Gran ConCerto di Fine anno del 31/12/ · PDF file2 Il grande pubblico del Concerto di Capodanno 2015 Gran ConCerto di Fine anno del 31/12/2015 Il Maestro Giuseppe Lanzetta dirige il

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Il grande pubblico del Concerto di Capodanno 2015

Gran ConCerto di Fine anno del 31/12/2015Il Maestro Giuseppe Lanzetta dirige il Gran Concerto di Fine Anno con

l’Orchestra Filarmonica Ucraina di CernovitziPiazza della Signoria, Loggia dei Lanzi. XVII Edizione 2015

Concerto realizzato dall’Orchestra da Camera Fiorentina e dal Comune di Firenze

Orchestra da Camera FiorentinaASSOCIAZIONE DI PRODUZIONE E PROMOZIONE MUSICALE

Direttore Musicale Stabile: M oGiuseppe LanzettaConsiglio di amministrazione

Presidente OnorarioPresidente

Vice Presidente e Responsabile delle Relazioni Esterne Direttore Generale Artistico e Legale Rappresentrante

Segretario Amministrativo

Membri

Membri

Dott. Alessio GiuffridaDott. Salvatore LeggieroAvv. Andrea Del ReMaestro Giuseppe Lanzetta

Rappresentrante dell’Orchestra Maestro Marco LorenziniSig. Giovanni Lanzetta

Responsabile delle Relazioni Esterne Dott. Stefano Caramelli

Responsabile delle Attività Collaterali Dott. Marco Jodice

Dott. Mauro PagliaiB.ssa Anna DuprèDott. Michele PecchioliDott. Giancarlo Dell’OlmoDott.ssa Cristina Giachi

Collegio dei Sindaci Revisori dei ContiPresidente Prof. Emanuele Sellitri

Prof.ssa Mara FanelliProf.ssa Angela Savi

L’Orchestra da Camera Fiorentina nella Galleria dell’Accademia (Firenze 1996)

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Direttore Musicale Stabile: M oGiuseppe LanzettaConsiglio di amministrazione

Presidente OnorarioPresidente

Vice Presidente e Responsabile delle Relazioni Esterne Direttore Generale Artistico e Legale Rappresentrante

Segretario Amministrativo

Membri

Membri

Dott. Alessio GiuffridaDott. Salvatore LeggieroAvv. Andrea Del ReMaestro Giuseppe Lanzetta

Rappresentrante dell’Orchestra Maestro Marco LorenziniSig. Giovanni Lanzetta

Responsabile delle Relazioni Esterne Dott. Stefano Caramelli

Responsabile delle Attività Collaterali Dott. Marco Jodice

Dott. Mauro PagliaiB.ssa Anna DuprèDott. Michele PecchioliDott. Giancarlo Dell’OlmoDott.ssa Cristina Giachi

Collegio dei Sindaci Revisori dei ContiPresidente Prof. Emanuele Sellitri

Prof.ssa Mara FanelliProf.ssa Angela Savi

L’Orchestra da Camera Fiorentina nella Galleria dell’Accademia (Firenze 1996)

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Il fiorentino Alberto Giglioni ha compiuto gli studi musicali al Conservatorio «Cherubini» diplomandosi in composizione, direzione d’orchestra, musica corale. Con pagine per vari organici ha conquistato i primi posti in concorsi nazionali e internazionali: «Agimus» di Lecco (2001), «Città di Pontremoli» (2003), «Italia Guitar Festival» (2005), «Ce.Ri.Do» (2006), «Associazione De Musica» (2008) e «Tim – Torneo internazionale di musica» (2010). Suoi lavori sono stati eseguiti regolarmente dall’Orchestra da Camera Fiorentina. Partito da esperienze di avanguardia, lo stile di Giglioni si è plasmato nel tempo in un linguaggio «neo eclettico-minimalista» che si muove liberamente su aree neotonali, atonali, politonali, coniugando il tutto in un percorso artistico personale. Scrive l’autore a proposito di Incipit: «L’evolversi della composizione scaturisce da un’unica cellula ritmico-melodica iniziale, dalla quale si ramifica, in divenire, il flusso melodico contrappuntistico di tutto il brano. Esso si articola in tre ampie parti, di cui quella centrale sottolinea l’aspetto più intensivo e drammatico nell’elaborazione neoatonale, mentre l’ultima, ripropone in maniera variata elementi della prima parte. Incipit si conclude con una estesa coda, in un fortissimo crescendo che collassa sull’idea generatrice».Pensati probabilmente per Antonio Brunetti, solista dell’orchestra salisburghese, o per l’amico Johann Anton Kolb, i cinque Concerti per violino di Wolfgang Amadeus Mozart (1756-91) nascono tutti in una manciata di settimane, uno dopo l’altro, fra l’aprile e il dicembre 1775. Il K. 219 – ultimo della serie, e il più ricco sul piano espressivo e formale – viene terminato il 20 dicembre. L’«Allegro aperto» è in una forma-sonata la cui esposizione, per l’insolito assetto strutturale, merita di essere descritta. Dapprima, secondo consuetudine, l’orchestra enuncia i due temi principali. Poi, con l’entrata del violino, si compie un’eccezione alla regola: infatti il solista attacca un inatteso «Adagio» meditativo su onde di trentaduesimi, solo in seguito procedendo verso la propria esposizione dove peraltro introduce un tema nuovo, spavaldo, sovrapponendolo al primo lasciato alla voce degli archi. Pure il secondo tempo, «Adagio», è in forma-sonata, imperniato su due temi di un lirismo semplice e sincero. Dato che Brunetti lo considerava «troppo studiato», Mozart compose per lui una pagina sostitutiva, l’Adagio K. 261. Come i finali dei due Concerti precedenti, anche questo, un Tempo di Menuetto in forma di rondò, si interrompe a metà per lasciare spazio a un episodio di carattere molto contrastante, al limite della bizzarria. Stavolta vi si trova un «Allegro» in stile turchesco: il tema, in cui i bassi suonano con il legno dell’archetto, è un autoimprestito dalle Gelosie del serraglio, balletto del 1772.Nella Salisburgo settecentesca ogni momento festivo pubblico o privato necessitava di una colonna sonora: cassazioni, diverti-menti, serenate, notturni, ossia composizioni d’intrattenimento definibili in un certo senso “leggere”. L’impiego dello stile galante, divenuto linguaggio musicale internazionale, e la facilità delle melodie concorrevano alla creazione di lavori destinati all’ascolto dilettevole ma per niente distratto di un pubblico aristocratico per gusto, non sempre per sangue. Quanto questa capacità di scrivere pezzi piacevoli e mondani dovesse far parte del bagaglio professionale del compositore di antico regime lo attesta un’av-vertenza dell’accorto Leopold Mozart al figlio Wolfgang Amadeus: «Scrivi qualcosa di breve, di facile e di popolare. T’immagini che sia cosa indegna di te? Se così è, hai completamente torto. Anche ciò che è leggero può essere grande se scritto in uno stile naturale, scorrevole e facile e se, allo stesso tempo, si basa su una solida composizione. Tali lavori sono più difficili da comporre di tutte le progressioni armoniche che la grande maggioranza del pubblico non comprende, o di quei pezzi che hanno piacevoli melodie ma che sono difficili da eseguire. Una buona composizione, una solida costruzione, il filo, ecco ciò che distingue il maestro dal dilettante, anche nelle piccole cose». Il Divertimento in fa maggiore K. 247, datato 13 giugno 1776, è un quartetto d’archi con due corni obbligati dedicato alla famiglia del primo maresciallo di corte, conte Lodron. A rigore i sei tasselli che lo compongono dovrebbero essere preceduti, e seguiti, dalla coeva Marcia K. 248. Il primo tassello, «Allegro», e l’«Allegro assai» conclusivo in forma di rondò presentano un marcato antagonismo tra il violino principale e i corni; mentre le due pagine lente, inserite tra due Minuetti, si sviluppano l’una seguendo un’ispirazione liederistica, l’altra a mo’ di cantilena fiorita dal carattere amoroso.

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ORCHESTRA DA CAMERA FIORENTINAVIOLINIMarco Lorenzini*Riccardo Capanni*Maurizio Matteuzzi*Alessandro BernardiBeatrice BianchiStefano BianchiRita BranzantiRoberto DumaRoberto MasiniCostanza CostantinoAngela SaviDamiano TognettiClaudio FredducciMauro FabbrucciNeri GrassiniEmanuele Sellitri

VIOLELeonardo Bartali*Julie Shepherd*Pier Claudio FeiLaura LumachiSabrina GiulianiFlaminia ZanelliIlario Lecci

VIOLONCELLISandra Bacci*Jacopo Luciani*Antonella CostantinoUrsula KoenigMichele Lanzini

CONTRABBASSIAndrea Lombardo*Gianluca Pierozzi

FLAUTOAngela Camerini*Stefano Margheri*

OBOIDavide Guerrieri*Marco Bardi

CLARINETTIDaniele Scala*Giuseppe Saggio*

FAGOTTIDavide Maia*Dante Vicari*

CORNIAndrea Mugnaini*Alberto Serpente*

CLAVICEMBALOMara Fanelli

TROMBERaffaele Chieri*Marco De Novellis

TIMPANI E PERCUSSIONIAndrea Bindi*Sergio Odori

(* Prime parti)

Responsabile Comunicazionee Ufficio Stampa:Marco Mannucci

L’Orchestra da Camera Fiorentina

I concerti sono realizzati in collaborazione con il

l’orCHeStra da CaMera Fiorentina si è costituita nel 1981 per volontà del M° Giuseppe Lanzetta, suo attuale direttore stabile, con l’obiettivo di diffondere la conoscenza del repertorio sinfonico e cameri-stico. Nel giro di pochi anni l’Orchestra si è imposta all’attenzione della critica nazionale ed internazionale grazie a numerosi concerti tenuti sia in Italia, per le più importanti Istituzioni Musicali, che all’estero nelle varie tournée: Stati Uniti, Messico (III Gran Festival di Città del Messico 1991, VI Festival Internazionale di Musica di Morelia 1994), Europa (42° Festival Internazionale di Santander, IV Festival Internazionale di Gandia Spagna, T ournée 1993 - Gran Teatro M. De Falla Di Cadice, Auditorium M. De Falla di Granada, Gran Teatro di Huelva, Sala Argenta di Santander, Salón de Actos di Avilés, Sala de Concertos Caixavigo di Vigo, Teatro Principal di Orense - Spagna, Tournée 1994), (Malaga - T erragona - Saragozza - Santander - Spagna, Tournée 1997), Malta 1996 - Brasile 1997 - Portogallo 1998 - Brasile 1998 - Slovenia 1999 e 2004 - Polonia 2002 - Germania 2003 - Croazia 2006 - Spagna 2011 (Tarragona, Reus, Murcia, Valencia - Palau da musica). È costituita da circa 40 elementi in grado di strutturarsi anche in agili formazioni cameristiche: organizza concorsi nazionali ed internazionali. Dal 1985 l’attività concertistica in Italia e all’estero è in parte finanziata dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali. Ha al suo attivo oltre 1850 concerti, molti dei quali realizzati per la RAI e per i più importanti Network internazionali, ottenendo sempre unanimi consensi di pubblico e di critica che l’ha definita “una delle migliori Orchestre da Camer a europee”. Ha inciso vari compact disc di musica rara e musica barocca sotto la direzione del M° G. Lanzetta, incidendo anche per la Amiata Records. Ha ospitato complessi e solisti di fama internazionale quali: Mario Brunello, Augusto Vismara e Christiane Edinger, Jorge Demus, Eduard Brunner, David Garrett, Aldo Ciccolini, Alessandro Carbonare, Alessio Alle-grini, Francesco Bossone, Rolando Panerai, Andreas Blau, Bruno Canino, Daniele Damiano, Cristiano Rossi, Vincenzo Mariozzi, Domenico Pierini, Piero Bellugi, Alessandro Specchi, Umberto Clerici, Gary Karr, Andrea Nannoni, Filippo Maria Bressan, Ilya Grubert, L ’Athestis Chorus, Il Coro del Maggio Musicale Fiorentino, Il Coro Harmonia Cantata, l’Orchestra da Camera dei Berliner Philarmoniker, Cameristi del Maggio Musicale Fiorentino, Ensemble dell’Orchestra dell’Accademia di Santa Cecilia, e i solisti della Scala di Milano. Ha inol-tre invitato direttori d’orchestra provenienti da tutto il mondo, complessi cameristici e orchestre da camera. Ha ricevuto il premio Beato Angelico nel 2005 e il Premio Firenze nel 2006 per l’attività svolta a Firenze e nel Mondo nei suoi 30 anni di attività. È finanziata inoltre dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Firenze, dalla Regione Toscana, dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali e altri Enti Pubblici e Privati. Grazie alla sua attività ha reso vivibile anche alla musica prestigiose Chiese e Sedi Museali quali la Chiesa di Orsammichele e il Museo dei piani superiori, il Museo Nazionale del Bargello, il Cortile del Palazzo Strozzi, la Badia Fiorentina, S. Felice in Piazza, S. Jacopo Soprarno, S. Michele e Gaetano, e l’Auditorium di Santo Stefano al Ponte Vecchio. Spesso presente nei maggiori eventi cittadini e regionali, cura una serie di concerti di altissimo livello per l’Ente Cassa di Risparmio di Firenze (i Mercoledì Musicali dell’Ente Cassa).

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DIRETTORE MUSICALE STABILE

Giuseppe LanzettaSegreteria: Via Monferrato, 2 - 50142 Firenze - Tel. e Fax 055783374

E-mail: [email protected] http://[email protected] www.orchestradacamerafiorentina.it

L’ORCHESTRA DA CAMERA FIORENTINA si è costituita nel 1981 per volontà del M° Giuseppe Lanzetta, suoattuale direttore stabile, con l’obiettivo di diffondere la conoscenza del repertorio sinfonico e cameristico. Nelgiro di pochi anni l’Orchestra si è imposta all’attenzione della critica nazionale ed internazionale grazie a nume-rosi concerti tenuti sia in Italia, per le più importanti Istituzioni Musicali, che all’estero nelle varie tournée: StatiUniti, Messico (III Gran Festival di Città del Messico 1991, VI Festival Internazionale di Musica di Morelia 1994),Europa (42° Festival Internazionale di Santander, IV Festival Internazionale di Gandia Spagna, Tournée 1993 -Gran Teatro M. De Falla Di Cadice, Auditorium M. De Falla di Granada, Gran Teatro di Huelva, Sala Argenta diSantander, Salón de Actos di Avilés, Sala de Concertos Caixavigo di Vigo, Teatro Principal di Orense - Spagna,Tournée 1994), (Malaga - Terragona - Saragozza - Santander - Spagna, Tournée 1997), Malta 1996 - Brasile 1997- Portogallo 1998 - Brasile 1998 - Slovenia 1999 e 2004 - Polonia 2002 - Germania 2003 - Croazia 2006 -Spagna 2011 (Tarragona, Reus, Murcia, Valencia - Palau da musica). È costituita da circa 40 elementi in grado distrutturarsi anche in agili formazioni cameristiche: organizza concorsi nazionali ed internazionali. Dal 1985 l’atti-vità concertistica in Italia e all’estero è in parte finanziata dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali. Ha al suoattivo oltre 1350 concerti, molti dei quali realizzati per la RAI e per i più importanti Network internazionali, otte-nendo sempre unanimi consensi di pubblico e di critica che l’ha definita “una delle migliori Orchestre da Cameraeuropee”. Ha inciso vari compact disc di musica rara e musica barocca sotto la direzione del M° G. Lanzetta,incidendo anche per la Amiata Records. Ha ospitato complessi e solisti di fama internazionale quali: MarioBrunello, Augusto Vismara e Christiane Edinger, Jorge Demus, Eduard Brunner, David Garrett, Aldo Ciccolini,Alessandro Carbonara, Alessio Allegrini, Francesco Bossone, Rolando Panerai, Andreas Blau, Bruno Canino,Daniele Damiano, Cristiano Rossi, Vincenzo Mariozzi, Domenico Pierini, Piero Bellugi, Alessandro Specchi,Umberto Clerici, Gary Karr, Andrea Nannoni, Filippo Maria Bressan, Ilya Grubert, L’Athestis Chorus, Il Coro delMaggio Musicale Fiorentino, Il Coro Har monia Cantata, l’Orchestra da Camera dei Berliner Philarmoniker,Cameristi del Maggio Musicale Fiorentino, Ensemble dell’Orchestra dell’Accademia di Santa Cecilia, e i solisti dellaScala di Milano. Ha inoltre invitato direttori d’orchestra provenienti da tutto il mondo, complessi cameristici eorchestre da camera. Cura per il Comune di Firenze la Rassegna il Suono dell’anima, il Festival Firenze Classicae il Capodanno. Ha ricevuto il premio Beato Angelico nel 2005 e il Premio Firenze nel 2006 per l’attività svoltaa Firenze e nel Mondo nei suoi 30 anni di attività. È finanziata inoltre dall’Assessorato alla Cultura del Comunedi Firenze, dalla Regione Toscana, dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali e altri Enti Pubblici e Privati. Graziealla sua attività ha reso vivibile anche alla musica prestigiose Chiese e Sedi Museali quali la Chiesa diOrsammichele e il Museo dei piani superiori, il Museo Nazionale del Bargello, il Cortile del Palazzo Strozzi, laBadia Fiorentina, S.Felice in Piazza, S. Jacopo Soprarno, S.Michele e Gaetano, e l’Auditorium di Santo Stefano alPonte Vecchio. Spesso presente nei maggiori eventi cittadini e regionali, cura una serie di concerti di altissimolivello per l’Ente Cassa di Risparmio di Firenze (i Mercoledì Musicali dell’Ente Cassa).

Prevendita biglietti: BOX OFFICE Via delle Vecchie Carceri, 1 - Tel. 055 210804Biglietti Interi Euro 15 - Biglietti Ridotti Euro 12 - Musica al Bargello Posto unico Euro 15

Orario: da martedì a sabato 10.00-19.30 / Lunedì dalle 15.30-19.30oppure un’ora prima dei concerti presso le stesse Sale

Prenotazioni e informazioni: Segreteria dell’Orchestra Tel. 055 783374Prevendita anche presso la Chiesa di Orsanmichele e Auditorium di Santo Stefano al Ponte

nei giorni dei concerti dalle ore 10.00 alle 13.00 e dalle 15.00 alle 21.00Pre-sale/Tickets: BOX OFFICE BOX OFFICE Via delle Vecchie Carceri, 1 - Tel. 055 210804

from Tuesday to Saturday 10-19.30 / Monday 15.30-19.30Presale: Tickets are sold at the doors of the Concert Hall before the beginning of the concert,

or at the Orsanmichele and Auditorium Santo Stefano al Ponte from 10 a.m. to 9 p.m.Verkauf der Eintrittskarten vor Konzertbeginn am Eingang

La Direzione si riserva il diritto di cambiare i programmi qualora se ne verificasse la necessità

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FAGOTTIDavide Maia*Fabrizio Beggi

CORNIAndrea Mugnaini*Alberto Serpente




(* Prime parti)




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ORCHESTRA DA CAMERA FIORENTINAVIOLINIAlessandro BernardiBeatrice BianchiFrancesca BingRita BranzantiRiccardo Capanni*Costanza CostantinoRoberto DumaMauro FabbrucciClaudio FredducciNeri GrassiniMarco Lorenzini*Roberto MasiniMaurizio Matteuzzi*Angela SaviEmanuele SellitriDamiano Tognetti*

VIOLELeonardo Bartali*Pier Claudio FeiSabrina GiulianiIlario LecciLaura LumachiJulie Shepherd*Flaminia Zanelli

VIOLONCELLISandra Bacci*Michele LanziniJacopo Luciani*Ursula Koenig

CONTRABBASSIFrancesco FerroniAndrea Lombardo*Gianluca Pierozzi


OBOIMarco BardiDavide Guerrieri*

CLARINETTIGiuseppe Saggio*Daniele Scala*

FAGOTTIDavide Maia*Dante Vicari*Riccardo



TROMBERaffaele Chieli*Marco De Novellis

TIMPANI E PERCUSSIONISergio Odori

(* Prime parti)

Segretario Amministrativo eServizi Tecnici::Francesca BingGiovanni Lanzetta



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DIRETTORE MUSICALE STABILE

Giuseppe LanzettaSegreteria: Via Monferrato, 2 - 50142 Firenze - Tel. e Fax 055783374

E-mail: [email protected] http://[email protected] www.orchestradacamerafiorentina.it

L’ORCHESTRA DA CAMERA FIORENTINA si è costituita nel 1981 per volontà del M° Giuseppe Lanzetta, suoattuale direttore stabile, con l’obiettivo di diffondere la conoscenza del repertorio sinfonico e cameristico. Nelgiro di pochi anni l’Orchestra si è imposta all’attenzione della critica nazionale ed internazionale grazie a nume-rosi concerti tenuti sia in Italia, per le più importanti Istituzioni Musicali, che all’estero nelle varie tournée: StatiUniti, Messico (III Gran Festival di Città del Messico 1991, VI Festival Internazionale di Musica di Morelia 1994),Europa (42° Festival Internazionale di Santander, IV Festival Internazionale di Gandia Spagna, Tournée 1993 -Gran Teatro M. De Falla Di Cadice, Auditorium M. De Falla di Granada, Gran Teatro di Huelva, Sala Argenta diSantander, Salón de Actos di Avilés, Sala de Concertos Caixavigo di Vigo, Teatro Principal di Orense - Spagna,Tournée 1994), (Malaga - Terragona - Saragozza - Santander - Spagna, Tournée 1997), Malta 1996 - Brasile 1997- Portogallo 1998 - Brasile 1998 - Slovenia 1999 e 2004 - Polonia 2002 - Germania 2003 - Croazia 2006 -Spagna 2011 (Tarragona, Reus, Murcia, Valencia - Palau da musica). È costituita da circa 40 elementi in grado distrutturarsi anche in agili formazioni cameristiche: organizza concorsi nazionali ed internazionali. Dal 1985 l’atti-vità concertistica in Italia e all’estero è in parte finanziata dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali. Ha al suoattivo oltre 1350 concerti, molti dei quali realizzati per la RAI e per i più importanti Network internazionali, otte-nendo sempre unanimi consensi di pubblico e di critica che l’ha definita “una delle migliori Orchestre da Cameraeuropee”. Ha inciso vari compact disc di musica rara e musica barocca sotto la direzione del M° G. Lanzetta,incidendo anche per la Amiata Records. Ha ospitato complessi e solisti di fama internazionale quali: MarioBrunello, Augusto Vismara e Christiane Edinger, Jorge Demus, Eduard Brunner, David Garrett, Aldo Ciccolini,Alessandro Carbonara, Alessio Allegrini, Francesco Bossone, Rolando Panerai, Andreas Blau, Bruno Canino,Daniele Damiano, Cristiano Rossi, Vincenzo Mariozzi, Domenico Pierini, Piero Bellugi, Alessandro Specchi,Umberto Clerici, Gary Karr, Andrea Nannoni, Filippo Maria Bressan, Ilya Grubert, L’Athestis Chorus, Il Coro delMaggio Musicale Fiorentino, Il Coro Har monia Cantata, l’Orchestra da Camera dei Berliner Philarmoniker,Cameristi del Maggio Musicale Fiorentino, Ensemble dell’Orchestra dell’Accademia di Santa Cecilia, e i solisti dellaScala di Milano. Ha inoltre invitato direttori d’orchestra provenienti da tutto il mondo, complessi cameristici eorchestre da camera. Cura per il Comune di Firenze la Rassegna il Suono dell’anima, il Festival Firenze Classicae il Capodanno. Ha ricevuto il premio Beato Angelico nel 2005 e il Premio Firenze nel 2006 per l’attività svoltaa Firenze e nel Mondo nei suoi 30 anni di attività. È finanziata inoltre dall’Assessorato alla Cultura del Comunedi Firenze, dalla Regione Toscana, dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali e altri Enti Pubblici e Privati. Graziealla sua attività ha reso vivibile anche alla musica prestigiose Chiese e Sedi Museali quali la Chiesa diOrsammichele e il Museo dei piani superiori, il Museo Nazionale del Bargello, il Cortile del Palazzo Strozzi, laBadia Fiorentina, S.Felice in Piazza, S. Jacopo Soprarno, S.Michele e Gaetano, e l’Auditorium di Santo Stefano alPonte Vecchio. Spesso presente nei maggiori eventi cittadini e regionali, cura una serie di concerti di altissimolivello per l’Ente Cassa di Risparmio di Firenze (i Mercoledì Musicali dell’Ente Cassa).

Prevendita biglietti: BOX OFFICE Via delle Vecchie Carceri, 1 - Tel. 055 210804Biglietti Interi Euro 15 - Biglietti Ridotti Euro 12 - Musica al Bargello Posto unico Euro 15

Orario: da martedì a sabato 10.00-19.30 / Lunedì dalle 15.30-19.30oppure un’ora prima dei concerti presso le stesse Sale

Prenotazioni e informazioni: Segreteria dell’Orchestra Tel. 055 783374Prevendita anche presso la Chiesa di Orsanmichele e Auditorium di Santo Stefano al Ponte

nei giorni dei concerti dalle ore 10.00 alle 13.00 e dalle 15.00 alle 21.00Pre-sale/Tickets: BOX OFFICE BOX OFFICE Via delle Vecchie Carceri, 1 - Tel. 055 210804

from Tuesday to Saturday 10-19.30 / Monday 15.30-19.30Presale: Tickets are sold at the doors of the Concert Hall before the beginning of the concert,

or at the Orsanmichele and Auditorium Santo Stefano al Ponte from 10 a.m. to 9 p.m.Verkauf der Eintrittskarten vor Konzertbeginn am Eingang

La Direzione si riserva il diritto di cambiare i programmi qualora se ne verificasse la necessità

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FAGOTTIDavide Maia*Fabrizio Beggi





(* Prime parti)




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ORCHESTRA DA CAMERA FIORENTINAVIOLINIAlessandro BernardiBeatrice BianchiFrancesca BingRita BranzantiRiccardo Capanni*Costanza CostantinoRoberto DumaMauro FabbrucciClaudio FredducciNeri GrassiniMarco Lorenzini*Roberto MasiniMaurizio Matteuzzi*Angela SaviEmanuele SellitriDamiano Tognetti*

VIOLELeonardo Bartali*Pier Claudio FeiSabrina GiulianiIlario LecciLaura LumachiJulie Shepherd*Flaminia Zanelli


CONTRABBASSIFrancesco FerroniAndrea Lombardo*Gianluca Pierozzi


OBOIMarco BardiDavide Guerrieri*

CLARINETTIGiuseppe Saggio*Daniele Scala*

FAGOTTIDavide Maia*Dante Vicari*Riccardo



TROMBERaffaele Chieli*Marco De Novellis


(* Prime parti)

Segretario Amministrativo eServizi Tecnici::Francesca BingGiovanni Lanzetta



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ORCHESTRA DA CAMERA FIORENTINAVIOLINIMarco Lorenzini*Riccardo Capanni*Maurizio Matteuzzi*Alessandro BernardiBeatrice Bianchi

Stefano BianchiRita BranzantiRoberto DumaRoberto MasiniCostanza CostantinoAngela SaviDamiano TognettiClaudio FredducciMauro FabbrucciNeri GrassiniEmanuele Sellitri

VIOLEartali*

Julie Shepherd*Pier Claudio Fei

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Flaminia Zanelli

Ilario Lecci

VIOLONCELLISandra Bacci*Jacopo Luciani*Antonella CostantinoUrsula Koenig

Michele Lanzini

CONTRABBASSIAndrea do*Gianluca Pierozzi

FLAUTOAngela Camerini*Stefano Margheri*OBOIDavide Guerrier

i*Marco Bardi


FAGOTTI

Fabrizio Beggi


CLAVICEMBALO

Mara Fanelli

TROMBERaffaele Chier

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Marco De Novellis

TIMPANI E PERCUSSIONI

Sergio Odori




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ORCHESTRA DA CAMERA FIORENTINAVIOLINIAlessandro BernardiBeatrice BianchiFrancesca BingRita BranzantiRiccardo Capanni*

Neri GrassiniMarco Lorenzini*Roberto MasiniAngela SaviEmanuele SellitriDamiano Tognetti*

VIOLELeonardo Bartali*

*Sabrina GiulianiIlario Lecci

Flaminia Zanelli


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Francesco FerroniAndrea Lombardo*


OBOIDavide Guerrieri*

CLARINETTI

Daniele Scala*

FAGOTTIDavide Maia*Riccardo Rinaldi

CORNI


TROMBERaffaele Chieli*


(* Prime parti)

Segrete

Servizi Tecnici:

Coordinamento Artistico eria Amministrativa:


I concerti sono realizzatiin collaborazione con il

Giovanni Lanzetta

L

Ufficio Stampa:Marco Mannucci

eonardo Artini

Ettore Biagi*

Gianni Calonaci*

Claudio Freducci

Marco Gallina

Alessandro Morelli

Davide Ancillotti

Monica Perez Zebeda

Andrea Mugnaini*Giacomo Santoni*

Emilio Botto

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Il fiorentino Alberto Giglioni ha compiuto gli studi musicali al Conservatorio «Cherubini» diplomandosi in composizione, direzione d’orchestra, musica corale. Con pagine per vari organici ha conquistato i primi posti in concorsi nazionali e internazionali: «Agimus» di Lecco (2001), «Città di Pontremoli» (2003), «Italia Guitar Festival» (2005), «Ce.Ri.Do» (2006), «Associazione De Musica» (2008) e «Tim – Torneo internazionale di musica» (2010). Suoi lavori sono stati eseguiti regolarmente dall’Orchestra da Camera Fiorentina. Partito da esperienze di avanguardia, lo stile di Giglioni si è plasmato nel tempo in un linguaggio «neo eclettico-minimalista» che si muove liberamente su aree neotonali, atonali, politonali, coniugando il tutto in un percorso artistico personale. Scrive l’autore a proposito di Incipit: «L’evolversi della composizione scaturisce da un’unica cellula ritmico-melodica iniziale, dalla quale si ramifica, in divenire, il flusso melodico contrappuntistico di tutto il brano. Esso si articola in tre ampie parti, di cui quella centrale sottolinea l’aspetto più intensivo e drammatico nell’elaborazione neoatonale, mentre l’ultima, ripropone in maniera variata elementi della prima parte. Incipit si conclude con una estesa coda, in un fortissimo crescendo che collassa sull’idea generatrice».Pensati probabilmente per Antonio Brunetti, solista dell’orchestra salisburghese, o per l’amico Johann Anton Kolb, i cinque Concerti per violino di Wolfgang Amadeus Mozart (1756-91) nascono tutti in una manciata di settimane, uno dopo l’altro, fra l’aprile e il dicembre 1775. Il K. 219 – ultimo della serie, e il più ricco sul piano espressivo e formale – viene terminato il 20 dicembre. L’«Allegro aperto» è in una forma-sonata la cui esposizione, per l’insolito assetto strutturale, merita di essere descritta. Dapprima, secondo consuetudine, l’orchestra enuncia i due temi principali. Poi, con l’entrata del violino, si compie un’eccezione alla regola: infatti il solista attacca un inatteso «Adagio» meditativo su onde di trentaduesimi, solo in seguito procedendo verso la propria esposizione dove peraltro introduce un tema nuovo, spavaldo, sovrapponendolo al primo lasciato alla voce degli archi. Pure il secondo tempo, «Adagio», è in forma-sonata, imperniato su due temi di un lirismo semplice e sincero. Dato che Brunetti lo considerava «troppo studiato», Mozart compose per lui una pagina sostitutiva, l’Adagio K. 261. Come i finali dei due Concerti precedenti, anche questo, un Tempo di Menuetto in forma di rondò, si interrompe a metà per lasciare spazio a un episodio di carattere molto contrastante, al limite della bizzarria. Stavolta vi si trova un «Allegro» in stile turchesco: il tema, in cui i bassi suonano con il legno dell’archetto, è un autoimprestito dalle Gelosie del serraglio, balletto del 1772.Nella Salisburgo settecentesca ogni momento festivo pubblico o privato necessitava di una colonna sonora: cassazioni, diverti-menti, serenate, notturni, ossia composizioni d’intrattenimento definibili in un certo senso “leggere”. L’impiego dello stile galante, divenuto linguaggio musicale internazionale, e la facilità delle melodie concorrevano alla creazione di lavori destinati all’ascolto dilettevole ma per niente distratto di un pubblico aristocratico per gusto, non sempre per sangue. Quanto questa capacità di scrivere pezzi piacevoli e mondani dovesse far parte del bagaglio professionale del compositore di antico regime lo attesta un’av-vertenza dell’accorto Leopold Mozart al figlio Wolfgang Amadeus: «Scrivi qualcosa di breve, di facile e di popolare. T’immagini che sia cosa indegna di te? Se così è, hai completamente torto. Anche ciò che è leggero può essere grande se scritto in uno stile naturale, scorrevole e facile e se, allo stesso tempo, si basa su una solida composizione. Tali lavori sono più difficili da comporre di tutte le progressioni armoniche che la grande maggioranza del pubblico non comprende, o di quei pezzi che hanno piacevoli melodie ma che sono difficili da eseguire. Una buona composizione, una solida costruzione, il filo, ecco ciò che distingue il maestro dal dilettante, anche nelle piccole cose». Il Divertimento in fa maggiore K. 247, datato 13 giugno 1776, è un quartetto d’archi con due corni obbligati dedicato alla famiglia del primo maresciallo di corte, conte Lodron. A rigore i sei tasselli che lo compongono dovrebbero essere preceduti, e seguiti, dalla coeva Marcia K. 248. Il primo tassello, «Allegro», e l’«Allegro assai» conclusivo in forma di rondò presentano un marcato antagonismo tra il violino principale e i corni; mentre le due pagine lente, inserite tra due Minuetti, si sviluppano l’una seguendo un’ispirazione liederistica, l’altra a mo’ di cantilena fiorita dal carattere amoroso.

