo fue el contacto?Durante un viaje de visita a un amigo en Valencia, éste me presento a los dueños de Keytoon Animation Studio. Y al visitar su estudio y ver lo que hacían, me quedé muy impresionando por su talento y su ambición. Por aquel entonces yo estaba convencido de que iba a ir a “Toy Story 3” y recuerdo comentarles que “si no fuese porque voy a Disney, me encantaría trabajar para vuestro estudio”. Más tarde se canceló lo de Disney y cumplí con lo que dije. Les llamé y ellos estuvieron encantados de tenerme como parte del equipo. Así que me mudé a Valencia.

¿En qué producciones trabajaste?Me encantó trabajar en Keytoon, allí el ambiente fue siempre muy relajado y divertido, tuvimos varios trabajos importantes, algunos para Disney Channel España, otros para empresas como Mattel, Wildbrain y Big Idea. Pero quizás el más divertido fue el cortometraje “The Grandfather of Soul“, dirigido por Jaime Maestro, uno de los por aquel entonces socios del estudio.

Mi labor con ellos fue la de Supervisor de Animación.

¿Qué me puedes contar la idea original y del proceso de creación del cortometraje de “Grandfather of Soul”?

Desde que yo entré en el estudio, Jaime tenía la ambición de realizar un cortometraje con su personaje, el Dr. Maxwell, que ya había hecho aparición en otras demos y cortos de Keytoon. Pero esta vez, él quería hacer algo mas ambicioso, con una historia mas elaborada.

Estuvimos desarrollando storyboards para una historia, pero vimos que se nos hacia demasiado larga y el estudio necesitaría una inversión enorme para poder realizar el corto. Así que Jaime pensó que sería divertido hacer un pequeño vídeo musical con su personaje bailando de forma graciosa con la canción “I Feel Good” de James Brown.

Tenía tan clara que esa idea funcionaría que se grabó a si mismo e hizo un montaje con la canción. Cuando vimos el montaje, ¡el resto del equipo nos partimos de la risa! y nos pusimos en marcha con la producción convencidos del potencial del corto. Se hicieron multitud de bocetos y diseños para el look general del corto y el diseño de la habitación esa “viejuna” donde el personaje baila.

Aunque la idea general era graciosa, yo estaba convencido de que faltaba un final o algún golpe de efecto para acabar el baile de alguna manera. Así que presenté a Jaime mi idea, que consistía en que el personaje mientras bailaba, estaba destrozando

poco a poco ese salón de la casa de su madre. Así que, después de destrozar el fonógrafo de una patada, aparece su madre y obviamente se cabrea con él y sin decir ni “mu” le castiga a su habitación, dándole una buena “colleja” al salir.

Presenté esa idea con una animación 2D muy básica y gustó mucho. ¡Así que nos pusimos manos a la obra en la creación de ese segundo personaje que era la madre!. Básicamente era la misma geometría que el Dr. Maxwell, solo que escalando sus proporciones y ¡poniéndole rulos!.

En fin, fue divertido poder trabajar en algo en lo que yo había aportado más que simplemente la animación. Al colgarlo porInternet la respuesta fue muy buena y nos sentimos realmente orgullosos de aquello que habíamos parido.

¿Y del proyecto “Alma” de Rodrigo Blaas?

Resulta que en Keytoon ya conocían a Rodrigo por medio de unos contactos comunes. Y al parecer Rodrigo tenía desde hace tiempo la idea y el storyboard para un corto llamado “Alma“. Así que propuso a los dueños de Keytoon realizar el corto dentro del estudio, incluso Rodrigo se desplazaría a Valencia durante unos meses para poder dirigir a los artistas más de cerca. Y así se hizo, tuvimos el privilegio de trabajar “bajo la batuta” de uno de los mejores animadores de Pixar.

Incluso tuvimos el lujo de poder contar con charlas presenciales de algunos compañeros suyos en el estudio de Valencia. Fue un autentica inyección de motivación e inspiración poder trabajar en ese corto que ahora está cosechando premios, como el “Best Animation” en LAShorts Fest y la Mención Especial del Jurado en Siggraph 2009.

Fue un proyecto muy bonito y complicado al mismo tiempo, ya que me di cuenta de lo mucho que me falta por aprender, lo pasas mal repitiendo y corrigiendo las cosas, pero te das cuenta que poco a poco vas superando esas dificultades. A mi siempre me ha costado mucho hacer planos de animación sutiles, con pequeños movimientos casi imperceptibles, pero naturales… puede que “Alma” sea el trabajo más fino y sutil que ¡yo haya hecho hasta la fecha!

Pero todo esto pertenece al pasado y hasta hace bien poco eras uno de los Supervisores de Animación de Ilion Animation Studios. ¿Cómo contactaste con ellos y qué causó el cambio?En Keytoon hubo una pequeña crisis de clientela y no hubo más remedio que abandonar el estudio y buscar alternativas. Estuve en contacto con amigos que trabajan en EE.UU., para preguntar dónde podían buscar gente

y mandé mi reel a varios estudios , incluso viajé al Siggraph aquel año pero sin mucha suerte. Así que me puse en contacto con un amigo mío de “Happily Never After“, que pasó a ser Jefe de Producción en Ilion Animation Studios y me comentó que el proyecto estaba ya en marcha y que necesitaban animadores.

Fui a visitarles y me enseñaron las pruebas de animación y los nuevos personajes que habían desarrollado. Quedé impresionado. Así que acepté el trabajo sin dudarlo.

¿Hay mucha diferencia en el flujo de trabajo de Ilion Animation Studios con, por ejemplo, Vanguard Animation?En Ilion Animation Studios estaba todo muy bien estructurado y pensado, pero se notaba una falta de experiencia general que no había durante la producción de “Valiant“. Sobre todo a nivel de planificación de producción, tiempos, entregas, etc.

¿En qué consistió tu labor en Ilion Animation Studios?Durante la producción de “Planet 51” me ofrecieron el puesto de Lead de Animación. Eso significaba supervisar el trabajo de hasta 8 animadores en ocasiones. Asegurarme que los personajes mantenían una consistencia durante la sucesión de los diferentes planos, tanto a nivel de acting como de calidad de animación. Así como vigilar los tiempos de producción, fechas de

entrega, etc. de cada animador. Todo eso además de animar mis propios planos, asistir a reuniones diarias, etc. Era algo agotador.

¿Qué nos puedes decir de tus ex-compañeros de Ilion?Pues hemos llegado a ser casi 40 animadores, contando gente de Fix Animation y Crowd (multitudes, extras, etc.).

Además había cierta diversidad de nacionalidades: alemanes, italianos, franceses, estadounidenses, etc. Fue genial trabajar con un grupo de personas tan diverso. Fuera del trabajo solíamos quedar bastante con los que venían del extranjero para realizar excursiones y que vieran un poco España :-)

Llegué a hacer muy buenas amistades allí, además de las que ya tenia, ya que mucha gente que estaba en el proyecto ya los conocía de otros estudios.

¿Qué me puedes destacar del apartado técnico de “Planet 51″?En Ilion Animation Studios usábamos 3ds Max 8 para toda la producción, aunque había un equipo bastante bueno de programadores y desarrolladores de herramientas que transformaban por completo el programa para adaptarse a las necesidades de cada departamento.

La simulación de tela era bastante compleja y en ocasiones nos reñían por animar “mal” al personaje, porque

luego la simulación se no calculaba correctamente. Eso sí, el resultado final era impresionante.

La verdad es que yo no entiendo mucho de los “tecnicismos”, pero lo cierto es que en Ilion Animation Studios había una pasión absoluta por conseguir una calidad técnica perfecta en cada aspecto.

El modelado es impecable, las deformaciones y el skinning funcionaban siempre como uno esperaba. Las texturas y elshading eran una gozada verlas por el nivel de detalle tan minucioso que alcanzaban.

Para el render usábamos nuestro propio motor “Cyclops“, que obtenía unos resultados increíbles gracias a una simulación física real del comportamiento de la luz. Los efectos especiales, o sea, humo, explosiones, etc. eran buenísimos. No recuerdo con exactitud si lo hacían con Realflow, pero de lo que estoy seguro es que no tenían nada que envidiar a las mejores producciones 3D que nos vienen de EE.UU.

Los iluminadores también exprimían al máximo el nivel de calidad de sus escenas, y trabajaban largas horas y fines de semana para conseguir unos planos increíbles.

El rigging de los personajes era muy avanzado y fácil de usar, además se usaron técnicas de optimización muy buenas, de tal manera que podías darle al “play” y ver tu animación en tiempo real, súper suave, sin necesidad de hacer un previo. Eso sí, cuando había más de 4 personajes en la escena, aquello era imposible. Lo único malo era que los archivos de animación pesaban mucho, ya que no

se usaban las referencias, como en Maya. Así que los tiempos de carga de una escena con muchos personajes se hacía eterno.

Pero por cada problema que surgía, se intentaba dentro de lo posible crear una herramienta o script para solucionarlo. Por ello, en el caso anterior, tuvimos a nuestra disposición una herramienta para “aislar” a los personajes y trabajarlos por separado. Una vez hecho el trabajo de animación, los volvíamos a componer en una misma escena para la siguiente fase.

También disponíamos de una herramienta para crear librerías de poses para la cara de los personajes, cosa que era muy útil cuando teníamos varios planos en continuidad animados por personas distintas.

Algo impresionante era que nuestra versión de 3ds Max no era para nada igual que el 3ds Max normal. Teníamos herramientas avanzadas de animación como el “Channel box” o una versión mejorada del “Graph editor“. Así como herramientas para hacer un “espejo” de las poses de brazos y piernas (algo realmente útil!), así como otras tantas herramientas personalizadas.

En resumen, técnicamente Ilion Animation Studios está a un nivel altísimo y gracias a “Planet 51” se han desarrollado herramientas muy buenas que estoy seguro que serán muy útiles en las próximas producciones del estudio.

Pero nada de todo esto hubiese servido si no hubiera también un gran equipo artístico en combinación con la tecnología. Y debo decir que el

equipo artístico en “Planet 51” era espectacular, recuerdo que aunque estuviésemos “hartos” de verlos, flipábamos en colores con los dibujos conceptuales o el trabajo de matte painting de los artistas. Artistas que pintaban también las increíbles texturas y diseñaban los personajes, objetos y escenarios que formaban el universo de “Planet 51“. Sé que esto suena a publicidad, pero ya veréis cuando salga el libro de arte que no miento.

En el equipo de animación había también auténticos cracks que, sin apenas experiencia hacían animaciones dignas dePixar.

Fue todo un lujo trabajar en ese equipo. Estamos todos bastante orgullosos del resultado técnico y artístico de la película. ¡Yo ya tengo unas ganas enormes de verla completamente terminada!

Como comentaba antes, allá por 2006 estuve a punto de mudarme a Los Ángeles para la producción de “Toy Story 3” enDisney, pero el proyecto fue cancelado en el último momento por la nueva dirección de Disney. Aún así mantuve el contacto con el estudio, enviándoles de vez en cuando mi demo actualizada, y preguntando por posibles nuevas ofertas de trabajo.

¿Y qué hay de tu actual e

inminente etapa en Disney?

Cuando terminé mi trabajo en “Planet 51” volví a preguntar a varios estudios americanos, y después de un tiempo sin respuesta recibí la oferta de Blue Sky Studios, con los que ya había mantenido contacto anteriormente, pero por aquel entonces aún estaba terminando “Planet 51“.

Me hizo muchísima ilusión y ya hacía preparativos para mudarme a Nueva York, pero dos días más tarde me llegó la llamada que esperaba después de una entrevista telefónica que tuve 2 semanas antes: Disney me ofreció entrar a formar parte del equipo de “Rapunzel“!

Con mucho dolor tuve que decir “no” a la oferta en Blue Sky Studios , ya que “Rapunzel” suponía para mi un sueño inalcanzable pero que se hacía realidad.

Dirigida por Nathan Greno y Byron Howard (“Bolt“) la película nº 50 de Walt Disney Studios, estará basada en un cuento de hadas alemán de los hermanos Grimm. Una comedia musical con Alan Menken como compositor. Glenn Keane (uno de mis dioses de la animación) será supervisor de animación y productor ejecutivo de la película, cuyo estreno está previsto para Navidades de 2010. Si todo va bien me incorporaré al estudio este próximo mes deNoviembre, ¡no os imagináis las ganas que tengo!

Terminar la entrevista agradeciendo a Daniel su tiempo, más teniendo en cuenta mi “don de la oportunidad”, puesto que se

encontraba con todo el alboroto de los trámites para mudarse a EE.UU.

Fuente

Miguel Gómez. (octubre 10, 2009). Entrevista: Daniel

Peixe, de Walt Disney Animation Studios. noviembre

23, 2015, de CICE Sitio web:

http://cice.es/noticia/entrevista-daniel-peixe-disney-

animation/

ENSAYO:¿Hackear un país? ¿Hackear una cultura? Un acercamiento crítico a proyectos intervencionistas de arte y cultura libre en América Latinapor Rosa Apablaza Valenzuela

“Alien huinca”, humor gráfico de Fiestóforo, cortesía del autor.

eflexionando un par de ideas, he llegado a la conclusión de que lo más probable es que

todo experto en teoría decolonial pasó previamente por una cuestión que tiene más que ver con una sintomatología corporal que por una experticia en términos teóricos. La colonización como una herida que después o en el transcurso de, sería conceptualizada. Entonces, me atrevo a decir, que parto este texto desde un sentimiento visceral: la colonización aún es una herida abierta y esta herida nos divide.

R

Imagínate que tienes una herida en alguna parte de tu cuerpo, en alguna parte que no puedes ubicar exactamente, y que no

puedes ver ni tocar, y supón que esa herida te duele y amenaza abrirse o se abre cuando te olvidas de ella y haces lo que no debes, inclinarte, correr, luchar o reír; apenas lo intentas, la herida surge, su recuerdo primero, su dolor en seguida: aquí estoy, anda despacio.Manuel Rojas en Hijo de Ladrón

En la actual división internacional del trabajo intelectual el Sur se resiste a seguir ocupando el lugar del informante nativo, el Sur produce teoría y praxis.Entrevista a Karina Bidaseca por Vanesa Vazquez Laba

I

omando en cuenta el eje temático “Del nuevo extremo: descentralización y capital” que se

nos ha propuesto desde Arte y Crítica para este número de la revista y la contingencia política y social de este país y en particular de la región de Valparaíso, creo que hubiese sido más coherente escribir sobre El Incendio o incluso sobre la obra Ad augusta per Angusta de Papas Fritas (que sucedió en un determinado contexto de la misma región).

T

Sin embargo, hablaré de otra cosa, algo que me viene perturbando desde antes del incendio y de antes de la obra de Francisco Tapia. Algo que de algún u otro modo está vinculado al trasfondo que hay detrás de la catástrofe del incendio, la irresponsabilidad del gobierno chileno frente a la situación, también vinculado al lucro en la educación en Chile y como parte de los antecedentes de una serie de problemas que nos afectan a partir del modus operandi despersonalizado y esquizofrénico de este Estado y de todos los Estados latinoamericanos que se han encargado durante siglos de reproducir regímenes basados en la colonización de los cuerpos, la explotación y privatización de

nuestros recursos naturales en manos extranjeras, capitalizando todas las esferas de la existencia (esto último, indistinto a todos los estados del mundo).

