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Expresión gráfica
EMNA GARCIA REYES
Red Tercer Milenio
EXPRESIÓN GRÁFICA
EXPRESIÓN GRÁFICA
EMNA GARCIA REYES
RED TERCER MILENIO
AVISO LEGAL
Derechos Reservados 2012, por RED TERCER MILENIO S.C.
Viveros de Asís 96, Col. Viveros de la Loma, Tlalnepantla, C.P. 54080, Estado de México.
Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio, sin la autorización por escrito del titular de
los derechos.
Datos para catalogación bibliográfica
Emna García Reyes
Expresión gráfica
ISBN 978-607-733-097-4
Primera edición: 2012
Revisión pedagógica: Aurora Leonor Avendaño Barroeta
Revisión editorial: Ma. Eugenia Buendía López
DIRECTORIO
José Luis García Luna Martínez Director General Rafael Campos Hernández Director Académico Corporativo Bárbara Jean Mair Rowberry Directora Corporativa de Operaciones
Jesús Andrés Carranza Castellanos Director Corporativo de Administración Héctor Raúl Gutiérrez Zamora Ferreira Director Corporativo de Finanzas Alejandro Pérez Ruiz Director Corporativo de Expansión y Proyectos
2
ÍNDICE
Introducción 4
Objetivo general 6
Mapa conceptual 7
Unidad 1: Variables acromáticas 8
Mapa conceptual 9
Introducción 10
1.1 Luz y sombra 11
1.2 Textura visual 19
Autoevaluación 24
Unidad 2: El color aplicado a la imagen 26
Mapa conceptual 27
Introducción 28
2.1 Según las necesidades del mensaje 29
2.1.1 Teoría del color 29
2.1.2 Características del color 34
2.1.3 Contrastes de color 37
2.2 Variables psicológicas del color aplicadas a la comunicación visual 40
Autoevaluación 43
Unidad 3: Técnicas tradicionales de representación 44
Mapa conceptual 45
Introducción 46
3.1 Medios de punta 47
3.1.1 Colores de madera 51
3.1.2 Pastel 55
3.1.3 Rotuladores 58
3.2 Medios al agua 62
3
3.2.1 Acuarela 62
3.2.2 Tintas 67
3.2.3 Gouache/acrílico 69
3.3 Medios experimentales 73
3.3.1 Café 73
3.3.2 Aerosol 77
3.3.3 Agua y aceite (marmolados) 80
Autoevaluación 84
Unidad 4: Metodología de representación 87
Mapa conceptual 88
Introducción 89
4.1 Sistematización del proceso proyectual de la imagen 90
Autoevaluación 97
Bibliografía 99
Glosario 100
4
INTRODUCCIÓN
El diseño es un proceso visual, aunque por ejemplo, a diferencia de la pintura o
la escultura, en las que el artista expresa vivencias y sentimientos, el diseño
tiene un propósito determinado: el diseñador propone y presenta ante el
receptor un mensaje establecido con anterioridad, y se encarga de resolver
necesidades de comunicación bajo ciertos lineamientos y estudios.
De acuerdo con el diccionario, el término gráfico se refiere a la escritura,
a representar por medio de figuras o signos. El diseño gráfico se refiere a
escribir con imágenes, busca presentar formas gráficas eficaces para integrar
esa necesidad al medio ambiente, con el entorno del ser humano, y resolver
esa necesidad de comunicación en forma de un cartel, una tarjeta de
presentación, un empaque, un logo, etc.
En este libro sobre expresión gráfica, se presentan temas que incumben
al diseñador para la aplicación del diseño, así como herramientas y consejos
que le permitirán aumentar sus posibilidades y optimizar los resultados al
realizar su trabajo cotidiano dentro del campo del diseño gráfico.
La primera unidad identifica elementos gráficos que son la base de
formación para los diseñadores, como la luz, la sombra y las texturas. Además,
se indica cómo se generan estos elementos dentro de las composiciones
gráficas y se muestran ejemplos de su aplicación.
En la segunda unidad, se aborda el mundo del color. De este modo, se
definirá brevemente al color como fenómeno físico y se detallará su relación con
el diseño. Se analizarán los principios básicos referentes al color: sus
características y sus contrastes, así como la forma de aplicar la psicología del
color a las composiciones gráficas para obtener los resultados programados.
En la tercera unidad, se describen las denominadas técnicas de
representación, que son utilizadas por los diseñadores e ilustradores para sus
proyectos gráficos. Para todas las técnicas presentadas, se explicarán los
materiales a utilizar, el proceso de ejecución y algunos consejos sencillos para
mejorar la ejecución de la técnica. Se presentan técnicas de punta como el gis
5
pastel, los rotuladores y los colores de madera; técnicas al agua que incluyen la
técnica clásica de la acuarela, el gouache y la tinta china; y tres técnicas que se
denominan experimentales debido a que no están establecidas propiamente,
pero con las que se obtienen muy buenos resultados, entre las cuales están la
técnica de café, los marmolados con óleo y la pintura en aerosol.
En la cuarta unidad, se explicará brevemente la metodología de
representación de las imágenes, es decir, el proceso proyectual de las
imágenes. Se indicará en qué consiste este proceso y cómo se realiza, desde la
parte investigativa del diseñador antes de plasmar sus ideas, es decir, el brief
de diseño, para continuar con el proceso de plasmar la investigación y las ideas
sobre un papel en los bocetos preliminares, y proseguir con el dummy para un
proyecto, hasta llegar al original mecánico para impresión.
Este libro pretende ser de gran utilidad para los estudiantes de diseño; al
presentar las técnicas y los procesos de manera sencilla para su aplicación, se
busca despertar en los estudiantes la inquietud de desarrollar las habilidades
necesarias para dominar las técnicas, acrecentando y optimizando sus
resultados al momento de diseñar.
6
OBJETIVO GENERAL DE APRENDIZAJE
El estudiante identificará las técnicas de expresión gráfica comúnmente
utilizadas en el diseño, considerando la metodología de representación, y
posteriormente, las aplicará en el campo que se requiera.
7
MAPA CONCEPTUAL
8
UNIDAD 1
VARIABLES ACROMÁTICAS
OBJETIVO
Identificar elementos gráficos básicos para un diseñador, resolviendo ejercicios
de luz, sombra y texturas, para su aplicación en el campo de la comunicación
visual.
TEMARIO
1.1 LUZ Y SOMBRA
1.2 TEXTURA VISUAL
9
MAPA CONCEPTUAL
10
INTRODUCCIÓN
En el diseño gráfico se organizan formas, colores y espacios con base en ideas
planeadas previamente, todo esto con la finalidad de resolver problemas de
comunicación visual a través de mensajes. De este modo, lo que resulte en
conjunto, debe cumplir el objetivo de transmitir esos mensajes en forma
práctica, estética y funcional al espectador, a través de la composición realizada
por el diseñador, por ello la importancia de identificar y dominar los elementos
que son sólo algunas de las herramientas al diseñar y que amplían el espectro
creativo.
En el diseño gráfico y en el arte en general, elementos como la luz, la
sombra y la textura (además del punto, la línea, el plano y el color), son bases
de gran importancia para cualquier artista plástico y diseñador, proporcionando
una gama infinita de posibilidades para explorar y desarrollar ese espíritu
creativo e innovador.
En esta primera unidad, se identificará cada uno de estos elementos de
expresión gráfica, así como su relación y aplicación en el diseño gráfico.
11
1.1 LUZ Y SOMBRA
Un diseñador es un creador por naturaleza, entre otras cualidades, debe ser
creativo, práctico e innovador. Sin embargo, antes de “lanzarse” al mundo del
diseño, es necesario que desarrolle y organice todas estas aptitudes y las
complemente con el manejo de la comunicación visual. Estas bases, reglas y
conceptos básicos le darán al diseñador posibilidades infinitas en la disciplina
del diseño.
En este sentido, a continuación se enlistan los elementos de expresión
gráfica:
Punto
Línea
Plano
Volumen
Color
Textura
Los temas sobre color y textura tienen su espacio más adelante; por
ahora, se describirán los temas restantes.
Punto
El punto es el verdadero origen de cualquier diseño, pintura o representación
gráfica; en cualquier expresión artística o gráfica, antes del punto no hay nada.
En el diseño y las artes visuales, el punto es el principal generador de
imágenes. Cualquier imagen, por compleja que sea, surge a partir de un punto.
Aunque el punto es generador de muchas imágenes, por sí sólo no expresa
demasiado, y denota algunas limitantes como las siguientes:
No muestra movimiento ni dirección alguna
No avanza ni retrocede
No indica dirección, ni vertical ni horizontal
12
No muestra tensión ni dinamismo
Un ejemplo de la descomposición de los objetos a base de puntos, es la
técnica denominada puntillismo. En el puntillismo, las formas totales se
representan colocando puntos sobre la superficie, en ocasiones con puntos de
diferentes dimensiones y colores. En otros casos, el puntillismo se basa en la
saturación de puntos dependiendo de las áreas iluminadas y no iluminadas.
Esta técnica surge como consecuencia del impresionismo a finales del siglo
XIX, los primeros y más importantes exponentes del puntillismo fueron los
franceses Georges Seurat y Paul Signac.
Puntillismo. Georges Seurat
13
14
Línea
Al dar movimiento o repetición a un punto, se genera una línea. La función de
las líneas es delimitar las formas y los objetos. Las líneas proporcionan ciertas
referencias acerca de los objetos trazados, algunas de estas referencias son las
siguientes:
Indica cierta posición y dirección
Sugiere cierto peso en el objeto que se observa
Señala cierta longitud, grosor o dimensión
Las líneas no deben ser siempre derechas o delgadas, las líneas toman
muchas formas, y aunque parezcan trazos diferentes, todas siguen siendo
líneas. A continuación, se muestran algunos ejemplos:
Visualmente, las líneas expresan diversas características, cualidades
psicológicas, y sensaciones que se producen dependiendo de la forma de
trazarlas. Estas variantes se pueden aprovechar al diseñar; las más destacadas
son las siguientes:
Línea horizontal: tranquilidad, reposo, serenidad.
Línea recta: solidez, fuerza, rigidez.
Línea vertical: equilibrio, estabilidad, fuerza, espiritualidad.
Algunos ejemplos de líneas.
D.G. Emna García.
15
Línea inclinada: intensidad, movimiento, vida, alegría o caída.
Línea curva: actividad, movimiento.
Línea ondulada: fluidez, dinamismo, energía.
Ashurado a trazo libre. Alumno de la secundaria. y preparatoria “Justo Sierra”
16
Un recurso gráfico que se basa en el principio de generar imágenes a
partir de líneas es el ashurado, que es una técnica muy interesante para los
diseñadores. En el ashurado, las líneas pueden realizarse de forma libre y
rápida; a mano o con instrumentos (escuadras). Se trazan líneas verticales,
horizontales, inclinadas, cruzadas (verticales y horizontales), cruzadas
inclinadas (de izquierda a derecha y viceversa); incluso se pueden colocar
líneas sobre otras para saturar las imágenes y generar volumen.
ACTIVIDADES DE APRENDIZAJE
Con tema libre, realiza tu propio proyecto de puntillismo y ashurado:
Utiliza 1/8 de cartulina ilustración para cada ejercicio.
Para reproducir líneas y puntos, recuerda que tu original debe tener
volumen (luces y sombras).
Busca alguna imagen que te guste y represente un reto, (no elijas lo que
encuentres a última hora).
Utiliza estilógrafo o plumón indeleble delgado.
