MARZO 2018 / MARCH 2018

Bluesmafia i Es Saligardos “Ni Poc, Ni Molt, Ni Mica”. Blau / Discmedi 2017. Después de varios años tocando en directo en infinidad de hoteles, bares, garitos y locales de Ibiza y Formentera, además del resto de las Islas Baleares, la banda Bluesmafia i Es Saligardos han decidido compartir algunas composiciones en esta grabación para, de este modo, dar a conocer su trabajo en el resto de España. El álbum contiene once temas propios cantados en ibicenco, además de contar con la incorporación al grupo de una nueva voz femenina, Montse Llaràs, ex-cantante del grupo de rock catalán Bars. En estos años se han consolidado como un combo de ocho músicos cuya principal idea es hacer disfrutar al público con un repertorio basado en el swing, el jive, el jump blues, el boogie, el jazz o incluso el rock and roll. Eso si, todo ello a la manera de esas orquestas de baile catalanas que a menudo amenizan muchas fiestas mayores, con influencias de La Trinca, Guillermina Motta o Nuria Feliu, influencias que se aprecian con nitidez en la impronta sonora que esta orquesta deja a su paso y que no es otra que construir un repertorio en el que predomina el sentido del humor y la diversión para un tipo de audiencia muy heterogénea. Todos los integrantes poseen una profesionalidad y una amplia experiencia musical, por lo que la calidad de esta orquesta está totalmente garantizada, suenan realmente empastados y sus arreglos son vistosos, efectivos y de muy buen gusto. MUY BUENO. After several years of playing live at countless Ibiza and Formentera hotels, bars, clubs and venues, as well as in the rest of Baleares islands, the band Bluesmafia i Es Saligardos have decided to publish this album. to share some of their material and, in this way, introduce his work to the rest of Spanish audience. The album gathers eleven own compositions sung in Ibiza language, and also presents the group new female voice, Montse Llaràs, former lead singer of Catalan rock band Bars. Along the years they have consolidated themselves as an eight musician combo which main goal is to please audiences with a repertoire based on swing, jive, jump blues, boogie, jazz or even rock and roll. All songs are developed following the path of those dancing orchestras which often liven up most of Catalan villages fairs or annual celebrations, with influences coming from La Trinca, Guillermina Motta or Nuria Feliu, influences that will be immediately noticed in the band sound and the special stamp they give to their performing, which main goal is to build up a funny repertoire where the sense of humour prevails to give pleasure and joy to a wide range of listeners. All band members are professional musicians and have gathered a wide musical experience, so quality is fully guaranteed. They sound totally teamed and the arrangements are really tasteful, effective and colourful. VERY GOOD.

Casey Hensley “Live”. VizzTone 2017. La escena del blues de California no cesa de ofrecer nuevas sorpresas a los buenos aficionados. En esta ocasión nos presenta a una joven promesa de veinticinco años llamada Casey Hensley. Con solo cinco años Casey subió por primera vez a un escenario y a los nueve pisó por vez primera a unos estudios de grabación. Su infancia y su juventud transcurrieron escuchando a artistas como Etta James, Big Mama Thornton, Aretha Franklin, Ella Fitzgerald, Janis Joplin, Otis Redding, Ray Charles, Allman Brothers, Led Zeppelin o The Temptations entre muchos otros, que le descubrieron el camino a seguir. Casey supo sacar algo de cada uno de ellos

para añadir a su ruda, explosiva, apasionada y expresiva voz. El álbum contiene once temas de los que tres son composiciones propias. Además de Casey Hensley a la voz, es un placer poder escuchar también los sonidos de la guitarra de Laura Chávez, junto a Johnny Viau al saxo, Marcos C. al bajo y Evan Caleb Yearsley a la batería. Una excelente grabación donde se dan la mano el jump blues con algo de rockin’ blues balsámico pero siempre bien cocinado. Si necesitas una buena descarga de adrenalina para ponerte a punto, sentirte bien y empezar tu trabajo con energías renovadas, no dejes de escuchar este álbum. MUY BUENO. California blues scene never ends to surprise good fans, offering them new and amazing surprises. This time, it introduces us a promising new woman, only aged twenty-five and called Casey Hensley. She was on stage for the first time when she was only five years old and at nine she went to a recording studio. During her childhood and teenager years she discovered and was caught by artists like Etta James, Big Mama Thornton, Aretha Franklin, Ella Fitzgerald, Janis Joplin, Otis Redding, Ray Charles, The Allman Brothers, Led Zeppelin or The Temptations among many others, that showed her the way. Casey cleverly added something of each one to her raw, explosive, passionate and expressive voice. Three own compositions and eight electrifying versions round up an album where, besides Casey Hensley on vocals, it becomes a real pleasure to find Laura Chavez’s superb guitar playing, as well as Johnny Viau on sax, Mark C. on bass and Evan Caleb Yearsley on drums. This is a great recording where jump blues and some balsamic rockin' blues come together in a savoury well cooked dish. If you need a good dose of adrenaline to feel good and be ready to begin you work with a renewed energy,this is your cd. Do not miss it!!. GREAT.

Erin Harpe & The Delta Swingers “Big Road”. Juley Juju / VizzTone 2017. La cantante y guitarrista Erin Harpe junto a su banda The Delta Swingers presenta su segundo álbum con una propuesta que, si bien no pretende ser innovadora, si es variada en cuanto a la concepción y el producto final. En el repertorio que nos propone se mezclan con habilidad estilos como el Piedmont blues, el blues acústico del Delta, el boogie blues eléctrico, junto a algo de funk y de soul. Desde la publicación en 2014 de su primer disco “Love Whip Blues”, Erin no ha parado de girar por todos los rincones de los Estados Unidos. Toda la experiencia que ha ido acumulando a los largo de estos tres intensos años queda reflejada en este segundo trabajo, en el que se incluyen diez canciones, cuatro de ellas originales y el resto versiones de Mississippi Fred McDowell, Tommy Johnson, Mississippi John Hurt, Slim Harpo o Randy Newman, que Erin sabe llevar a su terreno gracias a unos arreglos muy personales. También se muestra como una más que convincente cantante, dotada de una voz firme y bien aposentada con un timbre vocal rico y lleno de matices. Como guitarrista se muestra eficaz e intuitiva, con un fraseo preciso y de limpia sonoridad, desenvolviéndose con soltura, tanto con las técnicas del fingerpickin’ o el slide, hasta con los pedales como el wah-wah. Además de Erin Harpe a la voz y las guitarras, se encuentran también Jim Countryman al bajo y ukelele, Matt “Charles” Prozialeck a la armónica eléctrica y acústica, Kendall Divoll a la batería y Michael Casavant al órgano en un par de cortes y al acordeón en otro tema. Excelente y muy recomendable álbum. VERY GOOD. Singer and guitar player Erin Harpe and her band The Delta Swingers present their second album that does not intend to be innovative, but extremely varied

in design and final production terms. The repertoire skilfully mixes different styles like Piedmont blues, acoustic Delta blues or electric boogie blues, together with some drops of funk and soul. Since the release in 2014 of her first album "Love Whip Blues", she has not stopped to tour all around USA. All the experience she has gathered during these three intense years can be found in this second tem songs recording, with four own compositions and six versions coming from Mississippi Fred McDowell, Tommy Johnson, Mississippi John Hurt, Slim Harpo or Randy Newman, she plays giving them her own personality, thanks to some original arrangements. She also appears as a more than convincing singer, with a firm well settled voice and a rich full of nuances tone. She is also an effective intuitive guitar player, with a clean precise phrasing, feeling comfortable in both fingerpickin' and slide techniques or even with wah-wah and other pedals. Besides Erin Harpe on vocals and guitars, you will also find Jim Countryman on bass and ukulele, Matt "Charles" Prozialeck on electric and acoustic harmonicas, Kendall Divoll on drums and Michael Casavant on organ in a couple of tracks and accordion in one song too. In short words, this is an excellent highly recommendable album. GREAT.

