SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES

Jueves 2 de julio de 2015 • 7:30 p.m.Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

Jueves 2 de julio de 2015 • 7:30 p.m.Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

LINOS TRÍO, viola, flauta y arpa (Colombia)

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TOME NOTA• Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de

prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.

• Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena.

• Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar

durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas.

• Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus

equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música.

• Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes,

no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto.

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La serie de los jóvenes intérpretes y el concierto de hoy

Desde 1985 la Serie de los Jóvenes Intérpretes es parte importante de la programación musical del Banco de la República. En algunos casos estos recitales son la primera experiencia profesional de los mejores estudiantes de música del país y, con el paso de los años, ha demostrado ser un aporte al crecimiento artístico de músicos cuyas carreras continúan desarrollándose tanto en Colombia como en el exterior.

En la convocatoria de la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2015 se presentaron 30 aspirantes en la categoría música de cámara y arpa clásica. Linos Trío fue seleccionado para presentarse en la temporada de conciertos 2015 junto con un arpista y otros tres ensambles de música de cámara.

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Laura del Sol Jiménez, flauta traversa; David Merchán, viola y María Clara Alarcón, arpa.

La agrupación Linos Trío se conformó en 2011 debido al interés de sus integrantes por la música de cámara y por llevar a todo el público colombiano repertorio importante de la historia de la música académica. Asumen el reto de lograr esa mezcla de colores y sonoridades a partir de tres instrumentos de diferente naturaleza: la flauta, la viola y el arpa. Los integrantes de Linos Trío han tenido bastante experiencia en diversos grupos de cámara y como solistas, lo que los hace figuras destacadas dentro de su generación.

Linos Trío es una agrupación profesional dedicada a la divulgación y ejecución de la música escrita para el formato que cultivan, con especial interés en proyectos que involucren la música de la actualidad colombiana. Recientemente terminaron la grabación de su primer disco, basado en composiciones de los compositores colombianos Ricardo Gallo, Damián Ponce y Carolina Noguera.

Linos Trío ha sido galardonado en varias oportunidades por su pulido trabajo: la Orquesta Filarmónica de Bogotá premió a la agrupación dentro del “Ciclo de Conciertos de Música de Cámara para todos los Públicos” de la Filarmónica de Bogotá, y le fue otorgado como premio especial para asistir activamente al VII Festival Internacional de Música de Cartagena 2013. Adicionalmente fueron seleccionados en la convocatoria de la serie de los Jóvenes Intérpretes 2015 del Banco de la República.

Linos Trío se ha presentado en la Universidad Nacional de Colombia, en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, el Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, el Instituto de Bellas Artes de Cartagena de Indias, el Auditorio Pablo VI de la Pontificia Universidad Javeriana, el Auditorio Teresa Cuervo del Museo Nacional y el Claustro de San Ignacio en Tunja, entre otros.

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INTERMEDIO

HARALD GENZMER (1909-2007)

DAMIÁN PONCE DE LEÓN (n. 1980)

MAURICE RAVEL (1875-1937)Original para flauta, violonchelo y piano.Arreglo: Carlos Salzedo

Trío para flauta, viola y arpa(1947)FantasíaScherzo

NotturnoThema mit Variationen

El sol que está adentro(2013)

Obra dedicada a Linos Trio

Sonatina en trío, para flauta, viola y arpa(1903)Moderé

Mouvement de menuetAnimé

CONCIERTO No. 37

PROGRAMA

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NOTAS AL PROGRAMA

Por Óscar Murcia

La Sonata para flauta, viola y arpa de Claude Debussy estableció uno de los formatos de cámara más apetecidos de la música académica moderna. La historia de este formato se relaciona de forma muy cercana con el establecimiento del ensamble Pierrot 1–otro de los formatos paradigmáticos de la música del siglo XX– en la medida en que ambos buscan ser una especie de orquesta reducida debido a la combinación de diversas familias instrumentales. A partir de esta premisa, las combinaciones tímbricas del trío resultan efectivas –como en la orquesta– pero también poco habituales, ya que la estructura y naturaleza de los tres instrumentos involucrados permite mezclar largos momentos de resonancia, junto con ataques incisivos y violentos: la naturaleza pastoral y evocativa enfrentada al virtuosismo y a la posibilidad de la experimentación.

