MANUAL DE FOTOGRAFÍA TÉCNICA ENAF, Centro Histórico Mtro. José Luis Hernández Morales Septiembre 2013

TEMARIO DEL CURSO INTRODUCCIÓN A LA FOTOGRAFÍA

- Definición - Historia de la fotografía - Revisión de obra de fotógrafos sobresalientes (exposición con imágenes).

PARTES BÁSICAS DE LA CÁMARA

- Cuerpo - Objetivos - Diafragmas - Obturador

SENSIBILIDAD Y EXPOSICIÓN

- Sensibilidad ISO (en película y sensor) - Exposición - Lectura con el exposímetro de la cámara - Exposiciones equivalentes - Compensación de la exposición de acuerdo al contraste de la escena.

COMPOSICIÓN

- Recomendaciones para la composición: un centro de interés, regla de los tercios, ángulos, proximidad, líneas, fondos, interés adicional, acción y reacción.

- Encuadre y planos TÉCNICAS BÁSICAS DE FOTOGRAFÍA

- Máxima y mínima profundidad de campo - Barrido, giro panorámico y golpe de zoom - Congelado - Fotografía nocturna con técnica de bulbo - Prácticas de campo

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BALANCE DE BLANCOS - Dominantes de color de acuerdo al tipo de fuente de luz, condición climatológica y hora del día. - Balance automático AWB, balance de acuerdo a la condición (íconos). - Escala de temperatura de color grados Kelvin (K), balance de blancos preajustado. CÁMARA DIGITAL

- Tipos de sensor - Megapíxeles, tamaño de imagen - Calidad de imagen: Compresión - Salidas de ampliación - Archivos JPEG, RAW - Memorias

MANEJO BÁSICO DE LA LUZ

- Origen - Conceptos de iluminación y luz ambiental - Características de la luz: Intensidad, temperatura de color, contraste y dirección. - Recomendaciones para controlar el contraste

FLASH ELECTRÓNICO

- Manejo del flash manual, velocidad de sincronización y selección de diafragma f = NG/d. - Flash automático Thyristor y flash automático TTL. - Práctica con flash rebotado y con sincronización lenta.

FILTROS

- Filtros para fotografía en blanco y negro - Estrella cromática, colores complementarios - Compensación de exposición - Filtros UV y Sky Light (protección), ND, polarizador , close up, para corrección de color y efectos

especiales. IMÁGENES CON IMPACTO VISUAL

- La fotografía como obra artística, como documento y como medio comercial (presentación de imágenes).

Al finalizar el curso cada alumno presentará una serie o ensayo fotográficos como trabajo para exposición.

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INTRODUCCIÓN A LA FOTOGRAFÍA

Definición

Ante el término rebuscado de “Dibujo fotogénico” que utilizaba Henry Fox Talbot para definir sus sus calotipos, Sir John Herschel, científico y lingüísta inglés, propuso el término de “fotográfía” en 18391, del griego fotos: luz y grafis: escritura en castellano significa “escribir o pintar con luz”. El término fue adoptado universalmente. El historiador Beaumont Newhall, define a la fotografía: “La fotografía es básicamente una manera de fijar la imagen de la cámara, utilizando la acción que la luz ejerce sobre sustancias sensibles ante ella. Los antiguos habían ya observado que la luz cambia la naturaleza de muchas sustancias. La clorofila de la vegetación se hace verde ante la luz, o los tejidos coloreados palidecen. Ciertas sales de plata especialmente los haluros, quedan radicalmente alteradas por su exposición a la luz… ”2. La fotografía selecciona un espacio y un tiempo específicos, desde la visión específica y subjetiva del fotógrafo, desde la mirada individual. Francisco Mata Rosas, fotógrafo mexicano, señala (a manera de síntesis) que la fotografía se crea desde la ideología, cultura, vivencias y sensibilidad artística de cada persona, señala también: “Podemos tener la misma cámara, pero no tenemos el mismo ojo. Estoy seguro de que absolutamente todos los temas sobre la tierra ya están fotografiados. Pero estoy convencido que va a seguir habiendo fotografías formidables hasta que el mundo se termine, porque va a seguir habiendo puntos de vista diferentes”. 3

Mary Ellen Mark, Ram Prakash escucha con su elefante Shyama, Great Golden Circus, Ahmedabad, India, 1990

1 Beaumont Newhall, Historia de la fotografía, Gustavo Gili, Barcelona, 2002, p. 21. 2 Ibid., p. 9. 3 Claudi Carreras, Conversaciones con fotógrafos mexicanos, Gustavo Gili, Barcelona, 2002, p. 177.

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Historia de la Fotografía

La fotografía ha tenido su evolución a partir del descubrimiento de la cámara oscura, con el desarrollo de lentes más luminosos y compuestos cada vez más sensibles a la luz. A continuación se señala una cronología de puntos importantes en su historia.

• 342 a. C.: Aristóteles describe la cámara oscura, él decía: “Se hace pasar la luz a través de un pequeño agujero hecho en un cuarto cerrado por todos lados, en la pared opuesta, se formará la imagen [invertida] de lo que se encuentra enfrente”. • Siglo XVI: Battista Della Porta, en el renacimiento, señala a la cámara oscura como elemento auxiliar para el dibujo.

•Siglo XVI: Daniello Bárbaro, italiano, incorporó lentes a la cámara oscura, mejorando la nitidez. • Siglo XVII y XVIII: Las cámaras oscuras se hicieron populares al idearse mecanismos portátiles que permitían copiar paisajes, edificio, etc.; eran máquinas de dibujar.

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• 1727: Johann H. Shulze, químico alemán, observó que las sales de plata se ennegrecían cuando eran expuestas a la luz, el compuesto lo denominó escotóforo (“portador de la oscuridad”). • 1826: Nicéphore Niepce (francés) capta y retiene la primera imagen fotográfica; era de su casa de campo y necesito de 8 horas de exposición a la luz. Irónicamente la fotografía fue obtenida con un material sin plata, una sustancia llamada Betún de Judea.

• 1839: Louis Daguerre (también francés), quién había hecho sociedad con Niepce desde 1829, presentó ante la Real Academia de Ciencias de París el daguerrotipo. Una placa de cobre era sensibilizada con yoduro de plata; se introducía la cámara y se hacía la exposición (5 a 20 minutos); la placa se revelaba con vapores de mercurio y se fijaba con hiposulfito de sodio. Se obtenía una imagen única e irrepetible.

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Louis Daguerre fotografiado mediante el proceso de daguerrotipo y presentación clásica hacia la mitad del siglo XIX

Cámara de daguerrotipo comercializada por Daguerre y su cuñado Alph Giroux

• 1841: Henry Fox Talbot, británico, patenta el calotipo, fue el primer proceso negativo-positivo. Se producía un negativo en papel salado que podía copiarse por contacto con otros papeles sensibilizados (positivos). La imagen era burda con poca nitidez.

Henry Fox Talbot

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• 1851: Sir Frederick Scott Archer, inglés, presenta el método de colodión húmedo: una sustancia pegajosa se mezclaba con yoduro de plata sobre una placa de cristal y tenía que hacerse la foto y el revelado antes de que secara la placa. Este método permitía exposiciones en fracciones de segundo.

Exposiciones en fracciones de segundo con colodión húmedo Roger Fenton en su laboratorio ambulante • 1888: George Eastman presenta la cámara Kodak #1 dirigida al gran público; disparaba a 1/25 de segundo y contenía un rollo con gelatina seca para 100 exposiciones, tal rollo se enviaba por correo al laboratorio en Rochester Nueva York y se regresaban a los clientes fotografías circulares de 2.5 pulgadas de diámetro y un carrete en la cámara con película nueva listo para usarse; el slogan de Kodak era: “Usted oprime el botón nosotros hacemos el resto”.

Cámara Kodak No. 1 George Eastman fotografiado con su invento

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• 1924: La empresa Leitz en Alemania presenta la cámara Leica, inventada por Oscar Barnack, impresionaba fotogramas de 24x36mm sobre película de cine formato 35mm.

Cámara Leica No. 1

•1947: Edwin Land (EU), inventa el sistema Polaroid, de revelado instantáneo en blanco y negro, en 1963, el Polaroid a color y en 1972 la cámara Polaroid SX 70: de un solo paso, con una capa opacificadora que se volvía transparente al mismo tiempo que se revelaba la fotografía a la vista de todos.

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• 1975: Steven Sasson construyó la primera cámara digital. Un modelo muy primitivo para los estándares actuales, con apenas 100 x 100 pixeles, la cámara de Sasson marcó el inicio de la investigación por Kodak y Sony, entre otras marcas, para competir con las cámaras de película. • 1981: Sony en Japón presenta la cámara Mavica de video estático, cámara con respaldo CCD digital, primera en salir a la venta.

• En marzo de 1995 aparece la primera cámara digital comercial profesional, un modelo hecho en conjunto por Kodak y Nikon: la Kodak DCS460 con 6 mega pixeles (6,000,000 de pixeles).

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PARTES BÁSICAS DE LA CÁMARA Cuerpo Funciona como sostén de todos los elementos del sistema fotográfico y como cámara oscura. En el caso de las cámaras réflex, ya sean de película o digitales, el cuerpo contiene un sistema de espejo en posición de 45º y penta prisma que harán la función de captar en la película o el sensor siempre lo que se observa a través del ocular. No habrá un error de paralaje porque la imagen que se observa y la que se fotografía proviene del mismo eje luminoso.

