INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE: CONCEPTO Y MÉTODO 1. TEORÍA Y FUNCIÓN DEL ARTE a) El Arte. Concepto, clasificación y función El Arte es un lenguaje específico (al igual que el escrito u oral o el científico), pero también un modo de expresión y una manifestación espiritual exclusiva del hombre. Inicialmente fue una expresión espontánea, intuitiva, pero luego se convirtió en una actividad elaborada, compleja y estrictamente codificada. Sus objetivos fundamentales son la imitación de la naturaleza y la transmisión de emociones estéticas (con o sin formas sensibles); la búsqueda de la belleza no tiene porqué ser uno de dichos fundamentos ("estética de lo feo"). Sólo el hombre es capaz de hacer arte, en tanto que este proceso no es sólo de imitación, sino de creación o reelaboración de los elementos de la naturaleza ("No hay arte sin hombre, pero quizá tampoco hombre sin arte", R.Huygue). Dentro de las Bellas Artes, cada una de ellas tiene un medio específico de expresión (el principal, no el único): Arquitectura (espacio), Escultura (forma y volumen), Pintura (color), Poesía (palabra), Música (sonido), Danza (movimiento), Cine (imágenes móviles). Aunque todas juegan con los conceptos espaciales y temporales (ritmo), las tres artes mayores por excelencia (Arquitectura, Escultura y Pintura) son eminentemente espaciales. Por último cabe citar las artes menores o aplicadas (muebles, tapices...) y las populares (alfarería, cestería...). Partiendo del hecho de que una obra de arte puede tener distintas significaciones (individual, social o universal), ésta cumple dos tipos de funciones: una en el contexto de su propia época; otra de cara a nuestra época actual. En su época, una obra de arte puede servir, sin más, para la contemplación y el goce estético (función estética), para expresar ideas que corresponden a la realidad tangible o a realidades paralelas (función intelectual) o para manifestar el poder de alguien, servir de recuerdo, facilitar el culto o los ritos mágicos (función práctica). En la actualidad, nos permite incrementar la formación estética y personal del contemplador (disfrute de la belleza, adquisición de nuevas ideas), así como conocer culturas alejadas de nosotros en el tiempo o en el espacio (técnicas, creencias...). b) Historia de la Historia del Arte A lo largo de la Historia, cada época ha respondido de forma diferente a la cuestión del concepto de arte: así, si en la Grecia se pretendía reflejar una belleza ideal y normativa (que luego reelaboraría el Renacimiento), en la Edad Media el arte se movió entre su uso religioso y acusaciones de idolatría; sólo el siglo XIX introducirá visiones más subjetivas y variadas, hasta caer en un casi absoluto relativismo en el siglo XX (respecto a obras contemporáneas o previas). A lo largo del tiempo se han ido configurando una serie de grandes tendencias en la historiografía artística. Ya en el siglo IV a.C., el griego Jenócrates de Sición se convertía en el “padre de la Hª del Arte” con sus escritos, a los que se añadieron las aportaciones biográficas latinas de Plinio el Viejo. Tras el “desierto” medieval, el Renacimiento, con Vasari, recuperó esta línea clásica, aunque hasta el siglo XVIII (con Winckelmann) no quedarán sentadas las bases metodológicas (positivistas) de una disciplina que se institucionalizará ya en el siglo XIX de la mano de Burckhardt o Taine y que, a finales de la centuria hará surgir el formalismo en la escuela de Viena (Wölfflin), que defiende el arte como manifestación formal huyendo de perspectivas idealistas o sentimentales.

Ya en el tránsito al siglo XX aparece la iconografía, que incide más en el significado de las obras sin olvidar lo formal (Panofsky), aplicando tres niveles de lectura: identificación de lo representado (pre-iconográfico), del tema y sus valores (iconográfico) y de su significado (iconológico). Posteriormente llegaron las aportaciones de influencia marxista, que tratan de vincular las obras con las estructuras políticas, socio-económicas y culturales de su contexto (o del propio del observador), dando lugar a la sociología del arte (Hauser). Para ofrecer una visión más global de la obra de arte surgen después corrientes como la psicología del arte, tanto referida al autor y su carácter (Huygue), como a la percepción observador (Arnheim), o como el estructuralismo, que pretende decodificar el arte como lenguaje comunicativo estructurado con significantes y significados (Benjamin). Sin embargo, la gran aspiración de la historiografía artística actual sigue siendo la búsqueda de una visión integradora de estas corrientes. c) La creación artística y sus condicionantes

Sea cual sea el planteamiento teórico inicial, el punto de partida del proceso de creación es la idea del artista, su poder creador, que se ha de plasmar ya en la elección de unos materiales y unas técnicas de trabajo que le permitan obtener una forma artística que exprese adecuadamente su idea o intención inicial. Además, hay que tener en cuenta el efecto logrado en el espectador, que muchas veces no se limita a ser eso, sino que además es un cliente (predeterminado o abierto) o un mecenas o protector que condiciona todo el proceso creativo (véase el caso de la Iglesia).