Plano
Se mencionó que el punto es el inicio de todas las formas gráficas, también se
indicó que varios puntos generan líneas. Si se unen varias líneas en
determinada posición, se generan planos. El plano tiene las siguientes
cualidades:
Es una representación bidimensional.
Define y limita las formas.
A partir de los planos se generan las imágenes y se definen plenamente.
Los trazos carecen de volumen.
Origina la noción de “interno y externo”.
Al crear los planos, se construye el camino para incorporar el volumen, el
color y la textura.
17
Volumen
Todo lo que captan los ojos es luz. Los ojos captan la luz que existe alrededor y
absorben todas las variaciones de luz. El cerebro arma y organiza las imágenes
que se observan. Todos los cuerpos u objetos están formados por planos o
superficies, líneas y puntos, que al ubicarse en formas determinadas, generan
volumen. Los elementos indispensables que intervienen para generar volumen
son la luz y la sombra.
La agrupación de líneas, genera planos. Los planos por sí solos, no generan volumen.
D.G. Emna García
18
Algunas de sus características son:
La luz y la sombra dan vida, movimiento y
realismo a las formas trazadas.
Después de generar formas con puntos y
líneas, y delimitar esas formas con planos,
las luces y las sombras proporcionan la
imagen visual de tercera dimensión en los
objetos.
Estos recursos gráficos ofrecen a los objetos
cualidades de altura, anchura y profundidad.
Permiten que los objetos “salgan” del fondo
de la superficie y parezcan con relieve.
Presentan formas con detalle más real.
Permiten lograr una gama enorme de
contrastes, ya sea en blanco y negro, o en
color.
La luz que cae en los objetos muestra su forma
total, a través de rangos o valores de tono (claros y
oscuros). Las sombras se generan a partir de cambios
tonales denominados valores. Con respecto al color
blanco y negro (algunos autores denominan al blanco y
negro como colores acromáticos, es decir “colores sin
color”), la escala completa de valores va del blanco puro
al negro puro, con infinitas gradaciones o “tonos” entre
ambos extremos de color.
En el volumen de los objetos, intervienen diversos factores para que se
pueda originar la luz y la sombra. Estos factores, combinados o solos, logran
que las posibilidades en la comunicación visual sean infinitas. Algunos de los
aspectos que intervienen y amplían los resultados son los siguientes:
Gradación tonal
entre blanco y negro. D.G. Emna García
19
La cantidad de luz que recibe el objeto (demasiada luz genera objetos
muy claros y viceversa).
La calidad de luz que recibe el objeto (luz natural o luz artificial).
La textura o calidad física del objeto iluminado (si el objeto es liso o
rugoso, de metal, etc.).
La posición en que se refleja la luz sobre el objeto.
1.2 TEXTURA VISUAL
Cualquier objeto que se pueda observar o tocar, tiene ciertas características
que lo identifican. Las características que se describirán en este apartado son
las que se determinan de forma inmediata en la superficie de todos los objetos,
a través de sus cualidades físicas y químicas, que se conocen como textura. En
los seres humanos, la extensión de nuestra piel tiene ciertas características,
así, al observarla y tocarla, marca cierta textura que la identifica.
En el cerebro se almacena información que indica bastante acerca de las
características de los objetos que conocemos. Así, podemos dar características
a objetos que no conocemos con sólo tocarlos. El cerebro también indica ciertas
características, aunque sea sólo de forma visual, es decir, se puede sentir la
sensación de suavidad o calidez, aunque la textura no sea real, simplemente
con observar algún objeto. Esta cualidad del cerebro es una herramienta muy
importante para los diseñadores al realizar su trabajo, pues si se utiliza en
forma óptima, logra por completo captar al espectador. Como se sabe, la
textura se percibe a través de dos sentidos:
20
La textura puede ofrecer infinidad de cualidades para todos los objetos.
Algunas son las siguientes:
Textura lisa: como la tela de seda, el metal o el vidrio.
Textura rugosa: como la cáscara de la naranja.
Textura áspera: como algunas piedras o el cemento.
Textura suave: como la piel humana o el pelo de algunos animales.
La textura relacionada con el sentido de la vista, se denomina textura
visual, y la textura asociada con el sentido del tacto, se conoce como textura
táctil. A continuación, se describen de forma breve ambos tipos de texturas:
Textura táctil
Como su nombre lo indica, son todas las texturas que se pueden “tocar”
mediante el sentido del tacto, es decir, de la piel en general.
Al tocarlas, se siente de manera auténtica el tipo de superficie de los
objetos (suave, áspero, duro, etc.).
Son texturas que proporcionan tridimensionalidad (3D).
Incluso sin tener ninguna fuente de luz (en obscuridad), al tocar los
objetos, se captarían las propiedades en la superficie del objeto.
Sentidos por los que se percibe la textura.
D.G. Emna García.
21
Textura visual
Se refiere a la textura que se percibe con sólo observar el objeto.
Las texturas visuales son bidimensionales. Se pueden encontrar o
plasmar en superficies como por ejemplo, el papel o la tela.
Al tocar la textura, después de percibirla sólo visualmente, la percepción
cambia, se pierde la sensación que se tuvo al principio.
Al observar la textura del objeto se percibe cierta sensación, sin
embargo, no existe en realidad.
Es un recurso gráfico donde se utilizan puntos, líneas, colores, figuras o
manchas para motivar diferentes sensaciones en el espectador.
Ashurado libre. Estilógrafo sobre opalina. Con trazos de líneas, reproducimos la idea del plumaje.
D.G. Emna García
22
Como se indicó en el desarrollo de esta unidad, los elementos de
expresión gráfica como el punto y la línea, las luces, las sombras y las texturas
son recursos gráficos muy valiosos para los diseñadores y artistas plásticos.
Todos estos elementos en conjunto, conforman la creación de las formas y a su
vez, la creación de los mensajes que resuelven problemas de comunicación
visual, que es la finalidad del diseño gráfico. Es casi obligatorio para un artista
gráfico, no sólo conocerlos, sino además entenderlos y recurrir a ellos. La
práctica y dominio de estos recursos por parte de los diseñadores, genera una
inmensidad de posibilidades que se pueden aprovechar en el desarrollo de su
trabajo
ACTIVIDADES DE APRENDIZAJE
1. Completa el siguiente cuadro comparativo con el número de respuestas
que se piden en cada casilla:
Textura táctil Textura visual
Concepto 1-
1-
Características 1-
2-
3-
1-
2-
3-
Ejemplos 1-
2-
3-
1-
2-
3-
2. Experimenta reproduciendo texturas:
Utiliza 1/8 de cartulina ilustración.
Divide con lápiz en seis partes iguales el 1/8 de cartulina ilustración.
Utiliza estilógrafo o plumón indeleble delgado.
23
Observa a tu alrededor, elije seis texturas diferentes e intenta
reproducirlas en cada cuadro de las divisiones que hiciste en la cartulina
(pelo de animal, el tronco de un árbol, el cabello de tu compañero, etc.).
Recuerda que las texturas se pueden reproducir mediante puntos, líneas,
manchas, etc.
24
AUTOEVALUACIÓN
1. En un mapa de secuencias, menciona los elementos de expresión gráfica:
2. En forma breve, explica el concepto y las características del punto, de la
línea y del plano:
3. Grafica (dibuja) algunos ejemplos de las líneas que se indican:
Curva
Ondulada
Espiral
Inclinada
Zig-zag
4. En una hoja tamaño carta y en una sola composición, contrasta puntos,
líneas y planos para generar volumen en tu ejercicio.
5. En una hoja tamaño carta, realiza una composición con el tema: “textura
visual”. Puedes utilizar estilógrafo o plumón delgado de color.
25
RESPUESTAS
1.
2. Punto:
No muestra movimiento ni dirección alguna
No avanza ni retrocede
No indica dirección, ni vertical ni horizontal
No muestra tensión ni dinamismo
Línea:
Indica cierta posición y dirección
Sugiere cierto peso en el objeto que se observa
Señala cierta longitud, grosor o dimensión
Plano:
Es una representación bidimensional
Define y limita las formas
A partir de los planos se generan las imágenes y se definen plenamente
Los trazos carecen de volumen
Origina la noción de “interno y externo”
Punto Línea Plano Volum
en Color Textura
26
UNIDAD 2
EL COLOR APLICADO A LA IMAGEN
OBJETIVO
Ubicar la presencia e importancia del color en la comunicación visual,
empleando la teoría y la psicología del color para resolver de forma óptima
problemas gráficos.
TEMARIO
2.1 SEGÚN LAS NECESIDADES DEL MENSAJE
2.1.1 Teoría del color
2.1.2 Características del color
2.1.3 Contrastes de color
2.2 VARIABLES PSICOLÓGICAS DEL COLOR APLICADAS A LA COMUNICACIÓN VISUAL
27
MAPA CONCEPTUAL
28
INTRODUCCIÓN
El color se encuentra en todo el entorno, existe color en todos los objetos que
se puedan observar. El color está ahí, en la naturaleza, entonces el ser humano
investiga, estudia y organiza el tema del color dándole un sentido específico
para satisfacer diferentes necesidades como las siguientes:
Necesidades de comunicación
Necesidades culturales
Necesidades comerciales
Incluso requerimientos médicos o en terapias alternativas
Para cada aplicación que requiera el ser humano (en función de la
necesidad que pretenda satisfacer), y concretamente, en el área del diseño, es
necesario organizar los conocimientos disponibles para aprovecharlos y
proporcionar a los mensajes emitidos una utilidad y una función efectiva.
En esta unidad, se analizará el fascinante mundo del color, primero se
detallarán las explicaciones científicas que existen al respecto, después se
expondrán los principios de la teoría del color, como el círculo cromático, así
como descripciones, características, contrastes y la manera de aprovecharlos.
Finalmente, se indicará cómo es que el color puede influir en la mente y cómo
se puede usar esto para favorecer el diseño.
29
2.1 SEGÚN LAS NECESIDADES DEL MENSAJE
La percepción del color se basa en una combinación de procesos físicos y
psicológicos. Los colores ejercen diferentes reacciones sobre las personas, de
este modo, lo mismo pueden impresionar que molestar o inquietar a quien los
observa plasmados en un diseño. Los colores expresan significados, provocan
reacciones y pueden convertirse en un símbolo para transmitir una idea, de ahí
la importancia de utilizarlos con fluidez, y de forma efectiva sobre los proyectos
gráficos.
2.1.1 Teoría del color
Físicamente, el color proviene de una fuente determinada de luz en
combinación con la percepción del cerebro, y de la forma y cantidad en que
cada objeto absorbe, descompone y refleja la luz que recibe.
Cada variación mínima de luz modifica la visión que se tiene del color en
los objetos. La luz del sol y la luz emitida por un foco común ofrecen diferentes
resultados sobre los objetos que iluminan aunque se trate del mismo color.
La física indica que a cada color le corresponde una longitud de onda de
luz (una cantidad específica de energía electromagnética que se mueve a unos
300.000 km/seg.). Los objetos, al recibir luz, absorben cierta cantidad de
energía y otra cantidad la “rechazan”, estas ondas electromagnéticas que el
objeto no absorbe se denominan color. Esta energía se percibe por el ojo y
hace que se distinga cada objeto con un color determinado.
A continuación se describe de forma breve, el proceso de la percepción
del color en el ojo:
1. La luz entra al ojo a través de la pupila.
2. Pasa al cristalino y de ahí a la retina.
3. La retina recibe la imagen invertida de lo que se observa.
4. En el cerebro, la imagen invertida se convierte en impulsos eléctricos que
se decodifican en imágenes.