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FAGOTTIDavide Maia*Dante Vicari*





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ORCHESTRA DA CAMERA FIORENTINAVIOLINIMarco Lorenzini*Riccardo Capanni*Maurizio Matteuzzi*Alessandro BernardiBeatrice Bianchi

Stefano BianchiRita BranzantiRoberto DumaRoberto MasiniCostanza CostantinoAngela SaviDamiano TognettiClaudio FredducciMauro FabbrucciNeri GrassiniEmanuele Sellitri

VIOLEartali*

Julie Shepherd*Pier Claudio Fei

hiliani

Flaminia Zanelli

Ilario Lecci

VIOLONCELLISandra Bacci*Jacopo Luciani*Antonella CostantinoUrsula Koenig

Michele Lanzini

CONTRABBASSIAndrea do*Gianluca Pierozzi

FLAUTOAngela Camerini*Stefano Margheri*OBOIDavide Guerrier

i*Marco Bardi


FAGOTTI

Fabrizio Beggi


CLAVICEMBALO

Mara Fanelli

TROMBERaffaele Chier

i*

Marco De Novellis

TIMPANI E PERCUSSIONI

Sergio Odori




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ORCHESTRA DA CAMERA FIORENTINAVIOLINIAlessandro BernardiBeatrice BianchiFrancesca BingRita BranzantiRiccardo Capanni*

Neri GrassiniMarco Lorenzini*Roberto MasiniAngela SaviEmanuele SellitriDamiano Tognetti*

VIOLELeonardo Bartali*

*Sabrina GiulianiIlario Lecci

Flaminia Zanelli


CONTRABBASSI

Francesco FerroniAndrea Lombardo*


OBOIDavide Guerrieri*

CLARINETTI

Daniele Scala*

FAGOTTIDavide Maia*Riccardo Rinaldi

CORNI


TROMBERaffaele Chieli*


(* Prime parti)

Segrete

Servizi Tecnici:

Coordinamento Artistico eria Amministrativa:


I concerti sono realizzatiin collaborazione con il

Giovanni Lanzetta

L

Ufficio Stampa:Marco Mannucci

eonardo Artini

Ettore Biagi*

Gianni Calonaci*

Claudio Freducci

Marco Gallina

Alessandro Morelli

Davide Ancillotti

Monica Perez Zebeda

Andrea Mugnaini*Giacomo Santoni*

Emilio Botto

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GIUSEPPE LANZET TA Nato a Montecorvino Rovella (SA) nel 1960, contemporaneamente agli studi umanistici si è diplomato in Musica Corale e direzione di coro, Polifonia vocale sacra sotto la guida del M° Pierluigi Zangelmi; in Strumentazione per Banda con il M° Lorenzo Semeraro al Conservatorio “L. Cherubini” di Firenze, dove ha studiato Composizione con il M° Franco Cioci. Ha studiato direzione d’orchestra con il M° Bruno Campanella e Sir George Solti, di cui è stato con entrambi assistente, perfezio-nandosi infine con il M° Franco Ferrara a Roma, Assisi, Verona e all’Accademia Chigiana di Siena e in direzione di coro con i maestri bulgari George Robef e Samuil Vidas.Ha diretto orchestre da Camera e sinfoniche in Italia ed Europa tra queste ricordiamo l’Orchestra Regionale Toscana, l’orchestra “I Solisti fiorentini” del Maggio Musicale Fiorentino, Ensemble dell’Orchestra dell’Accademia di Santa Cecilia, l’Orchestra dei Solisti della Scala di Milano, l’Orchestra da Camera della Berliner Philharmoniker, l’Orchestra Roma Sinfonietta, l’Orchestra della Gioventù musicale d’Italia, Orchestra dei Pomeriggi Musicali di Milano, Orchestra sinfonica di Sanremo, Symphonia Perusina, Orchestra di Kisiniev, dell’Opera Nazionale Russa, Orchestra Sinfonica di Mosca, Orchestra Sinfonica di Volgograd, La Philarmonica Ucraina di Donetzk, l’Orchestra di Stato di Craiova (Romania), l’Orchestra Hermitage di San Pietroburgo, Johannes Strauss di Vienna, Sinfonica Moldava, da Camera di Israele, Arpeggione di Hohemens, e Chursachsische Philarmonie (Germania), i Virtuosi di Praga, la Cappella Cracoviensis, Sinfonica di Debrecen (Ungheria), le Orchestre sinfonichedella Radio Televisione di Ljub ljana, di Sacramento Symphony (California), Sinfonica di Goteborg e Stoccolma, di Brasilia, la Sinfonica di Cordoba, quella di Extremadura e di Murcia, L’Orchestra Sinfonica del Cairo, Orchestra di Madeira, la Phi-larmonica Eidelberg, la Edmonton Symphony (Canada), la Atlanta Symphony, La Istanbul Symphony, La Ico Tito Schipa di Lecce, l’Orchestra Sinfonica della provincia di Bari, L’orchestra della Magna Grecia, L’orchestra Sinfonica di Bacau e quella di Novi Sad in tourné 2004 in Austria, La Joensu Philarmonich (Finlandia) La Aaken Sinfonie Orcheste,Wroclaw Philarmonic (Polonia), La Toronto Symphony, La Filarmonica di Poznam (Polonia) e molte altre.Ha debuttato con grande successo a Novembre 2003 a Berlino con la Berliner Symphoniker nella prestigiosa Philarmonie Grossen Saal, e quella dei Berliner Philharmoniker Chamber Orchestre, Baden Baden Philarmoniker ha debuttato nel maggio 2006 alla Carnegei Hall di New York dove è tornato nel 2008-2009. Ha partecipato nell’agosto 1992 al Festival di Salisburgo. Dal 1987 è direttore ospite nelle più importanti orchestre di Città del Messico: Orchestra Sinfonica della Ofunan, la Filarmonica della Città del Messico, l’Orchestra Sinfonica di Mineria, l’Orchedi Belle Arti, Sinfonica di Toluca. Ha diretto famosi cori come quello del Teatro Comunale di Firenze ed il Coro internazionale di Lovanio (Belgio) e il Coro Madrigale di Bucarest. Dal 1986 dirige le più importanti orchestre Statunitensi (negli stati del Vermont, California,Wyoming, New York, Georgia, Illinois, Indiana, Pennsylvania) con repertorio sinfonico. Dal 1981 è direttore musicale stabile dell’Orchestra da Camera Fiorentina con cui ha tenuto oltre 1350 concerti di vario repertorio sotto l’egida di istituzioni concertistiche di alto prestigio e per la RAI, con la stessa Orchestra ha effettuato 20 tournée in USA, in Messico, Malta e in Spagna con concerti tenuti nei più importanti teatri, Festival di Coimbra 1998 (Portogallo), Festival di Ljubljana, in Brasile dirigendo nei più importanti teatri, al Festival Internazionale di Cracovia, ad Heidelberg esibendosi inoltre al Teatro della Pergola, al Teatro Verdi e al Teatro Comunale di Firenze nell’ ambito di varie manifestazioni. Più volte ospite a Vienna con i Wiener Kammersolisten e l’Ungarische Kammerphilharmonie nello splendido salone del Musikverein e nella Konzert Haus. In America ed in Europa ha diretto famosissimi solisti; tra questi ricordiamo Leon Spierer, Johan Hye, Sergio Fiorentino, Andrej Kalarus, Margarita Hohenrieder, Nicolae Tudor,Augusto Vismara, Martin Dimitri Sgouros, Marie Luise Neunecker, Gary Karr, Eduard Brunner, Rolando Panerai, David Garrett,Andreas Blau, Ilya Grubert, Daniele Damiano, Michele Campanella, Bruno Canino, Giuseppe Andaloro, Giovanni Sollima, Aldo Ciccolini, Giuseppe Andaloro, Eva Mei, Filippo Adami, Roberto Prosseda, Igor Hoistrach, Jorge Demus, Ivan Zenati,Turibio Santos, Cristiano Rossi,Alessandro Carbonare,Alessio Allegrini, Francesco di Rosa, Francesco Bossone, Sergei Nakariakov, Oleg Marchev, Anner Bylsma, Igor Oistrach, Sergey Krilov,Ton Kopman. Ha inoltre lavorato con Roberto Benigni in un memorabile Concerto a Piazzale Michelangelo oltre a dirigere nello stesso Piazzale, in Piazza Signoria, Piazza Pitti e Piazza Santa Croce i concerti di Capodanno del Comune di Firenze. È inoltre direttore artistico dei Mercoledì Musicali dell’Ente Cassa di Risparmio di Firenze e del progetto Musica e Arte della banca CR Firenze, Intesa San Paolo. Ha al suo attivo composizioni cameristiche e sinfoniche più volte eseguite e trasmesse dalla RAI, e numerose incisioni discografiche. Per la sua intensa attività alla guida di autorevoli complessi da camera e sinfonici, la critica internazionale lo ha definito uno dei direttori più brillanti della giovane generazione. Nel 2005 è stato premiato con la Medaglia Beato Angelico, nel 2006 ha ricevuto il premio Firenze per la Musica e l’Arte, nel 2010 il prestigioso premio “Una vita per la Musica”, nel 2013 il premio Galileo per l’Imprenditoria Musicale e nel 2015 il premio Bel San Giovanni per la carriera internazionale svolta. È titolare della Cattedra di Esercitazioni Orchestrali al Conserva-torio di Musica di Santa Cecilia di Roma. Nel 2012 è stato insignito dell’onorificenza di Cavaliere Ufficiale dell’Ordine “al Merito” della Repubblica Italiana dal Presidente Giorgio Napolitano. È stato recentemente nominato Direttore Ospite Principale della Mid-American Production, che svolge i suoi concerti alla Carnegie Hall e al Lincoln Center di New York.

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Il Maestro Giuseppe Lanzetta alla Carnegie Hall di New York dirige la Fantasia corale di Beethoven (Maggio 2006)come omaggio a Arturo Toscanini. Da aprile 2013 ricopre il ruolo di Principal Guest Conductor per la Mid-AmericanProduction, che svolge i suoi concerti alla Carnegie Hall e al Lincoln Center di New York..

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GIUSEPPE LANZET TA. Nato a Montecorvino Rovella (SA) nel1960, contemporaneamente agli studi umanistici si è diplomatoin Musica Corale e direzione di coro, Polifonia vocale sacra sottola guida del M° Pierluigi Zangelmi; in Strumentazione per Bandacon il M° Lorenzo Semeraro al Conservatorio "L. Cherubini" diFirenze, dove ha studiato Composizione con il M° Franco Cioci.Ha studiato direzione d'orchestra con il M° Bruno Campanella eSir George Solti, di cui è stato con entrambi assistente, perfezio-nandosi infine con il M° Franco Ferrara a Roma, Assisi, Verona eall'Accademia Chigiana di Siena e in direzione di coro con i mae-stri bulgari George Robef e Samuil Vidas.Ha diretto orchestre da Camera e sinfoniche in Italia ed Europatra queste ricordiamo l'Orchestra Regionale Toscana, l'orchestra"I Solisti fiorentini" del Maggio Musicale Fiorentino, Ensembledell'Orchestra dell'Accademia di Santa Cecilia, l'Orchestra dellaGioventù musicale d'Italia, l'Orchestra da Camera Romana equella Veronese, Orchestra dei Pomeriggi Musicali di Milano,Orchestra sinfonica di Sanremo, Symphonia Perusina, Orchestradi Kisiniev, dell'Opera Nazionale Russa, Orchestra Sinfonica di Mosca, Orchestra Sinfonica di Volgograd, LaPhilarmonica Ucraina di Donetzk, l'Orchestra di Stato di Craiova (Romania), l'Orchestra Hermitage di SanPietroburgo, Johannes Strauss di Vienna, Sinfonica Moldava, da Camera di Israele, Arpeggione di Hohemens, eChursachsische Philarmonie (Germania), i Virtuosi di Praga, la Cappella Cracoviensis, Sinfonica di Debrecen(Ungheria), le Orchestre sinfonichedella Radio Televisione di Ljub ljana, di Sacramento Symphony (California),Sinfonica di Goteborg e Stoccolma, di Brasilia, la Sinfonica di Cordoba, quella di Extremadura e di Murcia,L'Orchestra Sinfonica del Cairo, Orchestra di Madeira, la Philarmonica Eidelberg, la Edmonton Symphony (Canada),la Atlanta Symphony, La Istanbul Symphony, La Ico Tito Schipa di Lecce, l'Orchestra Sinfonica della provincia di Bari,L'orchestra della Magna Grecia, L'orchestra Sinfonica di Bacau e quella di Novi Sad in tourné 2004 in Austria, LaJoensu Philarmonich (Finlandia) La Aaken Sinfonie Orcheste,Wroclaw Philarmonic (Polonia), La Toronto Symphony,La Filarmonica di Poznam (Polonia), i Solisti della Scala di Milano, e molte altre.Ha debuttato con grande successo a Novembre 2003 a Berlino con la Berliner Symphoniker nella prestigiosaPhilarmonie Grossen Saal, e quella dei Berliner Philarmoniker Chamber Orchestre, Baden Philarmoniker ha debut-tato nel maggio 2006 alla Carnegei Hall di New York dove è tornato nel 2008-2009. Ha partecipato nell'agosto 1992al Festival di Salisburgo. Dal 1987 è direttore ospite nelle più importanti orchestre di Città del Messico: OrchestraSinfonica della Ofunan, la Filarmonica della Città del Messico, l'Orchestra Sinfonica di Mineria, l'Orche di Belle Arti,Sinfonica di Toluca. Ha diretto famosi cori come quello del Teatro Comunale di Firenze ed il Coro internazionale diLovanio (Belgio) e il Coro Madrigale di Bucarest.Dal 1986 dirige le più importanti orchestre Statunitensi (negli stati del Vermont, California,Wyoming, New York,Georgia, Illinois, Indiana, Pennsylvania) con repertorio sinfonico.Dal 1981 è direttore musicale stabile dell'Orchestra da Camera Fiorentina con cui ha tenuto oltre 1350 concertidi vario repertorio sotto l'egida di istituzioni concertistiche di alto prestigio e per la RAI, con la stessa Orchestraha effettuato 20 tournée in USA, in Messico, Malta e in Spagna con concerti tenuti nei più importanti teatri, Festivaldi Coimbra 1998 (Portogallo), Festival di Ljubljana, in Brasile dirigendo nei più importanti teatri, al FestivalInternazionale di Cracovia, ad Heidelberg esibendosi inoltre al Teatro della Pergola, al Teatro Verdi e al TeatroComunale di Firenze nell' ambito di varie manifestazioni.Più volte ospite a Vienna con i Wiener Kammersolisten e l'Ungarische Kammerphilharmonie nello splendido salo-ne del Musikverein e nella Konzert Haus.In America ed in Europa ha diretto famosissimi solisti; tra questi ricordiamo Leon Spierer, Johan Hye, SergioFiorentino, Andrej Kalarus, Margarita Hohenrieder, Nicolae Tudor,Augusto Vismara, Martin Dimitri Sgouros, MarieLuise Neunecker, Gary Karr, Eduard Brunner, Rolando Panerai, David Garrett,Andreas Blau, Ilya Grubert, DanieleDamiano, Michele Campanella, Bruno Canino, Giuseppe Andaloro, Giovanni Sollima, Aldo Ciccolini, Igor Hoistrach,Jorge Demus, Ivan Zenati, Turibio Santos, Cristiano Rossi, Alessandro Carbonare, Alessio Allegrini, Francesco di Rosa,Francesco Bossone, Sergei Nakariakov, Oleg Marchev, Anner Bylsma, Igor Oistrach, Sergey Krilov,Ton Kopman. Hainoltre lavorato con Roberto Benigni in un memorabile Concerto a Piazzale Michelangelo oltre a dirigere nello stes-so Piazzale, in Piazza Signoria, Piazza Pitti e Piazza Santa Croce i concerti di Capodanno del Comune di Firenze. Èinoltre direttore artistico dei Mercoledì Musicali dell'Ente Cassa di Risparmio di Firenze e del progetto Musica eArte della banca CR Firenze, Intesa San Paolo. Ha al suo attivo composizioni cameristiche e sinfoniche più volte ese-guite e trasmesse dalla RAI, e numerose incisioni discografiche.Per la sua intensa attività alla guida di autorevoli complessi da camera e sinfonici, la critica internazionale lo ha defi-nito uno dei direttori più brillanti della giovane generazione.Nel 2005 è stato premiato con la Medaglia Beato Angelico, nel 2006 ha ricevuto il premio Firenze per la Musica el'Arte e nel 2010 il prestigioso premio "Una vita per la Musica" e nel 2013 il premio Galileo per l’ImprenditoriaMusicale. È titolare della Cattedra di Esercitazioni Orchestrali al Conservatorio di Musica di Santa Cecilia di Roma.Nel 2012 è stato insignito dell'onorificenza di Cavaliere Ufficiale dell'Ordine "al Merito" della Repubblica Italiana dalPresidente Giorgio Napolitano. È stato recentemente nominato Direttore Ospite Principale della Mid-AmericanProduction, che svolge i suoi concerti alla Carnegie Hall e al Lincoln Center di New York.

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GIUSEPPE LANZET TA Nato a Montecorvino Rovella (SA) nel 1960, contemporaneamente agli studi umanistici si è diplomato in Musica Corale e direzione di coro, Polifonia vocale sacra sotto la guida del M° Pierluigi Zangelmi; in Strumentazione per Banda con il M° Lorenzo Semeraro al Conservatorio “L. Cherubini” di Firenze, dove ha studiato Composizione con il M° Franco Cioci. Ha studiato direzione d’orchestra con il M° Bruno Campanella e Sir George Solti, di cui è stato con entrambi assistente, perfezio-nandosi infine con il M° Franco Ferrara a Roma, Assisi, Verona e all’Accademia Chigiana di Siena e in direzione di coro con i maestri bulgari George Robef e Samuil Vidas.Ha diretto orchestre da Camera e sinfoniche in Italia ed Europa tra queste ricordiamo l’Orchestra Regionale Toscana, l’orchestra “I Solisti fiorentini” del Maggio Musicale Fiorentino, Ensemble dell’Orchestra dell’Accademia di Santa Cecilia, l’Orchestra dei Solisti della Scala di Milano, l’Orchestra da Camera della Berliner Philharmoniker, l’Orchestra Roma Sinfonietta, l’Orchestra della Gioventù musicale d’Italia, Orchestra dei Pomeriggi Musicali di Milano, Orchestra sinfonica di Sanremo, Symphonia Perusina, Orchestra di Kisiniev, dell’Opera Nazionale Russa, Orchestra Sinfonica di Mosca, Orchestra Sinfonica di Volgograd, La Philarmonica Ucraina di Donetzk, l’Orchestra di Stato di Craiova (Romania), l’Orchestra Hermitage di San Pietroburgo, Johannes Strauss di Vienna, Sinfonica Moldava, da Camera di Israele, Arpeggione di Hohemens, e Chursachsische Philarmonie (Germania), i Virtuosi di Praga, la Cappella Cracoviensis, Sinfonica di Debrecen (Ungheria), le Orchestre sinfonichedella Radio Televisione di Ljub ljana, di Sacramento Symphony (California), Sinfonica di Goteborg e Stoccolma, di Brasilia, la Sinfonica di Cordoba, quella di Extremadura e di Murcia, L’Orchestra Sinfonica del Cairo, Orchestra di Madeira, la Phi-larmonica Eidelberg, la Edmonton Symphony (Canada), la Atlanta Symphony, La Istanbul Symphony, La Ico Tito Schipa di Lecce, l’Orchestra Sinfonica della provincia di Bari, L’orchestra della Magna Grecia, L’orchestra Sinfonica di Bacau e quella di Novi Sad in tourné 2004 in Austria, La Joensu Philarmonich (Finlandia) La Aaken Sinfonie Orcheste,Wroclaw Philarmonic (Polonia), La Toronto Symphony, La Filarmonica di Poznam (Polonia) e molte altre.Ha debuttato con grande successo a Novembre 2003 a Berlino con la Berliner Symphoniker nella prestigiosa Philarmonie Grossen Saal, e quella dei Berliner Philharmoniker Chamber Orchestre, Baden Baden Philarmoniker ha debuttato nel maggio 2006 alla Carnegei Hall di New York dove è tornato nel 2008-2009. Ha partecipato nell’agosto 1992 al Festival di Salisburgo. Dal 1987 è direttore ospite nelle più importanti orchestre di Città del Messico: Orchestra Sinfonica della Ofunan, la Filarmonica della Città del Messico, l’Orchestra Sinfonica di Mineria, l’Orchedi Belle Arti, Sinfonica di Toluca. Ha diretto famosi cori come quello del Teatro Comunale di Firenze ed il Coro internazionale di Lovanio (Belgio) e il Coro Madrigale di Bucarest. Dal 1986 dirige le più importanti orchestre Statunitensi (negli stati del Vermont, California,Wyoming, New York, Georgia, Illinois, Indiana, Pennsylvania) con repertorio sinfonico. Dal 1981 è direttore musicale stabile dell’Orchestra da Camera Fiorentina con cui ha tenuto oltre 1350 concerti di vario repertorio sotto l’egida di istituzioni concertistiche di alto prestigio e per la RAI, con la stessa Orchestra ha effettuato 20 tournée in USA, in Messico, Malta e in Spagna con concerti tenuti nei più importanti teatri, Festival di Coimbra 1998 (Portogallo), Festival di Ljubljana, in Brasile dirigendo nei più importanti teatri, al Festival Internazionale di Cracovia, ad Heidelberg esibendosi inoltre al Teatro della Pergola, al Teatro Verdi e al Teatro Comunale di Firenze nell’ ambito di varie manifestazioni. Più volte ospite a Vienna con i Wiener Kammersolisten e l’Ungarische Kammerphilharmonie nello splendido salone del Musikverein e nella Konzert Haus. In America ed in Europa ha diretto famosissimi solisti; tra questi ricordiamo Leon Spierer, Johan Hye, Sergio Fiorentino, Andrej Kalarus, Margarita Hohenrieder, Nicolae Tudor,Augusto Vismara, Martin Dimitri Sgouros, Marie Luise Neunecker, Gary Karr, Eduard Brunner, Rolando Panerai, David Garrett,Andreas Blau, Ilya Grubert, Daniele Damiano, Michele Campanella, Bruno Canino, Giuseppe Andaloro, Giovanni Sollima, Aldo Ciccolini, Giuseppe Andaloro, Eva Mei, Filippo Adami, Roberto Prosseda, Igor Hoistrach, Jorge Demus, Ivan Zenati,Turibio Santos, Cristiano Rossi,Alessandro Carbonare,Alessio Allegrini, Francesco di Rosa, Francesco Bossone, Sergei Nakariakov, Oleg Marchev, Anner Bylsma, Igor Oistrach, Sergey Krilov,Ton Kopman. Ha inoltre lavorato con Roberto Benigni in un memorabile Concerto a Piazzale Michelangelo oltre a dirigere nello stesso Piazzale, in Piazza Signoria, Piazza Pitti e Piazza Santa Croce i concerti di Capodanno del Comune di Firenze. È inoltre direttore artistico dei Mercoledì Musicali dell’Ente Cassa di Risparmio di Firenze e del progetto Musica e Arte della banca CR Firenze, Intesa San Paolo. Ha al suo attivo composizioni cameristiche e sinfoniche più volte eseguite e trasmesse dalla RAI, e numerose incisioni discografiche. Per la sua intensa attività alla guida di autorevoli complessi da camera e sinfonici, la critica internazionale lo ha definito uno dei direttori più brillanti della giovane generazione. Nel 2005 è stato premiato con la Medaglia Beato Angelico, nel 2006 ha ricevuto il premio Firenze per la Musica e l’Arte, nel 2010 il prestigioso premio “Una vita per la Musica”, nel 2013 il premio Galileo per l’Imprenditoria Musicale e nel 2015 il premio Bel San Giovanni per la carriera internazionale svolta. È titolare della Cattedra di Esercitazioni Orchestrali al Conserva-torio di Musica di Santa Cecilia di Roma. Nel 2012 è stato insignito dell’onorificenza di Cavaliere Ufficiale dell’Ordine “al Merito” della Repubblica Italiana dal Presidente Giorgio Napolitano. È stato recentemente nominato Direttore Ospite Principale della Mid-American Production, che svolge i suoi concerti alla Carnegie Hall e al Lincoln Center di New York.

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Sabato 19 e Domenica 20 Marzomuseo di orsanmichele Via calzaiuoli FirenZe

ORCHESTRA DA CAMERA FIORENTINA

direttore GiUSePPe lanZettaViolino Jlia GrUbert

Jacobo aliboni Metabolismo prima esecuzione assolutaF.mendelsshon bartoldy Concerto per Violino e Orchestra in Mi minore Op 64 Allegro molto appassionato, Andante, Allegretto non troppo, Allegro molto vivace

l.V.beethoVen Sinfonia N°7 In La maggiore Poco sostenuto, Vivace, Allegretto, Presto, Allegro con brio

JLIA GRUBERT nato a Riga, ha iniziato a studiare pressa la scuola di musica E. Darzin. Consi-derato uno studente di talento eccezionale, ha debuttato in concerto all’età di quattordici anni, proseguendo i suoi studi con famosi insegnanti russi quali Yuri Yankelevich e Zinaida Gilels. Si è perfezionato in seguito con il celebre violinista Leonid Kogan alConservatorio di Mosca. Jlia Grubert ha riscosso il suo primo successo internazionale al premio Sibelius di Helsinki nel 1975.Successivamente ha vinto il primo premio in due prestigiosi concorsi internazionali: il Paga-nini di Genova e il Ciaikovski di Mosca nel 1978. Da quel momento ha iniziato una brillante carriera che lo ha portato ad esibirsi come solista con importanti orchestre, quali la Filar-monica di Mosca, la Filarmonica di San Pietroburgo, l’Orchestra di Stato Russa, l’Orchestra della Staatskapelle di Dresda, la Filarmonica di Amsterdam e di Helsinki, collaborando con direttori quali Guennady Rozhdestvensky, Maxim Shostakovic, Yoel Levi, Valdemar Nels-son., Mariss Jansons.Il suo primo recital a New York è stato salutato dalla stampa specializzata (New York Times} come un evento eccezionale: “Ilya Grubert, nella tradizione dei grandi virtuosi, possiede una straordinaria tecnica e un suono luminoso e deciso”. I suoi ultimi concerti includono tournée negli Stati Uniti, in Canada, Australia e in tutta Europa. Jlia Grubert

vanta registrazioni discografiche con Harmonia Mundi, Russian Disc, Melodya, Ondine e Dynamic. La sua discografia include i concerti di Sibelius, Ciaikovski e Bruch, ed anche un cd con tutte le composizioni di Prokofiev per violino. Nel gennaio 1996 ha vinto il Diapason. d’Or per le sue incisioni dei concerti di Sibelius e Bruch. Recentemente ha realizzato con l’etichetta Chandos la registrazione dei due concerti di Paganini, del concerto di Arutunian e del primo di Prokofiev; a cui seguiranno le incisioni dei concerti di Berg, Weinberg, Ernst, Dvorak, oltre al secondo di Prokofiev. Ilya Grubert risiede attualmente in 0landa, dove è docente presso il Conservatorio di Amsterdam. Suona un violino Pietro Guarnieri di Venezia del 1740, ex Wieniawski.

NOTE DI SALAJacopo Aliboni ha composto musica e sonorizzazioni per committenti trasversali: nell’ambito radiotelevisivo e pubblicitario (copywriter), per il teatro sperimentale e di commedia, per cortometraggi, per sale da concerto di musica da camera, per festival di musica contemporanea. Ha ricevuto i seguenti riconoscimenti e premi: menzione al «Torneo Internazionale Musica» con Toujours present en nous, finalista al concorso internazionale di composizione «A. Rendano» (presidente Ivan Fedele) con il trio Un, Um, Kairos, vincitore del primo premio al concorso internazionale di composizione «E. Carella» con il sestetto Le temps prend feu, selezionato con il cortometraggio A new born in qualità di co-sceneggiatore e compositore della musica al Festival del Cinema di Cannes. A propositore di Metabolismo dice: «E’ un brano per orchestra dove l’insieme delle trasformazioni del materiale musicale sono al sostegno vitale della forma. Piccole ripetizioni si trasformano in variazioni che consentono lo sviluppo trasformando la crescita. Perciò sia il corpo sonoro nella sua forma, sia i suoi oggetti musicali sono in un continuo stato di dissoluzione e nutri-mento: permanente come in ogni forma di vita, inevitabilmente».

Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809-47) concepì il Concerto in mi minore avendo presenti le qualità strumentali del grande vio-linista Ferdinand David. I primi accenni alla possibilità di scrivere per lui un Concerto appaiono nell’epistolario del compositore tedesco fin dal luglio 1838. Tuttavia il pezzo arriva a conclusione solo nell’estate 1844, dopo sei anni di impegno intermittente sulla partitura dovuto alla maggiore urgenza di altre scadenze professionali: un periodo di gestazione così lungo e un lavoro sal-tuario che però all’ascolto non emergono affatto, tanto risultano fluide e omogenee l’intelaiatura formale e la scrittura. Questo Concerto è opera classicamente ispirata e proporzionata. Anche se il modello morfologico mozartiano e beethoveniano, cui Mendelssohn si rifà, non è ripercorso alla lettera, ma soggetto a un ripensamento globale che ha il merito di porsi, con sottigliezza

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miracolosa e mano leggerissima, alla ricerca di una soluzione di compromesso tra memoria del tempo andato e suo superamento. Nello specifico, il problema che qui viene affrontato è quello di riuscire a tradurre il pensiero musicale in un’architettura innova-tiva ma ancorata alla tradizione, serrata, coerente, fluida, non pressata entro griglie rigide. Almeno in apparenza, giacché il primo movimento, «Allegro molto appassionato», risulta scandito in tre sezioni equilibrate con esattezza matematica: esposizione, 168 battute; sviluppo, 167 battute; ripresa + coda, 192 battute. La soluzione fornita da Mendelssohn al problema di partenza consiste nel suddividere il contenitore-Concerto nei soliti tre tempi collegati però l’un l’altro tramite una breve transizione, cosicché i sin-goli movimenti si susseguono senza soluzione di continuità, nonostante restino chiaramente distinguibili. Ciascuno di essi sfoggia temi eleganti, avvincenti, rotondi. Indimenticabili. Inoltre un’orchestrazione perfetta, saggiamente bilanciata nella disposizione delle parti, nella scelta dei registri di ogni singola famiglia strumentale, nel controllo timbrico e dinamico, nella scrittura lucente del violino, virtuosistica, sì, ma sempre trasparente e aerea. Come quella del tempo finale, che pare un racconto di fate.

Ludwig van Beethoven (1770-1827) si dedicò alla stesura della Settima sinfonia dall’autunno 1811 al maggio successivo. La prima esecuzione ebbe luogo l’8 dicembre 1813 nell’Aula magna dell’università di Vienna in occasione di un concerto benefico a favore dei soldati austriaci e bavaresi feriti in battaglia qualche settimana prima. Dopo il naturalismo della Sesta sinfonia, dopo «il desti-no che batte alla porta» della Quinta, dopo gli eroici furori della Terza, il Romanticismo non riuscì a concepire che anche della Settima non si potesse dare una lettura contenutistica. Vi fu perciò chi vi scorse la rappresentazione di nozze villiche, chi una raffigurazione sonora del Wilhelm Meister di Goethe, chi nell’«Allegretto» intese una marcia funebre e nel terzo movimento le sponde del Reno e il corno di Oberon. «Apoteosi della danza» la definì Wagner. Non a torto, se per danza si intende un’architettura organica, massiccia, coerente, generatasi da pulsazioni ritmiche elementari che percorrono incessantemente ciascun movimento. Un costruttivismo puramente musicale, libero da qualsiasi istanza individualistica, regolato in modo esclusivo dalla disciplina del contrappunto che consente di trasfigurare il materiale tematico d’origine intervenendo sugli intervalli, sulle durate, oltre che su timbri, intensità e disposizione spaziale delle masse sonore. Era dalla Quarta che Beethoven non ricorreva più a un’introduzione lenta per una sua sinfonia: qui ritorna invece all’antica pratica, concependone una solenne, percorsa da scale ascendenti e da fanfare di fiati su un movimento di marcia. Il «Vivace» che attacca dopo si basa su un insistente, pervasivo movimento di giga che, stando agli appunti preparatori, fu la scintilla da cui prese origine l’intera pagina. E’ in forma-sonata, sebbene vi sia quasi del tutto assente la consueta contrapposizione dialettica tra motivi e sezioni contrastanti. Lo schema ritmico dattilo-spondeo costituisce lo scheletro del secondo tempo, «Allegretto», che alla prima esecuzione venne bissato. La struttura è semplicissima: su tale ossa-tura ritmica ripetuta quattro volte si costruisce un percorso melodico di raro equilibrio che dà origine, nella parte centrale, a un episodio in maggiore e, prima della fine, a un fugato. Benché non venga indicato come scherzo, il «Presto» successivo è tale nei fatti. Scattante e vigoroso, con una doppia ripresa preceduta tutt’e due le volte da un Trio di cui protagonisti sono i fiati emergenti dal tappeto degli archi. L’«Allegro con brio» conclusivo, grandioso nell’architettura, martellante nello sbalzo delle dinamiche, scattante nella foga ritmica ha davvero, come qualcuno ha scritto, carattere di danza vorticosa.

Giuseppe Lanzetta con Jlya Grubert, nell’Auditorium di Santo Stefano al Ponte per l’esecuzione del Concerto di Brahms.

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Celebrazioni per la morte di Mozart, I° Edizione, Salone dei 500 gremito di pubblico. Progetto realizzato in colla-borazione con l’Assessorato alla Cultura del Comune di Firenze.

