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Materia a primer control de historiados 2010
INTRODUCCION
1909
En Estados Unidos Henry Ford impuso la racionalización en los procesos con la fabricación del carro Ford T, modelo único por años, que fue punta de lanza de la tendencia bautizada como “fordismo”, caracterizada por la durabilidad y la eficiencia del producto.
Años más tarde, surge el estilismo o formalismo (styling), el cual desarrolla un concepto de visión capitalista propio del sistema del “American way of life”, al crear productos atractivos superficialmente que desencadenan un consumo acelerado a causa del envejecimiento psicológico determinado por la ley del último modelo.
El principal exponente de esta tendencia fue la General Motors, cuyo presidente, Alfred Sloam, optó por oponerse a la filosofía fordista que pregonaba “pequeñas ganancias, grandes ventas”, aumentando los precios de los vehículos a medida que iba apareciendo un nuevo modelo cada año, con lo que se estimulaba el apetito del consumidor por medio de la imposición de modas promovidas por la publicidad. Cabe destacar que esta es la tendencia que aún predomina en la actualidad en el sector automotriz.
1919
La escuela Bauhaus, cuyo nacimiento tuvo lugar en el año 1919. Fue el fruto de la fusión de dos grandes instituciones educativas en la República de Weimar: la Escuela Superior de Bellas Artes y la Escuela de Artes Aplicadas. Su historia suele dividirse en tres períodos que corresponden a tres directores, o bien a las tres ciudades donde se asentó su sede: Weimar (1919-1924), Dessau (1925-1930) y Berlín-Steglitz (1930-1933).
La dirección estuvo a cargo sucesivamente por Walter Gropius, H. Meyer y finalmente, hasta el momento de su clausura definitiva, por Mies van der Rohe.
Para entender este espíritu, basta remitirse a los escritos de Gropius, donde éste aborda problemas en torno al diseño. En alguna oportunidad anotó:
“La creación de ‘tipos’ para los objetos de uso cotidiano es una necesidad social. Las exigencias de la mayor parte de los hombres son fundamentalmente iguales. La casa y los objetos para la casa, son un problema de necesidad general, y su proyectación apunta más a la razón que al sentimiento. La máquina que produce objetos en serie es un medio eficaz para liberar al hombre, mediante el empleo de fuerzas mecánicas como el vapor o la electricidad, del trabajo necesario para la satisfacción de las necesidades vitales: un medio para procurarle los distintos objetos, pero más bellos y más baratos que los hechos a mano. Y no ha de temerse que la tipificación pueda coartar al individuo; al igual que no se ha de temer que un dictado impuesto por la moda pueda conducir a la uniformización completa del vestir”. (3) Así se pasaba de proclamar arte y artesanía a exaltar la dupla arte y técnica, resaltando siempre la búsqueda de la estética en los productos industriales, los cuales eran concebidos en los talleres de la Bauhaus con creatividad artística gracias a la formación primordialmente plástica de maestros como Paul Klee, Vassily Kandinsky, Lyonel Feininger, Gerhanrd Marcks, Georg Muche y Laszlo Molí-Nagy, quienes también fueron reconocidos pintores.
Desde finales del siglo XIX hasta mediados del 1900, los movimientos europeos que intentaron conciliar arte e industria fueron el Arts and Craft en Inglaterra, la Union Centrale des Arts Decoratifs francés, el movimiento De Stijl de los países bajos, en el que participaron los pintores Piet Mondrian y Van Doesburg, exaltando el geometrismo y la primacía de los colores primarios, el Art Noveau en Austria y Bélgica, el Vkutemas en Rusia y la Bauhaus en Alemania. Los equivalentes estadounidenses fueron la Chicago School of Design fundada en 1939 y el Cranbrook Academy, fuente de ingeniosos diseños de muebles, textiles y de cerámica durante las décadas de 1940 y 1950.
1947
En Alemania se fundó la Escuela Superior de Diseño de Ulm (Hochschule für Gestaltung –HfG de Ulm-), considerada la entidad más importante creada después de la Segunda Guerra Mundial para la formación de profesionales y que ha dejado una profunda huella a nivel mundial.
Desde su apertura en 1947 se planteó un programa de estudios que seguía el modelo Bauhaus, sin embargo, en él las artes se incluían con un interés meramente instrumental. En su desarrollo acentuó
la estrecha relación entre diseño y tecnología por medio de la inclusión de asignaturas de carácter científico.
Cerró sus puertas por problemas políticos en 1966 y se considera que su principal aporte fue crear una metodología del diseño, expresión del racionalismo y la objetividad germana que se extendió al modelo de la empresa Braun, punto de partida del movimiento “Gute Form” (buena forma), el cual se apegaba a la frase “la forma sigue a la función”.
La Revolución Industrial.
Es el periodo histórico comprendido entre la segunda mitad del siglo XVIII y principios del XIX, inicialmente Inglaterra en primer lugar, y el resto de la Europa continental con el tiempo, sufren el mayor conjunto de transformaciones socioeconómicas, tecnológicas y culturales de la Historia.La economía establecida en el trabajo manual fue reemplazada por otra dominada por la industria y la manufactura. La Revolución comenzó con la mecanización de las industrias textiles y el adelanto de los procesos del hierro. La expansión del comercio fue beneficiada por la mejora de las rutas de transportes y posteriormente por el nacimiento del ferrocarril.
A mediados del siglo XIX, en Inglaterra se realizaron una serie de transformaciones dentro de las cuales las más relevantes fueron:La aplicación de la ciencia y tecnología permitió el invento de máquinas que mejoraban los procesos productivos.La despersonalización de las relaciones de trabajo: se pasa desde el taller familiar a la fábrica.El uso de nuevas fuentes energéticas, como el carbón y el vapor.La revolución en el transporte: ferrocarriles y barco de vapor.El surgimiento del proletariado urbano.
La Revolución industrial fue dividida en dos etapas: La primera del año 1750 hasta 1840, y la segunda de 1880 hasta 1914.
La iniciativa de la máquina de vapor fue una de las más importantes innovaciones de la Revolución industrial. Hizo posible mejoramientos en el trabajo del metal basado en el uso de coque en vez de carbón vegetal.
PRIMERA REVOLUCION INDUSTRIAL
El cambio que se produce en la Historia Moderna de Europa por el cual se desencadena el paso desde una economía agraria y artesana a otra dominada por la industria y la mecanización es lo que denominamos Revolución Industrial.
Se pasa del viejo mundo rural al de las ciudades, del trabajo manual al de la máquina.
Los campesinos abandonan los campos y se trasladan a las ciudades; surge una nueva clase de profesionales.
Algunos de los rasgos que han considerado definitorios de la revolución industrial se encuentra en el montaje de factorías, el uso de la fuerza motriz...
además de los cambios que trajo: se pasa de un taller con varios operarios a grandes fábricas, de la pequeña villa de varias docenas de vecinos a la metrópoli de centenas de miles de habitantes.
El antiguo régimen
Política y sociedad
En cuanto a la política la forma del estado durante el Antiguo Régimen es la Monarquía Absoluta
El rey considera que su poder es de origen divino (Dios ha delegado en él) y, por tanto, ilimitado (sólo responden ante Dios). Los monarcas absolutos concentran en sus manos el poder legislativo, el ejecutivo y el judicial, mandan sobre el ejército y todas las instituciones del estado. El estado en su conjunto (incluyendo sus habitantes-súbditos) no son sino una propiedad personal del Rey.
Las sociedades del Antiguo Régimen se caracterizan por tener una población estancada, sometida periódicamente a las llamadas crisis de subsistencia, y que aún no han conocido la revolución demográfica que hará crecer la población europea a ritmos nunca antes conocidos.
Se trata de una sociedad formada por grupos muy cerrados: la sociedad estamental.
La sociedad estamental se caracteriza por la desigualdad legal entre los diferentes grupos sociales o estamentos.
De un lado distinguimos el grupo de los Privilegiados, constituidos por la nobleza y el alto clero, que poseían enormes riquezas provenientes de las rentas de la tierra y gozaba de exenciones fiscales -estaban excluidos del pago de varios impuestos-, eran juzgados según leyes distintas a las del pueblo, y se reservaban los cargos más importantes del ejército, la iglesia y el estado.
De otro lado tendríamos al estamento no privilegiado (o tercer estado), que no era un grupo nada homogéneo, pues cabían en él, desde ricos comerciantes y banqueros hasta el más humilde de los campesinos, pero que tenían en común el hecho de ser quienes sostenían económicamente el país con su trabajo, y el estado con sus impuestos.
El tercer estado constituía habitualmente 9/10 de la población, de ellos la mayoría campesinos pobres.
La economíaLas economías tienen una fortísima base agraria: tres cuartos de la población se ocupan de tareas agropecuarias. Se trata de una agricultura en general caracterizada por su bajísima productividad, por estar dirigida al autoconsumo (el campesino piensa fundamental en alimentarse directamente el mismo y sus familias con el producto de sus tierras) y no a la comercialización, y por la utilización de técnicas y herramientas que apenas han conocido cambios en varios siglos: la utilización del arado romano sigue siendo general en casi toda Europa y el mantenimiento del barbecho (dejar sin cultivar cada año un tercio o la mitad de las tierras para que esta recupere sus nutrientes) en la rotación de cultivos como técnica de fertilización de las tierras.
De esta manera, mientras en algunos países del este de Europa el régimen señorial sigue vigente, en Gran Bretaña ya casi ha desaparecido, lo que es considerado por muchos historiadores como favorable para la modernización de la agricultura y de la economía en general que se producirá en este país a partir el siglo XVIII.
Esta economía agraria atrasada convive en muchas zonas con un importante desarrollo urbano y comercial dinamizado por los grandes descubrimientos geográficos pues, desde mediados del siglo XV, exploraciones portuguesas y castellanas revolucionan el conocimiento geográfico y científico en general, incorporando a la cultura europea nuevas tierras, mares, razas, especies animales y vegetales...
Primero serán las costas africanas, luego el descubrimiento de América, posteriormente las tierras del Pacífico, de forma que a finales del siglo XVIII apenas quedaban por descubrir el interior de África y las zonas polares.
Pronto algunos países europeos construirán enormes imperios coloniales basándose en su superioridad técnica (armas de fuego) que servirán, inicialmente, para animar el comercio europeo con inmensas cantidades de oro y plata y ya desde el siglo XVIII se incorporan enormes plantaciones de tabaco y azúcar, que junto al comercio de especias y a la trata de negros, servirán para enriquecer enormemente a las burguesías mercantiles de algunos países europeos.
Pero este panorama de cambios hay que matizarlo, destacando, por ejemplo, la pervivencia de los gremios dentro de las actividades artesanales: los trabajadores de cualquier sector artesanal en una ciudad (zapateros, tejedores, alfareros...) estaban obligados a formar parte de una organización, el gremio, que controla toda la actividad que se desarrolle en esa ciudad, de manera que las mercancías fabricadas en otros lugares no puedan entrar en su ciudad.
El gremio fijaba de una forma rígida horarios, precios, salarios, herramientas, número de trabajadores por taller..., e impedían cualquier avance técnico u organizativo que pudiese dar ventaja a unos talleres sobre otros.
Por estas razones los nuevos regímenes liberales prohibirán la existencia de gremios como organismos incompatibles con economías basadas en el progreso tecnológico continuo que deriva de la competencia y el libre mercado.
El comercio encontraba numerosos obstáculos a su desarrollo como eran la existencia de multitud de aduanas interiores o la mala calidad de los transportes terrestres que sólo mejorarán con la construcción de los primeros ferrocarriles.
La denominada Revolución Industrial tuvo su origen en Gran Bretaña desde mediados del siglo XVIII.
¿ Por qué tuvo lugar primero en Gran Bretaña y no en otros países?.
Factores políticos
Un régimen político estable, la monarquía liberal, que desde el siglo XVII es el sistema político imperante (mientras en otros países de Europa se refuerza la monarquía absoluta), y que se mantiene libre de las revoluciones que aquejan a otros países europeos.
Las numerosas guerras en las que se vio envuelto el Reino Unido durante los siglos XVIII y XIX no provocaron daños en territorio británico. La insularidad actuó en este sentido como una barrera de
protección a la que se unía el desarrollo de una poderosa flota de guerra que mantendrá su hegemonía mundial durante los siglos XVIII y XIX.
La existencia de una moneda estable y un sistema bancario organizado: el Banco de Inglaterra fue creado ya en 1694. Estas condiciones no se darán en otros países europeos hasta finales del siglo XVIII.
Factores sociales y económicos
Abundancia de capitales, procedentes, en parte, del dominio comercial británico, pues desde el siglo XVII la marina mercante británica en dura competencia con los holandeses se ha hecho con el control de buena parte de los intercambios comerciales de otros continentes con Europa. El comercio de productos como el te o el tabaco, y el tráfico de esclavos, había permitido la creación de enormes fortunas, en manos de comerciantes y banqueros. Este comercio colonial proporcionaba a Gran Bretaña materias primas y mercados donde vender sus productos manufacturados.
Incremento sostenido de la capacidad para producir alimentos por parte de la agricultura británica que está conociendo un importante desarrollo, la denominada revolución agraria, desde la aprobación de leyes que permiten el cercamiento de las propiedades.
Existencia de una abundante mano de obra.
La población británica crece a gran ritmo a causa fundamentalmente de los cambios en la agricultura: el suministro constante y creciente de alimentos va terminando con las crisis demográficas.
Parte de esa población en crecimiento emigrará a las ciudades y formará la masa de los trabajadores industriales.
No es casual que fuese un británico, el escocés Adam Smith, autor de La Riqueza de las Naciones, quien hiciese la más destacada e influyente defensa de la libertad económica: para Adam Smith la mejor forma de emplear el capital para crear riqueza es aquella en la cual la intervención de los gobiernos es lo más reducida posible.
La mano invisible del mercado asigna siempre de la forma más eficiente los recursos económicos de un país.Abundancia de emprendedores entre los comerciantes y los grandes propietarios de tierra.
Una aristocracia que permite y premia las innovaciones y la creación de riqueza, en contraste con la nobleza de otros países, más tradicional, apegada a la tierra y que desprecia cualquier forma de trabajo productivo.
Menor peso de los impuestos al comercio en el mercado interno: en Gran Bretaña el peso de los impuestos interiores era muy reducido comparado con otros países europeos donde era muy común encontrarse aduanas interiores cada pocos kilómetros lo que convertía al comercio en una actividad poco productiva.
Factores geográficos
Abundancia de hierro y, sobre todo, de carbón. El hierro se encontraba en los Montes Peninos, mientras que el carbón abundaba tanto en Inglaterra como en Gales y Escocia.
En las proximidades de las minas de carbón se concentrará gran parte del potencial industrial británico en especial con el nacimiento de una fuerte industria siderúrgica básica para proporcionar metales baratos para la construcción de máquinas, ferrocarriles, infraestructuras.
Fácil y constante suministro de agua como fuente de energía, pues el clima, lluvioso, superando de promedio los 1.000 mm anuales y sin estación seca, proporciona corrientes de agua numerosas y constantes.
La energía hidráulica desempeñará un importante papel en los años previos a la difusión de la máquina de vapor.
Uno de los elementos sustanciales de la mecanización y modernización industrial fue la aplicación de un nuevo tipo de energía: el vapor.
La máquina de vapor del escocés James Watt (1782) se convirtió en el motor incansable de la Revolución Industrial.
El ferrocarril permitía transportar materias pesadas con una rapidez antes impensable de 32 a 40 Km. (debemos tener encuenta que 40 Km. era la distancia que solía recorrer un caballo en una jornada).
La revolución de la velocidad acorto extraordinariamente el tiempo de los desplazamientos y permitió vertebrar el comercio interior, escasamente desarrollado hasta entonces. El volumen de los intercambios se multiplicó
La aparición del ferrocarril y del barco de vapor estimuló extraordinariamente la demanda de hierro.
