Miércoles, 7 de noviembre 21´30 horasMiércoles, 7 de noviembre 21´30 horas

Harry Connick, Jr. and his Big Band “My New Orleans Tour”

HARRY CONNICK, JR. Harry Connick, Jr. (Nueva Orleáns, 11 de septiembre de 1967), cantante y pianista estadounidense. Su repertorio y estilo se aproxima al jazz por la vía del swing y de la canción popular estadounidense. Se trata de un moderno crooner, dentro de la estela generada por la influyente generación de Frank Sinatra. La carrera de Connick comenzó con dos discos de clara orientación jazzística (aunque desde un punto de vista muy tradicional), para luego centrarse en un estilo más pop como moderno crooner. Connick es hijo de dos abogados propietarios de una tienda de discos. Su padre, Harry Connick, Sr., de ascendencia irlandesa-católica, fue fiscal

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FORMACIÓN:Harry Connick, Jr. and his Big Band “My New Orleans Tour” Harry Connick, Jr. (piano y voz) Ned Goold (saxo alto) Jerry Weldon (saxo tenor) Dave Schumacher (saxo barítono)Roger Ingram (trompeta) Irv Quartman (trompeta) Mark Braud (trompeta) Jeff Bush (trombón) Dion Tucker (trombón) Joe Barati (trombón bajo) Neal Caine (contrabajo) Arthur Latin (batería) Lucien Barbarin (trombón y percusión) www.hconnickjr.com

de distrito de Nueva Orleáns desde 1977 asta 2003. Su madre, una neoyorquina de ascendencia judía, fue Jueza de la orte Suprema de Louisiana. ras comenzar probando con el teclado a los tres años de edad, su primera ctuación pública se produjo a los seis años, y grabó con una banda de jazz local los diez. Recibió clases en el New Orleans Center for the Creative Arts y studió con Ellis Marsalis y James Booker. Una estancia en Nueva York para studiar en el Hunter College en la Manhattan School of Music le dio la portunidad de contactar con la compañía Columbia, para finalmente publicar u primer disco en 1987, un conjunto de estándares tocados a piano sin compañamiento que fue elogiado por la crítica. Su segundo disco, en 1988, ería el primero en que cantaría. a conocido dentro de los círculos jazzísticos, Harry Connick, Jr. entró de lleno n el ámbito de la popularidad con su banda sonora de la película de 1989 When arry Met Sally, llena de clásicos románticos (It Had to Be You, Let's Call the hole Thing Off, Don't Get Around Much Anymore) interpretados con el apoyo de

na orquesta.

Connick llegó a actuar como actor en alguna película en 1990. Ese mismo año realizó dos discos simultáneamente, cada uno orientado a públicos distintos: uno, We Are in Love, otro disco de clásicos orientado al ámbito pop; el otro, Lofty's Roach Souffle, completamente instrumental, orientado al mundo jazzístico. En 1991 graba con una orquesta Blue Light, Red Light. Aunque su popularidad decreció a mediados de los noventa, sus discos continuaron siendo bien vendidos. También prosiguió con su carrera de actor, con un papel protagonista en Copycat (1995) y se casó con la actriz Jill Goodacre. Tras algunos discos que no alcanzaron los niveles de éxito deseados, con el nuevo milenio Connick ha intentado recuperar sus raíces jazzísticas. En junio de 2006 graba “Oh, My NOLA”. Junto con su Big Band, más algunos invitados especiales, ha creado un disco de canciones inspiradas en y asociadas con la Crescent City. Varios de los títulos evocan inmediatamente Nueva Orleáns, aunque Connick y los suyos han encontrado la manera de darle una nueva perspectiva a esos grandes éxitos. Varios homenajes personales añaden también un aura de sinceridad al disco “Oh, My NOLA”. Algunos de ellos son Won’t You Come Home, Bill Bailey, la canción favorita de Ray, tío de Connick (cuya foto aparece en la portada del álbum “She”), y Lazy Bones, una de las canciones que la madre de Connick le cantaba cuando éste era un niño. Varios de los ídolos musicales de Connick también están representados en este disco como en Let Them Talk, con un arreglo basado en el solo de piano en directo del gran James Booker; Hello Dolly, asociada mundialmente a Louis Armstrong y Elijah Rock, uno de los temas preferidos de Connick del gran Raymond Myles. El disco también incluye cuatro nuevos temas que reflejan la naturaleza paradójica de Nueva Orleáns. We make a lot of love habla del romanticismo, una canción que Connick comenzó a escribir cuando grababa su famosa colección de baladas de amor, “Only You”. Otro de los temas acoge a uno de los maestros del banjo, Bill Huntington, así como a tres de sus cachorros –el trompetista Leon “Kid Chocolate” Brown, el trombonista Troy “Trombone Shorty” Andrews y el pianista Jonathan Batiste. Los otros dos temas originales están entre los más movidos de su carrera. Do That Thing es por un lado una celebración de la cultura de Nueva Orleáns y por otro un homenaje a los últimos éxitos musicales de la ciudad. Más fuerte si cabe es All These People, inspirada en el sufrimiento del que fue testigo cuando visitó Nueva Orleáns en los días posteriores al Huracán Katrina. El tema lo interpreta Connick junto al cantante de gospel Kim Burrel. “Quería de alguna manera representar la voz de la gente valiente que fue abandonada allí, y Kim fue la elección perfecta”. All These People fue el primer single del disco y los derechos de autor obtenidos de la venta, así como los obtenidos por “Oh My NOLA” y “Chanson de Vieux Carré” (un disco de jazz instrumental de la Big Band de Connick que el sello

Marsalis Music también lanzó en febrero de 2007) se destinarán al New Orlean’s Habitat Musician’s Village. Este proyecto, concebido por Connick y su amigo de toda la vida Branford Marsalis, consistirá en hogares monoparentales y duplex para ancianos, así como el Ellis Marsalis Center of Music. El disco “Oh My NOLA” está impregnado de optimismo y celebración, y donde mejor se aprecia es en el tema Yes We Can. También resume la manera que Connick tiene de ver la vida –con espíritu positivo, buscando soluciones y no culpables, y con un humanismo que sobrepasa fronteras. Es este mismo espíritu el que hace a “Oh My NOLA” una experiencia honesta.

Jueves, 8 de noviembre, 21.30Jueves, 8 de noviembre, 21.30

Eliane Elias

ELIANE ELIAS

Hace exactamente 20 años, Eliane Elias comenzó su carrera como solista. Tenía 26 años y había llegado a Nueva York en 1981 para hacerse un camino y formar parte de Steps Ahead junto a músicos de la talla de Peter Erskine, Eddie Gómez, Mike Manieri y Michael Brecker, su futuro marido. La

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FORMACIÓN:Eliane Elias (piano y voz) Marc Johnson (contrabajo) Adam Nussbaum (batería) www.elianeelias.com

alidad de Eliane Elias como pianista traspasaba fronteras. Nacida en Sao Paulo Brasil) en 1960, con 12 años ya tocaba obras de Bill Evans y Art Tatum, y con 7 acompañaba a Toquinho y Vinicius de Moraes en sus recitales. Pero en la ontraportada de sus discos favoritos, Eliane Elias leía “Hecho en Nueva York” allá se fue, a conquistar la Gran Manzana, convirtiéndose en uno de las ianistas más cosmopolitas de la música brasileña. on algunos breves apuntes de la vida de Eliane Elias, que ahora publica en spaña su nuevo álbum “Around The City”, el 18º de su carrera. Con Lester endez y Lauren Christy colaborando en la composición y Andrés Levin como

oproductor, Eliane ha creado lo que ella define como “una estructura en la que a voz se convierte casi en un personaje en sí mismo”. Eliane Elias impregna las 3 canciones de “Around The City” con un sentido dinámico actual y una ctitud lúdica y valiente. Una vez más, esta sensación de jazz escrito se mezcla on su pianismo emocionante, ofreciendo versiones de Oye cómo va de Tito uente-Santana, una inspirada versión del Jammin’ de Bob Marley y una daptación del Tropicalia de Beck, que era un homenaje a la Tropicalia brasileña, na fusión soul psicodélica de mediados de los años 60 impulsada por Caetano eloso y Gilberto Gil entre otros, grandes influencias de Eliane Elias en sus

omienzos. on los círculos temáticos que atraviesa con facilidad Eliane Elias en “Around he City”. “Quería que el álbum cobrara vida, que fuera casi visual”, dice liane de su disco, que ofrece impulsos narrativos de la ciudad desde la erspectiva de una solitaria ingenua. “Una ciudad puede ser solitaria en lgunos lugares, mientras simultáneamente en otra parte la urbe explota con nergía”, continúa Eliane. “Un buen álbum puede capturar simultáneamente stas dos emociones. Somos un producto del mundo que nos rodea y una iudad refleja esa lucidez mejor que cualquier otra cosa. Los diferentes estados e ánimo, los retos y la forma de abordarlos. Siempre he intentado tener en uenta mis orígenes y volcarlos en mi música. En Around The City he sido más onsciente que nunca de expresar esta actitud en cada canción”.

