El Teatro estrena Der König Kandaules en su 25 aniversario · concierto del guitarrista Rafael Riqueni (21 de noviembre, abajo en el centro) o la actuación del bailaor Farruquito

MaestranzaENERO 2016 Revista de información del Teatro de la Maestranza de Sevilla, número 31

El Teatro estrena Der König Kandaules en su 25 aniversario

EL MAESTRANZA PROGRAMA EL BARBERO DE SEVILLA DE ROSSINI EN EL BICENTENARIO DE SU ESTRENO

LA ROSS FESTEJA TAMBIÉN SU 25 ANIVERSARIO Y EL CORO DE LA A.A. DEL TEATRO CUMPLE 20 AÑOS

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Maestranza · Enero 2016 3

SUMARIO

MaestranzaREVISTA DE INFORMACIÓN DEL TEATRO DE LA MAESTRANZA DE SEVILLA / NÚMERO 31 / ENERO 2016

E N T R E V I S T A S

P R O G R A M A C I Ó N

Edita: Teatro de la Maestranza / Dirección: Remedios Navarro / Coordinación editorial: Rocío Castro / Diseño, realización y maquetación: Promico Imagen / Han colaborado en este número: Emilio Barberi, María José Blanco, Alejandra García, Juan María Rodríguez y Rafael Verdú / Fotógrafo del Teatro: Guillermo Mendo /

Imprime: Tecnographic / Publicación trimestral / La revista Maestranza no se hace necesariamente responsable de la opinión de sus colaboradores, ni de los posibles cambios que pueda sufrir la programación / Depósito legal: SE-XXXX/XX. Teatro de la Maestranza. Paseo de Colón, 22. 41001 Sevilla Teléfono de información: 95 422 33 44 Fax: 95 422 59 95 e-mail: [email protected]

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DE UN VISTAZO. Resumen y fechas de todos los espectáculos en el Maestranza hasta el final de la temporada 2015-2016.

Calendario 10

DER KÖNIG KANDAULES. Estreno en España de la versión escénica de la ópera de Alexander von Zemlinsky.

Ópera 14

PEDRO HALFFTER. El director artístico del Teatro recuerda en un artículos los 25 años del Maestranza y la ROSS y los 20 del Coro.

Aniversarios 12

EL BARBERO DE SEVILLA. El Maestranza celebra el bicentenario del estreno de la ópera de Rossini con la reposición de una producción propia.

Ópera 16

L’ELISIR D’AMORE. La ópera de Donizetti, un clásico del repertorio, podrá verse en mayo en las cuatro funciones del Maestranza.

Ópera 17

BALLET NACIONAL DE ESPAÑA Y VERTEBRACIÓN. El BNE pone en escena Sorolla y la Sala Manuel García acoge Vertebración.

Danza 18

FALLA Y GARCÍA LORCA. Estrella Morente y Javier Perianes recuerdan la amistad surgida en Granada entre los dos genios del siglo XX.

Grandes Intérpretes 19TRIÁNGULO DE ORO Y FANDANGO. SINFONÍA DE LA LUZ. Los dos espectáculos cierra en Ciclo de Flamenco del Maestranza.

Flamenco 22JUDITH JÁUREGUI, KHATIA BUNIATISHVILI Y GREGORIO BENÍTEZ. Tres recitales de piano entre la juventud y la madurez.

Piano 23ONE/CORO NACIONAL DE ESPAÑA Y OJA. La Orquesta y Coro Nacional de España interpretarán obras españolas y el Carmina Burana.

Conciertos Sinfónicos 24

DELEGADO DE HÁBITAT URBANO, CULTURA Y TURISMO. El concejal explica la participación del Ayuntamiento en la gestión del Teatro.

Antonio Muñoz Martínez 4DIRECTOR DE LA ROSS. John Axelrod se siente “honrado” de su elección como responsable artístico de la Orquesta.

John Axelrod 28

LA TEMPORADA EN IMÁGENES. Fotografías de todos los espectáculos en el Teatro de la Maestranza hasta enero de 2016.

Resumen del trimestre 6

CATEDRÁTICO DE HISTORIA DE AMÉRICA. Especialista en ópera y crítico musical, Ramón María Serrera reclama más apoyo para la ASAO.

Ramón María Serrera 33

MAUS. La Universidad Hispalense programa una nueva edición del Festival de Música Antigua de Sevilla (MAUS).

Universidad de Sevilla 25TEMPORADA DE ABONO. La Sinfónica de Sevilla termina una temporada centrada en la música mediterránea.

ROSS 26

Maestranza · Enero 20164

ENTREVISTA

Antonio Muñoz Martínez (La Rinconada, Sevilla, 1959) es, desde las pasadas Elecciones Municipales celebradas

en mayo de 2015, el delegado del Área de Hábitat Urbano, Cultura y Turismo del Ayuntamiento de Sevilla. Licenciado en Ciencias Económicas y Empresariales por la Universidad de Málaga y experto en desarrollo local por la Organización Internacional del Trabajo, Muñoz Martínez ha destacado como responsable de la gestión del turismo en diferentes administraciones públicas: ha sido consejero delegado de Sevilla Global y director del Área de Economía y Turismo en el Ayto de Sevilla (1999-2002), director de Turismo de la provincia de Sevilla (2002-2004) y director general de Planificación y Ordenación Turística de la Junta de Andalucía (2004-2011). Muñoz Martínez también ha desempeñado otros cargos a lo largo de su carrera, como concejal de La Rinconada y director de Hacienda de la Diputación Provincial de Sevilla.