El concierto de esta noche, a cargo de Linos Trío, expone tres obras representativas del formato, trazando una línea en la que el neoclasicismo de la primera mitad del siglo XX se encuentra con propuestas innovadoras que permiten entender las posibilidades y riquezas ofrecidas por esta formación camerística.

La influencia musical detrás de la obra del compositor alemán Harald Genzmer (1909-2007) se puede trazar a partir de la obra de los últimos compositores románticos alemanes –principalmente la obra de Richard Strauss– terminando con la obra de Paul Hindemith, su maestro de composición. De Strauss, Genzmer toma el sentido sensual y emotivo de los poemas sinfónicos. De Hindemith toma el sentido de responsabilidad del oficio del compositor. A partir de esto, la obra de Genzmer se puede clasificar dentro de los lineamientos de la Gebrauchsmusik (música utilitaria) del periodo de entreguerras, lineamientos que promueven la claridad del discurso musical, la facilidad de escucha, sobre cualquier interés de expresión individualista heredado de la visión romántica del arte.

Genzmer nació en Blumenthal, ciudad cercana a Bremen, en febrero de 19092. Estudió teoría musical con Hermann Stephani en Marburgo entre 1925 y 1928, y posteriormente ingresó a la Hochschule für Musik de Berlín, lugar donde estudió piano con Rudolph Schmidt, clarinete con Alfred Richter, musicología con Curt Sachs y Georg Schünemann, y composición con Paul Hindemith. El encuentro con Hindemith resultó definitivo en la formación musical de Genzmer. Después de culminados sus estudios, Genzmer se desempeñó como pianista repetidor en la Ópera de Breslau, y como profesor de composición en varias universidades y Hochschulen alemanas entre las que se destacan la Volkmusikschule de Berlín (1938- 1940), la Musikhochschule de Friburgo (1946-1957) y la Musikhochschule

1 Mc CALLA, James. Twentieth-Century Chamber Music. Routledge Editions, 2003.2 RIEDLBAUER, Jörg. Ganzmer, Harald. Grove Music Online. Página consultada el 25 de febrero de 2015.

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de Munich ( 1957-1974). La música de Genzmer, a diferencia de la música de varios de sus contemporáneos, se aleja de la abstracción y la conceptualización excesivas, centrándose en la relación del intérprete y el público; es un compositor que se centra en el ser humano como el principal eje de su actividad compositiva. Por esta razón, hay un vínculo muy fuerte en la música de Genzmer con las formaciones de músicos amateur y de agrupaciones juveniles, como una forma de conectar la práctica compositiva heredada de Hindemith con la visión ética y humanística del compositor en la sociedad.