El problema que abordaré es parte del sub eje presente entre varios otros que también se nos han propuesto: Latinoamérica como región.

Desde este texto, aún en proceso, intentaré ahondar sobre la idea de Latinoamérica como región, pero como una región/territorio aún colonizado o en proceso constante de recolonización, a través de una serie de proyectos intervencionistas que se han instalado en los últimos años en nuestro continente.

Reflexionando un par de ideas, he llegado a la conclusión de que lo más probable es que todo experto en teoría decolonial pasó previamente por una cuestión que tiene más que ver con una sintomatología corporal que por una experticia en términos teóricos. La colonización como una herida que después o en el transcurso de, sería conceptualizada.

“Como afirma la feminista chicana, Cherríe Moraga, el peligro radica en no ser capaz de reconocer la especificidad de la opresión, en tratar de enfrentar esta opresión en términos puramente teóricos.” (Karina Bidaseca entrevistada por Vanesa Vazquez Laba)

Entonces, me atrevo a decir, que parto este texto desde un sentimiento visceral: la colonización aún es una herida abierta y esta herida nos divide.

“Distintas prensas”, humor gráfico de Fiestóforo, cortesía del autor.

Acerca del intervencionismo cognitivo en nuestro continente

in citar fuentes claras y precisas, sino tan solo, recurriendo a mi memoria más primitiva, puedo decir, que la

división del trabajo en las comunidades ancestrales y la repartición y el uso de los bienes nunca tuvo la lógica que se exportó desde occidente.

SDesde que se extiende el concepto de subjetividad y esa aparente solidaridad transnacional entre activistas, pareciera estar fuera de lugar hablar de occidente, pero para muchos de nosotros, los latinoamericanos, occidente sigue siendo occidente. Quiero decir, que en las comunidades ancestrales los bienes siempre fueron comunes. Marx, había llamado a

este fenómeno “comunismo primitivo”. Mucho después se inventó el concepto de procomún. Y mucho, mucho antes, nuestros pueblos originarios habían acuñado la experiencia del SUMAK KAWSAY, que en rigor significa “buen vivir”. Luego, vino la conceptualización del “buen compartir”, “el buen conocer” y todas las interpretaciones que se hayan hecho y se podrán hacer de nuestra cosmovisión.

En 2013 se creó en Ecuador, por parte de un grupo de “expertos” europeos, el proyecto FLOK Society que ha tomado como base para el marco conceptual de su planteamiento estos conceptos. Curioso, ¿no?:

Como se explica en el Cook Report sobre Flok “En septiembre del 2013 el “gobierno” ecuatoriano encargó a Michel Bauwens y a un grupo de investigadores de la Fundación P2P que fueran a Ecuador. Ellos debían diseñar un proceso para proponer a los políticos y ciudadanos ecuatorianos que, si fuera adoptado podría cambiar fundamentalmente la organización de la economía del país –una “reimaginación” en las palabras del comunicado de prensa– para permitir que los ciudadanos de Ecuador tengan vidas más decentes y en plenitud. El proyecto FLOK, se dijo, permitiría crear una sociedad del conocimiento, nacional, abierta, y basada en el pro-común.”

“FLOK Society es un proyecto de diseños de cambio de matriz productiva hacia una sociedad del conocimiento libre, abierto y común del Ecuador.”(extracto del sitio web).

Si bien se dice que el gobierno ecuatoriano llamó a un grupo de expertos internacionales para llevar a cabo la propuesta, hay otras versiones que dicen que tres activistas españoles le vendieron el proyecto al IAEN – Instituto de altos

estudios nacionales, del cual, hasta hace poco, el director era uno de ellos.

Tal como Gordon Cook, consideramos que el proyecto Flok tiene muy buenas intenciones. ¿Entonces, qué sería lo perturbador de todo esto? La razón es sencilla: no es el primer proyecto que vincula arte, ciencia, tecnología y procomún que ingresa a nuestro continente que está coordinado por activistas europeos. Por lo cual, esto empieza a oler a un concepto clave que me dijo una amiga: “colonialismo cognitivo”. Tal vez me equivoco, pero como dije al comienzo del texto, estoy escribiendo desde una herida: la famosa deuda histórica, esa que se siente en el cuerpo.

“Humorxismo”, humor gráfico de Fiestóforo, cortesía del autor.

omo todos sabemos Pinochet de la mano de Milton Friedman, instaló el neoliberalismo en Chile, basado

en el modelo económico estadounidense, importado al país a través de un grupo de estudiantes de economía liberal de la escuela de Chicago. Esta experiencia, de alguna forma remite al proyecto FLOK, que si bien sus intenciones son totalmente opuestas, operan bajo la misma lógica: los países de Latinoamérica y la propia región, por tratarse de un continente joven, pueden ser usados como laboratorios, donde manos expertas internacionales, desde la lógica

C

intervencionista y paternalista tienen la capacidad de resolver problemas internos desplazando un modelo sin tomar en cuenta el imprescindible respeto por el contexto.

Lo que hicieron Friedman, Pinochet y los Chicago boys literalmente fue hackear el sistema económico del país, lo cual, basado en una ideología totalmente a la inversa, no dista mucho de lo que plantea Flok Society: “un proyecto de diseños de cambio de matriz productiva hacia una sociedad del conocimiento libre, abierto y común del Ecuador.

” Nos parece de un nivel de astucia y descaro venir de Europa y venderle a un país latinoamericano un proyecto para el cambio de su matriz productiva concebida como una forma distinta de producir y consumir. Y como quiera que haya sido, no nos deja de asombrar que el proyecto esté en marcha y más aún que en términos teóricos se apropie de los principios fundamentales de las comunidades del Ecuador: Buen vivir, buen conocer, buen compartir.

Por otra parte, tal como dice Cook en su informe, “los tres fundadores del FLOK son ciudadanos españoles – un hecho que traiciona una patente parcialidad del gobierno de Correa hacia su propia gente-“¿Por qué permitir todavía la intervención de otras naciones en nuestros procesos históricos? Aquí la historia es interceptada por una intervención externa. Hay un problema de inserción de un discurso, la aceleración de un proceso social, sin tener en cuenta la complejidad del contexto y de alguna u otra forma creando interferencias dentro de un tejido social que ha costado tanto construir y por lo demás sigue siendo frágil.

Como afirma Rita Laura Segato en el libro Feminismo y poscolonialidad. Descolonizando el feminismo desde y en

América Latina “Más que un horizonte fijo de cultura, cada pueblo trama su historia por el camino del debate y la deliberación interna, cavando en las brechas de la inconsistencia de su propio discurso cultural, haciendo rendir sus contradicciones y eligiendo entre alternativas que ya se encuentran presente y que son activadas por la circulación de ideas provenientes del mundo circundante, en interacción y dentro del universo de la nación definida como una alianza entre pueblos”.

“Neocolonialismo cultural”, humor gráfico de Fiestóforo, cortesía del autor.

 

i Bachelet llamara a un grupo de especialistas extranjeros para construir un proyecto para cambiar la

matriz productiva del país, aunque, por muy basado que estuviese en los principios del procomún, nosotros no le creeríamos. No se necesita ser tan agudo para saber que terreno se está pisando. No podemos negar que Rafael Correa ha explotado los yacimientos de petróleo de la reserva

S

natural del Yasuní y que por lo demás está dispuesto a renunciar a su cargo si se le continúa “ejerciendo presión” para que apruebe un proyecto de ley sobre la despenalización del aborto, lo cual queda claro en las declaraciones que hace en un video que encontramos en youtube “Yo jamás aprobaré la despenalización del aborto, por la vida estoy dispuesto a renunciar a mi cargo y la historia sabrá juzgar”.

Y pienso, que bien le haría, por ejemplo, a España hacer un cambio en su matriz productiva, comenzando por dejar de explotar a los inmigrantes, liberar las fronteras, desistir del extractivismo desmesurado en África y América Latina y, claramente también, empezando a regular de forma justa el acceso a la vivienda y las necesidades básicas como la salud.

II

Conocí el proyecto FLOK Society en mayo 2013 a través de una invitación que circuló por la lista de labSurlab para participar de un subproyecto de FLOK que se llama #MingaEnRed, que básicamente consistía en que un grupo de personas auto-organizadas se reunirían a mapear el “Ecosistema colaborativo” de Ecuador. La invitación de la lista del lsl estaba abierta a que nodos de otros países se organizaran y mapearan su propio “ecosistema colaborativo”.

Con un grupo de amigos investigamos –tenemos que reconocerlo–de forma superficial sobre FLOK, vimos que sus “mentores” eran un grupo de investigadores y hackers europeos, uno de ellos conocido por algunos de nosotros. Justo estábamos trabajando en un proyecto de mapeo de organizaciones en Chile, por lo cual, entre la excitación de encontrar pares en otro lugar de Latinoamérica, nuestra confianza

en lSl, y falta de tiempo para informarnos a cabalidad decidimos organizarnos y nos unimos a mapear en tiempo real algunas organizaciones chilenas. Días después vimos publicado en la web del proyecto que todo había sido un éxito a tal punto que se habían animado a participar una serie de organizaciones de distintos países. En fin, ahí quedó todo, como un buen proyecto impulsado por el gobierno ecuatoriano que a simple vista no pretendía hacer vinculaciones reales con otros nodos de Latinoamérica.

En su informe, Gordon Cook cita esta idea de FLOK “Como procomunes, esperamos de los Estados políticas ejecutables a través de alianzas regionales para alcanzar la soberanía tecnológica de los gobiernos y la autonomía tecnológica de las comunidades y la ciudadanía, evitando la dependencia de grandes corporaciones y garantizando la seguridad y privacidad de las comunicaciones.” Pienso que para esto habría que partir por expulsar a las transnacionales españolas y europeas de América latina.

Otra cosa que no cuadra es la forma en que se apropian de los conceptos de los pueblos originarios del Ecuador: Buen conocer, buen compartir, buen vivir. Sin duda una capacidad interventora que intenta conciliar nuestra híbrida cosmovisión ancentral/occidentalizada. Tiempo después de conocer el proyecto, leyendo el informe de Gordon Cook (a quien Michel Bauwens solicitó un documento de políticas sobre conectividad en Ecuador para el proyecto) donde hace una crítica respecto a la relación con diversas problemáticas del gobierno ecuatoriano, nos dimos cuenta que habíamos cometido el mismo error que él: qué poco informados estábamos y qué poco sabíamos sobre los orígenes y raíces del proyecto.

No podemos hacer caso omiso, podremos conocer a varios de los activistas que están detrás de algunos proyectos en nuestro continente, ser “amigos”, o amigos de amigos, pero la herida está ahí, la deuda histórica también y nos ponen alerta frente a nuestra carga de subalternos.

En el proyecto se habla de “Autonomía tecnológica de las comunidades” y nosotros nos preguntamos: ¿qué tecnología? ¿tecnologías ancestrales? Como leí por ahí, es un proyecto desde arriba hacia abajo y no al revés como debería serlo respondiendo a los principios básicos del procomún.

“Quipu.exe”, humor gráfico de Fiestóforo, cortesía del autor.

Ideas que reafirmamos con las dos siguientes citas de Rita Laura Sesago en Feminismos y poscolonialidad. Descolonizando el feminismo desde y en América Latina. “El polo modernizador estatal de la República, heredera directa de la administración ultramarina, permanentemente colonizador e

intervencionista, debilita las autonomías, irrumpe en la vida institucional, rasga el tejido comunitario, genera dependencia, y ofrece con una mano la modernidad del discurso crítico igualitario, mientras con la otra ya introdujo los preceptos del individualismo y la modernidad instrumental de la razón liberal y capitalista, conjuntamente con el racismo que somete a los hombres no-blancos al estrés y a la emasculación.”.

“Entonces, ¿qué es un pueblo?, un pueblo es un proyecto de ser una historia. Cuando la historia que tejía colectivamente, como el tramado de un tapiz donde los hilos diseñan figuras, a veces, acercándose y convergiendo, a veces, distanciándose y en oposición, es interceptada, interrumpida por fuerza de una intervención externa, este sujeto colectivo pretenderá retomar los hijos, hacer pequeños nudos, suturar la memoria, y continuar.”

Para cerrar, un proyecto asistencialista no permite que el pueblo se autodetermine. Un proyecto asistencialista habla desde los derechos universales sin respetar la especificidad del contexto. Hay buenas intenciones, pero vemos claramente una misión civilizadora. ¿Cómo se atreven a hablar en nombre del buen vivir? ¿Si es algo que las comunidades han tenido arraigado desde siempre en sus vidas? Se quiere reinterpretar el código ancestral hacia una transferencia occidentalizada. ¿Por qué nos están mapeando? No somos mapeables! Somos resistencia en swarming y fuga!!!

Reportaje: “Arte urbano”.

La escena de arte urbano en México es particular. Aunque tenemos la herencia prehispánica, que ya utilizaba las paredes para plasmar sus narrativas, y más tarde surgió el muralismo, esas raíces y ese gran movimiento enraizado en lo social se disolvieron sin dar paso a otra cosa. Mientras tanto, en Europa y Estados Unidos, particularmente en ciudades como

Nueva York y Filadelfia, hubo un boom del graffiti en los ochenta, gestado como una batalla underground de los jóvenes que buscaban expresarse, mediante la transgresión de los límites, y compitiendo para ver quién lo hacía mejor, más grande y en los lugares más difíciles. 

Con el tiempo, algunos graffiteros exploraron más allá de la escritura y el taggeo con aerosol e incorporaron nuevas técnicas (stencil o plantillas, posters, stickers, murales), nuevos materiales y motivos, hasta ser agrupado en un término más amplio:  arte

urbano (street art, en inglés) o post-graffiti. Una forma de arte que buscaba sorprender al espectador, con frecuencia haciendo una crítica irónica de la sociedad o un sistema político, y que pronto empezó a ser valorado por la comunidad artística, incluso por las galerías y museos. No por nada una pieza de Banksy, Bombing Middle England, alcanzó a venderse en 102 mil

libras esterlinas (más de 2 millones de pesos) en una subasta de Sotheby’s. 

Sin embargo, en México pareciera que no hubo el mismo desarrollo. Aquí aún convive el graffiti en el sentido tradicional —crea do en la clandestinidad y visto como vandalismo por las autoridades, aquel que ahora languidece en Nueva York— con algunas muestras de un nuevo arte urbano o neomuralismo, fácilmente exportable y muy comercial, que atrae tanto a galerías como a publicistas de marcas internacionales, al mismo tiempo que se comparte y difunde a través

de blogs y redes sociales de manera inmediata y global.

Al caminar por el Distrito Federal, no nos topamos tan fácilmente con piezas que nos roben el aliento, como las que han vuelto famosos al italiano Blu, al argentino Ever o al brasileño Nunca. Obras con un discurso

claro, una técnica impecable y una estética bien definida, todo aquello que  sacó a sus autores de la clandestinidad y los llevó hacia la validación por parte de instituciones como la Tate Modern de Londres, que en 2008 ofreció sus muros a seis artistas urbanos que estaban en auge: Faile de Nueva York, JR de París, Nunca y Os Gemeos, de São Paulo, y Sixeart de Barcelona. Si bien existe producción de arte urbano en el país; lo asegura Saner, Dhear y también Felipe Ocaña, del Colectivo 2.50 (que lleva a cabo acciones o happenings más que gráfica), quien dice: “El arte urbano en México sí existe y hay mucho pero necesitas aliarte con medios y con otros circuitos de arte para que se vea, resuene”. 