—¿Cómo se articula la participación del Ayuntamiento de Sevilla en la gestión del Teatro de la Maestranza?

—El Ayuntamiento forma parte del Consorcio Teatro de la Maestranza, al que aporta más de 900.000 euros anualmente. Además, tenemos una estrecha colaboración en lo que a programación se refiere, llevando al Teatro actuaciones de dos de los grande hitos culturales de la ciudad, como son la Bienal de Flamenco y el FEMAS, entre otros programas.

—¿Qué papel juega el Teatro de la Maestranza en el ámbito cultural de Sevilla?

—En Sevilla el Teatro de la Maestranza, junto al Lope de Vega, son los dos grandes espacios escénicos, los dos grandes referentes de la ciudad. En concreto el Maestranza juega un papel básico, llenando un hueco importante y necesario como es el de la lírica, dando respuesta a un público concreto y amplio y a un sector de la profesión cultural.

ANTONIO MUÑOZ MARTÍNEZ

“EL PÚBLICO DEL MAESTRANZA ES EXIGENTE Y CONOCE LO QUE VE Y ESCUCHA”

—A pesar de la crisis, ¿considera que el Teatro de la Maestranza ha logrado mantener la calidad en la programación?

—Sólo hay que ver los altos porcentajes de asistencia de público al Teatro, un público en general exigente y con conocimientos de lo que ve y escucha. Si la programación hubiera bajado los estándares de calidad sin duda habría bajado la asistencia. Y la crítica especializada, con las excepciones de rigor, también reconoce el esfuerzo realizado en la programación.

—Un dato relevante es el elevado porcentaje de asistencia al Teatro, que suele colgar el cartel de “no hay billetes”. ¿A qué cree que se debe?

—A una suma de factores, empezando por una buena comunicación y siguiendo por una demanda clara por parte de los ciudadanos, una política de precios asequible, el apoyo de la sociedad civil y sin duda por la calidad de la programación. El reto ahora es conseguir que ese alto porcentaje de

El responsable de Hábitar Urbano, Cultura y Turismo del Ayuntamiento de Sevilla defiende la gestión del Teatro de la Maestranza durante la crisis, que ha conseguido mantener los niveles de calidad y de asistencia de público. “Si la programación hubiera bajado sun duda habría bajado la asistencia”, afirma.

“El Teatro de la Maestranza llena un hueco importante y necesario como es el de la lírica, dando respuesta a un público concreto y amplio y a un sector de la profesión cultural”


ENTREVISTA

asistencia se traduzca también en una mejora financiera del Teatro que ayude a su sostenibilidad.

—En esta temporada se cumplen 25 años de la inauguración del Maestranza. ¿Cómo ha visto su evolución en este tiempo? ¿Cree que se ha creado en Sevilla un público aficionado a la música lírica?

—La pregunta anterior es la respuesta a ésta. Los altos índices de asistencia confirman que se ha creado un público fiel y además creciente. Incluso me atrevería a señalar que la afición también está generando un tejido artístico y profesional cada vez mayor y más consolidado. Y sobre la primera pregunta, creo, al menos desde mi perspectiva como asistente, que se ha seguido una línea clara, de calidad y sin grandes altibajos, lo que ha ayudado a esa fidelización del público que comentábamos antes.

—¿Qué herramientas, dentro de las políticas culturales, pueden beneficiar al Teatro de la Maestranza en particular y a la cultura en general?

—Que Sevilla tenga una agenda cultural tan activa, tan diversa y de tanta calidad beneficia al Maestranza. Dentro de esta agenda, una herramienta que se nos antoja básica es la coordinación de la programación cultural, en el ámbito institucional y en cuanto a espacios, tanto públicos como privados. Creemos que una programación cultural coordinada, que no se pise en fechas ni en contenidos, que fortalezca el trabajo en red entre todos los agentes culturales de la ciudad, es básico y a ello estamos dedicando buena parte de nuestros esfuerzos desde el Ayuntamiento. Una agenda bien coordinada ayudará además a sacar más partido de la comunicación y sin duda será un refuerzo muy importante en la

promoción turística de la ciudad y sobre todo facilitará el acceso de nuestros ciudadanos a la cultura.

—La participación de la sociedad civil en el Teatro de la Maestranza, ¿está funcionando como se esperaba o es necesaria una mayor participación de la ciudadanía?

—Respecto a la participación siempre es necesaria una mayor involucración de los ciudadanos en la gestión de la cultura y en el Teatro de la Maestranza no debemos hacer una excepción al respecto. Dicho esto, creo que la sociedad civil tiene un papel hoy día muy activo y necesario en el Maestranza y sin lugar a dudas es uno de los valores en los que el Teatro debe seguir apoyando y reforzando.

—Usted ha sido director general de Turismo de la Junta. ¿Cree que el Teatro de la Maestranza es otro atractivo turístico de Sevilla?

—Indudablemente. La programación del Maestranza, además del valor que posee en si misma, supone un complemento destacado a los atractivos turísticos de la ciudad, especialmente dentro de una programación cultural como es la de Sevilla, amplia, diversa y con una calidad incuestionable. M Antonio Muñoz Martínez.