Estructurado en cuatro movimientos (Fantasía, Scherzo, Notturno, Tema con variaciones), el Trío para flauta, viola y arpa, compuesto en 1947, expone varias de las cualidades más prominentes de la música de Genzmer. Por una parte, la estructura tradicional de una sonata con cuatro movimientos se encuentra claramente en la obra. Por otra parte, el orden de los movimientos en esta estructura cambia notoriamente con respecto al modelo original. El primer movimiento (Fantasía) inicia con unos acordes del arpa que conectan con la línea melódica principal en la flauta. Esta melodía es acompañada por el arpa y la viola con algunos momentos protagónicos de estos instrumentos. El cambio de carácter en el Scherzo presenta una textura más elaborada. La flauta y la viola se intercalan en la melodía principal mientras el arpa acompaña por medio de acordes acentuados y arpegios veloces que cubren buena parte del registro del instrumento. Después de una segunda sección más lírica protagonizada por la flauta y la viola, el arpa toma el papel protagónico por unos instantes por medio de la utilización de acordes cuya línea superior evoca buena parte de las melodías expuestas anteriormente por la flauta y la viola. El tercer movimiento (Notturno) presenta un carácter más sombrío que los dos movimientos anteriores sin perder un ápice del lirismo predominante en la obra. El inicio tenue del arpa es luego acompañado por líneas melódicas de la flauta y la viola que están a medio camino entre lo consonante y disonante. Este inicio tenue se empieza a transformar en un crescendo paulatino en el que los tres instrumentos llegan a un primer clímax. El crescendo permite, además, una mayor independencia de las líneas melódicas, independencia que termina con el regreso del carácter tenue y sombrío del inicio. El Thema mit variationen se inspira en una melodía de origen folclórico. Tanto el tema como las variaciones que le siguen permiten el protagonismo de cada uno de los instrumentistas y funciona como resumen de la sonoridad general de la obra.

La obra del compositor bogotano Damián Ponce (n. 1980) reúne varias de las características más relevantes de la nueva música académica colombiana. Por una parte, la influencia de la música popular urbana, el jazz, el rock, la música basada en la improvisación libre, y la música tradicional colombiana, es evidente en la obra de Ponce. Por otra parte, la utilización de los formatos instrumentales de la música académica contemporánea, junto a una flexibilización de los procedimientos compositivos habituales de la música de vanguardia, configuran una obra en la que las delimitaciones estilísticas se anulan, dando paso a una búsqueda del

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equilibrio entre los procesos compositivos y el resultado musical, como la forma más efectiva para lograr la comunicación entre compositor y público.

Nacido en Bogotá en 1980, Ponce inició su formación musical a temprana edad en un ambiente artístico diverso y muy activo3. Su acercamiento a la música se dio desde la percusión junto a los maestros Josué Duarte y Urián Sarmiento. A los once años participó en la ópera rock El ángel azul del dramaturgo Juan Monsalve, como cantante y actor. A mediados de la década de 1990, Ponce formó parte como baterista y percusionista de los grupos las 1280 Almas y Parche B Funk, grupos representativos de la escena del rock bogotano. En 1999 Ponce se estableció en La Habana, Cuba, con el objetivo de ampliar su formación teórica musical. Allí se formó bajo la guía de los maestros Ómar Hernández, Elvira Fuentes y Andrea Mesa, formación que le permitió ingresar al Instituto Superior de Arte de la Habana, lugar en donde Ponce inició la carrera de composición musical. En el año 2001 obtuvo el primer premio en la categoría Música de Cámara del Festival Musicalia, con su obra Sonata para violonchelo y piano. Ponce culminó sus estudios en el año 2006 bajo la guía del maestro Tulio Peramo, obteniendo el título de oro. La obra de Ponce ha sido interpretada por reconocidos ensambles y solistas entre los que se pueden contar el Quinteto de los Andes, Mintcho Badev y Ana Cristina González, los cuartetos de cuerda Manolov y Q-Arte, el trío de guitarras Trip Trip Trip, la Orquesta Sinfónica de Cuba y Ricardo Jaramillo. También ha participado en diversos festivales de música contemporánea entre los que se pueden nombrar la primera temporada de Música de Cámara de la Universidad Nacional de Manizales, varias ediciones del Festival de Música Contemporánea de la Habana (2001 y 2003), y el Festival de Música Contemporánea de Lima en 2008. Además de su labor como compositor de música de concierto, Ponce ha trabajado como realizador musical de varios proyectos audiovisuales como el video arte Cavilaciones fortuitas de la artista Natalia Mantilla, la serie de Señal Colombia Ruido blanco, y la música del largometraje Esto no tiene nombre del director Jorge Aldana. También se ha desempeñado como docente universitario y como miembro activo del reconocido grupo bogotano Meridian Brothers.

