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NÚMERO 10AÑO 2JULIO / AGOSTO 2014

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PROGRAMACIÓN CULTURALDE ALBACETE EN JULIO Y

AGOSTO: MÚSICA, TEATRO, EXPOSICIONES, ETC...

En un lugar del QuijoteLa nueva obra de Ron Lalá11The Soulbreaker Company

Entrevista3

2 MÚSICA I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 10 I JULIO / AGOSTO 2014

En El Bonillo (Albacete) ya se siente la llegada del mayor evento de la localidad, el cual es a su vez uno de los más relevantes en el sureste del país en lo que a música alternativa se refiere. Habla-mos del Alterna Festival.

El festival, que se celebra los días 11 y 12 de Julio en El Bonillo (AB) y que este año 2014 ya va por su VII edición, sigue gozando de buena salud y continúa en constante crecimiento. Se calcula que visitarán El Bonillo en torno a unas 4.000 personas que llegarán de forma escalonada desde principios de semana, procedentes de todos los puntos del país. La oferta de abonos anticipados de 20€ / 2 Días con acampada gratuita se encuentra disponible a través de la web del festival www.alternafestival.es

Alterna Festival, organizado por el Ayuntamiento de El Bonillo y la productora Berrintxe Producciones, ya ha conseguido en estos 7 años de vida reunir a los grupos más punteros del panorama rock-alternativo nacional y este año da un paso sustancial contan-do además con dos artistas de reconocido prestigio internacional como son los australiano-británicos Pendulum en su formato Dj Set & Verse y los italianos Talco. El cartel en el apartado de artis-tas lo completan bandas de gran renombre nacional como Boikot, Gatillazo, El Puchero Del Hortelano, La Gossa Sorda, Desakato, Iratxo, Dremen, Rat-zinger, Vagos Permanentes, La Trueke, En Es-pera y los tributos De Acero (Tributo a Extremoduro) y Los Olvi-dados (Tributo a Los Muertos de Cristo). Además el festival sigue apostando por las bandas y artistas emergentes celebrando un año más el VI Concurso Nacional de Bandas Alterna, donde más de 100 bandas, ya inscritas, de todo el país participarán por alzar-se con las 2 últimas plazas para tocar en el festival.

Alterna Festival se completa con el apartado de actividades en lo que se denominará #EspacioRollingCyrcus. Situado en el parque de la localidad y en la piscina donde contarán con Talleres, Trape-cio, Telas Acrobáticas, II Encuentro Nacional de Malabaristas, Ba-tukada, Piscina con actuaciones y zona DJ’S, mesas informativas Fracking, Clown, etc. todo ello coordinado por la asociación local Rolling Cyrcus.

El gran ambiente que se da en El Bonillo durante la semana del festival está servido, ediciones atrás vienen demostrando el in-mejorable comportamiento y convivencia entre todo el público visitante y sus vecinos. Un evento muy beneficioso no solo para la localidad, sino también para los alrededores, con todas las plazas hoteleras al 100% de ocupación, con calles, terrazas, restauran-tes, comercios, etc. a rebosar de personas que se espera visitarán una vez más El Bonillo para disfrutar de su festival y su entorno.

Feliz verano. Volvemos en septiembre...

HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 10 I JULIO / AGOSTO 2014 I MÚSICA 3

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Hola Asier, hasta ahora tenéis cuatro discos deestudio publicados, háblanos sobre ellos.“Hot smoke & heavy blues” fue nuestro debut. Acabába-mos de ganar un premio en el Villa de Bilbao y lo graba-mos a toda prisa. Fue todo un poco accidentado (proble-mas con el cobro del premio que era con lo que íbamos a costear la grabación, problemas con el sello que lo iba a publicar, Last Recordings, que finalmente no pareció muy interesado, etc) pero creo que quedó guay. Tiene un rollo más MC5 o los primeros Aerosmith.

“The pink alchemist” fue nuestro sophomore. Nos lo to-mamos con más calma y tiramos hacia un rollo más pro-gresivo, aunque considero que no acabamos de plasmar todo lo que teníamos en mente. Creo que fue un paso ade-lante aunque lo entiendo como un disco de transición. Tie-ne alguno de los temas favoritos de la gente como “Blood That You Wish” o “The Wheel is Turning”.

“Itaca” fue el primer disco con el que quedamos muy satis-fechos. Es evidente que siempre le encuentras algún pero, no obstante con “Itaca” todo fue genial. Tanto la graba-ción en Foel (Gales) con Dave Anderson y Chris Fielding, como la mezcla, o la composición de los temas meses an-tes. Podría decirse que habíamos encontrado la manera en la que nos gusta trabajar. Creo que tiene grandísimos temas pero sobresale en conjunto, le veo un sentido uni-tario, no es un disco conceptual pero tiene ese rollo en el que los temas se van reproduciendo y todo encaja.

“Graceless” es el nuevo. Otra vez muy contentos con el resultado aunque esta vez la grabación en Toe Rag fue un poco más accidentada. Digamos que Liam Watson es un tipo muy peculiar. Fuimos hasta allí porque queríamos grabar en analógico y con un tío que supiera de que iba el tema, y creo que acertamos de lleno. Nos encantaba y en-canta el trabajo que había hecho con Tame Impala, White Stripes o Electric Wizard y como te digo fue un gran acier-to, creo que de nuestros discos es el que mejor sonido tie-ne. Lo pones y todo suena tan guay; el sonido de batería, el fuzz, etc; como si estuvieras allí mientras lo grabábamos.

¿El título de vuestros álbumes tiene un significado es-pecial?Bueno, para nosotros sí que lo tienen. Solemos elegir el tí-

tulo cuando hemos acabado con la grabación. Podríamos decir que sintetiza bien, aunque de una manera bastante abstracta y subjetiva, nuestras vivencias durante esos meses en los que componemos, grabamos, descartamos canciones o nos ponemos con el diseño. Es complicado de explicar porque no tenemos un modo de actuar al respec-to, a veces se dicen nombres o posibles títulos de manera aleatoria, otras veces alguien del grupo trae alguna idea al respecto. En ocasiones, y aunque sea de manera no in-tencionada, sin un análisis previo, despreocupadamente, puedes llegar a una conclusión más acertada y con más sentido que actuando más racionalmente.

¿Cuáles son vuestras mayores influencias musicales?David Bowie, Rolling Stones, Neil Young, Stooges, Wipers, Balck Sabbath, Dinosaur Jr, Led Zeppelin, Kyuss, Depeche Mode, Allman Brothers, Nick Cave, Beatles, Hawkwind, Mc5, Joan Baez, Pentagram, Soundgarden, Tom Waits, 13th Floor Elevators, Moby Grape, Can, Gong, etc, y también un montón de cine y literatura. Creo, de todas maneras, que todas estas influencias eran más apreciables al principio, en nuestros dos primeros discos. Poco a poco hemos ido puliendo y sintetizando cosas para ir dando forma a lo que somos nosotros, a veces con mayor fortuna y otras con menos. Para nosotros es importante que esta banda no se convierta en una rutina, en algo aburrido, si fuera así seguro que acabaríamos por dejarlo. Así que intentamos ofrecer cosas nuevas en cada disco, no nos quedamos an-clados, siempre en movimiento, hacia delante, hacia atrás, derecha o izquierda, pero siempre en movimiento.

Si tuvierais que explicar el sonido de la banda con tres grupos y discos, ¿a quiénes citaríais?The Rolling Stones “Sticky Fingers”, Itoiz “Itoiz” y Black Sabbath “Mater Of Reality”. Aunque nunca lo explicaría de esta forma, el sonido de una banda sólo debe descri-birse con el propio sonido de la banda, creo que es lo más justo.... a no ser que seas una mera copia de alguien, claro.

¿En qué estilo musical os sentís más cómodos?Basque Country Monster Heavy Psych.

¿Qué tal van las ventas de vuestro último trabajo “Gra-celess”? ¡Es fantástico!

¡Gracias! Me alegro de que os guste. La verdad es que las ventas van bastante bien. No puedo hacer una compara-ción con “Itaca” porque todavía no tenemos demasiados datos. Sí te puedo decir que en los conciertos y festivales se está vendiendo guay. Teniendo en cuenta la situación discográfica, es un orgullo para nosotros que la gente se interese por nuestros discos. Incluso por los anteriores. Nos preguntan mucho por el descatalogado “Hot Smoke & Heavy Blues” y tenemos prácticamente cerrada su ree-dición para dentro de unos meses.