Giuseppe Lanzetta con Jlya Grubert, nell’Auditorium di Santo Stefano al Ponte per l’esecuzione del Concerto di Brahms

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Sabato 9 Aprilechiesa deGli aGostiniani Via dei neri emPoli (Fi)

Domenica 10 e Lunedì 11 Aprileauditorium di santo steFano al Ponte Via Por santa maria (Ponte Vecchio) Fi


direttore GiUSePPe lanZettasoprano Gabriella CoStamezzosoprano PatriZia SCiVoletto

a. Portera Aura Tango per archi prima esecuzione assolutaa.ViValdi Sinfonia al Santo SepolcroG.b.PerGolesi Stabat Mater per soprano, mezzosoprano e archi

Stabat Mater,Cujus Animam gementem,O quam tristis,Quae Muerebat et dolebat, Cuis est Homo,Vidit Suum dulcem natum,Eja Mater fons amoris,Fac ut ardeat, Sancta Mater, Fac ut portem,Infallatus et accensus, Quando Corpus Morietur-Amen

GABRIELLA COSTA soprano. Diplomata in pianoforte e laureata in musicologia, parla correttamente inglese,francese e tedesco. E’ artista molto versatile ed apprezzata anche per il suo vasto repertorio.Gabriella si dedica infatti con continuità al repertorio barocco e liederistico, senza però tralasciare l’opera dell‘800. Frequenti sono anche le sue “incursioni” in ambito contemporaneo e di avanguardia musicale, vantando il debutto di prime assolute di grandi compositori sia italiani che stranieri.Per ciò che concerne il repertorio operistico, Gabriella debutta nel ruolo di Gilda in Rigoletto, cui seguono un Ballo in maschera (Oscar) al Teatro Regio di Parma sotto la direzione di Angelo Campori, Maria di Rohan al GranTeatro La Fenice di Venezia, Il Signor Bruschino di Rossini al Teatro Verdi di Firenze diretto da Gianluigi Gelmetti, Il Matrimonio segreto(Carolina) all’Opernhaus di Zurigo, Le Nozze di Figaro, Il Ratto dal Serraglio e Don Pasquale al Teatro Massimo di Palermo, Il Barbiere di Siviglia di G.Paisiello al Teatro Verdi di Trieste, Così fan tutte (Despina), al Teatro La Fenice di Venezia. Al Teatro

Bellini di Catania l’opera Medea (Glauce), sotto la direzione di E. Pidò. Ha collaborato con grandi direttori quali: Bareza, Tate, Campori, Gelmetti, Reck, Ferro, Fischer, Yurovsky, Karabtchevsky, Welser-Möst, Weise, Plasson, Soudant, Hager, Auguin, Gus-chlbauer, Pidò, Ranzani, De Marchi, Humburg, Soustrot, Lü Ja, e con registi di chiara fama: Abbado, Andò, Barberio Corsetti, Gregoretti, Krief, Miller, Puggelli, Pressburger, Scaparro. Nell’ambito del repertorio barocco, vanta collaborazioni di prestigio con l’Academia Bizantina di Ottavio Dantone (Olimpiade di Pergolesi al festival Pergolesi-Spontini di Jesi), l’Academia Montis Regalis e Alessandro de Marchi, l’Astrée con cui ha appena terminato un lungo tour in Canada tutto dedicato a Vivaldi, Claudio Scimone e suoi Solisti Veneti, Carlo Ipata e gli Auser Musici. E’ stata impegnata ne la Passione di Gesù Cristo di G. Paisiello diretta da Diego Fasolis presso il Teatro Carlo Felice di Genova, seguita da Orfeo ed Euridice di Ch.W.Gluck con Ewa Podles a Poznan in Polonia.Con Alessandro De Marchi ha debuttato le Orfeo ed Euridice di Claudio Monteverdi Al Teatro Dell’Opera Giocosa di Savona.È stata inoltre protagonista del La Cecchina di N. Piccinni al Teatro Donizetti di Bergamo, sotto la direzione di Stefano Montanari.Gabriella è chiamata sovente a partecipare a produzioni di opere del repertorio tedesco, grazie alla padronanza della lingua: in Die Entführung aus dem Serail, all’Opernhaus di Zurigo e in Moses und Aaron (Giovane fanciulla) di A. Schönberg al Teatro Massimo di Palermo,Freischütz (Ännchen) al Teatro la Fenice di Venezia. Ha inoltre eseguito a Nantes Ein Deutches Requiem di Brahms per l’Orchestra dei Paesi della Loira, e Die Sieben Letzten Wörter unser Erlösers am Kreuze di L. Spohr con Orchestra e Coro del Teatro dell’Opera di Roma. Per ciò che concerne l’ambito concertistico numerosi recitals l’hanno vista protagonista in Austria, Canada, Cina, Francia,Giappone, Germania, Israele, Messico, Russia, Spagna, Repubblica Ceca, Brasile. Accompagnata dalle più importanti orchestre italiane e non. E’ stata ospite del Teatro Massimo V. Bellini di Catania con il Requiem di G. Faurèdiretta da M. Soustrot, suscitando un enorme successo di pubblico e critica. Con l’Orchestra e coro del Gran Teatro la Fenice, ha più volte eseguito la Grande Messa in do min. Kv427 di W.A. Mozart, trasmessa su RAI 1 in Mondovisione dal Duomo di Orvieto.Con l’Orchestra di Roma e del Lazio, è stata protagonista di recitals operistici sotto la direzione di Lü Ja, presso l’Auditorium del Parco della Musica di Roma (sala Sinopoli). Ha inoltre effettuato numerose tournées con l’Orchestra Sinfonica di Sanremo, l’Orchestra dei Pomeriggi Musicali di Milano, l’Orchestra Filarmonica Marchigiana, l’Orchestra Sinfonica Siciliana, l’Orchestra Regionale Toscana, l’Orchestre des Pays de la Loire, L’Orchestra Tito Schipa di Lecce, L’Orchestra della Magna Grecia, etc.Con l’Orchestra del Teatro Massimo di Palermo ha effettuato una tournée in Germania, nell’ambito dell’EXPO di Hannover, dove è stata protagonista dello spettacolo Viaggio in Italia, con la regia (nonché voce recitante) di Maurizio Scaparro. Gabriella è inoltre considerata specialista indiscussa dello Stabat Mater di L.Boccherini, pagina musicale a lei particolarmente cara, che ha ese-guito in numerose occasioni. Tra queste nell’ambito delle celebrazioni dei 200anni della morte del grande compositore lucchese.Lo stesso Stabat Mater è inoltre stato trasmesso in diretta RAI RADIO 3 dalla Cappella Paolina nel Palazzo del Quirinale a Roma e mandato in onda dalla BBC per la commemorazione della morte di Papa Giovanni Paolo II. Nel gennaio 2013 è stata ospite su

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PATRIZIA SCIVOLETTO, Mezzosoprano. Si diploma in violino nel 1996 , in canto nel 1998, decidendo successivamente di dedicarsi esclusivamente all’attività di Mezzosoprano, pur facendo tesoro dell’esperienza maturata in ambito strumentale. Si perfeziona quindi con maestri quali Maria Chiara, Julia Hamari, Jill Feldman,Rina Malatrasi. Vincitrice del Concorso del Centro Lirico sperimentale di Adria, e finalista di concorsi internazionali quali ”Toti dal Monte” e “AS.LI.CO”, inizia la sua attività concertistica con lo “Stabat Mater” di Pergolesi che interpreterà in varie ed importanti istituzioni musicali sia italiane che estere. Nel repertorio concertistico interpreta inoltre lo “Stabat mater”, il “Gloria” (presso il Teatro della Pergola di Firenze) e numerosi mottetti tra cui “Nisi Dominus” e “Beatus vir”di Vivaldi, il “Requiem” , la “Missa brevis” (a fianco della Sig.ra Tiziana Fabbricini), il Requiem di

Mozart in più edizioni sotto la direzione del M° Lanzetta, la messa dell’Incoronazione, la Missa Longa e il Regina Caeli di Mozart (eseguite in occasione delle celebrazioni Mozartiane sotto la guida del M° U.Benedetti Michelengeli), la “IX sinfonia” di Beethoven, il “Requiem” di Verdi, il Messiah di Haendel (Teatro Comunale di Ferrara), l’Oratorio di Natale di Bach, l’Amor brujo di De Falla, lo “Stabat mater” di A. Scarlatti, lo Stabat Mater e la Petite Messe Solemnelle di Rossini, lo Stabat Mater di Dvorak, la Messa in Do maggiore di Schubert, lo Stabat Mater di D. Scarlatti, la “Missa Brevis” di Britten (le ultime due produzioni presso il Teatro Comunale di Firenze), l’VIII Sinfonia di Malher (A.Veronesi) presso il Teatro Greco di Taormina, l’A-Ronne e il Laborintus di Berio (Hommarmè - ultima edizione Ravenna Festival). Attiva anche nel campo della liederistica, vanta un repertorio che va da Schubert a Strauss. Ha inciso l’Oratorio “La tempesta sul lago”, diretta dallo stesso compositore Maestro D.Bartolucci, e la Messa da Requiem di Verdi. Patrizia debutta in teatro con Maddalena nel Rigoletto; segue poi Flora nella Traviata, Berta nel Barbiere di Siviglia, Mamma Lucia nella Cavalleria Rusticana, Annina nella Traviata, Mercedes in Carmen, Ciesca nel Gianni Schicchi (Verdi di Firenze, con la Partecipazione straordinaria del M° Rolando Panerai), Dido in Didone ed Enea di Purcell, Bastiano in Bastiano e Bastiana di Mozart, Azucena nel Trovatore, Adalgisa nella Norma, Erda nell’Oro del Reno di Wagner, La Frugola nel Tabarro di Puccini (Orchestra Regionale Toscana), Suzuki nella Butterfly, Amneris nell’Aida di G. Verdi. Recentemente è stata Grimgerde nella Walkure (Fura dels Baus), al Maggio Musicale Fiorentino e al Palau de les Arts di Valencia sotto la direzione del M° Zubin Mehta.

Celebrazioni in Palazzo Vecchio, Salone dei 500, dell’Anniversario della morte di Mozart 5 dicembre 2012

RAI1 nella trasmissione “A sua Immagine”, in cui ha eseguito per l’appunto estratti dello Stabat Mater di Boccherini. Per ciò che concerne il repertorio contemporaneo, con Vladimir Yurowsky ha debuttato al Teatro la Fenice i Threni lamentationi Philoso-phiae di Igor Stravinsky. È stata protagonista in occasione della prima assoluta dell’opera per musica e film di Marco Betta e Roberto Andò Sette storie per lasciare il mondo, opera andata in scena al Teatro Massimo Bellini di Catania, insieme all’attrice Donatella Finocchiaro. Ha inoltre interpretato il difficile ruolo di Arpa in Prova d’Orchestra di Giorgio Battistelli, rappresentata al Teatro dell’Opera di Roma con la regia di Denis Krief. E’stata Isabella Colbran in Un segreto d’importanza di Sergio Rendine.Al Teatro Massimo di Palermo è stata La Vierge in Jeanne d’Arc au bucher di A. Honegger e Das Junge Mädchen nell’opera Moses und Aaron di A. Schoenberg, entrambe dirette dalla splendida bacchetta di Stephan Anton Reck. Ha inoltre eseguito in prima assoluta italiana gli Shakespeare’s songs di Michael Nyman compositore al quale è legata da un rapporto di amicizia.Dall‘Auditorium Sinopoli del Parco della Musica di Roma, ha eseguito il Magnificat di M. Frisina andato in onda su RAI 1 la notte della vigilia di Natale 2011. Tra i prossimi impegni operistici 2015-16 sono da ricordare: Don Pasquale presso il Teatro Sociale di Rovigo Sette storie per Lasciare il Mondo , opera contemporanea di Marco Betta, regia Roberto Andò. Le Streghe di Venezia (ruolo protagonista Strega/Fata) di Philip Glass, al Teatro Massimo di Palermo, regia di Giorgio Barberio Corsetti.

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NOTA DI SALAAURA TANGO: questo brano è stato ispirato da un importante contatto della mia ricerca con due mondi particolari: quello del tango e soprattutto quello dell’intelligenza emotiva (emotional intelligence). Il tango, percepito nella sua forma archetipica, si manifesta musicalmente nel sul ritmo tradizionale , per poi dialogare e fondersi con il ritmo della più movimentata milonga , creando un “respiro ritmico” ansimato e intenso, tra entusiasmo e pacatezza, forza e malinconia. È in questo aspetto che l’intelligenza emotiva offre il suo determinante contributo, con il suo metodo per sviluppare le abilità definite nel modello P.U.E.R.U.M (Perceiving, Understanding, Expressing, Regulating and Using Emotions, Model) sviluppato da PER Lab (Laboratorio di Psicologia, Emozioni & Ricerca), modello che ho applicato per esaltare e alternare i climi emozionali del brano, quindi tentare di condurre l’ascoltatore in un cammino sonoro percettivo che evochi, anche a livello inconscio, la grande alchimia del rituale del tango. Aura Tango rappresenta una sperimentazione PERLART, ossia un’applicazione del modello PUERUM per sviluppare l’arte e la creatività attraverso le emozioni, oltre ad essere un omaggio per la mia fidanzata, la psicologa Laura Artusio che ne è stata ispiratrice. “L’Aura”, oltre ad avermi introdotto nel mondo tanguero come esperta ballerina, da anni svolge ricerca sull’intelligenza emotiva con il gruppo PER Lab da lei fondato e con la Yale University, sede in cui è stata avviata la ricerca sull’emotional intelligence dal suo “maestro”, Prof. Peter Salovey, Presidente del prestigioso ateneo statunitense.

Il veneziano Antonio Vivaldi (1678-1741) prese gli ordini nel 1703, ma fu quasi subito esonerato dall’obbligo di dir messa a causa delle pessime condizioni di salute. Benché Goldoni, che lo conosceva bene, lo raffiguri insopportabilmente bigotto, la sua vita non fu certo un modello di virtù: era troppo avido di denaro e addirittura aveva una compagna stabile, il contralto Anna Girò. Di composizioni sacre ne scrisse molte meno di quante ce ne aspetteremmo da un prete. Concerti, soprattutto, sfornava a ripetizione, e sonate, e melodrammi. Parecchie sue opere furono concepite per l’Ospedale della Pietà, uno dei quattro orfano-trofi-conservatori veneziani per fanciulle per cui a lungo lavorò. Probabile che la Sinfonia «Al Santo Sepolcro» per archi e basso continuo, databile a dopo il 1730, sia stata offerta a queste ragazze musiciste; di certo in occasione della Pasqua, per suonarsi in chiesa o in un oratorio. Il tortuoso cromatismo che pervade i suoi due movimenti, «Adagio molto» e «Allegro ma poco», dipinge una scena funebre su cui sono calati pesanti drappi neri.

Marchigiano di Jesi, Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) studiò nella capitale della musica dell’epoca, Napoli. Morì prematur-amente di tubercolosi a Pozzuoli, dove su consiglio dei medici si era trasferito con la vana speranza che l’aria del luogo potesse giovargli. L’ultimo anno di vita fu occupato dalla composizione dello Stabat Mater per soprano, contralto, archi e organo – ver-tice della sua produzione insieme alla Serva padrona, intermezzo del 1733, capostipite dell’opera buffa. Piacque molto all’ide-alizzazione romantica dipingere Pergolesi sofferente, sul letto di morte, che si affatica per completare l’estremo capolavoro. La musica per la toccante sequenza attribuita a Jacopone da Todi gliela aveva commissionata la Confraternita dei Cavalieri di San Luigi di Palazzo per sostituire lo Stabat Mater di Alessandro Scarlatti che, essendo stato presente nelle loro celebrazioni pasquali per vent’anni, ormai li aveva stancati. Straziante, dolorosamente austera, scabra per essere le voci rivestite solo dagli archi, la partitura fruttò all’autore dieci ducati anticipati, pur non valendo, secondo Pergolesi, più di «dieci bajocchi». Il testo di Jacopone consta di venti strofe di tre versi ciascuna. Il compositore lo suddivide in dodici sezioni, sette duetti e cinque arie (due del soprano, tre del contralto). Il primo duetto è, a parere di Jean-Jacques Rousseau, grande estimatore di Pergolesi, «il più perfetto e commovente che sia uscito dalla penna d’un musicista». Lo stile severo da chiesa, contrappuntistico e imitativo, viene impiegato solo in due numeri, nel «Fac ut ardeat cor meum» e nell’«Amen» finale. Per il resto la scrittura non si distanzia da quella in uso nel teatro d’opera che aveva massicciamente colonizzato anche la musica sacra.

Il M° Giuseppe Lanzetta durante l’inaugurazione della 33a stagione sinfonica della Midamerican producion alla Carnegey Hall di New York il 13 febbraio 2016.

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Venerdi 22, Sabato 23 e Lunedì 25 Aprileauditorium di santo steFano al Ponte Via Por santa maria (Ponte Vecchio) Fi

ORCHESTRA DA CAMERA FIORENTINACORO HARMONIA CANTATA

direttore GiUSePPe lanZettamaestro del coro raFFaele PUCCiantisoprano Sabrina beSSicontralto PatriZia SCiVolettotenore GiaMPaolo FranConibasso dieGo Colli

lorenZo Fiorentini Tacere Animae - prima escuzione assolutaW.a. moZart Ave VerumW.a. moZart Requiem per soli coro e orchestra KV626 Introitus,Kyrie, Dies irae, Tuba mirum,rex tremendae, Recordare, Confutatis, Lacrimosa, Offertorium, Domine Jesu, Hostias, Sanctus, Benedictus, Agnus Dei, Lux aeterna

SABRINA BESSI nata a Firenze nel 1981, inizia gli studi musicali all’età di otto anni. Nel 2003 con-segue il diploma in pianoforte col massimo dei voti e lode presso l’Istituto pareggiato ‘Franci’ di Siena e nell’a.a. 2004/2005 la laurea in Drammaturgia Musicale presso l’Università degli Studi di Firenze con votazione 110/110 e lode. Come pianista si è perfezionata con P.N. Masi, A. Specchi, M. Damerini, ha vinto concorsi nazionali (2001, ‘’Città di Massa’’, 2003, ‘’Città di Cesenatico’’, …) e si è esibita come pianista solista e con l’orchestra (in collaborazione con il quartetto d’archi ‘Wanderer’, orchestra ‘Nuovi orizzonti musicali’, varie formazioni cameristiche…). Dall’età di diciotto anni studia canto lirico sotto la guida della Professoressa Nadia Sturlese.Successivamente frequenta la classe della Professoressa Anastasia Tomaszewska Schepis e nel 2008 si diploma in canto lirico presso l’Istituto senese ‘’R. Franci’’ col massimo dei voti, lode e menzione d’onore. Nel 2007 inizia la carriera solistica esibendosi presso la chiesa di S. Maria della Scala a Siena e presso il Poggio Imperiale a Firenze in collaborazione con l’ensamble ‘Vocum Concentus’ e in concerti dedicati alla musica barocca. Nel 2008 debutta al ‘Teatro Lirico Sperimentale’ di

Spoleto (Rigoletto) sotto la direzione del M° Carlo Palleschi ottenendo un ottimo successo di pubblico e di critica. Finalista di concorsi internazionali (Premio Segattini, Premio Principessa Trivulzio di Belgioioso), nel 2010 si aggiudica il premio ‘’Beppe Valpreda’’ per miglior cantante lirico al Concorso Internazionale di Asti e vince il ruolo di Tisbe ne la Cenerentola di Rossini al concorso ‘’Città di Pisa-Omaggio a Titta Ruffo’’. Ha inoltre seguito come allieva effettiva il corso di perfezionamento del M° J. Kalmar e M° G. Caoduro, col M° C. Desderi e R. Kabaivanska. Nel 2010 ha lavorato come corista presso il Teatro Regio di Torino. Si è esibita come solista in vari recitals (Teatro Goldoni di Livorno, al Galà lirico di Garda, al Poggio imperiale per Firenze Lirica, Casa Verdi di Milano, Teatro Niccolini, Auditorium al Duomo di Firenze, Villa Roncioni con l’orchestra ‘Cittàlirica’ del festival pucciniano) e ha debuttato i ruoli femminili principali in Barbiere di Siviglia, L’Italiana in Algeri, Cenerentola, Boheme. Nel 2012 ha debuttato al Teatro Goldoni di Livorno, Giglio di Lucca e Verdi di Pisa in collaborazione col progetto LTL nel ruolo di Polly in L’opera da tre soldi di Weill-Brecht sotto la direzione del M° N. Marin.

PATRIZIA SCIVOLETTO VEDI PAG. 11

GIAMPAOLO FRANCONI Diplomato nel 2011 con il massimo dei voti al Conservatorio “G. Verdi” di Milano nel 2011. Ha frequentato corsi di canto con maestri come: Rolando Panerai, G. Casolla, J. Webb, M. Lippi, A. Paloscia.Di arte scenica con: L. Kempp, F. Torrigiani. Ha collaborato con presti-giose orchestre ed enti musicali come: “I Pomeriggi musicali”, la “Nuova polifonica Ambrosiana” e “l’Orchestra da Camera Fiorentina” ed è stato diretto da maestri come G. Lanzetta, H. Unterhofer D. Menicucci, M. Fabbri. Possiede una voce da tenore lirico leggero che gli permette di affronta-re ruoli donizettiani, rossiniani, mozartiani, belliniani. Ha un repertorio che spazia dal barocco al contemporaneo. Nel Teatro Verdi di Casciana Terme è stato il Conte d’Almaviva nel “Barbiere di Siviglia” di G. Rossini e Gherardo nel “Gianni Schicchi” di G. Puccini affiancato da artisti di fama internazionale come Giancarlo Ceccarini, Paola Cigna, Paolo Pecchioli, Patrizia Cigna, Monica Mina-relli. Sarà a Casciana Terme Don Ottavio nel “Don Giovanni” di W. A. Mozart il prossimo dicembre diretto dal M° M. Stefanelli.

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DIEGO COLLI, basso, è nato a Carrara. Si è avvicinato fin da piccolo alla musica studiando col M°Nardo Bergianti, successivamente ha intrapreso lo studio dell’organo da autodidatta. Dal 1995 al 2001 ha studiato canto sotto la guida del tenore Carlo Bergonzi presso “l’Accademia Verdiana” da lui diretta in Busseto (PR) e qui ha preso parte a diversi concerti lirici, tra cui quello svoltosi nel Salone Barezzi e diversi nel Teatro Verdi, sempre a Busseto.Nel Novembre 2003 ha cantato presso la Basilica di Santa Croce in occasione della commemora-zione della strage di Nassirya con la Fanfara dell’Arma dei Carabinieri e, nell’estate 2004, al Sessan-tesimo anniversario dell’eccidio di Fiesole, cantando alla celebrazione religiosa presso la Basilica della stessa città. E’ stato insignito del premio della Regione Toscana quale giovane eccellenza della Provincia di Massa Carrara. Dal 2004 al 2006 ha fatto parte del Coro del Maggio Musicale Fiorentino. Nel Giugno 2010 per il 196° Annuale dell’Arma dei Carabinieri, si è esibito con il Sopra-

no Katia Ricciarelli in un concerto lirico presso il complesso monumentale di S.Maria Novella a Firenze.Vincitore del I° Concorso Carlo Meliciani della città di Arezzo nel ruolo di Colline che ha interpretato nelle recite seguite nel Dicembre - Gennaio 2010-2011 nel Teatro Pietro Aretino di Arezzo. Collabora attivamente col M. Lorenzo Arruga interpretando riedizioni di opere mozartiane. Già applaudito interprete nell’esecuzione del Requiem di Mozart sotto la direzione del M° Lanzetta.

NOTE DI SALAPochi minuti di musica, 46 battute. Breve, anzi brevissimo il mottetto Ave verum corpus di Wolfgang Amadeus Mozart (1756-91). La genesi di questo capolavoro sacro, concepito di getto il 17 giugno 1791, non ha a che vedere con una qualche istanza religiosa o spirituale. All’origine sta invece il desiderio di compiacere un amico: Anton Stoll, direttore di coro parrocchiale a Baden, la cittadina termale frequentata dalla moglie del compositore. Niente di meglio delle parole dello studioso mozartiano Wolfgang Hildesheimer per descrivere il pezzo: «Si tratta di musica grandiosa, testimonianza di infallibile intelligenza drammatica e comprensione della materia, musica che prende vita come sempre dal proprio tema: due pagine ben scritte, senza errori, senza la minima cancellatura; sublime evocazione “sottovoce”».

Nel luglio 1791 Mozart ricevette a sua casa, a Vienna, la visita di uno sconosciuto agghindato in foggia piuttosto tetra che gli commissionò un Requiem con la promessa di pagarglielo profumatamente. Intanto forniva un lauto anticipo (il resto sarebbe stato liquidato a lavoro ultimato) e imponeva la consegna del silenzio sul compito da svolgere. Il tizio era l’intendente del conte Franz von Walsegg zu Stuppach, nobile di provincia dilettante di musica solito a spacciare musica altrui per propria. Il conte intendeva eseguire la partitura mozartiana il 14 febbraio 1792 durante la cerimonia in suffragio della moglie scomparsa prematuramente. Le circostanze e l’oggetto della commissione, insieme al fatto che il compositore sarebbe morto di lì a poco, non potevano che creare intorno al Requiem un’aura di lugubre mistero che si è propagata fino a tempi recenti anche grazie a una serie di testimonianze coeve che sottolineano come Mozart medesimo fosse consapevole di star preparando la propria messa funebre. La composizione procedette a rilento, perché in quei mesi le urgenze maggiori erano La clemenza di Tito e Il flauto magico. Al Requiem poté dedicarsi quasi a tempo pieno da ottobre. Però il 18 novembre, nel corso di una riunione alla loggia massonica cui era affiliato, Mozart si sentì male. Da allora fino al giorno del decesso, il 5 dicembre, dovette rimanere a letto. Il 4, racconta la cognata, «al capezzale di Mozart vi era Süssmayr. Il noto Requiem giaceva sulla coperta e Mozart gli spiegava come, a suo parere, dovesse completarlo dopo la sua morte». Ciò a dimostrazione che la partitura non era ancora compiuta. E dunque, quanto del Requiem che noi oggi ascoltiamo è di paternità mozartiana? La vedova del compositore, Constanze, gliela accreditò integralmente consegnando così a Walsegg, sia pure in ritardo di un anno, a fine 1792, quanto da lui richiesto: il Requiem «di Mozart», che in calce portava addirittura l’autografo falsificato dell’autore. In realtà le attestazioni di autenticità della scaltra vedova miravano solo a riscuotere il compenso pattuito che ovviamente non le sarebbe stato versato se sulle modalità di redazione della partitura lei avesse detto la verità. Comunque l’analisi filologica sui due manoscritti del Requiem pervenutici e le confessioni di Franz Xaver Süssmayr in occasione della pubblicazione riescono a chiarire la questione. Ossia: l’unica pagina firmata per intero da Mozart è l’Introito (e dunque a lui si deve la scelta, poi accolta dagli strumentatori in tutta la partitura, di limitare i legni a 2 fagotti e 2 corni di bassetto). Del Kyrie, della Sequenza (tranne il «Lacrimosa») e dell’Offertorio il compositore lasciò le parti vocali oltre alla linea del basso numerato. Del Lacrimosa scrisse otto battute. L’Agnus Dei fu solo abbozzato. Il resto è dell’allievo Süssmayr, compresa l’orchestrazione cui collaborarono anche altri dell’entourage mozartiano, come Joseph Eybler e Franz Jakob Freystädtler.

L’Introito è stilisticamente poliedrico: comincia con quello che è stato definito uno «spettrale coro di morti» contrappuntistico sulle parole «Requiem aeternam», prosegue con il declamato drammatico su «Et lux perpetua» e con possenti richiami bachiani su «Te decet hymnus», termina con la contrapposizione antifonale tra il gruppo di viole, fagotti, bassi e quello dei violini su «Exaudi orationem meam». Il Kyrie si sviluppa come una doppia fuga dalla forte carica ritmica e cromatica, fondendo le sezioni del testo liturgico (Kyrie I, Christe, Kyrie II) in un unico arco formale. La Sequenza si articola in sei episodi contrastanti che trascorrono dal tellurico «Dies irae» al fiacco sviluppo del «Lacrimosa» opera di Süssmayr, passando attraverso il suggestivo «Tuba mirum» (l’idea di affidare un assolo al trombone sarà farina del sacco di Süssmayr o suggerimento mozartiano?), i barocchismi del «Rex tremendae», l’anelito al trascendente del «Recordare», la drammatica contrapposizione tra dannati e beati emergente dal «Confutatis». In ossequio alla tradizione, l’Offertorio è suddiviso in due sezioni: il «Domine Jesu Christe» dal quale, quasi senza avvedersene, prende forma la fuga «Quam olim Abrahae»; e il lirismo del versus «Hostias et preces» dopo cui viene ripresa la fuga. Il Requiem si conclude con due pagine piuttosto deboli (Sanctus-Benedictus e Agnus) e con il Communio che riutilizza pari pari la musica di Introito e Kyrie.

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Orchestra da Camera Fiorentina, Coro Harmonia Cantata nell’esecuzione del Requiem di Cherubini 2011 diretto da Giuseppe Lanzettta

Concerto nella Chiesa di Orsanmichele

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Conferimento del premio “una vita per la musica” 30 marzo 2010 nei 30 anni di carriera, consegnano il premio il direttore generale della banca CR Firenze, Intesa S. Paolo dott. Luciano Nebbia e il direttore del Teatro della Pergola dott. Riccardo Ventrella.

Auditorium di Santo Stefano al Ponte

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Concerti dell’Orchestra da Camera Fiorentina nell’Auditorium Ridolfi di Banca CR Firenze, via Carlo Magno, Firenze.

Il M° Giuseppe Lanzetta con Roberto Benigni in un concerto al Piazzale Michelangelo (1998)

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Sabato 30 AprilePalaZZo Vecchio - salone dei 500 - FirenZe

Domenica 1 e Lunedì 2 Maggiomuseo di orsanmichele Via calzaiuoli FirenZe


direttore Mario rUFFiniPianoforte Pietro riGaCCioboe daVide GUerrieri

m. ruFFini / J.s. bach Canone n. 13 per d’archiJ.s. bach / m. ruFFini Concerto per oboe, pianoforte e archi in Re minore BWV 1059 - prima esecuzione assoluta Allegro, Aria, Presto

Concerto Brandeburghese N. 3 in Sol maggiore BWV 1048 Allegro, Andante, Allegro assai

Concerto per pianoforte e archi in Re minore BWV 1059 Allegro, Andante, Allegro

PIETRO RIGACCI nato a Firenze nel 1954, consegue allo stesso tempo, con la massima votazione e la lode, i diplomi di Pianoforte sotto la guida di Maria Tipo e Composizione con Carlo Prosperi presso il Conservatorio “Cherubini” di Firenze, ottenendo all’età di 23 anni, la cattedra di Composizione presso l’Istituto Musicale “Boccherini” di Lucca. Con il 1° premio al Concorso internazionale “Pozzoli” nel 1977, ed i premi ai concorsi di “Lisbona”, “Clara Haskil” e “Dino Ciani”, ha cominciato una brillante carriera pianistica, suonando nei più importanti teatri italiani e all’estero, tra cui: Teatro Comunale di Firenze, Teatro Regio di Torino, Teatro Sistina di Roma, Teatro Comunale di Bologna, Festival di Stresa, BBC Concert Hall, Queen Elizabeth Hall a London, Salle Gaveau a Paris, Accademia Sibelius a Helsinki, Orchestra della Toscana, Orchestra Sinfonica Siciliana, Orchestra Academy of London Mozarteum, Orchestra della Radio Svizzera Italiana a

MARIO RUFFINI musicologo, direttore d’orchestra e compositore, vive dal 1975 a Firenze, dove ha compiuto gli studi musicali presso il Conservatorio Cherubini (Composizione, Pianoforte, Musica corale e direzione di coro), la Scuola di Musica di Fiesole (Direzione d’orchestra) e quelli universitari all’Università degli Studi di Firenze e Bologna (Lettere e Filosofia). Dal 1978 è docente in Conservatorio, attualmente al “Martini” di Bologna. Dal 1990 al 1995 è stato Direttore al Teatro Nazionale di Opera e Balletto “M.P. Musorgskij” di San Pietroburgo; dal 2002 Responsabile scientifico dei “Progetti di Musica e Arti figurative” associati al Kunsthistorisches Institut in Florenz – Max-Planck-Institut; dal 2005 Responsabile scientifico del Fondo Carlo Prosperi presso l’Archivio Contemporaneo “Alessandro Bonsanti” del Gabinetto G.P. Vieusseux; dal 2012 Direttore artistico del Festival Orchestre Giovanili/FOG. Nel 2012 è stato nominato Accademico d’Onore dall’Accademia delle Arti del Disegno per i suoi studi su Musica e Arti figurative, primo musicista dal 1860 a far parte della storica Accademia fondata

a Firenze nel 1563 da Cosimo I de’ Medici su suggerimento di Giorgio Vasari. I suoi studi vertono principalmente su Luigi Dallapiccola, su Johann Sebastian Bach. Dal 2012 si occupa da volontario della musica nelle carceri, e ha fondato e dirige la “Scuola di Musica di Sollicciano”. E autore testi musicologici e storico artistici, fra cui L’opera di Luigi Dallapiccola. Catalogo Ragionato (Suvini Zerboni 2002), Il teatro musicale in Italia (Passigli 2007), Mozart (Marsilio 2007); Musica e Arti figurative. Rinascimento e Novecento (Marsilio 2007); Studi sull’Ulisse di Luigi Dallapiccola (Suvini Zerboni 2008), Carlo Prosperi (Polistampa 2008), La Grande Madre (Silvana Editoriale 2010), Giovanni Colacicchi (Polistampa 2014), Luigi Dallapiccola e le Arti figurative (Marsilio 2016). Quanto a Bach, ha ideato nel 2012 il World Bach-Fest, realizzato con Ramin Bahrami; ha riportato nel 2013 per la prima volta in epoca moderna L’Arte della fuga BWV 1080 nella versione integrale per orchestra d’archi e coro misto, con il corale Vor deinen Thron tret ich hiermit BWV 668a; ha eseguito per la prima volta in epoca moderna la Messa in Si minore BWV 232 nel contesto liturgico con i complessi del Maggio Musicale Fiorentino; ha ideato il Bach in Black nel 2015, nel quale ha realizzato la prima esecuzione integrale notturna del Clavicembalo ben temperato con gli studenti di sei Conservatori italiani. Ha fondato insieme al Cardinale Giuseppe Betori l’Associazione Onlus “La Pasqua di Bach”, che si occupa di musica e liturgia, musica e carceri. Ha realizzato nel 2015 con Massimiliano Damerini e Monica Leone l’integrale degli otto Concerti per pianoforte e orchestra BWV 1052-1059. il È autore del volume J.S. Bach. Lo specchio di Dio e il segreto dell’immagine riflessa (Polistampa 2012). Ha composto una versione per voce recitante e orchestra da camera del finale della Matthäus Passion BWV 244; ha composto una Variazione per orchestra d’archi del Canone n. 13 dai Canon triplex à 6 BWV 1087. Presenta in questo concerto, in prima mondiale, la ricostruzione del Concerto per pianoforte e orchestra BWV 1059, appena edita dalla Suvini Zerboni di Milano.

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Lugano, Colorado Symphony Orchestra a Denver (USA), oltre a concerti a Chicago, San Diego, Philadelphia, Oslo, Stockholm, Dublin, Milano, Bergamo, Brescia, Torino, Roma, Firenze, Bologna, Verona, Padova, Trento, Palermo, Bari, Lecce, L’Aquila, Pisa, Lucca, Livorno. A soli 22 anni Pietro Rigacci è stato chiamato dal Maggio Musicale Fiorentino a sostenere la parte di “piano solista” nella prima mondiale di Luciano Berio: Opera, che lo ha personalmente successivamente invitato a suonare sia nel suo secondo lavoro teatrale La vera Storia (Teatro alla Scala), che alla registrazione televisiva dell’integrale delle Sequenze (1982). Ha inciso un CD con musiche di Schumann per la casa discografica Foné, registrato per diverse emittenti radiotelevisive europee, tra le quali ben nove recitals alla BBC, tre registrazioni presso la RTSI a Lugano, oltre a concerti live trasmessi in diretta alla RAI, alla Radio Suisse Romand, che alla Televisione Francese. Pianista dal repertorio vastissimo, da Mozart a Debussy, da Chopin a Prokofiev, è uno dei più autorevoli specialisti di Scriabin, e anche un appassionato interprete della musica di J.S. Bach (molto visualizzati sul web i video in cui suona i Concerti di Bach). Attualmente sta effettuando l’esecuzione integrale, in ordine cronologico, delle 32 Sonate di Beethoven, alle quali fa precedere una accurata presentazione nella quale illustra le peculiarità della tecnica compositiva ed estetica beethoveniana. Da sempre unisce alla carriera pianistica anche quella compositiva, che include, oltre alle opere liriche Sogno di una notte di mezza estate e Magiche Rime Arcane, anche lavori orchestrali e cameristici. Oltre 100 registrazioni video live dei suoi concerti sono visibili sul canale Youtube: pietro rigacci live concerts.