En suma, los principales condicionantes de este proceso son: 1) el modo de ser del artista (carácter, personalidad, necesidad de liberación, independencia creadora...), que provoca un diálogo entre el autor y su obra especialmente evidente en el autorretrato; 2) las circunstancias históricas (contexto espacio-temporal de la cultura); 3) las circunstancias sociales (consideración del artista –como artesano o como intelectual-, gusto de clientes o mecenas y del gran público); 4) los conocimientos técnicos de la época; estos tres últimos aspectos generan un constante diálogo entre el autor y la sociedad de ida y vuelta. d) Los estilos artísticos y su evolución Cuando las formas artísticas se repiten en el espacio y en el tiempo, nace un estilo, que tiene su propia combinación de apariencias y significados (una misma forma puede tener significados diferentes en dos estilos distintos). Los estilos cambian con el espacio (culturas) y el tiempo (evolución), atravesando una serie de fases (solapadas y a distinto ritmo) muy influidas por el entorno geográfico, político, social y económico:

- Fase preclásica o protoclásica: incluye los primeros ensayos indecisos en busca de las normas y el lenguaje propio del estilo.

- Fase clásica: se crean referencias fijas, modelos generales obtenidos por abstracción y aplicados a las formas y a las ideas; su reiteración genera el academicismo.

- Fase manierista: se acentúan los rasgos clásicos o se reacciona contra ellos; domina la originalidad personal, la aparente arbitrariedad y la sorpresa.

- Fase barroca: la inspiración es clásica, pero los elementos se usan de modo libre y subjetivo, cayendo en lo artificioso, decorativo, dinámico y simbólico.

- Fase arcaizante: puede darse en la fase barroca cuando persisten formas artísticas ajenas a la cultura dominante, incorporadas a los patrones clásicos.

- Fase recurrente o neoclásica: puede darse cuando en la fase barroca de un estilo posterior renacen los elementos del anterior, eso sí, empleados de modo ecléctico (usando las mismas formas, pero con distintas técnicas y contenidos).

La seriación más típica de estilos artísticos en Occidente, partiendo del arte clásico, sería: clásico, postclásico, románico, gótico, renacentista, manierista, barroco, rococó y neoclásico (más los "ismos" contemporáneos). Hay que recordar que cada uno de estos estilos habría atravesado en su evolución las fases antes citadas.

e) El patrimonio artístico

El patrimonio es la herencia cultural que hemos recibido (= obras de valor o interés colectivo especial, tanto histórico, como artístico y monumental), y que debe conservarse para garantizar la cohesión de los grupos humanos y para el disfrute sensitivo e intelectual de las generaciones actuales y venideras (aunque la vida moderna no facilita ciertamente ese placer). El de tipo urbanístico y arquitectónico, por ejemplo, se ve afectado por problemas como la especulación con el suelo, las modificaciones introducidas para atender las nuevas demandas sociales, la contaminación, las actuaciones bien intencionadas pero mal planificadas (modernizaciones descontextualizadoras, restauraciones, limpiezas y hasta traslados indebidos) o la propia ignorancia y la negligencia individual o colectiva. Las obras escultóricas o pictóricas tampoco están a salvo de estos problemas, aunque sí pueden protegerse, trasladarse y conservarse con mayor facilidad, al tiempo que una buena gestión museística puede garantizar una válida exposición de las mismas; sin embargo, también es cierto que las artes figurativas están sujetas a un mercado (legal o ilegal) mucho más exigente y "devorador".

Por todo lo anterior, todos los miembros de la comunidad deben colaborar en la búsqueda de soluciones a los problemas planteados, partiendo de una intensa campaña para concienciar a la población del valor (cultural y económico) del patrimonio que les rodea, pues "sólo se respeta lo que se ama y sólo se ama lo que se conoce" (exposiciones populares e itinerantes, nuevos programas de estudio, museos y monumentos abiertos...), aunque también se deba evitar caer en el polo opuesto al desprecio por el patrimonio artístico y cultural, es decir en el "chauvinismo" o el excesivo apego a las tradiciones propias en detrimento de otras y de una enriquecedora interculturalidad. En el caso concreto de nuestra región, Extremadura, pese al carácter periférico de su papel en la historia artística peninsular en los últimos tiempos (como foco receptor de influencias), el legado de etapas históricas previas ha permitido que gocemos de un patrimonio artístico muy rico y variado (restos prehistóricos, vestigios romanos y visigodos, muestras de arte religioso medieval y moderno, ejemplos de fusión hispano-musulmana, aportaciones individuales de pintores modernos y contemporáneos...), cuya valoración ha progresado últimamente tras décadas de manifiesto abandono, apoyada por diversas iniciativas privadas y/o públicas o académicas encabezadas por la Junta o por la Universidad de Extremadura (véanse las actuaciones realizadas en los cascos históricos, en torno a la Ruta de la Plata o en relación con la red de museos, con piezas emblemáticas como el MNAR o el MEIAC). Además, la categoría de “ciudad patrimonio de la humanidad” concedida por UNESCO a varios núcleos históricos extremeños (Mérida, Cáceres, Guadalupe) viene a corroborar no sólo el peso específico del patrimonio extremeño, sino también la proyección de su valoración en la Península y en el mundo.