Hablemos de vuestro próximo trabajo… ¿estáis compo-niendo material nuevo o todavía es demasiado pronto?Hemos hecho alguna jam pero la verdad es que no hemos trabajado demasiado en ello. Nuestro ritmo de trabajo es bastante tranquilo y mientras estemos presentando “Gra-celess” será complicado que hagamos canciones. Yo ten-go alguna cosilla grabada, hemos hecho alguna jam como te he dicho pero nada más. Supongo que en verano que andaremos más tranquilos nos pondremos más en serio.

¿Cómo está yendo la gira en 2014? ¡Genial! Hemos estado bastante tiempo sin tocar y ya teníamos ganas. Al principio fue un poco accidentada ya que Txiki fue padre y Javi Free nos ha tenido que echar una mano con los teclados en algún bolo, pero todo va guay. Ahora en verano sólo vamos a tocar en fiestas de Vitoria-Gasteiz, en las txosnas, así que vamos a aprove-char para descansar. Pero ya tenemos cerradas fechas, y seguimos cerrando, para continuar a partir de Septiem-bre.

¿Existe la posibilidad de venir a tocar a Albacete?Siempre existe esa posibilidad porque nosotros estaría-mos encantados de hacerlo pero, la verdad es que, nunca hemos contactado ni nos han contactado para hacer algo allí. Espero que en el futuro podamos hacer algo, así que si conoces a alguien dispuesto ya sabes, aquí estamos.

- Gracias por tu atención y espero que nos veamos pron-to por estas tierras.A vosotros, ha sido un placer. Y lo mismo, espero que po-damos vernos pronto por allí.

El rock en España sigue dando discos dignos de la mejor categoriza-ción posible. Sin ir más lejos, la banda de Vitoria “The Soulbreaker Company” ha entregado este 2014 uno de los mejores trabajos que se ha podido escuchar a nivel nacional e internacional. Para presentar-lo a los lectores y dar luz sobre un álbum que todo aficionado al rock debe escuchar hablamos con Asier Fernández, uno de los guitarristas de la banda.

Clarence ReidE L G E N I O D I S F R A Z A D O

4 MÚSICA I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 10 I JULIO / AGOSTO 2014

Clarence Reid es el protagonista de una de las historias más estrafalarias de la música negra. Un competente compositor e intér-

prete de temas soul nacido en Cochran (Georgia, 1939), dotado de una

voz sedosa (al estilo Joe Tex) que hace sus primeros pinitos en el show business bajo el nombre de Clarence Reid & the Demiras, donde conoce-ría a su principal colabora-

dor en los años venideros, Willie Clarke, compositor y productor de Florida. Au-tor de hits de R&B entre 1960 y 1975 para artistas tan diversos como KC &

the Sunshine Band (a quien apoyará en sus inicios), Sam & Dave, Gwen McCrae (Roc-kin’ Chair, un top-ten de 1975) y sobre todo,

para Betty Wright, para quien produjo

y compuso, junto a su inseparable Willie Clar-ke, el magistral elepé “I Love the Way You Love”.

En 1969 Atlantic Re-cords, a través de su subsidiaria Alston Records, le publica “Dancin’ with Nobody but You babe”, un só-lido debut donde incluirá su clásico funky “Nobody but You Babe” y otras composi-ciones propias (Part Time Lo-ver, Doggone It o Fools Are Not Born), además de versiones de los Beatles (Get Back), Tony Joe

W h i t e

(Polk Salad Annie), Edwin Starr (25 Miles), Smokey Robinson (Shop Around) o Curtis Mayfield (I’ve Been Trying).

En 1970, el sello discográfico Tays-ter publi-ca “Nobody but You Babe” (está claro que no se muestra muy original con los títulos de sus trabajos), un disco, a mi juicio, superior y dotado de mayor personalidad que su debut, pero infravalorado y parece que olvidado en el tiempo, básicamente formado por una se-rie de singles que había publicado entre 1967 y 1968 (I’m sorry baby/Let those soul sounds play, Heavens gonna welcome you/The Pri-ce I have to pay, Something special about my baby/Along came a woman) y una nueva versión de su clásico funky “Nobody but You Babe”, muy similar a la de su anterior disco (con voz femenina), salvo por una breve intro con sintetizador que sustituye a la sección de vientos de la versión original. También destaca sobremanera el homenaje al falle-cido Otis Redding en “Heaven Will Welcome You”, la emocionante balada “I’m Sorry Baby” o la dinámica “Along Came a Woman”. Es un trabajo de auténtico soul sureño sin desper-dicio alguno y que muestra al tándem com-positivo Clarke-Reid compenetrado y en gran estado de forma.

Además Clarence, que es un tipo trabajador y prolífico, colabora desde 1968 con una quinceañera Betty Wright para la que com-pone una serie de temas (el exitoso temazo “Girls Can’t Do What The Guys Do” o el pega-dizo “He’s Bad, Bad, Bad”) que formarán par-te de su álbum debut “My First Time Around”.

Pero lo mejor vendrá cuatro años después con el clásico “I Love The Way You Love” (1972). Clarence y su colega Willie Clarke se hacen responsables tanto de la compo-sición de la mayor parte del disco como de la producción. En el fondo, lo considero otro disco de Clarence Reid, sólo que utilizando como instrumento la voz de Betty Wright. El primer single, “Clean Up Woman”, supone un auténtico bombazo alcanzando los puestos más altos tanto en las listas de r&b como de pop. Pero el resto del disco no le anda a la zaga y es que el dúo Reid-Clarke están en un autén- tico estado de

gracia compo-sitivo: El tema

homónimo, I’ll Love You Forever

Heart and Soul, If You Love Me Like

You Say You Love (con un irresis-tible estribillo), I’m Gettin’ Tired Baby, Pure Love o el bello final “Let’s Not Rush Down the Road

of Love”. Todos de un nivel ex-

cepcional. El disco se

comple-ta con u n a v e r -s i ó n

de la Motown “I Found That Guy” (que tam-bién popularizaron los Jackson Five), el socorrido clásico de Bill Withers “Ain´t No Sunshine” y dos temas compuestos, curio-samente por Willie Clarke junto a uno de los guitarristas del disco, Willie Hale (All Your Kissin’ Sho’ Don’t Make True Lovin’ y “Don’t Let It End This Way”). Un trabajo exuberan-te y sensual, donde predominan los medios tiempos, por los que hubieran matado divas del soul como Aretha Franklin o Diana Ross, por poner un par de ejemplos.

Esa colaboración productiva con Betty Wri-ght se extenderá hasta su siguiente disco “Hard to Stop” (1973), para el que compon-drán las apreciables “BabySitter”, “It’s Hard to Stop (Doing Something When It’s Good to You)”, “If You Think You’ve Got Soul” o singles como “Is It Your Girl” (un tema similar y con claras referencias a “Clean Up Woman”), “Let Me Be Your Lovemaker” o “Secretary”.

Y aquí empieza la parte estrafalaria en la carrera del bueno de Clarence. Aunque tiene su origen en 1965, cuando edita bajo el nom-bre de Blowfly la canción “Rap Dirty” consi-derado por algunos expertos como el primer tema rap de la historia, es en 1971 cuando crea definitivamente un alter ego disfrazado de supervillano, junta una banda para la oca-sión y se dispone a grabar un disco con hits de aquella época pero cambiándole las le-tras por otras, digamos, obscenas o sexual-mente explícitas. Por supuesto, esa idea no atrajo a ninguna discográfica, así que tuvo que crear su propio sello (Weird World) para poder editar dicho trabajo y posteriores.

La cuestión que me he planteado desde el ab-soluto desconocimiento es por qué Clarence Reid dio un giro de 180 grados a su carrera. ¿Quizás para sacar su faceta de showman? ¿Para aumentar sus ingresos? ¿Exceso de creatividad tal vez, al estilo George “Funka-delic-Parliament” Clinton? ¿O simplemente perdió la cabeza? Realmente no es una cues-tión que me parezca trascendental ya que, al fin y al cabo, fue su decisión, y que no sé si contesta el documental que sobre él vio la luz en 2011 (The Weird World of Blowfly), que desgraciadamente no he podido visionar. La cuestión es que, aunque continuó publicando discos como Clarence Reid, “Running Water” (1973) u “On the Job” (1976) por ejemplo, iría paulatinamente dándole prioridad a su alter ego Blowfly, de modo que hoy en día es más conocido por su faceta de “Dirty Rapper” que por su pasado como compositor de temas funky y soul, y esa situación le ha conducido irremediablemente a un status totalmente underground.