NOTE DI SALAIl Canone n. 13 nasce due anni fa da un progetto del Festival «Magie barocche» di Catania. Per quell’occasione a quattordici compositori fu assegnato il compito di rileggere in chiave contemporanea gli altrettanti canoni enigmatici composti da Johann Sebastian Bach (1685-1750) utilizzando le prime otto note fondamentali del basso dell’aria iniziale delle sue Variazioni Goldberg per tastiera. I compositori erano Daniel Seel, Marina Leonardi, Andrea Ferrante, Roberto Carnevale, Samuel Adler, Luigi Manfrin, Edward Applebaum, Marco Betta, Paul Moravec, Donato Di Pasquale, Massimiliano Damerini, Alessandro Solbiati, Mario Ruffini e Ruggero Laganà. Racconta Ruffini: “Essendo il tredicesimo canone quello riportato anche nel celeberrimo ritratto di Bach fatto da Hausmann, ed avendo Antonio Marcellino, direttore del festival, letto il mio volume su Bach, hanno pensato di affidarmi appunto quel Canone. Che io ho sviluppato nel doppio registro di una fedeltà – o riconoscibilità – al Canone originale, e altresì di una fedeltà ai grandi figli dodecafonici di Bach. Da queste premesse ho composto il piccolo brano bachiano con la scelta di utilizzare i tredici archi che avevo a disposizione tutti come solisti, e dunque la mia si configura come una variazione severamen-te canonica a tredici voci, condotte col sistema dodecafonico».

Nel 1721 Bach inviava a Christian Ludwig, margravio del Brandeburgo, i suoi sei Concerts avec plusieurs instruments, oggi noti come Concerti brandeburghesi. La raccolta ha una fisionomia unitaria, anche se i concerti sono stati concepiti in tempi diversi. A prima del 1717 risalgono il primo, il terzo e il sesto che nella struttura mostrano evidenti influenze dei modelli concertistici ita-liani e un trattamento più tradizionale degli strumenti. Del Concerto n. 3, eccezionalmente in due movimenti – il tempo lento è miniaturizzato nell’«Adagio» di una battuta in coda al primo movimento – sono protagonisti gli archi. Tre gruppi timbricamente omogenei (3 violini, 3 viole, 3 violoncelli sorretti, secondo prassi, dal basso continuo) tengono le redini di un discorso musicale vivace, concitato, all’interno di una architettura compatta. Nel primo movimento ciascun gruppo si profila come un blocco ben squadrato che con gli altri può trovarsi in contrasto o instaurare un dialogo imitativo in eco. Anche il secondo movimento, un «Allegro» bipartito di maggior spolvero virtuosistico, precede perlopiù come il precedente, con i vari gruppi strumentali e le diverse melodiche che si ripetono a distanza ravvicinata, rincorrendosi.

Dal 1723 alla morte Bach visse a Lispia. In quegli anni, oltre che alla musica sacra che doveva comporre per la Chiesa di S. Tomma-so di cui era maestro di cappella, si dedicò pure all’intrattenimento mondano, producendo partiture per il Collegium Musicum studentesco che dirigeva. Fondato da Georg Philipp Telemann, il gruppo semi-amatoriale si esibiva al Caffè Zimmermann dilet-tando l’uditorio di avventori con composizioni alla moda. Per queste occasioni Bach scrisse parecchio. Specie Concerti, perlopiù rielaborazioni di pezzi propri o altrui in stile italiano. E’ il caso dei sette superstiti per clavicembalo e archi (sempre più spesso, oggi, affidati a pianisti) che costituiscono il primo tentativo di utilizzare da solista uno strumento a tastiera entro un contesto orchestrale. Quando non c’era Bach stesso alla tastiera, vi si sedeva qualche allievo dotato, oppure i figli Wilhelm Friedemann o Carl Philipp. Modello formale per queste composizioni sono i Concerti violinistici di Antonio Vivaldi in tre movimenti, alle-gro-adagio-allegro, con i tempi estremi nella forma «a ritornello», ossia con il ritorno in orchestra di una stessa idea melodica inframezzata da interventi diversi del solista (a b a c a d.... a), mentre il tempo lento è liberamente meditativo. Il Concerto in sol minore BWV 1052 deriva da un perduto Concerto per violino che alcuni studiosi dicono essere stato, invece, per viola d’amore o viola da gamba; altri addirittura ne attribuiscono la paternità a qualche maestro italiano. Comunque sia, in seguito Bach ne rici-clerà gran parte in due Cantate. Del Concerto BWV 1059, giuntoci frammentario, ha compiuto la ricostruzione Ruffini. Che spie-ga: «Ho preso spunto dal fatto che un numero ormai molto alto di esecutori/compositori dal 1950 circa si appassiona intorno a questo frammento di Concerto. Un Concerto che proviene certamente dalla Cantata 35. Mentre il primo e terzo movimento vengono generalmente ripresi da quella Cantata, il secondo vede invece molte varianti. Alcuni interpreti fanno cadenze libere (Leonhardt), altri utilizzano l’adagio del Concerto BWV 1056, e altri ancora una parte della stessa Cantata 35, ma non sempre la stessa. Cosicché c’è davvero un coacervo ampio di proposte. La confusione si genera però dal fatto che coloro che hanno ricostruito il Concerto, quasi sempre lo hanno fatto in forma privata, a fini esecutivi personali appunto, anche se tali esecuzioni in alcuni casi sono addirittura incise in cd o comunque su YouTube. Da tale stato di cose ho deciso di fare una ricostruzione “ragionata” e di pubblicarla con l’editore Suvini Zerboni, così da mettere un punto fermo, e anche dare a un vasto numero di esecutori – che magari non ha gli strumenti per una ricostruzione – la possibilità di eseguire questo bellissimo Concerto».

DAVIDE GUERRIERI vedi pag. 21

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direttore GianCarlo de lorenZooboe daVide GUerrieri Gabriele PalMeri

a. benedetti Disco G - prima esecuzione assolutaa.ViValdi Concerto per due oboi e archi

Largo, Allegro, Largo, Allegro molto

a. albinoni Concerto per due oboi e archi Op.9 n°9 Allegro, Adagio non troppo, Allegro

J.s.bach Concerto per oboe e archi in Fa maggiore Oboe: Davide Guerrieri Allegro, Largo, Allegro

a. dVorak Serenata per archi in Mi Maggiore op.22 Moderato, Tempo di Valse, Scherzo: Vivace, Larghetto, Finale: Allegro vivace

GIANCARLO DE LORENZO Nato nel 1959, ha compiuto i suoi studi presso il Conser-vatorio di Musica di Brescia, diplomandosi con ottimi voti in Organo e Composizione organistica sotto la guida del maestro Franco Castelli. Dopo avere conseguito il diploma di Maturità Classica ha proseguito i suoi studi alla facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università di Bologna, presso il D.A.M.S. nella sezione Musica. Ha studiato inoltre composizione e direzione d’orchestra con il maestro G. Cataldo. Direttore stabile dal 1992 dell’Orchestra Vox Auræ di Brescia, nel 2003 gli viene affidata la carica di Direttore Artistico e Diretto-re Principale dell’Orchestra del Teatro Olimpico di Vicenza, carica che tutt’ora ricopre. Con questa orchestra, nel corso degli anni, ha effettuato numerosissimi concerti in Italia ed all’estero. Ha collaborato inoltre con grandi solisti quali L.G. Uriol, M. Fornaciari, A. Bacchetti, S. Krylov, F. Manara, A. Persichilli, P. Hommage, E. Klein, G. Costa, U. Clerici, B. Engerer, P. Entremont, M. Rudy, E. Virsaladze, S. Mintz, U. Ughi, Mischa Maisky e molti altri, sempre con ampio consenso di pubblico e di critica. Ha diretto in più occasioni

varie orchestre italiane ed estere quali: Orchestra Sinfonica di Sanremo, I Solisti di Perugia, Orchestra di Padova e del Veneto, “I Pomeriggi Musicali” di Milano, Orchestra Filarmonica Italiana, Orchestra Sinfonica Abruzzese, Orchestra Europa Philarmonie di Magdeburgo, “Mainzer Kammerorchester” di Mainz, Orchestra da Camera di Istanbul, Orchestra Sinfonica di Wroclaw (Polonia), Orchestra da camera Fiorentina,Orchestra Sinfonica di Kiev, Orchestra dell’Ermitage di S. Pietroburgo, la Helsinki Baroque Ensem-ble, Orchestra Filarmonica di Torino, I Virtuosi Italiani, la “Riverside Synphonie Orchestra” (New Jersey), Orchestra Philarmonie der Nationen nel Festival der Nationen, Orquesta Sinfonica del Estado de Mèxico, Orchestra Sinfonica do Teatro Nacional de Brasília, Orquestra Clássica da Madeira, Orchestra Sinfônica di Cipro, Orchestra Sinfônica di Extremadura, Orchestra Sinfônica di Maracaíbo, Orchestra Sinfônica di Manaus, Orchestra Metropolitana di Lisbona, Sinfonia Toronto. Ha inoltre diretto le prestigiose orchestre Philarmonisches Kammerorchester Munchen e London Mozart Players con le quali nel 2008 e 2009 ha effettuato in Europa una serie di concerti. Nel 2009 ha diretto l’Orchestra Sinfonica Abruzzese al Teatro Alla Scala di Milano, con grande successo di pubblico e di critica, in un concerto dedicato alla ricostruzione del Teatro Comunale dell’Aquila. Con lo stesso progetto nell’Aprile 2010 è stato ospite dell’Accademia Nazionale S. Cecilia al Parco della Musica di Roma. Con la Sinfonica Abruzzese ed il clarinettista Fabrizio Meloni ha registrato un CD che è stato pubblicato nel mese di Novembre 2009 dalla rivista “Amadeus”. Nel campo operistico ha diretto varie produzioni tra le quali, per il grande successo ottenuto ,si ricor-dano ”Le Nozze di Figaro” di W.A. Mozart, il “Rigoletto” di G. Verdi e “la Serva Padrona” di G.B. Pergolesi, “Il Signor Bruschino” di G. Rossini. Da molti anni viene regolarmente invitato in Spagna a dirigere varie orchestre. Nell’Ottobre del 2005 ha diretto l’Orchestra del Teatro Olimpico di Vicenza alla Barge Music di New York dove è ritornato nel Marzo 2006 per dirigere nella prestigiosa Carnegie Hall. Nel Marzo 2008 ha diretto nuovamente alla Barge Music e al St. Clement’s Theatre di New York. Per la Casa Discografica Agorà di Milano ha registrato, alla guida dell’Orchestra Vox Aurae, l’integrale delle Sinfonie per archi di F. Durante, il primo volume di autori italiani del Novecento che hanno scritto in stile Barocco, le Sinfonie per archi di J. Myslivecek, l’integrale delle Sinfonie per archi di F.L. Gassman, ed un CD dedicato ai concerti per pianoforte e orchestra di W.A.Mozart. E’ Direttore Artistico delle stagioni musicali “Concerti per una Stagione”, “Preludi d’Estate” di Brescia, della Stagione Sinfonica del Teatro Comunale di Vicenza e del “Suono dell’Olimpico”, Festival di musica sinfonica che si svolge all’interno del bellissimo “Teatro Olimpico di Vicenza”. Recentemente nominato Direttore Artistico e Musicale dell’Orchestra Sinfonica di San Remo.

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DAVIDE GUERRIERI si è diplomato in Oboe presso il Conservatorio ‘’Luigi Cherubini’’ di Firenze sotto la guida del M” P. Lori . Nel 2001 ha conseguito il Diploma di perfeziona-mento presso il Conservatorio Superiore della Svizzera Italiana di Lugano con il M° Hans Elhorst .Ha frequentato inoltre il corso triennale di oboe tenuto dal M° T. Jndermuhle presso la Scuola di Musica di Fiesole . Ha partecipato a masterclass con i maestri: M. Bourgue, J. Goritzki, J .Tys, H. Schellenberger, P. Pollaostri e G. De Angelis e ha frequen-tato i corsi di musica da camera e contemporanea con i M° Pollastri, Ancillotti e Porta. Dal 2005 al 2008 è stato primo oboe dell’Orchestra Cherubini, fondata e diretta dal M° Riccardo Muti. Oltre ad aver suonato in Stati Uniti, Russia, Malesia, Thailandia, Korea, Vietnam, Filippine, Taiwan, Brunei, India, Francia, Svizzera, Spagna, Germania, Slovenia, Croazia, Egitto, Malta, Canarie, collabora regolarmente in qualità di primo oboe con: Or-chestra i Pomeriggi Musicali di Milano, Orchestra Haydn di Bolzano e Trento, Orchestra Regionale Toscana, Orchestra sinfonica di Sanremo, Orchestra Verdi di Milano, Orchestra Filharmonija Slovena, Orchestra da Camera di Milano, Orchestra sinfonica di Pesaro, Or-chestra da Camera di Brescia, I Virtuosi ltaliani, Orchestra da Camera Fiorentina, Contem-poranensemble... Collabora inoltre con: Accademia Nazionale di Santa Cecilia, Orchestra

sinfonica A. Toscanini, Orchestra Haydn di Bolzano e Trento, Orchestra Regionale Toscana, Sinfonieorchester Engadin, Orche-stra del Teatro Regio di Parma, Ensemble Nuovo Contrappunto, Orchestra Giovanile ltaliana. Ha suonato sotto la direzione di importanti Direttori: Muti, Abbado, Giulni, Kuhn, Rilling, Marshall, Gatti, Andrae, Hollinger, Lu Jia., Axelrod, Gelmetti, Miche-langeli, Bellugi, Sokhiev. Alessandrini, Lanzetta, Renzetti, Rovaris, Curtis, Tamayo, Handt. Si è esibito in vari Teatri e per molte Associazioni: Palau de la Musica di Valentia, Teatro alla Scala, Società del Quartetto di Milano, Teatro Comunale di Firenze, Teatro della Pergola di Firenze, Teatro Verdi e Teatro Go1doni di Firenze, Gewandhaus di Lipsia, Teatro Stanislavskij di Mosca, Teatro Mariinskij di San Pietroburgo, Fondazione Gustav Mahler, Tonhalle di Zurigo, Auditorium Renzo Piano di Roma, Teatro Comunale di Modena, Teatro San Carlo di Napoli, Teatro Regio di Parma, Radio della Svizzera ltaliana di Lugano, Accademia Ducale di Genova, Lingotto di Torino, Ravenna Festival.

GABRIELE PALMERI nasce a Caltanissetta il 14 aprile del 1997, inizia lo studio dell’oboe all’età di nove anni presso l’Istituto Superiore di Studi Musicali “Vin-cenzo Bellini” di Caltanissetta, diplomandosi nel giugno 2013 con il massimo dei voti, la lode e la menzione d’onore sotto la guida del padre Angelo (Docente di Oboe presso l’Istituto Superiore di Studi Musicali di Caltanissetta e già Pro-fessore d’orchestra Oboista presso il Teatro Massimo “V. Bellini” di Catania), che attualmente ne segue la formazione. Nonostante la sua giovane età ha al suo attivo diversi concerti e numerose affermazioni in prestigiosi concorsi nazion-ali e internazionali: 1° Premio al 2° Concorso Internazionale per Giovani Obo-isti “Luca Figaroli”, inserito nel Premio Ferlendis - Città di Adrara San Martino (Bergamo); 1° Premio Assoluto al 3° Concorso Musicale Città di Firenze - Premio

Crescendo; 1° Premio alla XX edizione del Concorso Internazionale ANEMOS di Roma; 1° Premio Assoluto con punti 100/100 al 13° e 14° Concorso Nazionale Giovani Talenti di Barcellona Pozzo di Gotto (ME); 1° Premio al 6° e 7° Concorso Internazionale per Giovani Musicisti - Associazione Diapason di Canicatti (AG); 1° Premio al 16° al 17° e al 18° Concorso Nazionale Giovani Musicisti organizzato dall’ Associazione Amici della Musica “B. Albanese” di Caccamo (PA); 1° Premio al 1° Concorso Nazionale “Musical Museo” sezione Giovani Talenti organizzato a Caltanissetta e Primo Premio Assoluto al 2° Concorso; 2° Premio al Concorso Oboistico Internazionale di Chieri (TO); 2° Premio al Concorso “Porta le tue note sul palco” organizzato dal Rotary Club Sicilia e Malta; 1° Premio Assoluto al Concorso Nazionale Musicale “Salvatore Gioia” di Villarosa (EN); 1° Premio al Concorso per Giovani Esecutori “Eliodoro Sollima” - Enna; 1° Premio Assoluto al 2° e 3° Concorso Nazionale di Musica “Amigdale” - Viagrande (CT); 1° Premio al Concorso Nazionale Serradifalco Città della Musica (CL); 1° Premio Assoluto al Concorso Rahal di Racalmuto (AG); 1° Premio al Concorso “Non c’è sviluppo senza legalità” per una composizione musicale.Dal 2012 suona in duo con Il pianista Vincenzo Indovino con il quale ha già eseguito numerosi concertie vinto il 1° premio assoluto al 3° Concorso Nazionale di Mu-sica Amigdale Viagrande (CT) categoria Musica da camera, il 1° premio al 18° Concorso Nazionale Giovani Musicisti organizzato dall’Associazione Amici della Musica “B. Albanese” di Caccamo (Pa) categoria Musica da Camera, il primo premio e premio spe-ciale Placido Mandanici al 16º concorso musicale nazionale di musica da Camera città di Barcellona Pozzo di Gotto, il 1º premio assoluto alla quinta edizione del Concorso Eliodoro Sollima. Ha conseguito l’idoneità presso l’Orchestra dell’Accademia Teatro alla Scala di Milano, della quale fa parte e con la quale si è già esibito nell’omonimo Teatro, ricoprendo il ruolo di Primo e di Secondo Oboe e Corno Inglese. Ha inoltre partecipato a numerose Masterclasses oboistiche e per orchestra, perfezionandosi con i Maestri: M. Bougue, C. Hartmann, P. Grazia, P. Pollastri, L. Vignali, O. Zoboli, Massimiliano Damerini. Parallelamente agli studi musicali frequenta il Liceo Scientifico A. Volta di Caltanissetta. Ha partecipato alla trasmissione televisiva di Canale 5 “TU SI QUE VALES” riscuotendo unanimi consensi di pubblico e critica e classificandosi al 2° Posto.

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NOTE DI SALAAndrea Benedetti, classe 1985, studia prima pianoforte, poi composizione con Andrea Portera. Nel 2008 vince il secondo premio al con-corso «Rosolino Toscano» con Arachne per cembalo. Nel 2015 si aggiudica il primo premio sezione cameristica al concorso «A. Rendano» di Cosenza (Ivan Fedele presidente di giuria) con Las meninas per flauto, clarinetto e vibrafono. Nell’estate 2015 vince il primo premio assoluto al concorso per coro intitolato a Ennio Morricone (il Maestro presidente di giuria) con X Gioco. Le sue composizioni sono edite da Sconfinarte. A proposito del pezzo odierno, Benedetti scrive: «Disco G è l’ambiente, la vita, le verità amabili e non degli ambienti tunzet-tari. La discoteca è quel posto dove tutto confluisce, si mescola senza timore, senza riserve, tutto si consuma nel corso di un respiro, uno sguardo, una carezza, un tutto. E’ forse, questo, il primo vero pezzo a tematica LGBT che mai sia esistito. E’ una creazione che porta con se il “rainbow” che tutto può unire: un mondo a colori è sicuramente migliore».

Benché comunemente il suo nome si consideri legato soprattutto al violino, il veneziano Antonio Vivaldi (1678-1741) ha scritto parecchio anche per strumenti a fiato. Di suoi Concerti per due oboi e archi se ne contano tre, che si sviluppano con la stessa grazia, la naturalezza e il gusto coloristico di quelli violinistici. Si tratta probabilmente di composizioni concepite per le «putte» musicanti dell’Ospedale della Pietà dove Vivaldi insegnava, oppure per l’intrattenimento aristocratico in qualche palazzo veneziano o europeo – perché non va dimenticato che alla sua epoca il compositore era celebre in tutta Europa e in relazione con un gran numero di sovrani.

Nobile musicista dilettante della Serenissima la cui produzione ottenne risonanza anche al di là delle Alpi grazie alla felice ispirazione melodica e all’accessibilità tecnica, Tomaso Albinoni (1671-1750) è ricordato come autore di una cinquantina di melodrammi, in gran parte oggi perduti, e di parecchia musica strumentale comprendente dieci raccolte stampate dai più prestigiosi tipografi europei dell’epoca. As-sieme a Vivaldi e ai fratelli Marcello contribuì in maniera determinante alla grande fioritura veneziana del Concerto settecentesco. Anzi fu proprio lui a darle inizio, nell’anno 1700, con le Sinfonie e Concerti a 5 op. II. Notevole interesse dimostrò Albinoni per il violino solista ma soprattutto per l’oboe, giunto in Italia dalla Francia sul finire del XVII secolo. Tra i suoi Concerti editi, otto richiedono due oboi protagonisti.

Johann Sebastian Bach (1685-1750) si ispirò ai compositori italiani per i suoi Concerti, suddivisi in tre tempi, allegro-adagio-allegro, secondo il modello vivaldiano. Il Concerto in fa maggiore per oboe e archi BWV 1053 in realtà non esiste più. Il tempo se lo è portato via. Ciò che ascoltiamo stasera è una ricostruzione moderna. Per realizzarla i musicologi si sono basati sulla versione con cembalo solista che Bach ap-prontò nel 1739 per venir suonata dinanzi ai clienti del Caffè Zimmermann a Lipsia, dove lui dirige un’orchestra amatoriale. Ciascun dei suoi tre tempi esiste anche in altre forme. D’altronde l’autoimprestito era prassi comune all’epoca, e anche Bach lo praticava. Dunque il primo e il secondo tempo si trovano nella Cantata n. 169, l’ultimo nella n. 49. Entrambe le Cantate datano al 1726.

Antonín Dvořák (1841-1904) impiegò undici giorni a scrivere la Serenata op. 22. Era il 1875, periodo d’oro per il compositore cèco: alle atte-stazioni di stima che arrivavano dal pubblico in patria si sarebbero presto unite quelle di due personalità temibili, influenti e non certo tene-re nei giudizi come Johannes Brahms e il critico musicale viennese Eduard Hanslick. Prese le distanze dalla giovanile infatuazione wagneria-na, adesso Dvořák si ricollegava idealmente alla tradizione del classicismo viennese e di Schubert. La stessa op. 22 si ispira al clima delle se-renate settecentesche, non rinunciando però ad ornare la sua grazia disimpegnata con pennellate discrete di color locale e con un languore melodico che si infiltra pure nell’armonia. La coerenza dell’architettura complessiva è garantita dalla comparsa in quasi tutti i movimenti di uno stesso motivo – che si scoprirà poi essere il tema del «Larghetto». Il primo dei cinque tempi è un «Moderato» in forma di romanza: a un tema intimo e riservato si contrappone, nella sezione centrale, un’idea basata su accordi staccati che approda a un momento di maggior distensione quando il violoncello comincia a cantare un’ampia melodia. Nel Trio del secondo movimento, «Tempo di Valzer», appare per la prima volta, un po’ camuffato, il motivo ricorrente che, nello «Scherzo» successivo, diventa la terza idea tematica. Fulcro espressivo dell’in-tera opera è però il quarto movimento, quel «Larghetto» il cui tema elegiaco abbiamo già ascoltato spesso in precedenza e che risbucherà ancora, per l’ultima volta, a sostituire lo sviluppo nel Finale scintillante, costruzione liberissima che unisce tratti di rondò e forma-sonata.

Il Maestro Giuseppe Lanzetta con Sergej Nakarjakov.

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L’auditorium di S. Stefano al Ponte

Concerto al Bargello

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ALDO DOTTO è nato a Pisa nel 1988. Ha compiuto i suoi studi musicali al conservatorio ‘L. Boc-cherini’ di Lucca, dove ha conseguito il diploma di pianoforte e il biennio di secondo livello in discipline musicali con il massimo dei voti e la lode, oltre al compimento inferiore di composizione. Successivamente ha completato, sotto la guida della pianista Anna Gòrecka, il Master universitario in pianoforte presso la prestigiosa Accademia ‘Szymanowski’ in di Katowice, dove ha avuto la possi-blità di ricevere numerose lezioni da grandi pianisti e didatti come Andrzej Jasinski, Josef Stompel e Wojciech Switala. Preziosi per la sua formazione sono stati gli incontri con il M° Aquiles Delle Vigne presso l’Academia di Musica di Coimbra in Portogallo, dove ha conseguito il diploma di virtuosità. Ha vinto il primo premio nei concorsi nazionali di Massa, Campi Bisenzio e San Giovanni Teatino ed è risultato vincitore del concorso pianistico internazionale ‘Maria Giubilei’ nel 2014, dove ha ottenuto anche un premio speciale per la migliore interpretazione di un brano di Ada Gentile. Fra gli altri riconoscimenti risulta un secondo premio ottenuto al concorso pianistico internazionale ‘Roma2009’ e il terzo premio al concorso internazionale ‘Region de Murcia’, in Spagna nel 2015.

Venerdi 27 Maggiooratorio deGli anGeli custodi lucca - Via degli angeli custodi



direttore e Fagotto solista FranCeSCo boSSonePianoforte aldo dotto

m. belli Un Nudo di Maschera Prima escuzionen assolutaW.a.moZart Concerto Per Pianoforte e Orchestra KV 271 “Jenehomme” Allegro, Larghetto, Allegretto

W.Ferrari Concertino per Fagotto e orchestraW.a.moZart Divertimento in Re magg K 251 Per Oboe due corni e archi Molto Allegro, Minuetto, Andantino, Allegro assai, Marcia alla francese

FRANCESCO BOSSONE Primo Fagotto Solista dell’Orchestra dell’Accademia Nazio-nale di Santa Cecilia dal 1985, collabora nel medesimo ruolo con il Maestro Claudio Abbado nell’Orchestra Mozart e con l’Orchestra da Camera di Mantova. Svolge un’in-tensa attività concertistica in ogni parte del mondo, sia come apprezzato solistache in importanti formazioni cameristiche. Nel 1990 partecipa al concerto che la New York Philarmonic Orchestra organizza alla Carnegie Hall di New York in memoria di Le-onard Bernstein. Invitato da Daniele Gatti a ricoprire il ruolo di Primo Fagotto Soli-sta alla Royal Philarmonic Orchestra di Londra, dal 1996 al 1998 realizza prestigiose produzioni concertistiche e discografiche alla Royal Albert Hall, al Barbican Center e ai BBC Proms di Londra. Nel febbraio 2004 esegue da solista il concerto di Carl Maria von Weber per fagotto e orchestra op. 75 nell’ambito della Stagione Sinfonica 2003/2004 dell’Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia diretta da Myung-Whun Chung. Nel settembre 2004 un’altra partecipazione solistica al K Festival prodot-to dall’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, dove esegue, con l’orchestra ceciliana diretta da Thomas Netopil, il concerto di W. A. Mozart per fagotto ed orchestra K 191.

Vasto è il suo repertorio per fagotto solista e orchestra, che include concerti di J. C. Bach, Boismortier, Danzi, Françaix, Jolivet, Kozeluh, Hummel, W. A. Mozart, Muthel, Rossini, Rolla, Stamitz, Vivaldi, J. C. Vogel, Carl Maria von Weber. Ha collaborato con i più importanti direttori d’orchestra e, in formazioni cameristiche, con artisti di fama internazionale come Michele Campanella, Uto Ughi, Salvatore Accardo, Franco Petracchi, Massimo Quarta, Antony Pay, Giuliano Carmignola, Andrea Lucchesini, Alexander Lonquich, Enrico Dindo, Heinz Holliger ed altri. Si è diplomato giovanissimo presso il Conservatorio di Santa Cecilia con il mas-simo dei votisotto la guida di Marco Costantini. La sua attività didattica lo vede impegnato in numerosi corsi e masterclasses.Dal 1997 al 2000 è stato Docente per i Fiati al Corso di Formazione dell’Orchestra Giovanile dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia. E’ Docente del Corso Annuale di Perfezionamento di Fagotto presso l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia. Svolge anche attività di direttore d’orchestra perfezionandosi come Direttore d’Orchestra Nazionale ed ha seguito i corsi tenuti dal M° Lanzetta.

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Aldo si è esibito in importanti teatri e sale da concerto in tutta Europa. Fra essi la Sala Koncertowa di Katowice, il Teatro‘San Carlos’ a Lisbona, il Solitar del Mozarteum di Salisburgo, la sala Chopin a Siviglia, il teatro Marcello e la Villa Torlonia a Roma, Festival ‘Letnie Koncerty’ dell’Orchestra ‘Sinfonia Varsovia’ a Varsavia. Come solista ha suonato il primo concerto di Chopin con l’orchestra ’Catalani’ diretta dal M° Mauro Fabbri, il concerto KV 466 di Mozart con la Giovane Orchestra d’Abruzzo diretta dal M° Pasquale Veleno. E’ stato inoltre primo pianoforte nella Petite Messe solennelle di Gioacchino Rossini e nei Carmina Burana di Carl Orff, sotto la bacchetta del M° Giampaolo Mazzoli. Durante i concerti ha avuto l’occasione di dividere il palco con rinomati musicisti come il violinista Karol Kaminski, la pianista Aleksandra Swigut, il soprano Katia Ricciarelli, il primo clarinetto basso del Teatro alla Scala, Stefano Cardo. Particolarmente attivo nell’ambito della divulgazione musicale con la proposizione di numerose lezioni- concerto, nel giugno 2015 è stato invitato dall’Istituto italiano di cultura di Varsavia a tenere un concerto e una conferenza sul tema ‘Szymanowski e l’Italia’, nell’ambito di un convegno universitario sullo scambio culturale fra Polonia e Italia.A novembre del 2014 è stato pubblicato il suo primo libro ‘Le Maschere di Karol Szymanowski’ (Edizioni Ets), un saggio dal carattere divulgativo sulla musica e la vita del grande compositore polacco.

NOTE DI SALAMatteo Belli (1987) è direttore di Coro alla Scuola di Musica di Fiesole e collabora come direttore assistente e maestro di sala con diverse Fondazioni liriche italiane. Si è diplomato in pianoforte (2009), direzione di coro (2011) e direzione d’orchestra (2014). Ha avuto esperienze professionali e di perfezionamento in Austria, Germania, Inghilterra e Stati Uniti. Attivo dal 2014 come compositore di musica per pianoforte solo, duo, coro e orchestra, oggi presenta in prima assoluta Nudo di maschere, un lavoro per orchestra dedicato alle figure shakespeariane di Riccardo III e Lady Anna. Nella celebre scena della seduzione (Riccardo III, atto I, scena 2), i due personaggi mettono a nudo le istanze umane più profonde e qui distorte: potere, possesso, protezione, pietà e vanità. Il lavoro non nasce come musica di scena, ma rappresenta il tentativo di creare un percorso musicale che sia un varco dentro i loro tratti interiori, messi a nudo nella loro crudezza ed elementarità.Di padre tedesco e madre veneziana, il colto, raffinato Ermanno Wolf-Ferrari (1876-1948) si sentì perennemente diviso fra Italia e mondo germanico. Nato e morto a Venezia, studiò a Monaco, insegnò al Mozarteum di Salisburgo e su palcoscenici teutonici fece debuttare molti dei suoi lavori. Debitore a Mozart nello stile e, in generale, a un’estetica di matrice settecentesca, il suo nome è legato soprattutto ai melodrammi su soggetti goldoniani tipo I quattro rusteghi e Il campiello. La Suite-Concertino per fagotto, archi e due corni data al 1932, quando in Italia la musica si volgeva al recupero della tradizione strumentale sei-settecentesca. E infatti, qui, il fagotto è riscattato dalla marginalità cui l’aveva relegato il Romanticismo. L’anima della composizione risiede nel pannello d’apertura, «Notturno»: il solista, quasi piegato in rimpianti vaghi e astratti vi srotola un canto lunare sospeso sulla ragnatela setosa degli archi che suonano con la sordina. La «Strimpellata» è simile a un bozzetto pittorico: vi è raffigurato un clima di svago spassoso, una suonata magari all’aria aperta, in un campiello o lungo le calli. Poi viene la «Canzone» con la tenerezza autunnale delle sue linee. Mentre il «Finale», impregnato di languori vespertini al di sotto della superficie smorfiosa e trafelata, parrebbe rappresentare qualcosa di simile a un brulicare di una piazza in un giorno di mercato.

Nel 1777 suonò a Salisburgo la signorina Jeunehomme (o Jenomy), pianista francese allora di gran nome. Per lei Wolfgang Amadeus Mozart (1756-91) compose il Concerto K. 271, un capolavoro. Jeunehomme faceva la concertista di professione ed era oltretutto una virtuosa dello strumento. Perciò non stupisce che la parte pianistica del Concerto richieda al solista un impegno intenso in agilità e forza. La disinvoltura tecnica della dedicataria consentì a Mozart di sbizzarrirsi non solo scrivendo senza limitazioni di sorta per un pianoforte battagliero e vigoroso, ma anche sperimentando un assetto strutturale completamente nuovo. Quel processo di integrazione progressiva fra solista e orchestra, d’irrobustimento dello spessore discorsivo e drammatico congiunto alla ricerca di una maggiore fluidità all’interno delle architetture consuete cominciato nei Concerti per violini di poco precedenti, in questa partitura approda a compimento. Già l’inizio del primo movimento si svincola dalla norma. L’orchestra dovrebbe esporre i due temi principali. Stavolta invece il pianoforte comincia a questionare subito senza lasciarla terminare. Fin dalla seconda battuta. Per due volte. Poi tutto va avanti secondo la regole. Ma prima che l’orchestra finisca la propria esposizione, il pianoforte si rimette in mezzo trillando a più non posso. E’ un trillo propulsivo, di straordinario impeto protagonistico, che si ripresenterà di frequente – e più volte si assisterà pure a incroci spettacolari di mani. Nell’«Andantino» successivo la ricchezza preziosa della melodia vibrante di patetismo e screziata di abbellimenti è intaccata dall’ombrosità dell’accompagnamento e dall’apparizione di cadenze inquiete a mo’ di recitativo operistico. Nel Rondò finale, a metà, si introduce un amabile Minuetto in forma di tema con variazioni: ulteriore, bizzarro imprevisto in una composizione già alquanto eccentrica.