Dave Keyes “The Healing”. Self Production 2017. Hoy día constituye una agradable sorpresa encontrarse con un pianista y cantante de la categoría de Dave Keyes, que no se ancla en blues más antiguo, sino que ofrece una visión cosmopolita del mismo. Keyes realiza un repertorio actual y extremadamente vigente para el oyente de este nuevo siglo. Para ello Keyes se ha rodeado de un abanico de músicos invitados de alto nivel con los que suele tocar a menudo como son Popa Chubby, Rob Paparozzi, Vaneese Thomas, Arthur Neilson (Shemekia Copeland) y Alexis P. Suter. La banda que participa en estas grabaciones se completa con Frank Pagano y Steve Rushton a las baterías, David J. Keyes al bajo y un coro de treinta voces llamados los Brooklyn Interdenominational Choir que colaboran en una canción. El álbum contiene nueve canciones escritas por el propio Dave, más dos covers, uno de Sister Rosetta Tharpe y otro de Robert Johnson. Los temas se mueven en un variado muestrario sonoro en el que se encuentran desde shuffles hasta hipnóticos boogies, rhythm and blues de calidad, rockin’ piano blues, gospel, ritmos a lo Bo Diddley o blues contemporáneo, todo ello pasado por el personal tamiz de un pianista y cantante que sabe como empatizar musicalmente con el oyente que quedará gratamente impresionado con su música arrolladora. MUY BUENO. It is a pleasant surprise to find nowadays such an amazing piano player and singer like Dave Keyes, who is not anchored in old time blues but instead he gives us a cosmopolitan vision of the genre. Keyes performs an extremely effective and actual repertoire, especially devoted to new century listeners. To do so, Keyes has surrounded himself with a bunch of high-level guest musicians he usually plays with, like Popa Chubby, Rob Paparozzi, Vaneese Thomas, Arthur Neilson (Shemekia Copeland) and Alexis P. Suter. The rest of musicians who play in these recordings are Frank Pagano and Steve Rushton on drums, David J. Keyes on bass and a 30 voices choir named The Brooklyn Interdenominational Choir who collaborate in one song. The album includes nine Dave’s own songs plus two covers, one coming from Sister Rosetta Tharpe and another one by Robert Johnson. All songs move along a varied range of rhythms and sounds, from shuffles to hypnotic boogies, high quality rhythm and blues, rockin' piano blues, gospel, Bo

Diddley’s beats or the most contemporary blues, all them with the personal stamp of a singer and piano player who really knows to musically empathize with all listeners who will be pleasantly surprised and impressed by his music. GREAT.

T-Bear & The Dukes “Time Is A Healer”. Self Production 2017. Después de cuatro años desde la publicación de su anterior trabajo titulado “Ice Machine”, muchos de sus seguidores estaban esperando el nuevo disco de T-Bear & The Dukes, una banda proveniente de Suecia que tiene una legión de seguidores en todos los países escandinavos. Esta nueva grabación contiene diez temas originales con la particularidad de que el primero y el último son instrumentales y ambos tienen un marcado aire español, estando el primero “Taranto” dedicado a Quentin Tarantino. En los ocho temas restantes domina la áspera voz y la tonificante guitarra de su líder Torbjörn Solberg. El resto de los miembros que forman la banda está compuesto por Emil Solberg Wachenfeldt al Hammond, Fredrik Kaudern al bajo y Henrik Berg a la batería. Esta es una típica formación del norte de Europa, que sabe mezclar con habilidad el rock actual con el blues británico de los años setenta. Todos los componentes de la banda suenan muy empastados y consiguen plasmar un sonido personal, muy expresivo, fuerte, vigoroso y dotado de una extremada madurez, lo que sin duda les convierte en un grupo sólido y solvente. MUY BUENO. After four years since the publication of his previous work entitled "Ice Machine", many people were waiting for a new album by T-Bear & The Dukes, a Swedish band which have a legion of followers in all Scandinavian countries. This new recording includes ten original songs and, as a matter of interest, point out the opening and the last tracks are instrumentals and both have an undeniable Spanish flavour with the first one "Taranto" dedicated to Quentin Tarantino. The rough voice and the vigorous guitar playing of band leader Torbjörn Solberg prevail in the other eight songs. The rest of band members are Emil Solberg Wachenfeldt on Hammond, Fredrik Kaudern on bass and Henrik Berg on drums. The group perfectly represents these northern European bands, which knows how to mix actual rock with the 70’s British blues. All band members sound teamed enough to reach a personal, expressive, straightforward sound, displayed with an extreme maturity, which undoubtedly makes them become a totally reliable group. GREAT.

Fernando Neris “Full Frontal Blues”. Self Production 2017. Fernando Neris, también conocido por los buenos aficionados como De Ferre, es un excelente guitarrista que domina a la perfección estilos como el Piedmont blues, el country blues o el blues del Delta, además de ser un experto en las técnicas del fingerpickin’, el slide o la guitarra Resonator. Ahora nos presenta su último trabajo, un nuevo disco acústico donde su voz contribuye a construir un estilo y un sonido personal y en algunas ocasiones lleno de crudeza que ayuda a resaltar la melancólica tristeza de esos blues arcaicos de finales de los años veinte del siglo pasado pero que siempre desprenden un encanto y una magia muy especiales. Mejor guitarrista que cantante, es loable el esfuerzo de este estupendo intérprete por comunicar el sentimiento y la intima poesía que se percibe en todas sus letras, a través de esos ritmos suaves pero a la vez hipnóticos que se encuentran en los catorce temas del disco, seis de ellos compuestos por el propio Fernando y el resto versiones de Skip James, Robert

Johnson o Blind Lemon Jefferson. En definitiva, un disco para escuchar tranquilamente y dejarse transportar a los paraísos sonoros que Neris sabe comunicar y compartir con total convencimiento, honestidad y pasión. MUY BUENO. Fernando Neris, also known by good blues fans as De Ferre, is an excellent guitar player who mastery performs styles like Piedmont blues, country blues or Delta blues. He is also an expert in fingerpickin', slide or Resonator guitar techniques. Now he brings us his last work, an acoustic new recording where his voice contributes to build up a personal style and a distinctive sound, sometimes full of rawness, that helps to highlight the wistful sadness of those old blues that were played in the late 20’s of last century, but that also communicate an special charm and magic. Better guitar player than singer, it is praiseworthy the hard work of this amazing player to give us all the feeling and intimate poetry that can be noticed in all song lyrics, with these soft but, at the same time, hypnotics rhythms that can be found in the fourteen album tracks, six of them Fernando Neris’ own compositions and the rest versions coming from Skip James, Robert Johnson or Blind Lemon Jefferson. In short words, an album that deserves a calm listen that will help you to be driven to the music paradises Neris tastefully communicates and shares with full conviction, honesty and passion. VERY GOOD.

Chris Daniels And The Kings With Freddi Gowdy “Blues With Horns Vol.1”. Moon Voyage / Blind Raccoon 2017. Chris Daniels And The Kings se inspiran en las bandas clásicas de blues y rhythm and blues de los años cincuenta, sesenta y setenta que incluían una poderosa sección de vientos. Después de treinta y tres años de carrera y de haber visitado Europa en más de veinte ocasiones, ahora la banda, liderada por el cantante y guitarrista Chris Daniels, publica su álbum número quince junto al impresionante vocalista Freddi Gowdy, una grabación que de nuevo se convierte en un tributo a las secciones de metal. El álbum incluye tres composiciones originales y siete covers que en manos del grupo cobran una nueva dimensión y un aire mucho más actual, ya que atesoran mucho groove, soul, rock y funk. Entre los covers figuran temas de Sam Cooke, Johnny “Guitar” Watson, Elvin Bishop o Buddy Miles. Aparte de los impecables arreglos de viento destacar también las empastadas armonías vocales que harán las delicias del oyente por su espectacular calidad. Además de una música brillante, efectiva y colorista, el diseño del envoltorio y la portada es francamente espectacular y completamente diferente del de los cd’s convencionales y ha sido realizado por el reputado Greg Carr. En las notas interiores el grupo quiere también expresar su agradecimiento s un buen puñado de músicos de blues que llevaron vientos en sus bandas, orquestas y grabaciones, que admiraron desde su niñez y por los que siempre sintieron un profundo respeto como son Mamie Smith, Albert King, Al Kooper, Bobby ‘Blue’ Bland, Johnny Taylor o Koko Taylor… MUY BUENO. Chris Daniels And The Kings get inspiration in those 50’s, 60’s and 70’s blues and rhythm and blues bands which included a powerful horn section on them. After thirty-three years of career and touring Europe more than twenty times, now the band, led by singer and guitar player Chris Daniels, publishes their album number fifteen featuring the impressive singer Freddi Gowdy, a recording that, once again, becomes a tribute to horn sections. You will find three original compositions and seven covers that, on the group hands, get a new dimension and a really actual display, as they gather much groove, soul, rock and funk.

Among the covers there are songs coming from Sam Cooke, Johnny "Guitar" Watson, Elvin Bishop or Buddy Miles. Besides the faultless horn arrangements, also highlight the really teamed vocal harmonies that will delight listeners for their impressive quality. Apart of a brilliant, effective colourful music, the cd packaging and cover design is simply spectacular and completely different from the conventional cd's and it is signed by reputed artist Greg Carr. In the album notes the group wants to express their deep respect and recognition to a handful of good blues musicians who included horn sections in their bands, orchestras and recordings, they have deeply admired since childhood such as Mamie Smith, Albert King, Al Kooper, Bobby “Blue” Bland, Johnny Taylor or Koko Taylor… GREAT