La obra El sol que está adentro, escrita para Linos Trío en 2013, nace como resultado de un proyecto conjunto entre el compositor y sus colegas Ricardo Gallo y Carolina Noguera, como una forma de generar espacios de difusión e interpretación de sus obras. A partir del interés de Linos Trío por tener una obra de un compositor colombiano para las convocatorias de Jóvenes Intérpretes de la Biblioteca Luis Ángel Arango, Ponce decide trabajar con el trío en la composición de una obra que de alguna forma involucrara tanto las posibilidades musicales de cada instrumento, como la oportunidad de trabajar de la mano de los músicos, recibiendo continua retroalimentación de su trabajo. Según Ponce4, la obra tiene dos principales motivaciones. Por una parte, la inspiración de la obra proviene de 3 Información biográfica obtenida en la página web del Círculo Colombiano de Música Contemporánea www.ccmc.com.co. Página consultada el 20 de febrero de 2015.4 Información de la obra obtenida a través del compositor el 20 de febrero de 2015.

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5 BURNETT, James. Ravel, his life and times. Hippocrene Books, 1983.

la lectura del libro El río del botánico norteamericano Wade Davies, libro en el que se narran las aventuras de Davies y su maestro Richard Schultes a través de los paisajes y culturas de América Latina. En el libro se menciona que la palabra ‘guaraní’, correspondiente a ‘alma’ se puede traducir al español como “el sol que está adentro”. Las connotaciones espirituales del concepto, junto al estudio que por ese entonces realizaba el compositor sobre los mecanismos del arpa, se convirtieron en el principal eje conceptual de la obra: tratar de generar una sensación en donde los sonidos de algún modo emanaran esa luz interior que el concepto mismo propone.

Por otra parte, la obra pretende generar “resonancias compartidas” debido a la disolución de color que se genera por el hecho de que en algunos momentos los instrumentos comparten registros. A partir de una línea melódica presentada por la flauta, el arpa y la viola apoyan por medio de la utilización de notas pedal que se construyen por medio de grandes espacios de tiempo, cambios de compás y armónicos. La idea inicial se disuelve en un juego de colores y polirritmias en donde la textura se vuelve más compleja y donde, además, la claridad inicial se pierde a manera de evolución y desarrollo; la sonoridad es difusa pero a la vez luminosa. La obra termina en una especie de “ascensión final” en donde las divergencias y conflictos texturales logran encontrar una solución que permita cerrar el ciclo.

Para 1905, la música de Maurice Ravel (1875-1937) ya contaba con el reconocimiento y admiración del público. La claridad formal de sus obras, lo evocativo de su lenguaje armónico, la evidente habilidad –la obsesión de Ravel por el perfeccionismo técnico– en cuestiones de orquestación y color armónico, son las principales características que le permitieron ganarse un lugar privilegiado en la música francesa. No obstante, para esta misma época se empezaba a discutir sobre la similitud entre la obra de Ravel y la de Debussy. El público y la crítica francesa empezaron a dividirse en facciones que apoyaban a uno u otro compositor, a tal punto que se especulaba sobre la cronología de la obra de ambos compositores, o de quién influenciaba a quién en términos de innovaciones musicales. El crítico Pierre Lalo, ferviente defensor de Debussy y agudo crítico de la obra de Ravel, lo expone de forma más clara: “Allí en donde Debussy es sensibilidad, Ravel es insensibilidad, tomando prestado sin vacilación no sólo la técnica sino la sensibilidad de otras personas”5. A pesar de las similitudes y de los comentarios malintencionados, Ravel supo mantener un lenguaje musical marcadamente personal e individual, alejado de la carga impresionista y simbolista de las obras de Debussy, decantándose por una mayor claridad formal y unas ideas de orquestación más frescas y originales.