30
Este proceso es muy similar al de la fotografía. En la retina se
encuentran unos “sensores” que descifran los impulsos electromagnéticos, y
ayudan a organizarlos dentro del cerebro para convertirlos en imágenes.
Algunos de estos sensores se denominan conos y reaccionan a los impulsos
destinados a tener color (cromáticos); los otros sensores que se encuentran en
la retina se llaman bastones, y reaccionan ante impulsos destinados al blanco y
negro (acromáticos). Los bastones están destinados para reaccionar mejor
cuando no hay color, es decir, se encargan de la visión en la obscuridad.
Aunque todos los seres vivos poseen receptores de luz, no todos tienen
la misma capacidad para que su visión registre colores. Los organismos más
simples son capaces de registrar únicamente si su alrededor está iluminado u
oscuro, sin que puedan registrar colores específicos, mientras que el ser
humano tiene la capacidad de percibir más de diez mil colores diferentes. En los
animales varía tanto la cantidad como la variedad de colores que pueden
registrar, es decir, los colores que observan. En todos los seres vivos, la
capacidad de percibir colores depende de algunos factores como son:
La cantidad de conos que posea cada animal.
La capacidad de su cerebro para interpretar las frecuencias
electromagnéticas que reciba.
El físico inglés Isaac Newton exploró por primera vez el tema del color.
Newton contribuyó con muchas aportaciones a la ciencia y al mundo, así
Datos sobre la visión de los animales en relación con el color. D.G. Emna García.
31
resaltan sus trabajos en los que descubrió las propiedades físicas del color a
través de sus estudios con la luz y su naturaleza. Newton estableció que la luz
blanca se compone por una secuencia de siete colores (seis colores para
algunos científicos), y por medio de un prisma de cristal, podía “separarse” o
“descomponerse” la luz blanca y mostrar esta secuencia de colores. La gama
de colores que se presenta al descomponerse la luz blanca es la siguiente:
Rojo Naranja Amarillo Verde Azul Cian Violeta
Este mismo fenómeno físico es el que se denomina arcoíris.
A partir de 1660, Newton realiza experimentos para establecer la descomposición de la luz blanca proyectando la luz a través de un prisma de cristal.
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32
De la gama de colores que se generan al descomponer la luz blanca,
surgen los colores que se conocen como primarios y secundarios, que se
estudiarán a continuación.
En el mundo del color, existen dos tipos de colores primarios: los colores
luz y los colores pigmento. Algunos datos importantes acerca de los colores
primarios se detallan en el siguiente mapa:
Características y ejemplos de la síntesis aditiva y sustractiva del color.
D. G. Emna García
33
Para los colores pigmento existe una forma de organización establecida,
que es el denominado círculo cromático, el cual consiste en presentar alrededor
de un círculo los colores considerados “base” y algunas de sus mezclas. La
secuencia se explica a continuación:
1. Los colores base son los colores primarios, es decir, el rojo, el amarillo y
el azul, que a partir de mezclarse entre sí, generan los diferentes colores
que existen; la gama que se puede generar a partir de estos tres colores
es infinita.
Círculo cromático que muestra colores primarios, secundarios y terciarios. D.G. Emna García.
34
2. A partir de los colores primarios o base, y de su mezcla, se generan los
colores secundarios, es decir, el naranja, el verde y el violeta.
3. Al obtener los colores secundarios, se mezcla un color primario con un
color secundario para generar un color terciario. Los colores terciarios
son: violeta rojizo, rojo anaranjado, amarillo anaranjado, amarillo
verdoso, verde azulado y azul violáceo.
ACTIVIDADES DE APRENDIZAJE
En un mapa de secuencias, enumera el proceso de percepción del color
en el ojo.
Menciona el color que resulta de la unión de los colores pigmento:
Menciona el color que resulta de la unión de los colores luz:
Explica el círculo cromático: ¿Qué es? ¿Cuál es su función? ¿Qué
combinaciones de color incluye?
2.1.2 Características del color
Los colores acromáticos se denominan de esta manera ya que para algunos
autores son colores, que no son colores; también se llaman colores neutros. El
blanco, el negro y el gris sirven a nivel de colores pigmento, para aclarar u
obscurecer los demás colores. Se debe recordar que el blanco es la unión de
los colores luz y que el negro es la unión de los colores pigmento. El gris es la
mezcla entre blanco y negro. A nivel de colores pigmento, algunas de las
características de los colores acromáticos son las siguientes:
Blanco:
Es el más claro de los colores pigmento.
Tiene la capacidad de cubrir el color de fondo, a esto se le llama
opacidad.
Es ideal para aplicar otros colores sobre él ya que no distorsiona los
colores que se aplican.
No puede obtenerse por mezcla de ningún otro color.
35
Negro:
Es el más oscuro de los colores pigmento.
Tiene la capacidad de cubrir el color de fondo, a esto se le llama
opacidad.
Siempre cubre o “borra” aquello que se encontraba originalmente en la
superficie.
Gris:
Es una mezcla de pigmento blanco y negro.
La gama de tonos intermedios es muy amplia.
Cuando se aplican en alguna composición, los grises sugieren
profundidad, incluso más que el color negro.
Estamos acostumbrados a las formas negras sobre superficies blancas,
por ello, frecuentemente se usan de esa manera. En una composición, si se
utilizan juntos el blanco y el negro, se crean contrastes de tonos tan acentuados
que son ideales para la legibilidad en el dibujo, la escritura y la impresión, entre
otros campos.
Los colores cromáticos tienen ciertas características, que se denominan
propiedades, atributos o cualidades. Estas características son las siguientes:
Tono
Valor
Matiz
Tono
Es la cualidad que permite catalogar a los colores, distinguir un rojo de un
amarillo o un verde. Las variaciones de un único tono producen colores
diferentes (un tono rojo, puede ser rojo claro, rojo oscuro o rojo brillante) y éstas
son variantes dentro del mismo tono. Todos los colores del círculo cromático
36
(primarios, secundarios y terciarios) son tonos. En algunos casos, intervienen
los colores blanco y negro.
Valor
Se refiere a la cantidad de luz o de obscuridad que un color tiene. Es la cualidad
que distingue a un azul claro de un azul oscuro. Los cambios de valor se logran
mezclando el color con pigmento blanco o negro en diferentes proporciones. Al
variar las proporciones, se consigue una intensidad máxima o se reduce ésta al
mínimo.
Matiz
Se refiere al color mezclado con otro en determinada cantidad. Entre los colores
blanco y negro, el matiz sería la gama de grises que se generan entre ellos. Se
refiere al recorrido intermedio entre un tono y otro.
Los diferentes tonos del color violeta producen colores diferentes. D.G. Emna García
Matiz es el espacio de cambio entre un color y otro. D.G. Emna García.
Al incorporar blanco o negro a un color, se consigue cambiar su valor. D.G. Emna García.
37
2.1.3 Contrastes de color
Para obtener buenos resultados cuando se aplica el color a un diseño, es
necesario conocer formas ya establecidas para equilibrar los colores sobre la
composición. Al contrastar dos o más colores, la combinación intensifica las
propiedades y las diferencias entre los colores. A continuación, se indican los
diferentes tipos de contraste que existen en el diseño y se detallarán de manera
breve:
Contraste de luminosidad
Se consigue al contrastar un color claro (cargado de blanco) con un color
oscuro (con cierta cantidad de negro); también se denomina claro-oscuro. Se
utiliza bastante en textos para armonizar la claridad del texto con el fondo.
Ejemplo de contraste de luminosidad. D.G. Emna García.
38
Contraste de valor
Al considerar dos composiciones de figura-fondo como ejemplo, y contrastando
dos valores diferentes de forma simultánea, se observa que la figura sobre
fondo claro parece más “oscura” en comparación con la figura de fondo oscuro,
que parece al ojo humano “más clara”.
Contraste de saturación
Consiste en contrastar un color puro, con otro color puro al que se le ha
adicionado blanco, negro o gris. Los colores puros pierden luminosidad cuando
se mezclan con negro y cuando se mezclan con blanco ganan luminosidad.
Contraste de temperatura
Existen colores denominados cálidos (rojo, amarillo y naranja), y colores fríos
(azul, verde y morado). El contraste consiste en presentar un color cálido con
un color frío.
Ejemplo de contraste de valor.
D.G. Emna García.
Ejemplo de contraste de saturación. D.G. Emna García.
39
Contraste complementario
Consiste en contrastar dos colores opuestos en el círculo cromático. Los
colores opuestos son la “pareja” que se utilizará.
ACTIVIDADES DE APRENDIZAJE
Realiza un mapa semántico que tenga como tema principal al color.
Incluye concepto, características y contrastes, los cuales se describieron
en esta unidad.
En un mapa de cajas, explica las características del color.
Ejemplo de contraste de temperatura. D.G. Emna García.
Ejemplo de contraste complementario.
D.G. Emna García
40
Utilizando recortes de hojas de color, elabora una composición con
ejemplos de los cinco contrastes de color que se describieron en la
unidad.
2.2 VARIABLES PSICOLÓGICAS DEL COLOR APLICADAS A LA COMUNICACIÓN VISUAL
Es cierto que el color afecta de forma efectiva al ser humano, en su estado de
ánimo, en sus emociones, en sus pensamientos, e incluso los colores pueden
interferir en aspectos como la salud. Todas estas teorías han sido aceptadas y
utilizadas en distintos campos como el terapéutico, y de forma extendida en el
diseño y la publicidad.
En general, las dos grandes familias en las que se dividen los colores,
son las siguientes:
Colores cálidos: Amarillo-rojo-naranja. Esto colores se conocen como
estimulantes y excitantes, provocan sensaciones de luminosidad, calor,
actividad física, movimiento y optimismo.
Colores fríos: Azul-violeta-verde. Se relacionan siempre con la
tranquilidad, con la frescura y con la calma, e incluso con la frialdad.
Las combinaciones de colores en una composición pueden provocar
irritación, nerviosismo, sensación de limpieza o todo lo contrario.
En algunas ocasiones, las combinaciones y los resultados psicológicos
dependen del gusto personal o de la cultura en donde se aplique. A
continuación, se indican algunos colores con sus significados:
Colores cálidos
Amarillo: Es el color de la luz del sol y siempre se asocia a la energía, a
la alegría y al movimiento, así como a la calidez de la amistad. Se asocia
con la actividad mental y con el proceso creativo del ser humano. Se
puede utilizar contra el nerviosismo.
41
Naranja: También se asocia con la energía, con el movimiento y con la
alegría. A este color se atribuye la capacidad de promover el apetito.
Aumenta el optimismo, la confianza y disminuye la fatiga.
Rojo: Se relaciona con la sexualidad y con el erotismo, con la vitalidad y
con la acción. Se dice que acelera el pulso y altera los nervios. Por otro
lado, también se relaciona con el peligro y con la violencia.
Colores fríos
Verde; Se asocia con lo natural, con lo que tiene vida; es el color de la
esperanza. Es un color que tranquiliza y ofrece confianza.
Morado: Violeta o púrpura, se asocia a cuestiones espirituales y
religiosas para diversas culturas. Por otro lado, es un color que se asocia
con la tristeza y con la melancolía.
Azul: Es el color de la limpieza, de la madurez y de la tranquilidad. Sus
efectos son tranquilizantes y genera confianza. Promueve la paciencia y
la amabilidad.