Lara & The Bluz Dawgz “Out Here In The Blue”. Lock Alley Music / Blind Raccoon 2017. Lara And The Bluz Dawgz presentan su tercer trabajo que contiene once temas, todos ellos muy festivos y naturales, compuestos por el matrimonio formado por Lara y Gregg Germony. Lara ha interpretado todo tipo de estilos como jazz, rock o country, pero su corazón ha sido siempre noble y fiel al blues, género que ama con locura y pasión. Grabó dos álbumes en solitario antes de unirse a la banda de su marido, The Bluz Dawgz. Por su parte Gregg comenzó su andadura como bajista en la ciudad de Buffalo, New York, girando por los Estados Unidos, Europa y Asia con The Horning Brothers, además de tocar el bajo en algunos grupos de gospel. El resto de la banda está formada por Al Rowe guitarra, Dan Nadasdi teclados, Reggie Murray saxo y Carlos Ruiz batería. Asimismo intervienen en algunos cortes un selecto trio de vientos formado por Stuart Naylor trompeta, Chuck Lyons trombón y Eric Walker saxo barítono. Los arreglos han sido concebidos por el saxofonista del grupo Reggie Murray y el resultado de las intervenciones de la sección de vientos es francamente remarcable. La coincidencia de gustos musicales de todos los integrantes del combo da como resultado un disco donde la emoción del blues queda reflejada en todos los temas del mismo. MUY BUENO. Lara And The Bluz Dawgz present their third work that gathers eleven cool and natural songs, all them written by husband and wige Gregg and Lara Germony. Lara has sung different music styles like jazz, rock or country, but her heart has always been noble and faithful to the blues she loves with a crazy passion. She recorded two solo albums before joining her husband’s band, The Bluz Dawgz. On the other hand, bass player Gregg Germony started his music career in Buffalo, New York, and he toured around USA, Europe and Asia with The Horning Brothers, besides playing bass in various gospel choirs. The other band musicians are Al Rowe on guitar, Dan Nadasdi on keyboards, Reggie Murray on sax and Carlos Ruiz on drums. You will also find in some cuts a select horn trio with Stuart Naylor on trumpet, Chuck Lyons on trombone and Eric Walker on baritone sax. Horn arrangements come from the band sax player Reggie Murray and the final result is remarkable. The similar musical tastes of all the musicians involved in the recording have been perfectly captured on an album where you will feel the blues. VERY GOOD.

Al Corte’ “Mojo”. Self Production / Blind Raccoon 2017. Desde muy pequeño Al Corte’ empezó a cantar en el coro de la iglesia local. Su padre era cantante de ‘honky tonk’, su tío Mike cantaba en un ‘night club’ y su tío Raymond se dedicaba profesionalmente a cantar ópera. Fue este último quien se dio cuenta

de sus posibilidades vocales, por lo que le hizo estudiar en una escuela de canto y ópera bajo su supervisión. Allí aprendió a modular y sacar el máximo partido a su voz, aunque su interés estaba en el blues, el rock and roll y el rhythm and blues. Siendo todavía un adolescente empezó a cantar en un grupo de doo-woop y en los años sesenta fue cantante de rock ‘n’ roll. Después estuvo en diversas bandas forjándose en todos los estilos de la música negra, desde soul hasta gospel o roots music. También estuvo involucrado en carreras de motos, tuvo diversos empleos y estudió fotografía y horticultura. Después de retirarse como cantante para formar su propia productora, Al Corte’ ha vuelto de nuevo a la escena musical. En este segundo trabajo desde su regreso, Al Corte’ pone una vez mas toda la carne en el asador para demostrar que es un vocalista de raza, generoso y pasional, con un espectacular dominio vocal y conocimiento del tono, el tempo y el groove. Su registro vocal no tiene secretos ni fronteras y en todo momento demuestra ser un auténtico maestro, un cantante efectivo y efectista que modula y ataca el repertorio de forma directa y sin ambages, siempre dispuesto a dominar los registros más osados para en todo momento ofrecer al oyente la dulzura, la fuerza, el feeling o el carácter que cada tema requiere. Acompañado por un nutrido grupo de músicos, Al se rodea en de The Royal Singers, The Royal Horns, The Royal Strings y The Tennessee Choir. Una preciosa joya a tener muy en cuenta para completar una colección de buena música. BUENÏSIMO. When he was only a child Al Corte' started singing at the local church choir. His father was a honky-tonk singer, his uncle Mike was a night club singer and his uncle Raymond was a professional opera singer. It was uncle Raymond who discovered Al’s natural talent, so he directed him to study in a singing and opera school under his own supervision. There he learned to vocalize, modulate and get the best qualities of his voice, but his interest was not In opera but in blues, rock and roll and rhythm and blues. During his teens years he started to sing in a doo-woop band and in the 60’s he became a rock 'n' roll singer. He sang in several bands that forged his voice in different musical styles from soul to gospel or roots music. He was also involved in motorcycle racing, he also worked in a variety of jobs and learned photography and horticulture. He retired from singing to create his own production company, but fortunately Al Corte' has recently come back to the music scene. In this second work since his comeback, Al Corte' again does his very best to show he is a first class passionate and generous singer, with an spectacular vocal mastery as well as an impressive tone, tempo and groove knowledge. His voice register has no secrets or limits which proves he is a real master, an effective and dramatic singer who approaches the repertoire with an straight determination, always ready to overcome the most daring challenges to give listeners all the sweetness but at the same time the real strength, feeling and character each song requires. Backed by a large group of musicians, ha has also surrounded himself by The Royal Singers, The Royal Horns, The Royal Strings and The Tennessee Choir. This is a precious jewel to be taken into account to be added to a distinguished music collection. GREAT.

Kings & Associates “Tales Of A Rich Girl”. Big Wing / Blind Raccoon 2017. Kings & Associates es una banda proveniente de Australia. Sus comienzos fueron sencillos y humildes hasta el momento en que en 2014 ganaron los Adelaide Roots & Blues Association Awards. Desde entonces la banda ha

tocado en prácticamente todos los festivales de blues de Australia y, durante ese mismo año 2014, grabaron su primer álbum, realizado a caballo entre Australia y Nashville. Después de unos años de intenso trabajo ahora nos presentan su segundo disco. Diez temas propios grabados enteramente en un estudio de Los Angeles, California bajo la supervisión del productor Jim Scott y el ingeniero de sonido Kevin Dean que han dado un soberbio tratamiento a todas y cada una de las canciones que integran este disco. Durante su estancia en los Estados Unidos, aprovecharon para tocar en la famosísima calle Beale Street de Memphis, quedando también semifinalistas en el International Blues Challenge. Asimismo la banda está muy implicada en la lucha contra la esclavitud que todavía existe en algunos países y no cejan en su empeño de concienciar a la gente sobre este problema. Musicalmente el grupo tiene un sonido personal y muy trabajado consiguiendo unos bellos arreglos en un repertorio que oscila entre el blues, el rock, la música americana, el soul y el gospel. El resultado final es un álbum que destila calidad y buenas formas en todas y cada una de sus canciones. MUY BUENO. Kings & Associates is a band coming from Australia. They started their career on a modest humble way until year 2014 when they won the Adelaide Roots & Blues Association Awards. Since then on the band has played in practically all Australian blues festival. Also in 2014 they published their first album, recorded and produced between Australia and Nashville. After some years of intense work, now they present their second cd. Ten songs recorded in a reputed Los Angeles studio, under the supervision of producer Jim Scott and sound engineer Kevin Dean who have done a superb work. While they were in United States they played at the famous Beale Street in Memphis and were also semi-finalists at the International Blues Challenge. Apart from music, the band is very much involved in the fight against slavery that is still present in some countries and they do not stop trying to make people aware of this terrible problem. Musically speaking, the group has got a personal thorough sound, with some beautiful arrangements along a repertoire that ranges from blues to rock, Americana, soul or gospel. The result is an album that brings an undeniable good taste and quality in each and every one of the songs included. GREAT.

Totablues & Poyo Moya “Blues And More…”. Self Production 2017. Argentina ha sido siempre cuna de grandes músicos y bandas de blues que desgraciadamente en muchas ocasiones no han traspasado sus fronteras ni obtenido el reconocimiento que merecen. Es una suerte poder contar en nuestra ciudad con un plantel de buenos bluesmen argentinos. Dos de ellos son el armonicista y cantante Tota y el pianista Cristian “Poyo” Moya. Enamorados ambos del blues, nos presentan ahora un álbum en el que despliegan todo su conocimiento del género en un viaje que recrea los lugares y artistas más emblemáticos del auténtico blues. Desde New Orleans hasta Chicago pasando por Mississippi, Memphis o Saint Louis, o desde Otis Spann hasta Ray Charles, Johnnie Johnson, Jimmy Reed o John Lee ‘Sonny Boy’ Williamson, entre otros, estos dos excelentes músicos suenan totalmente conjuntados a la vez que muestran su depurada técnica, en un álbum con doce temas, algunos de ellos composiciones propias junto a versiones de algunos de los músicos que acabamos de mencionar. Al igual que en su día hicieran Sugar Ray Norcia y Anthony Geraci grabando un álbum para piano y armónica,

este disco se convierte en un pequeño tesoro para los verdaderos amantes del blues. Además de Tota a la armónica, voz y guitarra en dos temas y Cristian “Poyo” Moya al piano y a la voz en una canción, también han colaborado Eduardo Introcaso al saxo, Martin J. Merino a la guitarra eléctrica y Chino Swingslide a la guitarra Resophonic, en un tema cada uno. Con Tota y Cristian el feeling del blues está asegurado. ¡Palabra de Zúmel!. MUY BUENO. Argentina has always been the birthplace of great blues musicians and bands which, unfortunately, have not often cross borders and get the recognition they deserve. Fortunately we are lucky to have in our city a good bunch of these good Argentinian bluesmen. Two of them are harmonica player and singer Tota and piano player Cristian "Poyo" Moya. Both deeply love blues and now they present an album where they show all their undeniable knowledge, on a blues tour that drives us to the most emblematic places and artists of genuine blues. From New Orleans to Chicago, travelling around Mississippi, Memphis or St. Louis and from Otis Spann to Ray Charles, Johnnie Johnson, Jimmy Reed or Big Boy Crudup among others, these two excellent musicians sound totally teamed and, at the same time, show their fine technique in a twelve songs album, some of them own compositions together with versions by some of the just mentioned musicians. As did Sugar Ray Norcia and Anthony Geraci some time ago, recording an album only with piano and harmonica, this recording becomes a small treasure for all true blues lovers. Besides Tota on harmonica, vocals and guitar in two cuts and Cristian "Poyo" Moya on piano and vocals in one song, there have also collaborated Eduardo Introcaso on sax, Martin J. Merino on electric guitar and Chino Swingslide on Resophonic guitar, each in one song. With Tota and Cristian, the real blues feeling is guaranteed. Word of Zumel!. VERY GOOD.