Es una evidencia literal en Running, la canción que abre el disco, en la que Eliane Elias hace un brindis a esas raíces brasileñas elásticas cuando canta: “Hacia la oscuridad / sin miedo a amar / enciendo mis luces / porque de donde yo vengo siempre hay que seguir adelante”. “En Brasil, tenemos que seguir adelante”, dice Eliane esbozando una sonrisa. “El origen de esta canción empieza con el mensaje positivo que tuve mientras grababa este disco”, continúa la artista. “Nunca empiezo algo si no lo siento y desde el principio supe con este álbum que quería concentrarme en la escritura de las letras, en las que envolví conscientemente mi voz. También sabía que quería trabajar con otros compositores y productores. Escribir con Lester Mendez y Lauren Christy y trabajar estrechamente con Andrés Levin fue como una progresión natural. Los tres eran fans de mis primeros trabajos e intuitivamente sabían la dirección en la que quería ir. No quería simplemente hacer un Dreamer nº2”. Eliane se refiere a su álbum “Dreamer” (2004), que alcanzó críticas entusiastas y algunos primeros puestos en las listas. “Fue el primer álbum en el que me concentré en lo vocal y canté casi todo en inglés”, dice Eliane. Fue también el primer álbum en el que estuvo apoyada con una orquesta completa. Las canciones de “Dreamer” eran casi todas versiones de estándares americanos interpretados a ritmo de bossa nova. Este exitoso disco contenía dos temas originales de Eliane y eran “como un showcase de una pianista acompañando a una cantante”. En “Around The City”, Eliane Elias se ha asociado con el productor Andrés Levin, maestro del latin-funk y cerebro de la fusión afro-latin-hip hop de Yerba Buena. Levin ha ayudado a Eliane a canalizar algunos de estos impulsos funk tropicales en canciones como Jammin’, que trabaja con loops electrónicos, utilizados por Eliane por primera vez. O la calma de Slide Show, o el clásico de Santana Oye cómo va del que Eliane dice: “Mezclamos bossa nova con un profundo latin groove, algo que siempre quise hacer”. En “Around The City” participan músicos de la talla de Randy Brecker, Marc Johnson, Óscar-Castro Neves, Paulo Braga, Paulinho da Costa... “Desde mis comienzos, siempre tuve la pasión de hacer algo diferente: abrir nuevos caminos. Son ideas que han estado nadando alrededor de mi cabeza. Nunca aspiré a ser una cantante. Mi desafío fue siempre la música, el piano y la composición. Siempre escribía y era una amante de la música improvisada, de los ritmos brasileños y el jazz americano. ¡Cómo no iba a soñar en la manera de integrar algún día todos estos maravillosos sonidos en mis propias creaciones!”. El sueño se ha convertido en realidad con “Around The City”, un álbum que se cierra con un maravilloso piano mientras Eliane Elias susurra: “No lo desperdicies todo”. Música pura.

9 de noviembre 21.30 horas9 de noviembre 21.30 horas

Richard Galliano Quartet featuring Gary Burton

RICHARD GALLIANO Richard Galliano ha tenido éxito con el énfasis musical con que trata la melodía, el ritmo y armonía, imponiendo su instrumento en contextos musicales que antes se ignoraban en festivales de jazz y en conciertos clásicos. Nació en Cannes el 12 de diciembre de 1950. Estudió Piano y Acordeón con su padre, Lucien Galliano, antes de seguir sus estudios

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FORMACIÓN:Richard Galliano (acordeón) Gary Burton (vibráfono) Philippe Aerts (contrabajo) Clarence Penn (batería) www.richardgalliano.comwww.garyburton.com

usicales en el Conservatorio de Niza, presidido en ese momento por el rganista Pierre Cochereau. Estudió Counterpoint, Armonía y Trombón, raduándose con 1º Prix d´Excellence en 1969. Paralelamente a su aprendizaje articipó en concursos internacionales de acordeón. Tocando a Bach, chaikovski y Gershwin, ganó el Primer Premio en la Word Cup de Acordeón urante dos años seguidos (1966 Valencia, España y 1967 Calais, Francia), así omo en President´s Prize en 1968. n 1973 se trasladó del sur de Francia a París. Colaboró durante varios años con laude Nougaro, Barbara, Serge Reggiani, Charles Aznavour, Juliette Greco, eorges Moustaki y Zizi Jeanmaire. Con su actuación en dúo con el cantante llain Leprest para el álbum “Voce a Mano” ganó el Gran Prix du Disque de la cadémie Charles Cros. En el reino de la canción francesa también deberíamos encionar sus colaboraciones musicales con la cantante Catherine Ringer (del

rupo Rita Mitsouko) en Cité de la Musique (París) y en Antibes Jazz Festival n Juan-Les-Pins. n 1983, Astor Piazzolla invitó a Richard Galliano a ser el bandoneón solista en

a Comédie Française con su original música para acompañar “El sueño de una oche de verano” de William Shakespeare, dirigido por Jorge Lavelli. Éste fue l principio de una larga amistad entre los dos hombres que duró hasta la uerte de Piazzolla en 1992.

ntre 1980 y 2003, Richard Galliano compartió escenario con grandes músicos e todo el mundo. Tocó con Chet Baker, Ron Carter, Joe Zawinul, Al Foster, ierre Michelot, Biréli Lagrène, Jean François Jenny-Clark, Eddy Louis, Philip atherine, Aldo Romano, Charlie Haden, André Ceccarelli, Michel Portal, nrico Rava, Toots Thielemans, Jean- Charles Capon y muchos otros.Durante ste periodo también compuso numerosos trabajos, muchos de los cuales ueron aclamados tanto por la prensa como por el público.

En 1991, Richard Galliano creó el “New Musette”, perfilado y grabado con Philip Catherine (guitarra), Pierre Michelot (bajo) y Aldo Romano (batería) para el sello discográfico Label Bleu. En 1993, la Académie du Jazz le premió con del Django Rinhardt, nombrándole “Mejor Músico del Año. En el mismo año grabó el álbum “Viaggio”, con el sello discográfico Dreyfus Jazz, con Biréli Lagrène (guitarra), Pierre Michelot (bajo) y Charles Belonzi (batería). Nominado para Victorire de la Musique, el álbum recibió el premio Django d´Or como “Mejor Álbum del Año”. En 1995, Richard Galliano grabó “Laurita”, con Joey Baron (batería), Palle Danielsson (bajo) y otros tres invitados de prestigio: Toots Thielemans (harmónica), Didier Lockwood (violín) y Michel Portal (clarinete). Un año más tarde publicó su tercer álbum con Dreyfus Jazz, “New York Tango”, grabado en Nueva York con Al Foster (batería), George Mraz (bajo) y Biréli Lagrène (guitarra), ganando un premio en Victoires de la Musique. El siguiente álbum “Blow Up”, grabado en 1997 a dúo con Michel Portal, alcanzó un gran éxito vendiendo más de 10.000 copias y ganando numerosos premios: Victoire de la Musique, el Boris Vian Prize (Académie du Jazz) y Best International Album (Música Jazz). En 1998, Richard Galliano lanzó a la venta el disco “French Touch” con Jean- François Jenny- Clark (bajo), Daniel Humair (batería), Michel Portal (saxofón), André Ceccarelli (batería), Remi Vignolo (bajo) y Jean-Marie Ecay (guitarra). Estuvo nominado a Victoires de la Musique y ganó el Best International Album por la Música Jazz. Desafortunadamente este lanzamiento se nubló por la muerte de Jean-François Jenny-Clark, amigo cercano de Galliano. En 1999, Richard Galliano grabó su sexto álbum para Dreyfus Jazz, “Passatori”, en Florencia (Italia), con músicos de la orquesta de cámara de la Toscana y el pianista Stefano Bollani, tocando un programa de composiciones originales y trabajos de Astor Piazzolla. Passatori estuvo nominado a Victoires de la Musique. Dreyfus Jazz lanzó su tercer disco de edición coleccionable, contando con un álbum solista grabado en el Umbría Jazz Festival en Orvieto el 31 de diciembre de 1998, un dúo con Michel Portal grabado en Hamburgo el 19 de octubre de 1998, y un trío con Daniel Humair y Jean- François Jenny-Clerk, grabado en Montreux Jazz Festival el 10 de julio de 1996. El año 2001 ve el lanzamiento de dos álbumes: “Gallianisimo” y “Face to Face”. El primero es una recopilación de grandes éxitos de ese año con Dreyfus Jazz y el segundo una grabación de estudio a dúo con Eddy Louis. Después ganó en 2001 el premio Django d´Or y fue nominado para Victoires de la Musique. Diez años después de la muerte de Astor Piazzolla, Dreyfus Jazz lanzó en 2003 un concierto en su memoria grabado en directo en el Willisau Festival el 29 de agosto de 2002 como septeto con Jean-Marc Phillips-Varjabédian (violín solo), Lyonel Schmit (segundo violín) Jean-Marc Apap (viola), Raphaël Pidoux (chelo), Stéphane Logerot (contrabajo) y Hervé Sellin (piano).