2. ANÁLISIS E INTERPRETACIÓN DE LA OBRA ARTÍSTICA a) La descripción (caracterización técnica y formal) Arquitectura. Su objetivo es crear espacios interiores confortables, transitables y adecuados a su función, que habrán de ser apreciados tanto en una visión de conjunto como en diversos recorridos. El problema de la cubierta será el más importante de este arte, hasta el punto de condicionar los estilos. Los tipos de edificios pueden ser: 1) religiosos: templos, tumbas, baptisterios, torres, altares...; 2) civiles: residenciales (palacio), de obras públicas (puente), administrativos (ayuntamiento), de ocio (teatro), conmemorativos (arco del triunfo), postindustriales (estación), otros (lonja). Los elementos materiales de la arquitectura se refieren al material de construcción (piedra, barro, hormigón, ladrillo, hierro, cristal...). Los elementos estructurales pueden ser: 1) sustentantes o de soporte: en horizontal, muro macizo o aparejo y muro con vanos; en vertical, pilar (sección poligonal) y columna (sección circular); 2) sustentados o de cubierta: dintel con entablamiento y cubierta; arco generador de bóvedas (por traslación) o cúpulas (por rotación). Finalmente, los elementos decorativos pueden ser semi-constructivos, como columnas adosadas o arcos ciegos, o puramente decorativos, como molduras, esmaltes o relieves. Escultura. Su objetivo es la percepción de volúmenes externos. Según la forma distinguimos: 1) relieve: alto, medio, bajo o hueco; 2) bulto redondo : busto, torso, grupo, estatua (sedente, yacente, erguida, orante, ecuestre). Respecto a los elementos técnicos, existen tres métodos fundamentales de trabajo, con sus respectivos materiales y técnicas:

- Añadido: utilizado con arcilla (moldeado), metal (soldadura) y madera (encolado). - Sustracción: requiere mucha más preparación previa; es empleado con piedra(esculpido) o

madera (talla). - Vaciado: usado con escayola, hormigón, metal o plástico; permite obtener moldes que luego

se rellenan con un líquido solidificable. Entre los elementos formales destacan: 1) Temas: figurativos o abstractos. 2) Composición: según la forma geométrica. 3) Calidad o textura: suavidad, rugosidad, transparencias de las superficies. 4) Volumen: ocupación del espacio, partes de la obra, proyección exterior de las mismas. 5) Masa y peso: sensación percibida por el espectador. 6) Movimiento: tensión, ritmo de la composición (o ausencia de él). Pintura. Su objetivo es la obtención de color en un plano y fingiendo la tercera dimensión (arte occidental) mediante la perspectiva y el claroscuro. El proceso creador sería el siguiente: dibujo de la cuadrícula, boceto o dibujo previo, estudios parciales, boceto general coloreado, obra final. En cuanto a los elementos técnicos, destacan varias técnicas, aplicadas sobre distintos soportes y con distinta preparación, con unos elementos específicos y concaracterísticas propias:

- Fresco: sobre muro o techo, en un lecho de cal y arena o estuco (húmedo); con pigmento y agua de cal; se aplica rápidamente (por tareas) y genera poco color, pero luminoso.

- Temple: sobre muro, tabla o lienzo, en una base de yeso; con pigmento, clara de huevo y cola (+ aceite = temple graso); pintado con pincel pequeño y pincelada ligera, seca despacio y da un resultado muy brillante.

- Óleo: sobre tabla, lienzo, cartón, papel, metal o piedra y cubierto con un barniz posterior; con pigmento y aceite de linaza o de nuez; el trabajo es lento, detallado y modificable (arrepentimientos), aunque se oscurece con el tiempo.

- Encausto: sobre tabla, muro o tela; protege los frescos; mezcla pigmentos, resina y cera; se aplica con pincel caliente y paleta metálica.

- Acuarela: sobre papel, una vez secado y puesto en una tabla; con pigmento, agua y goma; es transparente y luminoso, sin blanco ni correcciones.

- Témpera: sobre papel y estuco, con agua pare extender el color; mezcla pigmento y cola; es opaco y apagado, pero tiene blanco.

- Pastel:sobre papel u otros soportes y con una capa posteriora la ejecución; con pigmento y goma; generabuenos colores.

- Acrílicos: sobre madera, tela, papel, metal o piedra; se logra con pigmento y ácido acroleico (agua y aceite); reúne las ventajas del temple y del óleo, pero sin cubrir los colores.

- Mosaico: en muros o suelos, tras un dibujo previo y luego trasladado a argamasa; con teselas en piedra, madera o cristal; produce un gran efecto decorativo.

- Vidriera: en los vanos, a partir de un dibujo y sobre juntas de plomo y armazón de hierro;los vidrios se colorean y hornean (pigmento fundible); matizan y enriquecen la luz.

En cuanto a los elementos formales, destacamos los siguientes:

- Temas: religioso, retrato, bodegón, paisaje, de género, desnudo... - Composición: basada en la línea (horizontal = descanso, vertical = fuerza, curva =

movimiento, diagonal = profundidad) y en sus combinaciones (angular, piramidal, en balanza, romana, concéntrica, radial, numeral, literal...).

- Espacio y movimiento: se basa en las leyes ópticas y en el juego de planos y tamaños de los objetos para crear sensaciones de inquietud, calma, proximidad, lejanía...

- Color: es el elemento esencial de la pintura. o Clasificaciones: primarios (rojo, azul, amarillo) y secundarios (violeta, verde,

naranja); fríos (gama de azul = distancia) y cálidos (gama de rojo = proximidad); complementarios u opuestos (amarillo/violeta, azul/naranja, rojo/verde).

o Cualidades: tono (distingue un color de otro); valor (distingue el claro y el oscuro de un mismo tono); intensidad (fuerza del color).

o Simbología:azul (bondad, descanso), negro (maldad, oscuridad), rojo (pasión), blanco (pureza), amarillo (inestabilidad, locura), verde (serenidad, esperanza), violeta (misterio, tristeza).

o Armonía o desarmonía: entrante (combinado con uno cálido); saliente (combinado con uno frío); neutralizados (los fuertes, con blanco o negro).