Colores neutros:
Blanco: Se asocia con la limpieza interior y exterior, con la pureza, con la
paz, y en diversas culturas se relaciona con lo divino, con la humildad y
con la sencillez.
Gris: Es un color que no provoca grandes reacciones, es sobrio y puede
significar en algunos casos elegancia.
42
Negro: Se relaciona con el temor a lo desconocido, con el misterio, con la
obscuridad, con el dolor y con la muerte. Por otro lado, el negro es por
excelencia el color de la elegancia, del poder y del estilo.
El color se encuentra en todo lo que observamos y podemos tocar. En
ocasiones, sin saberlo, nos guiamos por el color en las actividades que parecen
cotidianas como comer, comprar alguna marca de ropa o en la elección de
artículos para el hogar. Nada en esta vida es totalmente cierto, lo real, es la
posibilidad de dirigir los resultados hacia donde resulte más conveniente al
diseñar. Los colores y las formas que se emplean de manera adecuada,
constituyen una herramienta sumamente valiosa para resolver problemas
gráficos con eficacia e innovación.
Psicología del color en la industria de la comida: los colores cálidos reflejan energía y se
relacionan con el apetito. www.mcdonalds.com.mx www.vips.com.mx
Psicología del color aplicada en los servicios médicos. El color blanco y el color azul siempre son relacionados con el sentido de la limpieza, el equilibrio y la tranquilidad.
www.medicasur.com.mx www.hospitalesangeles.com
43
AUTOEVALUACIÓN
Materiales:
3/8 de cartulina ilustración
Un pincel delgado y suave
Pinturas acrílicas de colores primarios y secundarios
Indicaciones:
1. Boceta tres composiciones libres a lápiz:
2. Realiza ejercicios con las características del color, es decir, ejercicios de
valor, de tono y de intensidad.
3. Aplica color eligiendo uno de los contrastes de color que se describieron
en la unidad.
4. Escribe una frase que te guste, ya sea de tristeza, de alegría, de amor,
etc., e interprétala sólo con colores aplicando la psicología del color.
44
UNIDAD 3
TÉCNICAS TRADICIONALES DE REPRESENTACIÓN
OBJETIVO
Identificar algunos de los medios disponibles como creador gráfico, resolviendo
ejercicios con técnicas de representación gráfica, para transformarlas en
herramientas de solución a problemas de comunicación visual.
TEMARIO
3.1 MEDIOS DE PUNTA
3.1.1 Colores de madera
3.1.2 Pastel
3.1.3 Rotuladores
3.2 MEDIOS AL AGUA
3.2.1 Acuarela
3.2.2 Tintas
3.2.3 Gouache/acrílico
3.3 MEDIOS EXPERIMENTALES
3.3.1 Café
3.3.2 Aerosol
3.3.3 Agua y aceite (marmolados)
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MAPA CONCEPTUAL
46
INTRODUCCIÓN
La experimentación, la práctica, así como probar con nuevos procesos, harán
que se desarrolle la habilidad en el manejo de las diferentes técnicas que se
aplican en el diseño gráfico, es decir, las denominadas técnicas de
representación gráfica.
Las técnicas como el lápiz de dibujo, los colores de madera; las que son
a base de agua como el gouache y la acuarela; así como las que no son
tradicionales como la técnica del café o los marmolados, son técnicas que
cuando se utilizan correctamente, conforman un espectro enorme de
posibilidades para crear y presentar imágenes. En esta unidad, se identificarán
técnicas que son herramientas valiosas para el acervo creativo y para la
aplicación del diseño. Se indicarán los soportes a utilizar, los colores y las
secuencias de aplicación de las técnicas, así como consejos para optimizar
resultados.
Al diseñar, cada diseñador adecúa las técnicas a su propia
experimentación, sus gustos, sus retos, su creatividad y a lo que desea
específicamente resolver. Lo que es importante resaltar, es que en cualquier
técnica, se requiere de mucha práctica y paciencia para obtener buenos
resultados.
47
3.1 MEDIOS DE PUNTA
Los medios de punta se refieren a las técnicas que involucran utensilios o
herramientas que tienen localizada la salida de los pigmentos para trabajar. No
se encuentran en frascos, tubos o pastillas, sino que el pigmento viene directo
de la pieza que se va a utilizar. Existen tres técnicas de punta muy utilizadas
por artistas y diseñadores:
Colores de madera
Gis pastel
Rotuladores
Antes de describir las técnicas, es necesario mencionar los soportes o
superficies para trabajar. Uno de los soportes preferidos para el diseño, y para
muchas de las técnicas, es el papel. El papel es un material que resulta de la
mezcla de fibras vegetales y materiales como pegamentos y pigmentos. De
esta mezcla se hacen las láminas que se conocen como papel. Para obtener
buenos resultados al presentar un diseño, es necesario tomar en cuenta
algunos detalles acerca de los soportes en los cuales se iluminará, se pintará o
se recortará, entre otras opciones. Con respecto al papel, es sumamente
importante elegir el adecuado para la técnica que se trabajará. Algunas
características generales del papel son las siguientes:
Terminado: Se refiere al aspecto que tiene la superficie del papel al
fabricarlo y lanzarlo al mercado, pueden ser: papeles lisos, rugosos,
satinados, texturizados, con incrustaciones, con relieves, reciclados,
plastificados, etc.
Gramaje: Se refiere al peso del papel en gramos por metro cuadrado
(g/m2). Establece los diferentes grosores en los que se puede encontrar el
papel en el mercado: puede ser en gramajes bajos, es decir, papeles
delgados; o puede ser en gramajes altos, es decir, papeles gruesos,
también llamados cartulinas.
48
Dimensión o formato: Se refiere a los diferentes tamaños en los que se
presentan los papeles y las cartulinas en el mercado, desde tarjetas de
presentación en medidas de 9x5 centímetros, tamaño carta y oficio, rollos
o pliegos (llamados también hojas).
Color: Se refiere a la variedad de colores en los que se presentan los
papeles en el mercado: el clásico papel de color blanco, brillantes,
intensos, colores pastel, colores neón, con brillos, colores sobrios, etc.
Rigidez: Se refiere a la capacidad del papel para poder hacer dobleces
dependiendo del uso que se le dará. Las cartulinas son ideales para
empaques o etiquetas, lo que no resulta funcional con las hojas de
gramaje bajo.
Medidas internacionales de formatos de papel. www.officebook.es
49
Porosidad: Es la textura que se percibe al tocar el papel. La porosidad
puede definir el uso del papel. Los papeles lisos o satinados no sirven para
técnicas que incluyan agua o solventes, mientras que los papeles porosos
son buenos receptores de líquidos.
La cantidad de características y combinaciones posibles, hacen que la
variedad en papeles, y por lo tanto, las posibilidades de uso, sean infinitas.
Existen medidas estándar a nivel mundial sobre los formatos de papel
que existen en el mercado, con la finalidad de facilitar la impresión, economizar
el gasto de papel y minimizar su desperdicio.
Los papeles y cartulinas satinadas como la opalina y el caple, resultan
poco funcionales para técnicas que requieren humedecer la superficie o dar
luces y sombras con lápiz de grafito o lápiz de color, ya que su superficie
“brillosa y lisa” no permite aplicar los colores con suavidad ni matizar los colores
por capas. El papel caple, y los papeles y cartulinas con terminado y gramaje
similar, son bastante funcionales para los empaques y para la impresión.
Los papeles como el bond, se pueden encontrar tanto en gramajes bajos
como en gramajes altos, es decir, papeles delgados o papeles gruesos (que no
llegan a ser cartulina). El papel bond es buen receptor para las técnicas como el
lápiz de dibujo y el lápiz de madera. No se recomienda para técnicas húmedas
como la acuarela o el gouache, ni siquiera en papeles de gramajes altos, ya que
lo húmedo de las tintas hará que el papel se “arrugue” o se rompa a causa de la
tinta, dándole un terminado no muy agradable ni funcional al proyecto.
Las cartulinas ilustración se encuentran en diferentes marcas y
terminados, son muy funcionales para las técnicas como el goauche y los
colores de madera, debido a su superficie poco porosa, pero a la vez suave y
sin brillo.
Los papeles como el fabriano, se encuentran en el mercado en diferentes
gramajes. Son papeles con alta combinación de fibras de algodón, por lo tanto,
ideales para trabajar con técnicas que requieren la absorción de agua sobre el
papel, como la acuarela o el acrílico. Si se requiere trabajar con alguna de estas
50
técnicas, es necesario usar fabriano de gramaje alto, es decir, que el papel sea
grueso. El fabriano delgado, resulta adecuado para técnicas de punta (lápiz de
grafito o de color), pero se debe considerar que la superficie no es muy lisa, y a
la vista, dará la impresión de “poros abiertos” (espacios muy pequeños al fondo
del papel, donde no llega el color).
Se debe recordar que los mejores resultados sobre cada tipo de papel se
conseguirán con la experimentación y la práctica. A continuación, se detallarán
las técnicas.
ACTIVIDADES DE APRENDIZAJE
En un mapa de agua mala, menciona y explica las cuatro características
generales del papel.
Completa el siguiente cuadro con las medidas en milímetros para cada
tamaño de papel:
A-0
A-1
A-2
A-3
A-4
A-5
A-6
A-7
A-8
51
3.1.1 Colores de madera
Son colores que se
encuentran en el mercado en
forma de lápiz de madera o
plástico, además de minas
para portaminas. Existen
diferentes grados de dureza,
que dependen de la marca
que se elija. En ocasiones, la
dureza del pigmento no es
intencional por parte del
fabricante, así que si se sabe
aprovechar este detalle, se
incrementan las opciones
para aplicarse en una
composición. Dependiendo
del grado de dureza del lápiz,
hay dos opciones para su uso:
Los lápices de consistencia dura se usan para marcar detalles. Al ser
duros, la punta se afila con más finura, la punta se mantiene por más
tiempo y permite trabajar con más detalles (en los lápices de grafito para
dibujo, está la serie “H”).
Lápiz de color.
Eduardo Sánchez Díaz, Escuela de Arte y Superior de Diseño, Alicante,
España.
52
Los lápices de consistencia suave son muy útiles para sombreado. Este
tipo de lápices necesitan ser afilados con frecuencia, ya que al ser
demasiado suave el pigmento, la punta se desgasta rápido; son ideales
para dar efecto de sombras, incluso para matizarlos con otros colores (en
los lápices de grafito para dibujo, está la serie “B”).
Algunas ventajas del lápiz de color son las siguientes:
Los lápices de color son apropiados para el dibujo, el sombreado, y el
ashurado (rayado).
Es posible emplear la misma secuencia de ejecución que con el lápiz de
grafito.
Algunas marcas de colores de madera ofrecen proporcionar un efecto de
acuarela si se mezclan con agua.
Al contrario del lápiz de grafito, los lápices de madera son colores que no
Gemelos. Lápiz de color, G. Molina. Serie: Pintura realista.
53
se borran con facilidad.
Mientras más “áspero” sea el papel que se elija, el resultado al aplicar la
técnica será más “tosco”: se podrán observar en el fondo de la hoja
espacios muy pequeños a los cuales no llega por completo el color y, en
general, esto le restará nitidez al dibujo final, aunque como efecto, puede
resultar favorable.
Se debe recordar que la decisión del diseñador y su habilidad para
trabajar la técnica, hace variar los resultados. De forma general, el proceso de
aplicación del lápiz de color es el siguiente:
Se aplica el color más claro con mucha suavidad en círculos pequeños,
sin hacer presión sobre el papel, incluso en las zonas que serán oscuras.