“La sociedad civil tiene un papel hoy día muy activo y necesario en el Maestranza y sin lugar a dudas es uno de los valores en los que el Teatro debe seguir apoyando y reforzando”


TEMPORADA 2015-2016

SHAKESPEARE Y VERDI, UNIDOS EN EL TEATROLa ópera Otello de Verdi, basada en el drama del mismo nombre de Shakespeare, sirvió para abrir la temporada lírica del Teatro de la Maestranza con sus cuatro funciones los días 31 de octubre y 3, 6 y 9 de noviembre (a la derecha de estas líneas). En los papeles principales estuvieron el tenor norteamericano Gregory Kunde, que aportó fuerza y personalidad al rol de Otello; el barítono español Ángel Ódena (Jago); o la soprano norteamericana Julianna Di Giacomo (Desdémona). Pedro Halffter (dirección musical) y Henning Brockhaus (dirección de escena) estuvieron al frente de esta coproducción italiana de los teatros Massimo de Palermo y San Carlo de Nápoles, que contó con la ROSS y el Coro de la A.A. del Maestranza.

El primer trimestre de la temporada 2015-2016 del Maestranza contó con espectáculos para todos los

gustos. Los amantes de la zarzuela pudieron disfrutar de un título de Barbieri con libreto de Francisco Camprodón: Los diamantes de la corona (2, 4 y 5 de diciembre), con Sonia de Munck (arriba a la derecha) en el papel protagonista y la presencia de otros cantantes como Ricardo Muñiz, Cristina Faus o Carlos Cosías, dirigidos por Óliver Díaz en lo musical

y José Carlos Plaza en lo escénico. Gracias a la Obra Social “la Caixa”, los más pequeños conocieron las aventuras del Guillermo Tell de Rossini adaptado para el público infantil por el Teatre del Liceu de Barcelona (abajo a la izquierda), del 9 al 11 de diciembre. Y los numerosos aficionados del flamenco dispusieron de dos citas: el concierto del guitarrista Rafael Riqueni (21 de noviembre, abajo en el centro) o la actuación del bailaor Farruquito y su familia (15 y 16 de diciembre, abajo derecha).

Espectáculos para todos


TEMPORADA 2015-2016


TEMPORADA 2015-2016

La ROSS y el Aalto Ballett Essen abren el año 2016

La Real Orquesta Sinfónica de Sevilla dio la bienvenida al año 2016 con su tradicional concierto de Año Nuevo, con

John Axelrod a la batuta (en la imagen 1, dirigiéndose al público), el día 3 de enero. Además, el día 20 de diciembre tuvo lugar el Concierto de Navidad (2) con la actuación de la ROSS. Del 7 al 10 de enero, se celebró una de las citas destacadas del ciclo de Danza del Maestranza: la actuación del Aalto Ballett Essen de Alemania (3), que con la participación de la ROSS puso en escena el ballet Romeo y Julieta con música de Prokofiev.

Por otro lado, los más pequeños y las familias pudieron disfrutar los días 27, 28 y 29 de diciembre de la ópera El pequeño deshollinador (4), de Benjamin Britten, con dirección musical de Manuel Busto y escénica de Juan Dolores Caballero y producción del propio Teatro.

Otro de los momentos más esperados de la temporada fue el concierto de Chick Corea (5), quien estuvo el 7 de noviembre junto a la banda The Vigil para deleitar al público con el jazz más actual. La música clásica contó con el concierto celebrado a beneficio del Banco de Alimentos, que con el patrocinio de Fundación Cajasol, Ebrofundación y Fundación Konecta, tuvo lugar el 11 de diciembre con la dirección de Sebastian Perlowski y la soprano Irina Lévian (6). El joven violonchelista Gabriel Ureña (7) mostró sus dotes interpretativas en la Sala Manuel García el 3 de diciembre, junto a la pianista Noelia Rodiles. Finalmente, el Maestranza acogió la experiencia didáctica Crecer Cantando, Crecer Soñando (8) el dí a 26 de septiembre y dos actuaciones del Mes de Danza 22,Hay cuerpos que no se olvidan de Raquel Madrid (9) el 29 y 30 de octubre y Siete lunas de María Muñoz y Niño de Elche (10), el 4 de noviembre. M

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TEMPORADA 2015-2016

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Director artístico: Pedro Halffter

14 Y 15 DE ENERO

7º programa de abono de la ROSSCon el título El amor y la muerte, la ROSS interpretará obras de Granados, Falla y José María Gallardo Del Rey, que también estará como solista de guitarra, junto a la cantaora Esperanza Fernández. Al frente, John Axelrod.

TEATRO DE LA MAESTRANZA

17 DE ENERO

Música de CámaraLa Orquesta de Cámara celebra el cuarto concierto del Ciclo, con obras de Ibert, Françaix, Ligeti y Hindemith.

6 DE FEBRERO

Triángulo de oroJosé Valencia, Isabel Bayóny Pepe Habichuela protagonizan este espectáculo flamenco bajo la dirección de José Luis Ortiz Nuevo.

7 DE FEBRERO

Música de CámaraLos compositores Sperger, Albrechtsberger, Haydn, Hoffmeister y Mozart centran el quinto concierto.

8, 10, 12, 14 Y 16 DE FEBRERO

El barbero de SevillaEl Teatro de la Maestranza celebra el bicentenario de esta ópera reponiendo una de sus producciones estelares, que cuenta con dirección de escena de José Luis Castro y musical de Giuseppe Finzi.