- Luz: permite la creación de formas a través del color (ambientes, cuerpos, perspectivas, contrastes o claroscuros); puede tener un uso simbólico.

- Perspectiva: busca representar objetos en una superficie tal y como aparecen a la vista, en profundidad; hay diversos tipos: raspa de pez (sin punto de fuga), jerárquica (por tamaños), geométrica (con un punto de fuga y las figuras a escala), aérea (basada en el tono y el color, indicando alejamiento con el azulado de las figuras), subjetiva (punto de vista personal o combinación de varios puntos de vista).

b) La interpretación (explicación del uso de los recursos técnicos y formales) Los aspectos fundamentales a tratar en la interpretación de una obra de arte serían:

- Su finalidad o función, que dependerá tanto del autor como del cliente: decorativa, ilusionista, estructural, urbanística, docente, religiosa, conmemorativa, civil..

- Su marco cronológico, esto es, el estilo, etapa y autor al que pertenece, situando la obra en el conjunto de obras del artista y del periodo y teniendo en cuenta las circunstancias históricas (técnicas, sociales o ideológicas).

- Antecedentes y consecuencias de la obra, tanto en el terreno de las funciones, como en el de las formas o los significados; también cabe incluir reflexiones sobre su impacto actual.

Pero para llevar a cabo la interpretación artística, es preciso seguir un método, un orden determinado. Teniendo en cuenta que lo ideal es integrar en una perspectiva global todos los puntos de vista posibles, los métodos interpretativos más relevantes en Historia del Arte son:

- Método histórico-crítico o tradicional: se basa en el análisis cronológico y crítico de las formas (Burckhardt).

- Método positivista: incide en la conexión causal existente entre la obra y el medio en el que nace, así como en el carácter histórico de los estilos, pero descuida el análisis formal (Taine).

- Método formalista: analiza la evolución formal de los estilos, pero sin atender al contexto, con lo que la Historia del Arte se convierte en una sucesión irreversible de estilos (Wölfflin).

- Método iconológico: ahonda en el significado de la obra, en las ideas transmitidas a través de formas y símbolos (Panofsky).

- Método sociológico: busca en la obra referencias para el estudio de las clases sociales o los determinantes económicos de una época, sin olvidar otros condicionantes como los psicológicos, materiales, técnicos, políticos, históricos... (Hauser).

- Método estructuralista: analiza la estructura interna de la obra desde un plano mental, social o ideológico.

- Método cuantitativo o serial: basado en las técnicas de análisis matemático e informático. En todo caso, siempre hay que recordar que el producto final de un estudio artístico debe ser una mejor comprensión de las relaciones recíprocas que se establecen entre los estilos artísticos y la sociedad que los genera.

COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE 1) El orden del comentario nunca debe ser mecánico; no es preciso ceñirse exactamente al guión que aquí sigue ni dar necesariamente todos los pasos indicados. Es preferible adaptarlo a la obra comentada y a nuestros conocimientos sobre ella y ser original (sin dejar de ser prudente). 2) El modelo de comentario tiene cuatro grandes apartados, dedicados respectivamente a la observación de la obra (lectura visual), a su análisis y descripción formal (lo que vemos), a su análisis histórico-artístico (lo que sabemos o investigamos) y finalmente al análisis de su función y significado (lo que interpretamos). Sólo en el segundo de estos apartados hay diferencias notables en los pasos a seguir. 3) Se debe tener en cuenta que cada "arte mayor" tiene sus rasgos específicos (y términos técnicos), en los que habrá que incidir: la Arquitectura es un arte público, de exteriores y muy funcional; la Escultura es más minoritaria y compleja y, por tanto, más conservadora y menos experimental; la Pintura se convertirá en el arte de interiores por excelencia y el más dado a pruebas e innovaciones técnicas. 4) Al comentar una obra de arte se debe evitar decir todo lo que se sabe indirectamente de ella (por ejemplo, hablar de la Revolución francesa ante los cuadros de David). Tampoco son válidas las valoraciones personales (tanto de admiración como de desprecio). Finalmente, no es recomendable empezar por adivinar la obra presentada; los pasos del análisis deben llevar a ello. OBRAS ARQUITECTÓNICAS 1º) Observar detenidamente la obra (lectura visual), sin intentar descifrarla aún, pero empezando a captar detalles. 2º) Analizar y describir los elementos arquitectónicos (lo que se ve). Es imprescindible conocer el lenguaje formal o léxico arquitectónico. Habrá que explicar (si se aprecia o se conoce):

- tipo, función, ubicación y orientación del edificio; - materiales de construcción (piedra, madera...); - elementos estructurales sustentantes (columna, pilar...) y sustentados (dintel, arco...); - elementos decorativos semiconstructivos o decorativos puros; - visión de conjunto (relación entre muros y vanos, armonía y proporciones, volúmenes y

espacios, luz y color). 3º) Analizar histórico-artísticamente la obra (lo que sabemos o investigamos), es decir, explicar:

- el estilo o escuela a la que pertenece; - su nombre y localización en el tiempo; - el nombre del autor o de los autores (si se conoce); - los comitentes (clientes) que la encargan; - las relaciones que tenga con otros edificios anteriores (antecedentes), de su tiempo o

posteriores (consecuentes); - sus relaciones con su época histórica.