Sí hay y se puede ver más claramente en lugares precisos, por ejemplo en Xanenetla, Puebla, donde el Colectivo Tomate ha realizado más de 50 murales para su proyecto “Puebla: Ciudad Mural”— pero

en la Ciudad de México parecen difuminarse o estar muy localizadas las propuestas interesantes, entre ellos los murales de artistas como Dhear, News o Jorge Tellaeche, que han colaborado en corredores de arte urbano en las colonias Roma y Condesa, como parte de la campaña All Originals de Adidas. Son ellos, junto con algunos colectivos, quienes están activando la escena de arte urbano, casi siempre con patrocinios, algo que Felipe Ocaña ve con recelo: “No está mal que haya apoyo, el problema está en qué visión tiene quien te da ese apoyo, qué espera

obtener de eso”. De cualquier manera, aún es muy temprano para contarnos entre las ciudades más reconocidas por albergar arte urbano. “La Ciudad de México es virgen. Yo lo creo y me lo han dicho también artistas que han venido, como Roa”, dice Shimizu.

Me encontré un chavo al cual lo llaman ¨Saner¨ lo pude entrevistar y preguntarle qué ¿Qué es lo que él sentía o expresaba al pintar sobre las pared es en las calles?

Saner cuenta una historia en cada uno de sus murales. Sus paredes hablan. Después de escuchar, de observar, el artista hace su trabajo.

Al final queda un lienzo transformado en una ventana a otro lugar, una invitación inesperada a salir de lo cotidiano que puede estar ahí hoy y desaparecer mañana. “Lo más importante para mí es el proceso que se vive para realizar la pieza. Porque nunca se vuelve a repetir la misma historia”, dice. Cada pared tiene una textura, un pasado, que tiene el potencial de contarnos algo.

Él coloca en el suelo su mochila llena de latas de aerosoles. Se acomoda los audífonos, saca el cuaderno de bocetos, ese

donde nacen sus personajes. Observa las texturas con atención, escucha lo que la pared tiene que decir. Y le responde con un primer trazo. El muro es paciente. No lo interrumpe. Hay otras distracciones, como la lluvia, el sol intenso, el ruido y los peatones curiosos, en algunos casos,

también la policía. Él continúa dibujando con el spray como si fuera un pincel. En unas horas, quizá días, habrá habitado esa superficie con sus niños traviesos, enmascarados como animales, jugando a héroes y demonios.

En Conclusión para mi la Ciudad de México tiene cientos de miles de paredes esperando para salir del silencio y decirnos algo con nuevas voces. No se trata de revivir el muralismo de Rivera y Siqueiros,

ese tuvo su espacio y su tiempo; tenía otro propósito. México sale al mundo con el gran muralismo pero éste de repente se apaga. Luego hay otras corrientes con el movimiento de 1968, el trabajo del Grupo y el No Grupo en los ochenta pero queda como un hueco respecto al arte en el espacio público. México tiene que resurgir, tiene todos los elementos para hacerlo.

Tania Castellanos. (2013). Arte urbano. 24 de noviembre del 2015, de universidad Sitio web: https://sites.google.com/site/tani17c/reportaje-arte-urbano

Incendio en Valparaíso. La imagen como prótesis de la memoriapor Rosa Apablaza Valenzuela

Valparaíso. 2014.

“Esos registros caseros, archivos audiovisuales son determinantes, permiten abrir un proceso de comprensión de la realidad que se contrapone con los infinitos modos de

representación que se han instalado en las artes a través del uso del soporte videográfico”

¿Sabía usted que en el incendio ocurrido en Valparaíso el 12 de abril de 2014 hay muchas personas que perdieron sus prótesis dentales y otras ortopedias corporales que hasta el día de hoy (9 meses transcurridos) no han podido sustituir? ¿Sabía que cuando una persona pierde su prótesis dental es como si la silenciaran? ¿Esa placa que tanto costó que se ajustara a la medida? Las prótesis y otras extensiones del cuerpo también se calcinaron en la catástrofe incendiaria más grande de este país porque no hubo tiempo más que para arrancar de las bolas de fuego que caían sobre las casas, huir de los estruendos que producían los balones de gas al explotar, buscar a los niños y correr cerro abajo.

Y ahora…¿Las personas se tienen que resignar a no poder abrir la boca para hablar, o en cada enunciación ponerse la mano delante? ¿Tener dificultades para comer? ¿Ir transformándose lentamente en un sub-alterno? ¿Volver al punto cero de ese proceso de re-construcción de la subjetividad que comenzó cuando el cuerpo por fin logró asimilar la prótesis? ¿Mirarse al espejo y ver que el rostro, la mandíbula, la expresión es nuevamente otra?

A partir del taller de Ecotejido que realizo con mujeres en el Centro Comunitario Las Cañas desde Mayo 2014 he tenido acceso a relatos de primera mano acerca de estas cuestiones que parecen no verse. Entre las ideas recurrentes que compartimos también están estas políticas del cuerpo y la memoria que en su estado de pérdida han generado profundas afectaciones respecto tanto a dificultades motoras como a la percepción de la autoimagen.

CRÓNICA

Este texto tiene por objetivo solo poner algunas ideas en circulación para repensar los usos que le damos a los soportes fotográficos y videográficos a partir de la experiencia de ver que la producción visual muchas veces cae en una vacuidad totalmente despersonalizada de nuestra realidad social.

No propongo el uso de estos soportes a modo de “inclusividad”, sino por el contrario, propongo pensar cómo nosotros mismos podemos utilizar tecnologías sencillas para dar cuenta de realidades sociales, a diferencia, de por ejemplo, la vacuidad que podemos ver en costosas producciones audiovisuales y cinematográficas en chile que a partir del 2000 que se han centrado en problemáticas intimistas y subjetividades aisladas, construyendo una hegemonía propia y generando una auto-reproducción de sí misma. Un buen ejemplo donde han sido analizadas estas cuestiones es el libro “Intimidades desencantadas. La poética cinematográfica del dos mil” del autor Carlos Saavedra, publicado por Editorial Cuarto Propio en 2013.

Valparaíso, 2014.

He tomado el ejemplo del incendio en Valparaíso porque es la realidad con la que convivo actualmente y porque me interesa al menos mencionar cómo han operado en este caso algunas tecnologías en la reconstrucción de la memoria.Otro tema recurrente en el taller, además de pérdida de las prótesis corporales como tal, es la pérdida de los álbumes fotográficos. Una relación directa con la memoria. Es decir, el incendio de Valparaíso ha operado de la misma forma que lo han hecho diversos mecanismos de la doctrina del shock implementada hace bastantes años en este país: amedrentar, aturdir, debilitar las fuerzas y por sobre todo, borrar la memoria.

En este caso en particular el uso de medios de registro responde de forma inmediata al estado de afectación y emergencia. Algunas personas damnificadas, al momento de la catástrofe tenían sus celulares consigo, ahí están sus mayores tesoros fotográficos y audiovisuales de memoria subjetiva e histórica en tres temporalidades: el antes, el durante y el después. Han compartido conmigo algunos de estos registros diciendo: esta era mi casa, esos eran mis

perros, así me veía yo cuando tenía los dientes.

A partir de esta experiencia quería referirme a posibles modos de relacionarnos con nuestras tecnologías más cercanas, pensando en la imagen fija y en movimiento en tanto apropiaciones de nuestro cuerpo en presencia del flujo constante de reconstrucción de escenas a modo de registro mnemónico. No hay grandes presupuestos, no hay un trabajo audiovisual de por medio, no hay géneros cinematográficos, no son registros normativos, solo urgencia de memoria inmediata a través de estos medios fluctuantes.

Taller de Ecotejido que realizo con mujeres en el Centro Comunitario Las Cañas desde Mayo 2014.

La posibilidad de las personas afectadas por el incendio de tener registros fotográficos y audiovisuales en sus celulares ha sido crucial para un proceso de reconfiguración/reconstrucción de la memoria individual y colectiva. Estos registros remiten a la relación con el pasado pre-incendio, al momento de la catástrofe y a la realidad post trauma, permitiendo un proceso de identificación que vendría a hacer de prótesis a la pérdida. En este sentido, esos registros caseros, archivos audiovisuales son determinantes, permiten abrir un proceso de comprensión de la realidad que se contrapone con los infinitos modos de representación que se han instalado en las artes a través del uso del soporte videográfico y que han sido analizadas desde distintos puntos de vistas que se refieren a “la crisis de representación” que se instala con la modernidad.

Si bien no ahondaré en lo anterior, quisiera referirme a un proyecto que han trabajado con el tema imagen/memoria a partir del

incendio ocurrido en Valparaíso: el Festival de Cine de los Cerros de Valparaíso.

El Festival de cine de los cerros este año ha celebrado su primera edición, en distintos espacios de Valparaíso, entre ellos el Cerro Las Cañas, afectado por el incendio. El grupo de coordinadores del festival han trabajado directamente con pobladores del cerro realizando un taller de cine en el Centro Comunitario Las Cañas, posibilitando todo el proceso de producción de un cortometraje por parte de los propios pobladores. Al mismo tiempo se realizó una proyección de distintas producciones nacionales de cine social en el sector de El Vergel alto (Más información).Para concluir, el modo en que nos relacionamos con la imagen en movimiento, da cuenta de nosotros como sujetos sociales dentro de un determinado contexto, en cuanto a lo que vemos, lo que escuchamos, lo que grabamos, lo que decidimos editar, mostrar, finalmente donde ponemos la mirada y donde está nuestra urgencia de prótesis. Y que en esa, finalmente, puesta en escena somos responsables de lo que nos sucede tanto como individuos o como cuerpo social. Por eso muchas producciones del género video arte y del cine de ficción no dejan de parecerme una seguidilla de imágenes antojadizas que coquetean con el VJing más despolitizado.

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arte y cultura

Grupo 208 de octubre del

2015

Del arte de la pintura en nuestras vidas “Terraza de café por la noche”

Obra: terraza de café por la noche

Autor: Vincent van Gogh

Corriente: posimpresionismo

Fecha de Creación: 1888

Técnica: pintura al aceite

Algunas cosas sobre Vincent

Las siguientes son algunas traducciones de cartas mandadas por Vincent que hacen referencia a la pintura y nos habla un poco más del proceso por el que paso el pintor, además de su interés y entusiasmo por pintar una obra que si bien es difícil se atreve a probar y hoy en día es una de sus pinturas más famosas, esto en la céntrica plaza Forum de Arlés, realizando su primera obra de una escena nocturna.

“El problema de pintar escenas o efectos de noche en el lugar y la noche misma, me interesa enormemente.”

Carta a Theo van Gogh (V. 537). Arlés, 17 de septiembre de 1888.Vincent van Gogh. Cartas a Theo. Círculo de Lectores.

“Aquí tienes una pintura nocturna sin nada de negro en ella, hecha con nada más que hermosos colores azul y violeta y verde, y amarillo limón. Me divierte enormemente pintar la noche en el sitio mismo. Los pintores solían dibujar y pintar el cuadro de día basándose en el tosco apunte. Pero yo encuentro satisfacción pintando las cosas directamente.

Por supuesto, es verdad que en la oscuridad puedo tomar un azul por un verde, un azul-lila

por un rosa-lila, porque no puedes distinguir correctamente el matiz del color.

Pero es la única manera de librarse de las escenas nocturnas convencionales con sus pobres luces blanquecinas pálidas, mientras que una simple vela ya nos da los tonos más ricos amarillos y naranjas.”

Traducción de la carta a Wilhelmina van Gogh (W. 7).Arlés, 9 y 16 de septiembre de 1888.

Para pintar esta obra, Vincent se sintió inspirado en el cuadro “La Avenida de Clichy, a las cinco de la tarde” (1887), obra de su amigo, el pintor Louis Anquetin (1861-1932), al que se dice había conocido en el taller del pintor Cormon durante su estancia en París. El cuadro de Anquetin está realizado siguiendo un nuevo estilo pictórico, el “Cloisonnismo”, cuyas bases habían sido sentadas por el propio Anquetin y por el pintor Emile Bernard (1868-1941), gran amigo de Vincent. El “Cloisonnismo” está inspirado en las xilografías japonesas, tan de moda en el París de aquellos años, y en el “émail cloissonné”, una técnica medieval de realización de vidrieras artísticas de la que deriva su nombre. Se trata y hace referencia de un estilo en el que domina el color frente a la forma, encontrándose los motivos rodeados por un delgado filo oscuro.

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Grupo 2

Cinematografía

Por Marlen Carera Valencia

Es bien conocido que la cinematografía forma parte de las 7 bellas artes y que para muchos simplemente es de gran

interés saber lo que hay detrás de esa intrigante película que fuimos a ver la semana pasada. En este texto lo que se trata de hacer es desvelar algunos de los secretos e historia de la cinematografía y hacer algunas observaciones de lo que ha pasado a lo largo del tiempo y su evolución social.

La historia de esta arte comienza con la presentación de los hermanos Lumiére quienes proyectan imágenes en movimiento en un auditorio en 1895, hoy en día para mantener el efecto de movimiento en una película se necesitan entre 24 y 30 fotogramas por segundo.

Es entonces a partir de la presentación de los hermanos el público se ve consternado ante lo nunca antes visto y se comienza a difundir de la hazaña en gran parte del mundo, poco tiempo después le siguen pequeños cortometrajes por así decirlo y empieza a ganar popularidad esta nueva arte. Georges méliés un ilusionista francés que trabajo en esta área gano fama con cortometrajes como “viaje a la luna” o “el caso dreyfus” de al menos 15 minutos.

A inicios del siglo XX la industria del cine se veía controlada por motion picture patentes company en cuanto a la duración de los cortometrajes y aspectos del contenido, tiempo después se volvió más accesible. Para 1912 los grandes del cine se encontraban en Italia sin embargo estados unidos comenzó a mostrar interés por este mundo y gano fama por extender la duración del cortometraje dando así el grandioso origen a las películas que tanto apreciamos, tratando temas como el

drama y la comedia como su principal base.

El uso de la cinematografía ha adquirido un valor inimaginable ya que atreves de esta se han expresado lecciones de vida, enseñanzas, historias de amor, descontento hacia algún problema o suceso social o hasta político, lo inimaginable que hace 100 años atrás eran cosas tan simples o hasta imposibles como el movimiento de un tren hacia la audiencia o el viajar a la luna y ahora cosas como la alusión a la existencia de robots para el uso y beneficio personal de los seres humanos.

Lo anterior me hace llegar a la conclusión de que la cinematografía ha sido un medio para expresar sueños, corrientes artísticas, deseos, fines políticos entrando en el tema de influir en los demás y hacer ver tu opinión del significado de algo mediante una historia con ciertos mensajes ya sea de aprendizaje o de influencia. Sin duda una de las mejores invenciones a lo largo de la humanidad.

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España en México a través del Barroco “Palacio Nacional”

Monumento: Palacio Nacional

Autor: Hernán Cortez

Corriente: Arquitectura Barroca

Participantes destacados: Diego Rivera.

Acerca de Diego Rivera:

Fue uno de los pintores mexicanos más destacados en toda la historia, gracias a sus pinturas, murales y algunas esculturas, que algunas de ella se caracterizaron por ser de corriente Humanista y Barroca. Nació el 8 de diciembre de 1886, murió el 24 de noviembre de 1957.