Resulta doloroso visionar actuaciones de sus últimos años donde sólo alcanzo a ver un viejo disfrazado grotescamente, producto quizá de una broma que se ha alargado de-masiado en el tiempo, actuando en antros de mala muerte con go-gós bailando a su al-rededor. En lo que amí respecta, prefiero re-cordarlo como un brillante y fructífero com-positor de finales de los sesenta y principios de los setenta.

Tx: David Rodríguez

HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 10 I JULIO / AGOSTO 2014 I MÚSICA 5

¿Conocéis esa sensación de ser demasiado dulce?; aquella que es como si un bom-bón estuviese recubierto de azúcar. En la música tenemos un sonido que me recuer-da sobremanera a eso. Artistas como Donovan, Simon & Garfunkel o los propios America. Músicos cuya calidad está mas que contrastada pero que no son aptos para todos los momentos.

Twin Engine es un dúo que cumple con lo anterior al pie de la letra. Mas dulces que mis adorados America, empalagosos por encima de Simon & Garfunkel y, por su-puesto, con menos garra que el propio Donovan; pero aún así grabaron un disco ho-mónimo en 1.971, producido por Joey Stec y Ralph Scala de The Blues Magoos, al que recurrir bastante a menudo.

El dúo (Constantine Gusias y Randy Naylor - tras abandonar a The Poors -), inspirado en el sonido que acuñaban por aquel entonces Crosby, Stills, Nash & Young o The Flying Burrito Brothers, fueron al estudio de grabación con una docena de cancio-nes que sonaban maravillosas pero que, a pesar de buscar el country/rock, estaban mas cerca del pop que de cualquier otra cosa. En los temas que se recogieron en el disco participaron nombres insignes de la década de los 70’s como Clarence White (The Byrds, Joe Coker, etc), Chris Hillman (The Byrds, Stephen Stills) o Sneaky Pete

Kleinow (Eagles, Stevie Wonder, etc), pero jamás se pudo averiguar en qué canción o toma, pues el álbum fue raptado por la discográfica (United Artist) y ésta no llegaría a publicarlo.

Siempre me ha gustado pensar que aquellos nombres de relumbrón estaban detrás de “Give My Love a Chance”, “Secrets”, “Mistress Of The Morning” o “Flowered Wall” ya que son mis canciones preferidas del álbum. La suerte tuvieron que esperarla hasta treinta y tres años mas tarde, ya que sería entonces (2.004) cuando por fin vería la luz “Twin Engine”. Desde aquello mucho se ha hablado del dúo y más concre-tamente de Naylor, pues cuenta la leyenda que pudo formar parte de los Eagles, los Poco o los mismísimos Byrds, sin embargo Randy decidió seguir su camino y la vida no lo premió.

De todos modos, supongo que, siempre le quedará la satisfacción de ver su obra, por la que abandonó proyectos de altura, al fin publicada. Es mas, seguro que sonríe cuando ve su joven rostro en la portada del disco o alguien le comenta que gracias a la espera de treinta años, no tiene competencia en un sonido que, debido al paso del tiempo, había quedado en desuso.

EL RAPTO DEUNA JOYA

6 MÚSICA I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 10 I JULIO / AGOSTO 2014

Discos a tener en cuentaTX: Óscar Córcoles

Cuarenta y dos años, once álbumes editados y un desconocimiento alarmante de esta ar-tista por tierras hispanas. Quizá podamos ir desgranando poco a poco los pequeños logros que han hecho de Beth Hart una artis-ta respetada y muy valorada en USA. Entre ellos, tres discos grabados con el inagotable Joe Bonamassa, donde pone su voz al ser-vicio de una de las guitarras referentes en estos tiempos. Además, una década atrás fue la elegida para representar en Broadway el musical de la eterna Janis Joplin en el que daba vida a la estrella y ponía su voz para el

difícil objetivo de intentar igualarse a la rei-na de Port Arthur. Salió indemne del envite. En cuanto a sus directos, los adjetivos mas repetidos suelen ser tenso, dramático, toda una vivencia. Con estos datos debería bas-tar para suscitar interés por la chica mala de Los Ángeles. En 2.012 publicó un trabajo con el que terminó de conquistarme. “Bang Bang Boom Boom”, recoge en once temas una mezcolanza de rythm & blues, rock y jazz capaz de dejar sin respiración a cualquiera. La apertura del disco con “Baddest Blues”, la canción que da título al álbum y “Better Man” deja estupefacto a todo aquel que se acerque a la música de Hart. Y de ahí en ade-lante, mas de lo mismo. Sentimiento en cada frase, voz potente, elástica o desgarrada en ocasiones y un acompañamiento musical de muchos quilates que consiguen ruborizar a quienes, hasta el momento de escuchar este brillante disco, desconociesen el nombre de tan insigne rockera.

Si, como es de esperar, la música contenida en “Bang bang boom boom” conquista vues-tros corazones, deberíais investigar álbu-mes como “Seesaw”, “Don’t explain”, o los ya lejanos “Live at paradiso”, “Leave the light on” y “Screamin’ for my supper”.

Sin mas dilación, corred a por un disco que os acompañará durante mucho tiempo.

2012

PRO

VOG

UE

“BANG BANG BOOM BOOM”BETH HART

RYTHM & BLUES

Menudo debut se marcó este dúo proceden-te del sur de Estados Unidos. Un viaje en el tiempo que comenzó en Florida el año 2012 y parece haber terminado en Brooklyn, pero en 1941 aproximadamente. Una colección de canciones cargadas de dramatismo que da la sensación hubiesen sido escritas en blanco y negro, con aroma a pasado, a los años cua-renta, aquellos en que reinaban las poses elegantes, las miradas cargadas de signifi-cado y los movimientos pausados. Un reper-torio de composiciones que parecen relatar historias de Bette Davis o Marlene Dietrich. Cari Ray, vocalista de la pareja, canta como si tuviese frente a ella a David Lynch, como si éste la estuviese evaluando para crear la

banda sonora de su próxima película. Por su parte Jordy Asher es el encargado de proyectar sensaciones atmosféricas cons-tantes. Pasajes vaporosos y reminiscencias de fantasmas de otro tiempo. Un estilo que bien podríamos situar en la senda de Lana Del Rey, pero que a mi juicio va mucho mas allá. Dreampop electrónico con la oscuri-dad como arma definitiva. En cuanto a los temas sobresalientes, podríamos citar “Mr. E”, “Amen” o “Magic”, la cual recuerda en su inicio a la maravillosa interpretación que Pe-ggy Lee hizo de “Fever”, pero sería de manera muy subjetiva pues este es el bucle en el que me encuentro atrapado mientras escribo estas líneas, quizás en un par de días sean otras las que copen la cima del podio ya que se trata de un álbum rebosante de tanta ca-lidad que es difícil no rendirse a todas y cada una de las once canciones que lo conforman. De hecho, si hace unos meses hubiese tenido que responder a esto último, mi respuesta se habría encaminado hacia “Run” (single de lanzamiento de tan fantástico disco), “Time” y “Falling”.

Sin duda, cuando nos encontramos con un trabajo de las características que posee “The Bad Ones” la sensación que éste pro-duce es de perplejidad, pues no creo que sea demasiado común tener la posibilidad de enriquecernos con estas tonalidades muy a menudo. Delicioso manjar para oídos con an-sia de tranquilas melodías.

2012

DRE

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“THE BAD ONES”BLONDS

GLUCK MUSIC

Cuarenta años de carrera y dos docenas de álbumes editados conceden autoridad su-ficiente a Mark Wenner para presentar a su banda como leyendas del blues y el rock de raíces; no en vano han sido banda de acompa-ñamiento de ilustres como John Lee Hooker, Pinetop Perkins o Elvin Bishop y hace unas cuantas décadas ejercían de teloneros abriendo para Muddy Waters, James Cotton y Carl Perkins. Casi nada.