4º) Realizar, si se dispone de la información necesaria, una lectura particular de la obra (lo que interpretamos) a partir de una clave política, filosófico-religiosa, científica, económico-social, materialista o técnica.

OBRAS ESCULTÓRICAS 1º) Observar detenidamente la obra (lectura visual), sin intentar descifrarla aún, pero empezando a captar detalles. 2º) Analizar y describir los elementos formales y estilísticos (lo que se ve), incidiendo en aspectos como:

- el tipo, naturaleza o forma de la obra; - el material y la técnica de trabajo empleados; - la calidad o textura del acabado; - su tema (figurativo o abstracto) y composición geométrica; - las proporciones y la creación de volúmenes y espacios; - la sensación de masa y peso; - las sensaciones de reposo, ritmo, tensión o movimiento.

3º) Analizar histórico-artísticamente la obra (lo que sabemos o investigamos), es decir, explicar: - el estilo o escuela a la que pertenece; - su nombre y localización en el tiempo; - el nombre del autor o de los autores (si se conoce); - los comitentes (clientes) que la encargan; - las relaciones que tenga con otras esculturas anteriores (antecedentes), de su tiempo o

posteriores (consecuentes); - sus relaciones con su época histórica.

4º) Estudiar, si es posible, la función o el significado de la escultura (lo que interpretamos), bien sea política, religiosa, conmemorativa, simbólica, puramente estética...; en el caso de los retratos, sería preciso, por ejemplo, un análisis de su evolución. OBRAS PICTÓRICAS 1º) Observar detenidamente la obra (lectura visual), sin intentar descifrarla aún, pero empezando a captar detalles. 2º) Analizar y describir los elementos formales y estilísticos (lo que se ve), como por ejemplo:

- la naturaleza de la obra y el tema presentado; - el material empleado (soporte y técnica); - la composición (combinación de líneas) y el movimiento; - el espacio (perspectiva) y los volúmenes; - el color y la luz.

3º) Analizar histórico-artísticamente la obra (lo que sabemos o investigamos), es decir, explicar: - el estilo o escuela a la que pertenece; - su nombre y localización en el tiempo; - el nombre del autor o de los autores (si se conoce); - los comitentes (clientes) que la encargan; - las relaciones que tenga con otras pinturas anteriores (antecedentes), de su tiempo o

posteriores (consecuentes); - sus relaciones con su época histórica.

4º) Estudiar, si es posible, la función o el significado de la pintura (lo que interpretamos), haciendo hincapié en el punto de vista más relevante (formalista, histórico, socio-económico, iconológico...).

ARQUITECTURA • Obra, autor, cronología

Análisis formal

1- Tipo, función, sección mostrada (planta/alzado, interior/exterior) y relación con el entorno (orientación, conjunto, vinculación con la naturaleza…)

2- Elementos materiales e instrumentales 3- Elementos estructurales (sustentantes/sustentados) y

decorativos (semiconstructivos o no) 4- Visión de conjunto (proporciones, ejes, espacios interiores

y exteriores, luz…)

ESCULTURA • Obra, autor, cronología

Análisis formal

1- Tipo, tema (e iconografía), función, sección mostrada, posición y relación con el entorno (entorno original/actual, puntos de vista…)

2- Elementos materiales y técnica de trabajo 3- Elementos técnicos (composición, textura, volumen) y

decorativos (color…) 4- Sensación transmitida (proporciones, masa, dinamismo,

efectos de luz…) PINTURA

• Obra, autor, cronología Análisis formal

1- Tema (e iconografía), función y relación con el entorno (emplazamiento original o actual)

2- Elementos materiales (incluido soporte) y técnica de trabajo empleada

3- Elementos técnicos básicos (composición, dibujo/color) 4- Elementos técnicos espaciales (perspectiva, profundidad,

volumen, luz)

EN TODAS Análisis histórico-artístico o estilístico

1- Estilo o escuela a la que pertenece y época 2- Datos básicos de los autores y/o comitentes 3- Rasgos fundamentales del estilo (sobre todo, tendencias y

variaciones de la obra respecto a éste) 4- Relaciones con su época histórica 5- Posibles antecedentes o consecuentes

Lectura particular de la obra (recalcando cierto enfoque -por ejemplo, iconológico- si es relevante)

RECOMENDACIONES 1- El orden aquí establecido sólo es orientativo y depende siempre de la obra a comentar y de la información disponible 2- El nombre de la obra y del autor es muy importante, pero no tanto como la valoración estilística de la obra 3- En la explicación se valora de modo muy especial el uso del vocabulario específico de cada rama artística 4- No conviene ni eludir ni abusar de las conjeturas y es imprescindible una buena redacción aplicada y no sólo teórica 5- Cuando lo que se solicita es una mera ficha de identificación y clasificación, debe incluirse: obra y autor, estilo y época (con