Davide Pannozzo “Unconditionallove” Self Production / Frank Roszak 2017. Este es el segundo álbum del cantante y guitarrista italiano Davide Pannozzo. El músico ha contado con el valioso trabajo de los reputados productores Steve Jordan y Will Lee, ambos flamantes ganadores de un Grammy. Davide empezó tocando en su Italia natal y, después de grabar su primer disco, siguió trabajando en nuevas composiciones. Un día decidió enviar su nuevo material al productor Steve Jordan a quien no conocía de nada. Este quedó gratamente sorprendido por la calidad del artista, sopesando sus potenciales posibilidades, por lo que le ofreció trabajar juntos en este nuevo proyecto. Davide Pannozzo se trasladó inmediatamente a Nueva York y desde allí ha iniciado una nueva carrera en la que se nos revela como un guitarrista sofisticado, un poderoso cantante y un versátil compositor, capaz de ofrecer al oyente una variada y sutil gama de canciones de calidad con un estilo muy personal en el que se descubren toques de Jeff Beck, David Gilmour, Eric Clapton o Jimi Hendrix. El álbum contiene diez canciones originales y dos versiones de los temas “Wha Wah” de George Harrison y “Stratus” de Billy Cobham. Además del propio Pannozzo a las guitarras y voz, también se encuentran Will Lee al bajo y voces, Steve Jordan y Shawn Pelton a la batería y Ricky Peterson y Oli Rockberger al Hammond y teclados. MUY BUENO. Here comes the second album by singer and guitar player Davide Pannozzo. This time he has counted with the valuable work of reputed producers Steve Jordan and Will Lee, both Grammy winners. Davide began playing in his native Italy and, after recording his first album, he followed on working in new

compositions. One day, he decided to send his new material to producer Steve Jordan, he didn’t know at all. Steve was pleasantly surprised by the artist quality, he saw his potential so he offered him to work together in this new project. Davide Pannozzo moved to New York and from there he has started a new career where he reveals himself as a sophisticated guitar player, a powerful singer and a versatile composer, able to give listeners a varied and subtle range of high quality songs, performed with a very personal style where you will discover a touch of Jeff Beck, David Gilmour, Eric Clapton and Jimi Hendrix. The album includes ten original songs and two versions, "Wha Wah" coming from George Harrison and "Stratus" by Billy Cobham. Besides Davide Pannozzo on guitars and vocals, you will also find Will Lee on bass and vocals, Steve Jordan and Shawn Pelton on drums and Ricky Peterson and Oli Rockberger on Hammond and keyboards. VERY GOOD.

The Blues Freaks “I’ll Take The Blame”. Big Beard 2017. El panorama del blues español está en plena ebullición con la aparición de nuevos e interesantes grupos que aportan diversidad y vida a este estilo. Desde Toledo nos llegan The Blues Freaks, una banda formada en enero de 2017, que irrumpen con fuerza en el mercado con este disco en el que incluyen nueve temas que se mueven por los sonidos clásicos y añejos del blues del Delta de los años treinta y cuarenta del pasado siglo, que es la música que les apasiona y por la cual sienten gran devoción. La banda está formada por el estadounidense John Duer al bajo y voz y los toledanos Budy García a la guitarra, slide y voz y José Luis Sepúlveda “Sepul” a la batería. Para esta grabación han contado con la colaboración de excelentes músicos nacionales como Amable Rodríguez a la guitarra, Julián Maeso al Hammond, Sergi Fece al piano, Antonio Lorente al pedal steel o Paco Cerezo al bajo. A pesar de ser un grupo de reciente formación, es encomiable el trabajo que ahora nos presentan, donde mezclan con gusto el blues, el country, y los sonidos campestres, interpretado con conocimiento, honestidad, entusiasmo no exento de indudable calidad. Un álbum de fácil escucha que nos traslada a esos paisajes del sur de los Estados Unidos y que presagia un excelente futuro para esta formación de la que esperamos seguir recibiendo buenas noticias. MUY BUENO. Spanish blues scene is boiling with the arrival of new interesting bands which bring diversity and a new life to the style. From Toledo come The Blues Freaks, a group formed in January 2017, which break into the market with this recording that includes nine songs that move along the classic last century 30’s and 40’s Delta blues sounds, that is the music they passionately love and respectfully worship The band is formed by American musician John Duer on bass and vocals and Toledo coming Budy Garcia on guitar, slide and vocals and José Luis Sepulveda "Sepul" on drums. To round up the album they have counted with the collaboration of excellent musicians like Amable Rodríguez on guitar, Julián Maeso on Hammond, Sergi Fece on piano, Antonio Lorente on the pedal steel or Paco Cerezo on bass. Despite they are a really new group, it is praiseworthy the work they now present, where they tastefully mix blues, country and other countryside sounds, performed with honesty, enthusiasm, knowledge and a good dose of quality. An easy to listen album which will drive you to the southern United States landscapes, and announces a great future for a band we expect to receive more good news soon. VERY GOOD.

Peter Parcek “Everybody Wants To Go To Heaven”. Lightnin’ Records / Mark Pucci 2017. Después de siete años de silencio discográfico, el cantante y guitarrista Peter Parcek ha publicado recientemente su último trabajo que está recibiendo una muy buena acogida. El álbum contiene diez temas de los que seis son composiciones propias, de ellas tres instrumentales, y el resto covers de Peter Green, Blind Lemon Jefferson, Don Nix y Jennie Mae Clayton. En la grabación han participado alrededor de quince músicos de alto nivel cualitativo, lo que confiere empaque a todo el disco, además de un sonido francamente excelente. La carrera musical de Parcek se inició durante los años sesenta en Londres donde pudo empaparse de la presencia y de la música de gente como The Rolling Stones, Pink Floyd, Eric Clapton, Jeff Beck o Fleetwood Mac entre otros y, de este modo, todas esas músicas pueden percibirse en las composiciones que Peter Parcek va desgranado en este disco. A lo largo de los años Peter ha desarrollado un estilo ecléctico y personal fruto de aquellas primeras influencias con las que actualmente convive su música, pero además pueden también encontrarse sonidos del Delta, la roots music, el folk, el country, el rockabilly, el surf, el jazz e incluso música gipsy. MUY BUENO. After seven years of recording silence, singer and guitar player Peter Parcek has recently published his latest work which has been very well received. The album gathers ten cuts, six own compositions that include three instrumentals and the rest are covers coming from Peter Green, Blind Lemon Jefferson, Don Nix and Jennie Mae Clayton. Around fifteen high quality musicians have participated on the recording, which gives consistency and an excellent sound to the whole work. Parcek’s musical career started in London during the 60’s, where he was able to fill himself with the presence and music of people like The Rolling Stones, Pink Floyd, Eric Clapton, Jeff Beck or Fleetwood Mac among others, so all that music can be noticed in the compositions Peter Parcek has selected for this album. Over the years Peter has developed an eclectic and personal style, fruit of those early influences that are still present in his music, which also live together with Delta sounds, roots music, folk, country, rockabilly, surf, jazz even gipsy music. VERY GOOD.