La Sonatine fue escrita en 1903, originalmente como primer movimiento de una sonata para piano, sonata que formó parte de un concurso organizado por la

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revista Weekly Critical Review. El crítico Michel-Dimitri Calvocoressi -amigo personal de Ravel- animó al compositor a participar, teniendo en cuenta que el premio era de 100 francos, sin contar con la exposición y reconocimiento que implicaba. La principal condición del concurso tenía que ver con la extensión de la obra, la cual no debería durar más de 75 compases. Con esta condición, Ravel se embarcó en la composición. Una vez terminada la composición, empero, la obra fue descalificada por dos motivos: el primero, el hecho de que Ravel fue el único participante del concurso; el segundo obedecía a que la extensión de la obra excedía los 75 compases propuestos en las reglas del concurso. La obra no fue publicada hasta 1905, pero se convirtió en una obra característica en las giras y conciertos de Ravel en el extranjero, así como en una de las obras más representativas de su catálogo de obras para piano.

La denominación “sonatina” del título de la obra puede resultar engañosa. Si bien es cierto que la obra es breve en duración, no son insignificantes su estructura ni su contenido expresivo6, razón por la cual su interpretación no debería ser la de una obra trivial sino más bien la de una obra en la que las dificultades técnicas y musicales están al servicio de la expresión. La unidad formal es notoria: la cuarta descendente que abre el primer movimiento (Modéré) reaparece en los otros dos movimientos (Mouvement de menuet, Animé). El primer movimiento, escrito a la manera de una forma sonata, expone no solo varios de los materiales de la obra sino que presenta el carácter general de la misma, evidenciando varias de las elaboraciones a las que el material principal se ve sometido. El segundo movimiento carece de la tradicional sección de trío, común a este tipo de obras, preservando no obstante una estructura basada en el minueto. El uso de acentos y los continuos cambios de tempo evitan que el movimiento se convierta en un simple vals. El tercer movimiento, un tour de force de virtuosismo, es un ejemplo perfecto de toccata, inspirado además en obras similares de los compositores de música para teclado franceses como Rameau y Couperin. Tanto la estructura de áreas tonales de cada movimiento (fa sostenido mayor y fa sostenido menor para los movimientos inicial y final; re bemol mayor para el segundo movimiento), como la escritura pianística refinada, pretenden ser un homenaje a la elegancia musical y a la claridad estructural de la música de finales del siglo XVIII7.

6 Información de la obra obtenida en el folleto del disco Ravel: The complete solo piano music, intepretado por la pianista australiana Angela Hewitt. Hyperion Records, 2002.7 La transcripción para trío de la Sonatine de Ravel fue realizada por el arpista y compositor francés Carlos Salzedo (1885-1961).

Recorridos por la música de cámara LINCOLN TRIO, trío con piano (Estados Unidos)

Estreno de obra comisionada por el Banco de la República al compositor colombiano Juan Antonio Cuellar

Desde su inauguración en 1966, la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango ha encomendado a diferentes compositores colombianos la composición de nuevas obras. Esta labor, que estimula la creación, construye patrimonio musical para futuras generaciones y que genera fructíferas colaboraciones entre compositores, intérpretes y público vuelve a dar fruto. Lincoln Trio, ensamble reconocido por su excelente técnica y su interés en la interpretación de obras de compositores contemporáneos, regresa a Colombia para estrenar En conversaciones. Variaciones para violín, violonchelo y piano, Op. 32, obra comisionada por el Banco de la República al compositor Juan Antonio Cuéllar.

MIÉRCOLES 12 DE AGOSTO DE 2015 • 7:30 P.M.SALA DE CONCIERTOS • BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO

WWW.BANREPCULTURAL.ORG/MUSICA2015

Este concierto se presentará en las áreas culturales del Banco de la Republica de Sincelejo y Cali

TEMPORADA DECONCIERTOSBANCO DE LA REPÚBLICA 2015

Daniel Cifuentes

Natalia Merlano

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