cronología), tema/función (presentado) y peculiaridad/es más significativa/s

ETAPA HISTÓRICA ESTILO CRONOLOGÍA RASGOS BÁSICOS ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ PREHISTORIA prehistórico hasta esculturas y pinturas (1000000- paleolítico m.VIII a.C. de tema animal (caza) 3500 a.C.) prehistórico m.VIII a.C. temas anteriores y neolítico -m.IV a.C. primera arquitectura ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ EDAD ANTIGUA oriental m.IV a.C.- importancia de temas (3500 a.C.- (mesopotámico s.VI a.C. políticos y religiosos 476 d.C.) y egipcio) clásico s.VIII a.C. racionalismo, proporción (griego y s.V d.C. humana, sentido práctico romano) ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ EDAD MEDIA bizantino s.V d.C. importancia de emperador (476 d.C.- s.XV d.C. y religión (ortodoxa) 1453 d.C.) islámico desde mezquitas, palacios y s.VII d.C. decoración geométrica cristiano s.X d.C.- iglesias y esculturas o románico s.XII d.C. pinturas religiosas cristiano s.XIII d.C. catedrales y otras artes gótico s.XV d.C. más independientes ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ EDAD MODERNA renacentista s.XVI d.C. humanismo, proporción, (1453 d.C.- recuperación de clásicos 1789 d.C.) barroco s.XVII d.C. dinamismo y decoración, uso político-religioso neoclásico s.XVIII d.C. retorno al equilibrio clásico y renacentista ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ EDAD se suceden los estilos artísticos: CONTEMPORÁNEA * romanticismo, realismo, modernismo (s.XIX d.C.) (1789 d.C.- * vanguardias y abstracción (1ª mitad s.XX d.C.) actualidad) * nuevas tendencias (2ª mitad s.XX d.C.) ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS NO OCCIDENTALES

1. INTRODUCCIÓN El habitual enfoque “europeocéntrico” u “occidentalizante” de los estudios históricos y

culturales tradicionales, a menudo obvia las manifestaciones artísticas de culturas más remotas, pero de gran valor creativo, en las que aflora del mismo modo el afán humano por comprender su entorno y expresar su modo de interpretarlo y sentirlo. Veamos a continuación un breve recorrido por algunas manifestaciones tradicionales (a menudo vinculadas a lecturas espirituales o religiosas y políticas) del arte asiático, del africano y del americano (precolombino), que no podrá abarcar toda su complejidad y que, inevitablemente, dejará fuera expresiones artísticas más populares (pintura corporal, música y danza...) y culturas de menor difusión espacial (como la maorí en Oceanía).

2. ARTE ASIÁTICO

Además de Egipto, las primeras civilizaciones conocidas nacieron en los grandes valles

fluviales del suroeste de Asia, el noroeste de India y China meridional. A pesar de sus diferencias, todas tenían ciertos rasgos comunes (sociedades agrícolas con estructuras sociales y políticas avanzadas para mantener sistemas de regadío y control de inundaciones). Ese desarrollo cultural se gestó sobre todo en torno a dos núcleos artísticos:

a) Indostán

Desarrollado desde el III milenio a.C., su arte se caracteriza por un gran sentido del dibujo, una destacada voluptuosidad (que funde carne y espíritu) y una libertad de expresión poco habitual en Occidente; debe ser comprendido en función de las necesidades ideológicas, estéticas y rituales de su civilización (cambio y perfección, tiempo y eternidad, inmanencia y trascendencia son partes de un único proceso en el que no se puede separar a la creación del creador). El arte indio se extendió por todo Oriente con la difusión del budismo y el hinduismo y ejerció una gran influencia sobre el arte extremo-oriental; éstas religiones predominaron en la India hasta la llegada del Islam (siglo XIII), que impuso una decoración de motivos geométricos.

En arquitectura, las construcciones budistas más características son la stupa o templete para

reliquias en honor de Buda y los chaitya o templos rupestres; el estilo hindú está marcado por el exceso de ornamentación, los tejados piramidales, las complicadas gopuras, o puertas de gran tamaño, y los choultries, o salones ceremoniales. Las obras escultóricas más primitivas (sellos, pictografías, figuras de diosas y animales) se realizaban en piedra, arcilla, marfil, cobre y oro; luego, el budismo hace de la escultura un complemento arquitectónico (figura de Buda), y el hinduismo representó básicamente todo su panteón , aunque desde el siglo IX se impusieron formas más lineales y de contornos pronunciados, recogidos por la ornamentación musulmana posterior; en pintura se desarrollaron sobre todo las pinturas murales, manuscritos con miniaturas, retratos... En artes decorativas destaca la joyería (filigrana y granulado), la cerámica (color y ornamentación sometidos a la forma, y la repetición de formas naturales en la decoración), la metalurgia (armas y pertrechos militares) y el trabajo textil (tapices, chales de lana y diversos tejidos de seda y de algodón, estampados y bordados).

b) Extremo Oriente Su arte tiene dos máximas representaciones (no únicas), que son el arte chino y el japonés. El

arte chino se desarrolla especialmente desde los primeros periodos dinásticos (1500 a.C.), manifestándose una línea oficial marcada por los emperadores-mecenas (destacan los Ming, siglos XIV-XVII) y otra más libre (ex-funcionarios aficionados). El arte chino, en los primeros siglos de nuestra era, fue influido por el arte persa u el hindú (budismo), aunque conservó su carácter y creó temas propios (confucianismo, taoísmo). Se distingue por la fantasía y complicación de los motivos ornamentales, por la estilización (rasgos básicos) y por la importancia dada al arte suntuario (lujo).

- La arquitectura casi siempre con entramado de madera y da gran importancia a la cubierta, destacando la construcción de palacios, templos (pagoda budista) y estructuras defensivas (Gran Muralla).