The Wildcat O’Halloran Band “Hot Pulldown”. Dove Nest 2017. Si hay un músico que no esconde nada y que se muestra fiel a sus principios musicales, ya sean de vanguardia, underground, blues tradicional, o simplemente rock and roll de los cincuenta, sin duda ese es el cantante y enérgico guitarrista Wildcat O’Halloran que, junto a su banda, revolucionan el gallinero con su alegre, divertida y festiva música apta para todos los públicos. Además Wildcat es un músico con un enorme sentido del humor entre cómico, irónico, o sarcástico, que se refleja en las siete canciones compuestas por él mismo junto a cuatro versiones muy personales de Jimmy Reed, Lightnin’ Hopkins, Ralph McDonald/William Salter y James Cotton que completan los once temas que contiene este álbum. En esta ocasión Wildcat O’Halloran y sus músicos se han concentrado únicamente en el blues clásico, dejando de lado otras influencias que pueden estar presentes en su repertorio habitual. De esta forma nos ofrecen un disco con genuino sabor tradicional. Es aquí donde todos ellos nos muestran su cara mas amable para que el oyente deguste con satisfacción este nuevo plato servido con pulcritud y esmero. BUENO. If there is a musician who does not hide anything and is always faithful to his musical

convictions, whether they are cutting-edge music, underground, traditional blues or just 50’s rock and roll, undoubtedly he is the energetic singer and guitar player Wildcat O'Halloran who, together with his band, turn everything upside down with their joyful, funny and festive music ready to convince all audiences. Wildcat has also an incredible sense of humour that moves among joy, irony or sarcasm, which can immediately be noticed in the seven own songs that complete the album together with four very personal versions coming from Jimmy Reed, Lightnin' Hopkins, Ralph McDonald/William Salter and James Cotton. This time Wildcat O'Halloran and his musicians have totally focused on classic blues, leaving aside other influences that may be present in their usual repertoire. In this way, they bring us an album with the most genuine traditional flavour. This gives them the opportunity to show listeners their most friendly face, ready to make them taste and delight with this new dish served with an exquisite care. GOOD.

Johnny Nicholas & Friends “Too Many Bad Habits”. Self Production / Mark Pucci Media (2 CD’s) 2017. En 1977 la compañía Blind Pig Records publicó el álbum “Too Many Bad Habits”. En él se encontraban el cantante y guitarrista, Johnny Nicholas junto a los legendarios Big Walter Horton a la armónica y voz, Johnny Shines a la guitarra y voz, Boogie Woogie Red al piano y voz, además de otros músicos de la formación de ‘western swing’ liderada por Ray Benson, Asleep At The Wheel añadiendo mandolina, violín, saxo y otros instrumentos acústicos. Cuarenta años más tarde esta verdadera joya del blues ha sido reeditada con el sonido completamente remasterizado para disfrute y deleite de todos los aficionados al blues más tradicional del south side de Chicago. Por si esto no fuera poco, se incluye un segundo cd con canciones pertenecientes a aquellas sesiones de grabación que fueron desechadas en su momento por lo que nunca llegaron a ver la luz, lo que constituye un auténtico valor añadido y un documento único. Para quienes no estén demasiado familiarizados con John Nicholas, simplemente decir que fue uno de aquellos pioneros blancos que empezaron a tocar blues junto a los más genuinos bluesmen de color, ayudando de este modo a popularizar el estilo entre los jóvenes blancos de su generación. Este doble cd constituye una verdadera joya que merece un lugar destacado en cualquier colección discográfica. IMPRESCINDIBLE. In 1977 Blind Pig Records released the album "Too Many Bad Habits" by singer and guitar players Johnny Nicholas playing together with legendaries Big Walter Horton on harmonica and vocals, Johnny Shines on guitar and vocals, Boogie Woogie Red on piano and vocals besides other musicians belonging to the western swing band led by Ray Benson, Asleep At The Wheel, who added mandolin, violin, sax and other acoustic instruments to the recording. Forty years later this blues treasure has been completely remastered and reissued to delight and please most traditional south-side Chicago blues lovers. And if this was not enough, it also includes a second CD with songs belonging to those recording sessions that were not released and never came to see the light, which provide an added value to this unique document. For those who are not familiar with John Nicholas, let me say he was one of those white musicians pioneers who began to play blues side by side with the most genuine black bluesmen, helping to make this style popular among young white people of his generation. Undoubtedly this double cd

becomes a real jewel that deserves an outstanding place in any record collection. ESSENTIAL.

Leif De Leeuw Band “Until Better Times”. Self Production 2017. Leif De Leeuw es un joven guitarrista holandés que ha irrumpido con inusitada fuerza en el panorama europeo del rock-blues más crudo y descarnado. A pesar de su juventud ha ganado ya varios premios como mejor guitarrista de rock-blues y también como mejor banda revelación. Leif practica un estilo contemporáneo y atrevido donde mezcla el funk, el soul y el rock sinfónico con el rock-blues y lo hace con mucha osadía y autoridad. Este disco incluye once composiciones propias de la banda en las que combinan con habilidad y destreza rock de los años setenta en la línea de Allman Brothers Band, Led Zeppelin, Blackberry Smoke o Henrik Freischlader. La banda imprime fuerza y fogosidad a sus interpretaciones con ponderada eficacia aromas subterráneos muy garajeros no exentos de interés para muchos de los oyentes. Además de Leif De Leuw a la guitarra y pedal steel, el resto del grupo lo forman Britt Jansen a la voz y guitarra, Boris Oud al bajo y contrabajo y Tim Koning a la batería y percusión. En el álbum han colaborado también Willem ‘t Hart al Hammond y teclados y Jasper Ras a la percusión. Un disco interesante por determinados conceptos que puede llegar a cautivar al oyente si está dispuesto a dejarse arrastrar por su música. MUY BUENO. Leif De Leeuw is a young guitarist who has appeared with an unusual strength in European gritty and raw rock-blues scene. Despite his youth he has already won several awards as best rock-blues guitar and best new band. Leif performs a contemporary daring style where he mixes funk, soul or symphonic rock with rock-blues and he does with great audacity and authority. The album includes eleven original band compositions that skilfully combine 70’s rock in the path of Allman Brothers Band, Led Zeppelin, Blackberry Smoke or Henrik Freischlader. The group gives strength and warm enthusiasm to their music, adding some underground and garage flavours with a weighted average that could be of interest to a good number of listeners. Besides Leif De Leuw on guitar and pedal steel, the rest band musicians are Britt Jansen on vocals and guitar, Boris Oud on bass and double bass and Tim Koning on drums and percussion. There have also collaborated in the album Willem 't Hart on Hammond and keyboards and Jasper Ras on percussion. This is an interesting recording by some concepts that would captivate listeners if they let themselves be carried by their music. VERY GOOD.

Kathi McDonald “Defused”. Marin Records 2016. Este doble cd se convierte en un homenaje a la cantante Kathi McDonald (1948-2012). Kathi grabó y estuvo actuando con artistas de la talla de Leon Russell, Long John Baldry, Ike And Tina Turner, Rolling Stones, Delany & Bonnie o Freddie King entre muchos otros. Gran admiradora de Janis Joplin, a la muerte de esta Kathi tomó el mando de la banda de Janis, Big Brother And The Holding Company, grabando con ellos dos irrepetibles LP’s que se han convertido ya en legendarios y que son dos joyas muy buscadas por los buenos coleccionistas de rock. De Janis Joplin Kathi aprendió su desgarrada y alcohólica forma de cantar, su intensidad, la actitud, la puesta en escena, los giros vocales, el trémolo, la sensualidad y el feeling. Todo esto junto a la combinación del blues y el rock que Kathi aborda con su voz magistral de forma totalmente espontánea, la convierten en una artista brillante. Este doble disco incluye veinticinco temas

de los últimos años de la vida de Kathi McDonald, en los que también colaboraron algunos miembros de los Big Brother And The Holding Company junto a otros destacados músicos. Ambos discos se convierten en una verdadera joya y pieza indispensable para conocer y descubrir a una artista que, a pesar de su innegable calidad, no llegó a conseguir todo el reconocimiento ni la fama que merecía, por ello recomiendo encarecidamente conseguir una copia del mismo para disfrutar y contagiarse de la encendida pasión que esta mujer ponía en cada una de sus intervenciones. BUENISIMO. This double cd becomes a tribute to singer Kathi McDonald (1948-2012). Kathi recorded and played with such great artists like Leon Russell, Long John Baldry, Ike And Tina Turner, Rolling Stones, Delany & Bonnie or Freddie King among many others. She deeply admired Janis Joplin so, when Joplin passed away, Kathi led Janis’ band, Big Brother And The Holding Company, recording two incredible LP's which are now legendary, two jewels that have become two cult recordings for rock collectors. From Janis Joplin Kathi learned her raw alcoholic way of singing, her intensity, her attitude, her stage presence, her vocal turns, tremolo, sensuality and feeling. All these qualities, together with a good mixture of blues and rock, is what Kathi gives us, showing her masterful spontaneous voice and the bright of a real star. This double album includes twenty-five songs belonging to the last years of her life, where you will also find some members of the Big Brother And The Holding Company, as well as other prominent musicians. Both cds are a real gem and an essential tool to discover and love an artist who, in spite of her undeniable quality, did not get all the recognition and fame she deserved, so I highly recommend to get a copy to enjoy and be infused with the terrific passion Kathi McDonald always put in every song. GREAT.