Objetivos Tienen la función de concentrar la luz que proviene del tema fotografiado en el plano focal (), donde se sitúa la película o sensor (hacia la parte posterior del cuerpo). Un objetivo está conformado en grupos cada uno con varios elementos o lentes (que pueden ser cóncavos, convexos, asféricos, de baja dispersión, etc.). Los objetivos se clasifican con base en su distancia o longitud focal, es la distancia que separa el centro óptico del objetivo del plano focal con el objetivo enfocado al infinito ( ). La longitud focal de un objetivo estará determinada, además, por la combinación del índice de refracción del vidrio así como las curvaturas de las caras del lente. El número de la longitud focal se encuentra señalado en el objetivo con un número en milímetros: 16mm, 50mm, 300mm, 500mm, 18-55 mm, etc.

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Tipos de objetivos Normal: La distancia focal normal es aquella que sea aproximadamente igual a la distancia de la diagonal del formato de la película o sensor digital utilizados.

- Al utilizar el formato de película de 35 mm (conocido también como formato 135), en el que se impresiona un fotograma de 24x36mm, la diagonal del formato es de 43.2 mm Si se utiliza una cámara digital con formato Full frame (cuadro completo) como la Sony α 900, o la α 850, la diagonal sería la misma ya que el formato tiene la misma medida 24x36mm. Tanto en el formato 35mm como en el Full frame el lente normal mide 50 mm, ya que se ha redondeado el número por parte de los fabricantes. Cuando se utiliza el formato Full frame el factor de conversión focal es de 1.0x (tal factor se multiplica con la longitud focal del objetivo a utilizar para saber, ¿cuál sería la equivalencia si la foto se hiciera en formato 35mm? como el formato Full frame tiene la misma relación de tamaño al formato 35 mm, la longitud focal del objetivo normal sería la misma: 50x1=50mm).

Sensor Full frame y APS-C

- Cuando se utiliza una cámara digital con formato APS-C (Sony) se capta la imagen en un

rectángulo de 23.6x15.8mm, la diagonal producida es de 28.4mm; el objetivo normal para este formato sería un 28mm o hasta un 35mm. Cámaras APS-C son las Sony α 290, 390, 700, 550, 330, 33, 55. ; tienen un factor de conversión focal de 1.5 x (al igual que las cámaras Nikon DX); por ejemplo, si se utilizara un objetivo de 200mm al multiplicarlo por 1.5x, produciría un equivalente al efecto de un objetivo de 300 mm si se tomara en formato 135 o Full frame (FF). En modelos APS-C de Canon el factor de conversión focal es 1.3x, dado que el sensor mide un poco menos.

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Un lente normal proporciona una perspectiva natural y un ángulo de toma similar a la de la visión humana (45º), puede solucionar gran parte de los temas fotográficos y es muy luminoso (tiene un diámetro amplio para la entrada de luz, como veremos adelante en el apartado de diafragmas).

Se considera objetivo normal el de 50 mm en formato Full frame y un 28mm en formato APS-C

Gran angulares: Miden menos de 43mm en formato 135 y de 28 mm con cámaras APS-C. Abarcan un ángulo de imagen mayor que 45º, exageran la perspectiva (las relaciones de espacio) ampliando la distancia aparente entre los objetos cercanos y lejanos, al fotografiar en primeros planos a una persona, distorsiona sus rasgos. Con gran angular varios planos aparecerán nítidos en la fotografía por lo que se tiene una mayor profundidad de campo. Se consideran gran angular, en el formato 135 y FF, los objetivos 35, 28 y 24mm y en el APS-C los que miden 24, 18 y 16mm.

A medida que disminuye la longitud focal los objetivos se consideran súper gran angulares, si se tiene un número cada vez menor en milímetros, los objetivos tendrán un mayor ángulo de visión, mayor sensación de perspectiva y de distorsión, sobre todo en las líneas rectas que se notarán más curvadas especialmente en los extremos de la toma. El objetivo fish eye u ojo de pez, está en el límite de los súper gran angulares, puede tener un ángulo de imagen de 180 o hasta 220º y una sensación exagerada de perspectiva y de distorsión; hay modelos que producen una imagen circular y otros con forma rectilínea, los objetivos ojo de pez más comunes miden 6 mm, 8mm, 10mm y 16mm.

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Imagen con fish eye circular e imagen con fish eye rectilíneo

Sony fish eye, rectilíneo, 16mm

Telefotos: Poseen una distancia focal más larga, mayor a 60 mm en formato 135 (o full frame) y de 40 mm en formato APS-C∗ (55∗, 70, 85, 105, 300, 500, 800mm): tienen un ángulo cerrado de visión; los sujetos fotografiados con telefotos parecen más cercanos, el telefoto amplía la imagen; se tiene una sensación de compresión de los planos (de la perspectiva), los objetos lejanos parecen estar más cerca uno del otro de lo que se encuentran en la realidad. Poseen poca profundidad de campo, tanto, que hay imágenes donde sólo se tendrá un plano con nitidez. Los telefotos se utilizan en eventos deportivos, retrato, safaris fotográficos, imágenes de paparazzis.

Peter Schols, 2006 Telefoto Sony 300mm

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Zoom: Posee distancia focal variable, ofrece varias distancias focales en un objetivo, la posibilidad de cubrir varios ángulos de visión con sólo girar un arillo en el cuerpo del objetivo. Los modelos no tan caros suelen tener poca luminosidad, es decir, no tienen una abertura muy amplia de diafragma para el paso de la luz. Los zooms tienen rangos estándar (de angular-telefoto), angular (varios ángulos abiertos) y telefoto (ángulos cerrados de imagen). Un ejemplo para un objetivo zoom standard (en formato APS-C) es el 18-55mm; para rango angular (en APS-C) el 16-35mm y en rango telefoto, el 70-400mm (en Full frame y APS-C).

Macro: Permiten enfocar a distancias muy cortas y obtener imágenes de tamaño natural (o más) con excelente nitidez, se pueden utilizar a distancias cortas y normales, incluso hasta el infinito. Un lente macro que tenga una relación 1:1 o 1.0x produce una imagen del mismo tamaño en el negativo o el sensor con respecto al tamaño del objeto real, con 2x al doble y con 0.5x a la mitad de magnificación. Hay modelos macro de 50, 55, 60, 65, 70, 100, 105 y 180mm, con la marca Nikon se denominan micro.

Izquierda: el área de nitidez se reduce a pocos centímetros o milimetros; derecha: objetivo Sony macro de 50mm (1:1)

Existen accesorios para hacer fotografía macro como los filtros close up (o lentillas de acercamiento), arillos de extensión, fuelles y arillos para acomodar el objetivo invertido. Objetivos con control de perspectiva o des centrables

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Corrigen la distorsión de perspectiva que se produce al inclinar el objetivo respecto al plano de enfoque para fotografiar un objeto muy alto (como un edificio) desde una posición baja. La pérdida de paralelismo hace que las líneas verticales converjan, de modo que se crea la sensación de que el sujeto se cae hacia atrás. Estos objetivos tienen un mecanismo para mover la óptica sin mover la cámara y así corregir la convergencia. Su precio es muy elevado se utilizan principalmente para foto de arquitectura.

Diafragmas Es un mecanismo que regula la intensidad de luz que llega a la película o sensor mediante una abertura con diámetro variable, se localiza dentro del objetivo en medio de los elementos ópticos. Es un conjunto de laminillas traslapadas que abren y cierran por la acción de un arillo de diafragma –en el objetivo – o un dial, en el cuerpo de la cámara. Los diafragmas actuales funcionan de forma similar al iris del ojo humano, crean una pupila de entrada: abierta cuando hay poca luz y cerrada cuando hay una condición de luz intensa

Los diafragmas se denominan con “ f ”, la escala de unidades de diafragma está ordenada de tal forma que cada vez que se abre una unidad se transmite el doble de luz y cuando se cierra pasará la mitad de intensidad luminosa del diafragma anterior, esto es, una relación aritmética: doble/mitad.

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La escala de unidades de diafragmas es de: 1.4, 2, 2.8, 4, 5.6, 8, 11, 16, 22, 32. Ciertos modelos de cámara cuentan con posiciones de paso o diafragmas intermedios: 3.5, 4.5, 6.3, 9.2, 12, etc. Cabe señalar que los números mayores corresponden a diafragmas cerrados, como f/22, y un número menor a diafragmas abiertos (p. ej.: f/2).

Cada objetivo tiene una magnitud de abertura máxima de diafragma que se denomina luminosidad, se señala como 1: y máxima de diafragma iris. Si en un lente de 50 mm aparece señalado 1: 1,4 se trata de un objetivo con abertura amplia, a diferencia de un objetivo poco luminoso, como un zoom 18-55 con luminosidad 1: 3.5 -5.6 (3.5 correspondería al diafragma máximo en posición del zoom en 18mm y 5.6 al de la posición de la longitud focal de 55mm).

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El número de diafragma (f) resulta de dividir la longitud o distancia focal entre el diámetro real de la abertura: f =distancia focal / diámetro real, por ejemplo, si se tiene un objetivo de 50mm y se utiliza un diámetro real de abertura de 25mm, con la operación: f =50/25 el diafragma resultante sería de f/2. El diafragma también gradúa la profundidad de campo, que es la zona de nitidez aceptable que se prolonga por delante y por detrás del punto exacto donde se enfocó el sujeto u objeto. Puede haber nitidez en varios planos desde unos cuantos metros hasta el infinito ( ) o en un área muy reducida de hasta unos cuantos milímetros. A medida que se utilizan diafragmas cerrados (f/11 a f/32) aumenta la profundidad de campo y con diafragmas abiertos (f/1.4 a f/5.6) disminuye. Como ya se vio, también la profundidad de campo varía de acuerdo a la longitud focal, cuanto mayor sea ésta (telefotos), menor será la zona de nitidez, y por el contrario, distancia focal corta (gran angular) aumenta la profundidad de campo. Igualmente sucede con la distancia de enfoque del motivo a fotografiar, cuanto más cerca es el enfoque tanto menor es la profundidad de campo, y cuanto más lejos está el motivo, tanto mayor es la profundidad de campo.