En 2012 la banda originaria de Washington decidió dar una razón más para tan suntuo-

so apelativo entregando un disco de blues eléctrico con actitud rocanrolesca. En “Damn Good Time” encontramos doce piezas del gé-nero interpretadas con una maestría fuera de lo común; a sabiendas que deciden atacar composiciones de determinados iconos de la talla de Nat King Cole (Send For Me), Jim McCracklin (Georgia Slop) o el mismísimo Elvis Presley (Too Much), no queda otra que salirse de la escala habitual y conseguir un resultado tan sobresaliente que nadie pue-da apuntarles con la crítica fácil. En cuanto al resto de composiciones también son de nota, copando los puestos de honor “Who You’re Workin’ For”, “Heartbreak Shake” y “Let’s Work Together” las cuales abonan el terreno con guitarras, batería y armónica a base de una fuerza extraordinaria, siembran los paisajes con la voz en unas interpretacio-nes magistrales y cosechan con todo ello un nuevo disco que no desmerece su trayecto-ria y acentúa la leyenda.

Agradezcamos la fortuna de poder seguir contando con álbumes de la calidad de “Damn good time” en el estilo que represen-tan. No es fácil mantener viva la originalidad tras tantas décadas de ritmo. Por lo tanto, disfrutemos de lo que se nos ofrece y vaya-mos un paso más allá exigiendo que no decai-ga la cosa.

Estamos de enhorabuena ya que parece que la banda neoyorquina resucita de entre los muertos de éxito. Después de una carrera mas que notable entre 1990 y 2005, algo debió ocurrir y comenzaron su particular travesía por el desierto, dejándose caer un par de álbumes mediocres, para con su tra-yectoria, de la talla de “Cover Yourself” y “North Hollywood Shootout”; pero insisto en que da la sensación de que vuelven a la sen-da que tenían marcada a fuego y con ello a la calidad de su obra. “Suzie Cracks The Whip” es un disco de rock con sonido cien por cien blues traveler, un tipo de música que te hace sentir bien desde su primera nota y el cual te

conduce por llanuras en las que no importa lo que veas sino lo que sientas, sensaciones tan palpables que puedes llegar a saborear. Sir-ve como continuación del fenomenal trabajo entregado por Popper en 2011 junto a The Druskay Trobadours, de homónimo título. La evidencia de que no han olvidado dónde encontraron su sonido propio la tenemos presente en temas como “You Don’t Have To Love Me”, “Devil In The Details” o “Nobody Fall In Love With Me” y es que se trata de canciones ideales para formar parte de la banda sonora de la vida de cualquier segui-dor de la música rock.

Es evidente que el carisma de John Popper y sus portentosos pulmones que consiguen insuflar aire a una armónica que pareciese cobrar vida al contacto con sus labios, es una de las alegrías mayúsculas que encontramos en el universo del rock and roll actual.

En definitiva, el álbum “Suzie cracks the whip” es una amalgama de sonidos en la que se citan una voz con personalidad suficiente para resultar sensible o traviesa - según el momento lo precise – unas guitarras acer-tadas y por supuesto la armónica prodigiosa de Popper para dar como resultado algo que se convirtió en una de las mejores noticias de 2012. Larga vida a Ben Wilson, Bobby Shee-han, Brendan Hill, Chan Kinchla, Joh Popper y Tad Kinchla. Larga vida a Blues Traveler.

2012

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“SUZIE CRACKS THE WHIP”BLUES TRAVELER

ROCK

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“DAMN GOOD TIME”THE NIGHTHAWKS

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“Nosotros te damos nuestra opinión. Tú formas la tuya”Discos · Canciones · Trailers de películas · Resúmenes de libros

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HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 10 I JULIO / AGOSTO 2014 I PINTURA 7

EL GRECO NO FUE A SEVILLA

Descubierto el cuadro del Greco la Junta de la Cofradía mostraba sus máximos recelos sobre la salida del pueblo de tan prestigiosa obra, así Don Leopoldo Gutiérrez en su libro titulado “El Santísimo Cristo de los Milagros de El Bonillo”, publicado el 29/07/1929 - ya estaba inaugurada la exposición sevillana - manifestaba, “También debemos hacer constar que la expresada Junta Directiva empleó un tino y discreción tan ponderado en todo lo referente al cuadro del Greco, sin contar las seguridades en que le colocó, que bien merece los elogios más subidos de la Cofradía, de los vecinos de El Bonillo y de los amantes del arte.”

No era de extrañar que los lugareños en aquellos años se mostrasen recelosos ante el préstamo de las riquezas de su pueblo y más frente a la realización de un largo viaje sin custodia particular y sospechando de posibles perdidas o falsificaciones de las obras trasladadas. Comportamientos similares ocurrieron en otros lugares de la provincia de Albacete con importantes obras de arte inventariadas para mostrar en la exposición sevillana, hasta el punto de que en algunos de esos pueblos no permitieron ni la realización de fotografías. El cura de Casas Ibañez alertaba al señor Obispo de que la imagen del Crucificado que pretendían llevar a Sevilla se exponía el Viernes Santo en adoración “y el pueblo ha de notar la falta”. En Jorquera primero se negaron para que se trasladasen las tallas de San Francisco y la Virgen del Rosario y otras obras de arte a Sevilla y después firmaron casi todos los vecinos para su

traslado. (Notas de Luis G. García-Saúco Beléndez. Patrimonio Artístico Albacetense en la Exposición Iberoamericana de Sevilla de 1929)

El recelo sobre la salida del cuadro conllevó que incluso la cofradía realizase unas obras urgentes en la capilla del Cristo para que el cuadro abandonase lo antes posible los machones de la iglesia, “La Junta directiva del bienio 1927-1928, de la que fue digno presidente el ilustre y eruditísimo abogado D. Antonio Palomar González, tuvo el proyecto, que en breve ejecutó, de poner pavimento, pintar y exornar la capilla del Santísimo Cristo en la parroquia. El entusiasmo y compenetración de los

señores que constituyeron la junta lo llevó a efecto, viendo con remarcado placer los hijos del pueblo la nueva mejora y cómo se vence la dificultad al tratarse de nuestra Imagen, aunque sea, como en este caso, la dificultad de orden financiero, pues no existían suficientes fondos”.

Hechas las obras de adecuación y reforma de la capilla del Cristo para alojar el cuadro del Greco, con toda seguridad se tenía claro de que el mismo no iría a Sevilla, pues aunque no consta ningún acta ni mención alguna, ni a favor ni en contra, sobre su traslado, lo cierto es que el cuadro no salió de la capilla hasta el año 1937, en plena Guerra Civil. ¿Qué o quién impidió su salida? Lo desconozco, pues tanto arzobispado como Presidente del Comité del Reino de Murcia, D. Isidoro de la Cierva, Gobernador Civil, Presidente de la Diputación de Albacete y demás miembros del Comité Provincial alentaban para que los objetos hallados fueran expuestos en Sevilla. Así el diario “El Imparcial”, de 13/06/1928, se hacía eco del discurso realizado por Don José Maria Lozano, vicepresidente de la Comisión Provincial, en el teatro del pueblo, “Se ha dispuesto que el cuadro figure en la Exposición Iberoamericana de Sevilla” y el diario “El Siglo del Futuro”, de 12/05/1928, daba así la noticia, “En la Iglesia parroquial de El Bonillo se ha descubierto un cuadro del Greco. El nuevo cuadro del Greco es de un metro y pico por noventa y tantos centímetros y representa a Jesús abrazado a la cruz, iguala aquel que existe en la sala del Greco del Museo del Prado, e igual también que el de propiedad de Beruete. El cuadro del Greco figurará en la Exposición Iberoamericana de Sevilla”

También en el diario “La Verdad de Murcia”, de 1/01/1929, se alababa la fecunda labor realizada en los pueblos de la provincia por los ilustres hijos de Albacete, el Presidente de la Diputación señor Conde de Salvatierra y el Vicepresidente don José Maria Lozano, y en particular sobre la presencia del cuadro del Greco en la exposición sevillana. “Además, entre otras cosas similares, de subvencionar escuelas con la largueza posible, acudirá en unión de Murcia, a la Exposición Ibero-Americana de Sevilla con innumerables objetos de gran valor artístico, tales como algunas obras de Salzillo y el magnífico cuadro del Greco, que por ventura se halló recientemente en la iglesia parroquial del Bonillo”. Pero el Greco no fue a Sevilla