La formación en septeto, la cual dio nombre al álbum “Piazzolla Forever”, fue el único en tocar tanto en locales de jazz como clásicos. Todo esto sin olvidar la reedición del “Blue Rondo a la Turk” (1980) y “Blues sur Seines” como dúo con el violoncellista Jean-Charles Capon, “Salsamba” (1983) con Chet Baker (trompetista) y músicos brasileños, “Spleen” (1985) con un quinteto latino en el cual Galliano toca la acordina (instrumento de viento) y “Panamanhattan” (1990) como dúo con el bajista americano Ron Carter. Richard Galliano nunca se ha preocupado por ser uno de los mejores acordeonistas pero hay algo que sí le importa y es dar al público lo mejor de si mismo y siendo fiel a sus diversas raíces musicales, italianas, mediterráneas, jazz, canción francesa y música clásica. Inspiró a toda una nueva generación de acordeonistas internacionales. Hoy muchos jóvenes músicos tocan su música e imitan su estilo. Además, algunos de sus alumnos se embarcan en interesantes y fructíferas carreras musicales, incluyendo a Peer Glovingen y Daniel Mile. En los años 2004 y 2005, después de la grabación del álbum “New York Trio”, Richard ha viajado intensamente por una selección de ritmos americanos: Larry Grenadier en el contrabajo y Clarence Penn en la batería. El segundo tour como trío finalizó en el Theatre des Bouffes du Nord, en París en mayo de 2005. En junio del mismo año, Richard vuelve a París para grabar un DVD de “Piazzolla Forever Septeto” en el Theatre des Bouffes du Nord, exactamente en el mismo sitio donde comenzó el proyecto tres años antes: después 205 conciertos realizados por todo el mundo y el septeto terminó su colaboración en el local de su estrella; sin embargo, este evento de alto perfil estará disponible en futuros conciertos especiales. En el año 2006 se produjo el nacimiento de nuevos proyectos simultáneos: El New York Trio con el invitado especial Gary Burton, maestro de vibráfono conocido en todo el mundo, y Tangaria, un cuarteto especial con violín (con el increíble Alexis Cárdenas de Venezuela), bajo y otros músicos venezolanos, el percusionista Rafael Mejías, con el invitado especial de la mandolina, el brasileño Halmilton de Holanda. GARY BURTON Las innovaciones de Burton en el jazz, especialmente su acercamiento al vibráfono y su dominio sobre los cuatro mazos simultáneos, han sido el sello de una carrera que se extiende a lo largo de cuatro décadas. Sus cinco premios Grammy y trece nominaciones a los Grammy en varias categorías atestiguan la alta consideración que su música ha alcanzado entre sus colegas. Fue en el grupo de Burton de finales de los 60 cuando la guitarra eléctrica obtuvo importancia como un instrumento líder en jazz, donde se usaron por primera vez elementos de rock en una virtuosa y vibrante mezcla de jazz. Antes de que Miles Davis enchufara a sus guitarristas –la banda de fusión de Gary ya estaba en marcha al comienzo de la grabación de Bitches Crew–, Burton se

encaminaba ansiosamente del jazz hacia el más explosivo rock. Desde entonces, Gary ha contado con una impresionante lista de jóvenes guitarristas como colaboradores únicos. Los experimentos del vibrafonista con Larry Coryell crearon un sonido jazz-rock que dotaba a los conciertos de Gary Burton Group con estrellas del rock como Electric Flag & Cream (The Fillmore West en 1967). Fue la primera vez que un conjunto de jazz rompió la barrera del rock. El mismo grupo entusiasmó a las duras audiencias del Fillmore East cuando fueron teloneros de Moby Grape and the Fugs en 1968. Otros guitarristas, que más tarde tendrían su momento en el grupo de Burton, fueron John Scofield, Jerry Hahn, Mick Goodrick y Pat Metheny. El último descubrimiento de Burton, el joven prodigio Julian Lage, es el siguiente capitulo en su ilustre carrera como mentor. La primera vez que Gary se encontró con Julian, de 12 años, estaba tocando con un conjunto juvenil durante los premios Grammy de 1998. “Incluso durante ese breve instante de fama”, recuerda Gary “sabía que era un improvisador natural con mucho talento. Unos meses después, le invité a tocar conmigo y Herbie Hancock”. En “Generations” (un título inspirado por la compenetración alcanzada entre los dos músicos, sin importar su edad), el joven guitarrista se une al veterano vibrafonista para interpretar, de forma notable e intuitiva, sus propias composiciones junto con piezas de Makoto Ozone, Oscar Peterson y Carla Bley, entre otros. Burton y Lage también interpretan una pieza de Pat Metheny,una conexión emocional que se remonta al tiempo en que el afamado guitarrista tocaba en el grupo de Burton. Pat y Gary han trabajado juntos varias veces durante las últimas décadas, sobre todo en “Like Minds”, su cita de 1998 con Chick Corea que supuso el quinto premio Grammy para Burton. Las grabaciones recientes de Burton han sido prolíficas –un periodo en el que grabó varios álbumes temáticos de éxito para Concord Records, incluyendo “Libertango: The Music of Astor Piazzolla” (2000), “For Hamp”, “Red, Bags & Cal” (2001), y “Virtuosi”, un dueto de piano clásico con Makoto Ozone (las tres grabaciones recibieron nominaciones a los Grammy). “Generations” comienza con las piezas originales de Lage apropiadamente tituladas First Impression, una balada de jazz con un sabor místico y desenfadado. Burton y el guitarrista intercambian amplios solos sobre las armonías del piano de Ozone, antes de que el trío entre en calor y empiece a tocar más agresivamente. Lage también contribuyó en Early, una pieza de Tango que comienza con una introducción de piano clásico y equilibra un ritmo de percusión Latino con tonos de jazz clásico. Gorgeus de Mitchel Forman es una exuberante balada romántica, que ofrece a Lage espacio para explorar su lado más soul e introspectivo. Burton descubrió el caprichoso Wheatland con ritmo brasileño, de Oscar Peterson, en una grabación exclusiva para Japón de Ozone, y le pareció el vehículo perfecto para el proyecto.

Nativo de Indiana, Gary Burton comenzó a tocar a los ocho años y descubrió el jazz a los trece por un disco de Benny Goodman. Sobresalió en el mundo del jazz hace 43 años con el debut de “New Vibe Man in Town” con RCA. Durante la mejor parte de su carrera musical había usado su posición para ayudar a educar y ser mentor de la próxima generación de talentos musicales, enseñando en instituciones de todo el mundo. En 2004 terminó su carrera pedagógica de 32 años en su alma mater, la Universidad de Música Berklee en Boston, donde era el Vicepresidente Ejecutivo y Director de Operaciones.

Sábado, 10 de noviembre 21.30 horasSábado, 10 de noviembre 21.30 horas

Larry Martin Band Eldar

LARRY MARTIN BAND Larry Martin Band es uno de los grupos más sólidos y reconocidos de la actualidad y uno de los mejores referentes del jazz-blues hecho en España. Esta solidez está avalada por su larga vida de más de 17 años como formación estable y, sobre todo, la convicción de su propuesta musical. Temas de jazz & blues interpretados por una voz con gran capacidad de comunicar

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FORMACIÓN:Yoio Cuesta (voz) Moisés Sánchez (piano) Richie Ferrer (contrabajo) Enrique García (guitarra eléctrica) Larry Martin (batería) www.larrymartinband.com

sensaciones y emociones y unos músicos que rillan en sus solos, consiguiendo con sus arreglos crear ambientes que hacen al yente sumergirse en un universo sonoro de “standars” inolvidables que antaron Dinah Washington, Nancy Wilson, Billie Holiday, Ellis Regina, Al arreau, Shirley Horn, Stevie Wonder, etc., junto a otros originales, todos ellos on un discurso propio y un sonido actual. sa gran voz llena de sensualidad y fuerza es Yoio Cuesta, una mujer que une a u atractivo físico unas fabulosas cualidades vocales y una convicción nterpretando, que hace que viva cada melodía y cada historia. Larry Martin la scucho una noche en un bar cantando y quedó sorprendido e impactado por u frescura y su “feeling”. Ese encuentro provocó su incorporación a la banda n abril de 2005. l grupo nació a finales de 1987 y está formado por músicos de reconocido restigio en los circuitos de jazz como Moisés Sánchez (piano), Richie Ferrer

contrabajo) y Emrique García (guitarra eléctrica). Ha realizado conciertos en lubes, festivales y centros culturales de toda España. Desde 1997 hasta el año 000 actuó todos los veranos en El Jardín del Jazz del Hotel Castellana ntercontinental de Madrid para un público internacional que aprecia el jazz. n 1993 graba en directo el programa Área Reservada de TV2 y participa en un D recopilatorio del XVI Festival Internacional de Jazz en Getxo, y en otro CD

ecopilatorio del I Ciclo de Jazz (1993) de la Universidad de Málaga. En 1997 edita su CD “On the Road” (Barsa Promociones) y a principios del año 000 "...Just Playing the Blues" (Énfasis Records), un CD representativo de su úsica con muchos de los temas propios. En abril de 2002 edita el CD "Larry artin Band en El Central" (Ingo Música), grabado en directo en el Café Central

e Madrid.

En la primavera de 2005 comienza una nueva etapa de la banda con cambios en la formación, nuevo repertorio y el proyecto de un nuevo CD, su fuerte siempre ha sido el directo y por ello graba de nuevo (agosto de 2005) desde el Café Central “Here’s to life” (Índigo Records), un disco con “standards” inolvidables como For once in my life, Take five o Here’s to life, junto a temas propios como Sweet love, Still alive o Nada que ver (el primer tema que graba en castellano). Un trabajo ecléctico que muestra la evolución del grupo y que es editado en diciembre de 2005.

En la primavera de 2005 comienza una nueva etapa de la banda con cambios en la formación, nuevo repertorio y el proyecto de un nuevo CD, su fuerte siempre ha sido el directo y por ello graba de nuevo (agosto de 2005) desde el Café Central “Here’s to life” (Índigo Records), un disco con “standards” inolvidables como For once in my life, Take five o Here’s to life, junto a temas propios como Sweet love, Still alive o Nada que ver (el primer tema que graba en castellano). Un trabajo ecléctico que muestra la evolución del grupo y que es editado en diciembre de 2005. El grupo está dirigido por Larry Martin, un batería con una dilatada experiencia que ha trabajado y grabado con buena parte de los mejores músicos y artistas que han estado o pasado por Madrid, siendo uno de los fundadores del grupo Guadalquivir. Tiene una intensa actividad en conciertos didácticos y, aunque colabora con otros músicos desde el año 1996, entrega la mayor parte de su tiempo y energía a Larry Martin Band, buscando la superación personal y colectiva.