18 Y 19 DE FEBRERO

8º programa de abono de la ROSSJohn Axelrod dirigirá a la ROSS y al solista de percusión Martin Grubinger para intepretar obras de Mozart, Dorman y Haydn.

10 Y 11 DE MARZO

10º programa de abono de la ROSSLa influencia mutua de Oriente y Occidente es el tema principal de este concierto, que contará con Christian Arming como director y los pianistas Ferhan y Ferzan Önder para intepretar obras de Saint-Saëns, Say, Dukas y Pärt.

31 DE ENERO

La voz y el poetaLa soprano Ainhoa Arteta recuerda a Federico García Lorca en el Ciclo de Recitales Líricos, acompañada al piano por Rubén Fernández Aguirre.

6 DE FEBRERO

En torno a... El barbero de SevillaEl ciclo de conferencias previas a la primera función de una ópera, en este caso El barbero de Sevilla, tendrá lugar en la Sala de Prensa.

20 DE FEBRERO

Leo NucciEl barítono vuelve al Teatro junto al Italian Opera Chamber Ensemble, dentro del Ciclo de Recitales Líricos.

21 DE FEBRERO

Judith JáureguiLa joven pianista vasca participará en el Ciclo de Piano con un programa centrado en obras del romanticismo y el postromanticismo.

22 DE FEBRERO

Pasión VegaLa cantante interpretará en el Maestranza los temas de su disco Pasión por Cano, en un concierto patrocinado por Diario de Sevilla.

23 Y 24 DE FEBRERO

Vertebración VILa sala Manuel García acogerá una nueva edición de Vertebración que nos propone la asociación PAD.

25 Y 26 DE FEBRERO

9º programa de abono de la ROSSEl Magreb centrará el concierto de la ROSS, que interpretará obras de Say, Rózsa, Williams, Steiner, Eidelman y Vangelis, con dirección de John Axelrod.

2 DE MARZO

Fandango, sinfonía de la luzSe celebrará el estreno absoluto de un espectáculo creado por José Manuel Évora y Antonio González que contará con la ROSS, la Coral de Valverde del Camino, así como singulares cantaores y guitarristas.

5 Y 6 DE MARZO

Ballet Nacional de EspañaEl Ballet Nacional de España, dirigido por Antonio Najarro, participará en el Ciclo de Danza con Sorolla.

6 DE MARZO

Música de CámaraObras de Turina y Rimski-Kórsakov han sido seleccionadas para el sexto concierto del Ciclo.

17 Y 18 DE MARZO

11º programa de abono de la ROSSEl Réquiem de Fauré y El martirio de San Sebastián de Debussy centran el concierto, con John Axelrod como director, el Coro de la A.A. del Maestranza y los cantantes Mary Bevan y Henk Neven.

28 DE MARZO

OJALa Orquesta Joven de Andalucía vuelve a su cita anual dirigida por Manuel Hernández-Silva y con el violonchelista Guillermo Pastrana.

31 DE MARZO Y 1 DE ABRIL

12º programa de abono de la ROSSDebussy, Falla, Ravel y Mussorgski centran el concierto, con Tito Ceccherini como director y Danylo Saienko como pianista.

12 DE MAYO

Roberta Invernizzi y la OBSLa soprano y la Orquesta Barroca de Sevilla, dirigidas por Enrico Onofri, interpretarán obras de Haendel.

3 DE ABRIL

Música de CámaraNuevo concierto del Ciclo de la ROSS, con obras de Dussek, Jolivert, Ibert y Ravel.

7 Y 8 DE ABRIL

13º programa de abono de la ROSSLa primavera según Respighi, Ravel y Stravinsky, con John Axelrod al frente y Regina Chernychko al piano.

10 DE ABRIL

Concierto de FeriaFuera de la programación de abono, la ROSS celebra un concierto con motivo de la Feria de Abril.

29 DE ABRIL

Orquesta y Coro NacionalesLa Orquesta y Coro Nacionales de España interpretarán obras de Falla, Turina y Manuel García, así como el Carmina Burana de Carl Orff.

30 DE ABRIL

Gala Lírica XXV AniversarioEl Maestranza y la ROSS celebran su XXV aniversario y el Coro cumple 20 años. Para festejarlo, un concierto extraordinario .

29 DE MARZO

Khatia BuniatishviliLa joven pianista georgiana Khatia Buniatishvili (26 años) participa en el Ciclo de Piano del Maestranza.

14 Y 15 DE ABRIL

14º programa de abono de la ROSSEn este programa se proyectará la película Carmen de Cecil B. de Mille con la música de Bizet y con Mihnea Ignat como director.

12 DE MAYO

En torno a... L’elisir d’amoreConferencia previa, en la Sala de Prensa, a la primera función de la ópera de Donizetti.

13, 16, 18 Y 21 DE MAYO

L’elisir d’amoreLa ópera de Donizetti estará dirigida en el apartado musical por Yves Abel y en el escénico por Víctor García Sierra. Esta versión de L’elisir d’amore es una producción del Nausica Ópera Internacional de Parma.

15 DE MAYO

Música de CámaraPrograma con obras de Cui, Bonis, Gaubert, Martinu, Ibert y Rota.

17 DE MAYO

Gregorio BenítezEl pianista ofrecerá un recital con obras de Busoni, Bach, Franck, Beethoven, Messiaen y Castillo en el Ciclo de Jóvenes Intérpretes.