EL ACUERDO MUNICIPAL

Llegado el año de la Exposición Iberoamericana, el día 25 de febrero de 1929 el señor alcalde de El Bonillo, Narciso Buendía Solana, convoca sesión de Pleno Extraordinario por la carta recibida del Excmo. Sr. Gobernador Civil, pues la muestra sevillana se inauguraba el 9 de mayo próximo con la presencia de los Reyes de España y el Pueblo de El Bonillo se estaba haciendo demasiado de rogar, y el tiempo apremiaba. El alcalde sin querer contradecir al gobernador mostraba su acuerdo y voluntad en cuanto al traslado de las obras de arte a Sevilla, pero a su vez se justificaba que no podía hacer nada, dado que los objetos requeridos no eran propiedad municipal y en todo caso la autorización debía ser dada por el Cardenal Arzobispo de Toledo. El Acta Municipal dice así, “Se leyó por mi el secretario la mencionada carta, y enterado de ella el Ayuntamiento, después de una ligera discusión, y teniendo en cuenta la recomendación que dicha superior autoridad hace al Alcalde y Ayuntamiento para que procuren llevar al conocimiento de este vecindario los beneficios que en su día puedan reportarle, que el cuadro del Greco, propiedad de la congregación del santísimo Cristo de los Milagros y demás objetos solicitados, todos en la Iglesia Parroquial sean expuestos en la Exposición

Iberoamericana de Sevilla, del mismo modo acordó hacer constar: que vería con mucho gusto que dichos objetos sean llevados y expuestos en la mencionada Exposición, por su buen deseo de que no se resten elementos a nuestra provincia para su concurrencia a Sevilla, y porque cree además que con ello se abre una importante vía de turismo a este pueblo. Pero perteneciendo el número de objetos solicitados en número de cinco: dos a la expresada cofradía y tres a la iglesia, debe ser aquella y el párroco, quienes decidan en definitiva, si han de facilitar a los señores de arte antiguo del comité provincial, con las debidas garantías que ofrece el Gobierno y previa autorización del Emmo. y Rvdmo. Sr. Cardenal Arzobispo de Toledo los objetos indicados para llevarlos y exponerlos en Sevilla”.

No obstante lo anterior el alcalde manifiesta al gobernador que comunicará al vecindario los beneficios que reportará a todos la presencia del Greco en la Muestra Iberoamericana, pero a su vez le advierte que en caso de rechazo por los vecinos a la propuesta formulada no serán enviados los objetos solicitados. El acta concluye así, “Para ello se les dará traslado de este acuerdo, ofreciéndoles a la vez el Ayuntamiento su concurso, en evitación de algún movimiento de opinión que es de esperar no lo habrá dada la sensatez del vecindario, a cuyo ánimo se llevaría el convencimiento, si fuere necesario, de que, lejos de ser un perjuicio, será un beneficio para todos y un orgullo para el pueblo de El Bonillo, estar representados en Sevilla con cinco objetos de arte. Pero si por el contrario hubiese el más ligero conato de hostilidad, quedará sin efecto su envío, porque el deseo de la autoridad es, que de buen grado todos en general, estén conformes en que sean expuestos en la exposición tantas veces mencionada”.

No conformes con la respuesta dada, el entonces alcalde de Sevilla, Nicolás Díaz Molero, se dirige a su homologo de El Bonillo, esta vez para invitarle al Congreso Internacional de Ciudades a celebrar en la ciudad Hispalense. El Bonillo con 5300 habitantes elevado al rango de ciudad. Es posible que la invitación cursada tuviese una doble intencionalidad en el ánimo de convencer al alcalde de El Bonillo, Narciso Buendía Solana, de que el cuadro del Greco visitase la muestra sevillana, pero ni por esas, pues el alcalde para evitar tentaciones ni fue, y la respuesta dada no tiene desperdicio alguno. “Leída la carta que el alcalde de Sevilla dirige al de este pueblo en fecha de diciembre anterior, invitando a que este municipio tenga una representación en el próximo IV Congreso Internacional de Ciudades que ha de tener lugar en aquella durante los días de 18 al 21 de marzo próximo, se acordó que se den las gracias al alcalde de Sevilla”.

¿Porqué no salió de El Bonillo el cuadro de el Greco junto al resto de objetos artísticos para ser expuestos en el pabellón mudéjar de la ciudad Hispalense? Lo desconozco, pues tampoco he encontrado ni documentos, ni respuesta alguna a la negativa de la salida del patrimonio artístico de nuestro pueblo. Con la negativa a la salida del cuadro, en torno a los lugareños de El Bonillo se fue alimentando la antigua y en este caso injusta leyenda urbana referente a lo tozudos que son sus habitantes, acuñándose nuevamente el seudogentilicio de cabezones, tras el celo mostrado ante una hipotética salida del cuadro de la parroquia, pues hay que decir que el cuadro del Greco ha salido otras veces de su museo para diferentes muestras y exposiciones sin revuelo alguno, ni de la parroquia, ni de la cofradía y menos de los vecinos. Lo ocurrido en 1929 se repitió en numerosos pueblos de la provincia de Albacete y del resto de España sin tanto alboroto mediático, aunque lo cierto es que el Greco no fue a Sevilla.

Un Greco en El Bonillo (IV)E L A Ñ O D E L G R E C O

8 CINE I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 10 I JULIO / AGOSTO 2014

Tu voz entre otras milLas voces de los que más le conocieron se unen a la del propio Antonio Vega para descubrir su verdadero perfil. Un retrato íntimo y certero del hombre que a menudo decidió mantener su figura en la penumbra.

A lo largo de cuatro años el escritor Bosco Ussía fue registrando con su grabadora en una serie de encuentros los aspectos más personales, divertidos y especiales de Antonio.

Escribir su biografía era un viejo proyecto del músico largamente aplazado hasta que conoció a Bosco y decidió convertirle en una especie de confesor.

La propia voz de Antonio Vega desvela, por fin, aspectos desconocidos de su persona que nunca antes habíamos escuchado. También desmiente falsos mitos con un sentido del humor que a muchos resultará insólito. Sus palabras rompen, en definitiva, la típica imagen atormentada, triste y deprimente en la que tanto insistían los medios y sobre la que él ironiza en estas grabaciones.

La voz de Antonio viaja entre los testimonios de su entorno más querido y cercano. La presencia, inédita hasta hoy, de su madre y hermanos, absolutos desconocidos para todos los que le siguieron. Su familia decide dar la cara y acompañar a Antonio por primera vez en el relato de su biografía.

Su banda, los músicos que le acompañaron en la etapa final de su vida y carrera, su otra familia como a él le gustaba llamarles porque en los últimos años pocas personas podrían narrar como ellos cada uno de sus avatares y estados anímicos.

Un reducidísimo grupo de amigos entre los que se cuenta su ex mujer, su mánager y contados nombres por él queridísimos que le ofrecieron apoyo y hasta casa en momentos desesperados.

Hemos visto hasta la saciedad a críticos, ex componentes de Nacha Pop, compañeros de profesión, grandes nombres de la movida y hasta a sus fans dar titulares sobre el talento, la historia y el legado de Antonio. Son opiniones de valor pero, sin duda, aún más preciosas son, hoy por hoy, las de todos aquellos que prácticamente no existieron frente a micrófonos y objetivos. Estuvieron allí durante años o toda su vida, al lado aunque a una prudencial distancia. Ayudando a escribir la parte más desconocida de su historia.

Este documental pone luz en las sombras, construye su biografía partiendo de él mismo, pasando por sus seres queridos para recalar felizmente en el sentido de sus canciones.

Confidencias que ningún medio de comunicación pudo publicar porque ni siquiera por él fueron formuladas en público, reproches que jamás fueron registrados por una cámara, nostalgias y deseos a las que sólo decidió abandonarse en la compañía de Bosco Ussía y su grabadora y que podrán escucharse aquí por primera vez tal y como surgieron.

Una obra coral salpicada de filmaciones inéditas en super8, documentos gráficos, letras, poemas, manuscritos, dibujos y fotos únicas de Antonio Vega. Pero además regresaremos a los lugares que marcaron su vida e inspiraron gran parte de sus canciones. Estas imágenes en ocasiones serán explicitas pero a menudo reconstruiremos fantasías o evocaciones del propio Antonio fieles al espíritu ensoñador que a él tanto le gustaba invocar. Será un recurso narrativo basado en el carácter poético y misterioso de sus composiciones. Secuencias metafóricas a modo de clips que relajarán y reforzarán el mensaje de los testimonios y nos permitirán disfrutar una vez más de sus canciones.