Este par de fotografías fue tomada a la misma distancia (cámara-objeto) y con el mismo lente u objetivo: pero en la primero se utilizó un diafragma f/4 y en la segunda f/32. Obturador

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Es un mecanismo de cortinillas (metálicas o textiles) que abre y cierra el paso de la luz, permitiendo graduar la duración del efecto de la luz. En las cámaras réflex el obturador es de plano focal: se encuentra frente a la película o el sensor. Al periodo de tiempo en el cual el obturador permanece abierto, se le llama velocidad de obturación.

Obturador plano focal en cámara de película. Perilla de velocidades en cámara mecánica

Al girar un dial en la cámara las velocidades de obturación se seleccionan en segundos o fracciones; una velocidad específica proporciona un tiempo de exposición del doble de la velocidad que le sigue y de la mitad de la velocidad anterior: (relación aritmética doble/mitad). La gama de velocidades de obturación en las cámaras se expresa en segundos (”) o fracciones de segundo, las unidades de obturación son: 30”, 15”, 8”, 4”, 2”, 1”, ½, ¼, 1/8, 1/15, 1/30, 1/60, 1/125, 1/250, 1/500, 1/1000, 1/2000, 1/4000, 1/8000. En algunos modelos de cámaras aparecerán las fracciones con una simple numeración: 250, 500, 1000, etc.; y aparecerá también (usando el modo Manual) la letra B, señalando la posición del obturador en bulbo, con B el obturador permanece abierto hasta el momento en que se deja de oprimir el disparador (pueden ser horas). Algunos modelos de cámara cuentan con velocidades intermedias a la unidad (mitades o tercios de velocidad): 500, 750, 1000,1500, etc. Entre 30” y un 1/30 se tienen velocidades lentas de obturación, si se fotografían objetos en movimiento se producirá el efecto fotográfico de barrido; 1/60 y 1/125 son consideradas velocidades medias; las velocidades rápidas son las que están entre el rango de 1/250 a un 1/8000, si se fotografía un móvil se obtendrá el efecto de congelado.

Raghu Rai, Bombay, 1996 Usa tripié o base firme con velocidades lentas

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Esta imagen fue tomada con 1/1000 en el momento de la acción Para que la foto no salga movida, como regla general, se recomienda disparar con una velocidad de número mayor al número en milímetros de la longitud focal del objetivo utilizado; por ejemplo, si se toma una foto con un telefoto de 105 mm es recomendable usar 1/125 de velocidad. Los objetivos Canon que tienen la función de Estabilizador de Imagen, IS (VR en Nikon), permiten hacer imágenes con 3 o 4 velocidades más lentas de la indicada. En Sony se realiza la función de estabilización desde el mismo sensor digital.

Cámara Canon con objetivo IS, Image Stabilizer y cámara Sony con función Steady Shot activada desde el cuerpo

SENSIBILIDAD Y EXPOSICIÓN

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Las películas modernas de color o blanco y negro, así como los sensores digitales, CCD o CMOS, son sensibles a los colores primarios: rojo, verde y azul (RGB) al mezclar en diversas proporciones tales colores se puede reproducir toda una gama cromática o de contrastes de gris (en el caso de las películas pancromáticas en blanco y negro). Es muy importante la capacidad que tiene un sensor o la película para captar la luz, lo que denominaremos sensibilidad ya que al aumentar el valor de ésta se requerirá de menos velocidad de obturación (tiempo) o de una abertura de diafragma más cerrada para captar la luz. La sensibilidad a la luz viene señalada por las siglas ISO (Internacional Standard Organization); otras siglas utilizadas con anterioridad son ASA (American Standard Association) en Estados Unidos y DIN (Deustch Industrie Norm) en Alemania. La gama de sensibilidad a la luz, en unidades ISO, es: 25, 50, 64, 100, 125, 160, 200, 320, 400, 800, 1600, 3200, 6400, 12800, 25600, 51200, 102400 La relación entre los números ISO indica el grado de sensibilidad a la luz. Tomando en cuenta que se tiene una relación aritmética, por ejemplo, un valor de ISO 200 es el doble de sensible al de ISO 100, pero tiene la mitad de sensibilidad con respecto a ISO 400. Al aumentar la sensibilidad los haluros de plata de las películas son más gruesos y el ruido del sensor digital se vuelve más evidente, y al contrario. Ésta granulación o ruido afecta más cuando se hace una ampliación de mayor tamaño. Cuando se elige una sensibilidad baja o normal se pueden hacer ampliaciones grandes con gran resolución y colores más saturados.

- Una sensibilidad baja tiene un rango de ISO 25 a 64, se utiliza cuando hay una condición de luz controlada (como la iluminación de un estudio) y el grano de las tomas es fino.

- Con una sensibilidad normal, ISO 100 a 200, se recomienda hacer fotografías en condición de luz brillante, como en sol de mediodía, la resolución de la toma tendrá un grano normal.

- Cuando se utiliza una sensibilidad alta (ISO 400 a 102400), se pueden hacer tomas con luz difícil (cielo nublado, día lluvioso, interiores o noche), pero el grano o ruido será abierto o evidente. Se recomienda en ISO alto: utilizar archivo RAW y activar la función de reducción de ruido con cámaras digitales.

Al utilizar película en una cámara mecánica (sin lector DX) debe ajustarse el exposímetro a la sensibilidad de la película, en las cámaras digitales se selecciona la sensibilidad ajustando el ISO en el menú.

Cálculo de la Exposición

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Se debe exponer nuestro película o sensor digital, para hacer una fotografía. El grado correcto exposición a la luz determinará la calidad de la imagen. Una fotografía poco expuesta tendrá sub exposición (oscura); una película expuesta a la luz en exceso resultará sobrexpuesta (clara). La exposición estará determinada por una correcta combinación de diafragma con una velocidad de obturación, de acuerdo con (1) la condición de luminosidad de la escena, (2) la sensibilidad ISO y (3) el efecto que busquemos en la fotografía. El fotómetro o exposímetro (que mide la luz) deberá indicarnos las combinaciones correctas. El exposímetro (en la figura, parecido a una regla y subrayado) se activa al pulsar el disparador a la mitad y se visualiza en la pantalla y en el visor de la cámara.

El exposímetro de cada modelo de cámara tiene diversas formas de indicar la exposición, pero en general cuando se utiliza la cámara en modo MANUAL, deben combinarse la velocidad y el diafragma hasta que un indicador nos marque exposición correcta ya sea buscando el centro o con un cursor de señalización sobre el cero (0): cuidar que el exposímetro no señale sub exposición (-) o sobreexposición (+); lo que es (-) foto oscura (+) imagen clara.

Mientras más abierto está el diafragma (f/1.4, f/2, f/2.8, f/4) menor puede ser el tiempo de exposición y viceversa (diafragmas cerrados [f/11, f/16, f/22, f/32] se pueden combinar con velocidades lentas). De esta manera una y otra variable se compensan para determinar valores de exposición equivalentes: se

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puede obtener una serie de combinaciones de abertura y velocidad, todas con un valor correcto de exposición.

Para elegir un efecto primero se debe tomar en cuenta la condición de luz y la sensibilidad ISO; es difícil, por ejemplo, realizar un congelado (usando velocidades rápidas) en condiciones de luz escasa con ISO 100; en tal caso, se recomienda aumentar el valor ISO, o bien disparar en un condición de luz más brillante para lograr el congelado. Cuando las condiciones de luz y la sensibilidad son las ideales: Para hacer un barrido se debe elegir una velocidad lenta (1/30, 15, 8, 4, 2 , 1”, 2”…) y combinarlo con el diafragma marque el exposímetro. En un efecto de congelado se selecciona una velocidad de obturación rápida (1/250, 500, 1000, 2000, …) y se compensa con el diafragma que indique el exposímetro. Para tener mucha profundidad de campo, varios planos nítidos, se debe elegir un diafragma cerrado (f/22, f/16, f/11) y combinar con la velocidad que indique el fotómetro. Si se quiere obtener una imagen con poca nitidez (mínima profundidad de campo) se elige primero un diafragma abierto (f/1.4, f/2, f/2.8, f/4, f/5.6) y se mezcla con la obturación que señala como correcta el exposímetro. +/- Compensar la exposición Todos los exposímetros miden la escena en brillantez media como si el mundo estuviera pintado de gris medio, son buenos mientras se mida una escena promedio.

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Cuando se fotografía un escena con contraste hacia el blanco o con fondo brillante (cielo, nieve, contraluz) el exposímetro medirá la escena como si se tratara de un gris medio muy iluminado, por lo que si hacemos caso a lo que indica se obtendrá una foto subexpuesta, se debe tomar una foto con +1 paso (un diafragma más abierto o una velocidad de obturación más lenta a lo indicado) para que la foto quede bien expuesta.