26 Y 27 DE MAYO

15º programa de abono de la ROSSMaxim Emelyanychev dirigirá a la ROSS y al violonchelista Asier Polo en un programa con obras de Bartók, Rodrigo y Mozart.

19 DE JUNIO

Música de CámaraLa Orquesta de Cámara de la ROSS cierra el Ciclo con un concierto dedicado exclusivamente a Beethoven.

16 DE JUNIO

En torno a... Der König KandaulesLa charla sobre el estreno escénico en España de la ópera de Zemlinsky tendrá lugar en la Sala de Prensa.

20, 22 Y 24 DE JUNIO

Der König KandaulesEl Maestranza estrena en España en versión escénica esta ópera de Alexander von Zemlinsky, con Pedro Halffter como director musical y Manfred Schweigkofler como director escénico. La producción es de la Fundación Teatro Massimo de Palermo.

30 DE JUNIO

Estrella Morente y Javier PerianesLa cantante y el pianista se unen en un singular concierto que cierra la temporada del Maestranza.

7 Y 8 DE JULIO

16º programa de abono de la ROSSLa ROSS cierra su temporada de abono con un concierto dirigido por John Axelrod y con Alexandre Da Costa como solista de violín.

2 DE ABRIL

Adopta a un músicoPrograma pedgógico de la Sinfónica de Sevilla.

29 DE JUNIO

Clausura del curso universitarioLa ROSS celebra con un concierto la finalización del curso de la Universidad de Sevilla.


PROGRAMACIÓN

El Teatro de la Maestranza es hoy por hoy una institución fundamental en la cultura de Andalucía. Cuando comenzamos esta apasionante

aventura, hace ahora justo 25 años, nuestros referentes eran el Teatro Real de Madrid y el Gran Liceu de Barcelona, y más adelante el Palau de les Arts de Valencia, tres teatros con los que ya, en plena etapa de madurez, colaboramos de forma fluida y con los que el Teatro de la Maestranza comparte la calidad de la programación lírica.

El camino para llegar hasta aquí ha estado lleno de esfuerzo, trabajo e ilusión desde 1991, año de la primera temporada del Maestranza, aquella en la que nos visitaron los principales cantantes líricos de finales del milenio: José Carreras, Luciano Pavarotti, Alfredo Kraus, Teresa Berganza, Pilar Lorengar, Montserrat Caballé... También fue aquél el año en que la ciudad recuperó su enorme tradición operística, perdida hacía algunos años, con un Rigoletto de Verdi y una Tosca de Puccini, y, como no podia ser menos en una ciudad sin parangón como escenario inspirador de más de un centenar de óperas de todos los estilos, como por ejemplo El barbero de Sevilla de Rossini; la misma ópera que podrá verse esta temporada en el Maestranza en su 25 aniversario. El año siguiente, 1992, fue el de la Exposición Universal de Sevilla, a la que el Teatro de la Maestranza contribuyó alumbrando una de las temporadas más completas, por número de espectáculos y calidad de los mismos, de toda su historia, con la presencia en la ciudad de algunas de las mejores orquestas del mundo.

Comenzamos a andar, tanto el Teatro como la ROSS, y también lo hizo un público que cada vez nos demandaba más la presencia de

grandes producciones operísticas en Sevilla. Poco a poco, gracias a la dirección de José Luis Castro, se fue diversificando el repertorio y programando óperas y espectáculos de gran envergadura.

Por supuesto, el nacimiento y consolidación del Teatro de la Maestranza han ido paralelos a la creación y crecimiento de la ROSS, sin cuya presencia habría sido imposible alcanzar los niveles de calidad de los que hoy se puede sentir orgullosa Sevilla.

A partir de la temporada 2003-2004 nos planteamos tres líneas básicas de trabajo que se han mantenido hasta ahora: la ampliación del número de funciones programadas para cada ópera (ha habido títulos, como Madama Butterfly o Rigoletto, con hasta ocho funciones); la introducción de una ópera de carácter sevillano cada año (El barbero de Sevilla, Fidelio...); y el estreno absoluto de una obra también en cada temporada, como La mujer silenciosa o las óperas de Zemlinsky. De este modo llegamos a programar hasta 13 títulos de ópera diferentes en una sola temporada y pudimos poner en escena (gracias también a la ampliación del Teatro) la Tetralogía de Wagner, lo que marcó el paso del Teatro de la Maestranza de una etapa de crecimiento a otra de plena madurez.

Ahora, con 25 años recién cumplidos y como corresponde a una institución plenamente integrada en la sociedad, nos enfrentamos a nuevos retos, como la producción de una Carmen en Sevilla o de otros títulos inspirados en la ciudad, así como la reposición de producciones propias. Una de nuestras aspiraciones, particularmente interesante, es la difusión social del Teatro, abriéndonos a nuevos públicos y a través de la colaboración

PEDRO HALFFTER

FIEL A LA CIUDADEl director artístico del Maestranza hace un balance de los 25 años de historia del Teatro y plantea los siguientes retos para el futuro.

El camino ha estado lleno de esfuerzo, trabajo e ilusión desde 1991, año de la primera temporada, aquella en la que nos visitaron los principales cantantes líricos de finales del milenio

Mientras en otros teatros líricos españoles y europeos la pérdida de espectadores ha sido notable, en el Teatro de la Maestranza hemos logrado mantener la fidelidad y el nivel de asistencia

El maestro Pedro Halffter.