Mozart concepì il Divertimento in re maggiore K. 251 nel 1776 in occasione dell’onomastico (26 luglio) o del venticinquesimo compleanno (30 luglio) della sorella Nannerl. All’epoca il giovane Mozart era un compositore di musica d’intrattenimento assai prolifico e ricercatissimo dall’alta società di Salisburgo. Infatti contemporaneamente a questo lavoro prendono forma altri Divertimenti e Serenate per gli organici e le destinazioni più svariate: per esempio la Serenata K. 250 eseguita in quel medesimo luglio 1776 durante la festa per le nozze di Elise Haffner, figlia del borgomastro. Ma mentre la Haffner-Serenade è costruita in maniera quasi sinfonica per un organico ampio, il Divertimento per la sorella, immediatamente successivo, ha dimensioni più contenute: sei pezzi per quartetto d’archi, oboe e due corni. Le parti sono trattate con cura cameristica e qui, a differenza che in altre Serenate, il violino non domina incontrastato ma divide la ribalta con l’oboe. Il quale, in virtù del suo timbro penetrante e cantabile allo stesso tempo, rende ancor più spiccata l’atmosfera francesizzante di cui sono imbevuti più o meno tutti i pezzi, anche se non mancano rimandi alla tradizione liederistica tedesca.

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DAMIANO TOGNETTI inizia lo studio del violino all’età di sette anni con il M° A.Fornai e si diploma nel 2001 presso l’Istituto Musicale “Boccherini” di Lucca sotto la guida del M°A.Bologni. Dell’orchestra dell’istituto è stato primo violino e solista. Perfezionatosi presso la Scuola di musi-ca di Fiesole ,con il Trio di Milano per la musica da camera e con Giulio Franzetti ed Eugene Sarbu per lo strumento, risulta vincitore in diversi concorsi nazionali.Già membro dell’Orchestra Cherubini di Piacenza diretta da Riccardo Muti,collabora regolar-mente come prima parte in diverse orchestre,tra le quali Orchestra del Teatro Massimo di Pa-lermo,Orchestra da Camera Fiorentina ,Orchestra Regionale dell’Emilia Romagna Fondazione Toscanini,Orchestra di Padova e del Veneto,Orchestra Regionale Veneta. È stato primo violino dell’Orchestra da camera di Venezia. Attualmente è primo violino dell’Orchestra da Camera Fio-rentina.

Sabato 4 Giugnosala luca Giordano PalaZZo medici riccardi - Via cavour, 3 - FirenZe

Domenica 5 e Lunedì 6 Giugnomuseo di orsanmichele Via calzaiuoli FirenZe


direttore Peter tiboriSViolino daMiano toGnetti

a. Gerratana Endymion prima esecuzione assoluta

F.mendelsshon bartoldy Concerto in re Minore par violino e archi Allegro, Andante, Allegro

P.J.tchaykoWsky Serenata per archi in Do Maggiore Adagio- Allegro- Valzer- Elegia- Allegro vivo

PETER TIBORISB di origini greco americane, da oltre 40 anni vanta una carriera internazionale. Di questi, 30 li ha trascorsi a New York City come fondatore e Direttore Artistico di MidAmerica Productions con concerti a Carnegie Hall ,Weill Recital Hall e al Lincoln Center.Il Maestro Tiboris e’ il fondatore della Filarmonica di Manhattan,dell’Elysium Studio Registrazioni nonché’ del Festival dell’Egeo in Grecia.Nel 2013 ha fondato la MidAm International Inc. che si occupa della realizzazione del Festival dell’Egeo e dei concerti a Vienna e a Firenze. Dal 1984 ha presentato più’ di 1200 concerti in giro per il mondo, cinquecento dei quali a Carnagie Hall.Molti di questi concerti sono stati condotti da lui personalmente. E’ inoltre Direttore Musicale della Filarmonica Pan-Europa a Varsavia,Polonia quindi Conduttore Ospite Principale dell’Orchestra da Camera fiorentina. Il suo debutto in Europa e’ stato a Dubrovnik,ex Yugoslavia,nel 1983 con l’Orchestra Sinfonica Radio e Televisione di Mosca in occasione del Festival di Dubrovnik. Il suo

debutto a New York e’ stato invece il 7 gennaio 1984 al Lincoln Center con l’Orchestra Sinfonica americana.Il Maestro ha condotto innumerevoli lavori corali così’ come infinite produzioni sinfoniche.Ha inoltre diretto diverse opere e balletti con prestigiose orchestre come la Filarmonica Reale, la Filarmonica di Londra, la Filomusica di Oxford, l’Orchestra Niedersachsische di Hannover, le Filarmoniche di Praga e Brno, l’Orchestra Opera Nazionale del Cairo,l’Orchestra Sinfonica americana, l’Orchestra Sinfonica Radio e Televisione di Mosca, la Filarmonica di Montreal, l’Orchestra Filarmonica Rishon Le-Zion d’Israele,l’Orchestra del Teatro Regio di Parma, l’Orchestra del Teatro dell’Opera di Roma,l’Orchestra Siciliana di Paler-mo, il Teatro Filarmonica di Verona e l’Orchestra Sinfonica dello Stato del Messico.

CON IL PATROCINIO deLLA

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Premio Galileo 2000 al Maestro Giuseppe Lan-zetta per l’imprenditoria musicale, ediz. 2013

L’Orchestra da Camera Fiorentina....

NOTE DI SALAAndrea Gerratana nasce nel 1990 a Siracusa. Inizia a studiare composizione con Salvatore Sampieri dopo un percorso da auto-didatta, per poi passare sotto la guida di Joe Schittino. Nel 2015 approda nella classe di composizione di Andrea Portera alla Scuola di musica di Fiesole. Nel 2012, il suo brano 5.9 viene selezionato dall’Orchestra dei Mille ed eseguito in un evento di beneficenza in memoria del terremoto dell’Emilia da oltre 700 elementi tra coro ed orchestra. Scrive a proposito di Endymion: «E’ un pezzo che unisce mito e scienza, come già ho fatto con il trio Le Pleiadi. Il mito di Endymion e del suo amore per Selene, la personificazione della Luna, si mescola con lo studio per le fasi lunari e l’essere, questo, il nome di un cratere sul satellite della Terra».Talento precoce non solo in campo musicale, Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809-47) cominciò lo studio della composizione a undici anni con Friedrich Zelter, direttore della Singakademie di Berlino e consigliere musicale di Goethe. Il quale predisse un avvenire luminoso a Mendelssohn, incontrato la prima volta quando il musicista aveva nove anni. Disse infatti di lui: «I doni di fantasia di questo ragazzo, la sua facilità nella lettura a prima vista, hanno qualcosa di prodigioso, e non l’avrei mai creduto pos-sibile in un ragazzo così giovane. Si può confrontare al piccolo Mozart per ciò che ha realizzato: Felix ha il linguaggio di un adulto e non i balbettamenti di un bambino». A tredici anni Mendelssohn scrisse il Concerto in re minore per violino e orchestra la cui partitura è riemersa dall’oblio solo nel dopoguerra; la sua prima esecuzione di deve al grande Yehudi Menuhin. Il movimento d’a-pertura fa tesoro della contemporanea tecnica violinistica italiana e francese di Viotti, Rode, Kreutzer. L’«Andante» ha l’aspetto di una romanza senza parole che preannuncia, in certe inflessioni della melodia, l’altro Concerto per violino di Mendelssohn, quello in mi minore del 1838-44. Il Rondò conclusivo è pagina elegante e fantasiosa, un po’ ammiccante, non particolarmente elaborata sul piano virtuosistico, come del resto l’intero Concerto.

La Serenata per archi in do maggiore op. 48 vide la luce fra il 21 settembre e il 26 ottobre 1880. Petr Il’ic Cajkovskij (1840-93) stava uscendo a fatica da uno dei momenti più tragici della sua vita, quello della brevissima esperienza matrimoniale con l’allieva Antonina Miljukova: una farsa borghese, giacché il compositore era consapevole della propria omosessualità già prima della cerimonia nuziale. Pur richiamandosi a esempi settecenteschi, la Serenata è in realtà impregnata di uno spirito autenticamente russo. Cajkovskij ne scriveva in questo modo: «Il primo tempo deve essere considerato il frutto della mia venerazione per Mozart, ho imitato intenzionalmente il suo stile e potrei dirmi felice se mi fossi accostato anche di poco al modello». Oltre a ciò, comunque, nel primo movimento vi sono almeno due citazioni di canzoni popolari della sua terra. Il secondo movimento, invece, è un valzer all’apparenza semplice, eppure caratterizzato da raffinate asimmetrie. Segue l’«Elegia», pagina di delicata ispi-razione operistica. Il tema russo del finale discende dall’introduzione al primo movimento: introduzione che, ben riconoscibile, si ripresenta al termine della pagina mutandosi in coda brillante.

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Domenica 19 e Lunedì 20 Giugnosala luca Giordano PalaZZo medici riccardi - Via cavour, 3 - FirenZe


direttore GiUSePPe lanZettaFlauto andrea oliVaoboe FranCeSCo di roSa

neri monici Darin core, a BloomingJ.demessermann Fantasia Brillante su Guglielmo Telld.cimarosa Concerto per flauto oboe e orchestra Allegro spiritoso, Largo, Allegretto

W.a.moZart Sinfonia N°28 in Do magg K 200 Allegro, Andante, Menuetto e Trio, Allegro

ANDREA OLIVA è uno dei migliori flautisti della sua generazione, una stella brillante nel mondo del flauto”: cosí Sir James Galway definisce Andrea Oliva, Primo flauto solista dell’ Orchestra dell’Accademia Nazionale di S. Cecilia di Roma, ruolo che ricopre dal 2003. Nato a Modena nel 1977, si diploma col massi-mo dei voti in soli cinque anni all’ Istituto Musicale “Vecchi-Tonelli” di Modena sotto la guida di G. Betti, perfezionandosi poi con C. Montafia, G. Cambursano, J.C. Gérard e Sir J. Galway ed iniziando subito una brillante carriera. Fra i numerosi premi vinti nei più importanti concorsi flautistici internazionali spiccano il primo premio al Concorso Internazionale di Kobe (2005, primo italiano ad aver ottenuto tale riconos-cimento) ed il terzo premio al Concorso Internazionale ARD di Monaco (2004).La sua attività concertistica lo ha portato ad esibirsi in alcune fra le più importanti sale di tutto il mondo:

Carnegie Hall di New York, Museo d’Arte Contemporanea di Londra in presenza della Regina Elisabetta, nella prestigiosa Bunka Kaikan Hall di Tokyo, all’Hong Kong Academy, in Chile ed a Cuba.Già membro effettivo dell’Orchestra Giovanile Gustav Mahler, ha frequentato l’Accademia Herbert von Karajan, ed è stato invitato, a soli 23 anni, come Primo flauto ospite dai Berliner Philharmoniker sotto la direzione di prestigiose bacchette quali C. Abbado, L. Maazel, V. Gerghiev, S. Oramo, M. Jansons e B. Haitink. Invitato personalmente da C. Abbado, ha suonato con l’ Orchestra Mozart di Bologna e collabora come docente all’Accademia dell’Orchestra stessa. Dal 2001 al 2003 è stato primo flauto dell’Orchestra del Teatro dell’Opera di Roma e attualmente collabora, nello stesso ruolo, con numerose orchestre quali i Bayerische Rundfunk e Orchestra da Camera di Monaco, Bamberger Symphoniker, Mahler Chamber Orchestra e Chamber Orchestra of Europe. Si è esibito varie volte in veste di solista con l’Orchestra Nazionale di S. Cecilia diretto da C. Hogwood, M.W. Chung e nel marzo 2010 da A. Pappano, eseguendo il Concerto di C. Nielsen (trasmesso dai RAI 3). Nel 2012 ha eseguito la prima nazionale del concerto per flauto e orchestra di M. A. Dalbavie diretto da M. Honeck. E’ membro del GlobeDuo (flauto e chitarra con C. Savarese) con il quale si esibisce nelle più importanti stagioni italiane ed estere affrontando repertori nuovi ed inesplorati per questa formazione oltre che essere membro del “Quintetto di fiati Italiano”. Richiestissimo ed apprezzato docente, insegna ai corsi di alto perfezionamento all’Accademia nazionale di S.Cecilia di Roma, il biennio superiore a Modena ed il triennio di alto perfezionamento presso l’ Accademia Internazionale “Incontri col Maestro” di Imola. E’ attualmente PrCVofessore di Flauto principale presso il Conservatorio della Svizzera italiana (CSI Lugano).Ha inciso per “VDM Records” ‘Sonate’ per flauto e pianoforte (M. Grisanti pf), per “Le Chant de Linos” le Sonate di Händel. Per la rivista Amadeus “Le merle noir” di O. Messiaen e per “Wide Classique” ‘Globe’ (CD vincitore del Los Angeles Global Award 2013). Ha pubblicato inoltre un DVD didattico sul flauto (Edizioni Accademia2008) ed il CD “Bach Flute Sonatas” insieme alla pianista canadese A. Hewitt per “Hyperion”, con la quale ha debuttato nel 2014 alla Wigmore Hall di Londra. Di recente pubbli-cazione la ‘Sonatina’ di H. Duttileux e ‘Romance’ di Saint-Saëns per “Brillant” (A. Makita pf) e la “Sonata da Concerto” per flauto e archi di G. F. Ghedini per la “Sony”. Andrea Oliva suona un flauto Muramatsu 14k SR all gold

FRANCESCO DI ROSA è Primo oboe solista dell’Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Ceci-lia dal 2008. Dal 1994 al 2008 è stato Primo oboe solista dell’Orchestra del Teatro alla Scala e della Filarmonica sotto la direzione di Riccardo Muti e Daniel Barenboim. Nato a Montegranaro (FM) nel 1967 si è diplomato in oboe nel 1986 con il massimo dei voti e la lode al Conservatorio “G. Rossini” di Fermo con Luciano Franca e Fabio Fabrizzioli e proseguito poi gli studi con Maurice Bourgue. Ha vinto il secondo premio al concorso internazionale per oboe di Zurigo “Jugendmusik Wettbewerb 1988” ed altri 6 concorsi nazionali di musica da camera in duo con il pianista Andrea Strappa.E’ stato diretto come solista da celebri direttori quali Riccardo Muti, Myung Wun Chung, Ton Koop-man, Antonio Pappano e suonato in prestigiose sale da concerto come il Musikverein di Vienna, il Teatro alla Scala, la Musikhalle di Amburgo, la Tonhalle di Zurigo, l’Auditorium Parco della Musica di

Roma, il Teatro Coliseo di Buenos Aires e il Bunka Kaikan di Tokyo. E’ stato invitato a suonare come primo oboe da prestigiose

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Primo flauto dei Berliner Philarmoniker Andreas Blau in Orsanmichele

NOTE DI SALANeri Monici è nato a Firenze nel 1992. Completati gli studi classici, studia composizione alla Scuola di musica di Fiesole nella classe di Andrea Portera, dove dirige musiche di suoi colleghi a eventi come il concorso di composizione «Veretti» e il festival «Arezzo - Città del Vasari». Lavora a trascrizioni e ad arrangiamenti per l’Orchestra da Camera Fiorentina e l’Orchestra di Sanre-mo. Scrive con un linguaggio teso alla sperimentazione. Come compositore viene selezionato per le musiche dello spettacolo «Comiconcerto» di Paolo Hendel e per il Carnevale della Biennale di Venezia, il 7 febbraio 2016. “Dice, a proposito di Daring core, a blooming: «Il titolo significa letteralmente spirito che osa, una crescita, sbocciare, cioè avere il coraggio di attuare qual-cosa, di cambiare, di concedersi un futuro migliore, dunque sbocciare come un fiore bello e forte».

Il francese Jules Demersseman (1833-66) fu un celebre virtuoso di flauto che per il suo strumento, e per il neonato sassofono, compose parecchio. Il Duo brillante sul «Guglielmo Tell» per flauto e oboe è un omaggio a una delle opere più popolari del re-pertorio francese, il prematuro addio alle scene di Gioachino Rossini. Il Tell, che racconta le gesta dell’eroe leggendario svizzero, era stato rappresentato all’Opéra di Parigi nel 1829. Demersseman ne cuce insieme le pagine che al pubblico piacevano di più.

Del nutrito lascito teatrale di Domenico Cimarosa (1749-1801) soltanto il dramma giocoso Il matrimonio segreto e l’intermezzo Il maestro di cappella continuano a essere in circolazione. Ma il compositore di Aversa, ambasciatore della scuola napoletana nel mondo durante il secondo Settecento (fu anche a servizio della zarina Caterina a San Pietroburgo), non scrisse soltanto per le scene. Il suo catalogo comprende oratori e musica sacra, e pure una novantina di sonate per tastiera (Gherardi: «momenti di notevole debolezza inventiva, malgrado una certa brillantezza», comunque «opere che fanno intravedere un senso della melo-dia ed una raffinatezza che non è propria dei compositori mediocri») più altra musica strumentale sovente di difficile datazione. Tra queste, la Sinfonia concertante per flauto, oboe e orchestra.

Il 12 o il 17 novembre 1774 Wolfgang Amadeus Mozart (1756-91) terminava la Sinfonia in do maggiore K. 200. Terzo impegno sinfonico dell’anno dopo la K. 201 e la K. 202, composte l’una in aprile, l’altra in maggio. Ma la K. 200 viene considerata meno tornita rispetto alle sorelle, quasi un passo indietro. Forse perciò gli studiosi si sono sbizzarriti a segnalarne le influenze subìte e i debiti stilistici qui contratti dal compositore nei confronti principalmente di Franz Joseph Haydn e del fratello Michael. Si cerchino pure tutti i padri possibili, fatto sta, comunque, che questa sinfonia non pecca certo di disorganicità né di incoerenza: la mano e lo spirito del Mozart maturo sono subito riconoscibili già nella levigatezza formale dei movimenti estremi. Nel primo, di una festosità tipicamente cortigiana, si ritrova il clima delle serenate e dei divertimenti che il compositore scriveva allora per la natia Salisburgo. Una galanteria distante, venata di malinconia leggerissima, pervade l’«Andante», mentre il Menuetto indossa la caratteristica eleganza ancien régime, un tantino pomposa. Il «Presto» conclusivo è un divertito moto perpetuo giocato sul contrasto tra la baldanza dell’intera orchestra e il brulichio frizzante degli archi.

orchestre come i Bayerischer Rundfunk, la Mahler Chamber, la Camerata Salzburg, l’Orchestra Mozart di Claudio Abbado e l’Orchestre National de France. Ha inciso gran parte del repertorio oboistico per Emi, Thymallus, Bongiovanni, Preiser Re-cords, Musicom, Real Sound, Tactus, Dad Records, Aulia, Brilliant e la rivista Amadeus. Come docente ha tenuto master classes alla Stanford University, alla Toho Graduated School di Tokyo, al Conservatorio di Valenzia, all’Università di Stoccarda e nei principali Conservatori e Accademie italiane. Nel giugno 2004 il Centro Studi Marche gli ha conferito il premio “Marchigiano dell’anno 2004” e sempre nello stesso anno Montegranaro, sua città natale lo ha proclamato Cittadino Onorario. Nel dicem-bre 2015 la Camera di commercio della provincia di Fermo gli ha conferito il premio speciale fedeltà al lavoro. E’ stato Vice Presidente della Filarmonica della Scala. È Direttore Artistico degli “Amici della Musica di Montegranaro”, socio fondatore del movimento Musicians for Human Rights e della Human Rights Orchestra. Insegna oboe ai corsi di perfezionamento dell’Ac-cademia di Santa Cecilia, suona nelle formazioni da camera de “I cameristi di Santa Cecilia” e nel “Quintetto di fiati Italiano”. Suona un oboe Buffet Green Line Orfeo.

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Museo di Orsanmichele piano II

L’allestimento scenico del Museo Orsanmichele , 1° piano

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Una munita fortezza nel cuore della città, a mezza strada fra il luogo del potere religioso (piazza del Duomo) e Il luogo del potere politico (piazza della Signoria). Qui si faceva la politica monetaria, si stabilivano i prezzi delle merci, qui i rappresentanti dei ceti produttivi si riunivano nelle occasioni rituali e commerciali. Qui il lavoro che ha fatto grande Firenze trovava la sua consacrazione. l fiorentini dei grandi secoli vollero che la casa del Lavoro avesse bellezza e dignità non inferiori alla casa di Dio (Duomo) e alla casa della Politica (Palazzo Vecchio) e vollero anche che la loro casa, all'Interno della forma urbis, fosse autonoma e distinta rispetto all'una e all'altra. Non è forse questo uno straordinario esempio di laica democrazia, di divisione dei poteri e quindi di modernità? Ma la connotazione secolare dell'edificio inglobava ed esaltava la devozione alla Nostra Signora. Nella Firenze del Trecento tutti sapevano quanto mutevole fosse la fortuna, quanto labile il destino della città, fra minacce di guerra, pericoli di tirannia, recessioni economiche, crisi finanziarie e la peste sempre incombente, per questo si appellavano alla Madonna delle Grazie, davanti al suo gigantesco e prezioso reliquario marmoreo.

A fortified stronghold in the heart of the city, midway between a place of religious power (Piazza del Duomo) and a piace of political power (Piazza della Signoria). lt was here that monetary policy was decided on, the price of goods was fixed upon and the representatives of the city’s trades came together for cerimonial and commercial events. lt was here that the work which had made Florence great found its raison d’être. The Florentines from the great age didn’t want the home of Work to be any less inferior in beauty and dignity than the home of God (Duomo) and the home of Politics (Palazzo Vecchio) and they wanted their seat, within the forma urbis, to be autonomous and separate from the others. ls this not an extraordinary example of laic democracy, division of power and therefore of modernity? However, the building’s secular connotation included and exalted its devotion to Our Lady. In forth-century Florence everybody knew how fickle fortune could be and how transient the city’s destiny was amidst threats of war, dangers of tyranny, economic recession, financial crises and the ever present threat of the plague. lt was for this reason that people appealed to the Madonna of the Graces in front of its huge and precious marble reliquary.

Antonio Paolucci

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Giuseppe Lanzetta dirige i Berliner Sinfoniker nella Grossen Saal della Berliner Philarmonie

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Museo Orsanmichele, 1° piano

Museo Orsanmichele, 1° piano Chiesa di Orsanmichele

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PIANO DI EVACUAZIONE/USCITE DI EMERGENZAMUSEO DI ORSANMICHELE PIANO PRIMO

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Orchestra da Camera Fiorentina nel Salone dei Cinquecento

Il folto pubblico durante un concerto dell’Orchestra al Museo di Orsanmichele

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Museo di Orsanmichele

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Il Maestro Zubin Mehta ospite dei Concerti in Orsanmichele

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Franco Antonio Mirenzi, classe 1959, si perfeziona in composizione con Aldo Clementi e Salvatore Sciarrino dopo essersi diplomato inorgano e composizione organistica e in didattica della musica. Dal 1992 insegna al «Conservatorio S. Cecilia» di Roma. Attivo nel set-tore della formazione degli insegnanti, è membro del Consiglio Nazionale della Pubblica Istruzione. Le sue composizioni sono caratte-rizzate da una levità allusiva e da accenni di minimalismo Celeste è stato scritto per i Solisti Veneti di Claudio Scimone che ne hannodato la prima esecuzione nel 2008. Un semplice tema informa tutta la composizione presentandosi in un forma quasi fugata nella primaparte del brano. L’incipit viene ripreso nell’“Allegro in uno” in 5/4 che confluisce poi nel 3/2 finale dove ritornano i procedimenti imi-tativi dell’inizio. Pur usando tecniche e procedimenti stilistici del passato, si percepisce tuttavia il carattere postmoderno di Celeste, lad-dove agogiche, ritmi, e armonie tradiscono chiaramente che il pezzo è un’opera d’oggi.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-91) dedicò il Concerto in mi bemolle maggiore K. 449 per pianoforte e orchestra, terminato il 9 feb-braio 1784, all’allieva Barbara von Ployer detta Babette, figlia strumentalmente ben dotata del rappresentante diplomatico della cortesalisburghese a Vienna. «E’ un concerto di tipo particolare, più indicato per una piccola orchestra che per una grande», ne scriveva l’au-tore al padre. Un’orchestra tanto piccola – gli oboi e i corni sono ad libitum – da potersi addirittura sgonfiare fino a trasformarsi in unquartetto d’archi. I suoi tre movimenti non potrebbero essere tra loro più differenti. Drammatico, dal piglio eroico, il primo, insolita-mente in metro ternario, basato sulla vigorosa contrapposizione timbrica e psicologica tra solista e orchestra, dialogo pulsante fra dueentità gagliarde e combattive collocate sullo stesso piano. Pervaso quasi di intima religiosità l’«Andantino» successivo, illuminato di pre-monizioni romantiche in quel suo girovagare armonico imprevedibile e ricercato. Guarda invece al passato barocco l’«Allegro ma nontroppo» conclusivo in forma di rondò, con il refrain aguzzo e buffonesco che ogni volta si presenta arricchito di varianti ritmiche e abbel-limenti sempre differenti. Qui tutto si regge sul contrappunto, su una frantumazione imitativa serrata eppur trasparente che nel suoincedere inarrestabile oppone la mano destra alla sinistra e tutt’e due alla compagine orchestrale, fino alla scoppiettante accelerazioneritmica e metrica della stretta finale.

Pur non impiegando tempi popolari veri e propri, la musica del finlandese Jan Sibelius (1865-1957) è intimamente pervasa di un colorenordico. Neppure la sua composizione più nota, il poema sinfonico Finlandia, attinge a motivi folklorici preesistenti. Sono quindi la qua-lità della strumentazione, l’uso di concatenazioni armoniche e intervalli poco consueti, un’ispirazione legata in particolare alle saghescandinave e un forte sentimento della natura a richiamare con insistenza la sua patria. Benché vissuto prevalentemente nel Novecento(sebbene non componendo più dagli anni Trenta), Sibelius risulta legato al mondo espressivo di Ciaikovskij e in generale, per le tipolo-gie formali, al tardoromanticismo. La Romanza in do maggiore op. 42 per archi risale al 1903.

Il 28 maggio 1878 moriva Leopold Mozart. Lugubre ironia, la prima composizione del figlio Wolfgang a essere completata dopo taleevento fu Ein musikalischer Spass («Uno scherzo musicale»), pagina che l’autore stesso ascrive, nel titolo, alla categoria stilistica e forma-le del divertimento, cioè della composizione strumentale d’intrattenimento in più movimenti. E’ possibile leggere in chiave psicanaliticaquesto iato così profondo tra biografia umana e professionale? Secondo Wolfgang Hildesheimer «non possiamo certo sapere se l’ideadi uno scherzo musicale e la morte del padre siano o meno coincidenze casuali. Ci sembra fuor di dubbio che la scomparsa di LeopoldMozart, figura un tempo dominante, debba aver provocato una qualche reazione inconscia nel figlio; è probabile che si trattasse di unsenso di liberazione… Esiste la possibilità che il musikalischer Spass sia stato un intervento di autoterapia con il quale Mozart abbia volu-to esprimere il dolore, oppure il senso di colpa per scarsa partecipazione emotiva». Non si sa se questo pezzo avesse una destinazio-ne precisa (qualcuno ipotizza riunioni casalinghe di amici) o se, al contrario, sia nato senza una precisa destinazione esecutiva. Mozartvi dileggia il rozzo dilettantismo di certi compositori da strapazzo e i risultati più che maldestri di strumentisti tronfi e incapaci. AncoraHildesheimer: «Il prototipo di compositore che Mozart ha voluto prendere in giro potrebbe essere l’immaginario rappresentante gene-rale della musica non-mozartiana e non-haydniana di quel tempo, il contemporaneo banale e mediocre al quale l’idea geniale si sottraecon tenacia e caparbietà». Ecco pertanto le stecche dei corni nel Minuetto, il virtuosismo inesistente del primo violino che nell’«Adagiocantabile» si avventura nel registro sovracuto perdendo il controllo della situazione, e gli abbozzi di fuga incapaci di svilupparsi nel Finale.

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Martedì 12 e Mercoledì 13 Lugliocortile del museo naZionale del barGello Via del Proconsolo (Fi)

Giovedì 14 Luglioterme tettuccio montecatini terme (Pt) FestiVal estate reGina


direttore GiUSePPe lanZetta

Violino MarCo lorenZiniFlauto SteFano MarGHeri anGela CaMeriniclavicembalo Mara Fanelli

ANDREA OTTANI Orfeo SuiteJ.S.BACH Concerto Brandeburghese N° 3 in Sol maggiore Concerto Brandeburghese N° 4 in Sol maggiore per 21 flauti, violino e archi Concerto Brandeburghese N° 5 in Re maggiore per violino, flauto, clavicembalo e archi

Musicaal Bargello

NOTE DI SALAAndrea Ottani è laureato in ProGeAS all’Università di Firenze. Ha studiato con maestri quali G. Totaro, L. Lopriore, D. Lopez, M. Agamennone, L. Fiorentini, A. Siringo. E’ allievo nella classe di composizione di Andrea Portera alla Scuola di Musica di Fiesole. Ha scritto e arrangiato per Quartetto Prometeo, DMC ensemble, Orchestra da Camera Fiorentina, Orchestra Sinfonica di San-remo, Orchestra dei Ragazzi ed Ensemble di fiati della Scuola di Musica di Fiesole. Dice del suo pezzo in programma stasera: «Orfeo’s suite è direttamente collegato ad una più ampia composizione di natura teatrale, immaginario epilogo al noto mito. La volontà è quella di rendere, attraverso una sintesi formale più che sostanziale, lo scenario, setting dell’azione drammatica,

MARCO LORENZINI Nato a Firenze, ha studiato violino sotto la guida del M° Roberto Miche-lucci presso il Conservatorio della sua città, diplomandosi nel 1981. Si è poi diplomato in viola, presso il Conservatorio F. Morlacchi di Perugia.Ha collaborato a lungo, come Prima Parte, con le maggiori orchestre sinfoniche della Toscana (Maggio Musicale Fiorentino e ORT), suonando sotto la direzione di illustri maestri e solisti.Da oltre vent’anni ricopre il ruolo di Spalla e Solista dell’Orchestra da Camera Fiorentina e in tale veste ha effettuato tournèe in Messico, Brasile, Spagna, Portogallo, Malta, Slovenia, Polonia e Germania, esibendosi nei prestigiosi festival di San Paolo, Belo Horizonte, Città del Messico, Morelia, Santander, Gandia, Coimbra, Malta, Ljubljana, Cracovia, Pesaro e Urbino, Estate Fie-solana, Amici della Musica di Bologna etc. In molte di queste occasioni i concerti sono stati trasmessi da radio e televisioni. E’ primo violino dell’Ensemble Michelangelo e insieme all’arpista Patrizia Pinto ha costituito il Duo Michelangelo, violino-arpa, con il quale ha preso parte alla realizzazione di un CD per “Arte Liutaria” di Carlo Vettori.

E’ docente di Violino presso il Conservatorio “G. Frescobaldi” di Ferrara, tiene corsi di perfezionamento ed è membro di giurie di concorso. Ha composto alcuni brani strumentali di genere cameristico e solistico.

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Giovedì 25 Luglio 2013* ore 21,00Cortile del Museo Nazionale del Bargello - Via del Proconsolo Firenze

Orchestra da Camera FiorentinaDirettore Giuseppe LanzettaViolino Marco Lorenzini

A.VIVALDI Concerto Grosso in re minore per 2 Violini Cello Archi e ContinuoAllegro, Adagio e spiccato, Allegro, Largo e spiccato, Allegro.

Violini Riccardo Capanni,Maurizio Matteuzzi

Violoncello Iacopo Luciani

A. VIVALDI Concerto in La Maggiore per Archi e CembaloAllegro, Adagio, Allegro

Concerto in Sol Minore per Archi e CembaloAllegro, Adagio, Fuga

Le Quattro stagioni per Violino solista Archi e Continuo

MARCO LORENZINI (vedi biografia a pagina 40)

Concerti Brandeburghesi al Bargello 2008

* In caso di pioggia i concerti si terranno a S. Stefano al Ponte Vecchio. In rain case Concerts will be at S. Stefano al Ponte Vecchio.

come colto da una punto di vista estraneo alla stessa. L’andamento delle “danze” vuole apparire come un severo e appassionato spettatore, opera senziente»Nel 1721 Johann Sebastian Bach (1685-1750) inviava a Christian Ludwig, margravio del Brandeburgo, i suoi sei Concerts avec plu-sieurs instruments, oggi noti come Concerti brandeburghesi. La raccolta ha una fisionomia unitaria anche se i concerti sono stati concepiti in tempi diversi. A prima del 1717 risalgono il primo, il terzo e il sesto che nella struttura mostrano evidenti influenze dei modelli concertistici italiani e un trattamento più tradizionale degli strumenti. Del terzo Concerto eccezionalmente in due movimenti – il tempo lento centrale è miniaturizzato nell’«Adagio» di una battuta in coda al primo movimento – sono prota-gonisti gli archi. Tre gruppi strumentali timbricamente omogenei (tre violini, tre viole, tre violoncelli sorretti, secondo prassi, dal basso continuo) tengono le redini di un discorso musicale vivace, concitato, all’interno di una struttura compatta. Nel primo movimento ciascun gruppo si profila come un blocco ben squadrato che con gli altri può trovarsi in contrasto o instaurare un dialogo imitativo in eco. Anche il secondo movimento, un «Allegro» bipartito di maggior spolvero virtuosistico, procede perlo-più come il precedente, con i vari gruppi strumentali e le diverse melodie che si ripetono a distanza ravvicinata, rincorrendosi. Il quarto Brandeburghese è strutturalmente un concerto grosso nel quale, però, il violino principale assume un ruolo quasi soli-stico. Oltre a lui emergono due flauti diritti cui si contrappone il ripieno di due violini, viola, violoncello e basso continuo. I quali nel primo tempo stanno perlopiù a guardare i disegni leggeri che i flauti intrecciano con il violino e le evoluzioni virtuosistiche di quest’ultimo. Tutto l’organico strumentale partecipa invece all’«Andante» centrale. Il «Presto», poi, coniuga magistralmente il rigore della fuga alla libera alternanza di pieni e vuoti tipica del genere concertistico, lasciando di nuovo la ribalta al violinista che se la deve vedere con passaggi tecnici ancor più estroversi di quelli del primo tempo.Al confine fra concerto grosso e concerto solistico sta il quinto Brandeburghese: flauto traverso, violino e «cembalo concertato» emergono da un organico che comprende violini e viole più violoncello e violone di raddoppio al basso continuo. Per tutto il primo movimento allo strumento a tastiera sono richiesti presenza da primattore e virtuosismo inconsueti per l’epoca. Poco prima della fine Bach lascia al «cembalo senza stromenti» una cadenza di lunghezza fenomenale (65 battute). L’«Affettuoso» successivo è in sostanza un tempo di sonata a tre: il ripieno tace per far cantare il concertino. Il finale è un «Allegro» dalla scrit-tura fugata in cui il clavicembalo pare non voler rinunciare alla sua nuova identità protagonistica.