Compensación con + 1 paso contra el cielo

Al hacer tomas fotográficas contra un fondo oscuro o una dominante hacia el color negro el exposímetro medirá la escena como si se tratara de un gris medio con poca luz, por lo que obtendríamos una exposición con mucha luz (sobre expuesta), en este caso se debe fotografiar con -1 paso: lo que es un diafragma más cerrado o una velocidad más rápida

Herb Ritts, Sean Connery, 1992

Cuando se fotografía una escena con una exposición o contraste complicados se recomienda realizar la técnica de braketing o braketeo: tomando una fotografía con la exposición indicada por el fotómetro y una imagen con +1 paso, y otra, con 1 paso menos (puede haber variaciones). Una de las imágenes tendrá la mejor exposición. Nota: También se usa el braketing con la técnica HDR.

COMPOSICIÓN La composición fotográfica es la selección y disposición de sujetos en el área de imagen de la fotografía.

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Hay fotografías donde la composición es secundaria ya que se debe hacer la fotografía al momento; en otras, se reencuadra la toma ligeramente para mejorar la disposición de los elementos; en algunas imágenes se debe esperar a que los elementos visuales tengan un mayor impacto visual. Algunas fotografías tomadas al azar pueden tener una composición excelente, pero la mayor parte de las fotografías han sido creadas mediante una visión cuidadosa y sensible. Principios básicos de composición

- Un centro de interés

Todas las imágenes tienen como inicio un tema central o de interés, puede incluirse un elemento secundario sin que éste interfiera con la atención del principal.

Arno Rafael Minkkinen, Autorretrato, Helsinski, Finland, 1976

Una composición centrada es una buena solución cuando se decide un efecto formal (jerarquización) o simétrico. En ocasiones, una fotografía resulta estática y falta de interés por haber centrado el objeto principal. Para evitar este defecto, emplee “La regla de los tercios”: Se divide imaginariamente el encuadre en tres partes vertical y horizontalmente; entonces se coloca el centro de interés en uno de los cuatro puntos de intersección formados por las líneas divisorias. Al situar el sujeto en uno de los puntos, la dirección de la vista o del trayecto indicará disposición y relaciones con otros tercios, en los paisajes la línea de horizonte puede estar en el tercio superior (para sugerir distancia), o en el tercio bajo (para la proximidad).

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Odet Balilty, 2006

El concepto de “Regla de los tercios” se fundamenta con los estudios la sección áurea, divina proportione (Hombre de vitruvio, Da Vinci, 1490), sucesión Fibonacci y espiral de Durero de las artes visuales, que tuvieron un gran desarrollo con los griegos, romanos y en la época del Renacimiento.

- Los ángulos

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Se recomienda hacer la fotografía de acuerdo a una respuesta rápida sugerida por la misma imagen, el primer impulso es muy importante; pero no conforme con esto hay que moverse alrededor y observar la escena desde todos los ángulos; buscar el mejor punto de vista. El ángulo de la cámara es uno de los factores que determina el efecto de iluminación hay que observar cómo cambia ese efecto cuando se coloca en distintas posiciones respecto al sol. Existe una nomenclatura utilizada en medios visuales (cine, televisión y fotografía) para definir la dirección del ángulo o punto de vista.

Benjamín Thompson, Word Trade Center… , 1998, Ángulo nadir o contracenital

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Ángulo en picada , Alesandr Rodchenko, Teléfono, 1928.

Se recomienda cuidar el nivel de la cámara, en retratos de rostro (close up) la cámara debe estar al nivel de la boca y nariz del retratado, en cuerpo completo al nivel de la cintura, para fotografiar niños bajar el nivel de la cámara a su estatura y en un caso extremo, como en la fotografía de pequeñas mascotas , acomodar la cámara a nivel del piso lo que es un worm shot (toma de gusano), también conocida como “ojo de hormiga” o “cámara ratonera”.

Elliott Erwitt, New York, 1974 (worm shot)

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- Proximidad

Cuando mire a través del visor, muévase hacia el sujeto o utilice un telefoto hasta que elimine todo lo que no debe aparecer en la fotografía (el ruido visual); aunque se tenga la posibilidad de recortar la fotografía posteriormente. Al aproximarse se adquiere sencillez.

Patrick Demarchelier, Nadja, St. Barthelemy, 1995

En términos de expresividad, los primeros planos confieren un aspecto íntimo, mientras que las fotografías lejanas sugieren amplitud y profundidad.

- Las líneas

Las líneas dirigen la atención al centro de interés, al elegir un ángulo correcto que influya en la fotografía; se pueden hallar líneas en casi cualquier cosa, como en un camino, una sombra, objetos o repeticiones de formas como en un camino bordeado por árboles. Las líneas dominantes dirigen la orientación del encuadre, p.ej.: al retratar una persona de pie la línea de su cuerpo sugiere un encuadre vertical; al fotografiar una modelo recostada en un sofá o en la playa se recomienda el encuadre horizontal. Existe un encuadre inclinado conocido como holandés, connota desequilibrio o movimiento.

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De acuerdo al tipo de línea ésta produce un significado ya sea por una convención social, estereotipo o por un efecto real: líneas horizontales sugieren calma o reposo; líneas verticales: fuerza y masculinidad; quebradas indican violencia; las líneas sinuosas lo femenino; las líneas diagonales producen perspectiva, sensación de tridimensionalidad; curvas en “s” y líneas inclinadas: movimiento; repetición de líneas o formas: ritmo.

Cornell Capa, Ensayo del ballet Bolshoi en Moscú, 1958

- Los fondos

Un fondo puede crear o estropear una fotografía, añade gracia a la composición o ayuda a establecer la atmósfera el contexto de la foto; pero también puede desviar la atención de la imagen cuando es recargado o llamativo. Antes de apretar el disparador, se recomienda observar el fondo, lo que hay detrás del sujeto. Comprobar que no haya postes de teléfono o árboles que parezcan salir de la cabeza (puntos de fusión) o bien, utilizar los planos posteriores para crear relaciones de contigüidad con sentido del humor. Se recomienda que el fondo contraste cromáticamente con el sujeto (colores fríos contra cálidos), para que haya una separación visual o utilizar un sujeto claro con un fondo oscuro o viceversa. Hay que mirar siempre lo que hay detrás del sujeto, porque la cámara de todas formas lo hará.

- Interés adicional

En fotos de paisaje o de construcciones se recomienda el elemento humano para dar proporción.

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Encuadre las fotografías a través de un primer plano interesante, como las ramas de un árbol o un arco arquitectónico, procurando tener una gran profundidad de campo para que el primer plano y el fondo estén bien enfocados.

Sidney Sheshibedi, 2005

Se recomienda hacer fotografías de momentos que muestren una acción culminante o espectacular. Al fotografiar un tema captado cientos o miles de veces busca la diferencia, por mínima que sea, “eso” que puedes aportar a la fotografía, la forma en que miras, sientes y transformas al mundo. Planos En fotografía, cine, video y televisión se utilizan los planos para encuadrar a las personas o una parte del cuerpo de éstas. Cuando el plano es próximo y el sujeto ocupa gran porcentaje del encuadre se nombran planos cerrados, cuando el sujeto ocupa poco espacio, cuando es más una fotografía de entorno o paisaje se denominan planos abiertos. En nuestro país se denominan los planos tanto en inglés como español. Extreme Close Up (ECU): Primerísimo plano de una parte del rostro o cuerpo. Se utiliza en publicidad para cosméticos o joyería.

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Big Close Up (BCU): Plano cerrado del rostro, muestra el estado de ánimo o la psicología del personaje.

Close Up (CU): Primer plano, muestra de la cabeza al hombro o clavícula de la persona, un plano propio de retrato.

Medium Close Up (MCU). Plano medio corto, cubre del pecho a la cabeza.

Medium Shot (MS). Plano medio que va de la cintura a la cabeza del sujeto. Para que los brazos no se recorten (si estuvieran a los lados del cuerpo) se recomienda que estén realizando una acción dentro del encuadre.

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American Shot (AS): Plano americano, se hace el recorte visual a la altura de las rodillas se utilizó mucho en las películas westerns y actualmente en retrato femenino de moda.

Full Shot (FS): Cuerpo completo, se recomienda no recortar pies o cabeza, dejar en tales extremos un poco de espacios o “aire”.

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Cuando aparecen más personas en el encuadre se antepone el número, p. ej.: two close up, three full shot; cuando hay más de cuatro personas se denomina group shot o fotografía de grupo. Al tener una imagen desde atrás del sujeto (en referencia a uno de sus hombros), este encuadre se denominará Over Shoulder. Planos abiertos: Long Shot (LS): Plano general, el sujeto ocupa aproximadamente la tercera parte del encuadre y Extreme Long Shot (ELS): Toma de conjunto o plano panorámico. El sujeto se ve muy pequeño en el encuadre o incluso no aparecer.

Cuando se fotografían productos se denomina Product Shot; un acercamiento al objeto se denomina Tight Shot o plano detalle.

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TÉCNICAS BÁSICAS DE FOTOGRAFÍA Se recomienda para cámaras análogas utilizar una película ISO 400, ya que en esta práctica se realizarán imágenes con distintas intensidades de luz; con cámara digital, variar el ISO de acuerdo a la condición luminosa. Buscar motivos fotográficos de interés, cuidar la composición y la exposición correcta. Profundidad de Campo (área de nitidez)

a) Mínima Profundidad de Campo: El área de nitidez en la fotografía es de un solo plano (pocos centímetros), esto se da utilizando diafragmas abiertos, objetivos telefoto y con una distancia sujeto-cámara corta. Se pueden tener las 3 variables o sólo 2 de éstas

Técnica: Situar el arillo de enfoque a la distancia mínima que tenga (1.5, 0.45, 0.28m, etc.), cuidar un correcto enfoque y utilizar el diafragma más abierto que tenga el objetivo f/1.4, f/2, f/2.8, F/4, f/5.6,: compensar con la velocidad que indique el exposímetro. b) Máxima Profundidad de Campo: Hay nitidez en varios planos de la fotografía. Se logra utilizando

un diafragma cerrado, lente gran angular y distancia amplia entre el sujeto y la cámara.