En 1907 viajó a España en busca de mejorar y aprender de las obras de Goya, después se mudó a Paris en donde se quedó impresionado por la corriente cubista y de las grandes obras de Pablo Picasso, pero el cubismo no le convenció o no le fue de su agrado a pasar el tiempo. Pinto grandes murales en México poniendo sus habilidades en práctica, junto con otros grandes pintores en esa época.

Fue un destacado muralista, que tenía ideas comunistas, y en sus murales plasmaba un contenido social, No solo fue un gran artista sino que también fue un gran provocador de debates no solo en México, también en Estados Unidos y en la Unión Soviética.

También realizo grandes acciones artísticas en Estados Unidos, donde realizó una gran llamada la “Unidad panamericana” la que fue exhibida en el Golden Gate.

Obra:

El Palacio Nacional fue creado bajo las ideas absolutistas, y españoles durante la época novohispana, esto va estrechamente relacionado con la corriente Barroca, porque esta corriente representaba el poder absoluto, y a la religión única, que es lo que buscaba promover la corono Española. En México hay varias obras arquitectónicas que claramente representan al Barroco, ya que el barroco contaba con características muy notables, como, cúpulas extensas y ovaladas, un claro contraste entre claro-oscuro, y de gran dimensión. Las características que hacen resaltar a esta obra arquitectónica son las siguientes.

Como fue construido por españoles, que estaban adaptados por el Barroco que tiene como característica fachadas de estilo medieval. Tiene varias secciones esta gran construcción, como:

Patio central: Que se divide en puertas, que dan a la plaza de Armas, también se

caracteriza esta zona por un parentesco militar, tiene 25 ventanas de poca complejidad eso en la parte inferior, en la parte superior igual número de ventanas y un balcón, de piedra con una reja de hierro.

Murales: Tienen una gran extensión, comenzando desde la escalera principal, y los muros se extienden al pasillo norte hasta el patio central, en estos murales esta representada algunas de las partes más notables e importantes en la historia de México.

A continuación se darán algunas definiciones de corrientes que influyeron en el surgimiento de la arquitectura barroca, que son necesarias conocerlas, ya que a partir de algunas de ellas surge el barroco o están estrechamente unidas.

El neoclasicismo surgió. La arquitectura neoclásica, se puede entender como un regreso a las formas clásicas de los edificios construidos por los griegos y los romanos. Surgió con ideas ilustradas, se extendió por toda Europa, y era bien vista desde el punto de los renacentistas, ya que apoyaba la arquitectura greco romana.

Barroco:

Es un estilo artístico europeo creado en el siglo XVII y el siglo XVIII. Surgió en Italia y se expandió por toda Europa, de raíces Españolas.

Fue un estilo artístico bastante negado por los historiadores modernos por considerársele que iba en contra del arte clásico. Sin embargo ha sido rescatado a lo largo del siglo XX, por los artistas o historiadores de vanguardia.

El contexto histórico del barroco es el de una Europa que está en una situación política por el régimen absolutista. En el plano religioso es un arte muy apegado al catolicismo en una Europa dividida entre católicos y protestantes, y esto claramente ocasionó disgusto sobre esta corriente católica.

Se puede intuir que el Barroco surgió

como una idea religiosa, como una

necesidad de ser reconocidos mediante la

religión y hacer saber que tienen todo el

poder. Este tipo de arquitectura,

represente l poder centralizado, es decir,

que es una expresión de autoridad total.

Algunas de sus características son:

1. Es una arquitectura que gusta de los fuertes contrastes.

2. Puede ser de tema religioso como, Iglesias y monasterios.

3. Puede ser de tema civil como, Ayuntamientos, casa, etc.

Por lo anterior se puede inferir que, la corriente barroca era de ideas absolutistas, y esto influye mucho en toda la sociedad en la que esté presente de forma que, se les da a conocer quien tiene el poder, que son los más poderosos, e incluso también aunque no esté presente tiene gran impacto en esas sociedades de forma que, crea el surgimiento de ideas absolutistas, y no solo está presente en forma de edificios si no también en pinturas y hasta escritos.

Renacentista:

El Renacimiento empieza en Italia en el siglo XV abarcando hasta el siglo XVII, inclusive hasta el siglo XVIII. Este movimiento se inicia a principios del siglo XV y continúa durante casi cuatro siglos, perdurando con experiencias distintas; durante el siglo XV corresponde casi exclusivamente a Italia; después, se extiende a otros países de Europa, moviéndose con la tradición del gótico, que sobrevive en algunos lugares. El siglo XVII se considera como el punto final de la arquitectura renacentista al aparecer la arquitectura Barroca.

La diferencia entre el gótico y el Renacimiento es que en el primero las dimensiones arquitectónicas estaban regidas por la escala divina, es decir, que estaba basada en una divinidad única.

Mientras que en la segunda las dimensiones obedecían a la escala humana y a sus criterios. La base

principal del poder renacentista era la cultura, una cultura humanista basada en la capacidad moral e intelectual del hombre. Sólo así podemos hablar del renacer de la antigüedad clásica.

Gracias a esto se puede deducir que el arte Renacentista es creado en base al humano como ser divino, como lo único, como el centro del universo.

Marinerismo:

En el siglo XVI, los artistas, buscaban la variedad, se distanciaron del clasicismo romano puro y llegaron al Manierismo. Se caracteriza por la presencia de los sentimientos y de los motivos, y por la negación de seguir las reglas y las tradiciones clásicas.

Es todo lo contario al Renacimiento ya que se cambió la visión del hombre divino o el hombre como la divinidad única y reemplazado por el hombre terrible el hombre que duda y teme. Creo la renuncia de la idea renacentista de la libertad humana.

El Humanismo:

El ser humano seguía siendo considerado como obra de Dios, que poseía de libre expresión para decidir o crear su propio destino. El humanismo

renacentista desarrolló el espíritu libre. Fomento el querer del ser humano.

Referencias:

del Pilar González López, Maria . "El neoclasicismo . "SlideShare. 2010. SlideShare. 07 de Octubre del 2015 http://www.slideshare.net/piluchi/el-neoclasicismo-3534122.

Lozano Fuentes, José Manuel, Fregoso, José. "Arquitectura y cultura . "Universidad Autonoma de Nuevo Leon facultad de arquitectura . 2015. Universidad Autonoma de Nuevo Leon . 07 de Octubre del 2015 http://arquitectura.uanl.mx/PDF/Temporal/arqycultura/clase08renacimientoarquitecturaycultura.pdf.

Anónimo. "Arquitectura Barroca. "Arte España . 2015. Arte España. 07 de Octubre del 2015 http://www.arteespana.com/arquitecturabarroca.htm.

Cravino, Ana. "Renacimiento, Marinerismo y Barroco. "Renacimiento, Marinerismo y Barroco . 2011. Centro de estudios en Diseño y Comunicación. 07 de Octubre del 2015 http://www.scielo.org.ar/pdf/ccedce/n37/n37a06.pdf

Raul Canessa . "Biografía de Diego Rivera. "Historia del Arte . 2015. Historia del Arte . 08 de Octubre del 2015 http://desarrollodelarte.blogspot.mx/2010/10/diego-rivera.html.

La Arquitectura como Bella Arte

Concepto:

Es el arte de ordenar las superficies y volúmenes en un espacio. La función primaria de la arquitectura es la protección contra la intemperie y otros factores hostiles del medio ambiente. Su función secundaria es satisfacer las necesidades privadas y públicas, así como las estéticas.

En la arquitectura, se conjugan el arte y la técnica de proyectar, construir y adornar edificaciones, creando espacios en función de alguna de las dimensiones de la vida humana. La ordenación del espacio se delimita generalmente por volúmenes sólidos (elementos tectónicos como muros, vigas, cubiertas o losas, pilares, arcos, etc.), los cuales determinan la forma y configuración del espacio. Estos estilos han variado, debido a las corrientes artísticas que han estado

presentes en las épocas de la humanidad.

La arquitectura dentro de las Bellas Artes:

Sin tener sentido los edificios u otras construcciones ya se les considera como obras de arte. La Arquitectura puede consistir en muros, columnas, forjados, techos y demás elementos constructivos, su fin es crear espacios con sentido donde los seres humanos puedan desarrollar todo tipo de actividades. Así es como ésta es capaz de condicionar el comportamiento del hombre en el espacio, tanto física como emocionalmente.

Aunque en la actualidad suele considerarse que la principal actividad de la Arquitectura va dirigida

al diseño de espacios para el refugio y la habitación sólo a partir del siglo XIX comenzaron los arquitectos a preocuparse por el problema del alojamiento.

Esto infiere que antes no se enfocaban en proporcionar un lugar a las personas en donde estar, los construían para representar su poder, ya que las grandes construcciones no iban dirigidas a cualquier persona sino que a personas con gran poder.

Entonces el principal objetivo de la Arquitectura es o era, homenajear la belleza característica que la convierte en arte, debido a la necesidad de expresar sentimientos y emociones que puedan estar impuestas en un edificio.

Referencias: Mies Van Der Rohe, Le Corbusier, Frank Lloyd Wright, Louis Kahn, Alvar Aalto. (2008). La Arquitectura, una de las seis Bellas Artes . 25 de Octubre del 2015, de arq Sitio web: http://noticias.arq.com.mx/Detalles/9949.html#.Vi0LaLcvfIU

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Lengua española, arte y cultura

Grupo 2

Las bellas artes.

Claudia Colomer.

Introducción

Los ensayos que a continuación se presentan son algunas de las Bellas Artes que existen. Pero nos preguntaremos ¿qué son las ¨bellas artes¨?

Los temas de los ensayos incluidos hablan sobre la música, el teatro, la cinematografía y la fotografía. Los cuales al dedicarles un poco de tu tiempo te sorprenderá todo lo que falta por aprender.

Las bellas artes son formas de arte las cuales surgieron Grecia y se desarrollaron a partir de la estética:

Idealización de la belleza Buen empleo de técnica

Se clasifican en: Arquitectura Escultura Pintura Música Declamación Danza

Son las 6 bellas artes que los griegos consideraron.

El teatro

El teatro es una forma de representación para comunicarse, para celebrar algún evento importante, para entretener y además también funciona como arte.

Está conformado por muchos elementos, los cuales sin duda hacen que tenga características que lo hacen único por ejemplo los actores, el público, marionetas, vestuario, maquillaje, iluminación, decoración, sonido, entre otros. Logra transmitir muchas emociones ya que al ser en vivo los actores viven la emoción de la escena y percibir dichas emociones resultan ser emociones únicas. Además también existen diversos tipos de teatro como el occidental, clásico, teatro del siglo XX, contemporáneo, latinoamericano y colonial.

En el teatro la manera de cómo elegir a sus elementos debe ser muy importante debido a que son los que le darán su esencia. Por ejemplo los personajes deben de encajar con el papel que les corresponde interpretar para que de esa forma se pueda ver lo más real posible, el público debe de estar a gusto con lo que está percibiendo, con lo que logra ver, el vestuario debe de ser el adecuado para cada situación, el

maquillaje debe ser perfecto lo más acercado a la realidad, la iluminación debe estar en todo momento con modificaciones deben cuidarse los malos cambio de luz o acercamiento, el sonido debe ser preciso en el momento y en la situación, los efectos especiales son necesarios para resaltar algún momento importante y el decorado debe ser el adecuado para cada instante.

De igual manera hay varios tipos de teatro como el:

Occidental el cual se desarrolló en la Antigua Grecia y se enfoca los ritos, las celebraciones de cosecha y el chanismo.

Clásico es el tipo de teatro que está escrito en latín o griego.

Teatro del siglo XX: no acepta lo que ya está establecido, hace su propio lenguaje.

Contemporáneo: teatro de la memoria, de los sueños, cosas irreales.

Latinoamericano: Obras de América latina desde la época precolombina.

Colonial: su base es el modelo europeo.

El teatro es una forma muy eficiente e interesante para expresarse ya que lejos de ver una escena logras ver y percibir grandes emociones, en mi opinión es una forma de ser, de darte a conocer y sobre todo una forma de olvidar cualquier problema que pudieras tener.

Cinematografía

Es bien conocido que la cinematografía forma parte de las 7 bellas artes y que para muchos simplemente es de gran interés saber lo que hay detrás de esa intrigante película que fuimos a ver la semana pasada. En este texto lo que se trata de hacer es desvelar algunos de los secretos e historia de la cinematografía y hacer algunas observaciones de lo que ha pasado a lo largo del tiempo y su evolución social.

La historia de esta arte comienza con la presentación de los hermanos Lumiére quienes proyectan imágenes en movimiento en un auditorio en 1895, hoy en día para mantener el efecto de movimiento en una película se necesitan entre 24 y 30 fotogramas por segundo.

Es entonces a partir de la presentación de los hermanos el público se ve consternado ante lo nunca antes visto y se comienza a difundir de la hazaña en gran parte del mundo, poco tiempo después le siguen pequeños cortometrajes por así decirlo y empieza a ganar popularidad esta nueva arte. Georges méliés un ilusionista francés que trabajo en esta área gano fama con cortometrajes como “viaje a la luna” o “el caso dreyfus” de al menos 15 minutos.

A inicios del siglo XX la industria del cine se veía controlada por motion picture patentes company en cuanto a la duración de los cortometrajes y aspectos del contenido, tiempo después se volvió más accesible. Para 1912 los grandes del cine se encontraban en Italia sin embargo estados unidos comenzó a mostrar interés por este mundo y gano fama por extender la duración del cortometraje dando así el grandioso origen a las películas que tanto apreciamos, tratando temas como el drama y la comedia como su principal base.

El uso de la cinematografía ha adquirido un valor inimaginable ya que atreves de esta se han expresado lecciones de vida, enseñanzas, historias de amor, descontento hacia algún problema o suceso social o hasta político, lo inimaginable que hace 100 años atrás eran cosas tan simples o hasta imposibles como el movimiento de un tren hacia la audiencia o el viajar a la luna y ahora cosas como la alusión a la existencia de robots para el uso y beneficio personal de los seres humanos.

Lo anterior me hace llegar a la conclusión de que la cinematografía ha sido un medio para expresar sueños, corrientes artísticas, deseos, fines políticos entrando en el tema de influir en los demás y hacer ver tu opinión del significado de algo mediante una historia con ciertos mensajes ya sea de aprendizaje o de influencia. Sin duda una de las mejores invenciones a lo largo de la humanidad.

La música

La música a igual que la escultura, la literatura, la pintura, la arquitectura, la danza y el teatro, está considerada dentro del campo de la Bellas Artes. Pero difiere de las demás ya que no se puede ver ni palpar, sólo puede expresar sentimientos y emociones. Entra por los oídos, toca el corazón y el espíritu de quien la escucha.

La música se diferencia de otras expresiones artísticas (pintura, escultura, arquitectura, danza) en la forma y elementos de expresión, que cada una emplea, aunque todas tienen el mismo fin comunicación y expresión de los seres humanos para hacer más agradable y fácil la convivencia humana.

La música es diferente de las otras expresiones artísticas por sus características y por los elementos que emplea, pero debemos tener presente que existe una correspondencia en todas las artes, hay elementos como el espacio, movimiento, color, ritmo, la forma etc., que son punto de contacto y fundamento entre ellas aunque varían el enfoque y las características en cada manifestación.

El término música tiene su origen del latín “musica” que a su vez deriva del término griego “mousike” y que hacía referencia a la educación del espíritu la cual era colocada bajo la advocación de las musas de las artes.