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Orchestra da Camera Fiorentina con Sergey Nakariakov al Bargello, luglio 2014

Musica al Bargello, 2014

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Lunedì 18 lugliomuseo di storia naturale del mediterraneo Via roma, 234 liVorno

Martedì 19 e Mercoledì 20 Lugliocortile del museo naZionale del barGello Via del Proconsolo (Fi)


direttore e Violino MarCo lorenZinir. Paci Colori e danze di Fenicotteri - prima esecuzione assolutaa. ViValdi Due concerti per archi e cembalo Allegro molto, Andante molto, Allegro

a. ViValdi Le 4 Stagioni per violino e orchestra Primavera: Allegro, Largo, Allegro

Estate: Allegro non molto, Adagio, Presto

Autunno: Allegro, Adagio molto, Allegro

Inverno: Allegro non molto, Largo, Allegro

NOTE DI SALARiccardo Paci nasce nel 1974 a Firenze dove si laurea in ingegneria informatica nel 2001. Dall’età di 9 anni studia pianoforte con Mario Fabbri. Le prime composizioni da autodidatta risalgono al 1988 e continuano fino al 1998, quando decide di dedicarsi alla pittura con i maestri Angelo Rizzone, Alessandro Nocentini e Pedro Cano. Dal 2002 studia per tre anni modellato e scultura lignea presso l’Istituto d’Arte di Firenze. Nel 2006 vince il concorso internazionale di arte digitale The brain Project. Dal 2002 scrive libri di testo di informatica, tecnologia e disegno per le scuole medie. Nel 2013 riprende lo studio della composizione presso la Scuola di musica di Fiesole con Andrea Portera. Nell’aprile 2014 vince il premio del pubblico nel concorso di composi-zione «Veretti» e gli viene commissionato un pezzo dall’Orchestra Galilei. Nel 2015 gli viene commissionato dal Conservatorio di Lugano un pezzo per quartetto di ottavini. Colori e danze di fenicotteri appartiene a una raccolta in progress che il compositore sta dedicando agli animali. Spiega Paci: «Il pezzo è ispirato ai fenicotteri che ci stupiscono per le incredibili sfumature del rosa che li ricoprono. E pensare che l’intensità del loro colore dipende da cosa e da quanto mangiano! Inoltre i fenicotteri in certi pe-riodi dell’anno si alternano in lunghe danze di gruppo che durano molti giorni. Perché lo fanno? Nessuno ancora lo ha capito!».

«Chi, Vivaldi...», diceva caustico Igor Stravinskij, «colui che ha scritto quattrocento volte lo stesso concerto?». E forse il compo-sitore russo non aveva tutti i torti, perché il veneziano Antonio Vivaldi (1678-1741), soprannominato «il prete rosso» a causa della sua chioma, fu autore assai prolifico di concerti essendo riuscito a fabbricarne un catalogo che tocca quasi la soglia dei cinque-cento, poco meno della metà con il violino protagonista. Del resto, stando alle cronache, Vivaldi era un violinista stupefacente. Oltre che compositore spedito (nel 1739 il viaggiatore musicofilo Charles De Brosses lo descriveva come «un vecchio posseduto da una furia di composizione prodigiosa») e apprezzatissimo dal pubblico, dagli editori, da tanti colleghi italiani e oltremontani – di cui il più noto è Bach, che ne studiò con assiduità le partiture, e di alcune trascrisse la parte solistica per cembalo. Il giudizio acido di Stravinskij si riferiva però al fatto che nella stragrande maggioranza dei casi l’architettura utilizzata da Vivaldi è sempre la solita: tre tempi (allegro-adagio-allegro) di cui il primo e l’ultimo nella forma detta «a ritornello» (del tipo a b a c..... a, dove a è appunto il ritornello, ossia l’idea principale che si ripresenta regolarmente, anche se magari in tonalità differente), mentre quello centrale è un quadro statico.I Concerti per archi e basso continuo rientrano nel novero di quelle composizioni - oltre quaranta, perlopiù in tre tempi - cui Vivaldi non attribuì una denominazione costante. Probabilmente destinati alle sue allieve dell’Ospedale della Pietà, a Vene-zia, talvolta vengono chiamate «sinfonie» (termine di chiara derivazione teatrale, essendo la sinfonia, tripartita, l’irrinunciabile introduzione strumentale a un melodramma), talaltra «concerti ripieni» o «concerti a quattro» a indicare che non vi sono richiesti interventi solistici, ma che le quattro parti (violini primi e secondi, viole, basso continuo) sono coinvolte in un discorso paritetico.L’op. VIII, Il cimento dell’armonia e dell’invenzione, comprende 12 Concerti per violino con accompagnamento di archi e basso continuo. Stampata ad Amsterdam nel 1725, la raccolta su apre con il ciclo celeberrimo delle Quattro stagioni: quattro Concerti raffiguranti, ciascuno, una stagione dell’anno e scortati da altrettanti «sonetti dimostrativi», dovuti forse a Vivaldi stessi, che ne illustrano in versi il contenuto sonoro. La musica ripercorre capillarmente questi testi d’ambientazione arcardica, sia mimando-ne le atmosfere meteorologiche, sia intagliandone in note situazioni e personaggi. Solo qualche esempio. Nell’«Allegro» della Primavera, dopo il famoso incipit solare, i violini cinguettano alla maniera di uccellini. Poco più avanti una figurazione di sedice-simi rappresenta il soffio dei venti e, ancora dopo, folate di trantaduesimi disegnano lampi e tuoni. Nel secondo movimento la viola si immedesima in un cane che ulula. Nell’Estate appare un cucù, spira una brezzolina, mentre mosche noiose impediscono a un pastorello di riposare. Nell’Autunno si assiste al procedere allegro e traballante di un ubriaco, poi colto dal sonno, e a una battuta di caccia. Mentre l’Inverno propone l’immagine di paesaggi algidi.

MARCO LORENZINI VEDI PAG. 37

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Musica al Bargello 2012

Musica al Bargello 2012

Quando Wolfgang Amadeus Mozart (1756-91) annunziò al principe-arcivescovo di Salisburgo di volersene andar via dal suo servi-zio per cercare fortuna a Vienna, il prelato affidò la risposta a un dignitario di corte, il conte Arco, che liquidò il musicista con uncalcio nel sedere. La risposta pubblica a quella pedata Mozart la diede un lustro più avanti, il 1° maggio 1786, quando al Burgtheaterdi Vienna andarono in scena Le nozze di Figaro. L’incipit di un’aria del protagonista (in questo caso alter ego del compositore) diceinfatti: «Se vuol ballare, signor contino, il chitarrino le suonerò»; e il “chitarrino” in questione va inteso nel senso di “fondoschiena”. L’operaè tratta dalla commedia Le mariage de Figaro ou La folle journée di Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais rappresentata a Parigi nel1784. L’intreccio ruota attorno all’amore di Figaro per Susanna, due servitori del Conte di Almaviva, e alla loro ferma volontà disposarsi malgrado tutte le complicazioni che all’unione si frappongono, dovute soprattutto al Conte che con Susanna vorrebbevalersi dello jus primae noctis, ossia del diritto feudale a trascorrere con lei la prima notte di nozze. Il libretto dell’opera si deveall’abate Lorenzo Da Ponte, illuminista donnaiolo giramondo originario di Vittorio Veneto che finirà la sua vita a New York. DelleNozze, l’ouverture fu l’ultimo pezzo a venir composto. Pagina breve, che suggerisce fretta, affanno, vitalità concitata. Anche in virtùdella particolare impalcatura formale, una forma-sonata contratta, senza sviluppo, che rende con grande efficacia questo senso difuria giovanile: la folle journée, infatti, non può tollerare indugi.Nel recitativo accompagnato e aria «Tutto è disposto... Aprite un po’ quegli occhi», Figaro esorta gli uomini a non fidarsi delle donne. Invecenel recitativo accompagnato e aria «Hai già vinto la causa... Vedrò mentre io sospiro» a cantare è il Conte, intenzionato a prendersi Susanna,costi quel che costi. «Non più andrai farfallone amoroso» è il saluto di Figaro al paggio Cherubino che, essendo obbligato a partire militare,non potrà più svolazzare tra una fanciulla e l’altra.

Nel dicembre 1786 anche Praga accolse con calore Le Nozze di Figaro. Esattamente un mese dopo, Mozart era in viaggio verso lacittà boema. Vi avrebbe trascorso un mese. Durante questo soggiorno fortunato diresse una volta le Nozze e il 19 gennaio presen-tò una nuova Sinfonia composta per l’occasione (la K. 504 detta Praga). Inoltre l’impresario del Teatro Nazionale, Pasquale Bondini,gli commissionò un’opera da darsi nella stagione successiva. Per il libretto Mozart si rivolse di nuovo a Da Ponte che suggerì il sog-getto di Don Giovanni. Mentre era al lavoro sulla partitura, a Mozart arrivavano da Salisburgo notizie preoccupanti sulla salute delpadre Leopold. In maggio gli comunicarono che era morto. Il 1° ottobre 1787 il compositore tornò a Praga con il Don Giovanni nonancora ultimato. La prima rappresentazione, prevista per il 14 ma slittata al 29, ottenne un successo clamoroso. Come si usavaall’epoca, Mozart pensò all’ouverture solo dopo aver terminato il resto dell’opera. A detta della moglie Constanze, sarebbe statascritta la notte precedente la prova generale. Un’altra leggenda vuole che sia nata la notte prima del debutto e l’orchestra l’abbialetta a prima vista. Don Giovanni è impiantato in re minore, tonalità tanto rara in Mozart quanto connotata in senso tragico, se nonaddirittura funebre – si pensi al Concerto K. 466 per pianoforte e orchestra o al Requiem. L’ouverture bipartita, lento-veloce, intro-duce al clima espressivo dell’opera (l’aspetto frizzante e giocoso dell’opera buffa italiana pericolosamente sospeso sul baratro del-l’opera seria) e alle due figure principali: Don Giovanni, dissoluto punito con la dannazione eterna, e il Commendatore, dapprimasua vittima poi messo ultraterreno di giustizia ineludibile e tremenda. Alle sezione lenta in re minore (che ricomparirà nel finale delsecondo atto quando la statua del Commendatore irrompe in casa del protagonista che sta cenando) segue il vitalismo di quellamossa in re maggiore, costruita in forma-sonata.La cosiddetta «aria del catalogo» è il momento in cui Leoprello, servo di Don Giovanni, squaderna l’elenco sconfinato delle donne conqui-state dal suo padrone alla sbigottita Donna Elvira che alle profferte amorose del libertino in passato ha ceduto, credendole sincere.

Mozart compose le sue tre ultime sinfonie nell’estate 1788, in meno di due mesi, senza esservi indotto, per quanto ne sappiamo, da nessu-na occasione specifica d’esecuzione; il che contrasta con la prassi produttiva dell’epoca. Il 26 giugno terminò la terz’ultima, K. 543, nella tona-lità “massonica” di mi bemolle maggiore. Il primo movimento si apre con un «Adagio» breve eppure grandioso che con passo regale introdu-ce all’«Allegro» la cui fattura formale solidissima si traduce, sul piano espressivo, in accenti fieri e autorevoli. Il secondo movimento, «Andantecon moto», sviluppa da una melodia semplice, a tratti perfino convenzionale, un discorso timbricamente raffinato (specie nel trattamento deilegni), non privo di qualche spunzone drammatico. A un Menuetto che non si vergogna di mostrare un profilo quasi plebeo, segue l’«Allegro»finale, pagina lavoratissima che però sa nascondere la sapienza di scrittura dietro un’esuberanza all’apparenza frivola.

Ensamble dell’Orchestra dell’Accademia di Santa Secilia diretta da Giuseppe Lanzetta al Bargello il 21 L uglio 201134

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Lunedì 25 e Martedì 26 Lugliocortile del museo naZionale del barGello Via del Proconsolo (Fi)


direttore GiUSePPe lanZettabandoneon Mario SteFano PietrodarCHi

OMAGGIO AD ASTOR PIAZZOLLA

l. maiani Mirada per Bandoneon e Orchestra (prima esecuzione ssoluta)

a.PiaZZolla Oblivion, Adios Nonino, Milonga del Angel, Meditango, Violentango, Muerte del Angel, Jorge Adios, Poi qualcuno, Libertango

NOTE DI SALALorenzo Maiani inizia a studiare pianoforte all’età di 13 anni. Ottiene la maturità artistica. Consegue il diploma di solfeggio presso il Conservatorio “Luigi Cherubini” di Firenze. Studia composizione con il M° Franco Cioci. Si laurea presso il DAMS (Discipline Arte, Musica & Spettacolo) di Firenze, specializzandosi in Drammaturgia Musicale. E’ autore SIAE dal 1999 e songwriter/publisher ASCAP (American Society Conposer Author Publisher) dal 2007. Nel 2005 e nel 2006 si reca a Los Angeles, dove entra in contatto con i musicisti della scuola americana, approfondendo la scrittura per musica da film, mettendo in parallelo la sua formazione classica con le nuove piattaforme digitali. E’ l’ideatore e fondatore di Faminore®, realtà produttiva fiorentina che racchiude, dal 2013, le attività di sonwriting, produzione discografica, musica per film e per televisione sotto un unico brand ed occupata oggi, a largo raggio, su tutto il terriorio nazionale.MIRADAS (Tango per Bandoneon e Orchestra). La mirada è un gesto fondamentale nel Tango Argentino, ballato secondo l’e-leganza dei codici alla cui base vi sono stile, educazione e rispetto. “Mirada” è un sostantivo spagnolo che indica l’azione di volgere lo sguardo verso qualcosa o qualcuno. La scelta di ballare un Tango avviene, quindi, grazie ad un gioco di sguar-di. In milonga, sedie e tavoli circondano il luogo del ballo: l’uomo (il mirador) che vorrebbe ballare con una donna cerca il suo sguardo; la donna, accorgendosene, se desidera ballare con quest’uomo fa un cenno del capo (la cabeza) o semplicemen-te annuisce con un sorriso. L’uomo si dirige verso la donna e l’aiuta ad entrare in pista. Il tutto avviene in modo netto tra i due, una vera e propria conversazione non verbale ma delicata, nascosta ed invisibile agli occhi di tutti gli altri presenti.

MARIO STEFANO PIETRODARChI nasce in Atessa (CH) il 26.12. 1980, all’ età di nove anni intraprende lo studio della fisarmonica e successivamente del bandoneon. Dal 1993 al 2001 frequenta i corsi del M° C. Calista e successivamente del M° C. Chiacchiaretta presso la Scuola Civica Musicale F. Fenaroli di Lanciano.Nel 2007 si diploma con la Lode presso il Conservatorio Musicale S.Cecilia di Roma.Ha frequentato corsi di perfezionamento in Italia e all’estero con J.Mornet, W.Zubit-sky, A.L.Castano, C.Rossi, Y. Shishkin, M.Pitocco. Esecutore brillante e di raffinata mu-sicalità, ha vinto numerosi concorsi nazionali ed internazionali tra cui ricordiamo: 1° Premio assoluto al Concorso Nazionale “Città di Latina” (1996, 1997); 1° Premio assoluto al Concorso Nazionale “Città di Montese “(MO) (1997); 1° Premio assoluto al Concorso

Internazionale “S. Bizzarri di Morro D‘Oro “ (TE) cat. Junior (1997); Nel luglio 1998 é stato prescelto per rappresentare l’Italia al Trofeo Mondiale C.M.A. (Junior) a RecoaroTerme, (Italy); 1° Premio assoluto al Concorso Nazionale “Città di Rieti” (1999); 1° Premio “Adamo Volpi” al Concorso Città di Loreto (AN) 2000. Nel luglio 2000 è stato prescelto per rappresentare l’Italia al Trofeo Mondiale C.M.A. (senior), svoltosi in Alcobaca (Portogallo) laureandosi secondo classificato. Nel 2001 si laurea Primo Classificato al Trofeo Mondiale C.M.A. (senior) svoltosi a Lorient (Francia) dal 21 al 24 Settembre. Dal 2001 al 2003 ha svolto attività teatrale al fianco dell’attrice Daniela Scarlatti. Nel Giugno 2002 è stato ospite al “Premio Barocco” trasmesso in diretta su Rai1 da Gallipoli al fianco della nota cantante Antonella Ruggiero. Nel Ottobre 2003-2004-2005 ha svolto Concerti in veste di solista con l’Orchestra Internazionale d’Italia in China e Korea. Nel 2005 ha collaborato con il Teatro dell’Opera di Roma e la Fondazione Lirico Sinfonica “Petruzzelli” di Bari per la realizzazione dell’Opera “Ascesa e Caduta della Città di Mahagonny” di Kurt Weill sotto la direzione del M° J. Webb. Nel Luglio 2006 ha preso parte alla 27° Edizione di Montreal Jazz Festival nel pro-getto “I Colori del Mare” con musiche originali di E. Blatti al fianco di P.Tonolo e G. Mirabassi. Nel Gennaio 2008 ha registrato la colonna sonora del Film “Caos Calmo” di Antonello Grimaldi con attore principale Nanni Moretti e con Musiche di Paolo Buonvino. Nel 2008 partecipa in qualità di Bandoneonista al 58° Festival di San Remo.Oltre all’imponente attività concertistica sul territorio nazionale, si è esibito in Inghilterra, Francia, Belgio, Croazia, Serbia, Germania, U.S.A., Portogallo, Finlandia, Svizzera, Ungheria, Canada, Armenia, Russia, Bielorussia e Cina .

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Il folto pubblico della musica al Bargello.

MIRADAS descrive e traspone musicalmente questo sensuale cercarsi iniziale, dove i due ruoli del bandoneon e dell’orchestra«La mia musica? Dieci per cento tango, novanta per cento classica contemporanea», ripeteva spesso Astor Piazzolla (1921-92), colui che al tango argentino ha saputo dischiudere i piani nobili dell’arte conferendo a questo ballo rispettabilità estetica e dignità concertistica. Benché nato nella regione di Buenos Aires, Piazzolla discendeva da una famiglia di origine italiana: da Trani veniva il nonno paterno, il ramo materno da Massa-Carrara. E in Italia, Astor sceglierà di stabilirsi per un decennio, a metà dei Settanta, fuggendo la dittatura militare del suo Paese. Vi registrerà molti lp, parteciperà al programma tv Teatro 10 con Albero Lupo e Mina, troverà in Milva ed Edmonda Aldini voci preziose con cui collaborare. Invece l’infanzia e una parte dell’adolescenza le trascorre a New York, dove comincia a studiare la musica e a suonare il bandoneón (strumento principe delle orchestre argen-tine di tango) al quale è legata la sua notorietà come esecutore. Rientrato in patria sedicenne, trova ingaggi nei complessi di Bue-nos Aires finché, nel 1939, non ha l’opportunità di entrare nell’orchestra del leggendario Anibal Troilo, unanimemente reputato il maggior bandoneonista argentino. Poco dopo (consigliato, pare, dal pianista Artur Rubinstein) prende lezioni di composizione da Alberto Ginastera che lo introduce alla modernità di Bartók, Falla, Stravinskij. Nel 1944 costituisce una propria orchestra di tango che rifornisce di arrangiamenti sempre nuovi. Allo scoccare degli anni Cinquanta l’attività di Piazzolla risulta equamente suddivisa tra il tango, sua principale fonte di sostentamento, le colonne sonore cinematografiche e la stesura di pagine, per così dire, classiche. Nel 1954 ottiene una borsa di studio dal Conservatorio di Parigi che gli permette di seguire le lezioni di Nadia Boulanger, eminente didatta francese, maestra anche di Aaron Copland, Elliott Carter, Igor Markevitch e Philip Glass. Da lei Piazzolla apprende soprattutto a bilanciare nella sua scrittura radici popolari e tecniche accademiche, contrappunto e tango, genuinità d’ispirazione e artificio, poiché si rende conto che niente di buono potrebbe mai creare rinnegando l’anima della sua terra natia. In seguito a questa esperienza e alla costituzione dell’Octeto Buenos Aires la sua concezione del tango cambia radicalmente: non più soltanto musica da ballo, bensì partiture autosufficienti che impiegano un linguaggio evoluto, persona-le, tonale sebbene increspato da ingegnose dissonanze e basato non di rado su procedimenti costruttivi di stampo antico (la passacaglia, il fugato), dove la tradizione argentina si combina con avanguardia colta e vibrazioni jazzistiche – più avanti sarà importante l’incontro con il sax di Jerry Mulligan. Un tango dai ritmi aspri e sincopati, ossessivi, ipnotici, intriso di palpiti erotici, seduzioni timbriche ora malinconiche ora nevrotiche, assai meditato sul piano della forma. Nel concerto odierno vengono presentati alcuni dei suoi pezzi più celebri, tra cui Adiós nonino (1969), Libertango (1974) e Oblivion (1982).

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Giovedì 28 Venerdì 29 Lugliocortile del museo naZionale del barGello Via del Proconsolo (Fi)

Sabato 30 Lugliocortile del PalaZZo ducale di massa


direttore GiUSePPe lanZettatromba aleSSandro SilVeStroPianoforte aleSSio Cioni

“MUSICA DAL GRANDE SCHERMO”

n.PioVani La Vita è bella Suitee.morricone Spaghetti Western (Per un pugno di dollari, Per qualche dollaro in più, C’era una volta il West, Giù la testa) C’era una volta l’American.rota Ballabili dal Film Il Gattopardoe.morricone Nuovo Cinema Paradison.rota Il Padrinoe.morricone Il Pianista sull’oceano Gabriel’s Oboen.rota Omaggio a Federico Fellini (la Strada, Amarcord, 81/2)

ALESSANDRO SILVESTROha iniziato giovanissimo gli studi musicali presso il Conservatorio di Musica “A. Casella” di L’Aquila ove si è diplomato col massimo dei voti e la lode, sotto la guida del M° Sandro Verzari. Ha seguito corsi di perfezionamento e d’interpretazione musicale con San-dro Verzari, Fred Mills, e Timofei Dokchitzer. Vincitore del Torneo Internazionale di Musica “T.I.M.” 1°Premio King nel 1991/92 e del Concorso Nazionale “ A.M.A “ Calabria 3°Premio nel 1995. Dall’età di 18 anni, essendo vincitore di varie audizioni e concorsi per orchestra lirico - sinfonico, ha suonato con le più importanti realtà concertistiche italiane, suonando come 1°tromba presso varie orchestre Lirico – sinfonico quali: orchestra Regionale Toscana, orchestra del Teatro San Carlo di Napoli, orchestra del Teatro Regio di Torino, orchestra del Teatro Massimo di Palermo, orchestra Sinfonica Siciliana, orchestra Sinfonica “città aperta” di l’Aquila, orchestra I Solisti Aquilani, orchestra Officina

Musicale di l’Aquila, orchestra sinfonica Abruzzese, orchestra Philarmonia Mediterranea di Cosenza, orchestra della Provincia di Catanzaro “La Grecia” e l’orchestra del Teatro “F. Cilea” di Reggio Calabria, inoltre ha collaborato anche con: l’orchestra Sinfonica Nazionale della RAI di Torino, orchestra del Teatro G. Verdi di Salerno, orchestra Roma Sinfonietta, e con importanti orchestre straniere quali: orchestra da camera di Presov (Rep. Ceca), orchestra Filarmonica Russa d’Udmurtia, suonando sotto la direzione di affermati direttori come: (Ennio Morricone, Lu Jia, Daniel Oren, Giuseppe Sinopoli, Luciano Berio, Hans Graf, G. Ferro, P. Bellugi, Giuseppe Lanzetta, Alain Guingal, M. Boemi, Julian Kovatchev e molti altri), svolgendo tournee in: Germania - (Kiel e Monaco), Austria - (Vienna – Teatro Kabinettheater), e America - (New York – Manhattan - Teatro Carnegie Hall). Attivo anche da solista ha svolto e continua la sua attività con varie orchestre: l’orchestra sinfonica Abruzzese nel 1996, l’orchestra da camera giovanile Aquilana nel 1997, l’orchestra Sinfonica Siciliana nel 1999, l’orchestra di Fiati del Conservatorio “F. Cilea” di Reggio Calabria nel 2006, con il quartetto e voce nel 2006, con l’ensemble Mediterraneo Philarmonic Brass di Palermo nel 2008 e con l’orchestra da Camera Fiorentina nel 2011, nei vari Teatri: Teatro “A. Rendano” di Cosenza in duo nel 1992, Teatro “San Filippo” di L’Aquila, Teatro “Golden” di Palermo, Teatro “F. Cilea” di Reggio Calabria, Teatro politeama di Catanzaro, nella cattedrale di Monreale (PA), nel Castello di Scarlino a Scarlino (GR), nel cortile del Museo Nazionale del Bargello (FI), nel cortile del Palazzo Strozzi (FI), scrivendo di lui, vari articoli giornalistici, da parte dei giornali Nazionali di grande spicco, come: IL DOMANI nel novembre 2005, IL CILEA NEWS nel giugno 2006, IL CENTRO nell’ottobre 2007 , LA REPUBBLICA nel dicembre 2007, IL QUOTIDIANO nel maggio 2008, LA NAZIONE nel luglio 2011.In seguito ha fatto parte del gruppo da camera I Fiati dell’O.R.T. “Harmoniemusik” di Firenze, successivamente con “l’Officina Musicale dell’Aquila”, “Mediterranean Brass” quintetto d’ottoni e Jonik Brass quintetto ottoni. Ha partecipato al “Ravenna Festival” nel 2002 con l’esecuzione del “Sogno d’Uri zen” dai “ libri Profetici” di William Blake, prima esecuzione assoluta, con il gruppo da camera “Officina Musicale” di L’Aquila, musiche scritte da Carlo Crivelli regia di Jannis Kounellis, commissionatogli dallo stesso festival. Dal 2000 collabora con l’orchestra sinfonica “Città Aperta” di l’Aquila nel ruolo di 1° Tromba alle incisioni di colonne sonore da Film come: “Tutti per uno” per la “RAI fiction” “Ginostra” film per il cinema; “La più lunga estate”, “I ragazzi della Via Pal” fiction Mediaset, “La spettatrice”, “Salvo d’Acquisto” RAI fiction, “Fuga degli Innocenti” RAI fiction, Cjian Jian il Grande film per il cinema. Dal 2003 tiene vari Master Class: Belvedere Marittimo (Cosenza), Saracena (CS), Mendicino (CS), Cinquefronti (RC), Monreale (Palermo), Pisa e Città di Castello (PG). Ha inciso per la S.r.l. Cinèfonia (Francia) “Il Sogno d’Uri zen” (dal poema di W. Blake) musiche di Carlo Crivelli, e di R. WAGNER “Idillio di Sigfrido” con il gruppo da camera Officina Musicale di L’Aquila. Nel gennaio del 2005, in occasione della “Giornata della Memoria”, su invito della Presidenza della Camera dei Deputati, con in gruppo da camera Officina Musicale di L’Aquila, ha tenuto un concerto

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ALESSIO CIONI Nato ad Empoli nel 1979 e ha cominciato lo studio della musica e del pianoforte all’età di sei anni sotto la guida della Prof.ssa Giulia Ninci. Nel 1993 è stato ammesso al Conservatorio e, sotto la guida del M° Enrico Stellini, si è diplomato nel 1999 col massimo dei voti, la lode e la menzione d’onore presso l’Istituto Musicale Pareggiato “R.Franci” di Siena.Subito dopo,su iniziativa dell’ Istituto, si è esibito al Teatro de’ Rozzi di Siena,riscuotendo un grande successo di pubblico.Ha partecipato a numerosi Concorsi Nazionali per giovani pianisti ottenendo sempre ottimi rico-noscimenti da parte delle commissioni giudicatrici. E’ risultato vincitore ai Concorsi di Biella (1991) con premio per la migliore interpretazione,Camaiore (1993),Osimo (1994), Pistoia (1998), Cesenatico (1999, Premio “E.Calugi”), Gabicce (1999), Fusignano (2007), Vicopisano (2008), Riviera della Versilia (Musica da Camera, 2008). Ha frequentato il Corso Triennale di perfezionamento pianistico tenuto dal M° Andrea Lucchesini presso l’Accademia di Musica di Pinerolo (TO) e nel 2004 ha ottenuto il Diploma. Ha seguito master-classes di musica da camera con i Maestri B.Canino,M.Sirbu e R.Fi-lippini presso la Scuola di Musica di Fiesole ed ha seguito le lezioni tenute dal M° Franco Scala

presso l’Accademia di Musica di Pinerolo. Ha preso parte a Concorsi Europei ed Internazionali,risultando finalista a Taranto (2000), Pescara (2000), Los Angeles U.S.A. “Rachmaninoff Piano Competition and Festival” (2002), Shanghai (2003), e metten-dosi in particolare evidenza a: Pinerolo, 2001 1° Premio Assoluto. Cantù, 2002 2° Premio, per pianoforte e orchestra. Gorizia, 2 3° Premio Premio Pecar. Bolzano, 2003 6° Premio “F. Busoni”. Pordenone 2° Premio “Gante European Competition”. San Marino Competition, 2004 2° Premio. Belgrado International Competition, 2004 1° Premio Assoluto e Premio speciale del pubblico. Si è esibito in numerosi concerti in Italia ed all’estero. Tra i più importanti: Sierre (Switzerland) nel 2000 presso l’Hotel de Ville, Porto (Portugal) nel 2002 presso l’Ipanema Park, Los Angeles U.S.A. nel 2002 presso il Civic Auditorium di Pasadena con la Tchaikowsky Symphony Orchestra eseguendo il Terzo Concerto di Sergei Rachmaninoff per pianoforte ed orchestra, Barga (LU) nel 2003 presso il Teatro dei Differenti, Cagliari nel 2003 presso il Palazzo Siotto, Firenze nel 2003 presso il Teatro della Pergola “Amici della Musica”, Empoli nel 2003 presso il Teatro Shalom, Sulmona nel 2004 presso l’Auditorium dell’Annunziata,Pistoia nel 2007 presso il Salone Vescovile, nel 2005 ha suonato il Secondo Concerto di Franz Liszt con la Radio e TV Simphony Orchestra di Belgrado presso il Teatro Kolarac, Roma nel 2012 presso Palazzo Braschi e presso il Teatro Kèiros. Si è esibito in concerto cameristico insieme al violinista Paolo Chiavacci ad Albino (Bg) in occasione del Festival di Primavera 2007; recentemente è stato invitato dalla Cleveland (U.S.A.) State University per esibirsi in concerti presso la Drinko Hall ed a Canton (Ohio) presso la Walsh University.Essendo vincitore di un Concorso facente parte della Federazione di Ginevra (Belgrado, 2004) è stato selezio-nato a partecipare direttamente dalla IIa Prova al Second International Piano Competition di Hong-Kong. E’ Presidente e Diret-tore Artistico dell’Associazione Culturale SilVer di Empoli e docente di pianoforte dell’ Accademia pianistica SilVer di Empoli.

NOTE DI SALA«La mia musica? Dieci per cento tango, novanta per cento classica contemporanea», ripeteva spesso Astor Piazzolla (1921-92), colui che al tango argentino ha saputo dischiudere i piani nobili dell’arte conferendo a questo ballo rispettabilità estetica e dignità concertistica. Benché nato nella regione di Buenos Aires, Piazzolla discendeva da una famiglia di origine italiana: da Trani veniva il nonno paterno, il ramo materno da Massa-Carrara. E in Italia, Astor sceglierà di stabilirsi per un decennio, a metà dei Settanta, fuggendo la dittatura militare del suo Paese. Vi registrerà molti lp, parteciperà al programma tv Teatro 10 con Albero Lupo e Mina, troverà in Milva ed Edmonda Aldini voci preziose con cui collaborare. Invece l’infanzia e una parte dell’adolescenza le trascorre a New York, dove comincia a studiare la musica e a suonare il bandoneón (strumento principe delle orchestre argen-tine di tango) al quale è legata la sua notorietà come esecutore. Rientrato in patria sedicenne, trova ingaggi nei complessi di Bue-nos Aires finché, nel 1939, non ha l’opportunità di entrare nell’orchestra del leggendario Anibal Troilo, unanimemente reputato il maggior bandoneonista argentino. Poco dopo (consigliato, pare, dal pianista Artur Rubinstein) prende lezioni di composizione da Alberto Ginastera che lo introduce alla modernità di Bartók, Falla, Stravinskij. Nel 1944 costituisce una propria orchestra di tango che rifornisce di arrangiamenti sempre nuovi. Allo scoccare degli anni Cinquanta l’attività di Piazzolla risulta equamente suddivisa tra il tango, sua principale fonte di sostentamento, le colonne sonore cinematografiche e la stesura di pagine, per così dire, classiche. Nel 1954 ottiene una borsa di studio dal Conservatorio di Parigi che gli permette di seguire le lezioni di Nadia Boulanger, eminente didatta francese, maestra anche di Aaron Copland, Elliott Carter, Igor Markevitch e Philip Glass. Da lei Piazzolla apprende soprattutto a bilanciare nella sua scrittura radici popolari e tecniche accademiche, contrappunto e tango, genuinità d’ispirazione e artificio, poiché si rende conto che niente di buono potrebbe mai creare rinnegando l’anima della sua terra natia. In seguito a questa esperienza e alla costituzione dell’Octeto Buenos Aires la sua concezione del tango cambia radicalmente: non più soltanto musica da ballo, bensì partiture autosufficienti che impiegano un linguaggio evoluto, persona-le, tonale sebbene increspato da ingegnose dissonanze e basato non di rado su procedimenti costruttivi di stampo antico (la passacaglia, il fugato), dove la tradizione argentina si combina con avanguardia colta e vibrazioni jazzistiche – più avanti sarà importante l’incontro con il sax di Jerry Mulligan. Un tango dai ritmi aspri e sincopati, ossessivi, ipnotici, intriso di palpiti erotici, seduzioni timbriche ora malinconiche ora nevrotiche, assai meditato sul piano della forma. Nel concerto odierno vengono presentati alcuni dei suoi pezzi più celebri, tra cui Adiós nonino (1969), Libertango (1974) e Oblivion (1982).

presso la Sala della regina di Palazzo Montecitorio in Roma. La stessa Camera dei Deputati ne ha curato e stampato una registrazione su DVD. Nel 2010 ha ricevuto il premio di riconoscimento dal comune di Acri (CS) come musicista “acresi nel mondo”, rappresentando il proprio paese natale nei teatri nel mondo. Dal 1997 occupa l’insegnamento nei Conservatori di Musica, della classe di Tromba e Trombone, attualmente è docente della classe di Tromba presso il Conservatorio di Musica “Lucio Campiani” di Mantova, sempre nello stesso istituto, insegna al corso superiore biennale di specializzazione pari universitario. Collabora attualmente da solista con l’Orchestra da Camera Fiorentina.