Técnica: En una condición de luz intensa, elegir un paisaje o plano abierto. Utilizar diafragmas cerrados (f/11, f/16, f/22 o f/32) compensando con la velocidad de obturación que indique el exposímetro. Situar al sujeto principal a una distancia media, 3 a 5 m, cuidando a la vez que en la escena se visualicen varios planos desde pocos metros hasta el infinito.

Efectos con velocidad de obturación

a) Congelado: Utilizando velocidades de obturación rápida se congela el movimiento.

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Técnica: La escena debe tener una condición de luz intensa o utilizar ISO alto. Fotografiar motivos con movimiento evidente (motociclistas, deportes, saltos, fuentes de agua, etc. ); escoger velocidades de obturación rápidas de 1/250 a 1/8000 y compensar con el diafragma que indique el exposímetro.

b) Barrido: Utilizando velocidades de obturación lenta se difumina el movimiento. Se recomienda una condición de luz poco intensa o difícil.

Captar temas en movimiento (personas corriendo, ciclistas, autos que cruzan rápido, etc.) en una escena que tenga también motivos estáticos; hay que elegir una velocidad de obturación lenta, en un rango de 1/30 a 1 seg., compensando con el diafragma requerido por el fotómetro. Se obtienen motivos estáticos y barridos (se puede utilizar tripié).

c) Giro panorámico o paneo: Con la cámara se sigue el movimiento de un motivo que cruza enfrente, el cual se visualiza con nitidez, no así el fondo, que aparecerá barrido.

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Preenfocar la zona por donde cruzará rápido el sujeto a fotografiar (ciclistas, personas corriendo, autos, aves, etc.); escoger una velocidad de obturación de intermedia a lenta (desde 1/125 hasta 1/15) compensando con el diafragma requerido por el exposímetro. Seguir con un movimiento de paneo la trayectoria del móvil, disparar cuando este frente a nosotros y seguir la trayectoria aún después. d) Golpe de Zoom o barrido óptico: Al girar el arillo del zoom durante una exposición con

velocidad de obturación lenta se obtiene un barrido hacia el centro del encuadre.

Técnica: Elegir un motivo con colores y/o formas definidos (un motivo simétrico, un frutero, una escena nocturna, etc.); escoger una velocidad lenta, desde 1/30 hasta 1 seg., combinarla con el diafragma que marque el exposímetro; sostener firmemente la cámara frente al motivo a fotografiar (se recomienda el tripié) y al momento de hacer el disparo girar el arillo de longitud focal del zoom (de la posición angular a la de telefoto [se puede experimentar también a la inversa]).

e) Fotografía nocturna con velocidad de obturación lenta o bulbo: En una escena de noche al escoger una exposición de varios segundos, se obtienen estelas luminosas de automóviles y motivos definidos o estáticos( edificios, monumentos, etc.).

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Escoger una escena urbana nocturna (edificios y avenidas iluminados con movimiento de coches), hacer la exposición con una velocidad de obturación muy lenta: 4” (segundos) , 8”, 15” o 30”, compensando con el diafragma que indique el exposímetro; es obligatorio el uso del tripié o base firme. En algunas cámaras de película la velocidad más lenta establecida corresponde a un 1 segundo, en tal caso se utiliza la velocidad de bulbo (B); con bulbo el obturador permanece abierto durante el tiempo que se acciona el disparador, pero con bulbo, el exposímetro se cancela. Con tal selección no se indica con qué diafragma y qué tiempo se tendrá una exposición correcta. La técnica para realizar una imagen con bulbo se soluciona con una prueba de tiempos: al utilizar una sensibilidad ISO 100 se escoge una diafragma f/8 (que se mantendrá fijo) y se fotografía la misma escena con 4 tiempos diferentes: 4”, 8”, 15” y 30”; al revelarse el rollo se escogerá el tiempo con la mejor exposición. Como solución sencilla una exposición establecida para fotografiar una escena urbana nocturna se da con ISO 100, diafragma f/8 y velocidad de obturación de 8 segundos, sirve para la mayoría de los casos.

BALANCE DE BLANCOS

La visión humana observa todas las escenas iluminadas con luz natural o artificial sin algún color dominante, como si hubiera luz blanca (equilibrio de los colores primarios: rojo, verde y azul [RGB]); esto

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es un fenómeno visual, que se corrige en el cerebro, conocido como constancia aproximada de color. Sí se pueden observar variaciones en el color cuando se mezclan distintas luces, por ejemplo: un foco casero (de tungsteno) se verá amarillento en una habitación iluminada mayormente por la luz del sol. La visión humana se adapta al color de la fuente de luz más intensa o dominante.

Al seleccionar en el menú de la cámara digital balance de blancos automático A WB (1a. opción), las imágenes captadas tienden a corregirse como si estuvieran iluminadas con luz blanca; aunque el equilibrio de color no será tan neutro en algunas condiciones.

En realidad el equilibrio de color (RGB) tiene una variación o color dominante por los siguientes factores:

a) el distinto grado de ignición de las fuentes luminosas (radiación de color en fuentes que se “queman”): velas, focos caseros, foto lámparas, reflectores de cuarzo, etc. ;

b) factores climatológicos o ambientales con luz natural (bruma, nublado, contaminación); c) así como, la posición del sol en la bóveda celeste (poco antes del amanecer, al amanecer, al

mediodía, al atardecer y después del atardecer).

Estas variantes en el color dominante son registradas fielmente por la película fotográfica de color tipo Luz día, o bien, si seleccionamos en el balance de blancos el ícono (o dibujo) de sol de mediodía .

Se puede hacer una clasificación de diversos fenómenos y fuentes luminosas en una escala de temperatura de color basada en grados Kelvin K (grados absolutos); señalando con anticipación que una temperatura de color baja tendrá un tono rojizo (cálido) y una alta uno azuloso (frío).

La escala de temperatura de color en grados Kelvin es una equivalencia al fenómeno de ir calentando una barra de hierro (cuerpo negro): el metal cambiará desde un rojo vivo hasta el azul. Se toma en cuenta tal color producido (temperatura de color) no la temperatura física.

Temperatura º K Dominante de color Tratamiento con película de color

Baja: 2000 K: fuego, velas Rojo

2900 K: focos caseros (tungsteno) Naranja

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3200 K: foto lámpara (tungsteno) Naranja-amarillo Filtro azul C12 (80A) en el

y reflectores de cuarzo. objetivo, foto lámparas azules

o película de tungsteno.

4000-5000 K: atardecer, amanecer Naranja-amarillo

Normal: 5500-5600 K: mediodía, Neutro

flash, focos luz día.

7200 a 8000 K: nublado Azul claro Filtro ámbar W4 (81C)

en el objetivo

Alta 16000 K: Sombra con reflejo Azul

del cielo azul, antes del amanecer

o después del atardecer.

En el tratamiento con la cámara digital se puede escoger en el balance de blancos (además de AWB): el ícono correspondiente a la condición luminosa (2a. opción) mediodía, flash, sombra, tungsteno o incandescente, nublado, fluorescente; el número indicado en la escala de grados Kelvin K (3a. opción) –sólo en algunas cámaras–; o bien, un disparo a blancos con el ajuste preajustado o personalizado (4a. opción).

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Al escoger cualquiera de las opciones la cámara digital utiliza un filtraje de color complementario a la dominante para producir un equilibrio hacia el color neutro, p. ej.: una luz amarillenta de tungsteno se corrige con filtraje azul, la foto producida parecerá haber sido iluminada con luz blanca (neutra).

Utilizando un balance de blancos diferente al indicado se crean efectos de color.

CÁMARA DIGITAL El sensor capta los rayos luminosos que concentra el objetivo; la luz es transformada por las propiedades de algunos metales y otros materiales del sensor. Se activan los electrones del sensor produciendo señales eléctricas cuando son expuestos a la luz: un efecto fotoeléctrico, descrito por Einstein desde 1905.

Los tipos de sensor que utilizan la mayoría de los modelos de cámaras actuales son el CCD (dispositivo de acoplamiento por carga) y el CMOS (Semiconductor complementario de metal óxido). Los sensores han sustituido el grano de la película (los haluros o bromuros de plata) por una trama de celdas minúsculas en la estructura del sensor conocidas como pixeles (pixel en inglés es picture element [elemento de imagen]), cada pixel es un capacitor que acumula cargas de electricidad proporcionales a la luz que reciben del lente. Para que la imagen aparezca en color la luz es transmitida a través se filtros de tonos primarios rojo, verde y azul (RGB), los sensores de las cámaras digitales trabajan con una matriz de filtros de color sobre los píxeles, la imagen de color procede de esos datos. La matriz utilizada en los CCD y CMOS tiene un patrón Bayer (una sola capa de filtros de colores RGB a manera de mosaico), y en algunos modelos de sensor CMOS un patrón Foveon X3, que tiene tres capas superpuestas de filtros RGB de forma similar a los filtros de la película en color.

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Matriz Bayer Foveon X3

Sobre el sensor se encuentra el filtro de paso bajo 1(que reduce el efecto moiré y vibra para la autolimpieza), y después el filtro de paso bajo 2 (IR) de absorción infrarroja, detrás de éstos, el sensor con su máscara de filtros RGB y capa de píxeles.