Mama SpanX “State Of Groove”. Ideal Scene Music / Frank Roszak 2017. Durante bastantes años la cantante Nikki Armstrong trabajó junto al legendario guitarrista de soul y jazz Melvin Sparks. Desgraciadamente Melvin falleció en 2011 y es ahora cuando Nikki ha decidido reunir un buen elenco de músicos de rhythm and blues, funk, soul y blues para formar su banda Mama SpanX cuyo nombre se convierte en un tributo al desaparecido artista y, de paso, firmar este álbum que comentamos. Este es el primer trabajo discográfico de esta banda e incluye ocho temas originales de la propia Nikki co-escritos con algunos colaboradores y una versión de “Alligator Boogaloo” del saxofonista de jazz Lou Donaldson. Todas las canciones se deslizan con buen gusto y mejor criterio por los caminos por los que transitan estilos como el funk, el jazz, el soul y el rhythm and blues con buenas combinaciones entre estos géneros, junto a matices y arreglos llenos de colorido y buenas dosis de energía contenida. La cálida, sensual y poderosa voz de Nikki Armstrong brilla con luz propia, mostrando un alto poderío sin fisuras, estando perfectamente respaldada por unos excelentes músicos como son Steve Johnson a las guitarras, Harland Spector al Hammond B-3, órgano, piano y moog, Steve Sadd al saxo tenor y soprano, Julie Sax al saxo alto y barítono, Russ Mullen a la trompeta y trombón, David Abercrombie al bajo de seis cuerdas y “Uncle” Ben Beckley a la batería, percusión y dirección musical. MUY BUENO. For many years singer Nikki Armstrong worked with legendary soul and jazz guitar player Melvin Sparks. Unfortunately Melvin died in 2011 and it is now when Nikki has decided to gather some good rhythm and blues, funk, soul and blues

musicians to form her own band, Mama SpanX, whose name becomes a tribute to her lost friend and, of course, sign this recording. This is the band debut album and includes eight original tracks co-written by Nikki and several collaborators, plus a version of "Alligator Boogaloo" coming from jazz sax player Lou Donaldson. All the songs cleverly move with an extreme good taste along funk, jazz, soul and rhythm and blues roads, on a good combination of these musical styles, together with colourful arrangements full of beautiful nuances and a good dose of restrained energy. The warm, sensual and powerful voice of Nikki Armstrong shines at a very high level, showing a straight compact strength, perfectly backed by her excellent musicians, Steve Johnson on guitars, Harland Spector on Hammond B-3, organ, piano and moog, Steve Sadd on tenor and soprano sax, Julie Sax on alto and baritone sax, Russ Mullen on trumpet and trombone, David Abercrombie on six-string bass and "Uncle" Ben Beckley on drums, percussion and musical direction. GREAT.

Samantha Fish “Belle Of The West”. Ruf 2017. Desde que en el año 2009 Samantha Fish iniciara su carrera discográfica con el disco “Live Bait”, todos los álbumes que le han seguido han sido de una riqueza musical inusitadas, mostrando las diferentes facetas y la variada paleta de colores que posee esta artista, todas ellas profusamente ancladas en los blues pero con los efectos colaterales que le proporcionan los ricos y distintos matices que hacen de ella una artista muy especial. Impresionante cantante, guitarrista y compositora, Samantha Fish nos presenta el que probablemente sea uno de los mejores cd’s en su carrera profesional, un álbum lleno de maravillosas secuencias de sensibilidad y soberbia riqueza armónica, que emana folk, blues, baladas y vivencias magistralmente expuestas e interpretadas, acompañada de unos músicos sobrios y elegantes que saben como conquistar el corazón del aficionado a la música genuinamente americana como es el caso que nos ocupa. El disco ha sido grabado en los estudios Zebra situados en un idílico paraje de las colinas del norte de Mississippi. Para su realización ha contado con la colaboración de músicos de la zona como Luther Dickinson o Lightnin’ Malcolm. Todo el ambiente de la música de esa zona campestre del Mississippi se refleja en este disco que nos permite descubrir en toda su dimensión una nueva faceta de esta estupenda artista. MUY BUENO. Since the moment Samantha Fish started his recording career in year 2009 with the album "Live Bait", all the recordings that have followed this first one have gathered an unusual musical richness, showing the different facets and varied colour palette of an artist who is deeply anchored in blues but with some side effects that add beautiful nuances and make her to be a very special artist. Impressive singer, guitar player and songwriter, Samantha Fish comes with a new album which is probably one of the best ones in her professional career, a cd full of wonderful steps, gifted with an amazing sensitivity and a superb harmonic wealth, ranging from folk to blues, ballads or many other musical experiences that are masterfully displayed. She is backed by a bunch of restrained elegant musicians who know how to conquer the heart of the most genuine American music fans. The album was recorded at Zebra studios, in a beautiful countryside corner in the middle of northern Mississippi hills. There Samantha counted with the valuable collaboration of good local musicians like Luther Dickinson or Lightnin' Malcolm among others. The atmosphere of Mississippi

hill county music can be found in the whole album and allows us to discover in its whole a new facet of this great artist. GREAT.

Jane Lee Hooker “Spiritus”. Ruf 2017. En los años más recientes Nueva York se ha convertido en una de las ciudades emblemáticas de lo que se ha venido a denominar la escena del punk-blues. Una de las bandas punteras de este movimiento musical es sin duda el formado por cinco mujeres que llevan por nombre Jane Lee Hooker. El grupo lo forman Dana “Danger” Athens a la voz, Tracy “High Top” y Tina “T-Bone” Gorin a las guitarras, Hail Mary Z al bajo y Melissa “Cool Whip” Huston a la batería. Este es su segundo álbum grabado en estudio bajo la supervisión del ingeniero y productor Matt Chiaravalle y en él todas ellas han querido mostrarse tal y como son en el escenario, es decir, crudas, espontáneas, con una energía desbordante y sin afectaciones. Es por este motivo por el que en el estudio de grabación han huido de los habituales estereotipos como los diversos efectos de grabación, los overdubs, los pedales, incluso las tomas alternativas y todo ello para poder de este modo capturar de una manera simple y tangible, sin misterios ni accesorios, toda la emoción y la fogosidad que comunican en el escenario. Este es un disco para escuchar de principio a fin, deleitándose y descubriendo toda la fuerza y la intensidad que las Jane Lee Hooker son capaces de transmitir. MUY BUENO. In most recent years New York has become one of the charismatic cities of what has started to be called the punk-blues scene. Undoubtedly one of the leading bands of this particular movement is this five women one which are known with the name of Jane Lee Hooker. The group is formed by Dana "Danger" Athens on vocals, Tracy "High Top" and Tina "T-Bone" Gorin on guitars, Hail Mary Z on bass and Melissa "Cool Whip" Huston on drums. This is their second studio album and has been recorded under the clever supervision of reputed engineer and producer Matt Chiaravalle. The main goal they wanted to get was to appear to all listeners as they usually are on stage, that is to say, raw, spontaneous and with a boundless unaffected energy. This is the reason why they have avoided all usual studio devices like the variety of recording effects, overdubs, pedals and even the alternate takes to, in this way, simply capture the essential power, the total excitement and the whole enthusiasm they communicate on stage. This is an album to be heard from the beginning to the end, to discover end savour all the strength and intensity Jane Lee Hooker are able to deliver. VERY GOOD.

Luther Allison “A Legend Never Dies”. Ruf LP Box Set / CD Box Set 2017. Para recordar el veinte aniversario del fallecimiento del gran cantante y guitarrista de blues de Chicago Luther Allison, la compañía alemana Ruf Records comandada y dirigida por Tom Ruf ha querido rendirle homenaje editando una fantástica caja que contiene siete LP’s o vinilos y cuatro DVD’s. No contentos con ello, también han editado los cuatro DVD’s en formato CD. Estas cajas contienen además lo que hoy en día los americanos llaman una ‘Coffee Table Book’ de ochenta páginas que contiene toda su biografía con profusos comentarios e ilustraciones. La tirada es limitada puesto que solamente se han editado 1.500 cajas. En estos DVD’s se pueden visualizar actuaciones del año 1997 (Live In Paradise y Zoo Bar), de 1991 (en un concierto en Alemania donde Luther toca junto a su hijo Bernard) o de 1987 (en un concierto desde Berlín Este). Otra de las joyas que se incluyen es su tremenda actuación en los

premios W.C. Handy de 1996 (actualmente denominados Blues Music Awards y Keeping The Blues Alive), concedidos por la Blues Foundation de Memphis. Tanto si eres uno de los muchos fans de Luther Allison como si simplemente te gusta el blues, no puedes perderte este cofre, ya sea en Cd’s o LP’s, porque constituye una auténtico tesoro y un valioso regalo para la vista y los oídos. IMPRESCINDIBLE. To remember and commemorate the 20th anniversary of the death of great singer and Chicago blues guitar player Luther Allison, German label Ruf Records led by Tom Ruf, has decided to pay him a tribute by publishing a fantastic box with seven vinyl LP's or and four DVD's. And if this was not enough, they have also published the four DVD's in CD format. These boxes also include a 80 pages coffee table book with his extensive biography, profuse comments and illustrations. The edition is limited with only 1.500 boxes published. In these DVD's you will find a variety of performances, like the ones coming from 1997 (Live In Paradise and Zoo Bar), other one from a Germany show where Luther played together with his son Bernard, or one from 1987 recorded at an East Berlin gig. Another jewel you will find is his terrific show at W.C. Handy Awards (now called Blues Music Awards and Keeping the Blues Alive) in 1996, organized by the Blues Foundation in Memphis. If you are one Luther Allison’s deep fans or if you just like the blues, you must not miss this box, either in CD or LP format, because it is a real treasure and a valuable present for your eyes and ears. ESSENTIAL.