Puede decirse que la música es el arte que consiste en dotar a los sonidos y los silencios de una cierta organización. El resultado de este orden resulta lógico, coherente y agradable al oído.

La música, en definitiva, consiste en combinar sonidos y silencios. Los sonidos, a su vez, pueden ser infinitos, ya que es posible trabajar con innumerables variaciones de duración, intensidad, altura o timbre.

La música es un arte que acompaña la vida del ser humano desde los comienzos de la historia. Según explican ciertas teorías su origen tuvo lugar a partir de intentar imitar los sonidos que existían en la naturaleza y sonidos provenientes de la parte interna del ser humano, como el latido del corazón. Los descubrimientos que se han hecho en torno a este arte demuestran que ya existían conceptos de armonía en la música de la prehistoria.

Fotografía

Principalmente la fotografía es una de las nuevas siete bellas artes, la fotografía antes que nada es una manera de mirar y

no es simplemente la mirada misma, también podemos mencionar que es la forma ineludiblemente moderna de mirar, esta manera de mirar tiene ya una dilatada historia y conforma lo que buscamos y estamos habituados a notar en las fotografías.

La historia de la fotografía inicia a principios del siglo XIX, cuando un científico francés llamado Nicephore Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas, pero la fotografía más antigua que se tiene registrada es una imagen obtenida en 1826 con la utilización de la cámara obscura, Niepce comenzó sus investigaciones necesitando horas de exposición en la luz del día para obtener las imágenes que el requería.

En 1839 Louis Daguerre hizo público su proceso para la obtención de fotografías basado en la plata, la cual resolvía algunos problemas técnicos de lo inicial que tenía Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición y su resultado resulta ser el antecesor de la fotografía instantánea de Polaroid. Casi en el mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot crearon otros métodos diferentes. El que crearon Wlliam se basa en un papel de plata, el cual es mucho más cercano al de la fotografía que tenemos ahorita.

Además los procedimientos de la fotografía utilizados en el siglo XIX fueron el Daquerrotipo, el Calotipo, el Colondion Humedo y EL Gelatino-bromuro. Estos dos son los que más han evolucionaron de la fotografía mediante mejoras que se hicieron de los

descubrimientos de Calotipo y el que creo William Fox Talbot.

Con esto podemos decir que la fotografía ha cambiado mucho en los últimos tiempos y ha tenido una serie de modificaciones a lo largo del tiempo.

Lo que el autor busca en este medio o su objetivo era buscar imitar a la realidad y la naturaleza con un alto grado de perfección. Así el naturalismo fue la puerta que se abrió para dar a la fotografía una verdadera importancia fundamental en el arte ya que con esto se imitaba de una forma casi perfecta la realidad y superaba a la pintura en este aspecto.

Finalmente podemos decir que la fotografía básicamente con las nuevas técnicas sobre la utilización de la luz del sol, dio origen a fotos con un mayor significado estético, por lo cual llevo a un nuevo acercamiento de la fotografía hacia el arte.

La Arquitectura

Concepto:

Es el arte de ordenar las superficies y volúmenes en un espacio. La función

primaria de la arquitectura es la protección contra la intemperie y otros factores hostiles del medio ambiente. Su función secundaria es satisfacer las necesidades privadas y públicas, así como las estéticas.

En la arquitectura, se conjugan el arte y la técnica de proyectar, construir y adornar edificaciones, creando espacios en función de alguna de las dimensiones de la vida humana. La ordenación del espacio se delimita generalmente por volúmenes sólidos (elementos tectónicos como muros, vigas, cubiertas o losas, pilares, arcos, etc.), los cuales determinan la forma y configuración del espacio. Estos estilos han variado, debido a las corrientes artísticas que han estado presentes en las épocas de la humanidad.

La arquitectura dentro de las Bellas Artes:

Sin tener sentido los edificios u otras construcciones ya se les considera como obras de arte. La Arquitectura puede consistir en muros, columnas, forjados, techos y demás elementos constructivos, su fin es crear espacios con sentido donde los seres humanos puedan desarrollar todo tipo de actividades. Así es como ésta es capaz de condicionar el comportamiento del hombre en el espacio, tanto física como emocionalmente.

Aunque en la actualidad suele considerarse que la principal actividad de la Arquitectura va dirigida al diseño de espacios para el refugio y la habitación sólo a partir del siglo XIX comenzaron los

arquitectos a preocuparse por el problema del alojamiento.

Esto infiere que antes no se enfocaban en proporcionar un lugar a las personas en donde estar, los construían para representar su poder, ya que las grandes construcciones no iban dirigidas a cualquier persona sino que a personas con gran poder.

Entonces el principal objetivo de la Arquitectura es o era, homenajear la belleza característica que la convierte en arte, debido a la necesidad de expresar sentimientos y emociones que puedan estar impuestas en un edificio.

Conclusión

Los griegos solo consideraron 6 bellas artes pero con el tiempo se han desarrollado más, pero si reflexionas sobe ellas, la verdad es que terminan siendo lo mismo que las primeas 6.

En nuestra opinión las 6 bellas artes son de gran importancia ya que son las que dan personalidad a la nación, un región, al mundo, entre otros.

ReferenciasBordón, Eduarda. El teatro recuperada en 8 de mayo de 2012 en: http://www.abc.com.py/edicion-impresa/suplementos/escolar/el-teatro-y-sus-caracteristicas-398889.html ( consultado el 23 de octubre de 2015)

Bolleto, M. A. (2011). La columna de la independecia Ciudad de México.

Casaballe, A. B. (2002). Fotoperiodismo. Obtenido de El documentalismo fotográfico: http://www.fotoperiodismo.org/FORO/files/fotoperiodismo/source/html/textos/bequer2.htm

CASABALLE, A. B. (2002). Fotoperiodismo. Obtenido de El documentalismo fotográfico: http://www.fotoperiodismo.org/FORO/files/fotoperiodismo/source/html/textos/bequer2.htm

dice, N. (7 de diciembre de 2007). slideshare. Obtenido de slideshare: http://es.slideshare.net/guest91f2d9/historia-de-la-fotografia-203137

Engels, C. M. (1892). Prologo a la educion polaca. Manifiesto del partido comunista, 2-3.

G., L. (12 de Diciembre de 2012). Critica Literaria. Obtenido de Viaje al Centro de la Tierra: https://literariacritica.wordpress.com/2012/12/13/viaje-al-centro-de-la-tierra/

Nervo, A. (s.f.). El piano: un gusto caro. Artes de México, 97.

1. ¿Qué apariencia tiene el museo o el lugar que visitaste? El museo (Soumaya) tiene una apariencia muy elegante pero moderna, tanto por el exterior como en el interior.

2. ¿Cuál obra elegiste? Elegí una obra (escultura) que se titula como “El elefante espacial”

3. ¿Por qué te llamo la atención? Me llamo la atención, porque, el animal en particular me gusta, pero no solo fue eso, también fue porque en una de las partes d la escultura, tiene o contiene una idea de una época que me gusta mucho.

4. ¿Cuál es su autor? Salvador Dalí.5. ¿Qué antigüedad tiene? 19806. ¿De qué material está hecha? Bronce

7. ¿A qué país o cultura pertenece? España.

8. ¿A qué estilo o corriente pertenece? Surrealista

9. ¿Cuáles son sus dimensiones? 51 x 40.5 cm

10. ¿Cuáles son sus aspectos formales más destacados? Elefante con piernas largas y delgadas y que carga una pirámide.

11. ¿Cuál es el mensaje de la obra según tu interpretación? Mi primera interpretación fue, que el mundo es tan lento pero a la vez tan grande, en este caso el elefante, y que tenemos una gran carga (la pirámide) y que vivimos con ella.

Visita a Museo: San Carlos.

A) ¿Qué apariencia tiene el museo o sitio que visitaste?

Tiene una apariencia parecida a un convento antiguo, pero bien conservado.

B) ¿Cuál obra elegiste?

E l triunfo de la Fe.

C) ¿Por qué te llamo la atención?

Por el nombre de la obra.

D) ¿Cuál es su autor?

Jan Ijkens.

E) ¿Qué antigüedad tiene?

1613- 1679 (336 años desde que se terminó).

F) ¿De qué material está hecha?

Óleo sobre lámina.

G) ¿A qué escuela o cultura pertenece?

Pertenece a Amberes una ciudad que está ubicada en Bélgica.

H) ¿A qué estilo o corriente pertenece?

Pertenece al estilo Barroco.

I) ¿Cuáles son sus dimensiones?

90 cm de largo por 70 cm de ancho aproximadamente.

J) ¿Cuáles son sus aspectos formales más destacados?

Tiene muchos ángeles, un ser divino que va alumbrando el camino y personas que dan la impresión de que tienen frio y están cansadas, pero aun así van detrás de la carreta la cual perece que está hecha de oro, además llevan una cruz la cual quiero entender que es la principal causa de esperanza.

K) ¿Cuál es el mensaje de la obra según tu interpretación personal?

En mi opinión quiere comunicar que Dios no te va a desamparar en ningún momento, puedes estar confiado de él, porque siempre va alumbrar tu camino y que no importa lo mal que la estés

pasando debes de tener Fe en que todo se va a arreglar.

Fuentes:

El triunfo de la Fe, (pintura) Jan Ijkens, Museo Nacional de San Carlos, Amberes, Bélgica

Uribe J. Yohan. Pintura ¨El triunfo de la Fe¨ recuperado en 21 de marzo de 2015 en: https://www.elsiglodetorreon.com.mx/noticia/1098048.quinientos-anos-de-arte-europeo-en-el-arocena.html (Consultado el 25 de agosto de 2015).

Museo Nacional de San Carlos. Pintura ¨El triunfo de la Fe¨ recuperado en 2012 en: http://www.mnsancarlos.com/cursopintura

.html (Consultado el 27 de agosto de 2015).

https://www.elsiglodetorreon.com.mx/noticia/1098048.quinientos-anos-de-arte-europeo-en-el-arocena.html

http://www.mnsancarlos.com/cursopintura.html

Ven y revive con el arte de nuestros antepasados.

http://dfinitivo.com/secciones/page/86/

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Grupo 2 21 de Agosto de 2015

Atreves de las Almas “La Huésped”

Ficha Técnica:

Título: The Host (La huésped)Título original: The HostAutora: Stephenie Meyer País: Estados UnidosAño: 2013Núm. Páginas: 715Género: Ciencia ficción y Romance

Sinópsis:

Un enemigo invisible plaga a nuestro planeta. Los seres humanos se han convertido en huéspedes de una especie invasora que se adueña de sus mentes. La captura de Melanie, una de las pocas que seguía en “estado salvaje” parece ser el fin.

Wanda, el alma invasora en el cuerpo de Melanie, recibió toda clase de advertencias sobre lo que implica habitar un cuerpo humano. Wanda investiga los pensamientos de Melanie para encontrar a la resistencia, pero esta Melanie la inunda de pensamientos del hombre que ama (Jared). Obligadas por las circunstancias, Wanda y Melanie se convertirán en aliadas para encontrar al hombre que aman.

Reseña:

Este libro habla sobre, los extraterrestres a los cuales se les conocía como almas, que se desconoce su paradero, que invaden nueve mundos diferentes, incluyendo a la tierra con el propósito de salvarnos de nosotros mismos, con el costo que sea, esta historia se centra en dos personajes cual uno es, un alma alienígena (Wanda) y el otro es un ser

humano común (Melanie) la cual forma parte de la resistencia humana contra las almas.

Las almas secuestraban indiferentemente a cualquier ser vivo, metiéndoles un alma, la cual causaba una batalla interna sobre el control, si el alma ganaba esa batalla el cuerpo viviente moría sin ningún tipo de sufrimiento o dolor, pero si el cuerpo viviente ganaba aquella batalla, el alma que se había metido tenía como obligación informar o reportar a sus superiores aquel acontecimiento, y ellos decidían si cambiaban el alma por una más fuerte o mataban con uso de la violencia al cuerpo o al huésped que era como ellos le decían a los seres vivos.

En el planeta existe un grupo de personas sobrevivientes al ataque inicial de las almas (no tienen un alma alienígena) que se les conoce como la resistencia. Melanie que era parte de la resistencia, que tenía un alama dentro de ella pero todavía no perdía el control de su cuerpo, y esa alma se llamaba Wanda, la cual tenía como misión ganar el control total del cuerpo de Melanie para revelar la ubicación de la resistencia, pero esa misión no duro mucho ya que Melanie inundo a Wanda con pensamientos de Jared que es al joven que ama lo cual causo que Wanda se enamorara de él.

La resistencia buscaba algún modo de extraer el alma del cuerpo sin matar al cuerpo, pero por más que intentaban no podían, hasta que Wanda recapacito sobre lo que estaba haciéndole a la humanidad, nunca había sentido este sentimiento porque nunca se había

enfrentado a un ser vivo con pensamientos y sentimientos, así que decidió ayudar a la resistencia para extraer el alma sin matar al cuerpo. La resistencia acepto la ayuda de Wanda, la cual cumplió con su promesa de ayudarles, una vez extrayendo el alma, la mandaron a otro planeta lejano donde no pudiera causar daño.

Melanie y Wanda se hicieron compañeras de cuerpo, sin hacerse daño mutuamente, todo parecía marchar bien, hasta que Kyle (hermano de Ian) intento ahogar a Melanie y Wanda para evitar cualquier traición de Wanda y que revelara la ubicación de la resistencia pero este Kyle cambio de parecer ya que al intentar tirar a Melanie a un arroyo el resbaló, pero esta Wanda decidió salvarle la vida, a pesar que esta Melanie le decía lo contario.

Melanie se estaba dando por vencida en la batalla interior, y Wanda, poniendo su vida en riesgo, beso a Jared para que Melanie recordara y persistiera, pero esto no podía seguir así, y este Ian estaba consciente de eso, y decidió buscar un cuerpo en donde pudiera situar a Wanda. Pero esta Wanda no estaba de acuerdo, ella se quería ir del planeta para no causar problemas, pero aun así Ian tomo la decisión de cambiarle el cuerpo a Wanda.

La resistencia empezó a movilizarse, porque la buscadora (alma que se encarga de localizar a un alma en especial) de

Wanda ya había encontrado la ubicación, pero lograron capturarla y despojarla del cuerpo que tenía en su poder, pero a pesar de eso la resistencia ya estaba comprometida, pero gracias a esta situación encontraron a otra resistencia, la cual les ayudaría a combatir a las almas.

Bibliografía:

Stephenie Meyer. The Host . USA: Santillana , 2013.

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Grupo 2 24 de agosto de 2015

Un Amor de Opera “El fantasma de la Opera”

Ficha Técnica:

Dirección: Edward Sedgwick, Lon Chaney, Rupert Julian, Ernst Laemmle.Países: Estados Unidos.Año: 1986.Duración: 93 min.Género: Drana y terror.Reparto: Lon Chaney, Mary Philbin, Norman Kerry, Arthur Edmund Carewe, Gibson Gowland, John St. Polis, Snitz Edwards, Mary Fabian, Virginia PearsonProducción: Universal Pictures

Estreno en Estados Unidos: 9 de Octubre de 1986.

Sinopsis:

El Fantasma de la Opera es una romántica historia de amor. Su protagonista habita en los subterráneos de la Opera de París. Durante algún tiempo se ha dedicado a horrorizar a los artistas y empresarios del teatro. Su lugar es ocupado por una bailarina conocida de nombre Christine, tiene un viejo enamorado, Raúl. El fantasma de la Opera, se pone celoso por Raúl, y hará todo lo posible por ganar el amor de Christine.