La fabricación de vías, locomotoras, vagones y barcos disparó definitivamente la industria siderúrgica.
Las innovaciones introducidas a lo largo del siglo XVIII se realizaron en dos campos: la mejora de la combustión en el carbón y la mayor calidad del producto final en el hierro.
En cuanto al primero, se consagró como combustible un tipo de carbón, "coque" (hulla refinada), capaz de producir elevadas temperaturas. La combustión se avivaba con la inyección de aire caliente.
En cuanto al segundo, se ideó la técnica del "pudelado" (1784), consistente en batir la masa de metal incandescente, con lo que se obtenía un hierro más maleable. Mediante el "laminado" (1783), la masa de hierro fundido se transforma en barras al pasar por unos rodillos, lo que facilita su utilización industrial.
Cambios Sociales
La industrialización va a provocar un crecimiento de la población sin precedentes en la historia de la humanidad conocido como la Revolución Demográfica.
Los cambios en la industria, la agricultura y los transportes produjeron un aumento espectacular de la riqueza (que se traduce fundamentalmente en una mejor alimentación) que se reflejó en un crecimiento notable de la población que servirá para multiplicar los habitantes de Europa en muy pocos años e incluso para poblar con emigrantes otros continentes.
La disminución de algunas de las más temibles epidemias que habían azotado Europa durante siglos, ciertas mejoras sanitarias e higiénicas ( como el descubrimiento de la primera vacuna en 1796 que protegía contra la viruela) y, sobre todo, una mejor alimentación con el fin de las crisis de subsistencia, están entre las causas de ese crecimiento demográfico a lo largo de los siglos XVIII y XIX.
Michael Thonet
nació en 1796 y se le puede considerar como el gran creador de las técnicas del curvado de madera. Curvando al calor varas de madera sólida y uniéndolas con tornillos o engrudo, consiguió un tipo de mueble fácilmente industrializable
La silla Thonet de madera curvada marcó un hito en la época. Hasta entonces, la clase acomodada era la única que tenía el privilegio de sentarse en sillas. La producción masiva de sillas de madera curvada permitió extender su uso a la incipiente burguesía de toda Europa y aún más allá de las fronteras a los propios nuevos estados americanos. No sólo cabe destacar su importancia funcional sino su significado al marcar un antes y un después en lo que eran moldes históricos.
Arts and Crafts
Básicamente el objetivo era reformar el diseño y la sociedad mediante un retorno de la artesanía tradicional, como respuesta ante las consecuencias medioambientales y sociales de la industrialización y la multiplicación de productos de baja calidad.Se buscaba la simplicidad y la honestidad en la artesanía.Se Intentaba promover la democracia y la cohesión social a través de la artesanía. AdemásSe luchaba contra la carga de los trabajadores en la industrialización.
Entre las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos, éticos y políticos, tanto como estéticos. Destacamos los más importantes:Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral. Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas.Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas.Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Una idea que sería recogida por el racionalismo de principios del siglo XX.Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.
Este movimiento fue encabezado por William Morris que pretendía recuperar la calidad del diseño y de la producción artesanal.
William Morris, empresario, pintor, poeta y proyectista, formuló su crítica de oposición al producto industrial, reprochándole su masificación e indiferencia. Rechazaba la producción industrial en las artes, y luchaba por un retorno a la clásica artesanía medieval, considerando, con justicia por cierto, que los artesanos merecían el rango de artistas. Sin embargo, sus teorías definían los principios del diseño industrial al reconocer las posibilidades del objeto o de la imagen como portadores de unas cualidades estéticas, las cuales, según Morris, eran fruto de las cualidades artesanas y no de la máquina.
William Morris nació en 1834 y falleció en 1896. Pertenecía a una familia acomodada y se dedicó al diseño y el arte influido por los escritos de John Ruskin y la amistad con el pintor Edward Burne-Jones, a quien conoció como estudiante en 1853.
Por entonces realizó viajes a Bélgica y Francia, donde contempló cuadros de pintores del siglo XV, como Memling y Van Eyck, que le influyeron para toda su vida, al igual que las grandes catedrales góticas del norte.
Compartió taller con Burne-Jones entre 1856 y 1859, dedicándose al diseño de muebles medievales. La amistad con Burne-Jones se prolongaría hasta el final de sus vidas.
En 1861 creó la empresa Morris and Company, con Ford Madox Brown, Rossetti, Webb y Burne-Jones como socios. Enseguida consiguieron prestigio por sus diseños en vidrieras, muebles y tejidos.
En la década de 1860 Morris diseñó algunos de sus papeles más famosos, como Trellis, Daisy, Fruit y Pomegranate.
Como poeta, su primer éxito lo consiguió con The life and death of Jason, en 1867, al que siguió The earthly paradise, a partir de 1868, sobre leyendas clásicas y medievales.
En la década de 1870 viajó a Islandia movido por su amor hacia las tradiciones del norte, e investigó sobre tintes vegetales. También dio conferencias sobre artes decorativas, Las artes menores.
Su intervención en política se inició a finales de la década de 1870, dentro del movimiento socialista.
Morris diseñó tres tipografías: la Golden Type, inspirada en las romanas venecianas de Nicolas Jenson, y dos góticas, Troy Type y Chaucer Type.
Jugendstil
“Estilo joven o de la juventud” , es diferente del Art Nouveau que surgió en Alemania durante la última década del siglo XIX. El término provenía del título de la revista Jugend, la cual, fundada por Georg Hirth en Munich en 1896, desempeñó un papel importante en la popularización del nuevo estilo.La generación de creadores del Jugendstil fue considerada una reacción a la asombrosa industrialización iniciada en Inglaterra, la cual provocó en el mercado una intensa producción en serie que echaba a un lado el trabajo artesanal. En efecto, la máquina sustituía a las creaciones únicas que salían de las manos del artesano.
Influidos por las ideas reformistas de John Ruskin y William Morris, los diseñadores del Jugendstil, como Hermann Obrist, Richard Riemerschmid y August Endell, tenían unos objetivos más idealistas que sus contemporáneos europeos ligados al estilo Art Nouveau. No sólo pretendían reformar el arte sino también recuperar un estilo de vida más sencillo y menos condicionado por los imperativos comerciales. Compartían el optimismo de la juventud y un gran respeto por la naturaleza que trasladaron a toda su obra.
Los diseñadores del Jugendstil se inspiraban en el funcionamiento del mundo natural Las formas orgánicas y los motivos vegetales manieristas empleados por August Endell y Hermann Obrist, Estos detallados estudios ayudaron a comprender mejor la naturaleza, lo que permitió a los diseñadores del Jugendstil dotar a su obra de un gran sentido del dinamismo y de un fuerte desarrollo orgánico.
En Alemania, este nuevo estilo se oponía a la política artística oficial del Imperio promovida desde Berlín, y muchas regiones con la ambición de expresar su sentimiento de autonomía cultural, como Dresde, Munich, Darmstadt, Weimar y Hagen, adoptaron con entusiasmo el Jugendstil.
Entre los artìstas màs destacados de este estilo tenemos:
Richard Riemerschmid, jefe de diseño del taller de Dresde, adoptó un estilo simple y tradicional similar a la obra de los diseñadores del Arts & Crafts británico, como Charles Voysey. El empeño de Riemerschmid por reformar el diseño mediante la estandarización y la adopción de métodos de fabricación racionales.Bruno Paul, también desempeño un papel importante a la hora de promover el Jugendstil. Bruno Paul diseñó audace s caricaturas y gráficos para el diario Simplicissimus, que, como la revista Jugend o Pan, popularizó la nueva estética.
Pankok, siguió la línea de Bernhard, en el cual realizó la Casa Lange en Tubinga y estaba inspirado en el tradicionalismo, como también lo estaban los interiores del Jugendstil, que eran asombrosamente modernos dentro de su simplicidad.
Josef Maria Olbrich, arquitecto austriaco, uno de los principales representantes de la Sezession vienesa y precursor de la arquitectura del movimiento moderno.
Henry van de Velde, arquitecto y diseñador belga consejero artístico de su corte. Recibió el encargo de diseñar o proyectar la Weimar Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes Aplicadas de Weimar) en 1904. El propio Van de Velde dirigió la institución hasta 1914 (también Werkbund Institut) y, durante ese período, diseñó numerosos objetos de plata y cerámicas Jugendstil, que destacaban por su sencillez formal.
La arquitectura y el diseño del Jugendstil, a menudo era estructural y las formas naturales abstractas para crear una extraordinaria combinación de monumentalidad y luminosidad visual.
La tendencia alcanzó su esplendor en 1900, pero poco después fue desbancado por el racionalismo industrial del Deutscher Werkbund, fundado en 1907 por un grupo de promotores, diseñadores, arquitectos y artistas, algunos de los cuales habían pertenecido al Jugendstil. La arquitectura, la pintura y la escultura jugendstil, fue hecha en particular por el trabajo manual altamente calificado, se vieron de pronto invadidas por una delicada ornamentación de líneas y de formas orgánicas de plantas y de flores. Líneas sinuosas y juguetonas que se enredan, suben y bajan, mujeres transformadas en pájaros, formas asimétricas, arabescos que parecen volar por las esquinas de una mesa o por las fachadas de los edificios; todo un mundo de formas exquisitas y bellas, estaba al alcance de una sociedad en pleno auge.
Se aprecian algunos puntos de contacto entre el Jugen y el movimiento Arts & Crafts británico ya que, por ejemplo, ambos apuestan por las formas naturales y los modelos tradicionales para reformar el diseño y, en última instancia, la sociedad. Por otro lado, la adopción por parte del Jugendstil de métodos de producción más industrializados sentó las bases de la evolución del diseño alemán, hacia una vertiente racionalista, impulsada desde el Werkbund y posteriormente desde la Bauhaus. El término “Jugendstil” se aplica también en la Historia del Diseño al Art Nouveau
La Deutscher Werkbund (DWB) 1907Era una asociación mixta de arquitectos, artistas e industriales, fundada en 1907 en Múnich, por Hermann Muthesius. Fue una organización importante en la historia de la Arquitectura moderna, del diseño moderno y precursora de la Bauhaus.
El Werkbund más que un movimiento artístico era una acción auspiciada por el estado para integrar los oficios tradicionales con las técnicas industriales de producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar competitivo con otras potencias tales como Gran Bretaña o los Estados Unidos. Estaban estéticamente vinculados al expresionismo. Su lema era "Vom Sofakissen zum Städtebau" (desde los cojines de los sofás a la construcción de ciudades) indica su amplio abanico de intereses.Buscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componente importante de teoría, como todos los movimientos de principios del siglo XX.
Entre estos, tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento:
Separar la estética de la calidad material, frente a las ideas anteriores que las vinculaban;
Imponer la normalización del formato DIN;
La adopción de la forma abstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento.
Adam Gottlieb Hermann Muthesius (20 de abril de 1861 - 29 de octubre de 1927).
Conocido como Hermann Muthesius, fue un arquitecto, escritor y diplomático alemán, racionalista a ultranza, crítico vehemente del Art Nouveau. Quizá por lo que es más conocido es por promover muchas de las ideas del movimiento británico Arts and Crafts en Alemania. Fue uno de los fundadores del movimiento Deutsche Werkbund, junto con Peter Behrens. Este movimiento fue precursor de lo que sería la Bauhaus.
Peter Behrens (Alemania, 1868-1940).
Arquitecto y diseñador alemán. Nació en Hamburgo y, aunque inició su carrera como grafista, dentro de la corriente Art Nouveau, a partir de 1900 comenzó a practicar también la arquitectura. Behrens evolucionó muy pronto hacia un estilo geométrico y austero, que con el tiempo se impondría como el arquetipo de la arquitectura industrial.
En 1907 comenzó a trabajar como director artístico de la AEG (Allgemaine Elektricitäts-Gesellschaft), empresa para la que diseñó una gran cantidad de productos, algunas fábricas e incluso las viviendas de sus trabajadores. Behrens fue un pionero en la implantación arquitectónica de nuevos materiales y técnicas constructivas. Entre sus obras fundamentales destaca la nave de turbinas para la AEG (1909) en Berlín, construida en hormigón colado, acero visto y grandes cristaleras de vidrio plano, sin ninguna referencia historicista. En la Höchster Farbwerke (1920-1924), cercana a Frankfurt, construida en ladrillo, se acercó a la corriente expresionista, aunque fue menos radical en el uso de los materiales. En su estudio trabajaron tres jóvenes que más tarde se convirtieron en los maestros del movimiento moderno: Walter Gropius, Ludwig Mies Van der Rohe y Le Corbusier.
Mobilier de salle à manger
[Mobiliario de comedor]
Uno de los nietos de la Reina Victoria, Ernst Ludwig, Gran-duque de Hesse, deseó transformar la pequeña ciudad de Darmstadt, en Alemania, en capital regional. En 1898 pide a un reconocido arquitecto vienés, Joseph Maria Olbrich, que reúna una colonia de artistas en un barrio por construir, que se convertirá en el prototipo de una nueva vivienda.
Siete casas fueron inauguradas en 1901; seis construidas por Olbrich, la séptima por Peter Behrens, joven prometedor talento casi desconocido, pintor de formación, de muy reciente fecha convertido a las artes decorativas. Para cada casa, los principios siguen siendo los mismos: amplios ventanales abiertos, intensa luminosidad, predominancia del blanco, ritmo lineal que pasa del mobiliario hasta la
vajilla. Entre dicho mobiliario, se encuentran estos tres prototipos de asientos de comedor, cuyo conjunto totalizaba nueve piezas: Una banqueta, cuatro butacas para las damas, cuatro sillas para los caballeros, fabricados para la casa donde vivía el artista Behrens.
La madera es de álamo lacado, la funda de piel roja. Con pies abocinados y brazos con una agraciada curva, estos asientos con respaldos ampliamente calados, resaltan por su elegante sobriedad .
ART NOUVEAUEs un movimiento, una época, un grupo de tendencias, que se inicia en Francia y Bélgica y luego se extiende por toda Europa e incluso los Estados Unidos. El Art Nouveau planteaba la ruptura definitiva con los viejos estilos para dar lugar a la naturaleza, de donde tomaban diversos elementos o motivos ornamentales. Aunque este conjunto de tendencias se tradujo en agregados formales a objetos resueltos, en muchos casos, funcionalmente, cambió la tradición estilística cultural y puso las bases para transformaciones mucho más profundas.
Art Nouveau, es la variación de Jugendstil y otros estilos, pero que unidos están inspirados en las teorías de William Morris y su orientación liberalista frente a la estética de los “estilos históricos”, todos ellos deberían proponer un repertorio estilístico sin referencias a ninguna época anterior, la exaltación hasta los límites de las técnicas artesanas y la aceptación incondicional de la intervención de la máquina.
El Art Nouveau y sus movimientos análogos introducirían el concepto de la estética en los artistas y artesanos en una dimensión de transformación y lucha, ante sí y ante la estructura social en que aquéllos se hallaban insertos. Los que han considerado al Art Nouveau como una corriente opuesta al racionalismo, cabe señalar ciertas analogías entre ambos movimientos, entre las cuales pueden citarse la promoción del papel desempeñado por los materiales y las máquinas o herramientas de fabricación en la creación formal, o bien su originalidad estilística.
El Art Nouveau fue un estilo histórico surgido en la década de 1880 que se inspiraba en el movimiento Arts & Crafts británico, conocido también como “nuevo arte”.
Entre los exponentes del Art Nouveau:
Victor Horta, el arquitecto belga cuyo Hotel de familia o Casa Tassel (1892-93) fue una de las primeras expresiones de este estilo en arquitectura. Este novedoso proyecto residencial incorporaba el hierro como mecanismo estructural y decorativo, y el uso de columnas como tallos girando en espiral acuñó la expresión “línea Horta”.