Un consejo es “achatar” la punta del color antes de empezar a iluminar,
así no dejará líneas muy finas ni marcadas y el trazo será de forma más
uniforme en el área que se trabaje.
No se debe saturar el color desde el inicio, se debe recordar que no es
fácil borrar y se dificulta corregir errores.
La aplicación suave del color se repite “capa por capa” hasta alcanzar los
tonos deseados, incluso los tonos más oscuros e intensos.
Para obtener buenos resultados es muy importante la paciencia, ya que en
ocasiones se necesitan más de diez capas para llegar al tono adecuado
para el proyecto.
Es muy útil para los proyectos cuando se experimenta al superponer
capas de colores diferentes: al ser capa por capa, los matices se van dando
muy sutiles y resultan muy agradables a la vista, sobre todo al dar volumen, así
que no hay porque tener temor al experimentar matizando con colores muy
contrastantes para crear aplicaciones propias al proyecto, enriqueciendo los
resultados.
54
Un consejo muy práctico para unificar el color del papel y eliminar los
fondos sin color que se mencionaron anteriormente, es recurrir a “fondear” el
papel con colores a la acuarela. Se recomienda hacerlo en papeles que tienen
fibras de algodón como el fabriano, para comprobar que el papel reciba sin
problemas la humedad de la acuarela. Se aplica una capa muy ligera de color
Lápiz de color. Chi-Ming Kan
55
de acuarela, un color lo más parecido al color de madera a utilizar. La acuarela
unifica el tono del papel, y el efecto que dará elimina el color blanco del papel.
Otro consejo es tener un lápiz de color bien afilado e iluminar todas las
rugosidades que pueda tener el papel llegando hasta el fondo del mismo.
3.1.2 Pastel
En el siglo XV, se creó y se comenzó a usar el gis pastel, y en el siglo XVIII, la
técnica ya era muy popular entre los pintores de la corte francesa. Se trabajaba
sobre lienzos de seda, tela de raso y materiales similares. Actualmente, el gis
pastel se puede encontrar en barras pequeñas; algunas marcas en barras
cuadradas; y otras marcas en barras redondas, incluso, algunas marcas los
ofrecen con recubrimiento de madera como lápices. También se denominan
“tizas”, son de textura muy suave y se rompen con facilidad, aunque ese detalle
no es ningún problema, ya que es
posible utilizarlos y aprovecharlos,
incluso, en trozos muy pequeños.
Su composición es una mezcla de
pigmentos con goma o resina que
sirve de aglutinante, una vez hecha
la mezcla, se compactan las barras
y se dejan secar. Los pasteles
permiten dibujar sin preocupación
del tiempo de secado, ya que no son un material húmedo. Las piezas no deben
retocarse ni recargarse en extremo. Se pueden aplicar sobre papel, cartulinas o
lienzos de tela (como los bastidores usados para el óleo).
Los más comunes son los gises pastel cuya textura no es grasosa, pero
los hay con terminado de aceite. Algunas de las cualidades de los gises pastel
son las siguientes:
Son colores opacos e intensos.
El gis pastel tiene una textura sedosa y ligeramente brillante.
Tizas de gis pastel.
www.alquimistas.evilnolo.com
56
Se trabaja bien tanto en líneas delgadas como en áreas extensas.
Se pueden contrastar y matizar con otros colores.
Son de aplicación muy sencilla: se puede extender y frotar sobre el papel
con un difumino, con esponjas, con hisopos, o incluso, con los dedos.
El gis no penetra completamente en el papel, parte del pigmento queda en
forma de polvo sobre la superficie, así que es importante y necesario sellar
el trabajo terminado. Se puede fijar capa por capa, o al terminar el trabajo.
En lo que se refiere al proceso general para aplicar la técnica, la
secuencia es la siguiente:
Es recomendable realizar un boceto preliminar del diseño que se va a
trabajar.
Es importante hacer con anterioridad pruebas con los gises acerca de los
colores a utilizar, y para conocer los trazos que se consiguen al cambiar
Peras. Gis pastel. Autor: Nixhe.
La suavidad de los matices proporciona gran realismo a la técnica.
57
los ángulos al trazar.
Los trazos deben ser firmes y fluidos.
Es necesario estar familiarizado con los diferentes efectos que se
consiguen con los pasteles, por ejemplo: alternar trazos de líneas y
plastas, cambiar los ángulos al trazar, o utilizarlos de modo horizontal.
Es importante regular la presión: al presionar en extremo, se quedará en la
superficie demasiado pigmento restándole firmeza a los colores
siguientes, ya que éstos “resbalarán” sobre una superficie saturada.
Normalmente, se comienza como en las otras técnicas: el orden es de
atrás hacia el frente (del plano del fondo, al plano más cercano).
Se aplican las primeras manchas de color, esfumando un poco.
Sobre las manchas del fondo, se realizan los detalles, las luces y las
sombras hasta obtener el resultado final.
Los trabajos al pastel se sellan con fijador, es válido si se fija el trabajo
según se vaya avanzando, es decir, capa por capa, o se puede sellar al
finalizar el proyecto. Si se decide no sellar el trabajo (por creer que le resta
frescura), se debe montar y enmarcar de inmediato con mucho cuidado.
Festival Madonnari. Gis pastel; León, Guanajuato 2009.
Reproducción monumental de "Nuestra imagen actual" de David Alfaro Siqueiros. Artistas duranguenses trabajan sobre el piso o las banquetas con la técnica de gis pastel
en diferentes ciudades de México.
58
ACTIVIDADES DE APRENDIZAJE
Elabora un mapa de satélites con las cualidades del lápiz de color.
En una hoja tamaño carta y en posición vertical, traza líneas horizontales
con una distancia de cuatro centímetros entre línea y línea. En cada
espacio realiza ejercicios de trazo con lápices de color en diferentes
colores; recuerda que el trazo es con suavidad para no dejar marcas.
En un cuadro sinóptico, menciona los atributos del gis pastel.
En 1/8 de ilustración, traza una composición sencilla con figuras
geométricas y realiza la secuencia de aplicación del gis pastel. Aplica
luces y sombras.
3.1.3 Rotuladores
Son herramientas que se encuentran en forma de lápices o plumones. Los
rotuladores están formados por una punta de fieltro empapado con un color que
puede ser soluble al agua o al alcohol; se originaron en los años 60. En el
mercado, se encuentran rotuladores con puntas de fieltro finas, medianas o
gruesas, lo que incrementa las opciones de aplicación, ya sea para un rápido
ashurado o para cubrir áreas mayores. El rotulador está compuesto por un
sencillo mecanismo que incluye lo siguiente:
Un mango o plumilla para poder sujetar el rotulador.
La tinta se transporta a la punta, a través de una cánula o tubo de
fieltro especial.
Con respecto a las puntas para los rotuladores, el tipo de punta varía
entre diámetros de 0.5 mm y marcadores con varios centímetros de grosor. Las
puntas más comunes son las de fieltro, existen también de pelo sintético en
forma de pincel, y de goma en forma de pincel o tipo estilógrafo. Es una técnica
para trabajos que requieren colores intensos, pero que no se necesite que se
mantengan así por demasiado tiempo (por años), ya que son colores que no
son excesivamente permanentes y se apagarán con el trascurso del tiempo,
59
sobre todo si se exponen a la luz del sol, así que debe tomarse en cuenta la
finalidad del proyecto de diseño antes de utilizar esta técnica.
Dependiendo del tipo de punta que tenga el rotulador, se pueden obtener
trazos diferentes. Las variantes son las siguientes:
Los rotuladores que tienen punta de pincel permiten trazos semejantes a
las pinceladas.
Los rotuladores de punta biselada (en ángulo), permiten tres tipos de
trazos:
Trazo fino: Si el trazo se realiza con la arista de la punta, es decir,
con el ángulo que forma la esquina de la punta.
Trazo medio: Si el trazo se realiza con la parte estrecha de la
punta.
Ilustración con rotuladores. Pepe García, 2005. Valladolid, España. Se pueden observar la cantidad de tonos y los resultados en las texturas visuales.
60
Trazo grueso: Si el trazo se realiza con la parte ancha de la punta
del rotulador.
Puntillismo con rotuladores de punta fina. Sonia Corral.
61
Algunas características de los rotuladores que se pueden convertir en
ventajas son las siguientes:
La tinta es traslúcida y se funde bien con el papel.
Los fondos blancos (papel blanco) son ideales para recibir la tinta de los
rotuladores.
En general, el secado es rápido.
Permite la superposición adecuada de planos y colores para crear
volumen visual.
El uso de disolventes como el aguarrás o el alcohol, logran suavizar los
trazos aplicados.
Esta ilustración es un ejemplo del uso de rotuladores con disolventes, lo cual produce un
efecto más suave en los trazos. Juan Linares, México 2010.
62
3.2 MEDIOS AL AGUA
A diferencia de los medios de punta, los cuales se aplican directamente con las
herramientas, los medios al agua son técnicas que requieren de otros
instrumentos para facilitar su aplicación y optimizar los resultados. Los pinceles,
los diluyentes como el agua, recipientes diversos, papeles con porcentaje de
algodón que reciban adecuadamente los pigmentos húmedos, además de
auxiliares específicos que cada diseñador requiera con base en su experiencia
son indispensables en esta técnica.
3.2.1 Acuarela
En el siglo VIII, los chinos ya utilizaban colores diluidos con agua para aplicar
sobre decoraciones en seda y sobre papel arroz. Existieron algunas escuelas
en Inglaterra desde el siglo XV, pero la acuarela se creó como técnica a finales
del siglo XIX, cuando se mejoró la producción de los pigmentos y de los papeles
que se podrían utilizar. En sus inicios, fue una técnica sumamente popular para
la clase social alta de Europa, y poco a poco se hizo más accesible a otras
clases sociales.
La acuarela es una técnica que utiliza pigmentos especiales para
disolverse con agua. Se puede encontrar en las clásicas pastillas de pigmentos
sólidos, y en frascos o tubos de pigmentos de consistencia más ligera.
La característica principal de la acuarela es la transparencia: son colores
que al ser diluidos con agua, ofrecen una apariencia y textura visual muy suave
y ligera, aunque también es posible manipular cierto grado de opacidad con los
pigmentos. Los pigmentos tienen diferente efecto según la cantidad de agua
con la que se mezclen: si se humedece el pigmento con sólo un poco de agua
(a veces menos de una gota), de esta mezcla se logrará una capa con cierto
grado de opacidad. Si la cantidad de agua con la que se mezcla es mayor a la
del pigmento, al aplicarse sobre el papel se logrará una capa sumamente
trasparente o velada (velado es el término correcto para el efecto obtenido).
Las acuarelas en pastilla son de origen orgánico y dan como resultado
colores parcialmente intensos. Las acuarelas que se ofrecen en tubo o en
63
frasco, al ser colorantes de anilina, se encuentran muy concentrados y la
apariencia al secado es de un color intenso. Algunas marcas ofrecen series
completas de colores, lo cual produce un ahorro económico y de tiempo para
quien las usa con frecuencia y de forma profesional; si no es posible invertir en
series completas de acuarelas, siempre está el recurso de las mezclas de color.
Algunas otras características de la acuarela, son las siguientes:
Cuando están secos, los colores pueden ser diluidos de nuevo, esto
permite corregir errores e incrementar la calidad del proyecto.