Texto extraído de Facebook oficial del documental

HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 10 I JULIO / AGOSTO 2014 I CINE

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9

1.- El secreto de los McCann (2003) Tim McCanlies

La madurez de algunos actores con los que hemos crecido

es un oasis que nos entrega momentos magníficos. Este es

el caso de Michael Caine y Robert Duvall en “El secreto de los

McCann”. Tierno, ejemplar y cuidadoso el primero, volcánico,

férreo y heroico el segundo. Se enfrentan a una historia co-

mún, una historia de relaciones humanas donde ambos, tíos

carnales de Haley Joel Osment,

pretenden inculcar valores y éti-

ca en la vida de su sobrino.

Por su parte Haley Joel Osment

ofrece otra gran interpretación

que sucedía a “El sexto sentido”,

“Cadena de favores” o “Inteli-

gencia artificial” y tras la cual

podría decirse que lo perdimos

para la causa.

Recomendada para amantes de

películas como “Ahora o nunca”

(Jack Nicholson/Morgan Free-

man), “Una canción del pasado”

(John Travolta) o “Un mundo per-

fecto” (Kevin Costner).

2.- El Mayordomo (2013) Lee Daniels

Sensacional canto a la profe-

sionalidad, el trabajo duro y los

sentimientos. Ese podría ser el

mensaje que lanzaría para des-

cribir lo que nos provoca la cinta

de Lee Daniels.

El trabajo de Forest Whitaker

es, como de costumbre, brillan-

te. Oprah Winfrey está a su al-

tura y Cuba Gooding Jr también

destaca. No cabe duda de que

quien se enfrente al visionado

de “El mayordomo” conseguirá

estremecerse junto a la trayec-

toria vital de un personaje que

parece mentira se trate de una

historia real.

Si con las dos interpretacio-

nes que nos regaló Whitaker

en “Bird” y “El último rey de Escocia” crítica y público

cayeron rendidos a sus pies, con “El mayordomo” se-

rán tres las obras que se citen a partir de ahora. Fan-

tástica.

3.- Intocable (2011) Olivier Nakache y Eric Toledano

¡Cuán disparatadas pueden ser las relaciones humanas! El tú

a tú de dos personas que nada tienen que ver, confluyendo

en una sólida amistad que regalará al espectador minutos de

sonrisa aprobadora, bienestar personal y ternura infinita.

En principio, una película que nace de un documental no está

destinada a grandes logros. Si ese documental es la historia

personal de dos hombres cuya amistad se forja a través del

tiempo y por motivos egoístas, menos todavía. Sin embargo

esta es la grandeza del cine. Una narración bien conducida

que posea aquello que la socie-

dad anhela, es suficiente para

convertirse en bastión del sép-

timo arte.

Fuera de toda sospecha, “Into-

cable” es una de las mejores en-

tregas de los últimos años.

4.- Rompenieves (2013) Bong Joon-Ho

El argumento de la humanidad

post-apocalíptica se ha tratado

de manera infinita caracterizán-

dola de las formas más diversas.

Sin embargo, siempre queda

una nueva. Algo que todavía no

nos habían presentado y que

rara vez consigue sostenerse

como historia. Bien, el caso de

“Rompenieves” no solo lo consi-

gue, sino que hechiza al espec-

tador.

Una cinta futurista que no cuen-

ta con unos efectos especiales

desorbitados. Más bien nos

conduce hacia el futuro junto a

las personas que conforman el

mundo. Una alegoría sobre la

raza humana y la lucha de clases

que se ha instalado entre noso-

tros desde el principio de los

tiempos.

Es indudable que el director sur-

coreano Bong Joon-Ho ha roda-

do uno de los mejores trabajos

de ciencia ficción de los últimos

tiempos. Denle una oportuni-

dad, lo agradecerán.

TX: J.C.M.

10 LITERATURA I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 10 I JULIO / AGOSTO 2014

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EL FINAL DEL CÍRCULO TOM EGELAND 19

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SIN NOTICIAS DE GURBEDUARDO MENDOZA 20

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EL MAPA DEL TIEMPO FÉLIX J. PALMA

Libros recomendados

¿Quién no ha leído “El código Da Vinci”? ¿Existe alguien capaz de no valorar las ideas de Dan Brown para el famoso best se-ller? ¿Alguna alma pondría en tela de juicio la capacidad de Brown para la originalidad en su texto? Bien, la novela de la que escribimos aquí hará tambalearse todas aquellas percepciones que encumbran al señor Brown.

Veamos, Tom Egeland entregaba “El final del círculo” en el año 2001. Una trama ideada en torno a un descubrimiento que ha-bría de desestabilizar los dogmas del cristianismo, es decir, la vida, muerte, resurrección e incluso descendencia de Jesucris-to. ¿Les suena verdad? Pues todavía podemos añadir que una organización no visible controla el destino del mundo y así vie-ne siendo desde siglos atrás. En fin, casualidad o no, lo cierto es que la novela de Egeland no viajó más allá de las fronteras Noruegas, y caminó sin pena ni gloria por los estantes de las librerías de la época. Finalmente, y gracias al revuelo que mon-tase un par de años más tarde el libro de Dan Brown, “El final del círculo” obtendría una segunda oportunidad en forma de reedi-ción y, aunque no se puede comparar con el milagro de Da Vinci, gozó de unas ventas más o menos aceptables.

Quizá la importancia histórica del texto creado por Tom Ege-land resida en haber servido de “inspiración” a Dan Brown. Eso nunca lo sabremos. Es posible que, tras una conjunción de los astros, dos mentes separadas por miles de kilómetros y un par de años de distancia temporal llegasen a la misma trama, con un desenlace similar, parecidos personajes y suerte de la más dispar del mundo. La única certeza es que a todo aquel que haya paseado por la historia de Robert Langdom, le resultará curioso enfrentarse a la novela que anticipó toda la avalancha de letras que se sucedería dos años más tarde.

No lo duden, aprovechen el verano y déjense sorprender por una historia que ya habrán leído, pero que según qué matices, harán vislumbrar los trazos de la originalidad alrededor del papel que conforma las páginas de un libro.

¿Qué sería del ser humano sin el sentido del humor? ¿Cómo sobreviviría nuestra raza sin la capacidad para reírnos de no-sotros mismos? Quizá se trate de una de las cualidades más necesarias en cualquier tiempo y situación que nos toque vi-vir.

Eduardo Mendoza, un genio de las letras, escribió la obra definitiva del sentido del humor más absurdo y surrealista de las que se puedan encontrar en una librería. Un canto a la diversión y el reflejo cómico del comportamiento humano en según qué situaciones.

Nombrado en multitud de tertulias literarias entre amigos que comparten afición por la lectura, se trata de uno de aque-llos textos con los que tan solo rememorando pasajes exac-tos son capaces de generar risas incontroladas. Momentos de carcajada que quedan grabados para siempre en la memo-ria de quien ha paseado por sus páginas. Por lo tanto, no es de extrañar que el propio autor lo catalogase como el libro más excéntrico que hubiese escrito jamás.

En mi opinión, tras haberlo devorado infinidad de veces, no encuentro la explicación al momento de inspiración literaria que sufrió el escritor catalán y que le llevó a idear una trama tan desternillante. Básicamente se trata de la visión del ser humano como tal a los ojos de un ser que se extrae de todo lo cotidiano que tiene lugar en nuestro planeta. Concreta-mente un extraterrestre es quien simboliza la pureza visual de un espectador que intenta entender el porqué de ciertos comportamientos, al tiempo que va probando la utilidad de los mismos.

Es una verdad incontestable, el verano está hecho para leer. Si además la elección es la de una novela como “Sin noticias de Gurb”, seremos consagrados con horas de diversión sen-cilla que nos ayudará a desconectar de la seriedad que habi-tualmente copan los libros escogidos para deleite de mentes hambrientas de letras. Por último, una reflexión; la máxima de “lo bueno si breve, dos veces bueno” se cumple estrictamente en la novela de Mendoza.

El desorbitado interés por la vida de los personajes públicos ha tocado techo en nuestra época con la aparición de los pro-gramas del corazón. No obstante, dichos programas existen porque hay gente que los demanda, qué duda cabe. Lo curioso es aceptar que ese conocimiento de las vidas ajenas puedan afectar a personas que, en principio, no mira la televisión para según qué entretenimientos.