Hector Guimard, y especialmente por sus entradas o bocas de hierro fundido del Metro de París (1900). En Francia, también se utilizó el término “Le Style Moderne” para identificar al Art Nouveau, mientras que en Alemania se adoptó la denominación Jugendstil o estilo joven.
Antoni Gaudí, exponente en España con sus diseños y edificios ondulantes fue el precursor del Arte Nuevo, en Barcelona.
Émile Gallé y otros, produjeron notables piezas de mobiliario y cristalería de estilo Art Nouveau. Las líneas sinuosas y la estilización de formas florales, que identificaban de inmediato al Art Nouveau, se inspiraban más en la naturaleza que en los estilos del pasado.
El Art Nouveau puede considerarse el primer estilo moderno verdaderamente internacional. Fue superado estilísticamente a principios del siglo XX por la estética de la máquina y la preferencia de las vanguardias por las formas geométricas simples, más adecuadas a la producción industrial.
Características generales del Art Nouveau:
Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.
Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.
Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión...
Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial
Josef Hoffmann (1870-1956)
Arquitecto y diseñador nacido en Pirnitz, Austria. Sus primeros estudios relacionados con el arte decorativo los realiza en la hoy República Checa. Posteriormente, en Austria estudia 3 años y se integra a la asociación de diseñadores académicos en Viena, donde fue profesor durante 37 años.Aun en formación, Hoffmann recorre Europa y continua la evolución de su estilo en Inglaterra. Alterna con profesionales destacados del movimiento modernizador británico y recibe buena influencia del escocés Charles Rennie Mackintosh.En 1903, junto a otros especialistas, Josef Hoffmann funda en Viena, una empresa dedicada al desarrollo del diseño decorativo y artes relacionadas, donde logra situar el arte fino y las aplicaciones que lo conforman, a un nivel de importancia similar, destacando la individualidad no sólo del diseñador sino que también del artista que lleva a cabo la obra.Durante los años siguientes, Hoffmann, logra ser un arquitecto renombrado y diseña un gran número de edificios en Europa. Al mismo tiempo se dedica a diseñar muebles y artículos para decoración de interiores.
ART NOUVEAU 1880Es un movimiento, una época, un grupo de tendencias, que se inicia en Francia y Bélgica y luego se extiende por toda Europa e incluso los Estados Unidos. El Art Nouveau planteaba la ruptura definitiva con los viejos estilos para dar lugar a la naturaleza, de donde tomaban diversos elementos o motivos ornamentales. Aunque este conjunto de tendencias se tradujo en agregados formales a objetos resueltos, en muchos casos, funcionalmente, cambió la tradición estilística cultural y puso las bases para transformaciones mucho más profundas.
Art Nouveau, es la variación de Jugendstil y otros estilos, pero que unidos están inspirados en las teorías de William Morris y su orientación liberalista frente a la estética de los “estilos históricos”, todos ellos deberían proponer un repertorio estilístico sin referencias a ninguna época anterior, la exaltación hasta los límites de las técnicas artesanas y la aceptación incondicional de la intervención de la máquina.
El Art Nouveau y sus movimientos análogos introducirían el concepto de la estética en los artistas y artesanos en una dimensión de transformación y lucha, ante sí y ante la estructura social en que aquéllos se hallaban insertos.
El Art Nouveau fue un estilo histórico surgido en la década de 1880 que se inspiraba en el movimiento Arts & Crafts británico, conocido también como “nuevo arte”.
El Art Nouveau puede considerarse el primer estilo moderno verdaderamente internacional. Fue superado estilísticamente a principios del siglo XX por la estética de la máquina y la preferencia de las vanguardias por las formas geométricas simples, más adecuadas a la producción industrial.
Corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Según los distintos países, recibió diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y Francia), Modern Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania y países nórdicos), Liberty o Floreale (en Italia), y Modernismo (en España). Si bien existe cierta relación que los hace reconocibles como parte de la misma corriente, en cada país su desarrollo se expresó con características distintivas.Fue una ruptura con los estilos dominantes en la época, se incorporan novedades derivadas de la revolución industrial, uno de sus objetivos era que los objetos más cotidianos tengan valor estético y sean asequibles a toda la población.
Está inspirado en Arts and Crafts británico de William Morris. Se destaca por tener Formas naturales abstractas y curvilíneas.
Se utilizaba el Hierro como base estructural y decorativo, se inspiraba en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural líneas sinuosas y alargamiento de formas florales basada en la investigación científica sobre el mundo natural (Charles Darwin, tratado de las especies, 1859)
Algunas muestras del movimiento las encontramos en sitios como la entrada del metro en Paris.
Representantes son Antoni Gaudi, Charles Rennie Mackintosh.
Finaliza a comienzos de siglo con la preferencia estética de las maquinas y por las vanguardias de formas geométricas simples, más adecuadas a una Producción industrial.
Sezession 1897
El nombre Sezession (o secesión) apunta a un grupo de artistas que se apartan de los grupos soportados oficialmente por un Estado o sus administradores. La primera secesión de la política oficial ocurrió en Francia, cuando en 1890 el “Salon au Champs-de-Mars” fue establecido, liderado por Jean Louis Ernest Meissonier y Puvis de Chavannes.
En los años que siguieron, artistas de varios países europeos tomaron el mismo impulso, primariamente en Alemania, Austria y Hungría, quienes se separaron de los movimientos del arte tradicional y abrazaron estilos progresistas.
La primera secesión fuera de Francia ocurrió en Múnich en 1892, seguida prontamente por la secesión de Berlín el mismo año. El movimiento secesionista más conocido fue el de Viena, formada en 1897 y que incluía a Gustav Klimt, Egon Schiele, Oskar Kokoschka y Koloman Moser. Klimt favorecía la decoración estilo Art Nouveau por sobre los estilos prevalecientes de su tiempo. De entre estos movimientos secesionistas pueden verse en el de Viena las bases que luego darían cierto sustento estílico al Art decó.
En esta época, Austria sufre de problemas en todos los sectores: social, económico, religioso, político, monárquico... que contrastan con un ambiente idealista. Es el periodo más brillante para Austria, siendo su capital, Viena la cuna del psicoanálisis.
Los portavoces de este movimiento son: Gustav Klimt, Koloman Moser, Ferdinand Andri y Joseph Maria Olbrich (arquitecto) entre otros.
Aunque la sezessión es incluible en el modernismo, típico de fines del período histórico y cultural conocido como la Belle Époque, corresponde señalar que presenta importantes diferencias con el coetáneo Art Nouveau y con otros estilos semejantes al Art Nouveau (el Liberty o floreale italiano o el modernismo español por ejemplos); en la secesión, aunque se busca la elegancia, predomina la sobriedad formal, e incluso cierta severidad, en los casos en que se transgrede la sobriedad sale a la luz el expresionismo, en muchos aspectos por su rupturismo la secesión ya es incluible dentro del vanguardismo.
El vanguardismo 1900…Se manifiesta a través de varios movimientos de vanguardia, los mismos, que desde planteamientos divergentes abordan la renovación del arte, desplegando recursos que quiebren o distorsionen los sistemas más aceptados de representación o expresión artística, en teatro, pintura, literatura, cine, música, etc. Estos movimientos artísticos renovadores, en general dogmáticos, se produjeron en Europa en las primeras
décadas del siglo XX, desde donde se extendieron al resto de los continentes, principalmente América.
Surgen diferentes ismos (futurismo, dadaísmo, cubismo, orfismo, constructivismo, ultraísmo, surrealismo, etc.), diversas corrientes vanguardistas con diferentes fundamentos estéticos, aunque con denominadores comunes:La lucha contra las tradiciones, procurando la novedad y la libertad.Audacia y libertad de la forma.El carácter experimental y la rapidez con que se suceden las propuestas unas tras otras.
Dadaísmo
Fue una oposición al pasado violento de la Guerra Mundial. El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil encontrarle lógica. Se distingue por la inclinación hacia lo incierto, a lo terrorífico, al nihilismo y a lo fantasioso. Busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables y tiene una tónica general de rebeldía o destrucción.
Expresionismo Entre los principios de esta corriente artística se señalan: la reconstrucción de la realidad, la relación de la expresión literaria con las artes plásticas y la música y la expresión de la angustia del mundo y de la vida a través de novelas y dramas donde se habla de las limitantes sociales impuestas a la libertad del hombre. Pretende expresar "fibias" y "fobias" del ser humano. Por lo tanto, no requiere de una buena técnica, ni de un resultado estéticamente bello.
Fauvismo Fue un movimiento de origen francés que se desarrolló entre 1904 y 1908 aproximadamente. El importante Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo cuyo objetivo era lingüísticamente la síntesis forma-color.
No se buscaba la representación de los objetos inmersos en la luz solar, sino la de las imágenes más libres que resultaban de la superposición de colores equivalentes a dicha luz., En efecto, los fauvistas consideraban que mediante el color se podían expresar sentimientos.
Cubismo Nació en Francia en 1905. Sus principales rasgos son la asociación de elementos imposibles de concretar, desdoblamiento del autor, disposición gráfica de las palabras, sustitución de lo sentimental por el humor y la alegría y el retrato de la realidad a través de figuras geométricas.
Los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.
Dentro de las técnicas usadas se encuentra el collage, y principalmente la descomposición de las imágenes en figuras geométricas para representar el objeto en su totalidad, incluidos todos sus planos, en la obra. Tuvo dos etapas, un cubismo analítico, que buscaba la descomposición total del objeto, y un cubismo sintético, en el cual se descarta la perspectiva para representar todos los planos del objeto en la misma obra.
Su tipo de poesía más popular fue el caligrama cuyo principal exponente fue Guillaume Apollinaire.
Uno de sus fundadores y protagonistas fue el español Pablo Picasso.
Futurismo
Forme uniche della continuità nello spazio de Umberto Boccioni, obra de 1913
Aunque tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1914, su influencia se aprecia en las obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el constructivismo ruso. Los textos futuristas trajeron un nuevo mito: la máquina.
Este movimiento rompía con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales de la poesía el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada.
Según su manifiesto, sus postulados eran la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica. Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento.
Dadaísmo El dadaísmo fue un movimiento artístico surgido en Europa y en Norteamérica. Apareció en Zúrich, Suiza entre 1916 y 1922 con Tristan Tzara como su fundador. Dentro de sus motivaciones estuvo reaccionar de manera artística a la violencia extrema a la pérdida de sentido que trajo la Guerra Mundial. El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil encontrarle lógica. Se distingue por la inclinación hacia lo incierto, al nihilismo y a lo absurdo.
Por su parte, el procedimiento dadaísta busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales, o manejando planos de pensamientos antes no mezclables y tiene una tónica general de rebeldía o destrucción. También se le suma el poeta-pintor de apellido Klerman que fue uno de los impulsores del antiarte denominado «dadaísmo».
El dadá aparece simultáneamente en Nueva York con Picabia y Duchamp. Se extiende a Berlín y París.
Ultraísmo Apareció en España entre 1919 y 1922 como reacción al modernismo. Fue uno de los movimientos que más se proyectó en el mundo de habla hispana contribuyendo al uso del verso libre, la proscripción de la anécdota y el desarrollo de la metáfora, que se convierte en el principal centro expresivo.
Fue influido por poetas como Vicente Huidobro y Guillaume Apollinaire.
Surrealismo Surgió en Francia con André Bretón, quien siguiendo a Sigmund Freud se interesó por descubrir los mecanismos del inconsciente y sobrepasar lo real por medio de lo imaginario y lo irracional.
Se caracteriza por pretender crear un hombre nuevo, recurrir a la crueldad y el humor negro con el fin de destruir todo matiz sentimentaloide y a pesar de ser constructivo, los aspectos de la conducta moral humana y las manifestaciones no son de su interés.
Consiste en la captación de la coincidencia-realidad surgida en un personaje, cuando vive un hecho que le provoca recuerdos recónditos.
Estridentismo
Surgió en México y nace de la mezcla de varios ismos, como aporte nacido a la vanguardia europea. Se dio entre 1922 y 1927 y se caracterizó por la modernidad, el cosmopolitismo y lo urbano, así como por el inconformismo, el humor negro, el esnobismo, lo irreverente y el rechazo a todo lo antiguo. Su representante fue Manuel Maples Arce.
Existencialismo El existencialismo es un movimiento filosófico que postula fundamentalmente que son los seres humanos, en forma individual, los que crean el significado y la esencia de sus vidas. Emergió como un movimiento en la literatura y filosofía del Siglo XX, heredera de los argumentos de filósofos como Kierkegaard, Nietzsche y Unamuno.
Este movimiento generalmente describe la ausencia de una fuerza trascendental; esto significa que el individuo es libre y, por ende, totalmente responsable de sus hechos, sin la presencia de una fuerza superior que pudiera determinarle en su actuar. Esto le atribuye a los humanos el crear una ética de responsabilidad individual, apartada de cualquier sistema de creencias externo a él. Esta articulación personal del ser es el único camino existente para superar, generalmente, a las religiones, que tratan del sufrimiento, la muerte y el fin del individuo.
EL CONSTRUCTIVISMO Y LA ESCUELA RUSA 1914Movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre, fue una influencia importante para el arte Europeo.
Es fundado por el escultor y pintor ruso Vladímir Tatlin: pintor y escultor ruso en el cual fueron sus primeras obras las más representativas de este movimiento. Aunque comenzó cultivando un estilo figurativo, sus trabajos posteriores son abstractos. Se inspiró en las construcciones tridimensionales de madera, papel, y otros materiales de Picasso.
Vladímir Tatlin
En Rusia empezó a experimentar en la escultura con relieves abstractos, utilizando materiales industriales como vidrio, metal, alambre y madera. Este tipo de trabajos, realizados entre 1913 y 1917, abrieron el camino a la aparición del constructivismo.
El nombre hace referencia a la construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran variedad de materiales industriales, como metal, alambre y trozos de plástico.
En 1920 ya se le habían sumado los artistas Alexandr Rodchenko, El Lissitzky, Naum Gabo y Antón Pevsner, entre otros.
Alexander Rodchenko
El Lissitzky
Naum Gabo
El Constructivismo, es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte "puro" del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista. El término Construction Art (construcción artística) fue utilizado por primera vez en forma despectiva por Kasimir Malevich para describir el trabajo de Alexander Rodchenko.
Este Constructivismo Ruso, es el nacimiento de un arte moderno dentro de una sociedad destruida por una Revolución y más que eso una Guerra Mundial, en donde a pesar de todo estos factores hubo un florecimiento del arte creativo, todo esto siendo al mismo tiempo que caía el régimen zarista y se precipitaba la guerra civil, daba inicio el proceso que, tiempo después, consolidaría la Revolución en la Unión Soviética.
El arte Ruso ejerció una influencia internacional en el diseño gráfico y la tipografía del siglo XX. Tenía suficientes rasgos comunes con el cubismo y el futurismo para acuñar el término cubofuturismo.
La experimentación en la tipografía y el diseño caracterizaron los libros y los periódicos de los artistas futuristas, presentando trabajos por medio de la comunidad artística, visual y literaria. Simbólicamente, los
libros futuristas rusos fueron una reacción contra los valores de la Rusia zarista. La utilización de papel rústico de métodos de producción artesanal y de agregados hechos a mano expresaba la pobreza de la sociedad campesina.
El movimiento fue acelerado por la Revolución, pues se concedió al arte un rol social que raramente se asignaba. Los artistas revolucionarios se habían opuesto al viejo orden y al arte visual conservador. En el año 1917 pusieron sus energías en la propaganda masiva para poder apoyar a los bolcheviques. Pero para el año 1920, surgió una división ideológica concerniente a la función del artista dentro del nuevo Estado Comunista.