Johnny Max Band “Roadhouse Soul”. Pour Soul 2017. Sin duda alguna Johnny Max Band es una formación perfecta para animar fiestas y reuniones. Su blues de corte comercial, su presencia escénica y su amplio sentido del humor han hecho que sus seis discos anteriores hayan sido un éxito de crítica y público. Toda la alegría que desprenden en sus actuaciones en directo saben también trasladarla a sus discos, como es sucede en el caso de este nuevo trabajo que comentamos. Los diez temas originales que componen la grabación tienen todos los elementos e ingredientes para satisfacer a un amplio sector del público aficionado: un estilo vocal directo y contundente, unos músicos que suenan divinamente empastados y un swing arrollador que transmite al oyente unas tremendas ganas de bailar y de soltarse el pelo. Liderados por Johnny Max a la voz, el grupo se completa con Kevin Vienneau a las guitarras, mandolina y coros, Rob Gusevs a los teclados, Russ Boswell al bajo, Jim Casson a la batería y Quesha Wint coros. Si parece exagerado todo lo escrito en estas líneas sobre Johnny Max Band, entonces mi recomendación es conseguir una copia del mismo para comprobarlo de primera mano. MUY BUENO. Johnny Max Band is surely the perfect group to enliven parties and other celebrations. His pretty commercial blues, their stage presence and sense of humour have led their six previous albums to get a remarkable success among audiences and specialized media. They manage to communicate all the joyful atmosphere of their live shows in their recordings, as happens in this new work. The ten original songs that round up this new album gather all the elements and ingredients to satisfy a wide range of listeners, which are nothing than a direct vocal style, a group of musicians totally teamed and a rolling swing that communicates people feel like dancing and go wild. Led by Johnny Max on vocals, the rest of band musicians are Kevin Vienneau on guitars, mandolin and vocals, Rob Gusevs on keyboards, Russ Boswell on bass, Jim Casson on drums and Quesha Wint on backing

vocals. If you think everything written on these lines about Johnny Max Band is pure exaggeration, my advice is to get a cd copy and check it first hand. VERY GOOD.

Tia “Lil’ Bird”. Self Production 2017. Tia Couttebel es una cantante y guitarrista francesa de blues sumamente original dotada de una marcada personalidad. Mujer de espíritu libre, Tia disfruta sobremanera reinventando y llevando el blues a su propio terreno con habilidad y mucha elegancia, inspirándose sobre todo en diversas corrientes que la llevan a rincones tan alejados como el continente africano, o a los primitivos ritmos afrocubanos. Su último viaje al norte del Mississippi junto a Cedrick Burnside, Cameron Kimbrough y Sharde Thomas le hizo descubrir la riqueza del blues de aquella zona, dando como fruto un álbum fresco, jugoso y completamente innovador por los diferentes matices, armonías y colores que se van fusionando tema tras tema a lo largo de un total de diez canciones transportan al oyente a esos paisajes fantasmagóricos del sur profundo de los Estados Unidos, a la oscuridad de los bayous, aunque también nos hacen viajar al increíble ambiente festivo de la Louisiana en un completo repertorio lleno de magia y seducción. Todo ello gracias al buen hacer de Tia Couttebel a la voz y guitarra, Manu Borghi a los teclados, Laurent Cokelaere al bajo, Francis Arnaud a la batería, Marc Clomeau a la percusión, clavecin y coros y Ibou Sow a la flauta. MUY BUENO. Tia Couttebel is a blues French singer and guitar player gifted with a huge originality and a remarkable personality. She is a free minded woman so what she likes most is to reinvent the blues, carrying these old music to her own field, and she does it with a natural elegance and skill, getting inspiration in the various ways that drive her to hidden corners like the native Africa or to the primitive afro-cuban rhythms. Her last journey to the north of the Mississippi together with Cedrick Burnside, Cameron Kimbrough and Sharde Thomas made her discover the richness of the blues in that particular area and has given as a result this cool, juicy and completely innovative album, where you will feel the different shades, harmonies and colours that can be found in the ten album songs. A beautiful trip to the phantasmagorical landscapes of Mississippi deep south or the darkness of bayous, but also to Louisiana incredible joyful atmosphere, in a well chosen repertoire full of magic and seduction, thanks to the good work of Couttebel Aunt on vocals and guitar, Manu Borghi on keyboards, Laurent Cokelaere on bass, Francis Arnaud on drums, Marc Clomeau on percussion, clavinet and backing vocals and Ibou Sow on flute. GREAT.

The Jimmy Zee Band “What You See Is What You Get”. Self Production / Sarah French 2017. Sin duda la voz del cantante Jimmy Zee se ha convertido en el rasgo más característico de este artista. Muchos de los que la han escuchado la han definido como una mezcla entre Joe Cocker, Tom Waits y Robbie Robertson y ciertamente es fácil darse cuenta que estas tres voces están presentes en las cualidades vocales de Jimmy Zee. Pero además voz es áspera, cruda, profunda y adecuada para desgranar un repertorio tanto de blues como de soul, americana, rock sureño, y rhythm and blues. Hasta el momento ha publicado seis álbumes todos ellos nutridos y repletos de canciones propias que han recibido excelentes y suculentas críticas tanto en Estados Unidos como también en Europa. Diez canciones componen este

trabajo recientemente aparecido en el mercado, en las que la formación básica está compuesta por Jimmy Zee a la voz y en algunos temas colabora también la vocalista Nadine States, Rob MacDonald y Tim Porter están a las guitarras, Darryl Havers a los teclados, Harpdog Brown a la armónica, Steve Hilliam al saxo, Miles Hill al bajo, Joel Fountain a la batería, además de haber contado con algunos músicos invitados que acaban de redondear éste álbum. MUY BUENO. It certainly is the particular voice of singer Jimmy Zee what most defines the personality of this musician. Many people who have listened to it say it is a mixture of Joe Cocker, Tom Waits and Robbie Robertson and it is really easy to realize these three amazing voices can be found among Jimmy Zee’s vocal qualities. But his voice is also rough, raw, deep and appropriate for a repertoire based on blues, soul, Americana, southern rock and rhythm and blues. He has published six albums till now, all them fed and full with his own songs, which have received juicy and excellent reviews both in United States and Europe. Ten songs fill this recently published recording, where the basic band is formed by Jimmy Zee in vocals together with singer Nadine States who also collaborates in some songs, Rob MacDonald and Tim Porter on guitars, Darryl Havers on keyboards, Harpdog Brown on harmonica, Steve Hilliam on sax, Miles Hill on bass and Joel Fountain on drums, plus some guest musicians who help to round up an interesting album. VERY GOOD.

Heather Newman “Burn Me Alive”. Vizztone 2017. Heather Newman empezó su carrera musical siendo todavía una niña en Omaha, Nebraska. Después de unos años se trasladó a Kansas City, Missouri, uniéndose a la banda de Nick Schnebelen, tocando el bajo, escuchando, aprendiendo, grabando con ellos y, lo mas importante, cantando sus propios temas y preparándose poco a poco para convertirse en intérprete solista. A principios del año 2017 formó su propia banda junto a Keith Ladd a la guitarra, Ryan Flemmer a los teclados y Cole Dillingham a la batería. Con ellos respaldando su liderazgo, Heather comunica y transmite un show lleno de energía y contundencia, en una comunión directa con la audiencia que se entrega a su música con pasión desbordante. A finales de ese mismo año 2017 la banda ha grabado este su primer álbum en el que han contado con la colaboración de Mick Schnebelen y Michael Lefever. A lo largo de las doce canciones originales que componen el disco, Heather nos cuenta, en formato de poderoso y enérgico rock-blues de carretera, algunas de sus experiencias en el mundo de la música, como por ejemplo sus largos viajes para ir a tocar, sus intensos conciertos en pequeños clubs, su duro trabajo en el mundo de la música, además de otros sentimientos como la soledad, el amor y todo lo que el blues significa para ella. MUY BUENO. Heather Newman began her musical career in Omaha, Nebraska, when she still was a small girl. Some years later she moved to Kansas City, Missouri, joining Nick Schnebelen’s band, where she played bass, listened, learned, recorded with them and, the most important thing, she sang her own songs and gradually got experience to become a solo artist. At the beginning of year 2017 she formed her own band with Keith Ladd on guitar, Ryan Flemmer in keyboards and Cole Mccarthy on drums. With these musicians supporting her leadership, Heather gives a show full of energy and strength, in an amazing communication with the audience that are caught by her music with an overflowing passion. At the end of the same year 2017 the band recorded their first album, with the special collaboration of Mick

Schnebelen and Michael Lefever. Along the twelve original songs that make up the album, Heather tells us, in the form of powerful energetic roadhouse rock-blues, some of the experiences she has lived as a musician, like her long trips to play a gig, her intense shows in small clubs, her hard work in music, besides other feelings like loneliness, love and all what the blues means to her. VERY GOOD.