PROGRAMACIÓN

directa con universidades, institutos y centros educativos.

También nos gustaría que los grandes cantantes que actúan en el Maestranza trabajen directamente con el Coro de la Asociación de Amigos del Maestranza. Creemos que el Coro, que cumple en esta temporada 20 años, es fundamental para el Teatro porque promueve la integración del Maestranza en la sociedad: gracias a sus integrantes, que actúan como profesionales aunque cuentan con sus propios trabajos, nos sentimos vivos y al mismo tiempo observados.

En definitiva, lo que queremos es abrirnos más a la ciudad. Pensamos que una buena manera de conseguirlo es el empleo de las nuevas tecnologías, tan presentes hoy en día en la vida cotidiana. Ojalá en breve podamos difundir los espectáculos del Maestranza vía televisión o Internet, para estar más cerca del público. Y es que el público sevillano nos ha sido muy fiel en estos 25 años. Hay que señalar que mientras en otros teatros líricos españoles y europeos la pérdida de espectadores ha sido notable debido a la crisis, en el Teatro de la Maestranza hemos logrado mantener la fidelidad y el nivel de asistencia a los espectáculos apenas ha mermado. Ésa es una motivación esencial para seguir trabajando por y para el Maestranza.

Por último, somos conscientes de que el público del Teatro de la Maestranza es heterogéneo y, aunque tiene predilección por la ópera —desde Wagner hasta las óperas contemporáneas—, también siente pasión por otros géneros. Así nos lo transmite y así lo recogemos, con el único objetivo de dar satisfacción a quienes dan sentido a este Teatro: los espectadores. M

De arriba a abajo, tres de las óperas que se han podido ver en el Maestranza en

sus 25 años de historia: El barbero de Sevilla en una producción propia, el

estreno en España de La mujer silenciosa y la espectacular escenografía de La Fura dels Baus para El oro del Rin.

Un concierto para celebrar los tres aniversarios

GALA LÍRICA | CONCIERTOS SINFÓNICOS | 30 DE ABRIL

El 30 de abril es la fecha elegida para conmemorar tres cumpleaños muy especiales que se celebran a lo largo del año 2016: el XXV aniversario del Teatro de la Maestranza y la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, que echaron a andar en 1991, y las dos primeras décadas del Coro de la Asociación de Amigos del Maestranza. Las tres instituciones han sido claves en el desarrollo de la música y la cultura en Sevilla y por ello se celebrará una Gala Lírica con una gran presencia de cantantes andaluces.

En este concierto extraordinario participarán tanto la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla como el Coro de la Asociación de Amigos del Teatro del Maestranza, y contarán con la dirección musical de Pedro Halffter. Según ha explicado el director, en la Gala Lírica “habrá una notable presencia de cantantes andaluces que ya han estado en el Teatro de la Maestranza”.

El programa para esta cita estará compuesto por fragmentos de óperas, zarzuelas y obras corales, todas ellas muy conocidas por el público. Como una forma de agradecer a los especadores su constante implicación en el Teatro, “la ópera sevillana o ambientada en la ciudad tendrá una gran presencia en la Gala Lírica”, explica Pedro Halffter.

La Gala Lírica del XXV aniversario del Teatro y de la Orquesta y XX aniversario del Coro será sin duda una de las citas musicales más esperadas de toda la temporada por los aficionados sevillanos. M


PROGRAMACIÓN

Con una orquestación tan bella como fastuosa, tan cromática como inundada de deslumbrantes motivos musicales hasta

el punto de que algunos comentaristas han señalado que, en esta ópera, son las voces las que parecen acompañar a la orquesta, Der König Kandaules llega al Teatro de la Maestranza en riguroso estreno absoluto en versión de escena en España, un hito relativamente sorprendente pues, a pesar de que Zemlinsky abordó su composición en los años 30, no fue hasta 1996 cuando su biógrafo, y también compositor, Anthony Beaumont,

En los límites (fastuosos) de la moralEl Teatro de la Maestranza estrena en España la versión en escena de la ópera Der König Kandaules (“El rey Candaulo”), de Zemlinsky, en una producción del Teatro Massimo de Palermo, que tendrá dirección musical de Pedro Halffter y escénica de Manfred Schweigkofler.

DER KÖNIG KANDAULES | ÓPERA | 20, 22 Y 24 DE JUNIO

STUDIO CAMERA-PALERMO FRANCO LANNINO&MICHELE NACCARI

La versión escénica de Der König Kandaules producida por la Fundación Teatro Massimo de Palermo.


PROGRAMACIÓN

estrenó en Hamburgo la versión defintiva de un trabajo que Zemlinsky dejó inconcluso a su muerte.

Los espectadores del Teatro de la Maestranza están especialmente entrenados en el universo lírico de Alexander von Zemlinsky (Viena, 1871–Nueva York, 1942): desde luego, mucho más que en otros escenarios líricos de España, pues aquí han podido ver ya títulos muy infrecuentes en España como Una tragedia florentina o El enano. Zemlinsky, además de compositor y célebre director de orquesta y teatros de ópera, fue maestro, entre otros, de Schöenberg y Korngold. Junto a Otto Klemperer, Zemlinsky dirigía la Kroll Oper en Berlín cuando en 1933 se desplazó a Viena huyendo de la presión nazi, que declaró su música como “arte degenerado” por el origen judío de su madre. En 1938, gravemente enfermo, huyó a los Estados Unidos, donde murió en 1942 a causa de un infarto, con el trabajo de Der König Kandaules ya acabado, a falta de su instrumentación.