Para Tatlin y Rodchenko, las percepciones de las formas dentro del espacio y el tiempo, es el único objetivo de nuestro arte plástico y gráfico. Estos dos artes más 25 artistas propusieron un punto de vista contrario, cuando renunciaron "al arte por el arte" para consagrarse al diseño industrial, la comunicación visual y las artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista.
Estos constructivistas hicieron un llamado a los artistas para que dejaran de producir cosas inútiles y se volviera hacia el cartel, porque tal trabajo pertenece ahora al deber del artista. Tatlin cambió de la escultura al diseño de una estufa que daría el máximo de calor como un mínimo de combustible; Rodchenko abandonó la pintura por el diseño gráfico y el periodismo fotográfico.
Aunque el constructivismo persistió como una influencia en los gráficos soviéticos y el diseño industrial, pintores como Malevich, que no abandonó el país, fueron arrastrados a la pobreza y la obscuridad. Algunos artistas desaparecieron en el Gulag (Administración Suprema de Campos Correctivos de Trabajo, en otras palabras es el Departamento Oficial de la Policía Secreta de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas).
Las innovaciones de este florecimiento artístico encontraron su desarrollo ulterior en Occidente. Sin embargo, la naturaleza del espíritu creativo, que a pesar de la estricta desaprobación oficial, el diseño gráfico innovador de la tradición constructivista continuó apareciendo de vez en cuando.
Stijl 1917
Este movimiento se dio en Holanda en 1917. Se crea a partir de una revista "De stijl" que se convirtió en un foro de debate sobre el diseño. Permitió crear el grupo de intelectuales.
Buscaba las leyes universales que gobiernan la realidad visible pero que se encuentran escondidas por las apariencias externas de las cosas. Era una importante “Abstracción absoluta”, la pureza en el arte y diseño por medio de la adopción de un lenguaje cubista universal abstracto.
De todos sus miembros, Van der Leck ya creaba diseños gráficos con franjas negras sencillas, organizando el espacio y utilizando imágenes de formas planas. Las pinturas de Mondrian constituyen la fuente a partir de la cual se desarrollaron la filosofía y las formas visuales de De Stijl.
Piet Mondrian (Amersfoort, 1872 - 1944) fue un pintor vanguardista holandés; miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo junto con Theo van Doesburg.
Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Vasili Kandinski y Kazimir Malévich.
La llegada del holandés Theo van Doesburg en 1921 a Weimar para enseñar diseño y arquitectura De Stijl, rompería fuertemente con esta tendencia expresionista y enfocaría de lleno la enseñanza de la Bauhaus hacia el Racionalismo. Significaría también la desvinculación de Johannes Itten en 1923.
Es principalmente conocido por sus pinturas no figurativas a las que llamó composiciones, consistiendo formas rectangulares en rojo, amarillo, azul o negro, separadas por gruesas líneas rectas. Las mismas son el resultado de una evolución estilística que ocurrió en el curso de casi 30 años y continuó más allá de ese punto hasta el final de su vida.
Theo van Doesburg. (Utrecht 1883 - 1931) Pintor, teórico y arquitecto neerlandés.En 1908 realizó su primera exposición de pintura en La Haya, encuadrando su arte en el naturalismo hasta 1916, cuando, al mismo tiempo que inicia su etapa de abstracción, publica los primeros números de la revista De Stijl, portavoz del movimiento neoplasticista.
En el período en que fuera profesor en la Bauhaus de Weimar (1921-23), se ve influenciado por la estética de su amigo y compatriota Piet Mondrian, pero en 1926, tras la ruptura con éste, escribió un manifiesto en el que explicaba el arte elementarista
BAUHAUS 1919
Walter Gropius, arquitecto y profesor alemán, fundador de la Bauhaus, la escuela de arte que capitalizó la investigación sobre arquitectura y artes aplicadas durante la primera mitad del siglo XX.Básicamente fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933.
Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador.
La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau.
En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von Eckardt).
Dada su importancia Las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1996.
Ejerció enorme influencia en la arquitectura contemporánea, las artes gráficas e industriales y el diseño de escenografías y vestuario teatrales.
Pretendía combinar la Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios. La Bauhaus, basada en los principios del escritor y artesano inglés del siglo XIX William Morris y en el movimiento Arts & Crafts, sostenía que el arte debía responder a las necesidades de la sociedad y que no debía hacerse distinción entre las bellas artes y la artesanía utilitaria.
El expresionismo, heredero del Romanticismo era el movimiento artístico que poseía mayor fuerza en Alemania, la recientemente terminada Primera Guerra Mundial y la polarización de diversos pensamientos políticos influían en esta tendencia. Bauhaus en su primera etapa también estuvo muy influenciada por este estilo.
También defendía principios más vanguardistas como que la arquitectura y el arte debían responder a las necesidades e influencias del mundo industrial moderno y que un buen diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Por lo tanto, además de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, tipografía y diseño industrial y comercial.
El estilo de la Bauhaus se caracterizó por la ausencia de ornamentación en los diseños, incluso en las fachadas, así como por la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de elaboración.
Marcel Breuer, arquitecto y diseñador húngaro, uno de los principales maestros del movimiento moderno. Breuer se hizo cargo más tarde del taller de muebles de la Bauhaus, y allí diseñó la primera silla de tubo de acero de la historia, que combinaba las condiciones flexibles de este material con su facilidad para la producción industrial a gran escala.
En 1925 se dedicó a la construcción de una serie de sobrios edificios rectangulares de hormigón y cristal en Dessau, especialmente diseñados para ello por Gropius. El estilo de este movimiento se tornó aún más funcional e hizo mayor hincapié en la expresión de la belleza y conveniencia de los materiales básicos sin ningún tipo de adorno. Otros arquitectos y artistas sobresalientes que componían el cuerpo de profesores de la Bauhaus fueron el pintor suizo Paul Klee, el pintor ruso Wassily Kandinsky, el pintor y diseñador húngaro László Moholy-Nagy (que fundó el Instituto de Diseño de Chicago siguiendo los mismo principios de la Bauhaus), el pintor estadounidense Lyonel Feininger y el pintor alemán Oskar Schlemmer.
En 1930 la dirección fue asumida por el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe, que trasladó la Bauhaus a Berlín en 1932. Cuando los nazis en 1933 cerraron la escuela, sus ideas y sus obras eran ya conocidas en todo el mundo. Muchos de sus miembros emigraron a Estados Unidos, donde las enseñanzas de la Bauhaus llegaron a dominar el arte y la arquitectura durante décadas, contribuyendo enormemente al desarrollo del estilo arquitectónico conocido como International Style.
Mies van der Rohe, arquitecto alemán nacionalizado estadounidense, uno de los maestros más importantes de la arquitectura moderna y con toda probabilidad el máximo exponente del siglo XX en la construcción de acero y vidrio. Su arquitectura, se caracteriza por una sencillez esencialista y por la sinceridad expresiva de sus elementos estructurales. Aunque no fue el único que intervino en estos movimientos, su racionalismo y su posterior funcionalismo se han convertido en modelos para el resto de los profesionales del siglo. Según palabras de él "menos es más". Su obra se destaca por la composición rígidamente geométrica y la ausencia total de elementos ornamentales. Mies dirigió la Escuela de Arte y Diseño de la Bauhaus, uno de los focos principales para la evolución del movimiento moderno, entre 1930 y 1933, fecha en que fue clausurada por el partido nazi.Las ideas originales de la Bauhaus puede encontrarse en el hecho de que, debido al deseo de privacidad de la gente, el concepto de transparencia se elimina con la gran cantidad de edificios que se construyen totalmente cubiertos por espejos. No obstante, la arquitectura actual sigue utilizando muchas ideas originadas en la Bauhaus: existen diversas estructuras de metal aparentes de manera expresiva. En ellas, la transparencia se logra no sólo por medio del cristal, sino también a través de otros materiales como celosías de madera o de metal. Además, dicha transparencia está considerada como hi-tech, ya que emplea la tecnología al máximo.
Todavía hoy la Bauhaus es sinónimo de una modernización radical del arte. No hubo ningún momento de la vida en que no reformar y remodelar pues entre sus temas se incluyen no sólo la arquitectura y la pintura, sino también la danza, el teatro, la fotografía y el diseño.
Por la amplitud de sus aspiraciones, la Bauhaus estaba estrechamente relacionada con el movimiento inglés Arts and Crafts y con la Deutscher Werkbund. Todavía hoy muchos de sus productos forman parte de los clásicos del diseño y resultan convincentes por su modernidad radical, como el sillón de tubo de acero de Marcel Breuer o la lámpara de mesa de la Bauhaus.
Mientras desde el punto de vista de los contenidos la Bauhaus fue una fuerza artística de primer orden, no pudo escapar de las fuerzas alemanas y europeas, y cada vez sufría mayores presiones políticas. Po r lo que La Bauhaus de Weimar
hubo de cerrar sus puertas en 1925 y se trasladó a Dessau y asi a muchos otros países buscando una relativa tranquilidad o estabilidad de expresión tanto artística como política, pero llegaron en un momento en que no se debía ni hablar, ni hacer nada en contra de la política, por lo que pudo haber afectado a la escuela y la pedagogía de la Bauhaus.
En 1937 László Moholy-Nagy se convirtió en el director de la New Bauhaus de Chicago, de corta vida. Al cabo de un año, se celebró una retrospectiva de diseño de la Bauhaus en el Museum of Modern Art de Nueva York, lo que aumentó su reputación como la institución de diseño más importante del siglo XX.
International Style o Movimiento moderno Es una corriente arquitectónica aparecida en las primeras décadas del siglo XX, que marca una ruptura radical con las formas compositivas tradicionales. El movimiento moderno aprovechó las posibilidades de los nuevos materiales industriales, especialmente el hormigón armado, el acero laminado y el vidrio plano en grandes dimensiones. Se caracteriza por sus plantas y secciones ortogonales, a menudo asimétricas, la ausencia de decoración en las fachadas y los grandes ventanales horizontales divididos por perfiles de acero. Los interiores tienden, por lo general, a ser luminosos y diáfanos.
Aunque los orígenes de este movimiento pueden buscarse ya a finales del siglo XIX, sus mejores ejemplos se construyeron a partir de la década de 1920, de la mano de arquitectos como Walter Gropius, Mies van der Rohe y Le Corbusier. También se denomina con el nombre de racionalismo (especialmente en Europa meridional), mientras que el funcionalismo se aplicó a la arquitectura preocupada por el diseño de edificios con criterios estrictamente funcionales, prácticos más que estéticos. Pese a que tras la II Guerra Mundial hubo aún importantes construcciones dentro de este estilo, las últimas décadas del siglo XX han estado dominadas por otros movimientos críticos, herederos en cualquier caso del movimiento moderno.
Durante los últimos años del siglo XIX y primeros del XX varios movimientos arquitectónicos empezaron a cuestionar los estilos eclécticos e historicistas que por entonces dominaban las escuelas occidentales de Bellas Artes. De entre ellos, uno de los más importantes fue el movimiento Arts & Crafts, precursor del racionalismo por sus formas arquitectónicas simples, escasa decoración y preocupación por el papel social de la arquitectura.
Pese a estos criterios de modernidad, los arquitectos del Arts & Crafts, se manifestaron contra los progresos industriales reivindicando los oficios artísticos propios de la sociedad preindustrial. Esta preocupación contrasta enormemente con el decidido apoyo a la tecnología proclamado por otros arquitectos de la época, en especial por algunos seguidores del Art Nouveau, como el belga Víctor Horta.
El camino hacia el empleo arquitectónico de los nuevos materiales industriales en detrimento de los tradicionales, lo abrieron a comienzos del siglo XX figuras como los hermanos Auguste Perret en Francia, con sus experimentaciones con hormigón armado, y Louis Sullivan como integrante de la Escuela de Chicago. Sullivan levantó una serie de rascacielos con estructura reticular de acero y hierro colado, como los excepcionales almacenes Carson, Pirie & Scott (1899-1904). El discípulo predilecto de Sullivan fue Frank Lloyd Wright, que exploró nuevas vías de innovación formal con sus Prairie Houses (casas de la pradera) levantadas en los alrededores de Chicago. Aunque inspiradas en el movimiento Arts & Crafts, las unifamiliares prairie houses, con sus proporciones horizontales, presentan ya una apariencia notablemente moderna. Más radical fue la postura adoptada por Adolf Loos, arquitecto vienés que visitó Chicago a comienzos de la década de 1890. A su regreso a Austria realizó un inflexible ataque contra la ornamentación arquitectónica, en especial contra los excesos decorativos del Art Nouveau, y proyectó varios edificios extremadamente austeros, como la simétrica casa Steiner en Viena (1910).
Casa Steiner 1910 Architect: Adolf Loos Sankt-Veit-Gasse 10 Vienna Austria
1914-1932 La devastación provocada por la II Guerra Mundial trajo consigo, en el caso de Bélgica, la necesidad de reemplazar los edificios destruidos por otros alojamientos de bajo coste. Esta circunstancia propició la invención del sistema ‘dominó’, diseñado por el joven arquitecto suizo Charles Édouard Jeanneret que, con el nombre de Le Corbusier, se convirtió en el arquitecto más famoso del siglo XX. Discípulo de los hermanos Perret, Jeanneret propuso crear edificios con estructura de hormigón armado y tres cuerpos horizontales, apoyando los dos cuerpos superiores sobre pilares de planta cuadrada. Estos apoyos sostenían las vigas en voladizo, permitiendo que los forjados se proyectaran más allá de la línea de los pilares. Dada la resistencia de este sistema constructivo, el muro exterior quedaba liberado de la función de soporte, permitiendo por tanto aligerar su carga y abrir los vanos que se consideraran necesarios.
Aunque el sistema “Dominó” anticipara posteriores logros, nunca se llevó a la práctica. Además, durante cierto tiempo los intereses de Le Corbusier oscilaron entre la arquitectura y la pintura, tras su traslado a París en 1917. Fundó el movimiento denominado purismo, creando bodegones en los que combinaba el carácter científico del cubismo con un sentido clásico de la armonía. El desafío para los arquitectos modernos radicaba, según él, en construir edificios de acuerdo con los nuevos modelos tecnológicos.En el año 1921 estuvo marcado en Holanda por otro importante acontecimiento: la construcción de la casa Schröder en Utrecht, obra del arquitecto Gerrit Rietveld. Al igual que Le Corbusier, Rietveld se asoció a los movimientos artísticos de vanguardia. Fue miembro del neoplasticismo difundido por De Stijl, fundado en Leiden el año 1917, integrado por el arquitecto J. J. P. Oud y los pintores Piet Mondrian y Theo van Doesburg. La independencia de las formas, rectangulares y de colores primarios, es evidente en la casa Schröder. El edificio se caracteriza además por la perfecta integración entre arquitectura y detalles ornamentales, incluyendo el mobiliario.
La influencia de De Stijl se extendió más allá de Holanda, infiltrándose con fuerza a comienzos de la década de 1920 en la Bauhaus de Weimar en Alemania.
Un hito importante de este proceso fue la exposición de arquitectura celebrada en 1932 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Aunque dominada por los principales arquitectos europeos, la muestra atrajo también a destacados arquitectos japoneses y estadounidenses. Los japoneses contaron con la presencia de Mamoru Yamada, mientras que entre los estadounidenses estaban George Howe, William Lescaze, Richard Neutra y, sobre todo Frank Lloyd Wright, quien, pese a mantenerse a distancia de la estética industrial del movimiento moderno, ejerció y recibió influencias del neoplasticismo holandés y asumió la sintaxis racionalista como nuevo lenguaje arquitectónico internacional. En la exposición de Nueva York también se dieron a conocer algunos excepcionales arquitectos escandinavos, especialmente el sueco Erick Gunnar Asplund y el finés Alvar Aalto. Mientras el régimen nazi buscó para la reconstrucción de las ciudades alemanas un estilo clásico y monumental, el movimiento moderno se inclinó hacia una forma diferente de planificación urbanística. Durante el periodo de entreguerras, Le Corbusier llevó a cabo una serie de anteproyectos para la ciudad moderna ideal, dividida en diversas zonas dedicadas a diferentes actividades sociales. Según esta ordenación, las personas vivirían en rascacielos residenciales separados entre sí por extensas zonas verdes. Aunque Le Corbusier nunca pudo ver realizadas por completo sus ideas urbanísticas, su influencia fue enorme tanto en proyectos de posguerra, como la construcción de la ciudad de Brasilia (inaugurada en 1960), como en los años precedentes a la II Guerra Mundial, en que se construyeron las villas de Highpoint I en Highgate (Londres, Inglaterra) del arquitecto Berthold Lubetkin.