El caso de “El mapa del tiempo” es una prueba irrefutable sobre la curiosidad que nos despiertan las vidas ajenas ¿Por qué? Pues simplemente porque desde sus páginas nos mues-tran la vida hogareña – y ficticia - de HG Wells, quien sin ser torero o cantante de fama cuestionable, otorga el picante ne-cesario para que la trama de la primera parte del libro se sos-tenga por sí sola. El papel de Wells es muy importante para la sostenibilidad de la obra, pues su propio libro “La máquina del tiempo”, es pieza fundamental de la trama ideada por Palma.

De todas maneras no vayan a tomar el magnífico texto de Pal-ma como un folletín de dimes y diretes en torno a la vida de nadie. Nada más lejos de la realidad. Más bien se trata de una novela de ficción no demasiado acusada en la que su prosa es delicada, con una suavidad palpable que ejerce de anestésico para el viaje que plantea el autor. Un viaje ideado en tres eta-pas que mostrarán a Félix como uno de esos escritores por descubrir. Alguien que si el tiempo lo permite, llegará a enca-bezar las listas de ventas más pronto que tarde.

Por último, un dato sin demasiada relevancia pero necesario para el conocimiento general. “El mapa del tiempo” forma la primera entrega de una trilogía, la llamada “Trilogía victoria-na”. “El mapa del cielo” sería su segundo round (en esta oca-sión la obra que sustenta la entrega es “La guerra de los mun-dos”) siendo independiente en cuanto a la primera y cerrará con una historia – aún por determinar – que girará en torno a “El hombre invisible” y con la se que pondrá el broche de oro al homenaje que Félix rinde a HG Wells.

GÉNERO: MISTERIO Y SUSPENSE GÉNERO: HUMOR GÉNERO: CIENCIA FICCIÓN

TX: Javier Moreno

HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 10 I JULIO / AGOSTO 2014 I TEATRO 11

La compañía de humor, teatro y música Ron Lalá presenta su visión contemporánea de uno de los grandes mitos de la literatura universal: Don Quijote de la Mancha. Un canto a la imaginación, al libre albedrío y a la rebeldía necesaria en el marco de una época que guarda sorprendentes parecidos con nuestra actual crisis de principios de siglo. Un viaje del XVII al XXI a lomos de Rocinante.

Con espíritu dialéctico entre tradición y modernidad, los ronlaleros recrean las correrías del caballero andante y su escudero y, simultáneamente, el proceso de escritura de la novela por parte de un Cervantes desencantado, sarcástico y lúcido espejo de la terrible situación social, económica y política de la España del Siglo de Oro. Para ello, Ron Lalá apela a la magia del teatro (la transformación y movimiento del tiempo y el espacio) para pla ntear un formato cervantino donde las carcajadas se funden con la reflexión, las canciones con las escenas y la participación del público con los textos adaptados de la obra.

El personaje de Cervantes está presente en escena con una doble función: una de ellas es su faceta de autor que acota, explica, realiza “notas al pie”, detiene o acelera la acción, realiza saltos de tiempos y espacios entre escenas... es el autor como demiurgo,

pues presenciamos en directo la creación de su inmortal novela. Pero, por otro lado, asistimos también a su periplo vital, nos asomamos al ser humano: sus cuitas, sus recuerdos, sus dificultades, su “crisis de identidad” (tan reflejada en su ficticio caballero) y su desencanto de veterano de guerra frustrado como humanista, como soldado, como autor teatral, como viajero...

Compendio y símbolo de los males que aquejaban a la España culta y humanista, Cervantes supone en sí un personaje no poco quijotesco, trasunto de toda una época.

Esta duplicidad de planos (plano del Quijote, plano de Cervantes) está exprimida al máximo en escena con yuxtaposiciones,

juegos, interacción con el público, música en directo de diversos estilos y el sello de la compañía: un humor sutil, irónico, crítico, que en esta ocasión se pone al servicio del genio cervantino para acercar al gran público el absoluto clásico universal de nuestra cultura.

Una mirada moderna, sin complejos, con música en directo, de un mito siempre vivo. Un tipo de espectáculo “abierto”, directo, burlesco y dinámico, a la vez culto y popular. Una función en que se suceden a ritmo vertiginoso los momentos más divertidos de la novela, los diálogos más ingeniosos, las reflexiones cervantinas y un puñado de canciones hilarantes. Un juego formal, escénico, textual y musical entre tradición y modernidad, puesto al servicio de la carcajada inteligente. Un espectáculo para aprender, reír, participar y, sobre todo, revivir el mito del Quijote repensando el presente

En palabras del director Yayo Cáceres, “enfrentarse a un montaje del Quijote será siempre hacer pie sólo “en un lugar del Quijote” y, a partir de ahí, pelear contra los molinos de viento. Enfrentarse a, quizás, la mejor novela de la Literatura Universal y además hacer de ella un montaje teatral es de por sí una batalla perdida. Usted podría pensar entonces: ¿y para qué lo van a hacer?, y nosotros responderemos: porque hacer teatro es eso, batallar de manera constante contra molinos, aceptar como norma que siempre es perfectible el artefacto y como un Sísifo levantar la piedra otra vez sabiendo que invariablemente se caerá para ponernos frente a frente con la dificultad de hacer del teatro algo vivo.

El Quijote nos brinda en sus páginas un abanico de aventuras, pensamientos y vínculos entre los seres humanos que es un universo en sí mismo. El reto es poder plasmar de manera aguda y sintética un puñado de todo lo que en él habita, para hacer una semblanza, un poema teatral en el que la música, el espacio y todo el humor de Cervantes se conjuguen en una hora y media. Ahí están los molinos, ahí los vemos; y como los artistas somos caballeros andantes en lucha para encontrar la muchas veces inasible magia del teatro, emprenderemos este montaje con la ilusión de que esta vez sí será posible. Los ronlaleros afrontamos esta aventura con honestidad e ilusión de poder dejarle a la gente nuestra visión de esta maravilla de la lengua castellana que es nada mas y nada menos que El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha.”

EN UN LUGAR DEL QUIJOTE

Una mirada moderna al clásico universal

Ft: David Ruiz

12 TEATRO I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 10 I JULIO / AGOSTO 2014

El dilema dela supervivencia

Ft: F

élix

Váz

quez

“Madre Coraje” representa una metáfora de la sociedad en que vivimos, embarcada en una desaforada carrera hacia el éxito, hacia el culto al mercado y la propiedad y hacia el engaño y sometimiento con los más débiles. Se trata de un texto teatral que toma como referencia la guerra; pero no sólo se pronuncia contra ella sino contra la actitud del ser humano de apostar por un sistema de vida donde prime la ganancia, aún a costa de sacrificar la propia existencia y la de los seres más queridos. En la obra se pregunta al espectador por las opciones que tomaría en una situación de extrema crisis, como la que vivimos. Resulta, por tanto, de una tremenda actualidad, más aplicable a nuestro tiempo incluso, que a los días en que fuera escrita, justo antes del estallido de la segunda guerra mundial. Bertolt Brecht demuestra aquí una extraordinaria visión no sólo de su tiempo sino del futuro, que corresponde a nuestra época.

Se trata sin lugar a dudas de la obra más importante del dramaturgo alemán y uno de los textos teatrales más emblemáticos del siglo XX, que ha sido interpretado por grandes actrices, desde Helene Weigel (dirigida por el propio Brecht), Simone Signoret, Glenda Jackson, Liv Ullman, Hanna Schygulla o Mery Streep a nivel mundial, así como Vicky Peña o Mary Carrillo en nuestro país. A pesar de haberse convertido enun clásico del teatro

Carmen Gallardo, cofundadora del grupo en 1983 y cuya encarnación de la Celestina está consiguiendo los adjetivos más elogiosos por parte de la crítica allá donde va, interpreta a la protagonista. Junto a ella, intervendrán los seis actores que toman parte en dicho montaje y que ya participaron en “La ópera…”; al igual que entonces, resulta parte fundamental del espectáculo el apartado musical. Nuevamente las canciones se interpretan en directo acompañadas, en algunos casos, por música en vivo ejecutada por los propios actores.

La puesta en escena apuesta por la presencia constante de los actores en escena, así como la cercanía de una parte de los espectadores, dispuestos en pequeñas gradas en el propio escenario, de manera que algunos personajes los incorporen como cómplices.