Erik (El fantasma) vive en el teatro donde su cara fue deformada por un incendio en ese mismo

teatro, quien escribe cada una de las óperas que son representadas en ese mismo teatro.

Reseña:

La historia, se centra en dos personajes, en el fantasma y en Christine, que se enfrentaran a una historia trágica de amor y de aventura. Erik vive oculto en el teatro, por pena a mostrar su cara, Erik es un gran compositor de óperas, el escribe cada una de ellas, las cuales son representadas en el teatro donde él vive.

Erik vivía asustando y amenazando a todos los empleados, y actores que participaban en sus óperas, quienes si no cumplían sus deseos y caprichos, les causaba daño, algunos le decían el Fantasma de la Ópera, y por esos rumores

el teatro se fue olvidando y dejado en el pasado.

Pero una joven actriz quien buscaba triunfar, pasara lo que pasara, Christine acompañada por su amor Raúl, quien la apoyaba incondicionalmente, buscaron una oportunidad en el teatro donde vivía el Fantasma de la Ópera. Pero inmediatamente que Erik vio a Christine se enamoró de ella.

Obviamente ellos dos no sabían de la presencia de Erik, ya que creían que era solo un simple mito, o que simplemente el Fantasma ya se había ido, por lo tanto se adentraron en los papeles de las óperas de ese teatro sin pensarlo dos veces. Realmente esta Christine no corría peligro, siempre y cuando siguiera los caprichos del desconocido compositor (Erik), pero este Raúl aunque siguiera los

caprichos encomendados, nada podría cambiar su cruel destino que firmo al entrar al teatro.

Erik hizo triunfar a Christine, ella creía que era gracias a sus talentos musicales, pero no era así sino que era gracias a la ayuda de Erik. Todo marchaba bien, hasta que Christine se percató de la existencia de Erik, así que fue secuestrada por él, quien le confeso su amor y su historia, pero le pidió que guardara su secreto.

Christine vio algo en Erik, que era todo lo contrario al hombre que era descrito, vio un hombre con corazón, pero sin propósito, a un hombre afectado desde la infancia, a alguien quien no tuvo cariño de sus padres y por lo mismo se vio obligado a escapar de casa a muy temprana edad.

Conforme pasaba el tiempo, Christine empezó a sentir algo por Erik, pero los dos entendían que su amor sería imposible, ya que Erik era buscado por todas partes, por asesinato y varios crímenes más. Un día descubrieron el paradero de Erik, y lo fueron a buscar, pero su amada, le advirtió para que escapara, pero no quiso por que el teatro era su hogar, le dijo sus últimas palabras a su amada, antes de saltar a un precipicio. La policía nunca encontró el cuerpo, después de un tiempo volvieron los rumores que seguía vivo el gran Fantasma de la Ópera.

Esta adaptación me gustó mucho, porque se respeta la historia original de la obra, y tiene grandes nudos, tanto de romance como de asesinato, y tiene gran drama, y la historia nunca es tediosa ni

repetitiva en ningún sentido, aparte que también se expresa en forma musical y en ocasiones sin tener que decir nada, se entiende y se siente lo que Erik o Christine sentían o querían decir.

Referencias:

Universal Pictures . (2004). El Fantasma de la Ópera . 14 de Octubre del 2015, de estamosrodando Sitio web: http://cine.estamosrodando.com/peliculas/el-fantasma-de-la-opera-1925/ficha-tecnica-ampliada/

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Reseña

Las supersticiones en ¨La Dama de Negro¨

Ficha técnica.

Director: Rafael Perrín

Estados: Puebla, Guadalajara, Guanajuato, Ciudad de México, Torreón Coahuila, San Luis Potosí.

Año: 1982

Duración: 150 minutos

Género: Miedo

Personajes: Odiseo Bichir, Juan Carlos Colombo, Benjamín Rivero, Fabián Lozano García, Ricardo Morell, Patricia Perrín, Lupita Adriana.

Guion: Susan Hill

Producción: Antonio Calvo y Carlos Bracho

La dama de negro es una obra de terror y superstición que se desarrolla en pueblos y un pantano donde la muerte de niños ya es costumbre, los habitantes creen en una señora vestida de negro la cual hipnotiza a los niños y los lleva a matarse.

Toda la historia da comienzo con un hombre el cual es enviado a un pueblo para conseguir los papeles de una casa la cual se encuentra en un pantano y según se dice esta embrujada. Cuando el hombre en busca de la casa en el pantano llega al pueblo se dirige inmediatamente a la casa donde se encuentra con un campo completamente abandonado y una casa enorme y vieja donde se encuentra con muchas cartas de una señora deseándole un gran cumpleaños a su hijo. Poco a poco va pasando el tiempo y el hombre se va enterando que en esa casa habita una señora vestida de negro la cual según las supersticiones de los habitantes es la culpable de la muerte de muchos niños ya que según la leyenda cada vez que una persona la logra ver comienza a hipnotizar

niños de modo que ellos sin estar conscientes terminan cometiendo suicidio.

En varias ocasiones que el hombre fue a la casa vio a la dama además de escuchar ruidos muy raros que afirmaban que la casa en efecto no estaba del todo abandonada, también logro enterarse acerca de la historia sobre aquella dama, la cual decía que ella había perdido a su hijo cuando en compañía de su hermana se hundió en el pantano y por desgracia el niño se ahogó, en la casa había muchos cartas y pensamientos de amenaza por parte de la dama diciendo que su hermana iba a pagar por su gran error de esta forma la dama manifestando su enojó por la muerte de su hijo y además porque en el tiempo que vivió su hermana jamás dejo que la dama y el niño se vieran, el hombre ya sabiendo la historia estaba seguro que la dama seguía viviendo en la casa lo cual pudo comprobarlo gracias a que un día se quedó toda la noche sin duda la peor de su vida ya que vio a la dama colgada en el cuarto de juegos debido que ella había cometido suicido al saber lo de su hijo de igual manera al estar muy asustado por los ruidos en la casa quiso salir pero al abrir la puerta logro ver a todos los niños que habían muerto, esto sin duda alguna lo estaba volviendo loco hasta que por la mañana llego un hombre amigo suyo, al pasar los días en el pueblo se sabían de más y más niños que morían a causa de la dama de negro, el hombre tenían un hijo que lo esperaba en casa pero sabía que si no hacía nada para terminar con la maldición la dama iría por su amado hijo, por lo que sus medidas de prevención fue ir al pantano sacar al hijo de la dama, limpiarlo, llévalo a su cama y empezar a atraer a la dama la idea del hombre era rencontrarlos para que ella pudiera irse en paz, pero no funciono ya que ella si se rencontró con su hijo pero repitió su frase ¨nunca te perdonare¨ el hombre convencido de que lo había logrado regreso con su hijo

sin embargo la dama lo siguió y cuando estaban él y su hijo en la estación del tren la dama se apareció y el niño comenzó a caminar sobre las vías del tren, cuando el hombre se dio cuenta corrío por su hijo pero ya venía el tren y de repente ya estaban muertos.

En lo personal no me gusta nada que tenga que ver con terror por lo que cualquier cosa que tenga que ver con miedo me podría asustar, es por eso que no puedo dar una opinión acerca de la obra debido a que en el género del miedo no estoy muy familiarizada.

Fuentes:

La dama de negro, recuperada en 09 de octubre de 2015 en: http://www.ladamadenegro.com/ (consultado en 10 de octubre de 2015)

La dama de negro, recuperada en 10 de octubre de 2015 en: http://www.informador.com.mx/entretenimiento/2015/571976/6/el-origen-de-la-dama-de-

negro.htm (consultado en 10 de octubre de 2015)

http://www.ladamadenegro.com/

http://www.informador.com.mx/entretenimiento/2015/571976/6/el-origen-de-la-dama-de-negro.htm

INSTITUTO TECNOLÓGICO Y DE ESTUDIOS SUPERIORES DE MONTERREY

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Gisela Acevedo GómezLengua española, arte y

cultura.

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Grupo 2.8 de Octubre del 2015.

“Escultura del Romanticismo”

(Bolleto, 2011)

Una de las principales características del arte romántico, en Francia como en otras partes, fue la más importante de las expresiones artísticas en la historia, se dice que la pintura resalto mas dejando a la escultura y la arquitectura como artes menores.

Centrándonos en la escultura romántica, esta se caracterizo por la moda del bajorrelieve, de la estatuilla del medallón y la caricatura de yeso o terracota. Los temas los adornos de chimenea y el reloj, reemplazaron a diversas estatuas, buscando la economía en los materiales. Las técnicas del mármol y del bronce se dejaron de aplicar ya que su costo era elevado pero en su lugar se utilizaron el hierro fundido o el zinc dorado.

“Ángel de la Independencia”

El arquitecto Antonio Rivas Mercado fue el autor de esta escultura, originalmente el proyecto constaba de nueve escalones para subir hasta la base del monumento, pero debido al hundimiento actualmente cuenta con 14 más.

El monumento fue inaugurado el 16 de septiembre de 1910 por el presidente Porfirio Díaz con el motivo del centenario de la independencia de México.

El basamento de dicho monumento es rectangular y en cada una de sus esquinas en figuras de bronce están representadas la ley, la justicia, la guerra y la paz, en la parte de en frente hay una placa de color blanco donde se puede leer lo siguiente:

“La nación a los héroes de la independencia”

Y junto de esta placa se encuentra otra escultura de un león que es conducido por un niño que quiere representar “Fuerte en la guerra, dócil en la paz”, así mismo en esta base se puede apreciar esculturas de mármol que representan a los principales héroes de la independencia mexicana.

El monumento mide 45 metros de altura que es más o menos equivalente a un edificio de 15 pisos. La columna tritostila está estructurada en acero y recubierta con algunas piezas labradas de cantera de Chiluca decoradas con palmas, guirnaldas y dos anillos que llevan los ocho nombres de los héroes de la Independencia.

En su capitel se pueden apreciar cuatro águilas con las alas desplegadas de aquel entonces retomadas del escudo mexicano.

El ángel representa a la Victoria Alada y es obra del escultor italiano Enrique Alciati, está hecha con broce y recubierta con oro, mide 6.7 metros y pesa 7 toneladas. En una mano sostiene una corona de laurel que representa la victoria y en la otra mano sostiene una cadena con

eslabones rotos que representa el fin de la esclavitud.

(Bolleto, 2011)

BibliografíaBolleto, M. A. (2011). La columna de la independecia Ciudad de México.

Casaballe, A. B. (2002). Fotoperiodismo. Obtenido de El documentalismo fotográfico: http://www.fotoperiodismo.org/FORO/files/fotoperiodismo/source/html/textos/bequer2.htm

CASABALLE, A. B. (2002). Fotoperiodismo. Obtenido de El documentalismo fotográfico: http://www.fotoperiodismo.org/FORO/files/fotoperiodismo/source/html/textos/bequer2.htm

dice, N. (7 de diciembre de 2007). slideshare. Obtenido de slideshare: http://es.slideshare.net/guest91f2d9/historia-de-la-fotografia-203137

Engels, C. M. (1892). Prologo a la educion polaca. Manifiesto del partido comunista, 2-3.

G., L. (12 de Diciembre de 2012). Critica Literaria. Obtenido de Viaje al Centro de la Tierra: https://literariacritica.wordpress.com/2012/12/13/viaje-al-centro-de-la-tierra/

Nervo, A. (s.f.). El piano: un gusto caro. Artes de México, 97.

El romanticismo. (s.f) Recuperado el 7 de octubre del 2015, de http://www.rena.edu.ve/cuartaEtapa/historiaArte/Tema14.html

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Grupo 2.27/Agosto/2015.

“Visita al museo”

Llenar el siguiente cuestionario:

a) ¿Qué apariencia tiene el museo o sitio que visitaste?

Por fuera tiene forma de un panal pero en color plateado, grande y por dentro es totalmente blanco, está muy bien cuidado y esta muy padre.

b) ¿Cual obra elegiste?

La piedad (Escultura) Michelangelo Bounarroti, Museo Soumaya, Florencia, Italia.

c) ¿Por qué te llamo la atención?

Porque representa una escena de lo que fue una parte demasiado importante de la crucifixión de Jesús y en ella se puede ver el rosto de María así como lo dice su titulo suplicando piedad.

d) ¿Cuál es su autor?

Michelangelo Bounarroti.

e) ¿Qué antigüedad tiene?

2 siglos.

f) ¿De qué material está hecha?Bronce con patina café.

g) ¿A qué escuela (país) o cultura pertenece?

A la Casa Marinelli.

h) ¿A que estilo o corriente pertenece?

Es una escultura representada por el absolutismo.

i) ¿Cuáles son sus dimensiones? (Tamaño)

No podría decir su dimensión exacta pero un aproximado seria de 3 metros de largo por 4 de alto.

j) ¿Cuáles son sus aspectos formales mas destacados?

Su material en el cual está hecho y el sentimiento que provoca.

k) ¿Cuál es el mensaje de la obra según tu interpretación personal?

Pues a mi punto de vista representa muy bien su titulo ya que es una escena de la crucifixión de Jesús y es una parte donde la virgen María pedía momentos de piedad por el dolor en el cual ella se encontraba.Más que nada representa desesperación y tristeza.

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Grupo 2.17/Septiembre/2015.

“Articulo de arte”

“Hace tiempo que tener maestro de piano en México es algo completamente indispensable, algo que entra en lo imprescindible de la vida.Naturalmente ser profesor de piano es un negocio, y bueno, entre nosotros. Si el profesor es modesto, cosa muy rara, cobra de 16 a 20 pesos mensuales por su indispensable enseñanza. Si es profesor de taco cobra ocho o diez pesos por lección.Si suponemos que una señorita normalmente estudia ocho años el piano, y que paga mensualmente 20 pesos, tendremos que en cada casa se invierten 1 920 pesos de maestro, más 1 200 de un piano por la primera hija que estudia.Si suponemos que las niñas son tres, ya tenemos una fortuna de 5 760 pesos, más 1 200 pesos del piano, es decir, 6 960 pesos invertidos en la educación musical.Sigamos suponiendo. En la República hay, poco más o menos, 40 000 muchachas que estudian piano, y como hemos supuesto que cada una gasta en el término de ocho

años, con piano y todo, cuando menos 6 960 pesos, tendremos, multiplicando esa cantidad por 40 000, la enorme suma de 278 400 000 pesos, gastada en ocho años en el país.”

(Nervo)Bolleto, M. A. (2011). La columna de la independecia Ciudad de México.

Casaballe, A. B. (2002). Fotoperiodismo. Obtenido de El documentalismo fotográfico: http://www.fotoperiodismo.org/FORO/files/fotoperiodismo/source/html/textos/bequer2.htm

CASABALLE, A. B. (2002). Fotoperiodismo. Obtenido de El documentalismo fotográfico: http://www.fotoperiodismo.org/FORO/files/fotoperiodismo/source/html/textos/bequer2.htm

dice, N. (7 de diciembre de 2007). slideshare. Obtenido de slideshare: http://es.slideshare.net/guest91f2d9/historia-de-la-fotografia-203137

Engels, C. M. (1892). Prologo a la educion polaca. Manifiesto del partido comunista, 2-3.