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Johann Sebastian Bach (1685-1750) visse a Lipsia dal 1723 fino alla morte. In quegli anni, oltre che alla musica sacra, si dedicòall'intrattenimento musicale scrivendo Concerti per il «Collegium musicum» studentesco di cui era direttore. Fondato daTelemann, questo gruppo di amatori si esibiva al caffè Zimmermann in in manifestazioni durante le quali l'uditorio veniva dilet-tato da musica alla moda mentre conversava, beveva, mangiava. I Concerti presentati da Bach in tali occasioni nascevano per-lopiù dalla rielaborazione di partiture proprie e altrui. E' anche il caso del Concerto in la maggior BWV 1055, giunto a noinella stesura per clavicembalo e archi. La versione originale, tuttavia, prevedeva l'oboe anziché la tastiera (ricostruita qualchedecennio fa da solerti musicologi: stasera l'ascoltiamo) ed era stata concepita intorno al 1720 per i virtuosi della corte prin-cipesca di Köthen al cui servizio Bach si trovava prima del trasferimento a Lipsia.

Nel 1721 Bach inviava a Christian Ludwig, margravio del Brandeburgo, i suoi sei Concerts avec plusieurs instruments, oggi noticome Concerti brandeburghesi. La raccolta ha una fisionomia unitaria anche se i concerti sono stati concepiti in tempi diver-si. A prima del 1717 risalgono il primo, il terzo e il sesto che nella struttura mostrano evidenti influenze dei modelli concerti-stici italiani e un trattamento più tradizionale degli strumenti. Del terzo Concerto, eccezionalmente in due movimenti – iltempo lento centrale viene miniaturizzato nell’«Adagio» di una battuta in coda al primo movimento – sono protagonisti gliarchi. Tre gruppi strumentali timbricamente omogenei (3 violini, 3 viole, 3 violoncelli sorretti, secondo prassi, dal basso conti-nuo) tengono le redini di un discorso musicale vivace, concitato, all’interno di una struttura compatta. Nel primo movimentociascun gruppo si profila come un blocco ben squadrato che con gli altri può trovarsi in contrasto o instaurare un dialogo imi-tativo in eco. Anche il secondo movimento, un Allegro bipartito di maggior spolvero virtuosistico, procede perlopiù come ilprecedente: i vari blocchi che lo costituiscono vengono ripetuti a distanza ravvicinata nelle tre sezioni, benché a tratti compa-iano piccoli procedimenti a canone soprattutto fra i violini. Sono principalmente due le vie percorse dalla creatività di Ottorino Respighi (1879-1936). Quella fortunatissima della descri-zione sgargiante e colorata appresa alla scuola di Rimskij-Korsakov (per esempio di luoghi e atmosfere della capitale: Le fon-tane di Roma, I pini di Roma, Feste romane) e quella arcaizzante, nutrita dello studio assiduo della musica del passato italianoe dalla sua rielaborazione in chiave moderna. Le Antiche danze e arie per liuto appartengono a tale filone. In esse non vi ènaturalmente alcuno scrupolo filologico e nemmeno la graffiante ironia del neoclassicismo stravinskiano, ma piuttosto una certaseriosa eppur piacevole ingenuità nella restituzione in chiave orchestrale e moderna di queste attempate composizioni perliuto raccolte in tre suites. La prima, del 1917, per archi, fiati, cembalo e arpa. Nella seconda, del 1923, vengono aggiunti ancheclarinetti e celesta. Invece questa terza (1931) è affidata ai soli archi. Il pezzo d’apertura, intitolato «Italiana», deriva da una pagi-na d’anonimo del XVI secolo. Viene poi una serie di sette «Arie di corte» ricavate dalla produzione del liutista francese Jean-Baptiste Besard (ca. 1567 – ca. 1625) cui segue una «Siciliana» adespota. Conclude la suite una «Passacaglia» tratta dall’unicaopera pervenutaci del bergamasco Ludovico Roncalli, Capricci armonici sopra la chitarra spagnola op. 1 (1692).

Il M° Giuseppe Lanzetta dirige la IX Sinfonia di Beethoven “Musica al Bargello 2007”

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Domenica 28 Lunedì 29 Aprile 2013 ore 21,00Auditorium / Santo Sefano al Ponte Vecchio - Via Por Santa Maria Firenze

Orchestra da Camera FiorentinaDirettore Giuseppe LanzettaSoprano Daniela De Carli Tenore Rosario AssanteTromba Alessandro SilvestroPianista Alessio Cioni

“NIGHT OF THE AMERICAN STARS”E. MORRICONE Per un pugno di dollari, Per qualche dollaro in più, C’era una volta il West,

Giù la testa, C’era una volta l’AmericaG. LOEWE I could have dance all nightE. MORRICONE Nuovo Cinema ParadisoG. GERSWING SummertimeN. ROTA Il PadrinoE. MORRICONE Il Pianista sull’oceano, Gabriel’s oboeH. CARMICHAELE Polvere di stelleL. BERNSTEIN Maria, Tonight

Giuseppe Lanzetta e l’Orchestra da Camera Fiorentina accompagnano Andrea Bocelli nel Concerto dellaConsegna del Premio Galileo 2000 - Edizione 2005 - Palazzo Pitti.

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Domenica 28 Lunedì 29 Aprile 2013 ore 21,00Auditorium / Santo Sefano al Ponte Vecchio - Via Por Santa Maria Firenze

Orchestra da Camera FiorentinaDirettore Giuseppe LanzettaSoprano Daniela De Carli Tenore Rosario AssanteTromba Alessandro SilvestroPianista Alessio Cioni

“NIGHT OF THE AMERICAN STARS”E. MORRICONE Per un pugno di dollari, Per qualche dollaro in più, C’era una volta il West,

Giù la testa, C’era una volta l’AmericaG. LOEWE I could have dance all nightE. MORRICONE Nuovo Cinema ParadisoG. GERSWING SummertimeN. ROTA Il PadrinoE. MORRICONE Il Pianista sull’oceano, Gabriel’s oboeH. CARMICHAELE Polvere di stelleL. BERNSTEIN Maria, Tonight

Giuseppe Lanzetta e l’Orchestra da Camera Fiorentina accompagnano Andrea Bocelli nel Concerto dellaConsegna del Premio Galileo 2000 - Edizione 2005 - Palazzo Pitti.

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Venerdì 9 Settembreoratorio deGli anGeli custodi lucca - Via degli angeli custodi

Domenica 11 e Lunedì 12 Settembreauditorium di santo steFano al Ponte Via Por santa maria (Ponte Vecchio) Fi


direttore JoSè Ferreira loboSclarinetto ettore biaGiFagotto riCCardo PaPasoprano MiCHelle bUSCeMi

mascaGni Cavalleria Rusticana intermezzor. strauss Duetto Concertino per clarinetto Fagotto e archi Allegro con Brio, Andante, Allegro, Vivace

W.a.moZart Arie da Camera: Ch’io mi scordi di te....Non Temere Amato Bene Misera dove Son! ...Ah non son Io che parloF.J.haydn Sinfonia N° 35 in Si maggiore

Allegro di molto, Andante, Menuet (Un poco allegretto) & Trio, Finale: Presto

ETTORE BIAGI compie i suoi studi presso il Conservatorio”Luigi Cherubini” di Firenze, dove si diplo-ma con il massimo dei voti nel 2011. Nell’estate dello stesso anno viene ammesso ai corsi dell’Acca-demia Chigiana di Siena, dove comincia a perfezionarsi con Alessandro Carbonare (Primo clarinetto solista dell’Orchestra dell’Accademia Nazionale di S. Cecilia), e dove continuerà a venire ammesso anche nelle edizioni 2012 e 2013, dopo aver ottenuto la borsa di studio “Emma Contestabile” per i migliori allievi. Dal 2012 viene ammesso ai corsi di alto perfezionamento dell’Accademia Nazionale S. Cecilia di Roma, frequentando parallelamente il biennio specialistico presso l’Istituto “Mascagni” di Livorno sotto la guida di Carlo Failli (Primo clarinetto dell’Orchestra della Toscana). Nel 2014 consegue la laurea di secondo livello con votazione di 110 e lode, presentando una tesi sperimen-

JOSE FERREIRA LOBOS ha iniziato la sua carriera professionale nel 1979 come direttore del Ma-estro Camerata Port, orchestra da camera ha fondato con Madalena Sá e Costa. Con la collabo-razione di solisti di fama internazionale, si è esibito in numerosi concerti in patria e all’estero. Nel 1992, ha fondato l’Associazione Culturale Nord, il suo progetto è il vincitore del primo concorso per la creazione di orchestre regionali, stabilite dallo stato portoghese. In questo contesto, che istituisce l’Orchestra del Nord, che è il suo Direttore Principale e Direttore Artistico. Ha col-laborato con artisti di fama internazionale come Krisztof Penderecki, Jose Carreras, Julia Hamari, Regis Pasquier, Katia Ricciarelli, Patricia Kopatchinskaya, Michel Lethiec, Eteri Lamoris, António Rosado, Dame Moura Linpany, Svetla Vassileva, José Lopes de Oliveira,Vincenso Bello e Fiorenza Cossotto. Dalla sua carriera internazionale spicca la direzione di opere e concerti in Sud Africa, Brasile, Germania, Cina, Corea del Sud, Cipro, Spagna, Stati Uniti, Egitto, Francia, Paesi Bassi , In-ghilterra, Repubblica Ceca, Slovacchia, Lituania, Italia, Lettonia, Messico, Polonia, Romania, Russia,

Svizzera, Turchia, Colombia e Venezuela, collaborando con orchestre come Manchester Camerata, la Lithuanian National Symphony Orchestra, Orchestra Cannes Orchestra Sinfonica della Galizia, Izmir Symphony Orchestra, Czech Philharmonic Orchestra, Orchestra Sinfonica di Istanbul, Istanbul CRR Orchestra, Orchestra della Radio Televisione di Pechino Orchestra Sinfonica del Teatro Nacional Claudio Santoro National Radio Orchestra d’Olanda Symphony Orchestra Stato del Messico Orchestra Sinfonica dell’Università di Nuevo Leon, Artur Rubinstein Philharmonic - Lodz, Hermitage Orchestra di San Pietro-burgo, l’Orchestra Sinfonica di Zurigo - Tonalle, Slovak Sinfonietta, Symphony Varsavia, Montevideo Philharmonic Orchestra, Orchestra Nazionale di Atene e I giocatori Seoul classici. José Ferreira Lobo è apparso in alcuni dei teatri più importanti del mondo, tra cui la Filarmonica di Monaco di Baviera, Zurigo Tonhale, National Opera del Cairo, Hong Kong Cultural Centre, Centro Culturale di Pechino, Teatro Solis di Montevideo, Teatro Claudio Santoro di Brasilia, Teatro Teresa Carreño di Caracas Filarmonica di Vilnius, Smetana Hall di Praga e l’Eremo di St Petersburg.Ancora suonato musica sacra nelle chiese di Madelaine, Parigi, cattedrale di Catania (Bellini Festival) e Orsanmichele a Firenze. E ‘regolarmente invitato a partecipare tabelle giuria di prestigiosi concorsi internazionali. Regia prime assolute di compositori francesi, portoghesi, svizzeri e turchi. Ha un vasto repertorio che comprende classico e romantico, attraverso opere contemporanee e 30 titoli d’opera. Registrati per Radio emittenti radiofoniche e televisive e Radio Suisse Portoghese - Romande. Con l’Orchestra del Nord ha registrato nove CD.

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tale intitolata “Per un’ermeneutica dell’interpretazione musicale”. Nel 2012 collabora con il compositore Peter Maxwell Davis, nell’ambito del Livorno Music Festival, ottenendo una borsa di studio per i migliori allievi. Dal 2015 è riserva ufficiale della Gustav Mahler Jugendorchester, e membro dell’Ensemble di Musica Contemporanea dell’Accademia Teatro alla Scala di Mila-no, diretto da Marco Angius, con il quale ha occasione di eseguire opere di Ligeti, Adams, Webern, Lutoslawsky, Sannicandro e Donatoni. Vincitore nel 2013 del secondo premio al concorso internazionale “Città di Padova” nella sezione “Virtuosité” (con il concerto per clarinetto di Jean Françaix), collabora con stagioni di rilievo come il Maggio Musicale Fiorentino e la stagione del Teatro alla Scala; viene inserito nel cartellone della stagione “Micat in Vertice” 2015 dell’Accademia Chigiana in duo con il M° Monaldo Braconi, proponendo un recital dove affianca Schumann e Brahms a Debussy, Gérard Grisey e Franco Donatoni, curandone personalmente le note di sala. Come membro dell’orchestra dell’Accademia Teatro alla Scala, partecipa una tour-née presso i teatri Dal Verme di Milano, Massimo di Palermo e S.Carlo di Napoli, con la Quinta sinfonia di Mahler diretta dal M° Fabio Luisi (direttore stabile del Met di New York, e della Zürich Opernhaus).

RICCARDO PAPA svolge il suo percorso di formazione musicale presso la Scuola di musica di Fie-sole, iniziando gli studi, poco più che decenne, sotto la guida del M° Lorenzo Bettini. Nel settembre 2006, a diciotto anni, si diploma in fagotto sostenendo l’esame, da privatista, presso il Conserva-torio di Lucca. Inizia a suonare in orchestra sin dal 2003, come componente, poi primo fagotto, dell’Orchestra dei Ragazzi della Scuola di musica di Fiesole. Nel 2008 ha conseguito il biennio di Musica da Camera presso il Conservatorio “G.Frescobaldi” di Ferrara con il massimo dei voti e la lode. Membro stabile dell’Orchestra Giovanile Italiana dal 2006 al 2008, e poi dell’Accademia dell’Orchestra Mozart dal 2009 al 2011, ha proseguito gli studi presso la Musikhochschule di Frei-burg im Breisgau con Diego Chenna e Daniele Galaverna, e presso la Hochschule für Musik Saar con Guilhaume Santana. Ha frequentato inoltre le masterclass tenute da Marco Postinghel, Ste-fano Canuti, Paolo Carlini, Roberto Giaccaglia, Vincenzo Menghini, Gustavo Nùñez. Giorgio Man-

dolesi e Andrea Zucco. Nel 2005 ha ottenuto il primo premio nella categoria solisti all’interno degli allievi della “Scuola di Musica di Fiesole” mentre nel 2008 si è aggiudicato il premio di primo classificato nella propria categoria al concorso “Riviera della Versilia” e per due anni consecutivi (2010 e 2011) si è aggiudicato una borsa di studio e concerto di premiazio-ne all’interno delle Masterclass Internazionali di Portogruaro. Nell’ambito dei concorsi internazionali, è risultato vincitore del terzo premio (primo e secondo non assegnati) al Concorso Internazionale per Fagotto “G.Rossini” (2012) ed negli anni successivi ha partecipato a concorsi quali il “Concorso Internazionale di Musica dell’ARD” a Monaco e il “Concorso Inter-nazionale della Primavera di Praga”. Membro stabile dell’Orchestra Giovanile Italiana dal 2006 al 2008, e poi dell’Accademia dell’Orchestra Mozart dal 2009 al 2011, ha proseguito la sua esperienza orchestrale collaborando, anche in qualità di primo fagotto, con i Solisti Fiorentini, l’Accademia Filarmonica di Bologna, l’Orchestra Mozart, l’Orchestra Regionale Toscana, l’Or-chestra del Teatro Petruzzelli di Bari, l’Orchestra da Camera Fiorentina, l’Orchestra Pistoiese Promusica, la Camerata di Prato, l’Orchestra del Teatro La Fenice, l’Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, la Philharmonische Orchester Frei-burg, la Baden Baden Philharmonie, la Camerata Bern, la Camerata Zürich, la Kammerorchester Basel e la Südwestdeutsche Philharmonie Konstanz. Si è esibito in qualità di solista in Germania con la Camerata Academica Freiburg ed in Italia con l’Orchestra dell’Università di Firenze e con l’Orchestra Antiqua Estensis. Parallelamente all’attività orchestrale è attivo nel campo cameristico e viene invitato regolarmente a collaborare con H. Holliger, F. Renngli, E. Abbühl, O. Darbellay. Attual-mente è iscritto alla Musik Akademie di Basilea, dove si accinge a terminare il Master Solist sotto la guida di Sergio Azzolini.

MIChELLE BUSCEMI soprano, nata a Melbourne (Australia) da genitori Italiani. Si laurea al Victorian College of the Arts nel 2005. E’ stata finalista nei piú importanti concorsi di canto in Australia, tra i quali: “Herald Sun Aria Award”, “2005 Covent Garden National Opera Studio Scolarship” e “Acclaim Comunale Award” vincendo una borsa di studio per l’Accademia del Maggio Musicale Fiorentino. Nel 2009 partecipa ai corsi della scuola dell’opera Italiana con sede presso il Teatro Comunale di Bologna. Nel 2010 è finalista al concorso Toti Dal Monte di Treviso per il ruolo di Adina. Dal 1997 al 2007 ha cantato in numerose produzioni in Australia e in Italia tra le quali: Hansel und Gretel di Humperdinck (Gretel) per Opera Australia, La tragedie de Carmen di G. Bizet (Micaela)a Roma, Il racconto del flauto magico (Pamina) a Firenze. Ha cantato inoltre in diverse prime esecuzioni asso-lute come Snow White (Regina Buona) di Luigi Zaninelli diretta dal MËš Michele Mariotti (Firenze) e Cartolina da Carlton di David Kram (Melbourne). In Australia ha avuto grande successo anche nel

repertorio Musical, partecipando ad una decina di produzioni e come protagonista in: The Mikado (Yum-Yum), Joseph and his amazing technicolor dreamcoat (Narratore), Fiddler on the roof, (Hodel), The Sound of music (Liesl). Ha debuttato al Teatro del Maggio Musicale Fiorentino nell’ottobre 2006 con il ruolo di Serpetta ne La finta giardiniera di W. A. Mozart diretta dal MËš En-rique Mazzola con regia di Emilio Sagi. Nel 2008 canta il ruolo di Musetta ne La Bohéme di G. Puccini con Melbourne Opera e Messa di Gloria di G. Puccini con Victorian Opera e Victorian Symphony Orchestra. Nel Marzo 2009 debutta come Zerlina nel Don Giovanni di W. A. Mozart con Victorian Opera diretta dal MËš Richard Gill riscuotendo un notevole successo di pubblico e critica (Melbourne). Successivamente nel 2010 riprende il ruolo di Musetta per la compagnia Scottish Opera esibendosi in

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Scozia e Irlanda. Nel Luglio 2011 partecipa alla nuova produzione di Tannhäuser per il Festival del Tirolo (Erl, Austria) diretta dal M° Gustav Khun dove viene invitata nuovamente nel 2012 sempre per Tannhäuser e Tosca (pastorello). Durante l’estate 2012 a numerosi concerti della stagione “I Concerti degli Angeli Custodi” dove debutta Lola in Cavalleria Rusticana e riprende il ruolo di Zerlina nella produzione di Don Giovanni. Nel febbraio 2013 debutta il ruolo di Violetta nella Traviata di Giuseppe Verdi a Melbourne (Australia). Nel mese di Giugno riprende il ruolo di Zerlina con LuccaOPERAfestival al teatro di Montecarlo (Lucca). E nel 2014 debutta I ruoli di Norina in Don Pasquale e Adina in L’Elisir d’Amore sempre di Donizetti per LuccaOPERAfestival. Nello stesso anno debutta a Lucca il ruolo di Mimi nella Bohéme di Puccini.

NOTE DI SALAPietro Mascagni (1863-1945) si è guadagnato popolarità imperitura con Cavalleria rusticana, atto unico tratto dall’omonima piéce te-atrale – e prima ancora novella – di Giovanni Verga. Storia di amore, corna e gelosia, di passioni ferine, sanguigne, ambientata in una Sicilia affocata. L’opera, capostipite del verismo in musica, venne scritta per partecipare a un concorso bandito dall’editore Sonzogno: rappresentata la prima volta al Teatro Costanzi di Roma nel 1890, ebbe immediatamente un successo strepitoso. Tra le pagine più celebri svetta l’Intermezzo: oasi sinfonica strappacuore posta nel momento cruciale del dramma, prima che la situazione precipiti e conduca all’uccisione del tenore Turiddu da parte del marito della sua amante, Alfio.

Richard Strauss (1864-1949) sopravvisse un bel po’ a tutti gli altri fondatori del Novecento musicale pressappoco suoi coetanei. A Mahler, a Debussy, a Puccini. Perfino ai più giovani Ravel e Berg. Con l’avvento in Germania del nazionalsocialismo era stato santifi-cato. Lui, del resto, era stato volentieri al gioco, considerandolo un onore dovuto. Poi però regime e compositore si erano stufati l’uno dell’altro. Negli anni della guerra il vegliardo Strauss si rifugia nel privato e, artisticamente, si nutre della bellezza immacolata, rasserenante, atemporale del classicismo e del rococò, mettendo a nudo la professionalità di stampo artigianale del suo gaio atelier d’artista in lavori (come il Concerto n. 2 per corno, Metamorphosen, il Concerto per oboe e il Duetto-Concertino) di scrittura limpi-dissima, frusciante, sofisticata, pervasi di nostalgia e di emozione struggente che si cristallizza in un sublime manierismo volteggiante nell’aria. «Sono soltanto schegge uscite dall’officina di un vecchio, forse con l’unico desiderio di divertire», disse Strauss a proposito del Duetto-Concertino per clarinetto, fagotto, orchestra d’archi e arpa scritto nel 1947 su commissione dell’Orchestra della Radio Svizzera Italiana e del suo direttore Otmar Nussio. La composizione, suddivisa nei movimenti «Allegro moderato», «Andante» e Rondò legati l’un con l’altro, racconta in note una storia. Quella di una bella principessa corteggiata da un orso molesto che le danza intorno, spaventandola. Ma anche la fanciulla si mette a ballare. Senza sosta. Finché l’animale non si tramuta in principe fascinoso. Così, per-lomeno, la illustrava Strauss all’amico Hugo Burghauser, fagottista dell’Opera di Vienna cui il Duetto-Concertino è dedicato. Invece in una lettera a Nussio l’autore diceva di essersi ispirato a una fiaba di Hans Christian Andersen con protagonisti una principessa (tema del clarinetto) e un mendicante (tema del fagotto). Comunque di entrambe le storie non vi è traccia nella partitura a stampa; forse si trattava semplicemente di un divertissement privato fra Strauss e i suoi interlocutori.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-91) scrisse una cinquantina di arie per voce e orchestra. Alcune su commissione diretta dei cantanti, per essere presentate in concerto; altre per sostituire, nella ripresa di melodrammi propri o altrui con cast diversi da quelli della première, arie che il cantante di turno non poteva o non voleva più eseguire. Mozart preparò «Non temer, amato bene» per la ripresa viennese (uno spettacolo privato con cantanti non professionisti) del suo Idomeneo, l’opera seria scritta una manciata di anni prima su commissione della corte di Monaco. Il pezzo, da collocare al principio dell’atto secondo, sostituisce la scena che in quella versione era affidata ad Arbace, il confidente del re. Questa invece, una dichiarazione d’amore eterno alla donna prediletta, a cantarla è Ida-mante, figlio del protagonista destinato dal padre a essere sacrificato al dio Nettuno che, se nella versione di Monaco era un castrato, a Vienna diventa tenore. Nell’aria è richiesto in violino obbligato. L’autografo dell’altra pagina in programma stasera, il recitativo e aria «Misera, dove son?» – «Ah, non son io che parlo», su versi tratti dall’Ezio di Metastasio, porta la data del 6 marzo 1781. Venne scritta a Monaco dopo il debutto di Idomeneo per la contessa Josepha Baumgarten, un soprano dilettante capace, comunque, di cimentarsi anche nelle agilità.

A partire dal 1757, e per quasi quarant’anni, Franz Joseph Haydn (1732-1809) compose 107 sinfonie, portando questo genere dall’origina-ria libertà strutturale, derivatagli dal concerto grosso barocco, a una cristallizzazione formale che sarà modello per tutte le sinfonie classico-romantiche. La numero 35 in si bemolle maggiore fu completata il 1° dicembre 1767. Probabile che abbia avuto il suo battesimo a Esterháza, «Versailles d’Ungheria», il palazzo fatto costruire dal principe Nicolaus Esterházy, datore di lavoro di Haydn. Gli Esterházy erano la dinastia più ragguardevole dell’impero austriaco dopo gli Asburgo, perciò Nicolaus (detto «il Magnifico» per la munificenza nel finanziare le arti) volle per sé un palazzo degno del suo rango, sia pure in una zona molto distante dalla capitale dello stato, per trascorrervi la gran parte dell’anno. La Sinfonia comincia con un «Allegro di molto» fresco e scattante, intorbidato nella parte centrale da chissà quali crucci, tuttavia fuggevoli. L’«Andante» fa a meno di oboi e corni presenti in tutti gli altri movimenti, lasciando emergere la cantabilità rassicurante degli archi. Il «Minuetto» recupera gli strumenti a fiato: solo nel Trio li fa zittire un attimo. Il «Presto» finale forse Haydn lo scrisse per dare il benvenuto a Nicolaus di ritorno da un viaggio alla corte francese dove aveva avuto modo di prendere spunto dall’architettura e dagli arredi di Versailles per il suo palazzo.

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Giuseppe Lanzetta e Ennio Morricone provano con l’Orchestra Sinfonica A. Corelli del Conservatorio di Messinaal Teatro Greco Romano di Taormina. Giugno 2008. Consegna dei nastri d’argento per il Cinema italiano

Ai titolari dellaCarta giò Io Stu dio a Firenze

il biglietto di ingressoavrà il costo di € 5

Giuseppe Andaloro suona in Orsanmichele

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Giuseppe Lanzetta dirige i Berliner Sinfoniker nella Grossen Saal della Berliner Philarmonie

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Museo Orsanmichele, 1° piano

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Ai possessori della Firenze Card sconto del 15% sul biglietto d’ingresso, oppure possibilità di acquistare 3 biglietti interi al prezzo di due.

To 15% of the holders of the Firenze Card discount on the entrance fee, or ability to purchase 3 adult tickets for the price of two.

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Gustav Leonardht con Giuseppe Lanzetta prima del concerto di settembre 2011

Il Maestro Zubin Mehta ospite di “Toscana Musica e Arte” della banca CR Firenze, Intesa S. Paolo.

Il Maestro Zubin Mehta ospite di “Toscana Musica e Arte” della Banca CR Firenze, Intesa S. Paolo


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Il Maestro Zubin Mehta ospite di “Toscana Musica e Arte” della banca CR Firenze, Intesa S. Paolo.

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Fabrizio Francia si è diplomato in violino al Conservatorio di Torino e in composizione a Piacenza. Attualmente collabora conle orchestre dei Pomeriggi Musicali di Milano e Cantelli, con quelle del Teatro Regio di Parma, del Teatro Coccia di Novara, conla Camerata Ducale di Vercelli, con Milano Classica, con l'Orchestra Associazione Musicisti Italiana con la quale partecipa a tra-smissioni tv e incide basi strumentali per cd di cantautori italiani (Branduardi, Renga, Nomadi). Dal 1999 è concertino deisecondi violini nell'Orchestra Filarmonica Italiana di Piacenza. Ha composto musica da camera per varie formazioni, per bandae per spot pubblicitari. Il suo pezzo L’isola è stato eseguito ad Anversa dalla Royal Philharmonic Orchestra di Londra. Comearrangiatore ha lavorato per spettacoli televisivi, per il teatro, per Andrea Bocelli e gli Avion Travel. Tre minuti è stato compo-sto originariamente per quintetto di fiati, in seguito trascritto per altre formazioni compresa l'orchestra d'archi. Il titolo si devealla richiesta del committente, un direttore d'orchestra romano, che voleva un lavoro che non durasse più di tre minuti.

La precocità di Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809-47) si manifestò in campo musicale e non solo. Non ancora adolescenteparlava già diverse lingue, conosceva il greco e il latino, dipingeva con talento acquerelli e suonava così bene il violino e il pia-noforte che da subito gli fu predetto un avvenire artistico luminoso. A undici anni cominciò a studiare composizione conFriedrich Zelter, direttore della Singakademie di Berlino nonché consigliere musicale di Goethe, cui nel 1821 Mendelssohn fupresentato. Scrisse allora il poeta a Zelter : «I doni di fantasia di questo ragazzo, la sua facilità nella lettura a prima vista hannoqualcosa di prodigioso, e non l'avrei mai creduto possibile in un ragazzo così giovane. Si può confrontare il tuo allievo al pic-colo Mozart per ciò che ha realizzato: Felix ha il linguaggio di un adulto e non i balbettamenti di un bambino». I suoi primilavori (opere comiche, quartetti e musica da camera varia, concerti, Lieder) mostrano un ragazzo instancabile e straordinaria-mente interessato a ogni genere di musica presente o passata. Come modelli ha non soltanto i coevi Rossini, Weber, Cherubini,Spontini e Auber (conosciuti frequentando assiduamente le sale da concerto e l'Opera), ma, a ritroso, Haydn, Mozart, Haendel,Bach, Palestrina. Erano questi gli esempi che gli additava il mastro. Il Concerto in re minore per violino e archi, databile al 1822,precede di quasi vent'anni il fratello piccolo (eppure ben più grande e compiuto nel risultato: vero e proprio capolavoro) inmi minore. Questo in re, che a differenza del successivo non richiede particolari abilità virtuosistiche neanche nel finale scin-tillante, porta la dedica al suo maestro di violino Eduard Rietz. Il manoscritto è rispuntato fuori soltanto nel dopoguerra, eYehudi Menuhin ne ha data la prima esecuzione. Stasera lo ascoltiamo nella trascrizione per flicorno di Nakariakov.

Per un breve periodo della sua storia l'Unione Sovietica seppe ridere, di se stessa e del mondo intero. Grazie anche all'umo-rismo acido, alle movenze marionettistiche, alla smorfia clownesca e sfrontata del Concerto per pianoforte in do minore op.35 che Dmitrij Sciostakovich (1906-75) compose nel 1933. Un'orchestra ridotta all'osso dei soli archi si trova assieme a unatromba canzonatoria con funzione di coprotagonista, sebbene alla tastiera si affianchi di rado e in controcanto. Comunque,quando compare, svetta su tutti con il suo squillo sbruffone. La partitura, intenzionalmente senza cuore, vuole essere astratta,meccanica, gioco di intelligenza e di complicità con l'ascoltatore (vi emergono diverse citazioni da Beethoven, Haydn, daSciostakovich stesso) compiuto da dita atletiche che, svelte, sgranano note su note. L'attacco del primo movimento,«Allegretto», consiste nell'incipit deformato della Sonata Appassionata di Beethoven: gesto dimostrativo, come a dire che laserietà non sta di casa qui. Il «Lento» successivo è invece algido, indifferente a qualsiasi emozione. Poi però l'«Allegro con brio»finale, preceduto da un breve «Moderato», sghignazza e fa boccacce senza alcun ritegno.

Lyrique (Aix-en-Provence) con solisti vento MCO sono state trasmesse alla radio France 3 e ha avuto recensioni pubbli-che di maggior successo. Nel 2012 è stato uno dei pochi artisti a partecipare per celebrare anniversario Ivry Gitlis nellaSalle Pleyel accanto a M.Argerich, M.Vengerov, A.Suwanai, S.Nakariakov. Maria Meerovitch è apparsa come solista connumerose orchestre in tutto il mondo tra cui Taiwan National Symphony Orchestra, Schleswig-Holstein Festival Orchestra,Nordic Symphonie Orchestra, la English Chamber Orchestra, Mannheimer Philharmoniker, ecc. Negli ultimi anni la sua pas-sione per l'insegnamento giovani musicisti ha portato Maria verso gli Stati Uniti, Germania, Sud Africa e Belgio, dove hatenuto corsi di master e ha lavorato su uno studio sul trattamento dei pianoforte tendinite relativa basata sul lavoro delsuo maestro leggendario MRFreindling.

David Garrett con Giuseppe Lanzetta nella Chiesa di Orsanmichele eseguono il Concerto di Beethoven Settembre 2011

FABRIZIO BEGGIBaritono. Ha intrapreso lo studio del Fagotto sotto la guida del M° Paolo Carlini diploman-dosi nel 1999 con il massimo dei voti presso l’Istituto Musicale “P. Mascagni” di Livorno. Haconseguito il Konzertdiplom con il massimo dei voti e la Lode presso l’Accademia Musicaledi Basilea sotto la guida del M° Sergio Azzolini. Collabora regolarmente con diverseOrchestre tra le quali Orchestra Regionale Toscana, Orchestra del Teatro Lirico di Cagliari,Orchestra Sinfonica di Savona. Ha approfondito lo studio del fagotto barocco con il M°Alberto Grazzi. Dal Gennaio 2009 ha intrapreso lo studio del canto sotto la guida delbaritono Giovanni Mazzei. Ha studiato presso L’Accademia Musicale di Santa Cecilia diPortogruaro sotto la guida del Maestro Claudio Desderi con il quale ha debuttato nel ruolodi Leporello nel Don Giovanni di Mozart. Studia sotto la guida del Maestro RobertoScaltriti ed inoltre si sta perfezionando con il celebre baritono Carlo Meliciani. Nel Marzo2011 è stato selezionato per il ruolo di Amonasro per il progetto “La Fiaba di Aida”

dall’Aida di G. Verdi in collaborazione con il Teatro del Maggio Musicale Fiorentino. Nell’Agosto del 2011 ha vintol’audizione indetta dal Teatro Carlo Felice di Genova per la formazione dell’Ensemble Opera Studio, audizione allaquale hanno partecipato più di 700 candidati. Grazie all’Ensemble ha potuto debuttare presso il C. Felice nelCampanello di Donizzetti (Don Annibale Pistacchio), nel Gianni Schicchi di Puccini (Marco e Maestro Spinelloccio)a fianco di Rolando Panerai e Juan Pons, in Oz on the road prima assoluta scritta per il Carlo Felice (Zio Henry).Sempre presso lo stesso teatro ha partecipato alla produzione Romeo et Juliette di Gounod (Le Duc) sotto ladirezione del Maestro Luisi e con Andrea Bocelli.