Le Corbusier evolucionó hacia una arquitectura intensamente emotiva denominada brutalismo, que significa hormigón visto, con la que se incluye en la corriente crítica del movimiento moderno y se aleja definitivamente del International Style popularizado en Estados Unidos.
Le Corbusier (Charles Edouard Jeanneret), 1887-1965.
Arquitecto y diseñador nacido en La Chaux-de-Fonds, Suiza. Le Corbusier se estableció en Francia y alrededor del 1920, junto a su hermano y a la diseñadora Charlotte Perriand, ponen en práctica sus conceptos modernistas y rediseñan muebles estilo antiguo utilizando métodos y materiales industriales que influyeron de forma importante en el futuro de esta especialidad, cosa que aun se manifiesta en el siglo XXI.La creación que simbólicamente dio a Le Corbusier una gran popularidad entre los jóvenes vanguardistas, fue el diván/butaca Chaise Longe, fabricado de bastidor metálico, basado en modelos austríacos anteriores.
Los últimos trabajos de Le Corbusier tuvieron una gran influencia en arquitectos como James Stirling y Alison y Peter Smithson, que desarrollaron el nuevo brutalismo en Gran Bretaña; así como en el japonés Kenzo Tange. Al mismo tiempo Philip Johnson aplicó el International Style a su propia casa (1951), un contenedor de acero y cristal conocido como la Glass House y situado en New Canaan (Connecticut).
La influencia de Mies van der Rohe también es evidente en los grandes bloques de oficinas construidos en Estados Unidos y Europa durante las décadas de 1950 y 1960. Ejemplos destacados fueron los realizados por Skidmore Owings & Merril, así como también la obra del propio Mies en el edificio Seagram de Nueva York, un majestuoso rascacielos de vidrio oscuro levantado en 1957.
Durante la década de 1960 una joven generación de arquitectos, entre los que destacaron los Five Architects (Peter Eisenman, John Hejduk, Michael Graves, Charles Guathmey y Richard Meier) de Nueva York, proyectaron edificios cúbicos inspirados en la arquitectura racionalista.
EL DISEÑO EN LOS ESTADOS UNIDOSLos orígenes del diseño en Estados Unidos se remontan según ellos mismos, desde la mitad del S. XVIII, cuando los Shaker (comunidad religiosa de origen ingles y francés) comenzaron a elaborar artesanalmente y medios reducidos, objetos de uso para cubrir sus propias necesidades. La sencillez y funcionalidad de sus muebles y utensilios se basaba en unos principios éticos “espirituales”.
El nexo entre la forma del utensilio y la forma de vida continuaba intacto, al contrario de lo que sucedía con el funcionalismo acuñado por la Bauhaus que degenero rapidamente en un estilo de vida artificial.
En la segunda mitad del S XIX, se experimento en los Estados Unidos una fase muy productiva gracias a la inventiva de los ingenieros que fue calificada por Sigfried Giedion de “movimiento de muebles patentados”. De este modo los asientos se pudieron adaptar a todas las posiciones del cuerpo, es decir con ello se sentaron las bases de las investigaciones de tipo ergonómico. Elementos como sillas, camas, armarios transformables, fácilmente transportables que ocuparan poco espacio, fundan una tradición de producción funcional y democrática en Estados unidos. Que solo se disolvió a principios del S XX a causa de la creciente diferenciación de la sociedad en sistema de clases.
La producción en masa en el S XX se llevo a gran escala en Norteamérica gracias a la automatización y mecanización. Al contrario de la tendencia progresista europea de considerar a la generación y diseño de productos bajo aspectos funcionales primarios, en este país se descubre, en una época temprana, el aspecto de venta promocionada por un diseño servicial.
HENRY FORD EL FORDISMO
En Estados Unidos Henry Ford impuso la racionalización en los procesos con la fabricación del carro Ford T, modelo único por años, que fue punta de lanza de la tendencia bautizada como “fordismo”, caracterizada por la durabilidad y la eficiencia del producto.
Ford tuvo mucho éxito debido a la producción en serie de sus vehículos cuya forma no variaba, su política empresarial era la normalización y racionalización.
Para competir con Ford, General Motors adopto una nueva estrategia, aumentar el precio de sus vehículos y diferenciar las características formales de los nuevos modelos dando origen al styling.Años más tarde, surge el estilismo o formalismo (styling), el cual desarrolla un concepto de visión capitalista propio del sistema del “American way of life”, al crear productos atractivos superficialmente.
El principal exponente de esta tendencia fue la General Motors, cuyo presidente, Alfred Sloam, optó por oponerse a la filosofía fordista que pregonaba “pequeñas ganancias, grandes ventas”, aumentando los precios de los vehículos a medida que iba apareciendo un nuevo modelo cada año, con lo que se estimulaba el apetito del consumidor por medio de la imposición de modas promovidas por la publicidad. Cabe destacar que esta es la tendencia que aún predomina en la actualidad en el sector automotriz.
El éxito de General Motors fue que trabajó en la forma exterior del producto logrando atraer al comprador gracias al atractivo de la apariencia formal, dando como resultado que a mediados de los años treinta gran parte del mercado estadounidense ahora le perteneciera a General Motors.
Streamline Paralelo al Art Deco europeo, se desarrollo en los años 30 la Streamline Decade, la era de los productos de formas aerodinámicas, desde las carrocerías de los automóviles, los aparatos de radio, electrodomésticos y muebles de oficina, hasta el interiorismo en toda su extensión.
Las líneas aerodinámicas nacidas en la naturaleza (la gota como forma ideal), se convirtieron en símbolo de modernidad y progreso y de un futuro mejor. Los diseñadores creyeron que su tarea era hacer los productos irresistibles, es decir, intentaron proyectar los deseos y esperanzas subliminales del usuario en los objetos para estimular su compra. Independientemente de las soluciones de tipo técnico, los diseñadores se dedicaron en exclusiva al diseño del volumen exterior.
Raymond Loewy, francés emigra a Norteamérica en 1919, desempeño un papel determinante en este campo. Consiguió en poco tiempo hacer del diseño un medio de promoción de venta. Su ascenso vertiginoso comenzó con un rediseño de una multicopista de la empresa Geststner. ”LO FEO SE VENDE MAL”, se convirtió en la idea principal de una generación de diseñadores, y no solo del ámbito estadounidense.
El establecimiento del diseño como medida de Styling, por tanto de variación superficial y formal de un producto, proviene de esta ideología. La obra global de Reymond Loewy documenta de forma ejemplar como una disciplina puede someterse completamente al servicio de intereses empresariales.
Norman Bel Geddes, Henry Dreyfuss y Walter Dorwin Teague, fueron los principales representantes de la Streamline Decade.
Cimentaron su éxito profesional durante décadas con sus entonces revolucionarios proyectos de transatlánticos, automóviles, autobuses, locomotoras, objetos de interior, etc.
La importación de capital y de métodos de racionalización de los Estados unidos, impuso en Europa el predominio de las líneas aerodinámicas como lenguaje de estilo en los 30 y 40.
La dinámica de aquel tiempo encontró su expresión en la velocidad. El automóvil se convirtió en el objeto de culto por excelencia en la encarnación del “AMERICAN WAY OF LIFE”
La identificación clara e incondicional del diseño americano con el styling termino con un serio conflicto a finales de los 60. Al tiempo que se desarrollaban movimientos de carácter crítico y social, cuya influencia en la música, pintura, arquitectura fue visible, en el diseño comenzaron a esbozarse nuevas tendencias. En California se pusieron en práctica modos alternativos de vida y de trabajo.
El Streamline “AERODINAMISMO” 1937
El streamline moderne, también llamado simplemente Streamline (en español llamado “estilo aerodinámico”) fue una rama del estilo Art Decó tardío que tuvo su apogeo en el año 1937. El estilo se caracterizaba por el uso de formas curvas, líneas horizontales largas y a veces elementos náuticos, como barandas y ventanas de portillo.
El streamline surge en el contexto histórico de la crisis que se produjo en los Estados Unidos debido a la depresión de finales de la década de 1920 y comienzos de 1930. Con el objetivo de captar interés en los consumidores y compradores, se apeló a un cambio formal del estilo predominante en el área de la arquitectura y el diseño.
La aerodinámica se aplicó en los más diversos ámbitos del diseño y la arquitectura, desde casas, hoteles, autos y hasta en objetos que no tenían requerimientos diseño aerodinámico como sacapuntas de lápices, etc.
El interés por la aerodinámica fue una constante en el diseño automotriz del primer tercio del siglo XX ya que un diseño adecuado, permitía mayores velocidades sin necesidad de incrementar excesivamente la potencia de los motores. Las soluciones son extremadamente elegantes y hermosas. A diferencia de los autos americanos de los 60 y 70, que conquistan la velocidad en base a pura fuerza, estos diseños parecen ser tan ligeros que con solo verlos se tiene una sensación de rapidez y serenidad. El concepto de gota de agua imperante en la época, como epítome de aerodinamismo, es llevado al extremo por creadores como Delage, Talbot, Cord..
ART DECO 1920
Este movimiento se inicia en Paris, 1920es un estilo decorativo internacional.
Estética Maximalista tomando atributos formales del Art Nouveau, en el se ven reflejados la actitud naturalista, fuentes eclécticas (arte egipcio, arte tribal, surrealismo, Futurismo, constructivismo, neoclasicismo, abstracción geométrica, cultura popular y movimiento moderno).
Se utilizaban materiales exóticos como pieles, nácar, baquelita, maderas lujosas, etcpara este movimiento se visualiza una Baja compatibilidad industrial.Termina con la II Guerra Mundial.
Principales características:- Simetría- Volumetría.- Positivos y negativos.- Bajos y altos relieves.
- Decoración por encima de la funcionalidad.
- Tratan de representar algunas abstracciones que muestran de la naturaleza, rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes…
- Representación de la fauna haciendo referencia a ciertas cualidades como la velocidad, usando para ello gacelas, galgos (elegancia), panteras palomas, garzas..
- Se utilizan las flores, los cactus, las palmeras, representados por medio de delineaciones geométricas.
- Se utilizan motivos de las culturas pre hispanas de las culturas azteca, maya o inca y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos arqueológicos de Egipto, Mesopotamia, vikingo o de los pueblos africanos o indios.
- Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros, habitantes de las urbes, luciendo el "look" de la época, junto a la de mujeres resueltas que participan en la producción económica, vistiendo una moda más atrevida, con el pelo corto a la "garzón" que fuman y participan en cócteles, denotando su liberación.
- Se caracteriza por la profusión ornamental, el lujo de los materiales y el frecuente recurso a motivos geométricos y vegetales.
- Se divide en Zigzag y Streamline (1930-1939) en EE.UU. Utiliza línea curva aerodinámica, horizontal y abstracciones de velocidad; en Miami se ve el estilo hollywoodense que da una sensación de elegancia con la utilización de colores llamativos.
-Detalles, texturas.
- La mujer fue gran inspiradora de este movimiento, en porcelanas, pintura, accesorios (tocadores, perfumeros)
- Repetición modular.
El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.
Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la 'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes' en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el término Art Decó fue acuñado en la retrospectiva titulada "Les Annés 25" llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966, en francés el término se escribe Art Déco y en inglés Deco.
Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos del temprano siglo XX, y a diferencia del Art Nouveau se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del Constructivismo, Cubismo, Futurismo, del propio Art Nouveau del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas del Art Decó, afín, a la monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus composiciones.
Como estilo de la edad de la máquina utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las líneas aerodinámicas producto de la aviación moderna, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño fueron expresadas en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría. El color se nutre de las experiencias del Fauvismo. Trapezoides, facetamientos, zigzags; y una importante geometrización de las formas son comunes al Decó.
Correspondiendo a sus influencias maquinistas, el Decó se caracteriza también por los materiales que prefiere y usa, tales como aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida, piel de tiburón (shagreen), y piel de cebra. El uso de tipografía en negrilla, sans-serif o palo seco, el facetado y la línea recta o quebrada o greca (opuesto a las curvas sinuosas y naturalistas del Art Nouveau), los patrones del galón (chevrón), y el adorno en forma de sunburst son típicos del Art Decó. Ciertos patrones de ornamento se han visto en aplicaciones bien disímiles desde diseño de zapatos para señoras, a parrillas de radiadores, diseño de interiores para teatros, y rascacielos como el Chrysler Building.
Sociología
El Decó alcanzó su apogeo en los años 1920. Aunque muchos movimientos del diseño tienen raíces o intenciones políticas o filosóficas, el Art Decó era casi puramente decorativo, por lo que se lo considera un estilo burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el Decó es sólido y posee una clara identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución Industrial. Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria. Elegante, funcional, y modernista, el Art Decó fue un avance frente al Art Noveau, esta vez, exitoso en generar un nuevo repertorio de formas acordes a la problemática e imaginería de su tiempo.
El Art Decó era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial. En simultáneo a una creciente depresión económica y al fantasma del acercamiento de la Segunda Guerra había un deseo intenso por el escapismo. La gente gozó de los placeres de la vida y del Art Decó durante la 'edad del jazz'.
En la década de los años 30 la magia de Hollywood se hizo patente en el cine musical, Top Hat, (1935). "Sombrero de copa", es un ejemplo representativo de este género. Una trama trivial, romanticismo, ambiente elegante y mundano, sofisticados decorados Art Deco pensada para hacer que el público se olvidara de sus problemas y gozara de un mundo de lujo y sueños.
Decadencia
El movimiento pierde patrocinio en las metrópolis europeas y americanas mucho después de haber alcanzado una introducción masiva; al punto de ser empleado para representar falsas pretensiones de lujo. Finalmente, el estilo cae en decadencia dada las austeridades impuestas por la Segunda Guerra Mundial.
En países coloniales o periféricos tales como India, Nueva Zelanda, Cuba, Colombia, Argentina, México y las Filipinas, se convirtió en una puerta de entrada al Modernismo y continuó siendo utilizado bien hasta los años 1950. En América Latina se pueden encontrar durante este periodo varios exponentes del art decó.
Características del Art Déco Dentro del Art Déco hay dos períodos que corresponden a dos líneas estéticas del estilo: el Zigzag y el Stream Line.
El primero va de 1920 a 1929, se dio mayormente en Europa y fue el que se basó más en las referencias de las culturas pasadas que se pusieron de moda por descubrimientos arqueológicos, Egipto, Mesopotamia, Mesoamérica, la cultura Inca, o que se rescataron del olvido y del desinterés occidental, tal como sucedió con las piezas africanas y algunas mismas culturas europeas antiguas, o bien las extrañas y lejanas sociedades orientales. Resalta en su decoración los triángulos encadenados y superpuestos y líneas y composiciones geométricas en movimiento.
En el Art Deco el uso de nuevos materiales es de gran importancia, generalmente se usaban maderas exóticas, pieles naturales, nácar, porcelana, cerámica, cristal y metales; pero ahí un material en especial que fue el más utilizado y que generó una revolución por su practicidad y presentación: la baquelita
La Baquelita es un material creado por Leo Baekeland en 1909; fue la primera sustancia plástica sintética que existió y sus propiedades físicas hacían de este material algo totalmente innovador, ya que no conduce electricidad, es resistente al agua y a los solventes y fácilmente mecanizable.