- La escultura y la pintura (sobre madera, seda y loza) tienen también gran peso, pero sobre todo adquieren su máximo esplendor aplicadas a la elaboración de objetos de cerámica, porcelana (invento chino) y bronce; tampoco deben olvidarse las joyas (jade y ágata), los muebles, cajas y objetos de adorno (lacados o con barniz duro y brillante de resina), la caligrafía y los tejidos artísticos (especialmente seda).

El arte japonés se desarrolla desde el siglo VII a.C., pero ya en nuestra era está relacionado

sobre todo con el budismo, aunque ya en el siglo IX Japón empezó a abandonar la influencia china y a desarrollar formas de expresión propias, oscilando entre sencillez y refinamiento; fue cobrando importancia el arte profano, que continuó floreciendo junto al religioso hasta finales del siglo XV (aunque con los Tokugawa, siglo XVII-XIX aquél se impondría del todo).

- La arquitectura (palacios, casas, templos) revela claramente las preferencias japonesas por los materiales naturales (madera) así como la interacción del espacio interior y del exterior (jardines).

- Por otra parte. el pincel es el medio de expresión artística preferido por los japoneses, en tanto que para los artistas la escultura era un medio de expresión mucho menos eficaz (temas relacionados con la religión y reducida con la decadencia del budismo tradicional); por contra, la cerámica japonesa es una de las más bellas del mundo y a ella pertenecen muchos de los objetos japoneses más antiguos.

3. ARTE AFRICANO

El continente africano acoge una gran variedad de culturas, caracterizadas por un idioma,

unas tradiciones y unas formas artísticas propios. Aunque el Sáhara actúa como barrera divisoria natural entre el norte de Africa y el resto del continente, hay muchas influencias entre ambas zonas a través de las rutas comerciales (arte islámico, dominante al Norte).

La tradición artística africana abarca la arquitectura (principalmente estructuras de tipo doméstico en materiales pobres como paja y adobe), la pintura (colorista, en edificios o tejidos), la escultura (en forma de figuras y máscaras), el mobiliario, la cerámica, los tejidos y las joyas, aunque no se debe olvidar la importancia de la decoración corporal -no conservada del pasado (pinturas, peinados, tocados, tatuajes, incisiones) y las pinturas. Los materiales más empleados son la madera, las fibras textiles, el metal (bronce, hierro y oro), el marfil, la arcilla, la tierra y la piedra y las formas de representación varían desde un relativo naturalismo a la abstracción absoluta, con unos estilos artísticos diferenciados en cada área cultural.

Los artistas solían ser instruidos por otros creadores de sus mismas comunidades o áreas culturales, y su obra cobraba una dimensión no sólo estética, sino también socio-política (tribus y clanes), económica (rituales agrícolas), histórica (genealogías míticas y anales), religiosa (cosmología y animismo) o mistérica (adivinación, fetichismo). Pese a las diferencias, las culturas africanas subsaharianas (desaparecidas o no) pueden agruparse geográficamente así: sabana occidental (pueblos de las llanuras secas y herbáceas de Malí, Burkina Faso y Togo -dogon, bambara, mossi, bobo, tamberma...); bosques occidentales (sector atlántico de Guinea, Sierra Leona, Liberia y Costa de Marfil al O, y Ghana, Togo, Benín y Nigeria al E -sandé, poro, yoruba, dinastía de Benin...); bosques ecuatoriales y áridas sabanas que se extienden por todo el centro, sur y este del continente (en torno a Zaire y países limítrofes -pende, bongo, konso, masai, zulú...).

4. ARTE AMERICANO (PRECOLOMBINO)

Arte de las civilizaciones indígenas de Mesoamérica y los Andes y de las culturas vecinas anteriores al siglo XVI d.C. Durante 3.000 años, antes de la llegada de los europeos, los nativos americanos desarrollaron civilizaciones cuyos logros artísticos e intelectuales podían rivalizar con los de la antigua China, de la India, Mesopotamia y el mundo mediterráneo (y ello partiendo del desconocimiento de las técnicas del Viejo Mundo.

Espacialmente se ha establecido una división en cuatro grandes áreas, destacando la

mesoamericana (S Norteamérica, Centroamérica) y la andina (Perú, Bolivia), con la intermedia (S Centroamérica, Colombia, Ecuador) y la periférica (Cuenca Amazónica, Caribe) en segundo plano. Cronológicamente se distinguen tres grandes periodos, con sus culturas más destacadas (habría muchas otras): 1) preclásico o de formación (1500 a.C.- 300 d.C.): [M] olmeca, [A] de Paracas; 2) clásico o de florecimiento (300 - 900): [M] de Teotihuacán, maya, [A] mochica, nazca; 3) postclásico (900 - 1540): [M] tolteca, azteca; [A] inca.

Los aspectos más sobresalientes del desarrollo artístico precolombino se encuentran en la

arquitectura, la escultura, las pinturas murales y las artes decorativas como la cerámica, la metalurgia y los tejidos:

- En arquitectura, los edificios precolombinos más antiguos eran de madera, juncos trenzados, esteras de fibra o paja y otros materiales perecederos, usándose piedra o adobe en obras monumentales mesoamericanas y andinas. La mayor parte de las estructuras se construían con el sistema de pilastra y dintel, aunque algunas culturas (maya) emplearon el arco falso o bóveda de piedra salediza. Destacó la construcción (manual) de edificios como pirámides (religiosas), palacios, tumbas y templos sobre basamentos escalonados.