A través de la fuerza de las imágenes, la crudeza del texto y la calidad musical el montaje se convierte en, quizás, el más emotivo de los veinte que la compañía Atalaya ha llevado a cabo en estas tres décadas.

contemporáneo mundial, en España apenas ha girado fuera de Madrid o Barcelona. La compañía Atalaya toma dicha responsabilidad, como ya hiciera con su anterior puesta en escena brechtiana.

En 2006 Atalaya se acercó por vez primera al genial autor alemán llevando a escena “La opera de 3 centavos”, un musical con el que recorrería cerca de 40 provincias españolas cosechando excelentes críticas y obteniendo el Premio Canal Sur en 2007 al mejor espectáculo andaluz. El montaje se mantendría hasta inicios de 2009, cuando la crisis económica comenzaba a golpear a nuestro país. En 2013, ahora que ya ha producido tremendos estragos, retornamos al dramaturgo que mejor ha sabido analizar los problemas sociales.

Basada en la “Historia de la vida de la estafadora y aventurera Coraje”, de Grimmelhausen, la acción se desarrolla entre 1624 y 1636, durante la llamada Guerra de los Treinta Años, un cruel enfrentamiento entre católicos y protestantes que ensangrentó Suecia, Polonia y Alemania. Allí es donde aparece Anna Fierling, una vendedora de baratijas conocida como Madre Coraje, por el valor que parece tener en el campo de batalla. Oportunista, cínica, segura de sí misma, Anna va de un territorio a otro cambiando de bandera. Su meta es sobrevivir, lucrarse con la guerra y proteger a sus tres hijos. Se debate entre la defensa de su familia a ultranza y sus intereses comerciales. La necesidad o el afán de “defenderse” en el terreno comercial impiden a Madre Coraje defender la vida de sus hijos porque la guerra le impone sus condiciones. En un mundo dominado por la crueldad y la violencia confunde la supervivencia de su propio negocio con la de su propia familia.

Al final de la obra, sola y en la más absoluta miseria, le queda su maltrecha carreta de comerciante, para continuar “defendiéndose” dentro de un mundo en ruinas, en el que es una víctima más. Como dijera Bertolt Brecht, “La guerra representa sólo la continuación de los negocios con otros medios, pero en la guerra los grandes negocios no los hace la gente humilde y en la guerra las virtudes humanas se convierten

en mortales”. Una cita aplicable a nuestro tiempo, en el cual se está

librando una auténtica batalla entre quienes detentan

el control financiero y la mayor parte de

la población, que sufrimos sus

embates.

HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 10 I JULIO / AGOSTO 2014 I TEATRO 13

Hola Antonio, cuéntanos qué nos vamos a encontrar en “El milagro de El Greco”, la obra que presentáis en Albacete el 31 de agosto.El público cree que va a ver una obra de teatro, pero en reali-dad va a contemplar un cuadro, “El entierro del conde Orgaz”. Es el juego teatral que llevamos entre manos. En los prime-ros minutos hacemos que el público esté muy activo, de he-cho el fraile que presenta el cuadro tacha de milagro el hecho de encontrar tanta gente sensible a la belleza de un cuadro.

¿Se trata de un soliloquio?El fraile se encuentra solo en el escenario, sí. El público de la obra pasaría por ser el grupo que el fraile, a modo de guía, instruye. De todos modos, es una obra a la que hemos inten-tado sacar la ironía que puede tener la etapa de El Greco, para hacerla muy divertida y separarnos del resto de obras que utilizan al pintor cretense como base de su trama ya que éstas, según tengo entendido, suelen ser demasiado sesu-das y catedráticas.

¿Cómo es trabajar con Lluís Elías Gómez de Els Joglars? Trabajamos de una manera muy juguetona. Nos mezclamos entre todos, unas veces uno es mas actor, otras veces ese mismo puede ser mas director. Intentamos trabajar de esa manera que es la que utilizaba él con Els Joglars, pero sal-vando las distancias. Ellos eran capaces de encerrarse seis meses en el pirineo catalán y montar una obra, nosotros, des-graciadamente, no podemos hacerlo.

Ya trabajaste con él en “Ceniza”, obra de José Pascual Abe-llán y donde compartiste escenario con Guillermo Montesi-

nos ¿Cómo es trabajar junto a un icono de la escena de los 90 como Guillermo?Es un canalla maravilloso. Alguien que vivió la movida y te cuenta unas historias fantásticas. Posee unas respuestas capaces de dejarte de vuelta, un enamorado de su oficio. Tra-bajar con él ha sido toda una experiencia. Él tiene un papel muy cogido, muy definido y lo sabe explotar. Así que lo mejor que se puede hacer cuando trabajas con gente como Gui-llermo es pegarte a él e intentar empaparte de todo lo que puedas.

En cuanto a Abellán ¿qué opinas de sus obras?Tiene una línea muy marcada que le está funcionando bien. Es su estilo, él es autor sobre todo. Es un autor que tenemos en Albacete que es para presumir de él.

He visto que trabajaste en “A tu vera” de canal 9 ¿fue en alguna obra de Pedro Víllora?Participé en tres capítulos y, efectivamente, uno de ellos era de Pedro Víllora. A Pedro lo conocía anteriormente, de mi etapa de relaciones públicas de la revista literaria Barcaro-la. En cuanto a “A tu vera” fue curioso porque yo empecé a tra-bajar en producción con Victoria Vera. Hicimos muy buenas migas y, en aquel entonces, mi finalidad era meterme como actor. Al final lo conseguí. Recuerdo aquella época como algo muy divertido, en lo que todo fluía sin apenas esfuerzo

Lo último que has hecho en tv ha sido un capítulo en Gran Reserva ¿tienes nuevos proyectos para la pequeña pantalla?Sí, de aquello hace un par de años. Ahora ya no tengo dema-

siado tiempo para castings de televisión. Ten en cuenta que ahora produzco, distribuyo, actúo y hago de todo, así que no tengo ese tiempo para los castings. De todos modos, el próximo mes de septiembre se estrena en televisión espa-ñola una tv movie de dos capítulos con un elenco de actores muy actual. He compartido rodaje con Cesáreo Estébanez, Joaquim de Almeida, Jesús Olmedo o Manuel de Blas. El títu-lo es “El clavo de oro” y el director, mi amigo Antonio del Real.

¿Estás preparando algo de cine o alguna nueva obra de tea-tro?Para cine hay algo pero, de momento, no se puede decir. En cuanto a espectáculos, quiero preparar, de cara a septiem-bre, un experimento junto al mago chiky. Mezclaremos magia y teatro, pues tenemos cierto feeling juntos, y se trata de un inexorable enfrentamiento entre el mago y el actor, la magia y el teatro. Una obra en la que la única pretensión es conse-guir tres carcajadas del público por minuto.

Por último, una recomendación ¿cuál es la mejor obra de teatro a la que has asistido en lo que va de año?Si tuviera que nombrar una sola, me quedaría con “Humeda-des” de Pablo Albo. Sé que no es teatro, pero es la que reco-mendaría. Una narración oral sorprendente en la que Pablo está acompañado solo por una silla y una botella de agua. Me dejó impactado. Te cuenta una historia con la que te en-gancha desde el primer momento y no te suelta hasta el final.

Antonio, muchas gracias por tu tiempo. Nos vemos en el teatro.

Lo que ustedes verán será simplemente la contem-plación del cuadro de “El entierro del Conde de Orgaz”. Descubrimos en palabras de un actor en paro diferen-tes momentos milagrosos que han ocurrido durante el transcurso de los siglos y sobre todo en la época del Renacimiento, época en la que como un milagro apareció en Toledo El Greco; un hombre nuevo. Hoy en día se esperan milagros, pero como dijo Sancho Panza a Don Quijote: “Yo creeré en lo que se pueda ver y tocar”. El actor nos lleva a momentos extasiásticos pues lo más importante es que el público se eleve a las más altas cumbres del misticismo español, des-cubriendo precisamente que El Greco hizo eterno un suceso ocurrido doscientos años antes y que por este lienzo se hará universal. Con una puesta en escena en plan montaje teatral unipersonal, la escena se desa-rrolla en un solo acto frente al cuadro de “El entierro del Conde de Orgaz”. Una cuidada puesta en escena donde da la sensación de que el tiempo no ha pasado. Una iluminación atmosférica que avanza del realismo al expresionismo, de la calidez a la multiplicación de sombras teñidas por la luz de las velas. Para conocer un poco más de cerca lo que veremos el próximo 31 en el Teatro Circo, charlamos con Antonio Campos, autor y actor de la obra.

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