El grupo está dirigido por Larry Martin, un batería con una dilatada experiencia que ha trabajado y grabado con buena parte de los mejores músicos y artistas que han estado o pasado por Madrid, siendo uno de los fundadores del grupo Guadalquivir. Tiene una intensa actividad en conciertos didácticos y, aunque colabora con otros músicos desde el año 1996, entrega la mayor parte de su tiempo y energía a Larry Martin Band, buscando la superación personal y colectiva. ELDARELDAR

El pianista Eldar, de 18 años, grabó con el sello discográfico Sony su primer disco, titulado “Eldar”, que se publicó en marzo de 2005. Eldar cambia su Kyrgyzstán natal por EE.UU. en 1998, un chico de 11 años con poco conocimiento de inglés pero con un asombroso talento, que

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FORMACIÓN:Eldar Djangirov (piano) Harish Raghavan (contrabajo) Todd Strait (batería) www.eldarjazz.com

nmediatamente captó la atención del mundo del jazz. En los siguientes siete ños se estableció en Norteamérica, donde continuando con su educación bsorbió la cultura y puso a punto sus habilidades emergiendo como uno de los ás distinguidos pianistas de la nueva generación del jazz.

a apretada agenda de Eldar incluye contratos con el Orange Country erforming Arts Center, con Blue Note, con el Kennedy Center en Washington, tc. El pasado verano realizó giras por los mejores clubs de jazz de todo el país. ue elegido por Wynton Marsalis para aparecer en la gala de apertura de jazz n el Lincon Center New Rose Hall. En enero de 2005 apareció como nuevo rtista en la conferencia de la Asociación Internacional para la Educación de azz en Long Beach (California). Con dos álbumes en su haber deslumbra a las udiencias de todos los festivales de jazz de Estados Unidos. ldar es hijo de Emil y Tatiana Djangirov, y nació en Kyrgyzstán en 1987. mpezó a tocar el piano con tres años, y podía repetir las grabaciones que scuchaba nota a nota. Eldar progresó rápidamente cuando comenzó sus studios privados de Historia de la Música en Bishkek, capital de Kyrgyzstán. unque sus estudios eran técnicos incluían prácticas con el piano clásico.

Eldar tenía nueve años cuando tocó en el Festival de la ciudad rusa de Novosibirsk en verano de 1996. Charles McWhorter, patrocinador de jazz, se decidió a llevarle a EE.UU. McWorter obtuvo la escolarización para Eldar en el prestigioso campamento de verano Interlochen Center para las Artes en Michigan, donde a la edad de doce años ingresó en la Banda de Jazz de la Escuela Superior. Continuó desarrollando su talento e impresionando a todo el que le escuchaba. Marian McPartland le invitó a participar en sus series NPR de Piano Jazz. El doctor Billy Taylor contrató su aparición en el programa de la CBS Sunday Morning. En Kansas tocó para la Fundación Musical de Jazz, donde le escuchó Michael Greene, el entonces responsable de la Asociación de la Grabación de las Artes y las Ciencias. Greene decidió que Eldar tocara en los televisados premios Grammy del año 2000. Al mismo tiempo, Eldar participó en el Concurso de Jazz Lionel Hampton Jazz Festival (2001), ganando el Primer Premio. El siguiente año ganó el primer puesto en el Concurso Peter Nero Piano. Eldar participó en varios festivales de jazz de Norteamérica, incluyendo los de Jefferson City, Palm Springs, Lionel Hampton Jazz Festival, JVC Fesival en Nueva York, etc. Después de su aparición en Piano Jazz, fue invitado por Marian McPartland a tocar en la serie de conciertos anual en la Escuela de Música Eastman en Rochester (Nueva York). Asimismo, participó dos veces en el Millennium Stage del Kennedy Center en Washington. Cuando tenía sólo quince años tocó Rhapsody in Blue de Gershiwn con la Independence Symphony Orchestra, y también con Nebraska Jazz Orchestra como artistas invitados. En 2007 lanza “Re-imagination”, también con el sello Sony Classical. Es muy conocido por su técnica y su musicalidad. En el mundo del jazz se le describe como una “mezcla entre Oscar Peterson, Art Tatum y Chick Corea”.

Domingo, 11 de noviembre 20.00 horas

Dayramir & Habana enTRANCE Rudy Vistel Latin Jazz

DAYRAMIR & HABANA enTRANCE Dayramir González nació el 18 de octubre de 1983 en La Habana (Cuba). Procede de una familia de músicos, y su padre -trompetista y amante de coleccionar discos de jazz- le fue introduciendo esta magia desde los 4 años. Comienza sus estudios de Piano clásico a los 7 años de la mano de Amado Touza y Miriam Valdés (hermana de Chucho),

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FORMACIÓN:Dayramir González (piano) Reinier Elizarde (bajo eléctrico y contrabajo) Arnaldo Lescay (batería) Rainer López (percusión) Román Filiu (saxo tenor) Dennis Fernández (trompeta)

siguiendo sus estudios de nivel medio ajo la mirada del prestigioso pianista y compositor cubano Huberal Herrera. ctualmente cursa el segundo año de Composición en el Instituto Superior de rte con el maestro Juan Piñera.

Con una formación clásica sólida, Dayramir comienza a los 16 años su vida rofesional con el grupo del ex-Irakere Óscar Valdés, tocando en todos los lubes de jazz de La Habana y participando en el Festival de Jazz "Jazz Plaza” 2000 y 2001). n 2002 prepara un quinteto de jazz formado por jóvenes de la ENA(Escuela acional de Arte), con el cual se presentan al Festival de Jazz de ese año,

ompartiendo escenario con la saxofonista Janne Brunnet, Timbalaye o Ramón alle, entre otros. En las siguientes ediciones (2003 y 2004) se ha presentado

omo invitado con diferentes formatos, compartiendo escenario con Chucho aldés, Bobby Carcasses, Ernan López -Nussa, Pacho Terry, Omara Portuondo Teresa García-Caturla, entre otros. n 2005 integra la nómina de excelentes músicos que agrupa el batería Giraldo iloto, Klimax, haciendo una gira por Tenerife y compartiendo escenario con

erry Rivera. mediados de ese año en paralelo a su labor con Klimax decide crear su propia

ormacion, Dayramir& Habana enTRANCE. finales de año gana el Jojazz, concurso para jóvenes jazzistas que organiza el

nstituto Cubano de la Música, el cual le permite entrar en el mundo iscográfico, colaborando con músicos de la talla de Elmer Ferrer y tres grandes axofonistas: los ex-Irakere Javier Zalba y César López, y el también clarinetista ex-integrante del grupo de Pablo Milanés, Orlando Sánchez (Cubajazz).

En este disco, Dayramir muestra una visión del jazz cubano actual, rescatando la línea de continuidad genealógica del danzón y la contradanza (géneros que fueron primarios a mediados del siglo XIX y XX en Cuba), teniendo gran aceptación por la crítica especializada. "La diversidad de géneros abordados y el acierto de los formatos utilizados en cada tema aseguran la imposibilidad de llegar al aburrimiento, a la sensación de estar oyendo más de lo mismo"

Marielena Mendiola (musicóloga y directora de orquesta)

RUDY VISTEL LATIN JAZZ

Rudy Vistel nació en Santiago de Cuba en 1952. Creció en el seno de una familia netamente musical, en la que tanto él como sus hermanos forman parte de la tercera generación de músicos. De la mano de su padre -reconocido director de orquesta, compositor, orquestador y trompetista- inició su andadura por el mundo de la música. A los diez años fue admitido en el Conservatorio “Esteban Salas” de su ciudad, iniciando su formación musical en la especialidad de Trompeta. Desde muy temprano alternó sus estudios con la práctica musical, desarrollándose como trompetista en la orquesta que dirigía su padre y en diferentes agrupaciones profesionales en

dEGEddpmFnddd

FORMACIÓN:Rudy Vistel (dirección y trompeta) Maykel Vistel (saxo tenor) Carlos Calvo (saxo alto) Jaime Viñés (saxo barítono) Javier García (trombón) Óscar Pelles (trompeta) Jorge Vistel (trompeta) Frank Pino (bajo eléctrico) Coco Fernández (piano) Pedro Gan (teclados) Pedro Vega (timbal) Teodoro Romero (congas) Antonio García (batería)

las que dejó ver sus posibilidades como irector, compositor y arreglista. n 1964, con tan sólo doce años, fue reconocido como miembro de la Sociedad eneral de Autores de Cuba. n 1972 pasó a formar parte como trompetista de una de las primeras orquestas e su país, “La Orquesta de Música Moderna de Oriente”, con la que durante iez años realizó conciertos en los escenarios más exigentes de Cuba, articipando en los eventos más señalados de estos años (tope bilateral de úsica Cuba-EE.UU., Festival A. Guzmán, Festival del creador musical,

estival del disco), acompañando a solistas nacionales y extranjeros de alto ivel profesional y realizando programas para la televisión, grabaciones de iscos, giras nacionales e internacionales… Como resultado del constante esarrollo musical como miembro de esta orquesta fue nombrado segundo irector de la misma.