Este material empezó a usarse como carcasa de teléfonos y radios generalmente, y su mayor auge fue precisamente durante la época en que se dio el estilo Art Deco.
El segundo tuvo su auge de 1930 a 1939, se desarrolló más en Estados Unidos y representa la era de la recuperación económica después del "crack" bursátil del 29. Hombres fuertes y desnudos quienes controlan máquinas de diversa índole y vislumbran un futuro prometedor tecnológico adornan paneles y los principales motivos decorativos son las líneas curvas aerodinámicas, de aquí su nombre, líneas horizontales aplicadas o
también abstracciones de la velocidad.Conclusion:Art Déco es un conjunto de diversos manifestaciones artísticas que convergieron entre las décadas de los años veinte y treinta en Europa y Estados Unidos, principalmente, así como en otros países, exaltando el gusto por la decoración, a través de diseños, en muchas ocasiones exóticos, que subliman lo geométrico, lo cúbico y lo aerodinámico, en contraposición de la delicadeza curvilínea y serpenteante de Art Nouveau y sus diferentes acepciones.
En la década de los ’30 , predominaba en Estados Unidos formas y diseños estilizados paralelamente con el estilo Art Déco, los que se propagaron a gran parte del mundo.
Las tendencias en los países escandinavos, lograron desvincularse de los postulados característicos del diseño estadounidense. A partir de esto surgió durante la década de los ’40 y ’50 , el apogeo de un estilo bastante distinto : Swedish Modern.
Específicamente en Suecia el diseño tuvo una extraordinaria proyección internacional y es uno de los hechos más notorios de la historia del arte contemporáneo. El diseño en este país se ha destacado a nivel mundial por su avance, investigación y aplicación en el área de ergonomía y factores humanos, sus objetos son disputados por los mejores museos del mundo y ya integran todas las celebres colecciones dedicadas al diseño de este siglo.
SUECIA 1930En la década de los ’30 , predominaba en Estados Unidos formas y diseños estilizados paralelamente con el estilo Art Déco, los que se propagaron a gran parte del mundo.
Las tendencias en los países escandinavos, lograron desvincularse de los postulados característicos del diseño estadounidense. A partir de esto surgió durante la década de los ’40 y ’50 , el apogeo de un estilo bastante distinto : Swedish Modern.
Alvar Aalto
Nació en Kuortane, Finlandia. Arquitecto y diseñador, pionero del movimiento modernista en los países del norte europeo. Su trabajo impulsa la evolución de formas y materiales utilizados en la creación de muebles desde un estilo clásico de los países bajos hasta un post modernismo puro e inédito. Para ello investiga y desarrolla por si mismo el uso de madera de abedul contrachapada en la fabricación de mobiliario y, para 1932, ya domina la técnica para curvar este material.La filosofía de Aalto lo mantiene apegado a los materiales naturales y alejados de la producción en masa. Inventa la forma para unir los componentes del bastidor sin utilizar elementos metálicos, como pernos y tuercas.A mediados del siglo 20, ingleses y americanos acogen de buena forma las ideas del maestro finlandés, que a diferencia de otros modernistas de su época, no agrega decoración excesiva a sus muebles, sino más bien, tiende a ser minimalista.
Eero Aarnio (1932)
Nació en Helsinki, Finlandia. Diseñador, posterior a la influencia y originalidad de Alvar Aalto. En sus comienzos utiliza madera y luego desarrolla un nuevo concepto estético en la creación de muebles. Para 1960 se ubica a la vanguardia de un movimiento artístico que emplea fibras sintéticas de plástico y vidrio como componentes estructurales y de acabado exterior. Aarnio diseña un tipo de mueble compacto concebido para ser de larga duración, sin embargo, en algún momento de su trabajo, incorpora formas del arte pop caracterizado por ser desechable.La filsofía de Aarnio se resume en lo que él mismo expresa: "el diseño evoluciona sólo si existe apertura
al cambio para alcanzar una renovación constante". Como muestra de esto, alrededor de 1970, continúa su desarrollo y diseña muebles empleando espuma de poliuretano. En el siglo 21 el maestro escandinavo sigue innovando en la mueblería.
Bruno Mathsson (1907-1988)
Nacido en Värnamo, Suecia. Arquitecto y maestro del diseño innovador en su país. Adquiere de su padre, fabricante de muebles, conocimientos de ebanistería sueca. A partir de ello y basado en las formas del mueble tradicional, Mathsson desarrolla un estilo con formas y curvas que derivan de bastidores de madera de una sola pieza, inéditos en el diseño de mobiliario.Al mismo tiempo Bruno Mathsson es científico en la creación de sillas ya que sus modelos se basan en el estudio acabado de los diferentes ámbitos en que se emplea. Así se transforma, en las primeras cuatro décadas del siglo XX, en modernizador de la estética sueca.Después de 1945, Mathsson se dedica a proyectos de arquitectura y a la creación de muebles de estructura metálica tubular, empleando nuevas técnicas de producción. Expone sus muebles en diversas ferias internacionales de Europa, donde alcanza reconocimiento
Eero Saarinen (1910-1961)Nació en Kirkkonummi, Finlandia. Su madre Loja era escultora y su padre el destacado arquitecto Eliel Saarinen. Emigró a los Estados Unidos en 1923. Trabajó con su colega y amigo, el famoso diseñador Charles Eames. Juntos desarrollaron un estilo de muebles que fue galardonado, en 1940, por el Museo de Arte Moderno. Posteriormente y en forma independiente plasmó su estilo en muchas piezas de mueblería, por encargo de grandes fabricantes. También dedicó parte de su obra al diseño arquitectónico.
En 2008 se cumplieron los primeros 50 años de uno de los diseños más reconocidos del siglo XX: la silla Tulip. La propuesta fue creada por el diseñador estadounidense Eero Saarinen, de origen finlandés y con una fuerte impronta europea, que adquirió en uno de sus largas estadías en el viejo continente.
De vuelta en EEUU cultivó una fuerte amistad con los hermanos Eames y Florence Knoll (creadora de la marca de diseño homónima). Luego de varios trabajos destacados como arquitecto, en 1957 Saarinen le presentó, a través de la firma de su amiga Florence, la línea Tulip.
Desarrollada con una economía de espacio, la línea se destaca por desprenderse de la ideas de patas (tanto las diversas sillas como las mesas tienen un sólo pedestal). El color y los materiales también marcan un ascetismo y una economía de diseño, que logra una unidad de estilo entre todas sus piezas. El detalle de personalización de cada pieza lo aporta el tapizado, que tiene todas las variantes que las telas y el cuero le pueden aportar.
La línea Tulip (compuesta por sillas con apoyabrazos, sillas sin apoyabrazos, banquetas y mesas de diversos tamaños) está realizada en aluminio, fibra de vidrio y plástico (dependiendo del modelo).
Verner Panton (1926-1998)
Nació en la isla de Fÿnen, Dinamarca. Estudió en la Academia de Arquitectura Real en Copenhagen. En 1955 abrió su propia empresa de arquitectura y diseño.Fabricó la primera silla de una sola pieza, por medio de la inyección de plástico. La decoración de interiores y la iluminación, también fueron géneros artísticos que alcanzaron gran altura con este artista pop.
Específicamente en Suecia el diseño tuvo una extraordinaria proyección internacional y es uno de los hechos más notorios de la historia del arte contemporáneo. El diseño en este país se ha destacado a nivel mundial por su avance, investigación y aplicación en el área de ergonomía y factores humanos, sus objetos son disputados por los mejores museos del mundo y ya integran todas las celebres colecciones dedicadas al diseño de este siglo.
Diseño Sueco.
El diseño sueco nace a partir de la escasez de recursos, que trae como consecuencia el desarrollo del instinto creativo, aprendiendo a economizar los recursos naturales al máximo, imprimiendo en sus obras la esencia de la naturaleza, dándole una sensación orgánica y flexible, influenciada por las tradiciones escandinavas y buscando que sus diseños sean principalmente a escala humana.
El éxito del diseño sueco, se debe en gran parte a la capacidad de los diseñadores de unificar lo industrial, lo útil, lo artesanal y lo artístico combinando sensibilidad, depuración, calidez y hermosura, así como también han integrado lo orgánico y lo geométrico, logran unir con acierto los materiales artesanales y la producción en serie.
Sus diseños van más allá de producir objetos lujosos y para personas que pertenezcan a un nivel socioeconómico más elevando, si no que se han preocupado principalmente por una íntima asociación entre forma y función, haciendo la vida más confortable y placentera para todos.
El diseño sueco a pesar de trabajar para una producción masiva, en el campo industrial, no ha querido dejar de lado las cualidades artesanales, ya que los recursos naturales ennoblecen y embellecen la vida cotidiana, manteniendo los diseños vinculados a las tradiciones suecas, que los hace más cercanos a su idiosincrasia y que además atrae el interés de sus países vecinos y a nivel mundial.
La industrialización dio el ejemplo de un nuevo modo de concebir el trabajo en las fabricas con la propuesta de ampliar las tareas, esta organización se basa en el trabajo en equipo. Fue desarrollada en primer lugar en las fabricas de automóviles suecas ( Volvo y Saab ), para luego abrir paso al diseño de otros productos como electrodomésticos, máquinas para trabajar en maderas, etc.
Suecia ha desarrollado considerablemente la integración de la ergonomía en el diseño de productos. Existen estudios que se han especializado en productos para minusválidos, personas con deficiencia motriz y tercera edad.
Ergonomía
La ergonomía ha sido un tema de gran relevancia para los diseñadores suecos. Etimológicamente la palabra ergonomía deriva de raíces griegas; Ergo: Trabajo y Nomía: Norma, Ley. Literalmente su significado es el estudio de la leyes de trabajo. Llevado a la práctica la ergonomía se basa en mejorar las situaciones de trabajo y actividad motriz.
Hay una necesidad de profundizar en el análisis de la función y hacer más apticos los objetos y herramientas tanto para el hombre común como para personas con problemas motrices.
Los diseñadores suecos se han preocupado principalmente de unificar la ergonomía al diseño de objetos. Existen industrias dedicadas a la producción de herramientas, por ejemplo, que fundan sus objetivos en hacer el trabajo más cómodo y seguro para las personas.
El diseño sueco logra hacerse conocido internacionalmente por sus postulados que se basan en crear objetos para todos. La ergonomía cumple un rol fundamental en esto, ya que el grupo de diseñadores dedicados al estudio de este tema trabajan bajo una metodología, logrado desarrollar y aplicar sus conocimientos en distintas áreas, principalmente en el diseño para minusválidos.
Las personas y las instituciones de salud se han visto beneficiadas con los diseños de objetos destinados a suplir las necesidades de un paciente con problemas motrices, desde lápices para personas con artritis hasta sillas para transportar y facilitar la mantención de higiene en personas minusválidas, forman parte de la amplia gama de objetos diseñados en Suecia.
Materiales
Vidrio
Arena, un poco de óxido de plomo, sodio, potasio y algunos óxidos de metal son los ingredientes de la masa del vidrio.
El vidrio es un material muy cercano a la naturaleza del diseño sueco, nace de la creatividad para sobrevivir. El país es rico en bosques, lagos y arroyos, y además posee un gran potencial humano, esto es lo que precisamente necesitaban las fabricas de cristal: madera para el fuego que hiciera arder la materia, agua para enfriarla y llevar a cabo la producción y la fuerza del hombre para fabricarla.
La producción de objetos en vidrio es muy antigua, pero los diseñadores suecos hicieron resurgir este material utilizándolo en el apogeo de su estilo a nivel mundial. Entre 1556 y 1965 crearon 193 fabricas de vidrio dentro del país, además existieron grupos de artesanos del vidrio que trabajaban en sus propios talleres, los que día
a día iban creciendo e incrementando la producción de objetos en vidrio, teniendo un desarrollo fascinante y dinámico principalmente en la segunda década del siglo XX.
Los talleres estaban llenos de magia al momento de la creación en vidrio, existía un constante aprendizaje ya que maestros, sopladores, secadores y artistas vivía cada día un proceso en el que la masa se moldea, se enfría y luego el vidrio ya cristalizado se vuelve irreversible.
Abedul
Árbol de madera dura, bastante pesado y fuerte, posee una buena elasticidad y estabilidad, que proporciona troncos de buena calidad para la industria Europea.
El abedul es uno de los árboles más característicos de Suecia, elemento típico tanto del paisaje, como de los medios urbanos. Representa para los suecos creencias populares y sensación de hogar y calidez.
Material insustituible en la artesanía y el diseño. Impuesto tradicionalmente en los países nórdicos , de madera inviolable que se mantiene intacta mostrando toda su belleza.
El abedul ha acompañado desde siempre a los habitantes de Suecia, sin embargo, en el siglo XX, se conocieron sus propiedades físicas (textura, color, elasticidad y dureza) y se compatibilizó con otros materiales logrando así una identidad y realce al diseño sueco.
Suecia a pesar de ser un país pequeño supo resurgir de su pobreza y escasez de recursos, gracias al ingenio y la creatividad. A través de esto utilizaron los recursos naturales que su propia geografía les brindó, implantando un estilo que se reconoció a nivel mundial y que logra mantenerse a través del tiempo.
El diseño sueco al utilizar sus propios recursos naturales, fue creando una identidad totalmente fiel a sus costumbres y tradiciones, esto cautivó en gran medida a gran parte de los usuarios.
La naturaleza deja sus rastros en todos los aspectos de la vida escandinava, la simplicidad de las formas en los diseños se deben principalmente a un concepto de función, más que a las soluciones estéticas que se le puedan dar a los objetos. Esta funcionalidad se relaciona mayoritariamente con el diseño de objetos ergonómicos que es una de las bases del Diseño Sueco.
Por último la filosofía que desde siempre marcó la evolución del diseño sueco, es el deseo de mejorar la calidad de vida y hacerla más placentera para todos.
DIseño Escandinavo 1930Suecia-Dinamarca-Finlandia-Noruega
Las extremas condiciones climáticas activan la manera de enfrentarse al diseño. Hacen que la casa constituya la pieza fundamental, muebles y objetos inspirados por el confort.En 1924 Kaare Klint funda la Academia de Bellas Artes Danesa: Generando una nueva concepción del diseño, diferenciándose de todas las tendencias contemporáneas del Movimiento Moderno, criticando a la Bauhaus acusándola por la falta de humanización y por el rechazo a las tradiciones.
Crean la Ergonomía -estudio de la anatomía humana aplicada a los objetos de uso-. Logrando diseños funcionales y confortables. Un gran sentido solidario en recuperar los talleres artesanales, de esta época que empezaba a industrializarse, con diseños sencillos y prácticos contra los de estilos producidos por la máquina.
En la Exposición Universal de Nueva York en 1939 el Diseño Escandinavo abrió su camino en la Vanguardia Internacional. Pureza en las líneas y simplicidad en la ejecución.Con ésta concepción formada, el arquitecto Eliel Saarinen -Finlandés- Emigra a EEUU y siendo director de Crandook Academy of Arts, generó diseñadores que introdujeron importantes innovaciones en la historia:
"Utilización de tecnología de alto nivel artístico". Con una estética de organicidad racionalizada, refinamiento constructivo, cuidado en el detalle, equilibrio y calidez. Alvar Aalto arquitecto finlandés introduce en 1936 una estética también radicalmente nueva, manteniendo los principios de los muebles tubulares del Movimiento Moderno, pero reemplazándolo por la madera. Con inspiración Thonet en las formas, pero ahora con madera de abedul y en formas de plachas curvadas y contracurvadas, creando nueva tecnología.