Con los diluyentes correctos (removedor o blanqueo al cloro que se puede
adquirir en casas de arte) es posible “borrar parcialmente” para hacer
ciertas correcciones. Se aplica el removedor con pincel y se elimina el
exceso de líquido con papel secante, se repite el procedimiento hasta
eliminar la aplicación incorrecta. Es necesario realizar pruebas con
anterioridad.
Son colores de poca resistencia a la luz: se apagan o decoloran con el
tiempo.
La mayor característica de la acuarela y la más atractiva es la luminosa
transparencia.
Las luces se obtienen a partir de la ausencia del color en combinación con
el blanco del papel.
64
La apariencia, la textura o alguna marca en la superficie utilizada (sea
papel o cartón) se transparenta, incluso líneas tenues de lápiz son visibles
por debajo de lo iluminado con acuarela.
El proceso general para trabajar la técnica de acuarela es el siguiente:
1. Es importante fijar el papel, ya que al trabajar con pigmentos diluidos con
agua, existe el riesgo de que el papel se arrugue, restándole calidad al
trabajo.
2. Se recomienda realizar a lápiz, un boceto preliminar del dibujo o diseño a
trabajar.
3. Se preparan los colores a utilizar disolviéndolos con agua en la proporción
que se decida, se debe recordar que para colores más velados, la
proporción de agua es mayor que de pigmento.
4. Es posible pintar ya sea sobre el papel seco o sobre el papel humedecido
previamente. Los resultados varían, así que es necesario hacer pruebas
Peras. Técnica de acuarela, Alicia Leyva. Sociedad mexicana de acuarelistas.
65
con anterioridad para conocer el terminado y decidir cuál opción se
adecua al proyecto.
5. Se fondea la composición aplicando los tonos más claros y velados
(diluidos).
6. A partir del proyecto ya fondeado, se aplican, capa por capa, los demás
tonos por medio de planos. Se debe recordar que el orden de aplicación
de la pintura es del fondo hacia el frente (del plano del fondo, al plano más
cercano).
7. Al terminar, es importante sellar el trabajo con spray fijador. Se debe cuidar
que no se rocíe demasiado cerca, ya que el papel puede humedecerse,
los colores se pueden mezclar y esto arruinaría el trabajo.
Técnica de acuarela. Ignacio Barros.
66
Borola Burrón, Gabriel Vargas. Por varias décadas, las
ilustraciones originales para las portadas de esta famosa historieta mexicana se realizaron en la técnica de acuarela.
67
3.2.2. Tintas
La técnica más común es la denominada tinta china. Entre los siglos VII y X se
documentan los primeros ejemplos de esta técnica en la cultura china. En un
principio, la tinta era realizada con tinturas vegetales naturales. Fue utilizada por
la cultura egipcia en la realización de los llamados papiros. Esta técnica
milenaria ha sido utilizada por artistas, pintores y escritores por sus múltiples
beneficios. La tinta china se fabrica actualmente con materiales como el sulfato
ferroso y la goma arábiga como fijador. El pigmento es generalmente líquido y
se usa mayormente sobre papel. Debido a las propiedades del pigmento, se
necesita que la tinta china sea diluida sólo con agua destilada. Inicialmente, se
encontraba sólo en color negro y sepia, actualmente, existe una variedad
considerable de colores. Se aplica con plumas, con plumillas, con tiralíneas o
con estilógrafos (cargador de tinta). Para áreas mayores se pueden utilizar
pinceles cargados de tinta.
Autorretrato, dibujo a tinta china. D.G. Sputnik. www.ojodigital.com
68
Algunas de las ventajas de la técnica de tinta china son las siguientes:
Cuando se ha aplicado, el secado es relativamente rápido.
Los materiales con los que se realiza actualmente, logran que sea un
pigmento que no se decolora fácilmente.
Su consistencia líquida permite que la tinta penetre al fondo de las fibras
del papel, lo cual ayuda a su fijación y permanencia.
La tinta china de color se puede encontrar también en frascos.
Cuando han secado, son colores que son resistentes al agua después de
un tiempo de haber sido aplicados.
Tiene la ventaja de poder utilizarse en diferentes terminados: aguada
(plastas veladas de color), líneas (ashurado), puntos (puntillismo). Puede
ser en una variante o combinadas en una sola composición.
Quijote. Tinta china, Delia C. Precupas. Rumania
69
La secuencia de aplicación para la tinta china, es similar a la técnica de
la acuarela:
1. Se debe tensar el papel con el que se trabajará.
2. Se realiza un boceto preliminar.
3. Se trabajan los colores del fondo, con colores muy diluidos.
4. Una vez secos los colores de fondo, se procede a trabajar los planos
hacia el frente.
5. Con la tinta china, es posible superponer trazos sin afectar a los trazos
del fondo, es decir, sin temor a mezclarlos.
6. El trabajo no requiere sellarse con fijador.
3.2.3 Gouache/acrílico
El gouache o acrílico está elaborado con un material sintético que se diluye con
agua. Es de gran viscosidad y consistencia suave. Existen registros sobre el
uso que le dieron los egipcios a una técnica en la que mezclaban los pigmentos
con miel, cuyo terminado es muy similar al gouache. La técnica se usó en la
Edad Media para ilustrar manuscritos, y en el siglo XVIII ya era de gran
popularidad en Inglaterra. Fue una técnica bastante utilizada por el pintor
español Pablo Picasso y por el inglés Henry Moore. Actualmente se usa con
bastante frecuencia en ilustraciones comerciales para libros y revistas.
Alejandra Natale, España.
70
Algunos de los atributos del gouache son los siguientes:
Ofrece un terminado brillante y de colores intensos.
Se puede encontrar en tubos y frascos, y en una gran variedad de colores.
Es un material de secado rápido.
La consistencia de la pintura se aligera con agua.
Permite la posibilidad de combinar colores entre sí, lo cual enriquece la
composición final.
Si se trabaja con pinceles, los más recomendables son los pinceles de
cerda dura, ya sea redondos o planos.
Debido a su gran opacidad, se pueden utilizar sin problema sobre fondos o
papeles de color oscuro.
Una vez seca, la tinta es resistente al agua y los colores tienden a
aclararse ligeramente.
La técnica no se limita a la aplicación en papel: se puede aplicar en
superficies como tela o madera.
Es un pigmento muy económico y accesible.
Tiene gran capacidad de cubrir el color de fondo (opacidad).
Para la presencia de luces, el gouache necesita del color blanco.
Permite, con ciertas reservas, corregir o “retocar” errores y detalles.
Para su aplicación, no se limita a una sola herramienta: se puede aplicar
con pincel, con brocha, con esponja, con aerógrafo e incluso, con las
manos.
Los papeles ingres o cartulinas ilustración son ideales para la técnica.
El gouache se puede aplicar en papeles no tan gruesos, pero es
importante recordar que en estos casos, es necesario tensar el papel para
evitar arrugas.
Desde sus inicios, el gouache se ha confundido y comparado de forma
constante con la técnica de la acuarela. La palabra gouache es de origen
francés y es resultado de la traducción fonética del término inglés “wash”
71
(lavado). En sus inicios en la Gran Bretaña, la técnica fue conocida como
“aguada”.
Por la capacidad que tiene el gouache para diluirse con agua, se le
pueden atribuir tres terminados:
Tan diluida que parezca acuarela.
Húmeda, pero espesa, que parezca óleo.
Con cierto grado de solidez, incluso para obtener texturas al tacto.
No ha sido demasiado aceptada ni explotada como técnica pictórica,
pero si lo ha sido en el
diseño y la publicidad.
Para los proyectos en la
técnica del gouache, son
válidos y enriquecedores
los efectos que resultan
de diferentes variantes en
trazos al aplicar la pintura.
Algunos de estos efectos
son los siguientes:
Lavado: Diluir a tal grado el pigmento que se confunda con la acuarela.
Salpicar: Cargar un cepillo de dientes con pigmento y pasar la uña sobre
éste, descargando la pintura del cepillo sobre el proyecto. El efecto es de
puntos de diferentes dimensiones.
Rascado: Al rascar la pintura con una cuchilla, punzón o herramienta
similar, se obtienen texturas o detalles específicos.
El trabajo de alto contraste o "colores planos" se trabaja de forma muy efectiva con el gouache.
Beatriz Pereira.
72
Textura: Utilizando pintura espesa, se pasa por encima de la pintura
alguna herramienta que provoque “surcos” o relieves sobre el proyecto.
Esponjear: Se aplica la pintura sobre una esponja o material similar y se
aplica por medio de ligeros “golpes” de arriba hacia abajo sobre el
proyecto. Se consiguen efectos muy suaves y agradables.
El proceso de aplicación para el gouache es similar a algunas otras de
las técnicas que se han descrito. El proceso es el siguiente:
Si se aplica sobre papel, es necesario que sea un papel con cierta dureza,
que no se arrugue ni se destruya con la humedad del acrílico.
El papel o soporte se debe trabajar de forma horizontal, evitando así que
los colores puedan escurrirse arruinando el trabajo.
Se recomienda trazar un boceto previo (sólo trazos básicos).
El gouache se aplica por superposición de colores sobre los colores ya
secos, evitando así, contaminar los colores recién aplicados con los
anteriores.
Al secar con cierta rapidez, es más recomendable para colores planos.
Permite el trabajo de volumen y matices cuando se tiene cierta habilidad y
fluidez con el manejo de la técnica.
Es conveniente trabajar en el orden de los colores claros a los colores
obscuros.
ACTIVIDADES DE APRENDIZAJE
Elabora un cuadro sinóptico con las características de los rotuladores.
En una hoja tamaño carta y en posición vertical, traza líneas horizontales
con una distancia de cuatro centímetros entre línea y línea. En cada
espacio, realiza ejercicios de trazo con acuarela en diferentes colores, y
cambiando las proporciones de agua en cada espacio (gradación de
color).
En un mapa de agua mala, menciona las ventajas de trabajar con tinta
73
china.
En 1/8 de ilustración, traza una composición sencilla con figuras
geométricas y realiza la secuencia de aplicación con gouache. Aplica
sólo colores cálidos o colores fríos.
3.3 MEDIOS EXPERIMENTALES
Con anterioridad, se ha comentado que todo diseñador experimenta, innova,
juega y crea empleando formas y colores. De esa combinación de habilidades
surgen los proyectos que resuelven de forma efectiva problemas de
comunicación. Los medios experimentales son técnicas que permiten buscar
resultados y opciones nuevas. A veces, se encuentran en materiales que se
usan de forma común y no específicamente para el diseño, como el café. Otras
veces se originan a partir de la combinación de técnicas que ya se conocen o
que se han utilizado para otros proyectos, ampliando así el acervo gráfico.
Algunas de estas técnicas que se describirán son las siguientes:
El trabajo con aerosol y la técnica de café, son dos técnicas
relativamente nuevas que permiten dar un nuevo uso a la finalidad inicial
de los materiales.
La técnica del marmolado se originó hace muchos años, aunque se
incluye dentro de estas técnicas porque cada vez que se realiza se crean
formas nuevas e innovadoras en su aplicación.
3.3.1 Café
El café es un material cuyo uso principal es totalmente ajeno a su aplicación
como material artístico. Su terminado se asemeja en textura y terminado a la
acuarela y se trabaja de manera similar.
Los materiales para elaborar proyectos con la técnica de café son los
siguientes:
Café soluble o de grano
74
Recipientes para diluir el café. Se puede utilizar un godete
Hoja de papel grueso o papel fabriano
Pinceles suaves, redondos o planos
Agua
La secuencia general para trabajar la técnica del café es la siguiente:
1. Se recomienda utilizar papel no muy delgado, con la finalidad de que no
se maltrate con la aplicación de café líquido.