En 1980 ejerció como productor de la empresa discográfica Egrem, firmando así un gran número de discos, entre los que podemos señalar “Sones de Oriente” del destacado cantante cubano Elíades Ochoa. Se le encargó crear la orquesta de acompañamiento de la radio en su ciudad de la que fue director y orquestador durante varios años. Actuó como director musical de la compañía de teatro para niños “Guiñol”, componiendo toda la música y realizando todas las orquestaciones y grabaciones, lo que le llevó a obtener el premio “Máscara de Caoba” con una de sus obras. Se fundó en este tiempo en Cuba, la” Escuela de superación profesional para músicos y artistas” y fue elegido para formar parte del claustro de profesores en la cátedra de Solfeo. En 1982 creó su propia orquesta “Jaleo”, con la que logró un gran reconocimiento nacional y grabó tres discos. Jaleo se hizo favorito de la radio y la televisión, realizó giras por todo el país y participó en grandes eventos compartiendo escenario con las mejores orquestas de Cuba. En 1986 se trasladó a La Habana, y durante dos años se dedicó a trabajar como asesor musical de la empresa para artistas “Adolfo Guzmán” y como trompetista de las orquestas de los cabarets, “Tropicana” y “Capri”. En 1988 creó su nueva orquesta “Cinquillo Cubano”. En esta etapa se dedicó al mundo del espectáculo musical y al trabajo de la música instrumental, realizó grabaciones para la radio, mantuvo una programación en instalaciones turísticas importantes y viajó con este trabajo a diferentes lugares del mundo. En 1994 llegó a España dirigiendo el espectáculo “Antología del Bolero” en el Teatro Alcázar de Madrid, donde obtuvo una gran acogida. Posteriormente se presentó con el mismo en la plaza de toros de Las Ventas, ocasión ésta en la que se unió a grandes figuras como Diango, Moncho, Manzanero, Los Panchos y Mª Dolores Pradera. Durante todo este tiempo, ya fijada su residencia en España, compartió escenario con grandes músicos de dentro y fuera del país, siendo uno de ellos la famosa y ya mítica Celia Cruz. También asumió durante un tiempo la dirección de diferentes orquestas del país. En 1998 colaboró como trompetista y orquestador en la producción discográfica “Un Pez en mi maleta” del grupo zaragozano “Los Especialistas”. En 1999 graba como trompetista y realiza la orquestación de la sección de metales de la producción discográfica “Pequeño” del cantante Enrique Bunbury. Rudy Vistel ha actuado con su big band en los ciclos de jazz programados por el Auditorio de Zaragoza y sus diferentes trabajos musicales han estado presentes en los eventos más importantes de la ciudad durante estos años. Recientemente ha realizado una gira por toda Europa con el proyecto Sinfónico de Buena Vista Social Club y la cantante cubana Omara Portuondo, dirigiendo importantes orquestas como la Roma Sinfonietta, la Orquesta Sinfónica de Murcia y la Orquesta Sinfónica de Budapest, entre otras.

Miércoles, 14 de noviembre 21.30 horasMiércoles, 14 de noviembre 21.30 horas

Kristjan Randalu Quartet

KRISTJAN RANDALU QUARTET

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Ganador de innumerables premios y considerado como una de las figuras emergentes, ya toda una realidad del jazz mundial, el cuarteto del pianista estonio Kristjan Randalu produce unos colores frescos combinando violoncello, percusión, contrabajo y piano. Su música posee numerosas

folclóricaCon ellosabrazandrock y el en directde fuerzaEl nexo residierotoda la cideas y laSus comp· KristjanReciente mejor múen Estonde él: “KNacido epianistasa AlemaPatrick OtomandocontinuóKeezer (pRandalu PatitucciMaster dBarron, GEs un exadonde gr

FORMACIÓN: stjan Randalu (piano) an Braun (violoncello) io Miguel (contrabajo)

dek Janke (batería y percusión)

ww.randalu.com

influencias del jazz así como música

del Este de Europa. podemos ver el dramático y dinámico potencial del jazz moderno o el alcance emocional de la música clásica, la fácil receptividad del pop, el llanto y dolor del blues, y el bailable acid jazz. Sus conciertos o transmiten energía en estado puro con un sonido compacto y lleno . de unión entre los 4 músicos fue la ciudad de Nueva York, donde n algunos y otros lo siguen haciendo. Es ahí donde influenciados por orriente artística que respira la gran manzana plasmaron todas sus s juntaron en forma de este proyecto. onentes son: Randalu – Piano. www.randalu.com ganador del premio “2007 Jazz Award of Baden-Württemberg” al sico de jazz en Alemania de 2007 es un pianista y compositor nacido

ia respetado por figuras de la talla de Herbie Hancock, quien afirma ristjan es un pianista apabullante”. n el seno de una familia de pianistas (sus dos padres son reconocidos clásicos), Kristjan empezó su carrera musical a los 6 años. Al mudarse nia a los pocos años estudió piano clásico con Sontraud Speidel y ’Byrne en Karlsruhe y piano de jazz con Paul Schwartz en Stuttgart,

algunas clases adicionales con John Taylor en Colonia. En 2001 sus estudios en la Royal Academy of Music de Londres con Geoff

iano), Iain Ballamy y Django Bates (composición). En 2003 Kristjan estudió en The City College of New York con Edward Simon y John

. A su vez estudió composición con Daniel Schnyder. En 2006 recibió su e la Manhattan School of Music, de la que fue alumno de Kenny arry Dial, Phil Markowitz y Ted Rosenthal. lumno del instituto Henry Mancini de la Universidad de California, abó en el disco “Elevation” (Concord Records) con Eddie Daniels y

Tom Scott como figuras invitadas, grabación que contó con dos nominaciones a los Grammy. Kristjan ha tocado como solista en piano clásico, jazz y en proyectos con la Orquesta Nacional de Estonia, la Filarmónica de Stuttgart y la New Chamber Orchestra de Berlín en Europa, Israel, Turquía, Canadá y los Estados Unidos. Ha tocado con Alex Acuña, Jay Anderson, Joel Frahm, Dieter Ilg, Quincy Jones, David Liebman, Christian McBride, Vince Mendoza, Bob Mintzer, Dick Oatts, John Peña, Gerard Presencer, Claudio Puntin, the Modern String Quartet y Maria Schneider. En 2002 Kristjan Randalu ganó el 2º premio en la competición de solo piano en el festival de jazz de Montreaux. Ha ganado otros premios y becas del Jürgen Ponto-Foundation, Art Foundation de Baden-Württemberg, German National Merit Foundation, European Foundation for Culture “Pro Europa”, Estonian National Culture Foundation, Estonian Ministry of Culture, Cultural Endowment of Estonia, y the German Academic Exchange Service. En 2004, su disco de solo piano “Confidance” (Finetone Music) fue editado y elegido para “CD del mes” en las revistas Rondo (Febrero 2004) y Audio (Abril 2004). La grabación estuvo también nominada para el Premio de la Crítica a CD’s Alemanes. En 2005 grabó el primer disco con su cuarteto, presentando una formación inusual en el mundo del jazz con violonchelo como solista de jazz, piano, contrabajo y batería/percusión. En 2006 Kristjan grabó su quinto CD “tiene jälg” con Siiri Sisask como compositora de los temas y Kristjan como arreglista. En 2007 Randalu fue invitado a formar parte como profesor de la Universidad de Música en Karlsruhe, Alemania. En la actualidad Kristjan reside en Nueva York, donde sus recientes actuaciones han tenido lugar en sitio como el 55 Bar, The Jazz Gallery, Jazz at Lincoln Center y el Carnegie Hall. Kristjan es un artista Steinway. · Stephan Braun – Violoncello www.stephanbraun.com Stephan ha revolucionado el mundo del violonchello con su adaptación personal de este instrumento al mundo del jazz así como el uso de nuevas técnicas creadas por él mismo. Empezó a estudiar piano de pequeño, cambiándose al cello al poco tiempo. Estudió violoncello clásico con el Profesor Mehlhorn en Hamburgo durante 3 años, cambiándose al departamento de jazz de la mano de los profesores Glawischnig, Lucas Lindholm y Flete Felsch. En 2004 prosiguió con sus estudios de jazz en Berlin con Peter Weniger y David Friedman, graduándose en 2006. También ha participado en talleres y clases magistrales de Enrst Reijseger, Didier Lockwood y John Patitucci. A lo largo de su carrera ha tocado con músicos y formaciones como Chris

Hinze-Combination, Boi Akih, Manfred Weinberger-Sextett, Zappa's Grandmothers, Don Thomson, Kristjan Randalu, Anna Mateu y la NDR-Bigband. Actualmente reside en Berlín, donde es líder de formaciones como el trio de jazz “Kalao” y el ensamble “Deep Strings”, grupo con el que ha ganado el primer premio del jurado del concurso “Jazz-Blues” de Berlín, en Septiembre de 2004. · Antonio Miguel – Contrabajo. www.antoniomiguelbass.com Antonio Miguel, contrabajista, bajista eléctrico y compositor, comienza a tocar el bajo eléctrico a los 16 años, cuando su padre le enseña sus primeras lecciones en Zaragoza, su ciudad natal. 3 años más tarde comienza a estudiar contrabajo clásico en el Conservatorio Profesional de Zaragoza. En el verano de 2004, fue premiado con la beca Tete Montoliu para estudios jazzísticos otorgada por la AIE (Asociación de Intérpretes y Ejecutantes) y con la Joel Scholarship por The City College of New York, que le permitieron trasladarse a Nueva York. Ahí tuvo la oportunidad de tocar junto a grandes del jazz como Dave Liebman, Fred Hersch o John Abercrombie. En este periodo asistió a Master Classes de Chick Corea, Christian McBride, Richard Bona y Allan Holdsworth, y estudió durante dos años con el contrabajista John Patitucci. Recibió también clases de Johannes Weidenmueller, Sean Smith y François Moutin. A lo largo de su carrera profesional Antonio ha tocado con músicos como Paquito D’Rivera, Jerry González, Jonathan Kriesberg, Mark Ferber, Tommy Crane, Obed Calvaire, Ted Poor, Ray Gallon, Christian Howes, Bobby Floyd, Javier Vercher, Bob Sands, Ben Sidran, Kurt Weiss, Chris Kase, Steve Berrios, Perico Sambeat, El Piraña, Marc Miralta, Pedro Iturralde y Horacio Icasto entre otros. También ha acompañado a artistas como Miguel Ríos, El Negri, Carmen París, Concha Buika, Paloma Berganza y Clara Montes. Sus últimos trabajos incluyen la grabación de los discos de la Orquesta Nacional de Jazz de España, Carita Boronska, Benedikt Janhel Trio, Chema Sáiz Trío, Moisés Sánchez Trío, Divas del Flamenco y Pasión Vega. Recientemente forma parte del cuarteto del pianista estonio Kristjan Randalu, con el que toca por Europa frecuentemente. · Bodek Janke – Batería /Percusión. www.bodekjanke.com Nacido en Polonia, de familia materna rusa y crecido en Alemania. Entre toda esta diversidad cultural se ha desarrollado la carrera de este batería, percusionista y compositor. Comenzó a estudiar piano a los 4 años tomando clases con su madre. Entre 1990 y 1995 estudió percusión clásica en el Conservatorio de Karlsruhe, ciudad donde conoció a Kristjan Randalu y fundó una relación musical/amistosa que dura hasta estos días. En 2004 se mudó a Nueva York, donde reside actualmente, en la que ha