La base de la imagen digital (el sensor) capta la imagen en forma análoga (brillo y color) para luego convertirla (mediante el procesador) en series de datos digitales (en código binario) que son almacenados en la tarjeta de memoria. Cuantos más píxeles hayan en el sensor se obtiene un mejor detalle en una escena, se captan gradaciones de color más sutiles y mayor será el tamaño en el que se podrá imprimir la fotografía. Al multiplicar la cantidad de píxeles ( a lo ancho) por píxeles (a lo alto) que tiene un sensor se obtiene la dimensión del área en píxeles, por ejemplo, al multiplicar 3 000 x 2 000 se obtienen 6,000 000 de píxeles, lo que equivale a 6 megapíxeles (1 megapíxel equivale a un millón de píxeles en el sensor). La cantidad de megapíxeles de una cámara se ajusta en el menú tamaño de imagen o quality (en Canon) . Aparecen la opción L: Large (grande); M: Medium (mediano) y S: small (pequeño). En L se obtiene toda el área de pixeles del sensor, es decir, un entero (1/1), se debe ajustar en esta opción para tener una mayor capacidad de ampliación y de calidad de imagen (aunque se ocupará más espacio en la memoria); en M se trabaja a la mitad de capacidad ½ y en S a la ¼ parte: se utiliza para impresiones pequeñas y para manejo de imágenes en internet. A la par del tamaño de imagen se puede accesar a la opción de calidad de imagen que produce archivos con diferente compresión de color, por lo general viene indicado como Fine, Normal y Basic, al escoger una opción no variarán la cantidad de píxeles, sino la compresión de color producida por los

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filtros RGB en los archivos JPEG: lo que a la vez reduce o aumenta el “peso” del archivo. En Canon la compresión tiene dos calidades que se indica con íconos.

Menú de la cámara 50D

Para saber cuál es la salida ampliación ideal de acuerdo al tamaño de imagen se dividen los píxeles que tiene el sensor (a lo ancho y a lo alto) entre la resolución necesaria en puntos o píxeles para imprimir una pulgada lineal. Por ejemplo, una cámara de 12M (megapíxeles) como la Canon Xsi o la Nikon D300 activan 4 288 x 2 848 píxeles en el sensor cuando se toma una fotografía en archivo grande (L); al hacer una impresión de calidad en una impresora de inyección de tinta se requieren por lo menos 200 dpi (dots per inche [puntos por pulgada]) y al hacerlo en una ampliación de laboratorio en proceso fotográfico 250 ppi (pixeles por pulgada); al tener estos datos, a continuación se dividen los píxeles a lo ancho y alto entre la resolución requerida lo que nos producirá una ampliación en pulgadas (a lo ancho y a lo alto). Si hacemos una impresión en inyección de tinta con el archivo grande de una cámara de 12M se obtiene un tamaño de ampliación ideal de: 4 288 / 200 = 21,4 2 848 / 200 = 14,2 esto es una foto de 21,4 x 14,2 pulgadas Para tener un formato de ampliación más común se puede escalar la ampliación hasta un 20% lo que podría ser una imagen de 24 x 16 pulgadas. Si se hace en ampliación de laboratorio: 4 288 /250= 17,1 2 848 / 250 = 11,3 Una imagen de 17,1 x 11,3 ” se puede redondear a 18 x 12 pulgadas sin ningún problema. El problema radicaría al escalar una fotografía a un 50 o 100% mayor a su tamaño ideal lo que producirá una fotografía pixeleada con un color bastante pobre. Las operaciones indicadas se pueden hacer con los datos de cualquier modelo de cámara. La resolución requerida por algunos laboratorios es de 300 ppi, a mayor resolución se reduce la salida de ampliación y viceversa. En Photoshop se puede conocer directamente el tamaño de imagen (en pulgadas o centímetros de acuerdo a la resolución) en la opción Image Size.

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Los cálculos se han desarrollado a partir de un archivo L, JPEG, si se requiriera de una mejor calidad de imagen y una mayor ampliación se recomienda utilizar RAW. En este punto, ya se pueden indicar el formato de archivo que utilizan la mayoría de las cámaras DSLR (réflex digitales), el archivo JPEG y RAW. Se pueden utilizar de forma separada o a la vez (RAW+JPEG), veamos sus características: El archivo JPEG es un formato de compresión que reduce el tamaño de los datos de imágenes procedentes del sensor y del procesador, para conseguirlo busca datos superfluos y extiende el color a áreas más grandes en lugar de almacenar el color de cada píxel. Como ya se vio es un formato de compresión variable, utiliza una profundidad de color de 8 bits por canal RGB o menor. Se recomienda utilizar los valores JPEG de mayor calidad. JPEG son las siglas de Joint Photographic Experts Group. Sus ventajas son la velocidad y el espacio de almacenamiento, pueden imprimirse las fotografías de forma rápida en cualquier laboratorio o equipo de inyección de tinta y visualizarse desde cualquier computadora e incluso en aparatos caseros como reproductores DVD o algunas pantallas. Se recomienda este formato en la entrega de cds de pruebas para que los pueda ver con facilidad el cliente. Como desventaja se reduce el potencial de color y ampliación, al descargarse en la computadora se recomiendan guardarse como TIFF o al formato original del programa de proceso de imágenes ya que cada vez que se corrige o ajusta un archivo JPEG, se pierden y se reconstruyen datos, con lo cual el archivo se degrada. En JPEG al utilizar un ISO alto o exposiciones lentas por luz difícil se produce el efecto de ruido. El archivo RAW (crudo) es un formato de marca registrada que recupera los datos directamente desde el sensor, esto es, los datos RAW no sufren el proceso de ningún algoritmo especial de la cámara y contienen mucha más información sobre el color y la exposición que los JPEG o los TIFF. Por este motivo, los archivos RAW ofrecen una gran calidad de imagen, lo cual permite un mayor potencial de ampliación o bien una imagen con muchas tonalidades en las zonas claras y oscuras. Manejan en la cámara de 12 o 14 bits por canal RGB, los RAW pueden comprimirse en algunos modelos de cámara. EL RAW reduce el efecto de ruido en fotos con luz difícil.

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Los RAW ocupan más espacio en las tarjetas de memoria y el funcionamiento de la cámara resulta más lento, ya que tienen más datos por imagen, tanto para el almacenaje como para la reproducción. El manejo en la computadora también resulta más lento se recomienda una memoria RAM de 2GB o mayor, se requiere de un programa específico de RAW o Photoshop CS3 (o versión posterior) para su postproducción. Hay pocos establecimientos fotográficos donde se imprimen directamente archivos RAW, se recomienda guardarlos como JPEG o TIFF para su ampliación, en el caso de ser un formato JPEG se debe cambiar la cantidad de bits a 8 (en Photoshop desde Image/Mode/y seleccionar 8 bits / channel). Las tarjetas de memoria son dispositivos de almacenamiento extraíbles que pueden pasar las imágenes a la computadora fácilmente. Se utilizan distintos tipos de memoria de acuerdo al modelo de la cámara, algunas pueden utilizar dos tipos diferentes. Las más utilizadas son la CompactFlash y la SD (Secure Digital), existen también la Memory Stick, desarrollada por Sony, las Xd, MMC y las Micro SD.

Las memorias tienen capacidad en Gigabytes, 1 GB equivale a 1024 megabytes (que es 2 elevado a la décima potencia), 1 MB equivale a 1024 KB, a la vez 1024 GB es igual a 1 Terabyte (TB). Dependiendo del tamaño del formato de archivo se escoge la tarjeta apropiada, si se trabaja en JPEG con 2 o 4 GB de capacidad es más que suficiente, en RAW o si se graba video Full HD (como en la Canon 5D Mark II, o la Rebel T2i) , se requieren de tarjetas de 4 y hasta 64 GB. En un modelo de cámara que active un gran número de Megapíxeles también se requerirá de tarjetas de alta capacidad, como en la Nikon DX3 de 24,5 M. Las tarjetas Secure Digital de alta capacidad de denominan SD HC, tienen una capacidad de 4 a 16 GB, las tarjetas SD con capacidades mayores son las SDXC que pueden almacenar hasta 2 TB y transmiten y graban información en alta velocidad.

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La velocidad para grabar o transferir archivos es un factor importante, viene indicada con un Número X, una clase (class, en las SD) o un término que indique velocidad (Extreme, Ultra, High velocity, Pro, Speedy, etc.) A mayor número X o clase la memoria transmitirá más Megabytes por segundo. Una memoria Compact Flash con 66x transmite 10 MB/s, una CF UDMA de 600x transmite 90 MB/s, una memoria SDHC class 4: 15 MB/s y una SDXC class 10 graba o transmite hasta 22 MB/s. Las SDXC funcionarán a 104 MB/s y podrán llegar en un futuro hasta los 300 MB/s. El búfer es una memoria de relevo que tienen las cámaras digitales avanzadas, guarda los archivos temporalmente para después ser trasladados a la tarjeta de memoria. Las tarjetas más rápidas aceleran el proceso.

MANEJO BÁSICO DE LA LUZ La luz es la materia prima de la fotografía, es una energía radiante que viaja en línea recta con un patrón de ondas a una velocidad de 300,000 km/s en el vacío. La luz que proviene de la luna, por ejemplo, llega en 1 segundo a la tierra y la que proviene del sol aproximadamente en 8 minutos.