Luego de la Segunda Guerra Mundial, las técnicas de empaquetado y los métodos de producción eran los que determinaban los productos, por lo tanto la funcionalidad y el rigor de los nórdicos se convirtió en el modelo a seguir. Junto a la Americana, la vivienda escandinava se convirtió en el modelo de los '50.Desarrollándose también el "Estilo Teca": Madera dispuesta en listoncillos separados entre sí.Jhul, Jacobsen y Panton rompieron con la hegemonía de la madera y con las posibilidades que la industria ofrecía, generaron formas plásticas y orgánicas, una estética funcionalista de la reducción. Diseño que da primer lugar a lo bello y funcional y que a pesar de las distintas etapas los escandinavos siempre reflejaron el espíritu de una sociedad igualitaria que mantiene un fuerte sentido de la solidaridad y de la ecología. Los materiales empleados, los avanzados sistemas de reciclaje de todas las piezas de un producto para producir otro nuevo, son síntomas de la relación cercana y comprometida que tienen con el medio ambiente.
La fascinación escandinava quedó eclipsada en los años 70 por el fragor vitalista y sensual del Diseño Italiano. Actualmente la concepción del Diseño Escandinavo con lo genuino y simple sigue refrescando a occidente.
Hoy una gran empresa para el hogar-Ikea- de origen Sueco mantiene el lema "Producir diseño democrático". Analizando el diseño encontramos objetos delicados, sensuales, a veces exquisitos, sinceros y muchas veces mínimo y, se suma materiales honestos, un sólido artesanado y claridad funcional.
Características generales:
Las extremas condiciones climáticas activan la manera de enfrentarse al diseño. Hacen que la casa constituya la pieza fundamental, muebles y objetos inspirados por dictamen del confort.
Las condiciones de carencia económica y emocional forjan un arte simplista que busca la funcionalidad con un diseño coherente y armonioso con el entorno.
Son creadores de la ergonomía, estudio de la anatomía humana aplicada a los objetos de uso cotidiano. Logrando diseños funcionales y confortables. Un gran sentido solidario en recuperar los talleres artesanales, de esta época que empezaba a industrializarse, con diseños sencillos y prácticos contra los de estilos producidos por la máquina.
Generan una nueva concepción del diseño, diferenciándose de todas las tendencias contemporáneas del Movimiento Moderno, criticando a la Bauhaus por su falta de humanización y por el rechazo a las tradiciones.
Los escandinavos siempre reflejaron el espíritu de una sociedad igualitaria que mantiene un fuerte sentido de la solidaridad y de la ecología, creando sistemas óptimos de reciclaje.
"Utilización de tecnología de alto nivel artístico". Con una estética de organicidad racionalizada, refinamiento constructivo, cuidado en el detalle, equilibrio y calidez.
Diseño Escandinavo
El término Diseño Escandinavo se utiliza generalmente para describir un estilo de productos que empezaron a diseñarse en 1930. Más adelante se convirtieron en referentes para el desarrollo del diseño moderno, y aún hoy son apreciados en todo el mundo.
Tapio Wirkkala (1915 - 1985) nació en Hankoo, Finlandia. Tapio Wirkkala es una figura representativa del
diseño finlandés, un artista que utilizó gran diversidad de materiales, no dejando área sin explorar en el
mundo del diseño. Fue uno de los artistas más destacados en los inicios del arte y diseño industrial
escandinavo. Se ganó el prestigio con numerosos diseños tras la segunda guerra mundial. Como buen
diseñador escandinavo realizaba sus prototipos en madera.
Aunque cada uno de los países que conforman Escandinavia tiene sus propias características por su particular situación política, cultural y geográfica, también tienen aspectos comunes, marcados por una mentalidad social-demócrata y el hecho de vivir bajo la influencia de una naturaleza cruda y dominante.
Los pioneros del diseño Escandinavo no compartían totalmente los principios de la industrialización. Para ellos era de gran importancia la parte humana del diseño. Su industrialización estuvo siempre muy ligada a una rica tradición en el campo de la artesanía. De la combinación de estos factores surgió un diseño de gran calidad, que se dio a conocer mundialmente.
La época dorada del diseño Escandinavo empezó en 1950. Tras un pequeño receso en los 80, los 90 volvieron a ser muy productivos. Hoy en día sigue habiendo mucha energía en el diseño de estos países, que todavía tienen influencia internacional, y los diseños más conocidos se han convertido en objetos codiciados por los coleccionistas.
Los diseñadores escandinavos de hoy en día tienen más influencias que sus predecesores, pero su punto de partida y sus objetivos siguen siendo los mismos: Crear belleza para la vida diaria.
Arne Jacobsen (1902-1971)
Nació en Copenhagen, Dinamarca. Sus primeros pasos en el arte decorativo los realizó dedicándose a trabajos de mampostería. Posteriormente recibe instrucción formal en la Escuela Real de Bellas Artes Danesa.En 1930 establece su propia empresa de diseño donde se dedica a diferentes especialidades del rubro: proyectos arquitectónicos, diseño de interiores, de artículos de cerámica y muebles de estructura con estilo original.
JOSEF ALBERS (1888-1976)Pintor y docente de arte. Teorizó en la Bauhaus sobre la construcción, el material y su forma de presentarlos, su pintura y su enseñanza se centró a partir de los años 40 en el efecto óptico del color.
Estimuló la vanguardia americana de los 60 y 70 siendo precursor del Pop Art. Nació en Boltrop. Estudió para ser maestro de primaria de 1905 a 1908, profesión que practicó 8 años.
Sus primeras producciones fueron litografías, y grabados sobre madera, in-fluidos por el Cubismo y por el Expresionismo. Entre 1913 y 1915 estudió en la Real Academia de Arte de Berlín y obtuvo el diploma de docente de arte. Desde 1916 estudió en la escuela de Artes y oficios de Essen, mientras trabajaba como profesor. De 1919 a 1920 fue asistente de Franz Von Stuck (profesor de Kandinsky y de Klee) en la academia de Munich.
Fue estudiante en la Bauhaus de 1920 a 1923. Asistió al curso preparatorio de Itten y estudió en el taller de pintura en vidrio.
Fue profesor en la Bauhaus de 1923 a 1933. Impartió el aprendizaje con materiales y su utilización en la formación básica de 1928 a 1929 dirigió la carpintería y el curso preliminar. A partir de 1930 enseña en el curso "dibujo figurativo" para semestres superiores. Estuvo a cargo del curso de ingreso.
En 1933 emigra a Estados Unidos donde da clases en el Black Mountain College de Chicago, una escuela vanguardista, hasta 1949.
De 1950 a 1959 es director del departamento de diseño en la Universidad de Yale en New Haven, Connecticut. También enseñó en la universidad de Harvard.
A partir de ahí enseñará cursos en diferentes escuelas americanas y europeas, entre ellas la Escuela Superior de Diseño de Ulm. Muere en 1976 en New Haven
Ejercicios de material en papel. Curso preliminar de Josef Albers.
Hannes Beckmann, alumno de la Bauhaus, describe así sus primeras impresiones del curso de Albers; "...entró en el aula con un montón de periódicos debajo del brazo y los repartió entre los alumnos.
Después se dirigió a nosotros y nos dijo: “Señoras y señores, somos pobres y no ricos. No podemos permitirnos derrochar el material y el tiempo. Cada obra de arte tiene un material inicial determinado, y por ello lo primero que debemos hacer es analizar como es este material. Con este fin vamos ahora a experimentar –sin realizar todavía nada -. De momento nos interesa el carácter histórico de la belleza. El derroche o la modestia de la forma depende del material con el que trabajamos. Piensen que a menudo pueden conseguir más haciendo menos.
Nuestro estudio debe incitar al pensamiento constructivo... Me gustaría que ahora tomaran en la mano los periódicos que han recibido y hagan con ellos algo más de lo que son ahora. Me gustaría que respetaran el material, que lo utilizaran inteligentemente y que tuvieran en cuenta sus características. Si lo consiguen sin instrumentos como el cuchillo, las tijeras o la cola, tanto mejor...”.
Más tarde volvía y nos pedía que extendiéramos sobre el suelo los resultados de nuestros esfuerzos.
Habían surgido máscara, barcos, castillos, animales... pequeñas figuras. Dijo que todo aquello eran objetos da jardín de infancia y que en muchos casos se habrían podido realizar mejor con otros materiales. Luego señalo una figura muy sencilla realizada por un arquitecto húngaro. No había hecho más que doblar el periódico en sentido longitudinal de modo que se mantenía derecho como si se tratara de unas alas.
Albers nos explicó lo bien que se había entendido el material, lo bien que se había utilizado y lo natural que resultaba el plegado en el papel precisamente porque hacía rígido a un material tan blando... Nos explicó además que un periódico que esta sobre una mesa sólo tiene un lado visualmente activo, el resto es invisible.
Pero dado que ahora el papel se mantenía derecho, se había vuelto visualmente activo por ambas caras. Un rato después habíamos aprendido a ver y entender este arte. Realizamos fascinantes estudios con todos los materiales posibles: papel, cartón ondulado, cerillas, alambre, metal.
La obra de Albers se caracteriza por sus formas rectilíneas en colores fuertes y planos, cuya interrelación acentúa el efecto abstracto, puramente óptico de la composición. En su famosa serie experimental Homenaje al cuadrado, que Albers comenzó a principios de la década de 1950, utiliza el cálculo de formas cada vez menores para ilustrar su teoría de que los cambios de lugar, forma y luz producen cambios en el color. La Interacción del color (1963) es un ejemplo de su investigación cromática. Su obra influyó en el Op Art y Hard Edge de la década de 1960.
Este sistema de tipografías fue producido conjuntamente con el museo de Guggenheim y la fundación de José Albers. José Albers (1888-1976) era uno de los artistas y de los educadores más importantes del vigésimo siglo. Él era un miembro del Bauhaus primero como estudiante y entonces como profesor a partir de 1920 hasta su cierre en 1933. Él entonces emigró a América, en donde él continuó haciendo arte y enseñándolo en las instituciones numerosas hasta su muerte. Conocido principalmente como pintor abstracto, él era también diseñador, ponente, tipógrafo, y fotógrafo realizados. Sus trabajos exploran permutaciones de la forma, del color, y de la opinión usando un vocabulario visual restricto. Creado cuando él estaba en la Bauhaus , sus alfabetos de Kombinationschrift ejemplifican los ethos de la escuela. Usando 10 formas básicas basadas en el círculo y el rectángulo, él creó un sistema del deletreado que fue significado para ser eficiente, fácil aprender, y barato producir. Estas 10 formas en la combinación podían formar cualquier letra o número.
Este extracto del libro La interacción del color de Josef Albers, recoge una manera experimental de estudiar y enseñar el color.En la percepción visual casi nunca se ve un color como es en realidad, como es físicamente. Este hecho hace que el color sea el más relativo de los medios que emplea el arte.
El recuerdo del color: la memoria visualSi decimos “rojo” y hay cincuenta personas escuchándonos, cabe esperar que haya cincuenta rojos en sus mentes. Y podemos estar seguros de que todos esos rojos serán muy diferentes. Incluso si especificamos un color determinado que todos nuestros oyentes hayan visto innumerables veces, como el de Coca-Cola, seguirán pensando en muchos rojos diferentes.¿Qué demuestra todo esto?En primer lugar, que es muy difícil, por no decir imposible, recordar los diferentes colores. Esto confirma el importante hecho de que nuestra memoria visual es muy pobre en comparación con nuestra memoria auditiva (capaz de reproducir una melodía que se ha oído una o dos veces). En segundo lugar, la nomenclatura del color es muy insuficiente. Aunque hay innumerables colores –tonalidades y matices-, el vocabulario cotidiano sólo cuenta con una treintena de nombres para nombrarlos.
Lectura del color y contexturaEl concepto de que “cuanto más sencilla es la forma de una letra más sencilla es su lectura” fue una obsesión en los inicios constructivistas. La escuela psicológica Gestalt ha descubierto que esto es falso y la oftalmología ha revelado que cuanto más se diferencian unas letras de otras, más fácil resulta la lectura. Esto demuestra como la claridad de lectura depende de la apreciación del contexto. En las composiciones musicales, en tanto oigamos tonos aislados no oiremos música. El oír música depende de la apreciación del intervalo entre los tonos, de su colocación y espaciamiento.Del mismo modo, la identificación factual de los colores que aparecen en una pintura determinada no tiene nada que ver con la visión sensible ni con una comprensión de la acción de los colores dentro de la pintura. Lo que nos interesa es la interacción del color, esto es, observar lo que sucede entre los colores. Así, los colores se nos presentan dentro de un flujo continuo, constantemente relacionados con los contiguos y en condiciones cambiantes. En consecuencia, esto demuestra para la lectura del color lo que Kandinsky pedía a menudo para la lectura del arte: lo que cuenta no es el qué, sino el cómo.
Un color tiene muchas caras: la relatividad del colorImaginemos que tenemos tres cacharros con agua, de izquierda a derecha: Caliente, Templada, Fría.Al meter primero las manos en los recipientes de los extremos, se sienten, se experimentan, se perciben, dos temperaturas diferentes: Caliente y Fría.Metiendo después ambas manos en el recipiente del medio, de nuevo se perciben dos temperaturas diferentes, pero esta vez en el orden inverso: Fría, Caliente; aunque el agua no está a ninguna de estas temperaturas, sino a otra, concretamente: Templada.Con lo cual experimentamos una discrepancia entre hecho físico y efecto psíquico llamada, en este caso, ilusión háptica (sentido del tacto).Del mismo modo, también las ilusiones ópticas nos engañan.
Así, en composiciones comparativas a cerca de un tema específico, se disponen colores, los cuales revelan un color influyente y un color influido. Se descubre que ciertos colores se resisten a cambiar, en tanto que otros son más susceptibles al cambio.Un segundo análisis, nos revela que hay dos clases de influencias modificantes que operan en dos direcciones, la luminosidad de una parte y la tonalidad de otra.
Más claro y/o más oscuro: intensidad luminosa, luminosidadEl que no sea capaz de distinguir la diferencia entre una nota más alta y otra más baja, probablemente no debería hacer música.Si se aplicara una conclusión paralela al color, casi todo el mundo resultaría incompetente para su utilización correcta. Son muy pocas las personas capaces de distinguir una intensidad luminosa alta de una baja entre tonalidades diferentes.
Aclaramos aquí, que para una correcta comprensión y aplicación de las afirmaciones anteriores, debería estudiarse el libro en su totalidad. Esta es sólo una aproximación a sus temáticas y por ende no puede proporcionarnos datos y conclusiones acabadas concretas.
ARTE ÓPTICOA mediados de la década del ’60 empezó a desarrollarse un arte abstracto nuevo, evidentemente relacionado con la abstracción geométrica, estudiando los procesos ópticos y psicológicos de la percepción.
Pero como estos procesos de investigación visual no pueden reducirse a la producción de imágenes aisladas (porque la imaginación humana utiliza simultáneamente una multiplicidad de imágenes percibidas), estos artistas se han dedicado a experimentar con secuencias, ritmos y cambios de imágenes ópticas. Es decir para ellos un elemento esencial es el movimiento, lo que se ha llamado factor “cinético”.
El factor cinético de la visión puede investigarse por tres caminos: creando en la percepción óptica del espectador la impresión de un movimiento virtual o ilusorio que realmente no existe; obligando al espectador a desplazarse en el espacio para organizar en su mente la lectura de una secuencia; o realizando movimientos reales de imágenes mediante motores o emisores móviles de luz.
El Opt Art tiene sus antecedentes directos en los estudios que hacia fines de 1955, realizaban separadamente en Estados Unidos el ex profesor de la Bauhaus, Josef Albers y en París el húngaro Vassarely, aunque encontramos algunos trabajos previos realizados veinte años antes por maestros de la Bauhaus y en los discos visuales de Marcel Durchamp.