2. Es importante fijar o tensar el papel, ya que al trabajar con café diluido con
agua, existe el riesgo de que el papel se arrugue, restándole calidad al
trabajo.
3. Se recomienda realizar a lápiz, un boceto preliminar del dibujo o diseño a
trabajar.
4. En el godete o en el recipiente, se disuelve el café con agua en la
proporción que se decida, se debe recordar que para un tono más velado,
Dirceu Veiga, diseñador brasileño que emplea el café como medio de expresión artística.
Dirceu Veiga.
75
la proporción de agua es mayor que de café.
5. Se recomienda utilizar pinceles de pelo suave, ya sea redondos o planos.
6. Se fondea la composición aplicando los tonos más claros y velados
(diluidos).
7. A partir del proyecto ya fondeado, se aplican, capa por capa, los demás
tonos por medio de planos. Se debe recordar que el orden de aplicación
de la pintura es del fondo hacia el frente (del plano del fondo, al plano más
cercano).
76
Imagen que muestra la combinación de dos técnicas: el café y la tinta china. Autor desconocido. www.foro3D.com
77
Grafiti de Banksy, artista urbano inglés del grafiti de protesta. www.ohgrafico.com
8. Al terminar, es importante sellar el trabajo con spray fijador. Se debe cuidar
que no se rocíe demasiado cerca, ya que el papel puede humedecerse, y
el color se puede mezclar y esto arruinaría el trabajo.
3.3.2 Aerosol
Es un material que ha evolucionado hacia una finalidad de tipo artístico,
publicitario y de decoración. El aerosol es considerado uno de los grandes
inventos del siglo XX. El concepto de la pintura en aerosol fue creado en los
años 40, y a partir de esa época se ha utilizado en infinidad de aplicaciones. El
color aluminio fue el primero en salir al mercado, y actualmente se encuentra en
una gran variedad de colores y terminados. En los años 70, se reguló la
producción de los aerosoles para beneficios ambientales.
Una de las formas de expresión artística que tiene como herramienta la
pintura en aerosol es el grafiti. El término tiene como origen la palabra griega
graphein que significa escribir. El grafiti, también denominado arte urbano o
callejero, es una técnica poco reconocida como artística, y en muchas
ocasiones es de origen anónimo. Se reconoce poco debido a que se relaciona
constantemente con el vandalismo, la denuncia y la represión; sin embargo, el
grafiti tiene elementos expresivos que lo ubican dentro del diseño y el arte,
como la relación de formas, colores e ideas. El grafiti tiene como soporte
principal, las paredes o superficies de lugares a la vista del público, aunque se
ha extendido a otros soportes más comunes.
En sus inicios, el grafiti se expresó plasmando sólo firmas en diferentes
78
superficies con la finalidad de que artistas o personajes anónimos dejaran su
marca y se hicieran notar. Poco a poco fue evolucionando hasta ser total reflejo
de la cultura de un lugar o un grupo determinado.
Las expresiones visuales que se conocen actualmente como grafiti, han
estado siempre relacionadas con la cultura. Algunos ejemplos son los
siguientes:
Prehistoria: Desde sus inicios, el ser humano ha tenido la necesidad de
expresar lo que siente, piensa y vive; parte de esta expresión se encuentra
en las pinturas rupestres.
En la antigua Roma, sobre muros de edificios, plazas y casas se
encuentran las pinturas denominadas como frescos, las cuales exponían
aspectos sobre la ciudad: batallas, personajes, gobernantes, etc.
La cultura musulmana decoraba paredes de edificios con diseños y
paisajes del Corán.
Actualmente, se utiliza como una forma de denuncia o expresión de
diversas temáticas: religión, política, cultura, etc.
El Centenario. Autor desconocido. www.crewareasur.com
79
En todos los ejemplos anteriores, la finalidad de esta forma de expresión
es que el mensaje llegue al público en general.
El grafiti, siempre es la expresión de una idea, un sentimiento o un
hecho.
Cartel para concurso de grafiti.
www.revistachicle.com
80
La pintura en aerosol permite gran variedad de trazos, desde una línea
relativamente delgada, hasta una extensa mancha de tinta. Dependiendo de la
mano experta del artista, se pueden conseguir luces y sombras, profundidad,
trazos sumamente realistas, texturas o trazos totalmente irreales y de ficción.
3.3.3 Agua y aceite (marmolados)
La técnica del papel marmolado se basa en el principio que indica que el agua y
el aceite no se mezclan. Es una técnica que se originó en Japón y China entre
el año 800 y 1100. Los japoneses y chinos unieron pigmentos con aceite (a
manera de óleos) y los mezclaron con agua para lograr efectos impresos sobre
hojas de papel. El nombre que le dieron a la técnica fue suminagashi, que
significa “tinta flotante”. En el siglo XV, se modificó la técnica en países como
Turquía e Irán, para permitir un mejor control de los diseños impresos en el
papel, y llamaron a su técnica ebru, que significa “arte de nubes”. En el siglo
XVII, la técnica se extendió a países como Inglaterra, Francia, Holanda, Italia y
Alemania donde se utilizó principalmente para la decoración de las primeras
hojas en las publicaciones importantes de la época, y se guardaba en secreto el
proceso de elaboración del marmolado del papel. En el siglo XIX, se creó la
primera publicación sobre la realización de esta técnica: Art of marbling, es
decir, “el arte de marmolar”. Actualmente, es posible crear papel marmolado
con pocos materiales muy accesibles, y de forma sencilla. El papel marmolado
se hace en la actualidad de forma industrial para las publicaciones y para
impresión, y de forma manual y artesanal para impresos o decoración.
Ejemplo de la técnica suminagashi. Autor desconocido. www.tuladocreativo.com
81
Los materiales básicos para realizar el marmolado son los siguientes:
Recipiente grande (el tamaño debe ser mayor al de la hoja que se
utilizará).
Papel blanco. No se debe utilizar papel muy delgado, debido a que se
trabajará con agua.
Grenetina sin sabor.
Pintura al óleo en colores.
Aguarrás o aceite de linaza para diluir el óleo.
Papel periódico.
Objetos diversos para crear efectos (plumas, peines, palitos, etc.).
Guantes para protección de las manos.
A continuación, se describe el proceso para elaborar papel marmolado:
1. Se necesita espacio para colocar los papeles recién impresos.
2. Preparar la grenetina según las instrucciones del empaque y vaciar al
recipiente donde se trabajará.
3. El recipiente se debe llenar con agua aproximadamente de tres a seis
centímetros de altura.
4. En otro recipiente, se diluye el óleo con el aguarrás o el aceite de linaza.
El pigmento muy espeso caerá al fondo del recipiente y tardará mucho
en secar. La pintura muy diluida provocará que el pigmento se vaya a las
orillas del recipiente. Estos detalles afectarán la impresión final, por ello
es necesario hacer pruebas con anterioridad acerca de la consistencia
ideal del pigmento, en este caso, óleo.
5. Se recomienda utilizar no más de dos colores al iniciarse en la técnica.
Se puede incrementar la cantidad de colores al familiarizarse con el
proceso y los efectos obtenidos.
82
6. Una vez determinada la consistencia adecuada, se debe vaciar poco a
poco sobre el agua el óleo diluido. Es posible ayudarse con palitos de
madera o cucharas de plástico.
Es en esta parte del proceso, que comienza la parte creativa al manipular
los trazos de pigmento sobre el agua.
7. Con las herramientas auxiliares como los palitos de madera, las puntas
del peine o las plumas de ave, la pintura se puede “gotear”, “jalar” o
manipular hasta obtener el diseño que agrade y sea funcional para el
proyecto.
8. Con los guantes, se toma la hoja de papel por las orillas (si el papel tiene
vista principal, ésta va hacia abajo) y se coloca suavemente sobre el
agua, del centro hacia las orillas (no sumergir la hoja).
9. Suavemente, se separa el papel del agua y se coloca hacia arriba sobre
el papel periódico para dejar secar.
10. Es posible realizar impresiones para un tiraje pequeño consiguiendo
diseños muy similares unos de otros.
11. El tiempo de secado varía en función del tipo específico de papel que se
utilizó, y si el óleo se diluyó en menor o mayor proporción.
12. Cuando ha secado la hoja de papel, y utilizando una plancha
convencional, se fija la impresión mediante calor mínimo (colocar una
hoja limpia entre la impresión y la plancha, para no manchar).
13. Es necesario tensar el papel para eliminar arrugas (se puede colocar la
hoja seca debajo de algún objeto pesado).
83
ACTIVIDADES DE APRENDIZAJE
En una hoja de papel fabriano tamaño carta, realiza un ejercicio
libre con la técnica de café.
En un 1/8 de ilustración, realiza una composición, a manera de
collage, con el tema grafiti.
En hojas de papel fabriano tamaño carta, realiza ejercicios libres
con la técnica de marmolado.
Fotografía que muestra el recipiente con agua, óleo y las vetas que se producen.
www.tuladocreativo.com
84
AUTOEVALUACIÓN
1. Los papeles con algodón como el fabriano, son adecuados para aplicar las
técnicas de:
2. Escribe las siguientes medidas en milímetros:
A-3 ____________________
A-5 ____________________
A-8 ____________________
3. Resuelve un mapa de aspectos comunes entre las siguientes técnicas:
Acuarela-café-tinta
4. Menciona la principal desventaja de los rotuladores:
5. Completa el siguiente cuadro:
Medios Técnica Dos características
De punta
De agua
Experimentales
85
RESPUESTAS
1. Agua.
2.
A-3 420 mm x 297 mm
A-5 210 mm x 148 mm
A-8 105 mm x 74 mm
3.
• Se disuelven con agua.
• Se aplican con pinceles.
• Se aplican de planos del fondo hacia planos del frente.
• Los colores claros son prácticamente sin pigmento.
4. Se decoloran con el tiempo.
86
5.
Medios Técnica Dos características
De punta
Lápiz de madera No se borran con facilidad
Se aplica capa por capa
Gis pastel Son colores intensos
Son buenos para matizar
Rotuladores Tinta traslúcida
Secado rápido
De agua
Acuarela Acabado transparente
Sus colores se acaban con el tiempo
Tinta Se diluye con agua
Se aplica con pincel o estilógrafo
Acrílico Secado rápido
Terminado brillante
Experimentales
Café Acabado transparente
Se combina con otras técnicas
Aerosol Colores variados e intensos
Tiene larga duración
Marmolado Larga duración de la impresión
Poca inversión de materiales
87
UNIDAD 4
METODOLOGÍA DE REPRESENTACIÓN
OBJETIVO
Ordenar las destrezas adquiridas y los elementos creados, resolviendo el
proceso de proyectar las imágenes, que incluye el brief de diseño, el boceto
preliminar, el dummy y el original mecánico, para completar el proceso creativo
de resolución de problemas gráficos.
TEMARIO
4.1 SISTEMATIZACIÓN DEL PROCESO PROYECTUAL DE LA IMAGEN
88
MAPA CONCEPTUAL
89
INTRODUCCIÓN
Para lograr diseñar o crear son necesarios dos procesos, uno de ellos no es
propiamente visible: se refiere a la parte de investigación. Es necesario que el
diseñador cuente con conocimientos y elementos previos que lo conduzcan a
plasmar sus ideas gráficamente. Las experiencias, así como indagar acerca del
problema gráfico establecido, y el estudio de casos similares, todo esto sumado
a la inventiva, a la innovación y a la creatividad para organizar los elementos y
presentarlos gráficamente, es lo que da como resultado el diseño gráfico.