G., L. (12 de Diciembre de 2012). Critica Literaria. Obtenido de Viaje al Centro de la Tierra: https://literariacritica.wordpress.com/2012/12/13/viaje-al-centro-de-la-tierra/

Nervo, A. (s.f.). El piano: un gusto caro. Artes de México, 97.

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Grupo 2.

20 de septiembre del 2015.

“El niño con la pijama de rayas”

Ficha técnica:

Dirección: Mark Herman.Países: El reino Unido, Estados Unidos.Año: 2008Duración: 94 min.Género: Drama, thriller, bélico.

Doblaje original: Asa Butterfield (Bruno), Vera Farmiga (la madre), David Thewlis (el padre), Jack Scanlon (Shmuel), Amber Beattie (Gretel), Richard Johnson (el abuelo), Shelia Hancock (la abuela), Rupert Friend (teniente Kotler), David Hayman (Pavel), Jim Norton (Herr Liszt), Cara Horgan (Maria).Guión: Mark Herman.Producción: David Heyman.Música: James Horner.Diseño de producción: Martin Childs.Dirección artística: Mónika Esztán, Razvan Radu, Rod McLean, Szilvia Ritter.

RESEÑA.

Sinopsis:

El niño con la pijama de rayas relata la historia de dos niños Bruno y Shmuel, Bruno es hijo de un oficial Nazi que al ascender de grado el junto a su familia es obligada a mudarse hacia una casa que esta aislada de la ciudad, es ahí cuando Bruno no tiene nada que hacer ni nadie con quien jugar, asi que muerto de aburrimiento y atraído por la curiosidad decide ir a explorar hacia la parte de atrás de su casa, ignorando la regla de su madre que consistía en nunca ir hacia la parte trasera de su hogar, y fue que corrio hasta llegar hacia “la granja” que se podía ver desde su alcoba, al llegar ahí vio a un niño de su misma edad llamado Shmuel, Bruno al no tener con nadie mas jugar decide ir formando una gran amistad sin saber que sus mundos son realmente paralelos ya que Bruno siendo hijo de un oficial Nazi y Shmuel siendo hijo de judíos, no podrían ser amigos pero eso no

es impedimento para ellos, asi que Bruno cada día y puntualmente a las 2 de la tarde corría para poder ir a platicar y jugar con Shmuel.

Y así fue creciendo su amistad hasta que un día la madre de Bruno se dio cuenta que la famosa “granja” que mencionaba su hijo no era tal cual si no era un campo de fuerza donde se dedicaban a matar judíos, así que decidió discutir con su esposo sobre el porqué no había mencionado esto, y llegaron a la conclusión de que tendrían que mudarse hacia otro lugar, en cuanto Bruno escucha esto decide escapar de su hogar para estar a lado de Shmuel, y que habían prometido nunca separarse, Shmuel le dice a Bruno que no encuentra a su padre así que cuando se encuentran los dos juntos deciden buscar a su padre pero en el intento quedan atrapados en el horno donde se dedicaban a quemar los cuerpos de los hombre judíos.

Esta película esta basada en el libro del autor John Boyne que lleva el mismo titulo y fue publicado en el 2006.

FUENTE:

http://cine.estamosrodando.com/peliculas/el-nino-con-el-pijama-de-rayas/ficha-tecnica-ampliada/

No dejes que tus llantas te hagan ir lento.

www.midas .com.mx

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Marlen Carera Valencia.18/Agosto/2015

A01376832

Adrian Isaac Martínez Armas

A01378017

Grupo: 2

“Reflexión sobre la noción de la lengua”

1- ¿Por qué es importante conocer la clasificación de las lenguas y cuál es su utilidad en el mundo real?

Para saber en qué estructura podemos comunicarnos y asì saber ponerlo en práctica con la comunidad

2- ¿Qué aportación hace las ramas de la lingüística a nuestra vida cotidiana?

Para tener una idea más completa y rica en vocabulario de uno o varios idiomas.

3- Ahora que conocen la definición de lengua como definirán lo que es el lenguaje?El lenguaje es en la forma en la que nos comunicamos los seres humanos unos con otros mediante signos orales o escritos.

4- ¿Cuáles son las principales diferencias entre la lengua hablada y la lengua escrita? Menciona ventajas y desventajas.

Pues que con la lengua hablada se pueden hacer diferentes entonaciones de palabras y al igual varias expresiones.Y con la lengua escrita se pueden aplicar varios signos y tipos de escritura.La diferencia que hay entre los dos es que en la lengua hablada expresa las ideas y da parte a la comunicación con la sociedad y la escrita son las formas de hacerlo como las cartas o códigos de la lengua.

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La música como bella arte

La música a igual que la escultura, la literatura, la pintura, la arquitectura, la danza y el teatro, está considerada dentro del campo de la Bellas Artes. Pero difiere de las demás ya que no se puede ver ni palpar, sólo puede expresar sentimientos y emociones. Entra por los oídos, toca el corazón y el espíritu de quien la escucha.

La música se diferencia de otras expresiones artísticas (pintura, escultura, arquitectura, danza) en la forma y elementos de expresión, que cada una emplea, aunque todas tienen el mismo fin comunicación y expresión de los seres humanos para hacer más agradable y fácil la convivencia humana.

La música es diferente de las otras expresiones artísticas por sus

características y por los elementos que emplea, pero debemos tener presente que existe una correspondencia en todas las artes, hay elementos como el espacio, movimiento, color, ritmo, la forma etc., que son punto de contacto y fundamento entre ellas aunque varían el enfoque y las características en cada manifestación.

El término música tiene su origen del latín “musica” que a su vez deriva del término griego “mousike” y que hacía referencia a la educación del espíritu la cual era colocada bajo la advocación de las musas de las artes.

Puede decirse que la música es el arte que consiste en dotar a los sonidos y los silencios de una cierta organización. El resultado de este orden resulta lógico, coherente y agradable al oído.

La música, en definitiva, consiste en combinar sonidos y silencios. Los sonidos, a su vez, pueden ser infinitos, ya que es posible trabajar con innumerables variaciones de duración, intensidad, altura o timbre.

La música es un arte que acompaña la vida del ser humano desde los comienzos de la historia. Según explican ciertas teorías su origen tuvo lugar a partir de intentar imitar los sonidos que existían en la naturaleza y sonidos provenientes de la parte interna del ser humano, como el latido del corazón. Los descubrimientos que se han hecho en torno a este arte demuestran que ya existían conceptos de armonía en la música de la prehistoria.

Aprovecha y acompaña al agente 007 en su misión.

www.cinemex.com/promociones

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14 de octubre del 2015

El legado de la dama

Ficha técnica:

Director: James Watkins

País: Reino Unido, Canadá, Suecia

Año: 3 de febrero de 2012

Duración: 95 minutos

Actores: Daniel Radcliffe, Ciarán Hinds, Janet

McTeer, Sophie Stuckey, Liz White.

Alisa Khasanova

Guion: Jane Goldman

Adaptación de: La dama de negro

Historia creada por: Susan Hill

Música: Marco Beltrami

Sinopsis:

Un joven abogado, es enviado a una aldea y poner en orden los papeles de un difunto cliente. A medida que trabaja sólo en la aislada casa del cliente, Kipps comienza a destapar secretos que

resultan ser trágicos, su incomodidad crece cuando vislumbra a una mujer misteriosa vestida toda de negro. Al recibir sólo silencio de parte de la gente del lugar, Kipps es forzado a destapar la verdadera identidad de la Mujer de Negro por su cuenta, entrando en una carrera desesperada contra el tiempo cuando descubre la intención real de esa mujer…

Reseña:

Largas escenas se suceden una tras otra sin prácticamente hacer avanzar a la historia, lo que marca un claro ejemplo de la apatía narrativa de la cual es presa “La Dama de Negro”. Ni la excelente actuación de Daniel Radcliffe, ni su impecable y perfecto apartado técnico pueden compensar de algún modo a una historia que se torna sumamente aburrida ya desde los 20 minutos en adelante. La historia no avanza, y si lo hace, la verdad es que lo hace prácticamente por inercia y no por méritos ni de un guión coherente ni de un correcto ritmo narrativo.

Todo lo contrario debo decir del aspecto técnico de la cinta, el cual es realmente excelente. Un tremendo vestuario, una muy buena fotografía y un manejo de cámaras sumamente bueno son sólo algunos de los ejemplos de la impecable calidad técnica del filme. Y si a esto le sumamos que las actuaciones son sumamente convincentes, debemos resumir en que el único y gran problema de la cinta es, a mi modo de ver, lo anteriormente citado sobre el guión del filme y su pobre ritmo narrativo. Las motivaciones del personaje de Radcliffe cambian a lo largo de la película pero

ambas están atadas a la trama, pero aún así sus decisiones son debatibles.

El elemento sorpresa y la manera en la que nos presentan la historia funciona muy bien y es una tremenda adaptación de la novela de Susan Hill. Por su parte Daniel Radcliffe hace una buena interpretación como “Arthur Kipps” y nos hace olvidar por completo su personaje de “Harry Potter” y eso es algo muy difícil de lograr cuando el público que te ve te reconoce principalmente por ese personaje con el que se dio a reconocer un actor. Es muy común ver actores que dejan de ser actores y se convierten en un personaje [uno solo] y no importa qué hagan en su carrera siempre serán ese personaje. Pensé que ese sería el caso con el actor Daniel Radcliffe quien dio vida por tantos años al personaje de “Harry Potter” pero su nueva película ‘The Woman in Black’ fue un paso adelante con el pie derecho para este joven actor.

La casa embrujada es un lugar común dentro del mundo del terror y en La dama de negro está muy bien recreada. Es una casa muy sombría, enorme y abandonada, llena de maleza en sus alrededores. El decorado interior también resulta macabro: muñequitos con caras tenebrosas, juguetes roídos, muebles muy antiguos venidos a menos.

Otro factor terrorífico, que también forma parte de los lugares comunes del género, son los niños. Cuando hay niños macabros involucrados, el terror aumenta. Las sombras, las siluetas lejanas que están y luego desaparecen, las cosas que se mueven, La dama de negro cumple con

todos estos lugares comunes del cine de terror.

Hay que destacar el buen maquillaje de los actores, especialmente el de Daniel Radcliffe, que logra aparentar unos cuantos años más que los cortos 23 que tiene en la vida real.

En definitiva, La dama de negro (en inglés: The woman in black) es una película que se mantiene muy dentro de los márgenes del terror más clásico y presenta un resultado bien logrado.

Crea un buen clima, tiene un buen argumento, escenas de suspenso y terror que generan verdadera angustia en su justa medida. Nada asqueroso, puro terror psicológico: es una fuerte apuesta al terror del viejo. Y como broche de oro, nos trae un final... interesante, lo cierto es que no es muy memorable, con todo y sus aciertos. Sonará trágico, pero las audiencias de hoy en día ya no se asustan tan fácilmente…

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9 de octubre del 2015

El arte en la música.

Obra: Le quattro stagioni

Autor: Antonio Vivaldi

Duración: 40 minutos (dependiendo de la versión)

Año de publicación: 1725

Vivaldi en la historia:

Antonio Vivaldi instituyó las bases de lo que hoy conocemos como concierto para un solista, su dominio alcanzó no sólo a Bach sino también a F.J. Haydn, quien curiosamente participó en su infancia en el coro que ponía la música en los funerales de Vivaldi, en Viena. La popularidad de Vivaldi se asignó no solo en Venecia, sino que también lo hizo en Alemania, donde Johann Sebastián Bach examinó y copió numerosos conciertos de violín adaptándolos para el clavecín. Cabe mencionar que Vivaldi dispuso una ópera que recibe el nombre de Moctezuma en homenaje al penúltimo Emperador Azteca Moctezuma esta ópera, llena de errores históricos cuenta

a su manera, la conquista de México en 1521 por parte de Hernán Cortés y los soldados Españoles. La ópera Moctezuma duró extraviada durante siglos y recientemente fue encontrada 

Biografía:

Nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia. Estudió con su padre, Giovanni Battista, apodado Rossi que fue violinista en la catedral de San Marcos.

Comenzó a enseñar en un conservatorio de niñas huérfanas, el Ospedale della Pietá, donde permaneció hasta 1740 como profesor mientras componía conciertos y oratorios para los conciertos semanales.

Autor de más de 500 conciertos y 70 sonatas, 45 óperas, música religiosa como el oratorio Juditha triumphans (1716), el Gloria en re (1708), misas y motetes. Johann Sebastian Bach, estudió su obra mientras se formaba. Sus conciertos fueron un modelo a seguir en toda Europa, influyendo en todos sus contemporáneos.

Más de 300 de sus conciertos están escritos para solista (220 para violín y otros para fagot, violonchelo, oboe y flauta). Además escribió concerti grossi, 25 para dos violines y 32 para tres o más instrumentos y algunos son concerti de ripieno (para orquesta sin solistas).

Estableció una de las características básicas del concierto de los siglos siguientes: su uso para lucimiento del virtuoso. Fue el primer compositor que utilizó de forma coherente el ritornelo. Éste se repetía en diferentes tonalidades y era interpretado

por toda la orquesta. Alternaba con episodios interpretados por el solista, a menudo de carácter virtuosita. Sus conciertos para violín opus 8, Las cuatro estaciones, son uno de los primeros ejemplos de música programática.

Durante su vida fue más reconocido como violinista que como compositor, siendo también acusado de repetitivo y rutinario. Desde 1713 fue compositor y empresario de óperas en Venecia, visitando además otras ciudades para supervisar las representaciones de sus óperas.

Hacia 1740 entró al servicio de la corte del emperador Carlos VI en Viena, donde Antonio Vivaldi murió el 28 de julio de 1741. En su funeral, celebrado en la catedral de Viena, cantaron los niños del coro de la catedral, entre los que se encontraba el compositor Joseph Haydn.

Obra:

Las cuatro estaciones (Le quattro stagioni) de Vivaldi se muestra la alegría y al mismo tiempo la frialdad de la época, esta obra está llena de emociones que van mas allá del sonido de la obra, en esta canción podemos apreciar la adaptación a cada estación del año en la música destacando sonidos representativos de las mismas, esto obviamente enfocado a la sociedad del siglo XVIII. Lo primero que podemos apreciar de la obra es el ambiente de la época en la cual se interpreta, con solo escuchar un pequeño fragmento puedes inferir demasiadas cosas sobre la época, esto es lo que más resalta a la obra y a sí mismo a la popularidad de la misma.

Referencias:

(27 de agosto del 2012). Las 4 estaciones. 7 de octubre del 2015, de slideshare Sitio web: http://es.slideshare.net/jotaceaqp/las-4-estaciones-de-vivaldi

Pablo Bensaya. (diciembre del 2005). Las cuatro estaciones. 7 de octubre del 2015, de presencias.net Sitio web: http://presencias.net/paseo/vivaldi/doc/lce.html

equipo de buscabiografias.com. (diciembre 1999). Antonio Vivaldi . 7 de octubre del 2015, de buscabiografias Sitio web: http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/2546/Antonio%20Vivaldi

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Grupo 2 21 de septiembre de 2015

El legado de Belfort

Ficha técnica.

Director: Martin Scorsese

País: Estados Unidos

Año: 2014

Duración: 180 minutos.