En el Op Art se manifiesta una voluntad enérgica de romper las barreras entre arte y tecnología (utilizando materiales producidos por la industria moderna, plásticos, acrílicos luminosos, y en las piezas de arte tridimensional, motores y aparatos electrónicos) y apela a la acción y a la creatividad del espectador, estimulándolo con sorpresas ópticas, con el descubrimiento de propiedades físicas y combinatorias imprevisibles, solicitando el factor lúdico humano como en una invitación al juego.
Esta tendencia a establecer relaciones con diversas ramas científicas: óptica, psicofisiología,
Cibernética, produjo finalmente una convergencia de intereses con el mundo del diseño industrial y el posterior desarrollo de los sistemas aplicados en algunas variantes del arte digital.
Escuela superior de diseño de Ulm Ufg 1953
La HfG (acrónimo de Hochschule für Gestaltung), fue una escuela universitaria de diseño radicada en Ulm, Alemania. Fundada en 1953, entre otros, por Inge Aicher-Scholl, Otl Aicher y Max Bill, este último, primer rector de la escuela. La HfG de Ulm ganó rápidamente el reconocimiento internacional. Durante su funcionamiento fueron investigados y puestos en práctica nuevos enfoques en el diseño, dentro de los departamentos de: Comunicación Visual, Diseño Industrial, Construcción, Informática, y más tarde de Cinematografía.
El edificio de la HfG fue diseñado por Max Bill y sigue siendo, hoy en día un edificio importante y funcional dentro del campus de la Universidad de Ulm. La Escuela HfG de Ulm fue una de las más progresistas instituciones de enseñanza del diseño y el diseño ambiental en las décadas de los 50s y 60s, pionera en los estudios y del perfil profesional del diseñador de hoy en día.
La historia de la HfG se formó por medio de la innovación y el cambio, en consonancia con la propia imagen de sí misma de escuela como una institución experimental. Esto dio lugar a innumerables modificaciones en el contenido, la organización de las clases y a los continuos conflictos internos que influyeron en la decisión final del cierre de la HfG en 1968.Contexto histórico político y primeros años
En 1946 Inge Scholl, junto con Olt Aicher y un grupo de jóvenes intelectuales plantean crear una institución de enseñanza e investigación que vinculara la actividad creativa con la vida cotidiana y que tuviera como objetivo, colaborar en la reconstrucción cultural de una sociedad moralmente destruida por el nazismo y la segunda guerra mundial.
El 1 de abril de 1953, comenzó a funcionar la nueva institución universitaria con Max Bill, ex alumno de la Bauhaus, como rector. Entre los primeros 21 estudiantes se encontraban Walter Peterhans, Johannes Itten, y Helene Nonné-Schmidt.
La enseñanza estaba basada en un plan de estudios de cuatro años. El primer año estaba dedicado al curso básico y luego se elegía una especialidad entre diseño de producto, comunicación visual, construcción, información (que duró hasta 1962) y cinematografía, que hasta 1961 perteneció al departamento de comunicación visual y desde 1962 se independizó.
En 1953 comenzó a construirse el edificio, diseñado por Max Bill, cuya inauguración se produjo el 2 de octubre de 1955. El edificio de la HfG fue uno de los primeros en Alemania, construidos en hormigón con estructura reforzada, con talleres espaciosos, dormitorios para estudiantes y una cafetería. Los interiores y el mobiliario eran flexibles para el uso de la universidad. Hoy, las instalaciones siguen siendo parte de la facultad de Medicina de la Universidad de Ulm.
En 1955 Max Bill renunció como rector, debido a los cambios en la dirección del desarrollo académico y a las divergencias en la concepción didáctica de la escuela. Finalmente en 1957 abandonó la escuela, y Tomás Maldonado ocupó su lugar. Max Bill favoreció una enseñanza basada en la continuación del modelo expresionista de la Bauhaus, basado en el modelo Arts and Crafts, en el cual el artista-diseñador tomaba un papel importante en el desarrollo del producto como dador de forma. Otros docentes, sobre todo los de cursos teóricos, buscaban hacer énfasis en la tecnología de los materiales, en la teoría y los métodos de producción.
Entre estos se encontraba Tomás Maldonado, quien consideraba al diseño como un proceso sistematizable de manera científica y no intuitiva. Consideraba que el diseño no es un arte y el diseñador no es necesariamente un artista. Las consideraciones estéticas ya no eran la base conceptual del diseño. El profesional diseñador sería entonces un "Coordinador," con la responsabilidad de coordinar con un gran número de especialistas, los requerimientos más variados de fabricación y del uso de productos.3 Bajo la conducción de Maldonado, la escuela abandonó las directrices de Max Bill y propuso una nueva filosofía de la educación a partir de los fundamentos de un "operacionalismo científico".
La salida de Max Bill anunció una nueva fase: la creación de los "grupos de desarrollo" que se crearon específicamente para crear vínculos con la industria. Muchos de los diseños resultantes entraron en producción de inmediato, entre los de mayor éxito fueron los equipos de audio para la empresa Braun, la identidad corporativa de la compañía aérea alemana Lufthansa occidental, y los trenes elevados para el ferrocarril de Hamburgo. Estas comisiones industriales trajeron una riqueza de experiencia en la enseñanza e influyó decisivamente en la escuela y su reputación.
En el otoño de 1958 se celebró una gran exposición en la HfG. Cinco años después de su inauguración, la HfG se presentó al público en general, por primera vez, mostrando tanto los resultados del trabajo en los talleres como el trabajo de los profesores. Ese mismo año también salió el primer número de la revista "ulm" de la HfG, que fue publicado en alemán e inglés, hasta el cierre.
Las disputas internas sobre la dirección de los planes de estudios, dieron lugar a una operación de prensa en 1963 para atacar contra la HfG. El parlamento de Baden-Wuerttemberg, debatió reiteradamente si la escuela merecía las subvenciones. Los problemas eran cada vez más frecuentes. Luego de la afiliación de la HfG a la escuela de ingeniería, el precursor de la universidad, las subvenciones federales fueron suprimidas y la situación financiera se volvió insostenible.
Didáctica de la escuela
En los primeros años de funcionamiento, y con la dirección de Max Bill, la didáctica de la escuela estaba orientada según los principios de la Bauhaus, donde el diseñador tenía un perfil más artista que científico. A partir de las discrepancias con otros profesores y los postulados de Tomás Maldonado, la escuela desvió su ideología hacia un terreno más metodológico y estructurado. Esto trajo consigo una precisión del programa lectivo y del Curso Básico y con ello una introducción consolidada de las disciplinas teóricas. La nueva concepción dio paso al así llamado "modelo de ulm", que ha influido mundialmente la formación en diseño hasta la actualidad.
Según Gui Bonsiepe, "el proceso de pasar de una concepción precientífica, hacia una concepción científica del diseño no fue nada fácil, a veces incluso traumático, tanto para los docentes como para los alumnos. Hay que recordar que la mayoría de los docentes de diseño tenían una experiencia artística. No eran científicos con una medalla académica, por lo menos no poseían una calificación formal. Su mérito era haber iniciado una aproximación entre diseño y ciencia".4 Los profesores que fueron llegando más tarde, fomentaron la oposición entre ciencia y diseño, incluso subordinándolo a éste ultimo. Mientras, se alimentaron los distintos conflictos internos que se sucedieron en la escuela, que por otra parte fueron los que según Gui Bonsiepe "pusieron sobre el tapete esta problemática. Que ayudó a desmitificar el proceso proyectual y su enigmática creatividad".4
Colaboración con la Braun Promediando la década de los 50s, la HfG y la Braun, comenzaron una etapa de colaboración. La Braun necesitaba destacarse entre la competencia por lo que acude a Otl Aicher, Hans Gugelot, y sus alumnos para que trabajaran en nuevos diseños para que la empresa los fabricara. Con esta colaboración se desarrolló el estilo Braun que, según Tomás Maldonado, "se diferenciaba del estilo Olivetti, porque éste buscaba la unidad en la variedad, mientras que el estilo Braun buscaba la unidad en la unidad. Y precisamente por esto, el estilo Braun constituye un formidable banco de prueba para la concepción de la Gute Form, como alternativa al Styling.
Hasta la fundación de la HfG de Ulm, no había ninguna sistematización del diseño. La escuela fue pionera en la integración de la ciencia y el diseño, y de una pedagogía del diseño basada en la ciencia: la reflexión sobre los problemas, los métodos de análisis y de síntesis, la elección y fundamentación de alternativas proyectuales, el acento en las disciplinas científicas y técnicas y una estrecha relación con la industria. Muchos de los criterios desarrollados en Ulm son todavía válidos, sobre todo en el área de diseño tecnológico. Otros fueron poco prácticos y fueron superados. Pero la HfG subsiste como ícono de la historia del diseño.
BRAUN
Hay un momento mágico en la historia del diseño de interacción en el siglo XX. Fue una de esas pocas ocasiones en las que coinciden un puñado de mentes brillantes, y de golpe revolucionan la forma de crear objetos hasta el momento. Hablamos de los años 50 en la Braun. En 1951 muere repentinamente Max Braun, fundador de la misma marca que conocemos hoy en día. De entre sus dos hijos, Erwin es el que más ilusión tiene puesta en el diseño de los productos y decide hacer cambios.
Erwin Braun eligió, para acompañarle en su misión, a un diseñador con principios y filosofía, un hijo de la Bauhaus: Wilhem Wagenfeld (todos recordamos su famosa lámpara, la WG 24 Bauhaus).
Su misión conjunta era darle un rumbo nuevo al diseño de la casa.
Acabaron contratando a Fritz Eichler, un diseñador/director de cine a quien Braun hijo conoció en las trincheras de la Segunda Guerra Mundial. A Eichler se le encomendó la dirección de la oficialmente fundada Braun Design, la división de diseño de producto de la compañía. Todo un reto.
Braun y Eichler tuvieron un encuentro con ellos del que quedaron profundamente impresionados, y les sumaron al grupo. Gugelot se iba a encargar del rediseño de la familia de radios de la casa. Quería liberar a las radios de entonces de su reluciente falsedad dorada. El objetivo conjunto era diseñar productos honestos y humanos, dos valores que aún hoy perviven en el ideario de Braun.
En 1955 se celebraba, en Düsseldorf, la Exposición Internacional de Radio. Braun iba a presentar allí su nueva familia de receptores de radio. Para ello, Otl Aicher debía diseñar la comunicación y un nuevo concepto de expositores y stands que hicieran aún más especial el evento. Sin duda alguna, hicieron historia.
Por aquellas fechas, Gugelot descubrió el talento de Dieter Rams al igual que Gugelot o Aicher, Rams también era discípulo de la Hochschule für Gestaltung de Ulm, escuela sucesora de la Bauhaus en Alemania.
Algunas de las obras de aquel tiempo son el Tischusper de Gugelot, la SK 1 de Eichler o el Phonosuper de Rams. Viéndolas, comprendemos cómo se traduce a la práctica el ideario de diseño de Braun: innovación, practicidad, distinción, atractivo, claridad, honestidad y estética. Pero sobre todo, nos asombramos del poder de los principios en diseño, y de la capacidad de cambio que tienen algunas mentes cuando se unen para servir a una idea.
Tischusper de Gugelot
Phonosuper de Rams
Dieter Rams ha sido la cabeza pensante de los diseños de Braun durantemuchos años. Su primera aportación a la firma fue el Phonosuper en 1956,apodado "snow white's coffin" (ataúd de blanco nieve). Se trataba del primer combo fonógrafo/radio que, a pesar de combinar funciones de dos aparatos distintos, conservaba una simplicidad de líneas y funcionamiento asombrosa. Contemplando algunos de los diseños de Rams, podemos ver que su enfoque era claramente reduccionista, llegando a crear lo que algunos denominan el "estilo Braun".
A través de sus productos se logra ver en práctica las bases de diseño de Braun: innovación, practicidad, distinción, atractivo, claridad, honestidad y estética.
Asimismo, el mismo Rams gestó una lista de principios, que resumen en gran medida el cómo se ha desarrollado Braun hasta el día de hoy.
1. El buen diseño es innovador.
2. El buen diseño hace útil al producto.
3. El buen diseño es estético.
4. El buen diseño hace comprensible al producto.
5. El buen diseño es honesto.
6. El buen diseño es no-intrusivo.
7. El buen diseño es duradero.
8. El buen diseño se prolonga hasta el último detalle.
9. El buen diseño está comprometido con el medio ambiente.
10. Buen diseño significa tan poco diseño como sea posible.
Los electrodomésticos Braun son un claro ejemplo de limpieza, sencillez y apariencia de "eficiencia" de un diseño, desde el Phonosuper, pasando por su afeitadora eléctrica Sixtant de 1962, la Silk-épil de 1988 y la Syncro 7505, hasta el dia de hoy, donde luego de transformarse en subsidiaria del grupo de empresas Gillette (que incluye además a Duracell, Oral-B y los demás productos Gillette), pasa a llamarse Braun GmbH, y se dedica al diseño en nuevas áreas (cuidado bucal, belleza, salud, alimentos envasados, electrodomésticos, entre otros), asimismo, en el año 2005 Braun pasa, a través de Gillette, a ser parte del conglomerado Procter & Gamble.
Según la misma empresa, "Braun es sinónimo de diseño funcional y distintivo; de productos con un alto diseño, con valores y cualidades estéticas. Braun es diseño innovador y refleja el compromiso con la creación de nuevos conceptos que respeten los valores de diseño."Todo lo anterior confirma lo dicho en un comienzo; Braun es un icono en cuanto se refiere al diseño industrial, y más particularmente al diseño de interacción, como la misma empresa lo define, llegando a ser hoy en día referente para empresas tan importantes como Apple.
EL OP ART 1960
El Op Art surge a finales de la década de los ‘50, para asentarse en los años ‘60. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real. Fue rápidamente aceptado por el público por sus estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.
Uno de sus representantes más relevantes es el artista francés Víctor Vasarely, quien se interesa por el arte cinético con sus efectos ópticos sugeridos por la superposición de tramas, la ordenada organización de las formas y los contrastes de blanco, negro y color.
Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación.
A mediados del siglo XX varios artistas como Josef Albers, Victor Vasarely y M.C. Escher empezaron a explorar en sus obras distintas formas de confundir al ojo. En los sesenta se inventó el término arte óptico para nombrar ese tipo de trabajo, ya que cada vez más artistas abstractos escogían ese estilo. Los artistas ópticos no estaban interesados en pintar los objetos de la vida cotidiana como los artistas Pop, que eran sus contemporáneos.
El movimiento quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada The Responsive Eye que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia. Entre sus principales representantes estaban la británica Bridget Riley y los estadounidenses Ellsworth Kelly y Kenneth Noland.
Las cuidadas formas del Op Art gozaron de una rápida y entusiasta aceptación por parte de la crítica y del público y pronto se convirtió en punto de inspiración para modistas, publicistas y gente de las artes gráficas.
Además el arte óptico o cinético (como muchos lo llaman) es uno de los movimientos artísticos que más se relacionan con la investigación científica, al estudiar el color, la influencia de la luz y el movimiento en los cambios cromáticos y su percepción en la retina humana.
Destacaron entre los representantes del Op Art: Victor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons, Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz.
Por su parte, los diseñadores textiles y de moda de la década de los ‘60 no tardaron en asimilar estos movimientos artísticos y aplicarlos en el vestir. Lograron así que el buen diseño fuera una realidad al alcance de muchos, de fácil acceso para las grandes masas de clase media.
Idearon modelos “frescos”, que reflejaran alegría y vitalidad, renovando las texturas, los estilos y también la combinación de colores, uniendo sin temor colores como el fucsia con el rosado o amarillo, que antes a primera vista “no combinaban”.
Características generales: Es una evolución matemática del arte abstracto.
Se usa la repetición de las formas simples.
Los colores crean efectos vibrantes.
Gran efecto de profundidad.
Confusión entre fondo y primer plano.
Hábil uso de las luces y las sombras.
El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve.
Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.
En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotraen.