El segundo proceso es visual y se refiere a la presentación de las
imágenes. En esta unidad, se indican algunos de los elementos que conforman
este proceso gráfico de presentar las imágenes: el brief de diseño, el boceto
preliminar, el dummy y el original mecánico para impresión.
90
4.1 SISTEMATIZACIÓN DEL PROCESO PROYECTUAL DE LA IMAGEN
El proceso proyectual se refiere a organizar la información gráfica de la que
surge el diseño realizado, ya sea que se presente mediante los procesos
tradicionales como el dibujo y la pintura, o presentados digitalmente. De forma
clara y básica, el proceso es el siguiente:
1. Brief de diseño
2. Boceto preliminar o layout
3. Dummy
4. Original mecánico
Las técnicas propuestas en unidades anteriores, así como muchas otras,
resultan ser recursos muy apreciados por los diseñadores, en la medida que
son el medio de representar visualmente su idea, de mostrar su producto, o de
determinar la forma de resolver el problema gráfico planteado en un inicio. A
continuación, se describirán brevemente las opciones propuestas.
Brief de diseño
Se refiere a la información que existe acerca del producto, marca o empresa
sobre la cual se hará el diseño gráfico. Permite conocer las bases sobre las que
se realizará el proyecto, y el seguimiento que se debe efectuar para concretarlo
de forma óptima. El brief de diseño se puede dividir en dos partes:
1. La información del cliente a los creativos al comenzar el proyecto.
2. La investigación por parte de los creativos, así se origina la presentación
del dummy o prototipo.
A continuación, se describirán brevemente ambas etapas:
La información que proporciona el cliente acerca de su producto da
referencia de la historia, la misión y los objetivos del producto, además de
91
cómo desea el cliente que sea visto su producto en el mercado, qué
atributos de su producto necesita resaltar, a qué tipo específico de
mercado desea llegar, etc.
En la etapa de investigación que debe realizar el diseñador, éste debe
informarse sobre lo que se ha hecho para ese mercado anteriormente,
cuáles son las tendencias actuales para el producto, qué elementos lo
pueden conducir a posicionar mejor el producto, etc.
El brief de diseño no tiene un formato específico, ni siquiera es necesario
que se presente al cliente, es simplemente una investigación que como
diseñador es necesaria para conocer las opciones y posibilidades para realizar
el proyecto.
Boceto preliminar
También se conoce como layout en inglés; es el método más simple, rústico y
económico de presentar las imágenes. Es la primera idea sobre lo que se
realizará. El boceto se refiere a colocar en papel los elementos que se
pretenden organizar. Algunas de
sus características son las
siguientes:
Casi en todos los casos, se
plasma sobre papel.
Los trazos de un boceto, así
como las dimensiones que se
presentan, pueden ser
independientes a las dimensiones
y trazos finales.
Los colores pueden ser
aproximados.
Es válido que la imagen no
Bocetos preliminares para ilustrar el cuento de "Alicia".
D. I. Hernán G. Ohashi
92
sea tan detallada.
Generalmente, se realiza a mano alzada y con lápiz, aunque creativos
experimentados pueden trabajar con plumilla, bolígrafo o estilógrafo.
Cuenta con poco detalle de lugares, personas y objetos.
Aunque se
tengan disponibles
recursos digitales, el
boceto preliminar será
siempre el proceso
preferido para
comenzar a “aterrizar”
las ideas de los
creativos.
Dependiendo de la
habilidad o del
método al que se
ajuste el diseñador, el
boceto puede ser uno
solo o varios bocetos
aislados, que
posteriormente se
organizarán en una
sola composición.
ACTIVIDADES DE APRENDIZAJE
Crea un producto que se promocionará por medio de un CD.
Realiza el brief de diseño. Presenta tu investigación con los mapas
cognitivos que determines más convenientes para el tema.
Realiza en hojas blancas cinco bocetos preliminares de lo que será tu
Bocetos preliminares para ilustrar el cuento de "Alicia".
D.I. Hernán G. Ohashi.
93
portada y contraportada de CD.
Dummy
Se conoce como dummy a
una representación más
exacta del trabajo final.
Dependiendo del soporte
gráfico que se presente, el
dummy es un modelo impreso
en papel o un modelo hecho
en cartón o papel rígido al
presentar el diseño de un
empaque o caja. En ambos
casos, se permite que la
impresión o el empaque sean
con materiales similares, pero
de menor calidad, no se debe
olvidar que es sólo una
presentación preliminar del
diseño final. Si el diseñador lo
decide, y su presupuesto se
lo permite, se puede
presentar la impresión o el
empaque en el papel definitivo. Algunas de las características del dummy son
las siguientes:
Se deben colocar todos los elementos visuales que tendrá el producto
final.
Los colores, la tipografía y otros elementos pensados originalmente,
deben ser lo más parecidos a lo que será el resultado final.
El dummy debe incluir fotografías y viñetas, si es que se consideraron
inicialmente.
Realización del dummy para un timbre postal, con la técnica de gouache.
D.G. Viridiana Mercado
94
Con las herramientas digitales, es posible presentar un dummy
prácticamente idéntico al que será el producto final y con un menor costo
de inversión para el diseñador.
Original mecánico
Cuando han sido efectuados los tres procesos anteriores, y sin cambios por
realizar, se prosigue con el documento que servirá como base de impresión del
gráfico a realizar. A partir del original mecánico, se obtendrá la película para
realizar la impresión del diseño final, en el método que más se adecúe al
proyecto: offset, serigrafía o digital. La película (material similar al acetato) se
conoce como positivo para la impresión en serigrafía, y como negativo para la
impresión en offset. Los atributos que debe tener un original mecánico son los
siguientes:
Sin importar la cantidad de tintas o colores que tendrá el impreso final, el
original mecánico se presenta en todos los casos, únicamente en blanco y
Dummy para su presentación en seminario detitulación de bachillerato tecnológico. D.G. Viridiana Mercado
95
negro (alto contraste).
En los originales
mecánicos, se muestra todo el
trabajo de diseño realizado con
anterioridad.
Todos los elementos
presentados en el original
mecánico, deben estar en
dimensiones reales.
Se presenta el diseño
sobre una cartulina rígida
donde se colocarán los
elementos de forma
bidimensional.
Las líneas auxiliares que
muestren límites, dobleces,
cortes, etc., se deben trazar en color azul, ya que este color no se notará
al elaborar el positivo o negativo, y por lo tanto, al final no aparecerán.
Los elementos como viñetas y fotografías, se entregan de manera
independiente para que el impresor las inserte posteriormente. En el
original mecánico, el espacio que ocuparán las fotografías se debe
presentar con dos líneas cruzadas, como un “tache” o con una plasta en
negro y con una anotación que indique la fotografía que se insertará en
ese espacio.
Es muy importante que las líneas de registro se coloquen en color negro,
ya que son la referencia del espacio que delimita el diseño.
Se recomienda cubrir el original mecánico con un papel semitransparente,
puede ser albanene, donde se harán anotaciones que sirvan de guía para
el impresor (fotografía que se insertará, suajes, códigos de color, etc.).
Ejemplo de original mecánico, para una publicación sobre "los Simpsons". www.cmykdesign.blogspot.com
96
El proceso creativo para llegar al producto final, constituye un conjunto
de herramientas para acrecentar el acervo gráfico de los diseñadores, además
son pautas que lo van formando como profesional del diseño.
ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE
Con base en tu investigación, y en el proceso de bocetaje de la portada y
contraportada del CD que realizaste, completa el proceso de diseño realizando
el dummy y el original mecánico de tu producto.
Resultado final con base en el original mecánico. www.cmykdesign.blogspot.com
97
AUTOEVALUACIÓN
1. Realiza un mapa de secuencias mencionando las partes del proceso
proyectual de las imágenes:
2. Elabora un mapa de “agua mala” con tres características de cada una de
las partes del proceso (brief de diseño, boceto, dummy y original
mecánico):
98
RESPUESTAS
1. Brief de diseño Boceto Dummy Original mecánico.
2. - Brief de diseño: Atributos de su producto. Misión y visión del
producto. Tendencias actuales para el producto.
- Boceto: Dibujo rápido hecho a mano. Se trabaja sobre papel. No
necesita dimensiones reales.
- Dummy: Colores y textos semejantes a los definitivos. Dimensiones lo
más parecidas al proyecto final. Puede o no presentarse en los
materiales definitivos.
- Original mecánico: Todos los elementos se presentan en dimensiones
reales. Se trabaja únicamente en color negro y en alto contraste. Para
las fotografías, solamente se marca su ubicación para que se inserten
posteriormente.
99
BIBLIOGRAFÍA
Buzzard, Nick, Cómo combinar y elegir colores para el diseño gráfico, España,
Gustavo Gili, 2010.
Dalley, Terence, Guía completa de ilustración y diseño, España, Akal S.A, 2000.
Meggs, Philip B., Historia del diseño gráfico, México, Trillas, 2006.
Mulherin, Jenny, Técnicas de representación para el artista gráfico, México,
Gustavo Gili, 1993.
Satué, Enric, El diseño gráfico: desde los orígenes hasta nuestros días, México,
Alianza, 2000.
Wong, Wucius, Fundamentos del diseño Bi- y tri-dimensional, México, Gustavo
Gili, 2010.
100
GLOSARIO
Acromático: Que no tiene color.
Aglutinante: Sustancia que sirve para unir o pegar una cosa con otra.
Arista: Línea resultante de la intersección de dos superficies.
Ashurado: Obtener luces y sombras a base de la saturación de líneas.
Bidimensional: De dos dimensiones, alto y ancho.
Cánula: Tubo corto que se emplea para depositar la tinta.
Cristalino: Cuerpo de forma cristalina que se encuentra detrás de la pupila del
ojo.
Difumino: Rollito de papel en forma de lápiz para suavizar los trazos. También
es llamado esfumino.
Gama: Escala de colores.
Offset: Técnica de impresión indirecta que tiene como base la litografía.
Opacidad: Capacidad de cubrir el color de fondo.
Papiro: Planta con tallo en forma de caña. Sus tallos secos al sol se usaron en
la antigüedad como base de escritura.
Pigmento: Sustancia colorante artificial o natural.
101
Plumilla: Pieza metálica de la pluma de escribir que se moja en la tinta para
hacer trazos.
Portaminas: Instrumento para escribir que consiste en un soporte cilíndrico que
contiene minas recargables de grafito en su interior.
Puntillismo: Obtener luces y sombras a base de la saturación de puntos.
Pupila: Abertura circular que el iris del ojo tiene en su parte media y que da
paso a la luz.
Retina: Membrana interior del ojo donde las sensaciones luminosas se
transforman en impulsos nerviosos.
Serigrafía: Proceso de impresión que consiste en copiar sobre cualquier
material un dibujo o imagen grabado en una matriz de hilos de seda, metal o
nylon, tamizando tintas o barnices especiales.
Soluble: Que se puede disolver.
Textura: Sensación que produce al tacto o a la vista una determinada materia.
Tiralíneas: Instrumento que sirve para trazar líneas de tinta, formado por dos
piezas unidas en forma de pinzas que gradúan su apertura mediante un tornillo.
Tridimensional: Que se desarrolla en las tres dimensiones espaciales: alto,
ancho y alto.
Viñeta: Recuadros compuestos de imagen o texto que conforman una
composición gráfica.
Viscoso: Denso y pegajoso.