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La luz proviene de una fuente tiene un origen, en el caso de la luz natural las fuentes más comunes son el sol, el fuego, la luna y algunas especies animales que producen luz por fosforescencia como las luciérnagas y algunos peces abisales; las fuentes de luz artificiales son las creadas por el hombre, algunas utilizadas en fotografía son las foto lámparas de filamento de tungsteno (Photoflood), flash electrónico, luces frías fluorescentes (tipo fluotec), LEDs y luces con filamento de cuarzo. El fotógrafo al hacer un control de luz natural o artificial, por mínimo que sea, estará realizando iluminación (rebotar, difuminar, rellenar, etc.). Cuando se fotografía con la luz existente sin ninguna modificación en fuentes naturales o artificiales se estará realizando la imagen con luz ambiental. La luz cumplirá una doble función: técnica y estética. La primera consiste en proporcionar luz suficiente para una correcta exposición ajustando luminosidad de acuerdo a los límites del material fotográfico (película o sensor) y la segunda, la estética tiene que ver con el dominio expresivo que tiene el fotógrafo para aportar en la imagen una categoría estética: la belleza, lo grotesco, lo banal, lo sublime, lo novedoso, lo tradicional, lo cómico y lo dramático. Tales categorías estéticas han sido utilizada tanto en la fotografía fija como en la cinefotografía.

Terry Sucker,Ghost, EU,1990 (escena con una estética bella); F.W. Murnau, Nosferatu, una sinfonía del horror, Alemania,

1922 (escena con la sombra del vampiro contra la pared con una estética grotesca y novedosa).

La luz proviene de una fuente, la luz tiene un origen, y las siguientes características: brillantez o intensidad, color, calidad y dirección. A. La brillantez tiene que ver con la intensidad de energía luminosa, hay fuentes con intensidad alta como el sol directo y el flash electrónico y fuentes con baja intensidad como la luz de focos caseros o la luz de vela. Una luz intensa puede utilizarse para efectos de mayor profundidad de campo al requerir de diafragmas cerrados para su exposición, o bien, para congelar el movimiento al poder utilizarse velocidades rápidas de obturación. Una luz poco intensa disminuye la profundidad de campo (diafragmas abiertos), con intensidad baja, las fotos pueden resultar barridas (o movidas) ya que se requieren velocidades rápidas de obturación4.

4 Cabe señalar que estos efectos son diferentes si se aumenta la sensibilidad ISO en la cámara, con el consiguiente efecto de ruido o grano.

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B. El color o la temperatura de color (como ya se vio anteriormente) tiene que ver con un color dominante de las fuentes de luz , existe una variación en el equilibrio de los colores primarios luz (RGB) de acuerdo al grado de ignición de las fuentes luminosas (que se queman), la hora del día y las condiciones ambientales. La temperatura de color se mide en gardos Kelvin y tiene una variación en la dominante de tonos calidos a fríos. Al mediodía o con flash se tendrá una ausencia de color en la dominante, lo que es, luz blanca o neutra. C. La calidad o contraste se produce entre la relación de las altas luces y sombras. Luz directa: Se propaga en línea recta desde su fuente hasta el sujeto, se trata de una luz dura con sombras nítidas u obscuras. Este tipo de contraste aparece con sol directo o con fuentes artificiales de escaso diametro o área de emisión pequeña (flash, bombilla, reflector de cuarzo, etc.). Es recomendable la luz directa para marcar las texturas en las superficies y para retratos, ya que caracterizan dramáticamente al sujeto.

Luz difusa: Su trayecto es modificado, alcanza al sujeto desde muchas direcciones a la vez, produce sombras de bordes suaves y si es lo bastante difusa ninguna sombra. Satura los colores al no producirse brillos. La luz difusa natural se produce con cielo nublado, luz de ventana y en una zona sombreada; con fuentes artificiales la luz se puede suavizar con accesorios translúcidos: cajas de luz, sombrilla blanca tránslucida o paneles difusores (que también se usan para suavizar la luz directa del sol).

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Herb Ritts, Britney Spears, 2001

Luz difusa rebotada: Es típicamente muy difusa, se refleja al sujeto por una superficie cercana y no directamente de la fuente (cuanto más brillante sea la superficie sobre la cual rebota, menos difusa será la luz). La luz puede reflejarse o rebotarse con una pantalla de papel aluminio, unicel o cartulina blanca, con una pared blanca o superficie clara (piso o techo). En el caso de las fuentes artificiales de estudio el accesorio más común para esta calidad de luz es la sombrilla blanca, plateada o dorada, la fuente es dirigida a la superficie reflectora. También existen paneles reflectores plegables –blanco, plateado o dorado– nos servirán parareflejar la luz y enviarla a las zonas importantes. La calidad y el color de la luz dependerán del tamaño y el color del accesorio que usemos, así como de la habiidad para determinar el mejor ángulo de iluminación del reflector.

Una fuente de luz dura, sol directo, se difuminó con 2 paneles (Photoflex): uno translúcido (encima) y otro rebotado en un ángulo bajo.

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D. La dirección de una sola fuente de luz (o varias) puede incidir desde cualquier punto en relación al sujeto: Cenital (desde arriba), frontal, lateral, contraluz (desde atrás), tres cuartos y desde abajo. Se crea con la dirección de la luz un efecto específico, un modelado de altas luces y sombras.

El ángulo de iluminación puede se dirigido al cambiar la posición de una fuente de luz (principal) o al cambiar la posición del sujeto con respecto a la del sol en una hora determinada; una luz considerada natural proviene desde una posición alta, una iluminación desde abajo produce una estética grotesca propia de personaje de película de terror, una fogata produciría un efecto similar. Una vez que se tiene una luz principal, que producirá el modelado, se puede utilizar una luz de relleno (o reflector) para aclarar las sombras. En el estudio, otra fuente se puede dirigir al sujeto en posición de contraluz para producir brillos en el cabello y hombros, o bien, dirigirse hacia el fondo.

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FLASH ELECTRÓNICO El flash electrónico produce un destello breve e intenso (1ms [1 milisegundo]). Se usa cuando la intensidad de luz de la escena es baja (escenas nocturnas o de interiores) o en tomas exteriores, como luz de relleno, para eliminar las zonas de sombras profundas como las que se producen en un rostro iluminado por un sol de mediodía. Su temperatura de color está equilibrada a 5,500 K (luz día, dominante neutra).

Para usar el flash:

1. Hay que conectarlo (apagado) en la zapata caliente o vía cable en la terminal PC (‘X’). 2. Ajustar la obturación, a la velocidad de sincronización propia del modelo de la cámara o a una

velocidad de obturación más lenta. Tal velocidad de sincronización viene indicada en las especificaciones de la cámara o en la perilla de velocidades con un número en rojo, con el ícono de flash o con una‘X’. En cámaras réflex de película tal sincronización va comunmente de 1/60 a 1/125 y en réflex digitales de 1/160 a 1/250. Los flashes con función FP se pueden disparar a una velocidad de obturación más rápida, tal función debe ser compatible con la cámara (algunos modelos). Si se disparara a una velocidad más rápida de la sincronización (propia del modelo de cámara utilizado), aparecerá una franja oscura en la imagen, ya que no se estaría dando el tiempo necesario para que las cortinillas del obturador se abrieran por completo.

3. Para determinar el diafragma de la exposición con flash manual, una opción es observar tal valor en una tabla impresa en la parte posterior del flash donde se tiene que relacionar (a) el

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ISO utilizado con (b) la distancia a la que se encuentra el sujeto de la cámara; tal relación (por coincidencia horizontal-vertical) nos señalará cuál es el diafragma a utilizar. Si no se cuenta con la tabla basta saber la potencia del flash conocida como número guía NG y dividir este valor entre la distancia sujeto-cámara d para obtener el diafragma f:

f = NG/d por ejemplo, si vamos a fotografiar a una persona a 10 metros de distancia con un flash de número guía 40:

f = 40/10 el diafragma indicado sería f/4.

El número guía de un flash específico se indica en el instructivo, impreso en el mismo flash o en especificaciones del modelo que se pueden consultar en internet; el número guía comúnmente viene indicado en metros para una sensibilidad de ISO 100 (aunque también se puede indicar en pies); el número guía aumenta al tener una sensibilidad más alta. Si se utiliza una sensibilidad distinta al número guía de inicio (ISO 100), éste valor debe multiplicarse por el factor correspondiente al ISO utilizado. El factor para ISO 100 es x1; para ISO 200 es x1.4; para 400 x2; para 800 es x2.8 y para ISO 1600 el factor es x4. Como ejemplo, sí en un flash tenemos un número guía de 12 en ISO 100 al utilizarlo en sensibilidad de ISO 400 su número guía será: 12 x 2 = 24 y al ajustarse la sensibilidad a ISO 1600: 12 x 4 = 48. IMPORTANTE: Con las fuentes de iluminación a medida que aumenta la distancia decrece la intensidad y por lo tanto se deben utilizar cada vez diafragmas más abiertos. Se aplica la ley inversa del cuadrado: "la luz que recibe una superficie es inversamente proporcional al cuadrado de la distancia a la que se encuentra de la fuente de luz si ésta es puntual". Una misma superficie recibe cuatro veces menos luz a medida que se duplica la distancia.

Al calcularse el diafragma del flash, se producirá una exposición correcta en la distancia específica, si hubiera elementos en un plano más cercano resultarán sobre expuestos y en planos posteriores oscuros o subexpuestos (la distancia es crítica). Para fotografiar sujetos con flash a mayor distancia se puede utilizar una mayor sensibilidad ISO.

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Flash automático Thyristor: Tiene un fotosensor en su parte frontal que controlará automáticamente el destello luminoso de acuerdo con la distancia y reflectancia del sujeto a fotografiar. En este tipo de flash viene indicados modos de abertura de diafragmas, relacionados con el ISO y con un rango de destello (en distancia mínima y máxima).