Little G Weevil “Something Poppin’“. VizzTone 2017. En pocos años el cantante y guitarrista Little G Weevil se ha consolidado como uno de los jóvenes valores al alza en el campo del blues. Weevil ha sido también galardonado en diversas ocasiones y ha conseguido hacerse con un público fiel y respetuoso que le siguen en sus conciertos y compran sus discos. Con este nuevo trabajo Weevil y su banda dan un paso agigantado en la búsqueda de un sonido y un camino particular para acabar así de consagrarse como unos genuinos exponentes del sonido más actual de la vanguardia del blues. Muchas de las canciones de este nuevo álbum se inspiran en los blues afroamericanos de los años setenta, pero también en el soul, el rhythm and blues, el funk, el rock, el hip-hop y también en el rap. Es de esta forma como nuestro hombre y sus músicos consiguen abarcar un sonido nuevo y atractivo, con un punto comercial. Son ocho canciones propias más dos versiones las que dan forma a un disco creativo y bien ornamentado, en el que Little G Weevil plasma con fuerza y atractivo todo el poder de un blues pensado y dirigido hacia una nueva generación de consumidores entre los que cada vez están mas en alza. MUY BUENO. In recent years singer and guitar player Little G Weevil has become one of the emerging young blues talents. Also Weevil has been awarded several times and has managed to get a faithful audience who respectfully follow his live shows and buy his recordings. With this new album Weevil and his band take a giant step ahead looking for a distinctive sound and a particular style which finally makes them gain fame and be one of the most genuine representatives of the actual vanguard blues sound. Many of the songs on this new album find inspiration on 70’s Afroamerican blues, but also in soul, rhythm and blues, funk, rock and even hip-hop and rap. This is how our man and his musicians get a new attractive and, sometimes, a commercial sound too. Eight songs plus two versions round up a creative tastefully ornamented cd, where Little G Weevil feels free to display on an attractive strong way all the power of his blues, specially devoted to a new generation of fans who are daily increasing and appreciating his music. VERY GOOD.

Ronny Aagren & His Blues Gumbo “Close To You”. Hunter 2017. Igual que el gumbo de la Louisiana tiene numerosos y sabrosos condimentos e ingredientes, Ronny Aagren & His Blues Gumbo cocinan y se esmeran en presentar unos platos compuestos por sus personales guisos, llenos de los más placenteros sabores, olores y colores, a base de Mississippi Delta blues, New Orleans rhythm and blues, Texas blues y ese punto de rock and roll tan atractivo con el que elaboran sus canciones. Pero lo más curioso del caso es que estos cocineros tan bien ensamblados y creativos provienen de Noruega, formando el grupo en el año 2016. De todos modos su líder, el cantante y guitarrista Ronny Aagren, es un músico con experiencia que inició su carrera hacia finales de la década de los años ochenta y que desde siempre ha

admirado con veneración y respeto a artistas como Robert Johnson, Blind Willie Johnson, B.B. King, Howlin’ Wolf, The Fabulous Thunderbirds o Ry Cooder entre muchos otros. La banda está formada por Ronny Aagren guitarra, voz y composición, Alexander Andrè Johnson al piano, órgano y coros, Roar Paulsberg al bajo y coros y Ole-Christian Rydland a la batería y coros. Al igual que cocinar un buen gumbo es tarea harto difícil, la experiencia y el talento de este grupo les hace presentar un plato cinco estrellas. BUENISIMO. As happens with Louisiana gumbo, that needs many tasty ingredients and species, Ronny Aagren & His Blues Gumbo cook and do their best to present some dishes cooked with their personal stew and the most pleasant flavours, smells and colours, based on Mississippi Delta blues, New Orleans rhythm and blues, Texas blues and some drops of attractive rock and roll that round up all songs. But the most curious thing is these teamed creative cookers come from Norway and formed the band in year 2016. Anyway, band leader, singer and guitar player Ronny Aagren is an experienced musician who started his career at end of the 80’s. During all these years he has always venerated and admired artists like Robert Johnson, Blind Willie Johnson, B.B. King, Howlin' Wolf, The Fabulous Thunderbirds or Ry Cooder among many others. The band is formed by Ronny Aagren on guitar, vocals and song composition, Alexander Andrè Johnson on piano, organ, and backing vocals, Roar Paulsberg on bass and backing vocals and Ole-Christian Rydland on drums and backing vocals. As cooking a really good gumbo is a difficult task, the experience and talent of all band musicians make them able to make us savour a five stars dish. GREAT.

FreeWorld “What It Is”. Swirldisc / Blind Raccoon 2017. Para celebrar sus treinta años en activo, la banda FreeWorld publica ahora un excelente trabajo grabado en los famosos Ardent Studios de Memphis. FreeWorld es un grupo imprescindible y toda una atracción en el mundo del espectáculo de Memphis, lo que les ha dado la oportunidad de compartir escenario con artistas de la talla de Levon Helm, Billy Preston, Dereck Trucks, Hot Tuna, Los Lobos, Dr. John, James Cotton, Jimmie Vaughan, Susan Tedeschi y muchos otros de gran nivel y envergadura. La edad de los ocho músicos que actualmente forman este grupo oscila entre los veinte años de su miembro mas joven, hasta los ochenta y siete años del legendario saxofonista Dr. Herman Green (Miles Davis, John Coltrane, B.B. King, Lionel Hampton, Bob Weir…) Las once canciones del álbum reflejan una interesante mezcla de sus muchas, variadas y variopintas influencias que van desde Booker T. & The M.G.’s hasta John Coltrane, Frank Zappa, Grateful Dead, Steely Dan o The Meters. En el disco se recogen todas estas y algunas más lo que le da una gran variedad de colores y texturas. A pesar de ello el álbum tiene un punto de partida y un hilo conductor que se desarrolla sin ningún tipo de descoordinación y con una calidad musical que sorprende muy gratamente. MUY BUENO. To celebrate their 30 anniversary, FreeWorld publishes now an excellent album recorded in the famous Ardent Studios in Memphis. FreeWorld is an essential attractive group of the entertaining Memphis scene, which have given them the opportunity of sharing stage with such high quality artists like Levon Helm, Billy Preston, Dereck Trucks, Hot Tuna, Los Lobos, Dr. John, James Cotton, Jimmie Vaughan, Susan Tedeschi and many more great ones. The age of current eight band members ranges from 20 years of his youngest member to eighty-seven

years of legendary sax player Dr. Herman Green (Miles Davis, John Coltrane, B.B. King, Lionel Hampton, Bob Weir…) The eleven songs included in the album reflect an interesting mixture of their many, varied and diverse influences ranging from Booker T. & the M.G.'s to John Coltrane, Frank Zappa, Grateful Dead, Steely Dan or The Meters. All these and some more can be found in the recording, which gives as a result an amazing variety of colours and textures. Nevertheless, the album has a departure point and a thread that runs with a perfect coordination and an outstanding musical quality that will pleasantly surprise most listeners. GREAT.

Ilya Portnov “Strong Brew”. Self Production / Blind Raccoon 2017. El virtuoso armonicista ruso Ilya Portnov nos presenta su primer disco con el que se estrena cara al público. Es un trabajo ecléctico, variado y totalmente instrumental. En el disco encontramos diversos estilos y fuentes musicales que han jugado un papel importante en su vida. No es extraño que habiendo vivido y estudiado en Estados Unidos, tanto el jazz como el blues estén presentes en su obra, pero también encontramos el forro y el choro brasileños, además del folklore centroeuropeo y el de su tierra natal Rusia, algo que tampoco suele faltar en su música. El disco se grabó en los estudios Greaseland del conocido guitarrista y productor Kid Andersen, situados en San José, California. Además de Ilya Portnov a las armónicas cromática y diatónica, también se encuentran en el álbum el propio Kid Andersen a la guitarra y el bajo, junto a Chris Burns al piano y teclados y June Core a la batería y percusión y, como invitados, están en alguna canción Ben Andrews al violín, Rob Vye a la guitarra y percusión y Robby Yamilov al bajo. Un disco recomendable para los amantes de la armónica, un instrumento que Ilya toca con endemoniada habilidad e increíble técnica. Un disco especialmente recomendado para todos aquellos que busquen calidad y variedad de estilos y formatos. MUY BUENO. Russian virtuoso harmonica player Ilya Portnov brings us his debut album that introduces him to general audiences. It is an eclectic, varied and completely instrumental recording. The album gathers a variety of sources and musical styles which have had an important role in his life. It is not surprising that living and studying for quite a long time in United States, jazz and blues are present in his music, but we also find Brazilian forro and choro and, of course, elements of central Europe folk and his native Russia music. The album was recorded in well-known guitar player and producer Kid Andersen Greaseland studios, in San Jose, California. Besides Ilya Portnov on diatonic and chromatic harmonicas, you will also find just mentioned Kid Andersen on guitar and bass, Chris Burns on piano and keyboards and June Core on drums and percussion, as well as guest musicians Ben Andrews on violin, Rob Vye on guitar and percussion and Robby Yamilov on bass in a few songs. This is a highly recommendable album for harmonica lovers, an instrument Ilya plays with a terrific ability and an incredible technique. This is a very special cd for those people who mainly look for quality in a variety of styles and formats. GREAT.