RICCARDO SANDIFORDNato a Firenze nel 1967, si diploma in pianoforte nel 1987 con la menzione d'onore e inmusica vocale da camera nel 2003 con la lode presso il Conservatorio Luigi Cherubini diFirenze. Frequenta la classe di composizione di Salvatore Sciarrino dal 1988 al 1991 e diRosario Mirigliano dal 2000 al 2004. Inoltra si perfeziona presso l’ Accademia Chigiana diSiena con P. Badura Skoda e Michele Campanella, presso la Scuola di Musica di Fiesole conil Trio di Trieste e con i pianisti Murray Perhaja, Charles Rosen, Aldo Ciccolini e BrunoCanino agli Amici della Musica di Firenze. Allievo di Antonio Bacchelli, si distingue vincendodiversi concorsi nazionali, fra i quali il F. Schubert di Torino, il Concorso Città di Roma e inparticolare risultando secondo alla Selezione italiana "Giovani musicisti europei" indettodalla RAI. In seguito si esibisce in qualità di solista per importanti associazioni musicali ital-iane come la Società dei Concerti di Milano, Estate fiesolana, Centro Busoni di Empoli,Orchestra da Camera Fiorentina, Teatro Bibiena di Mantova, associazione Angelo Mariani

per Ravenna Musica 2010 al Teatro Alighieri. La sua attività si estende anche all'estero e Sandiford si esibisce, sem-pre come solista, in Russia, Giappone, Germania (tra cui citiamo la prestigiosa Kammermusiksaal della Philharmoniedi Berlino), Svizzera, Spagna, Turchia e Francia. Tra le collaborazioni più interessanti ricordiamo quella con il violin-ista Ilya Grubert, il primo flauto dei Berliner Philharmoniker Andras Blau, e i Fiati del Maggio Musicale Fiorentino.Ha inciso per la casa discografica Bongiovanni un cd con musiche pianistiche di Respighi, Pizzetti e Alfano, regolar-mente trasmesso dalle più importanti radio italiane (tra le quali RADIOTRE) ed estere, ottenendo critiche posi-tive sia in Italia che all’estero. E’ docente presso il Conservatorio di Parma.

Francesco di Rosa,Alessio Allegrini, Francesco Bossone e Alessandro Carbonare durante l’esecuzione dellaSinfonia concertante di W.A.Mozart Auditorium di santo Stefano al Ponte il 18/10/2011

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Francesco di Rosa, Alession Allegrini, Francesco Bossone e Alessandro Carbonare durante l’esecuzione della Sinfonia concertante di Mozart nell’Auditorium di Santo Stefano al Ponte nel 2011

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Sabato 24 Settembremuseo di storia naturale del mediterraneo Via roma, 234 liVorno

Domenica 25 e Lunedì 26 Settembremuseo di orsanmichele Via calZaiuoli FirenZe

ORCHESTRA DA CAMERA FIORENTINAdirettore e sassofono Mario MarZi

“SAX IN THE CITY”

P. iturralde Suite Hellenique (arr. P. Zannini)r.Galliano ViaggioG.mulliGan Portraits (arr. Giorgio Babbini)F.richter Canto Negroa. PiaZZolla “Tango Suite” Esqualo- Oblivion- Libertangoc.Gardel Por una Cabeza J.Girotto Madres de plaza de Mayo (arr S. Marzi)e. naZareth Cavaquino (arr. S. Marzi)

MARIO MARZI Vincitore di 9 concorsi nazionali e 4 internazionali, ha tenuto concerti in veste di solista con le più importanti orchestre sinfoniche: Orchestra Sinfonica RAI di Torino, Accademia naz. di Santa Cecilia, Arena di Verona, Teatro Comunale di Firenze, Teatro alla Fenice di Venezia, Orchestra della Svizzera Italiana, Caracas Symphony Orchestra, ecc. Di particolare prestigio la sua ventennale collaborazione con il “Teatro Alla Scala” di Milano e la Filarmonica della Scala sotto la direzione dei maggiori direttori contemporanei: R. Muti, C. M. Giulini, G. Prètre, L. Maazel, L. Berio, R. F. de Burgos, S. Bychkov, G. Sinopoli, C. Abbado, W. Sawallisch, M. W. Chung, R. Chailly, D. Harding, G. Dudamel ecc. Più volte scelto dal M. Riccardo Muti in seno alla compagine scaligera per ruoli solistici, viene allo stesso modo invitato dal M. Zubin Mehta per le tournée dell’orchestra del “Maggio Musicale Fio-rentino”. Numerose le partecipazioni ai maggiori festival musicali nazionali e internazionali come Salisburgo, Atene, Madrid, San Pietroburgo, Città del Messico, Biennale di Venezia, Settembre Musica, La Scala di Milano, Accademia Filarmonica di Roma, Ravenna Festival, ecc. Molteplici anche le sue esibizioni nelle sale e nei teatri più prestigiosi: Carnegie Hall di

New York, Suntory Hall di Tokyo, Gewandhaus di Lipsia, Musikverein di Vienna, Schauspielhaus di Berlino, “Lacma” Museum di Los Angeles, Teatro Nazionale di Pechino, Parlamento Europeo di Bruxelles, Sala Ciajkovskij di Mosca, Liceu di Barcellona ecc. A lui sono dedicate alcune delle opere più significative destinate al sassofono contemporaneo. Ha inciso per le case discografiche BMG, Sony Classic, EMI, Edipan, Stradivarius, Agorà, registrando inoltre per Amadeus, in qualità di solista con l’Orchestra G. Verdi di Milano e la direzione del M. H. Schellenberger, un CD monografico con i più importanti concerti per sax e orchestra, prima assoluta per l’Italia, ora internazionalmente distribuito dalla ARTS di Monaco. E’ endorser del marchio Rico. Docente di sassofono al conservatorio G. Verdi di Milano, tiene corsi di perfezionamento e masterclass ad Oporto, Amsterdam, Lisbona, Francoforte, Pechino, Washington, Londra, Vienna e Caracas nell’ambito del progetto Abreu (El sistema) e per il conservatorio di Sydney. Membro della giuria nelle maggiori competizioni per saxofono, fra cui quella di Dinant nel 2010, è responsabile per l’Italia della Gerry Mulligan Publisher. E’ inoltre autore di diverse partiture didattiche per la Carisch. Il suo libro Il Saxofono (Zec-chini Ed.) è stato pubblicato nell’ottobre 2009.

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Giovanni Sollima in Orsanmichele

Il meraviglioso chiostro del Museo Nazionale del Bargello

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Domenica 9 e Lunedì 10 Ottobremuseo di orsanmichele Via calzaiuoli FirenZe


direttore Paolo bianCalanaPianoforte Ylia KiM

a. GiGlioni Hipogeum - prima escuzione assoluta

W.a.moZart Concerto in La maggiore K414 Allegro, Andante Rondò, Allegro

W.a.moZart Sinfonia in Sol minore N° 25 K 183 Allegro con Brio, Andante, Menuetto, Allegro

PAOLO BIANCALANA Nato nel 1962, si è diplomato in pianoforte con A. Dell’Arsina e in composizione con P. Rigacci all’Istituto L. Boccherini di Lucca col massimo dei voti.Ha studiato direzione di coro presso la Fondazione G. D’Arezzo con i maestri R. Gabbiani, R. Clemencic e direzione d’orchestra con P. Bellugi, F. Gallini e M. Balderi.Ha conseguito la Laurea specialistica in Direzione d’Orchestra presso il Conservatorio Cherubini di Firenze sotto la guida del M°A. Pinzauti.Accanto all’attività di direttore di coro svolge un’intensa attività concertistica come direttore d’orchestra che lo ha portato a collaborare in Italia ed all’estero con numerosi complessi sinfonici, partecipando ad importanti stagioni e festival.

ILIA KIM Nata a Seoul, inizia a quattro anni gli studi musicali in patria. A undici anni debutta con un recital nel Sae Jong Arts Centre della sua città natale, che le conferisce un premio per fanciulli eccezionalmente dotati, assegnandole una borsa di studio per recarsi all’estero Nel 1988 si iscrive nella Hochschule der Künste di Berlino, diplomandosi nel 1994 col massimo dei voti. Segue quindi i corsi per concertisti al Mozarteum di Salisburgo, alla Hochschule für Musik und Theater di Hannover e all’Accademia Pianistica di Imola, dove si dedica anche al fortepiano. Dopo aver iniziato l’attività concertistica in Corea, suona in Germania, negli Stati Uniti (debutto nel 1994 nella Carnegie Hall di New York), in Austria, Francia, Svezia, Finlandia, Olanda, Romania, Croazia, Polonia, Portogallo, Messico, Brasile, Italia, Cina, partecipando fra l’altro al Musik Festival dello Schleswig-Holstein, alle Holland Music Sessions, al Festival di Dubrovnik, al Festival Pianistico Internazionale “Arturo Benedetti Michelangeli” di Brescia e Bergamo (nel 2002, 2004, 2010 e 2011) e ai Tiroler Festspiele di Erl (dal 2000 al 2005). Ha suonato con l’Orchestra Filarmonica di

Seoul e con l’Orchestra della Radio Nazionale di Corea, con l’Orchestra Filarmonica “Enescu”, con l’O.F.U.N.A.M di Città del Mes-sico, l’Orchestra Filarmonica di Greensboro, l’Orchestra Sinfonica di Fairbanks, l’Orchestra della Istituzione Sinfonica Abruzzese, l’E.A.O.S.S di Palermo, l’Orchestra del Teatro Massimo “Bellini” di Catania, l’Orchestra del Teatro Massimo di Palermo, l’Orchestra Haydn di Bolzano, l’Orchestra Sinfonica di San Remo, l’Orchestra dei Pomeriggi Musicali di Milano, l’Orchestra della Fondazione Arena di Verona, l’Orchestra Sinfonica di Roma, la China Philharmonic Orchestra di Pechino, la Guangzhou Symphony Orchestra, la Shanghai Oriental Symphony Orchestra, la Dortmunder Philharmoniker, la Filarmonica Szymanowski di Cracovia, l’Orchestra del Teatro Nazionale Claudio Santoro di Brasilia, l’Orchestra Sinfonica Portoghese, ecc. ecc. Alcuni di questi concerti sono stati trasmessi in diretta dalle radio e televisioni nazionali di Corea, Romania, Germania, Messico, Italia, Portogallo (concerto effettuato il 25 gennaio 2007 nel Pavilhão Atlântico, con 9 mila spettatori, organizzato da Josè Cura). Dal 1998 risiede in Italia. Ha suonato a Torino (Unione Musicale), Milano (Società dei Concerti), Palermo (Amici della Musica), Roma (Quirinale) e in molte altre città italiane, anche con programmi a tesi. Nell’Ottobre del 2001 ha preso parte a Catania con Andrea Bocelli e Sandro De Palma, sotto la direzione di Donato Renzetti, alla prima esecuzione assoluta di “…malinconia, ninfa gentile” per canto, due pianoforti concer-tanti e orchestra d’archi di Azio Corghi, che successivamente ha dedicato a lei e a De Palma la suite …Di bravura tratta da questa composizione. Di “…malinconia, ninfa gentile” è stata pubblicata, a cura della Presidenza del Senato d’Italia, la registrazione in disco.

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Piazza S. Spirito, autunno in piazza

NOTE DI SALA Alberto Giglioni è nato a Firenze, dove ha compiuto gli studi musicali al Conservatorio «Cherubini» diplomandosi in composi-zione, direzione d’orchestra e musica corale con i maestri Carlo Prosperi, Riccardo Luciani, Alessandro Pinzauti, Albino Varotti. E’ risultato vincitore del concorsi A.Gi.Mus. di Lecco con la Passacaglia per organo (2001), del secondo premio per la didattica musicale «Città di Pontremoli» (2003), del primo premio al Concorso internazionale di composizione «Ve.Ri.Do» (2006), del diploma d’onore al «Tim-Torneo internazionale di musica» con Impulsus per archi (Roma, 2010). Sue composizioni sono state eseguite spesso dall’Orchestra da Camera Fiorentina. «Il titolo del brano Hypogeum (sotterraneo, criptico…) si riferisce soprattutto alla cellula ritmica che appare d’improvviso al basso, imponendosi, quasi subito, su tutti gli archi e dando origine al propulsivo secondo episodio», spiega l’autore. «La serie dodecafonica (prima e ultima parte) che compare stratificata nelle nove parti divise degli archi, si sovrappone nell’episodio centrale creando un contrasto dinamico strutturale fra le due idee. La cellula ritmica “sotterranea”, citata poc’anzi, riappare più volte nel corso della composizione, quasi a volersi imporre di nuovo, ma svanirà a poco a poco fino al dissolvimento, sul cluster dei violini, del Tutto».

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-91) concepì i tre Concerti per pianoforte e orchestra K. 413, K. 414 e K. 415 nell’anno 1782, uno di seguito all’altro, cominciando proprio da questo in la maggiore eseguito oggi. Si trovano tutti e tre, secondo la descrizione che ne diede l’autore, «a metà strada fra il troppo difficile e il troppo facile, molto brillanti, gradevoli all’orecchio, naturalmen-te senza cadere nella vacuità». In particolare, su gran parte del K. 414 aleggia l’ombra del più giovane dei figli di Bach, Johann Christian, morto quarantaseienne il giorno di Capodanno di quell’82. Mozart fanciullo, che l’aveva conosciuto a Londra, vi aveva suonato assieme e gli era debitore di non pochi consigli. Tutto il Concerto – che l’autore apprezzava molto e probabilmente suonava spesso, come dimostra l’esistenza di due cadenze originali per ciascun movimento, caso unico tra i concerti mozartiani – si muove entro i confini di un’architettura levigatissima e di sonorità morbide. Così il vaporoso primo tempo, «Allegro», e il rondò conclusivo, un «Allegretto» dall’espressività compiaciuta e misurata malgrado l’allegria un poco plebea preannunciata al principio dall’orchestra, poi subito smorzata. Intimamente meditativo il movimento lento, il cui tema principale (omaggio alla memoria di Johann Christian) deriva dall’ouverture che il «Bach di Londra» aveva composto un ventennio addietro per una rappresentazione dell’opera La calamità dei cuori di Baldassare Galuppi.

Solo due volte viene toccato il modo minore nel catalogo sinfonico di Mozart, e in lavori scritti a quindici anni di distanza l’uno dall’altro. Sol minore è la tonalità d’impianto delle sinfonie K. 183 e K. 550. Ma non è l’unica affinità tra le due partiture, tanto diverse nelle proporzioni eppure apparentate anche da una rete fitta di rimandi tematici, timbrici, ritmici, nonché dal colore generale. La “piccola” Sinfonia K. 183 fu terminata a Salisburgo il 5 ottobre 1773. Nell’orchestra dell’arcigno principe arcivescovo Colloredo, Mozart ricopriva la carica di Konzermeister, primo violino, e fra gli obblighi del suo impiego vi era pure quello di scrivere sinfonie. Nel marzo precedente il giovane compositore e il padre Leopold erano rientrati in città dopo cinque mesi di soggiorno in Italia, il terzo in una manciata d’anni. D’estate, poi, erano ripartiti alla volta di Vienna, però il viaggio si era rivelato infruttuoso sul piano professionale dato che Wolfgang non aveva potuto ottenere l’agognato posto nella cappella imperiale. Tuttavia, proprio durante la breve permanenza nella capitale asburgica, aveva fatto conoscenza dei quartetti di Haydn, la cui stringente logica costruttiva non l’aveva lasciato indifferente. Con la K. 183 Mozart raggiunge il suo primo, sublime risultato maturo nel campo della sinfonia. Notevole, a parere del musicologo Giovanni Carli Ballola, per «la complessiva concezione di una dialettica sonatistica che ha scoperto nel principio, squisitamente “drammatico”, della transizione da un periodo all’altro del discorso (in virtù di una dinamica complessa, fatta di eloquenti raccordi tematici, contrasti fonici e/o timbrici, impennate o ripiegamenti cromatici) un elemento progressivo di decisiva importanza per il cammino futuro del compositore». Quest’opera può essere ascritta a buon diritto al protoromanticismo e venir dunque letta come prodotto della crisi in atto nella musica austriaca attorno al 1770 per via dell’infiltrazione di caratteri «Sturm und Drang». Ciò che porta nobiltà, grandezza e tono af-fermativo tipici delle sinfonie in modo maggiore a tradursi, nel minore, in atmosfere più pessimistiche e tormentate. Come qui risalta con chiarezza all’ascolto degli Allegri estremi nei quali le frasi si susseguono concitate.

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Il folto pubblcio che frequenta i concerti nell’Auditorium di Santo Stefano al Ponte Vecchio

A fronte delle dieci sinfonie accolte ufficialmente nel catalogo (numerate da 0 a 9, quest’ultima incompiuta) e del cospicuoimpegno nella musica sacra, la produzione cameristica dell’austriaco Anton Bruckner (1824-96) è quantitativamente assai limi-tata. Composto nel luglio 1879 e dedicato al duca Max Emanuel di Baviera, il Quintetto in fa maggiore per archi è dunqueun’opera quasi solitaria, «straordinaria per la continua provocazione sinfonica, come castigata in una sonorità e in un accentopiù raccolto e distesamente riflessivo» (Martinotti). Un ponte fra il Beethoven tardo e Schönberg, nel quale il cromatismo ela modernità del linguaggio armonico convivono con il processo di variazione continua e con un fitto lavorio polifonico. DelQuintetto, stasera viene eseguito il movimento lento, «Adagio», considerato una vetta dell’arte bruckneriana: uno dei suoi temisi ripresenterà nell’«Adagio» della Settima sinfonia.

Aldo Ciccolini solista con l’Orchestra da Camera Fiorentina al Teatro della Pergola per celebrare i 30 anni di attività

Orchestra da Camera Fiorentina alla riapertura del Forte di Belvedere

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Domenica 16 e Lunedì 17 Ottobreauditorium di santo steFano al Ponte Via Por santa maria (Ponte Vecchio) Fi


direttore GiUSePPe lanZettaPianoforte brUno Canino

F. torri The Awakening Perception - prima esecuzione assolutaW.a. moZart Concerto per Pianoforte e Orchetsra KV499 n° 14 in Mi bem maggiore Allegro, Allegro assai

e. GrieG Holber’s suiteW.a. moZart Sinfonia K202 n° 30 in Re maggiore

BRUNO CANINO nato a Napoli, ha studiato pianoforte e composizione al Conservatorio di Milano, dove poi ha insegnato per 24 anni; e per dieci anni ha tenuto il corso di pianoforte, e musica da camera al Conservatorio di Berna. Come solista e pianista da camera ha suo-nato nelle principali sale da concerto e Festivals europei, in America, Australia, Giappone, Cina. Suona in duo pianistico con Antonio Ballista, e collabora con illustri strumentisti come Accardo, Ughi, Amoyal, Itzahk Perlman, Krylov. E’ stato dal 1999 al 2002 direttore della Sezione Musica della Biennale di Venezia. Si è dedicato in modo particolare alla musica contemporanea, lavorando, fra gli altri, con Pierre Boulez, Luciano Berio, Karl-Heinz Stockhausen, Georgy Ligeti, Bruno Maderna, Luigi Nono, Sylvano Bussotti, di cui spesso ha eseguito opere in prima esecuzione.Ha suonato sotto la direzione di Abbado, Muti, Chailly, Sawallisch, Berio, Boulez, con Or-chestre come La Filarmonica della Scala, Santa Cecilia, Berliner Philarmoniker, New York Philarmonia, Philadelphia Orchestra, Orchestre National de France. Numerose le sue regi-strazioni discografiche: fra le più recenti ricordiamo Bach Variazioni Goldberg, l’integrale

pianistica di A. Casella, ed ha iniziato quella di C. Debussy di cui sono usciti I primi due CD (Stradivarius). Ha tenuto masteclass per pianoforte solista e musica da camera, in Italia, Germania, Giappone, Spagna, e partecipa al Marlboro Festival negli Stati Uniti da più di venticinque anni. Attualmente insegna all’Istituto Música de Cámara a Madrid. Il suo libro “Vademecum del pianista da camera” è edito da Passigli.

NOTE DI SALAFederico Torri (1992) si avvicina alla musica con il pianoforte per poi passare al basso elettrico, diplomandosi all’Accademia Li-zard di Fiesole. Terminato il liceo, inizia a studiare composizione alla Scuola di musica di Fiesole con Andrea Portera. I suoi brani sono stati eseguiti da Orchestra Sinfonica di Sanremo, Pomeriggi Musicali di Milano, Orchestra da Camera Fiorentina. Nel 2013 viene selezionato come finalista al Concorso internazionale di musiche da film “Mario Nascimbene Award” e nel 2014 segue il corso di perfezionamento in composizione di musica per film all’Accademia Chigiana con Luis Bacalov. Ha composto inoltre le musiche per uno spettacolo su Pinocchio all’interno della rassegna “Suoni Riflessi” e per uno spettacolo comico con Paolo Hen-del. Nel 2016 scrive anche per la Biennale di Venezia. The Awakening Perception, spiega Torri, «si ispira alla ripresa di coscienza e consapevolezza, il graduale risveglio dei sensi che segue dopo una fase di assenza da sé stessi».

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) dedicò il Concerto in mi bemolle maggiore K. 449 per pianoforte e orchestra, terminato il 9 febbraio 1784, all’allieva Barbara von Ployer detta Babette, figlia strumentalmente ben dotata del rappresentante diploma-tico salisburghese a Vienna. «E’ un concerto di tipo particolare, più indicato per una piccola orchestra che per una grande», ne scriveva l’autore al padre. Un’orchestra tanto piccola – gli oboi e i corni sono ad libitum – da potersi addirittura sgonfiare fino a trasformarsi in quartetto d’archi. I suoi tre movimenti non potrebbero essere tra loro più differenti. Drammatico, dal piglio eroico, il primo, insolitamente in metro ternario, basato sulla vigorosa contrapposizione timbrica e psicologica tra solita e or-chestra, dialogo pulsante tra due entità gagliarde e combattive collocate sullo stesso piano. Pervaso quasi di intima religiosità l’«Andantino» successivo illuminato di premonizioni romantiche in quel suo girovagare armonico, imprevedibile e ricercato. Guarda invece al passato barocco l’«Allegro ma non troppo» conclusivo, in forma di rondò, con il refrain aguzzo e buffonesco che ogni volta si presenta arricchito di varianti ritmiche e abbellimenti sempre differenti. Qui tutto si regge sul contrappunto, su una frantumazione imitativa serrata eppur trasparente che nel suo incedere inarrestabile oppone la mano destra alla sinistra e tutte, e due alla compagine orchestrale. Fino alla scoppiettante accelerazione ritmica e metrica della stretta finale.

Per Edvard Grieg (1843-1907) gli anni Ottanta furono talmente densi di impegni concertistici in giro per l’Europa da obbligarlo a ridurre in modo drastico l’attività compositiva. La suite pianistica Dai tempi di Holberg (trascritta quasi subito per orchestra

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d’archi) prese forma nel 1884 durante una pausa di relax trascorsa nella natia Norvegia. La composizione, da Grieg stesso definita «imparruccata», venne composta per celebrare il bicentenario della nascita di Ludvig Holberg (1684-1754), il più importante rappresentate della letteratura norvegese e danese, nonché fondatore del teatro scandinavo. E’ costituita da cinque pezzi – Pra-eludium, Sarabande, Gavotte et Musette, Air, Rigaudon – che sembrano provenire da un barocco lontano osservato con sguardo poetico e ricreato con fine sensibilità. Attraverso la trasparenza della strumentazione vi si manifestano strutture che rimandano al barocco, l’eleganza e il lirismo delicati di un musicista che si trova a suo agio nelle piccole forme, e comunque in controluce una solidità timbrica e costruttiva di matrice germanica («ho studiato a Lipsia e musicalmente sono del tutto tedesco», diceva di sé Grieg). Come nell’antica suite, il «Preludio», qui tripartito, introduce le danze: la turgida «Sarabanda»; la «Gavotta» che ha incastonata al suo interno una «Musette» dal basso a mo’ di cornamusa; l’«Aria» vibrante, pervasa secondo il critico musicale Eduard Hanslick di «dolce malinconia, facile da placare», la cui melodia appare quasi tragica a causa dell’impiego di dissonanze e abbellimenti frementi; l’eccitato «Rigaudon» finale, costruito con arguzia in uno stile squisito e ammiccante che pare prean-nunciare il distacco emotivo novecentesco del Pulcinella di Stravinskij.

Fra i doveri del giovane Mozart, Konzertmeister della cappella arcivescovile salisburghese, c’era anche quello di produrre mu-sica sacra e lavori strumentali. L’orchestra aveva 33 elementi. Nascono per loro, tra l’ottobre 1773 e il novembre 1774, le quattro Sinfonie K. 183, K. 201, K. 202 e K. 200. Le ultime due, peraltro, piuttosto sottovalutate dalla critica perché sembrano fare un passo indietro rispetto alla lucida, matura modernità delle altre, attestandosi su una generica, spensierata, chiassosa brillantezza molto debitrice allo stile di Michael Haydn, il fratello compositore del ben più noto Franz Joseph. In particolare nella K. 202 (in re maggiore, datata 5 maggio 1774) sono stati percepiti come elementi rétro «una certa rilassatezza della forma» e l’eccessivo «indulgere ad un certo gusto salisburghese a mezzo italianeggiante e mannheimer» (Carli Ballola). Ciononostante si tratta di una partitura molto simpatica. Ricchi di buonumore si mostrano soprattutto i movimenti estremi. Il primo, «Molto allegro», in agile metro ternario, è reso ancor più ammiccante, spensierato e ironico dal formicolare di trilli che ne pervadono esposizione e ripresa. Assai tradizionale, invece, la condotta del pomposo, anacronistico «Andantino con moto» affidato ai soli archi (vi tacciono quindi le coppie di oboi, di corni e di «trombe lunghe» richieste negli altri movimenti). Nel Menuetto, non privo di aristocratico snobismo, lo spirito della danza viene turbato da inattese umbratilità. Il «Presto» finale, il cui primo tema si ca-ratterizza per i giocosi ritmi puntati, sembra uscito fuori da un’opera buffa; singolarissima, poi, la conclusione della pagina, che preferisce svaporare piuttosto che arrestarsi su un punto fermo.

Bruno Canino in Santo Stefano al Ponte ottobre 2013

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SABRINA BESSI, PATRIZIA SCIVOLETTO, GIAMPAOLO FRANCONI, PAOLO PECChIOLI vedi pag. 11/14

Lunedì 5 Dicembreauditorium di santo steFano al Ponte Via Por santa maria (Ponte Vecchio) Fi

Celebrazione della Morte di W.A. MozartV Edizione 2016ORCHESTRA DA CAMERA FIORENTINAdirettore GiUSePPe lanZetta

CORO HARMONIA CANTATA direttore del coro raFFaele PUCCianti

soprano Sabrina beSSicontralto PatriZia SCiVolettotenore GiaMPaolo FranConibasso dieGo ColliW.a. moZart “Ave Verum” Requiem in Re Min KV 626 per soli coro e orchestra Introitus, Kyrie, dies irae, Tuba mirum, rex tremendae, Recordare, Confutatis, Lacrimosa, Offertorium, domine Jesu, Hostias, Sanctus, Benedictus, Agnus dei, Lux aeterna

NOTE DI SALA«Ave, verum corpus, natum e Maria virgine: / Vere passum, immolatum in cruce pro homine; cuius latus perforatum unda fluxit et sanguine. / Esto nobis praegustatum in mortis examine». Pochi minuti di musica, 46 battute. Breve, anzi brevissimo il mottetto Ave verum corpus in re maggiore K. 618 per coro a quattro voci, archi e organo scritto da Wolfgang Amadeus Mozart (1756-91). La genesi di questo capolavoro sacro, concepito di getto il 17 giugno 1791, non ha a che vedere con una qualche istanza religiosa o spirituale. All’origine sta invece il desiderio di compiacere un amico: Anton Stoll, direttore di coro parrocchiale a Baden, la cittadina termale frequentata dalla moglie del compositore. Niente di meglio delle parole dello studioso mozartiano Wolfgang Hildesheimer per descrivere il pezzo: «Si tratta di musica grandiosa, testimonianza di infallibile intelligenza drammatica e comprensione della materia, musica che prende vita come sempre dal proprio tema: due pagine ben scritte, senza errori, senza la minima cancellatura; sublime evocazione “sottovoce”». Nel luglio 1791 Mozart ricevette presso la sua casa di Vienna la visita di uno sconosciuto, agghindato in foggia piuttosto tetra, che gli commis-sionò una messa da requiem con la promessa di pagarla profumatamente. Per intanto forniva un lauto anticipo (il resto sarebbe stato liquidato a lavoro ultimato) e imponeva la consegna del silenzio sul compito da svolgere. Il tizio era l’intendente del conte Franz von Walsegg zu Stuppach, un nobile di provincia dilettante di musica, solito a spacciare musica altrui per propria. Nel caso specifico il conte intendeva eseguire la parti-tura mozartiana il 14 febbraio 1792 durante la cerimonia in suffragio della moglie scomparsa prematuramente. Le circostanze e l’oggetto della commissione, insieme al fatto che il compositore sarebbe morto di lì a poco, non potevano non creare intorno al Requiem un’aura di lugubre mistero che si è propagata fino a tempi recenti, anche grazie a una serie di testimonianze coeve che sottolineano come Mozart medesimo fosse consapevole di star preparando la propria messa funebre. La composizione procedette a rilento. Non che Mozart vi si applicasse di malavoglia, come qualcuno ha affermato, ma perché in quei mesi le urgenze maggiori erano di carattere teatrale, ossia l’elaborazione della Clemenza di Tito e del Flauto magico. Al Requiem poté dedicarsi quasi a tempo pieno soltanto a partire da ottobre. Però il 18 novembre, nel corso di una riunione alla loggia massonica cui era affiliato, Mozart si sentì male. Da allora fino al giorno del decesso, il 5 dicembre, dovette rimanere a letto. Il 4, racconta la cognata, «al capezzale di Mozart vi era Süssmayr. Il noto Requiem giaceva sulla coperta e Mozart gli spiegava come, a suo parere, dovesse completarlo dopo la sua morte». Ciò a dimostrazione che la partitura non era ancora compiuta. E dunque, quanto del Requiem che noi oggi ascoltiamo è di paternità mozartiana? La vedova del compositore, Constanze, gliela accreditò integralmente consegnando così a Walsegg, sia pure in ritardo di un anno, a fine 1792, quanto da lui richiesto: il Requiem «di Mozart», che in calce portava addirittura la firma falsificata dell’autore. In realtà le attestazioni di autenticità della scaltra vedova miravano solo a riscuotere il compenso pattuito, che ovviamente non le sarebbe stato versato se sulle modalità di redazione della partitura lei avesse detto la verità. In più, volendo sfruttare al massimo la situazione, la vedova ne promosse esecuzioni e stampa, in entrambi i casi, peraltro, contravvenendo agli accordi presi con il committente che difatti minacciò azioni legali. Tuttavia l’analisi filologica sui due manoscritti del Requiem pervenutici e le confessioni di Franz Xaver Süssmayr in occasione della pubblicazione riescono a chiarire la questione. Ossia: l’unica pagina firmata interamente da Mozart è l’Introito (e dunque a lui si deve la scelta, poi accolta dagli strumentatori in tutta la partitura, di limitare i legni a 2 fagotti e 2 corni di bassetto). Del Kyrie, della Sequenza (tranne il «Lacrimosa») e dell’Offertorio il compositore lasciò le parti vocali del coro e dei quattro solisti, oltre alla linea del basso numerato; del «Lacimosa» scrisse otto battute; l’«Agnus Dei» venne abbozzato. Tutto il resto è dell’allievo Süssmayr, compresa l’orchestrazione cui, qua e là, collaborarono anche altri dell’entourage mozartiano come Joseph Eybler e Franz Jakob Freystädtler. L’Introito è stilisticamente poliedrico: comincia con quello che è stato definito uno «spettrale coro di morti» contrappuntistico sulle parole «Requiem aeternam», prosegue con il declamato drammatico su «Et lux perpetua» e con possenti richiami bachiani su «Te decet hymnus», termina con la contrapposizione antifonale tra il gruppo di viole, fagotti, bassi e quello dei violini su «Exaudi orationem meam». Il Kyrie si sviluppa come una doppia fuga corale dalla forte carica ritmica e cromatica, fondendo le sezioni del testo liturgico (Kyrie I, Christe, Kyrie II) in un unico arco formale. La Sequenza si articola in sei episodi contrastanti che trascorrono dal tellurico «Dies irae» al fiacco sviluppo del «Lacrimosa» opera di Süssmayr, passando attraverso il suggestivo «Tuba mirum» (l’idea di affidare un assolo al trombone sarà farina del sacco di Süssmayr o suggerimento mozartiano?), i barocchismi del «Rex tremendae», l’anelito al trascendente del «Recordare», la drammatica contrapposizione tra dannati e beati emergente dal «Confutatis». In ossequio alla tradizione, l’Offertorio viene suddiviso in due sezioni: il «Domine Jesu Christe» dal quale, quasi senza avvedersene, prende forma la fuga «Quam olim Abrahae»; e il lirismo del versus «Hostias et preces» dopo cui viene ripresa la fuga. Il Requiem si conclude con due pagine piuttosto deboli (Sanctus-Benedictus e Agnus) e con un Communio che riutilizza pari pari la musica di Introito e Kyrie.

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Requiem nella Basilica di San Lorenzo

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requiem nella Basilica di San Lorenzo 5 dicembre 2015.jpg

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I dischi dell’Orchestra da Camera Fiorentina sono in vendita presso

Alberti Nuova SpaVia Borgo S. Lorenzo 45/49 r - Firenze - Tel. 055 294271 [email protected]

Zubin Mehta, Luciano Nebbia, Pinchas Zukerman, Giuseppe Lanzetta presso l’auditorium “Cosimo Ridolfi” dellaBanca CR Firenze, Intesa S. Paolo dopo il concerto dei Zukerman Chamber Players.

I Concerti sono realizzatiin collaborazione con il

Si ringrazia inoltre per l’ospitalità

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Andreas Blau con Giuseppe Lanzetta47

Ensamble dell’Orchestra dell’Accademia di Santa Secilia diretta da Giuseppe Lanzetta al Bargello il 21 L uglio 2011

L’Orchestra da Camera Fiorentina al Teatro Comunale di Firenze

Il Museo di Orsanmichele durante i concerti

Panoramica del Museo di Orsanmichele al primo piano

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Premio “Il bel San Giovanni” al maestro Giuseppe Lanzetta per la musica, ediz. 2015

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Zubin Mehta, Luciano Nebbia, Pinchas Zukerman, Giuseppe Lanzetta presso l’auditorium “Cosimo Ridolfi” dellaBanca CR Firenze, Intesa S. Paolo dopo il concerto dei Zukerman Chamber Players.

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Fotografie di: UMBERTO VISINTINI Archivio Storico NEW PRESS PHOTO

Comune di MassaAssessorato alla Cultura


CITTÀ METROPOLITANADI FIRENZE

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Gran ConCerto di Fine anno del 31/12/ · PDF file2 Il grande pubblico del Concerto di Capodanno 2015 Gran ConCerto di Fine anno del 31/12/2015 Il Maestro Giuseppe Lanzetta dirige il