estudiado con músicos como John Riley, John Patitucci, Ari Hoenig y Dave Liebman. También estudia tabla hindú con el maestro Pandit Samir Chatterjee (Calcuta/India). Se graduó en 2006 del programa Master de The City College of New York. En toda su carrera musical, Bodek ha participado en programas de televisión (“TV total”), en la Orquesta Joven Federal de Alemania, en proyectos como “Didgerission” con 2 CD’s producidos, y con otros muchos artistas del panorama musical alemán, actuando en lugares como el Carnegie Hall, Jazz Gallery o 55 Bar y haciendo giras por países como Estados Unidos, Francia, Polonia, España, Rusia, Eslovenia, República Checa, Bélgica y Holanda. No pasa desapercibido por músicos como Peter Erskine, quien afirma de él: “Bodek está formando sus propias reglas dentro del mundo de la batería. Esa es una buena forma de progresar”.

Jueves, 15 de noviembre 21.30Jueves, 15 de noviembre 21.30

Llibert Fortuny Electric Quintet

LLIBERT FORTUNY ELECTRIC QUINTET Nacido en las Islas Canarias debido al trabajo de su padre, al poco tiempo se traslada a Cataluña (España), donde su familia es originaria. A los 7 años empieza su relación con la música estudiando Solfeo, Guitarra y Piano. Es a los 11 años cuando Llibert Fortuny empieza a tocar el saxo, instrumento que al poco tiempo se convierte en su inseparable compañero de viaje. Esta estrecha relación lo llevará a

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David Dan

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En 1997, Manresa en el Besiguienteacogido ycomo ShKen Cerves elegidla Greg dirigida pEE.UU. fAl poco tmusical Quartet, (piano), Den distintitulado con la co2001, es uWTF de Santos inlocal barcLa trayecpremio cMúsica MLliure bade concie

FORMACIÓN: Fortuny (saxo alto, EWI

y efectos) oler (guitarra eléctrica y

efectos) González (bajo eléctrico)i Domínguez (batería) Puigtió (hacker sonoro) w.llibertfortuny.com

emprender grandes decisiones en la vida. después de obtener el Grado Medio en el Conservatorio de Música de con inmejorables calificaciones, se le concede una beca para estudiar

rklee College of Music de Boston (Massachussets, EE.UU.). Al año empieza la aventura musical para Fortuny en el país que le había en el que tuvo la oportunidad de estudiar con distinguidos profesores

annon LeClaire, Ed Tomassi, Hal Crook, Phil Wilson, Greg Hopkins, enka o Bill Pierce, entre otros. Durante su estancia en Boston, Fortuny

o para compartir escenario con músicos de relieve como Chick Corea, Hopkins Band, Ryles Club Big Band o la Boston Pops Orchestra, or aquel entonces por Keith Lockarth. Esta experiencia privilegiada en

inaliza con un merecido Suma Cum Laude en el mes de mayo de 2001. iempo, Fortuny vuelve a Cataluña, donde empieza su primer proyecto en la capital de esta región, Barcelona, el llamado Llibert Fortuny acompañado por excelentes músicos catalanes como Albert Bover avid Mengual (contrabajo) y Marc Miralta (batería), con quien actúa

tos clubs y festivales del Estado español. La formación graba un disco "Un Circ Sense Lleons" -Un Circo sin Leones- (Nuevos Medios, 2004) laboración de Perico Sambeat (saxo alto y soprano). Desde entonces, no de los integrantes más activos del colectivo los lunes en el "Jamboree Jazz Club", que por iniciativa de Aurelio tenta reunir en el escenario músicos innovadores, abiertos a la escena elonense, sea cual sea su vertiente musical. toria de Llibert Fortuny es muy activa desde 2002, año en que recibe el omo "Mejor Intérprete de Jazz" de la Associació de Músics de Jazz i

oderna de Catalunya (AMJM). Participa con la Orquesta del Teatro jo la dirección de Lluís Vidal y Josep Pons. También lo hace en el ciclo rtos del club Jamboree con el saxofonista Sonny Fortune, o bien a dúo

con el guitarrista Jordi Farrés. Más recientemente ha colaborado con el pianista Rodrigo Gonçalves y el guitarrista Nuno Ferreira en Portugal. Ha grabado con la discográfica Satchmo por el grupo "LTM" -liderado por David Mengual- y ha colaborado en las giras españolas del organista Jimmy Smith y el guitarrista Phil Upchurch. Asimismo, Fortuny es miembro activo de la formación "Instint Animal" -liderada por el batería Xavi Maureta- y del grupo "TGX" -liderado por el guitarrista Andreu Zaragoza-. En agosto de 2004 se le concede el premio Puig-Porret que otorga la crítica musical catalana como "Mejor Intérprete de Jazz". En otoño gana el circuito "Ressons" con su formación Llibert Fortuny Electric Quartet, nombre que al poco tiempo cambiará al reconocerse al técnico de sonido Quim Puigtió como miembro de la formación. En la primavera de 2005, Llibert Fortuny Electric Quintet publica su segundo disco "Revolts" -curvas- (Nuevos Medios). Junto a David Soler (guitarra y pedal steel), Dani Domínguez (batería), Quim Puigtió (sonido y efectos) y David González -quien sustituye a David Mengual como bajista-, presentan "Revolts" el 2 de septiembre de 2005 en el Palau de la Música Catalana, en el Festival Mas i Mas. Con este disco se convertirán en "Mejor Grupo del Año" por la AMJM. En las mismas fechas, Fortuny recoje el Premio Altaveu en Sant Boi de Llobregat. Para finalizar el año, el día 5 de diciembre de 2005, Llibert Fortuny Electric Quintet actúa en la sala grande del Teatro Nacional de Cataluña (TNC) con la Big Band "XXL", cerrando el 37º Festival Internacional de Jazz de Barcelona. Por segundo año consecutivo, Llibert Fortuny y el percusionista Miguel Ángel "Angá" Díaz protagonizan el espot publicitario del Festival en televisión. El CD y DVD del concierto sale a la luz en julio de 2006 con el nombre "Llibert Fortuny Electric Big Band XXL" (Nuevos Medios, 2006). Junto a esta gran orquesta, la banda actúa en el Festival Grec de Barcelona, así como en el Festival de Jazz de San Sebastián, Festival de Jazz de Madrid, Cartagena... Fortuny está concentrado en buscar nuevas ideas con el reto de componer piezas dinámicas, abiertas a nuevas influencias, respondiendo así a sus emociones. Trabaja y se desvive por el Llibert Fortuny Electric Quintet. Asimismo, Fortuny colabora con los pianistas Chano Domínguez, Rodrigo Gonçalves y Manel Camp, y con el guitarrista Jordi Farrés y el bajista Gary Willis. Lo más reciente es la preparación de su nuevo disco con el Electric Quintet, “Double Step”, que acaba de ser grabado y mezclado en Grabaciones Silvestres por Marc Parrot y, obviamente, Quim Puigtió. El disco salió al mercado en mayo de este año bajo el sello Emarcy/Universal. El cambio de discográfica significa un importante paso en la carrera de Fortuny y le abre nuevas puertas tanto en España como en el extranjero. Los planes immediatos son presentar este nuevo trabajo por todo el territorio español con el Quintet, sin olvidar tampoco a la Big Band que también seguirá su gira aventurándose por primera vez en territorio francés (Festival Rio Loco, Toulouse).

Viernes, 16 de noviembre.21.30Viernes, 16 de noviembre.21.30

Michel Camilo Trío

MICHEL CAMILO TRÍO El pianista Michel Camilo, cuya carrera abarca tres décadas, dos hemisferios y el mundo clásico y jazzístico, es consciente de la importancia de vivir el momento. Desde el lanzamiento de “Triángulo”, en 2001, su debút

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FORMACIÓN:Michel Camilo (piano) Charles Flores (contrabajo) Dafnis Prieto (batería) www.michelcamilo.com

con el sello Telarc ha dado a luz unos trabajos

extraordinarios tanto a trío como en solitario o n compañía de una orquesta, trabajos que han sabido capturar, en diferentes omentos de su trayectoria creativa, la esencia y el espíritu de un artista en

onstante evolución. espués de “Solo” (2004), un disco eminentemente íntimo, y del más arriesgado

Rhapsody in Blue” (2006), Camilo retorna por todo lo alto al trío de jazz con Spirit of the Moment”, un disco que salió a la venta el 24 de abril de 2004 y que ontinúa con la línea potente e innovadora de “Live at the Blue Note”, la rabación de 2003 que le hizo acreedor de un premio Grammy. Live at the Blue Note fue el punto culminante de veinte años de carrera durante os que fui perfilando el sonido de mi trío y desarrollé un estilo muy personal”, firma Camilo. “Después de aquel trabajo, tuve la sensación de que podía dejar eposar al trío antes de reinventarlo, y poder así dedicarme a otras cosas y a xplorar otros territorios”. rácticamente cuatro años después de “Live at the Blue Note”, Camilo ve Spirit of the Moment” como un disco de una importancia también undamental. “Para mí, este disco es un hito”, reconoce. “Lo considero un lásico. Después de tantos proyectos y experiencias diferentes durante estos ltimos años, he logrado refrescar y redefinir el sonido de mi trío”. rabado directamente en dos pistas y en surround por Robert Friedrich, el

ngeniero de Telarc, “Spirit of the Moment” sirve también como tarjeta de resentación de la nueva formación del trío de Camilo, pues el batería Dafnis rieto ha sustituido a Horacio “el Negro” Hernández. “Dafnis no lo tiene nada