Inicialmente, su discípulo Artur Bodanzky intentó concluirlo en los años 40, pero desistió por los problemas de censura derivados de la alta carga erótica del libreto. Finalmente, fue Anthony Beaumont quien, 50 años después, concluyó el trabajo por encargo de la viuda del compositor. Beaumont finalizó la partitura respetando fielmente el timbre y la atmósfera sonora gracias

a las detalladas indicaciones dejadas por Zemlinsky. Fue, precisamente, el estreno hamburgués de Kandaules... lo que propició un movimiento de revaloración de Zemlinsky como uno de los grandes creadores de la Viena finisecular.

Ambición y amoralidadLa obra reflexiona sobre la ambición de poder, la atracción sexual y la amoralidad a partir de la historia de un monarca libertino que goza entregando a su esposa al placer con otros hombres. La moral, el sexo, la crisis y la búsqueda de identidad centran las reflexiones de un título cargado, como toda la obra de Zemlinsky, de melodías cromáticas, una lujuriosa orquestación y poderosos clímax dramáticos procedentes, esta vez, de una historia que hunde sus remotas raíces en Herodoto, en la que se entremezclan la sed de poder, la atracción sexual o el voyeurismo a través de unos personajes amorales, perversos o decadentes, característicos del teatro lírico de las vanguardias vienesas. De hecho, los especialistas sitúan a Der König..., que está basada en una pieza de André Gide según la versión alemana de Franz Blei, en la esfera de los grandes hitos del teatro musical de la primera mitad del siglo XX, junto a Wozzeck y Lulú, de Alban Berg, o el Moisés y Aarón de Schönberg. Su estreno absoluto en escena en España es, pues, una importante contribución del Teatro de la Maestranza a la normalización en nuestro país de uno de los periodos musicales más influyentes y brillantes de la Historia.

Al frente de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Pedro Halffter, quien ya obtuvo un notable éxito en la temporada 2007-2008 presentando en España Una tragedia florentina y El enano, dirige una producción escénica de Manfred Schweigkofler para el Teatro Massimo de Palermo con Nicola Beller Carbone (Mannheim, 1964), soprano alemana aunque formada inicialmente en España y gran especialista en el repertorio lírico del siglo XX en títulos de Krenek, Schreker o Berg, entre otros. M

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Los especialistas sitúan a Der König Kandaules, que está basada en una pieza de André Gide según la versión alemana de Franz Blei, en la esfera de los grandes hitos del teatro musical de la primera mitad del siglo XX

Pedro Halffter, director artístico del Teatro de la Maestranza y director musical del estreno escenográfico en España

de Der König Kandaules, es el máximo responsable de la recuperación que se ha hecho en Sevilla de las óperas y la música de Alexander von Zemlinsky. En temporadas anteriores se han estrenado en el Maestranza Una tragedia florentina y El enano, con notable éxito de crítica y público para un autor que no suele ser representado en los escenarios de ópera.

Como explica Pedro Halffter, “hemos querido seguir la línea de programación de combinar títulos sevillanos con otros poco habituales en España. En esta ocasión podremos ver la última ópera compuesta por Zemlinsky durante su exilio en EEUU”, país al que viajó el músico austríaco huyendo de la persecución nazi.

Sobre Der König Kandaules, Pedro Halffter aclara que tanto los personajes protagonistas, el rey Candaulo y su mujer, como la trama sitúan a esta ópera “muy cerca de la

Salomé de Strauss. Nunca se estrenó en vida del compositor —Zemlinsky falleció en 1942 en el exilio, mientras que la obra que nos ocupa no se estrenó hasta tiempos recientes, en Hamburgo en 1996—, pero desde entonces se ha representado con éxito en muchos sitios, y que el Teatro de la Maestranza la estrene en España es un hito destacado”.

Sobre la música, el director de Der König Kandaules no duda en calificarla como “bellísima, que recuerda en muchos puntos a la música de Mahler”, puesto que ambos compositores se admiraban mutuamente. Además, “es una música muy fácil de entender y muy atractiva, con la mujer desde un punto de vista freudiano”. En cuanto a la escenografía de esta producción del Teatro Massimo de Palermo, Pedro Halffter recuerda que ha sido galardonada recientemente: “Es impactante, fantástica y con unos intérpretes maravillosos”.

En definitiva, una ópera que pone a Sevilla como referente en la recuperación de las óperas de Alexander von Zemlinsky. M

“Esta ópera está muy cerca de Salomé”

Si hay un título en el que cristalice la fecunda relación de Sevilla con la ópera, un título en el que la piel de la ciudad histórica se funda con

el argumento y la música, ese título es, sin duda, El barbero de Sevilla. Sólo Carmen puede disputarle a El barbero... su condición de libreto rabiosamente nacido de las propias calles y espacios emblemáticos de una ciudad que, para la ópera, no ha sido sólo un atractivo entorno físico, sino también, como ocurre en El barbero..., un espacio de leyenda, mítico, nacido no sólo de la extraordinaria potencia de sus personajes costumbristas o folclóricos, sino de la universal carga metafórica que esos personajes escondían.