Se escoge una abertura de diafragma en el objetivo y el flash (en algunos flashes la abertura puede aparecer como modos automáticos con distinto color); el sujeto a fotografiar no debe salir de las distancias predeterminadas (rango), se ajusta la velocidad de sincronización y se realiza el disparo. El sensor controlará el destello (en motivos claros se recomienda sobre exponer +1 paso [un diafragma más abierto] y en oscuros subexponer – 1 [uno más cerrado a lo indicado] ). Por lo general estos flashes en su parte posterior tienen un indicador luminoso, al activarse nos señalan que la exposición es correcta. Muchos modelos Thyristor tienen cabezal movible, se puede realizar la técnica de flash rebotado que produce una calidad de luz difusa con dirección variable (tomando en cuenta que la suma de las distancias de un ángulo de reflexión estén dentro del rango). Flash automático TTL: El destello es controlado a través del lente (Through The Lens) por un sensor situado dentro de la cámara y dirigido a la película o sensor, el flash debe ser compatible con el equipo, ya sea de la misma marca de la cámara (Nikon, Canon, Sony) o uno dedicado (Sunpak, Metz, Vivitar, Sigma). Con Flash TTL se tiene en cuenta automáticamente el objetivo que se utiliza, distancia del sujeto, filtros colocados sobre el objetivo, el ISO que se está utilizando en la cámara, distancias de flash rebotado y accesorios que pudiera tener el mismo flash. El destello se ajustará de acuerdo al diafragma seleccionado y será correcto mientras este dentro del rango de distancias, el flash TTL indicará una posible subexposición con una señal luminosa y en algunos casos audible. La velocidad de exposición para el flash no debe ser mayor a la de sincronización, pero puede ser más lenta; si se quiere tomar en cuenta la exposición ambiental de una escena con intensidad baja (espacio interior o toma nocturna) se debe hacer caso a la lectura del exposímetro de la cámara lo que nos indicará un ajuste para una velocidad más lenta. En algunas equipos tal proceso se realiza más rápido al escoger la función de sincronización lenta (slow). El flash TTL también tiene funciones de predestello para reducir el efecto de ojos rojos, sincronización a la seguna cortinilla (REAR) y ojos rojos con sincronización lenta. Se puede utilizar el flash de relleno TTL para aclarar las sombras producidas por una luz intensa (como la del sol directo) en tal caso la exposición del flash por lo general corresponderá a –1 paso: un diafragma más cerrado que la intensidad de luz correspondiente a la ambiental, así el efecto será más natural. Se debe tomar también cuenta tal subexposición cuando se realiza flash de relleno Manual.

FILTROS

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Filtros para fotografía en blanco y negro Las películas pancromáticas en blanco y negro responde a todos los colores que el ojo humano puede observar, pero éstas no los reproducen en la misma relación tonal que el ojo. Por ejemplo, aunque el azul y el violeta se ven normalmente más oscuros al ojo que el verde y el rojo, la película pancromática en blanco y negro es muy sensible al azul y al violeta. Por lo tanto estos colores serán más claros que el verde y el rojo en una impresión en blanco y negro (escala de grises). Afortunadamente, se puede cambiar fácilmente la respuesta de la película de modo que todos los colores se registren con aproximadamente la misma relación tonal que el ojo ve mediante el uso de filtros coloreados cuando se coloca un filtro lo que se hace es variar la proporción de los colores básicos luz (Rojo, verde y azul) que impresionan la película, provocando cambios en las tonalidades (contraste de grises) de la fotografía. Un filtro de contraste (coloreado) aclara su propio color en una impresión en blanco y negro y oscurece el color complementario (opuesto). Por ejemplo, un filtro amarillo aclara los amarillos y oscurece los azules. Rojo Amarillo Magenta

Verde Azul

Cian Pueden usarse los filtros de contraste para aclarar u oscurecer ciertos colores en una escena para crear diferencia de brillo entre colores que, de lo contrario, se reproducirán casi con el mismo matiz de gris en una impresión. Por ejemplo, rosas rojas y hojas verdes que tienen el mismo brillo se reproducirían con el mismo tono de gris en una impresión al no utilizar filtro. Para proporcionar la separación entre las rosas y las hojas, podría utilizarse un filtro rojo; éste aclararía las flores rojas en una impresión y oscurecería las hojas verdes (Si la fotografía es de color , el resultado será una fotografía con una tonalidad general roja).

Los filtros aclaran su propio color y oscurecen su complementario. En la parte izquierda al no utilizar filtro el contraste es muy parejo, al centro las flores rojas se aclaran mediante un filtro rojo R1 y en la parte derecha, las flores rojas se oscurecen mediante un filtro verde P01. Algunos filtros de contraste coloreados son: Amarillo Y2, Rojo R1, Naranja YA-3, Verde P01, Amarillo-Verde P00. Los filtros más utilizados se enroscan en la parte frontal del objetivo, tienen un diámetro específico indicado en milímetros ya sea en la parte posterior de la tapa del lente o impreso en el objetivo con el símbolo de diámetro ∅. El material de los filtros más utilizado es el cristal (que puede tener varias capas de revestimiento) y la gelatina (material plástico), los que se utilizan en los portafiltros.

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Las marcas más utilizadas de filtros de cristal son Kenko, Sony, Marumi, Hoya, Nikon, Canon , Sigma, B+W, Hama.

Los sistemas de portafiltros con filtros de gelatina son de las marcas Cokin, Tiffen, Kodak y Cromatek. Compensación de los filtros Los filtros de color absorben parte de la luz que normalmente llegaría a la película o sensor, se debe compensar la pérdida de luz usando una abertura de lente mayor o un mayor tiempo de exposición. Esta exposición adicional, diferente para cada tipo de filtro, se basa en un factor de filtro (marcado en las instrucciones o su empaque). Un factor de filtro es un número que le indica cuánto debe aumentar la exposición cuando se utiliza ese filtro. Sin embargo, en la práctica es probable que no tenga que usarse tal factor, porque la mayoría de las cámaras tienen exposímetro TTL integrado y medirán la luz a través de un filtro montado en el lente. Simplemente se define la sensibilidad ISO, se coloca el filtro en el lente y el exposímetro compensará el ajuste por la pérdida de luz. Cuando se usa un exposímetro manual independiente de la cámara se debe calcular la exposición adicional necesaria. Por ejemplo, un filtro con un factor 2, como el amarillo Y2, requiere el doble de intensidad luminosa o un paso más de exposición. Despues de tomar la exposición, se abrirá un diafragma o se utilizará una velocidad meas lenta. Un filtro con factor 4 requiere cuatro veces la cantidad de luz o +2 pasos. Cada vez que el factor se duplica se debe agregar otro paso más. Otro tipo de filtros Filtros de protección: Los filtros UV y Sky Light de usan para proteger el objetivo de golpes o raspaduras; a la vez que absorben la radiación ultravioleta para un efectivo balance cromeatico, no requieren cambios en la exposición. Filtros de densidad neutra: Los filtros ND2, ND4, ND8 disminuyen la intensidad de luz, son grises. Se caranterizan por no introducir variaciones cromáticas en la imagen, pero si permiten modificar la exposición, el contraste o la definición de la imagen. Filtro polarizador: Se recomienda el polarizador circular PL sobre todo cuando s utilizan ceamaras con sistema autofoco este filtro oscurece el cielo, satura el color y elimina reflejos mediante el giro de un arillo integrado. El mejor efecto se da con un ángulo de reflexión entre 30º y 45º. Lentillas de acercamiento: Filtros Close Up no. 1, 2, 3, 4, …y 10 acortan las distancias de enfoque y aumentan el tamaño de la imagen, se pueden combinar, para aumentar la profundidad de campo se recomienda utilizar diafragmas cerrados y tripié (al reducise la velocidad y distancia). Filtros de corrección de Temperatura de Color: Azul C12, Ámbar W4, etc. Equilibran las dominantes de color de las fuentes luminosas haciéndola más fría o cálida cuando se utiliza película de color. Al fotografiar con luz incandescente el filtro azul

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C12, corregirá los tonos naranja-amarillentos de la luz de tungsteno común en los luz blanca (neutra). Un filtro ámbar reducirá la dominante azulosa de un cielo nublado. Filtros de efectos especiales: Existe una gran variedad como los filtros de imágenes múltiples, de doble imagen, de estrellas en brillos metálicos o luces puntuales, de difuminado, aurora, degradee de 2 colores, de cambio de forma, etcétera. Bibliografía Buria, Peter K. y Caputo, Robert, National Geographic, Guía de fotografía, Océano, España, 2003. Carreras, Claudi, Conversaciones con fotógrafos mexicanos, Gustavo Gili, Barcelona, 2002. Carroll, John, et. al., Enciclopedia Práctica de la Fotografía, Kodak, Ed. Salvat, España, 10 tomos, 1979. Jurado, Carlos, El Arte de la Aprehensión de Imágenes y el Unicornio, UNAM, México, 1974. Langford, Michael , La fotografía Paso a Paso, Herman Blume, Madrid, 1986. Langford, Michael y Bilissi Efthimia, Tratado de Fotografía: guía para fotógrafos, Omega, Barcelona, 2009. Newhall, Beaumont, Historia de la fotografía, Gustavo Gili, Barcelona, 2002. Hemerografía

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Estrada, Agustín, “Tecnologías, Por una nueva historia de la fotografía”, en Cuartoscuro / Revista de fotógrafos, no. 101, abril-mayo 2010, México, ed. Cuartoscuro, 2010, pp. 50 y 51.