ácil”, admite Camilo. “En mi trío, por el puesto de batería han pasado grandes ombres. Es una posición muy codiciada, y siempre que buscaba un nuevo atería, intentaba ser muy meticuloso en la selección, porque tiene que ser un úsico versátil”. Prieto forma una sola unidad con el contrabajista Charles

lores, quien, después de cinco años en el trío, ha desarrollado una “química special”, según Camilo. iel a la filosofía personal de Camilo sobre la universalidad del número tres, Spirit of the Moment” se divide en tres capítulos, integrado cada uno de ellos or cuatro temas. El primero se compone exclusivamente de material original, y

empieza con “Just Now”, una amalgama de la música del Caribe y de Nueva Orleáns que marca la pauta de un disco donde abundan los estilos y los guiños culturales y musicales. La sincera composición My Secret Place es una de las dos baladas del disco, un tema hábilmente escrito y que sirve de contrapunto a A Place in Time, que suena más adelante. “No es casual que los títulos de las dos baladas sean tan parecidos”, explica Camilo. “Están relacionadas entre sí, pero evidentemente están compuestas desde puntos de vista diferentes y tienen melodías distintas, aunque cada tema gravita en torno de la misma tonalidad: La menor”. Nefertiti, el clásico de Wayne Shorter, impregnado aquí de una clara sensibilidad afrocubana, abre el segundo capítulo, un bloque formado por cuatro temas en el que encontramos otros dos estándares: una reinterpretación aflamencada de Nardis, de Bill Evans, y una versión de Giant Steps, de Coltrane, donde los músicos deconstruyen y reconstruyen alternativamente el tema. El último capítulo, que se inicia con la balada anteriormente citada, A Place in Time, prosigue con Hurry Up and Wait, un tema donde se mezclan diferentes compases, a cual más moderno y exigente, y con una pieza un tanto más etérea, Liquid Crystals. El disco se cierra con una versión mística del clásico de Miles Davis Solar, que figura en el listado de temas del disco con el título de Solar (Explorations) y que es, en el fondo, una puerta abierta. “Nunca llegamos a tocar el tema”, confiesa Camilo, “sino que nos limitamos a explorar sus partes, haciéndolas cada una a nuestra manera. Es una improvisación colectiva. El último capítulo del disco abre la puerta a un sinfín de posibilidades. Al final del disco, cuando ya están las cartas sobre la mesa, Solar (Explorations) es más o menos nuestra manera de decir: “Continuará…””. “Spirit of the Moment” es todo lo que presagia el título del trabajo: una obra de arte cuya inspiración procede de una dimensión superior. Camilo explica que compuso los ocho temas originales en ocho días, y que la mayoría de lo que se oye en el disco son primeras tomas. “Fue increíble. Me senté y escribí toda esta música en muy poco tiempo. La música salía de mí. Sin embargo, ni los detalles, ni las diferentes texturas se han resentido. Cuanto más lo escuchas, más cuenta te das de la profundidad del disco”.

Sábado, 17 de noviembre.21.30 horasSábado, 17 de noviembre.21.30 horas

Ron Carter Foursight Ivanow Jazz Group

RON CARTER FOURSIGHT

Más de treinta y cinco años en el jazz han convertido a Ron Carter en una de las voces más distinguibles del contrabajo. Nacido en Fernandale (Michigan), en 1937, comenzó a tocar el violoncello a los diez años para después cambiar al contrabajo. Graduado en

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FORMACIÓN:Ron Carter (contrabajo) Stephen Scott (piano) Payton Crossley (batería) Roger Squitero (percusión) www.roncarter.net

la Escuela de Música de Manhattan, desde rincipios de los sesenta trabajó al lado de grandes líderes como Chico amilton, Julian Cannonball Adderley, Eric Dolphy y Jacki Byard. l año de 1963 marcó su reunión con el pianista Herbie Hancock, el batería ony Williams y, un año después, el saxofonista Wayne Shorter, para onvertirse en el grupo de jóvenes músicos que suplirían al legendario quinteto el trompetista Miles Davis. Desde finales de los años cincuenta sus diversas grupaciones habían incluido a ejecutantes de la talla de Red Garland, Wynton elly y Bill Evans en el piano, Adderley, Sonny Rollins y John Coltrane en el

axofón, Paul Chambers en el contrabajo y Jimmy Cobb y Phily Joe Jones en la atería. cupar el lugar de Paul Chambers, el enorme contrabajista que había

compañado a Miles desde 1955, requería de un músico de grandes dotes. El rompetista lo sabía y por eso llamó a Ron Carter, quien desde su departamento n el Bronx de Nueva York con voz pausada dice que entonces su reacción no ue de sorpresa. "No me importaba ocupar el lugar de Paul Chambers, ni iquiera lo pensé. Simplemente Miles me llamó para un trabajo y yo acepté". su juicio, el trompetista no contrató a un grupo de músicos inexpertos, sino a

uatro jóvenes ejecutantes capaces de contribuir a los cambios que él quería mponer a su música. "Resultó una experiencia fantástica trabajar con un genio omo Miles Davis. Yo escuchaba su música desde los años cincuenta. Aunque o lo escuché mucho después de los sesenta, cuando dejé de tocar con él, me usta la música de todos sus periodos. Fuimos grandes amigos". n su autobiografía, Miles Davis recuerda su relación con estos músicos: "Yo

enía fe en Tony, Herbie, Wayne y Ron para tocar cualquier cosa que eseáramos... Si yo era la inspiración, la sabiduría y el eslabón en esta banda, ony era el fuego, la chispa creativa; Wayne era el conceptualizador de muchas e nuestras ideas musicales; Ron y Herbie eran las anclas. Yo sólo era el líder ue nos reunió".

Durante seis años el quinteto tocó siempre sobre el filo de la navaja. A lo largo de cada presentación la música crecía: muchas de las composiciones se enriquecían tanto que después de un tiempo diferían de las versiones originales. Grabaciones como Filles De Kilimanjaro, Miles in the Sky, Seven Steps to Heaven, ESP, Sorcerer, Miles Smiles y Nefertitti (todas editadas por Columbia) definieron buena parte del jazz de los sesenta. Un tanto parco en sus declaraciones, Ron Carter sólo necesita de una frase para sintetizar la importancia de su trabajo al lado del trompetista: "Con Miles aprendí a tocar bien todas las noches". En 1990, Ron Carter se reunió con los miembros originales de este quinteto para retomar la música que interpretaron a partir de 1963. "La música no tiene edad -dice al referirse a la serie de conciertos que bajo el nombre de “Tribute to Miles Davis” llevaron a cabo alrededor del mundo con Wallace Rooney en la trompeta-. Éste no es sólo un homenaje a Miles, sino también a la música que creamos y a nuestra determinación de mantener viva esta parte de la historia". Pero su relación con Miles Davis es un capítulo de una historia que involucra sesiones al lado de músicos como McCoy Tyner, Herbie Hancock, Gerry Mulligan, Gato Barbieri, Milt Jackson, Sam Rivers, Stan Getz, Coleman Hawkins, Michel Legrand y Freddie Hubbard, entre otro. El sonido de su contrabajo es siempre impecable, elegante, sobrio. Aunque disfruta el trabajo de ejecutantes del bajo eléctrico como Marcus Miller, su gran pasión sigue siendo el sonido profundo que sólo puede ser producido por un instrumento acústico. "El contrabajo es todo para mí", dice uno de los músicos más solicitados en los estudios de grabación. Ron Carter ha contribuido a liberar al contrabajo de su papel como instrumento de la sección rítmica para darle una voz solista. Al frente de un cuarteto integrado por contrabajo, piano y batería, Ron conduce su música con el sonido poco frecuente del contrabajo piccolo (instrumento intermedio entre el violoncello y el contrabajo). Además de sus compromisos con otros músicos, sigue trabajando con su cuarteto, al que en ocasiones le agrega cuatro violoncellos para expender los horizontes de sus composiciones hacia un trabajo orquestal. El sonido profundo de su contrabajo ha sido el acompañante idóneo en sus duetos con el guitarrista Jim Hall (Alone Together, Milestone), el saxofonista Joe Henderson (The State of the Tenor, Blue Note) y el acordeonista Richard Galliano (Panamanhattan, Point Bleu). La utilización de acordes con dos o tres cuerdas y el uso de todos los registros del instrumento llenan los huecos que pudieran surgir al no contar con el apoyo del piano y la batería. Para Ron Carter trabajar en duetos no implica necesariamente la utilización de mayores habilidades en el instrumento. "Es diferente, no necesariamente más difícil, pero sí diferente. En un grupo de cuatro o cinco ejecutantes compartes igual número de puntos de vista, mientras que en un dueto el discurso debe ser sostenido sólo por dos músicos". Ron Carter ha seguido al pie de la letra las

enseñanzas de su maestro Miles Davis. En cualquiera de sus grabaciones o en concierto, ya sea con su propio grupo o acompañando a otros músicos, se mantiene firme en el reto de tocar mejor que el día anterior. Con voz pausada, que sugiere la melodiosidad de su contrabajo, asegura: "El jazz me ha brindado cosas maravillosas, pero aún hoy trato de tocar algo diferente todos los días".