Actores: Leonardo DiCaprio, Martin Scorsese, Riza Aziz, Emma Tillinger Koskoff, Joey McFarland

Guión: Jordan Belfort

Sinopsis:

La historia comienza cuando el joven Jordan Belfort (el lobo de Wall Street) empieza a narrar sus principios como corredor de bolsa, al principio es un joven descoordinado y aterrado ante la grandeza de Wall Street sin embargo con el paso del tiempo va sobresaliendo en su trabajo, pero una devaluación manda a la quiebra a la empresa, esto lo deja sin trabajo y sin dinero, por lo que tiene que buscar trabajo en una pequeña

empresa que vende acciones a muy bajo precio, cuando el llega a la empresa vende más de 2000 dólares de acciones algo que nunca había pasado en la empresa, sin embargo no se conforma con su trabajo y sigue los pasos de su corrupto maestro en Wall Street para formar su propia empresa (Stratton Oakmont) aquí es cuando todos sus conocimientos se ponen en práctica y el joven Jordan Belfort con apenas 23 años de edad empieza a ganar millones de dólares al día, pero su adicción a las drogas y fiestas sumamente caras lo pueden llevar a la ruina…

Reseña:

El lobo Wall Street es más que un simple film de un multimillonario que gasta su dinero en fiestas, drogas y alcohol, este film es la historia de un genio de los números, de una persona que logró engañar a miles de persona durante años, que logro evadir los sistemas financieros más complejos del FBI.

La adaptación de la autobiografía de Jordan Belfort en este film es algo que nos da mucho de qué hablar, ya que en muchas partes se sale de la temática de el libro, sin embargo siempre conserva el mismo contexto del libro, la película a pesar de su larga duración es espectacular tiene escenas llenas de suspenso sin embargo siempre mantiene la temática de comedia que tanto predomina en esta película, la narración en la cinta no es lineal, puesto a que de un momento a otro puedes regresar al principio de la vida de Jordan y al siguiente instante estar presenciando la caída de su imperio, pero esto está muy bien organizado puesto a que en ningún momento de la película te sentirás

desorientado y aunque desde el principio de la película sepas el predecible final de esta siempre te mantiene con interés en ella, este film es una gran pieza cinematográfica llena de acción, suspenso y comedia, en verdad vale la pena verla, las tres horas de duración están excelentemente bien implementadas, es un film fantástico que te dejara con ganas de saber más de este increíble hombre.

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Grupo 2. 28 de Agosto del 2015.

“Visita al museo”

a) ¿Qué apariencia tiene el museo o sitio que visitaste?Es moderno, y de reciente construcción, hace una recopilación de varias subastas y destacadas obras de arte.

b) ¿Cuál obra elegiste?Asunción y coronación de la virgen rodeada por los santos Ana, Joaquín, José, Juan Bautista, Antonio de Padua, Francisco de Asís, Juan Nepomuceno, Cayetano y el Arcángel Miguel.

c) ¿Por qué te llamo la atención?Porque soy muy religiosa y mucho más devota de la virgen, y en la vida de la virgen su asunción y coronación para mí son los datos más relevantes sobre ella.

d) ¿ Cuál es el autor) (solo tiene).Anónimo novohispano, es una colección de Gonzalo Obregón.

e) ¿Qué antigüedad tiene?Fue hecha en 1994, 21 años de antigüedad.

f) De qué material está hecha?Óleo sobre lienzo.

g) A qué escuela (país) o cultura pertenece?Ciudad de México.

h) A qué estilo o corriente pertenece?Primera mitad del siglo XVIII.

i) ¿Cuáles son sus dimensiones?Aproximadamente 90 de largo y 60 de ancho.

j) ¿Cuáles son sus aspectos formales más afectados?Están muchos ángeles alabando a la virgen María, algunos de ellos cargando bebés, dos ángeles situados en la parte de arriba en posición para coronar a la virgen María, es lo que el autor claramente quiere expresar.

k) ¿Cuál es el mensaje de la obra según tu interpretación personal?Representar como la virgen es coronada al ser madre de Jesús por los ángeles y sube al cielo por obra y mano del espíritu santo.

l) Adjunta un dibujo, fotografía o postal de la obra en cuestión.

Ficha documental iconográfica

Asunción y coronación a la virgen, con santos y el Arcángel Miguel, (primera mitad del siglo XVIII), MuseoSoumaya, Ciudad de México, México.

FOTOGRAFIA

Por Adrian Isaac Martínez Armas

Principalmente la fotografía es una de las nuevas siete bellas artes, la fotografía antes que nada es una manera de mirar y no es simplemente la mirada misma, también podemos mencionar que es la forma ineludiblemente moderna de mirar, esta manera de mirar tiene ya una dilatada historia y conforma lo que buscamos y estamos habituados a notar en las fotografías.

La historia de la fotografía inicia a principios del siglo XIX, cuando un científico francés llamado Nicephore Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas, pero la fotografía más antigua que se tiene registrada es una imagen obtenida en 1826 con la utilización de la cámara obscura, Niepce comenzó sus investigaciones necesitando horas de exposición en la luz del día para obtener las imágenes que el requería.

En 1839 Louis Daguerre hizo público su proceso para la obtención de fotografías basado en la plata, la cual resolvía algunos problemas técnicos de lo inicial que tenía Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición y su resultado resulta ser el antecesor de la fotografía instantánea de Polaroid. Casi en el mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot crearon otros métodos diferentes. El que crearon Wlliam se basa en un papel de plata, el cual es mucho más cercano al de la fotografía que tenemos ahorita.

Además los procedimientos de la fotografía utilizados en el siglo XIX fueron el Daquerrotipo, el Calotipo, el Colondion Humedo y EL Gelatino-bromuro. Estos dos son los que más han evolucionaron de la fotografía mediante mejoras que se hicieron de los descubrimientos de Calotipo y el que creo William Fox Talbot.

Con esto podemos decir que la fotografía ha cambiado mucho en los últimos tiempos y ha tenido una serie de modificaciones a lo largo del tiempo.

Lo que el autor busca en este medio o su objetivo era buscar imitar a la realidad y la naturaleza con un alto grado de perfección. Así el naturalismo fue la puerta que se abrió para dar a la fotografía una verdadera importancia fundamental en el arte ya que con esto se imitaba de una forma casi perfecta la realidad y superaba a la pintura en este aspecto.

Finalmente podemos decir que la fotografía básicamente con las nuevas técnicas sobre la utilización de la luz del sol, dio origen a fotos con un mayor significado estético, por lo cual llevo a un nuevo acercamiento de la fotografía hacia el arte

FUENTES:

Bolleto, M. A. (2011). La columna de la independecia Ciudad de México.

Casaballe, A. B. (2002). Fotoperiodismo. Obtenido de El documentalismo fotográfico: http://www.fotoperiodismo.org/FORO/files/fotoperiodismo/source/html/textos/bequer2.htm

CASABALLE, A. B. (2002). Fotoperiodismo. Obtenido de El documentalismo fotográfico: http://www.fotoperiodismo.org/FORO/files/fotoperiodismo/source/html/textos/bequer2.htm

dice, N. (7 de diciembre de 2007). slideshare. Obtenido de slideshare: http://es.slideshare.net/guest91f2d9/historia-de-la-fotografia-203137

Engels, C. M. (1892). Prologo a la educion polaca. Manifiesto del partido comunista, 2-3.

G., L. (12 de Diciembre de 2012). Critica Literaria. Obtenido de Viaje al Centro de la Tierra: https://literariacritica.wordpress.com/2012/12/13/viaje-al-centro-de-la-tierra/

Nervo, A. (s.f.). El piano: un gusto caro. Artes de México, 97.

Ven y Participa, grandes permios!

http://www.travelbymexico.com/blog/17856-ven-a-vivir-la-magia-del-festival-internacional-del-globo-2015-en-leon/

ARTICULO DE ARTE

“La necesidad de hacer una nueva edición en lengua polaca acusa, por tanto, el continuo proceso de expansión de la industria en Polonia. No puede caber duda acerca de la importancia de este proceso en el transcurso de los diez años que han mediado desde la 3 aparición de la edición anterior. Polonia se ha convertido en una región industrial en

gran escala bajo la égida del Estado ruso. Mientras que en la Rusia propiamente dicha la gran industria sólo se ha ido manifestando esporádicamente (en las costas del golfo de Finlandia, en las provincias centrales de Moscú y Vladimiro, a lo largo de las costas del mar Negro y del mar de Azov), la industria polaca se ha concentrado dentro de los confines de un área limitada, experimentando a la par las ventajas y los inconvenientes de su situación. Estas ventajas no pasan inadvertidas para los fabricantes rusos; por eso alzan el grito pidiendo aranceles protectores contra las mercancías polacas, a despecho de su ardiente anhelo de rusificación de Polonia”. (Engels, 1892)

“Los inconvenientes (que tocan por igual los industriales polacos y el Gobierno ruso) consisten en la rápida difusión de las ideas socialistas entre los obreros polacos y en una demanda sin precedente del Manifiesto Comunista. El rápido desarrollo de la industria polaca (que deja atrás con mucho a la de Rusia) es una clara prueba de las energías vitales inextinguibles del pueblo polaco y una nueva garantía de su futuro renacimiento. La creación de una Polonia fuerte e independiente no interesa sólo al pueblo polaco, sino a todos y cada uno de nosotros. Sólo podrá establecerse una estrecha colaboración entre los obreros todos de Europa si en cada país el pueblo es dueño dentro de su propia casa”. (Engels,1892)

“Las revoluciones de 1848 que, aunque reñidas bajo la bandera del proletariado, solamente llevaron a los obreros a la lucha para sacar las castañas del fuego a la

burguesía, acabaron por imponer, tomando por instrumento a Napoleón y a Bismarck (a los enemigos de la revolución), la independencia de Italia, Alemania y Hungría. En cambio, a Polonia, que en 1791 hizo por la causa revolucionaria más que estos tres países juntos, se la dejó sola cuando en 1863 tuvo que enfrentarse con el poder diez veces más fuerte de Rusia. La nobleza polaca ha sido incapaz para mantener, y lo será también para restaurar, la independencia de Polonia. La burguesía va sintiéndose cada vez menos interesada en este asunto. La independencia polaca sólo podrá ser conquistada por el proletariado joven, en cuyas manos está la realización de esa esperanza. He ahí por qué los obreros del occidente de Europa no están menos interesados en la liberación de Polonia que los obreros polacos mismos”. (Engels, 1892)

Bolleto, M. A. (2011). La columna de la independecia Ciudad de México.

Casaballe, A. B. (2002). Fotoperiodismo. Obtenido de El documentalismo fotográfico: http://www.fotoperiodismo.org/FORO/files/fotoperiodismo/source/html/textos/bequer2.htm

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dice, N. (7 de diciembre de 2007). slideshare. Obtenido de slideshare: http://es.slideshare.net/guest91f2d9/historia-de-la-fotografia-203137

Engels, C. M. (1892). Prologo a la educion polaca. Manifiesto del partido comunista, 2-3.

G., L. (12 de Diciembre de 2012). Critica Literaria. Obtenido de Viaje al Centro de la Tierra: https://literariacritica.wordpress.com/2012/12/13/viaje-al-centro-de-la-tierra/

Nervo, A. (s.f.). El piano: un gusto caro. Artes de México, 97.

EL CARMA

CITA TECNICA:

Dirección: Francis VeberProducción: GaumontGuion: Francis VeberMúsica: Vladimir CosmaFotografía Luciano TovoliProtagonistas:Jacques Villeret (François Pignon)Thierry Lhermitte (Pierre Brochant)Francis Huster (Leblanc)Daniel Prévost (Cheval)Alexandra Vandernoot (Christine)Catherine Frot (Marlène Sasseur)

SINOPSIS

Principalmente Pierre Brochant se reúne cada miércoles con sus mejores amigos en una cena en la cual compiten y se disputan el gran honor de ser el que lleve al invitado más tonto. En una ocasión Pierre no encontró a nadie a quien llevarse, como consecuencia se deja aconsejarse por un amigo “François Pignon”, el cual es un funcionario de hacienda obsesionado en fabricar esculturas, pero como aun no lo conoce Pierre decide invitarlo a su casa, por lo

cual se convierte en la peor decisión de su vida.

Pignon actuaba frecuentemente de buena fe, pero demuestra ser una molestia, por

lo cual le provoca problemas a Pierre. Lo cual hace la situación más divertida, ya que el tonto no lo contento con causarle molestias, consigue que su queridísima esposa lo deje, lo reúne con su peor enemigo de toda su vida, etc.

Al final de la película se presenta ser una cierta crueldad hacia Pierre, pero fantásticas intervenciones telefónicas de Pignon hace que estas crueldades parezcan casi nada.

Pignon llama a la mujer de Pierre y conversa con ella intentando que regrese con su marido y que todo fue un mal entendido, lo cual hace que su esposa de Pierre piense que su marido está al lado de él susurrándole al oído todo lo que tiene que decir. Pignon responde que le llama desde una cabina telefónica.

Finalmente ella le promete que lo va a pensar con calma.

Así decide darle una lección a Pierre de que el señor no es un tonto, como aparenta y este le pide perdón por su actuación.

La canción "THE FOOL ON THE HILL" la cantan ''The Beatles'' de la película compuesta e interpretada por Paul McCartney, aunque acreditada Lennon/McCartney. Está incluida en el álbum de 1967 Magical Mystery Tour.

En conclusión la película se me hizo muy interesante en cuestión de que no puedes juzgar a una persona por su apariencia, en la manera de como se ve o en la forma en que la persona pueda actuar, siempre debes de tratar a la persona como en realidad es y no tratarla diferentemente, ese fue el principal punto o reflexión que pude hallar en la película y además también que en ocasiones el mismo tonto incluso puede llegar a ser mucho más listo que uno mismo.

FUENTE DE LA CITA TEXTUAL:

Filmaffity. (1998). La cena de los idiotas. 2015, de Filmaffity Sitio web: http://www.filmaffinity.com/es/film262256.html

MUSEO

Cuestionario

a) ¿Qué apariencia tiene el museo o sitio que visitaste?Tiene apariencia de que el museo es interesante porque te muestra todas las culturas y nuevas épocas que fueron importantes.

b) ¿Cuál obra elegiste?Alegoría de la preciosa sangre de Cristo

c) ¿Por qué te llamo la atención?Porque representa un hecho importante para todas aquellas personas que creen en un dios y a la vez me atrajo a mí por lo que esta pintura representa mi religión, y también parte de mis creencias.

d) ¿Cuál es su autor?Miguel Jerónimo Zendejas

e) ¿Qué antigüedad tiene?1781

f) ¿De qué material está hecha?Ólepo sobre tela

g) ¿A qué escuela (país) o cultura pertenece?Nueva España

h) ¿A qué estilo o corriente pertenece?Pertenece al estilo del creacionismo

i) ¿Cuáles son sus dimensiones?

120 cm x 95 cmEs un señor que está en una cruz, abajo tiene una se podría decir fuente que está derramando la sangre de él, y unos señores que están a su alrededor que ruegan porque lo libren.

j) ¿Cuál es el mensaje de la obra según su interdependencia personal?En esta pintura se muestra como un señor está en una cruz derramando sangre y al su alrededor se muestra como unos ciudadanos muestran tristeza por el hombre que está en la cruz y también se alcanza a percibir que hay una mujer que está rogando que lo libren.

k) Adjunta un dibujo, fotografía o postal de la obra en cuestión

Referencias o fuentes:

http://www.franzmayer.org.mx/b_exposiciones.php

http://www.franzmayer.org.mx/biblioteca/index.php?option=com_content&view=category&layout=blog&id=6&Itemid=2