- En escultura abundan las figurillas de barro o arcilla y las efigies con forma de vasija, en tanto que las esculturas de piedra se encuentran principalmente en Mesoamérica.

- En pintura son especialmente importantes las pinturas murales, tanto en las paredes interiores como en las exteriores de los edificios, cubiertas con una capa gruesa de estuco en la que se pintaban diseños decorativos (geométricos) o escenas narrativas (hechos históricos y mitológicos, jerarquías divinas, sacerdotales y guerreras); importante también es la escritura pictográfica de los códices mayas y aztecas (libros de piel, fibra vegetal o corteza plegada y cubierta con figuras y símbolos de gran riqueza cromática y meticuloso dibujo; también se encuentran muestras de la pintura precolombina en la decoración de vasijas (maya, mochica y de Nazca).

- Las artes decorativas suelen estar relacionadas con lo funerario y tienen una función más utilitaria o ceremonial que decorativa. Tras sustituir a las canastas y vasijas de calabaza, se desarrollaron la cerámica y la arcilla tanto a mano como con moldes, decoradas con diseños estampados mediante un bloque, relieves, pintura (predominantemente uno o dos colores) y pulido. El trabajo del metal (cobre, bronce, oro -no hierro) se extendió tardíamente (1000 d.C.); por la ambición europea quedan pocos restos, pero usaron técnicas como la cera perdida, la soldadura, el repujado, el grabado, el chapados (oro) o la incrustación (piedras y conchas). En el terreno textil, la fibra más común utilizada en vestidos era el algodón (también lana de llama, alpaca y vicuña en Andes), coloreado con tintes minerales y vegetales y diseños e imágenes que se incorporadas al tejerlas o pintabas, estampadas, bordadas o aplicadas posteriormente.

ARTE ABORIGEN AUSTRALIANO

1. Aborígenes australianos

2. Pinturas rupestres (de 20.000 a.C. al siglo XIX)

ARTE INDIO

1. Gran stupa de Sanchi en Madhya Pradesh(s.III a.C – I d.C.)

2. Templo Jaya Sthamba en Ranakpur (a partir del s.V d.C.)

3. Taj Mahal en Agra (s.XVII d.C.)

ARTE INDIO

1. Cabeza de Buda de Gandhara (s.IV-II a.C.)

2. Siva, señor de la danza (s.XI d.C.)

3. Radha y Krishna en un pabellón (s.XVIII d.C.)

ARTE CHINO

1. Ciudad Prohibida, Pekín (s.XV d.C.)

2. Pagoda de la Colina del Tigre, Suzhou (s.X d.C.)

3. Altar del Cielo, Pekín (s.XV d.C.)

4. Gran Muralla (desde s.III a.C.)

ARTE CHINO

1. Ejército de terracota del emperador Qin (s.III a.C.)

2. Figuras funerarias de la dinastía Han (s.III d.C.)

3. Diadema Fénix de la dinastía Ming (s.XIV-XVII)

4. Pintura de Ma Yuan (s.XIIId.C.)

ARTE JAPONÉS

1. Templo Byodo-in, Kioto (s.XId.C.)

2. Castillo de Himeji, Hyogo(s.XIV-XVII d.C.)

3. Palacio de Katsura, Kioto(s.XVII d.C.)

ARTE JAPONÉS

1. Cerámica Karatsu (s.XVI d.C.)

2. Utamaro, “La hora del jabalí”(s.XVIII d.C.)

3. Caligrafía japonesa

4. Hiroshige, “El puente Ohashibajo la lluvia” (s.XIX d.C.)

ARTE ASIÁTICO

1. Pagoda de Shwe Dagon, Rangún (s.XIV d.C.)

2. Templo de Wat Arun, Bangkok (s.XIV-XVIII d.C.)

3. Pura Besakih, Bali

ARTE AFRICANO

1. Mezquita de Sankoré, Tombuctú (s.XIV d.C.)

2. Casas colmena zulúes (Sudáfrica)

3. Máscara bambara de antílope Chi Wara (Mali)

4. Silla baluba (Nigeria)

ARTE AFRICANO

1. Relicario kota (Gabón)

2. Máscara yaka (Congo)

3. Puerta de granero (Mali)

4. Arte rupestre de TadrartAcacus, Libia (12.000 a.C.)

ARTE MAYA

1. Templo de Kukulkán, ChichénItzá (s.VI d.C.)

2. Templo del Sol, Palenque

3. Bajorrelieve (s.VII-IX a.C.)

4. Estela de Quiriguá (s.VIII d.C.)

5. Frescos de Bonampak (s.VIIId.C.)

ARTE AZTECA

1. Recinto sagrado de Tenochtitlán (s.XIV-XVI)

2. Maqueta de Tenochtitláncon el Templo Mayor de Huitzilopochtli y Tlaloc

3. Máscara

4. Códice borbónico

ARTE INCA

1. Conjunto arquitectónico de Machu Picchu (s.XV d.C.)

2. Ruinas de la ciudad-fortaleza de Pisac

3. Tejido (s.XV d.C.)

ARTE PRECOLOMBINO

1. Pirámide del Sol y Avenida de los Muertos, Teotihuacán(s.I-III d.C.)

2. Templo de los Guerreros y estatua tolteca (s.VIII-X d.C.)

3. Cerámica y pistas de Nazca (II a.C. – VI d.C.)