enseñanzas de su maestro Miles Davis. En cualquiera de sus grabaciones o en concierto, ya sea con su propio grupo o acompañando a otros músicos, se mantiene firme en el reto de tocar mejor que el día anterior. Con voz pausada, que sugiere la melodiosidad de su contrabajo, asegura: "El jazz me ha brindado cosas maravillosas, pero aún hoy trato de tocar algo diferente todos los días". IVANOW JAZZ GROUPIVANOW JAZZ GROUP

Ivanow Jazz Group es un noneto de música swing de Barcelona, que se formó en el año 1999, a partir de su primera actuación en la sala La Cova del Drac, en su primer formato de combo de jazz clásico del taller de músicos de Barcelona. Después de cinco años de trabajo y búsqueda de la esencia del swing que se interpretaba en EE. UU. durante la primera mitad del siglo XX, y después de haber realizado (durante estos años) mas de 70 conciertos al año en las salas más emblemáticas de Cataluña, en 2002 la banda se profesionaliza y en octubre del 2003 graba su primer disco en estudio bajo el

LprceIcDcdhet

FORMACIÓN:Gemma Abrié (voz) Iris Abancó (piano) Juli Aymi (clarinete y dirección) Alexey Baeychuk (trompeta) Pol Prats (saxo tenor) David Jácome (saxo tenor) Roger Canals (guitarra eléctrica y banjo) Oriol González (contrabajo) Martí Elias (batería) www.ivanowjazzgroup.com

nombre de “Jazz it up”. as diversas colaboraciones que Ivanow Jazz Group ha realizado con la restigiosa y veterana big band La Locomotora Negra condujo a Ivanow a ealizar distintas actuaciones con bailarines de Lindy Hop; baile que se hacía on la música de swing durante su época de más esplendor, los cuales ponían n la música sus mejores coreografías o bien se improvisaba juntamente ella. vanow ha integrado estos bailes que acompañan la música interpretada, reando así un auténtico espectáculo lleno de música y de swing. espués de una pequeña reestructuración de la formación y renovando la

ontinuidad en el Jazz si club de Barcelona, por sexta temporada consecutiva onde la banda actúa cada semana, esta formación sigue con su objetivo de acer disfrutar a su público e impregnarlo de la energía y vitalidad y spontaneidad de este swing en el que Ivanow ha querido reflejar en su último rabajo discográfico llamado esta vez “Swingdrome” (Batiendo Records, 2006).

Domingo, 18 de noviembre 20´00 horasDomingo, 18 de noviembre 20´00 horas

Dianne Reeves

DIANNE REEVES

FORMACIÓN:Dianne Reeves (voz) Russell Malone (guitarra) Romero Lubambo (guitarra) www.diannereeves.com

Nacida en 1956, en Detroit (Michigan), y educada en Denver (Colorado), Dianne Reeves fue descubierta por el trompetista Clark Terry cuando todavía iba al colegio. Cantante del Big Band de su colegio, recibió un premio durante la Citywide Big Band Competition en Denver, y se le invitó a asistir

a la conferencia de la National Association of Jazz Educators en Chicago. Terry la escuchó durante la conferencia y decidió ayudarla. Dianne Reeves ha cantado con el trompetista cuando aún estaba en la Universidad de Colorado. Después, se instaló en Los Ángeles por necesidades de su carrera musical. En 1976, en California, Dianne Reeves descubre el trabajo en estudio, y se "empapa" de cultura musical. Graba con Lenny White, Stanley Turrentine, Alphonso Johnson, The Latin Ensemble y Caldera (grupo dirigido por Eddie del Barrio, amigo y colaborador para siempre). Todas estas experiencias enriquecen su cultura musical. Desde finales de los años setenta comienza con Billy Childs una relación artística que durará diez años, iniciando el periodo de desarrollo musical más importante de su vida. Acompaña al grupo Night Flight en el conocido "circuito de las playas" americanas, dándose a conocer en todo el sur de California. Esta época le aporta mucha formación, ya que la joven cantante trabaja en el área profesional, consiguiendo al estar con Childs una "base de experimentación de sus ideas musicales". A principios de 1981 obtiene las primeras muestras de reconocimiento del público. Cuando su amigo John Beasley oye hablar de una audición vocal dirigida por Sergio Mendes, le sugiere a Dianne que se presente. Está preparada y es ella la escogida para seguir a Sergio en su gira mundial. Presentando su música a un público internacional, Mendes también sabe formar a sus colaboradores creando en su entorno una audiencia propicia para el aprendizaje. En 1982, Dianne y Billy producen su primer álbum para Palo Alto Jazz “Welcome To My Love”. Este disco incluye siete títulos originales firmados por Reeves, cuya canción Mi Vida enriquece a la cantante, donde aparece también la primera versión grabada de Better Days. Entre 1983 y 1986, Dianne se convierte en ciudadana de Nueva York y del mundo.Le proponen una cita en el despacho de Phil Moore con Harry Belafonte. Dianne canta un único tema, y Moore le acompaña al piano. Este arreglo de My Funny Valentine se da a conocer. Reeves se instala en Nueva York

y hace una gira internacional. Dianne graba su segundo álbum, en el que se aprecia mucho la influencia de Harry Belafonte. En “Fore Every Heart” (Palo Alto Jazz 85) intervienen varios músicos de Harry Belafonte en unas sesiones en Nueva York llenas de colorido. Dianne hace versiones de Heed The Sign Of Times, mezclando el reggae y los ritmos de world music al jazz. En 1986, Dianne y Billy Childs forman un trío y hacen una gira por los EE.UU. Un año más tarde, Dianne hace el concierto Echoes of Ellington en Los Ángeles. Esa noche Bruce Lundvall, presidente de Blue Note Records, está entre el publico. Aprecia sus dotes, y Dianne consigue ser nominada para un Grammy Award, y la invita a entrar en el mundo del Label Blue Note Jazz. "Deberíamos grabar enseguida y puntualizar los detalles más adelante" ¡Pero qué detalles! George Duke, Herbie Hancock, Freddie Hubbard, Tony Williams, Stanley Clarke, Billy Childs y otros artistas hacen parte de este primer álbum. Dianne Reeves (Blue Note 87) incluye un arreglo de Better Days firmado por Duke Ellington, que se convierte en un hit. El álbum presenta también un título de Del Barrio, I´m Okay, y suficiente jazz como para satisfacer a todos los fans del mundo. Dianne inicia una gira en los EE.UU. y Asia en 1987 y 1988. En 1989 realiza una estremecedora incursión en el ritmo del blues, Never Too Far, producido por George Duke, que contiene música sin igual. La canción del álbum, firmada por Reeves con Come In y More To Love, destaca la prodigiosa voz de la cantante. Dos años más tarde, Dianne penetra en el mundo del jazz. Esta vez se sitúa en los tops Billboard del jazz y permanece doce semanas. I Remember consolida la reputación de Dianne, "diva del jazz". En 1993, trabajando junto al productor Eddie del Barrio -amigo y cómplice-, Dianne se compromete totalmente con la música. "Este disco ha desencadenado una tempestad en mi corazón. Sin él hoy no podría descansar", dijo Reeves. Olds Souls, Endangered Species, Freedom Dance y Come To The Rover se convirtieron en favoritos en el mundo entero. Los mensajes de estas canciones son más actuales que nunca. En 1995, el nuevo álbum grabado para Blue Note es una auténtica peripecia musical. Dianne confiesa estar muy orgullosa de su trabajo, ¡y no es para menos! Una canción mágica titulada Nine marcará un antes y un después, al igual que otras tantas creadas por Reeves. El álbum fue nominado al Grammy por la Best Jazz Vocal Performance. Un año más tarde graba The Grand Encounter. En él figuran grandes del jazz como Joe Williams, Clark Terry, Harry “Sweets” Edison, James Moody, Phil Woods, Toots Thielemans y Kenny Barron. En 1997 tiene otro álbum nominado al Grammy, en el que presenta unas magníficas baladas, acompañada por el Trío de Terri Lynn Carrington. Dos años más tarde, su disco Rivers la reúne de nuevo con su primo George Duke y el grupo de Mulgrew Miller, Billy Childs, Terri Lynn Carrington, Kenny Garrett y Brian Blade, en la que interpretan una serie de temas de Leonard Cohen, Peter Gabriel y Joni Mitchell.

En 2000 saca a la venta su octavo disco In the Moment. Live in Concert para Blue Note y el décimo de su carrera. Producido por George Duke, cuenta con el teclista Otmaro Ruiz, el guitarrista Romero Lubambo, el bajista Reginald Veal, el batería Rocky Bryant y el percusionista Munyungo Jackson. Un año más tarde ganó un Grammy con The Calling: Celebrating Sarah Vaughan, que cuenta con 42 instrumentistas, siendo algunos de lo más renombrados músicos y en 2002 lanza una brillante recopilación de los mejores temas de su carrera The Best of Dianne Reeves. Ese mismo año recibe el galardón Ella Fitzgerald en el Montréal International Jazz Festival. En 2003 sale a la venta A Little Moonlight, un CD con una colección de diez temas grabados junto a su trío, el pianista Peter Martin, el bajista Reuben Rogers y el batería Greg Hutcherson. Y en 2004, Dianne graba su primer álbum de Navidad Christmas Time is There, obteniendo excepcionales críticas desde su lanzamiento. Reeves cierra el 2004 con actuaciones por toda Europa y Asia. Realizó también una actuación en la gala anual de UNICEF en Nueva York y un estreno especial para la PBS de Billy Stayhorn, así como en la película de George Clooney “Good Night and Good Luck” (“Buenas Noches y Buena Suerte”). Reeves vive en Denver, pero pasa la mayor parte del tiempo en carretera. Dianne reconoce: “Es parte de mi vida. Esto no significa que deje el jazz de lado, sino que son distintas formas de interpretar la vida”.