Hacía falta una producción netamente sevillana que limpiara de clichés y adiposidades escénicas la conocida historia de Beaumarchais adaptada por Rossini y esa producción, consecuencia directa de disponer al fin de un teatro de ópera profesional y moderno, llegó de la mano del director de escena José Luis Castro con escenografía de los pintores Carmen Laffón y Juan Suárez, tres artistas sevillanos enfrentados a dialogar no ya con un libreto tan sugestivo como difícil, sino con un título viciado por numerosas lecturas escénicas que sólo han incidido en las apariencias más pintoresquistas del libreto. Y lo lograron, pues en su propuesta, inteligencia escénica, elegancia, agilidad y plasticidad logran vivificar un título que vuelve ahora a cobrar vida en conmemoración de los 200 años de su estreno en Roma en 1816.

Paradojas de la creación artística. Mito sevillano elaborado —como tantas veces en la cultura española y, singularmente, andaluza— por un escritor francés y un compositor italiano, El barbero de Sevilla vuelve a los decorados urbanos en los que, de hecho, transcurre 200 años después de su estreno y lo hace consagrada como una de las diez óperas

más vistas de la historia a lomos de momentos estelares —Largo al factotum, Una voce poco fa o La calunnia è un venticello— y un plantel de personajes —Fígaro, Almaviva, Rosina, Don Basilio…— que forman parte del imaginario operístico de cualquier melómano del mundo.

El barbero... es una enloquecida comedia que, básicamente, gira sobre la problemática de los matrimonios a la fuerza que a juicio de Beaumarchais, ya en el siglo XVIII, debían pasar a la historia, y que encontró en la Sevilla apagada de la época un decorado coherente para una trama de grandezas y miserias que, por otra parte, enlazaba con la España del Siglo de Oro que Cervantes retrató en, por ejemplo, El celoso extremeño, según ha señalado el especialista Jacobo Cortines. La producción de José Luis Castro es un intento por restituir la trama escénica a la verdadera historia y tradición artística de una ciudad tan umbilicalmente unida a un título de ópera, hasta el punto de que, a su llegada a Sevilla, los viajeros románticos pedían ser conducidos hasta la barbería de Fígaro y la casa de Don Bartolo, como si fueran reales.

El estreno en RomaRossini (Pésaro, 1792–París, 1868) concibió su ópera bufa en dos actos a partir del libreto de Cesare Sterbini sobre la comedia original de Beaumarchais, de 1775. Se estrenó el 20 de febrero de 1816 en el Teatro Argentina de Roma. Con su habitual laboriosidad y brillantez, Rossini empleó menos de 3 semanas en concluir la obra capital del género bufo que, en un principio, tituló Almaviva, o sea la precaución inútil, para distinguirla de la pieza de Paisiello sobre el mismo tema —también usado por Mozart 30 años antes— que gozaba de gran éxito en la época.

Inicialmente, y como consecuencia de una serie de accidentes escénicos que lastraron la función y de las maniobras de Paisiello y sus partidarios

Sevilla frente a SevillaEL BARBERO DE SEVILLA | ÓPERA | 8, 10, 12, 14 Y 16 DE FEBRERO

para boicotear el título, el estreno de El barbero de Sevilla fue un completo desastre hasta el punto de que el desenfreno del público obligó a Rossini a abandonar el teatro: “Yo creía que me iban a asesinar”, comentó. Sin embargo, la segunda función convirtió al Barbero... en el mito operístico que constituye hoy en día.

De El barbero de Sevilla sorprendieron sus dimensiones poco habituales en la ópera bufa —un primer acto de unos 105 minutos y un segundo de unos 60— y “el endemoniado dinamismo que lo invade de principio a fin derrochando una contagiosa alegría”, al decir del mayor experto rossiniano, el director Alberto Zedda.

En la estilizada y renovada producción del Teatro de la Maestranza, Giuseppe Finzi, director residente de la Ópera de San Francisco, dirige a la ROSS y

al Coro de la Asociación de Amigos del Teatro de la Maestranza junto a un amplio reparto capitaneado en los roles estelares por el ascendente tenor belcantista Michele Angelini, habitual del Metropolitan Opera o el Convent Garden y con el barítono canadiense Elliot Madore, que llega a Sevilla para cantar un rol, Fígaro, que habrá cantado inmediatamente antes en el Metropolitan Opera de Nueva York; el barítono Renato Girolami, que ha sido Bartolo a las órdenes de Daniel Barenboim; la mezzo italiana Marina Comparato, extraordinaria voz belcantista para Rosina; y el gran bajo ruso Dmitry Ulyanov.

El Teatro de la Maestranza le invita a celebrar el 200 aniversario del estreno de un clásico de todos los tiempos en la única versión escénica en la que, con gran calidad y por primera vez, Sevilla se enfrenta a un mito operístico llamado Sevilla. M

El barbero de Sevilla, en la producción del Teatro de la Maestranza.


PROGRAMACIÓN

El barbero de Sevilla, en la producción del Teatro de la Maestranza. L

a historia de la ópera no es solo la crónica encadenada de cómo las corrientes musicales y las aportaciones de los creadores fueron llenando los

escenarios de grandes y perecederos títulos, sino que va transformándose, actualizándose, con las propuestas con las que los escenógrafos y directores de escena revitalizan el género adaptándolo a cada momento en un proceso de transformación constante. Así sucede con la mirada singular con la que el pintor colombiano Fernando Botero, marcada por una ironía excéntrica y el estallido y viveza del color, aborda uno de los títulos más populares del repertorio, Lelisir dámore, de Gaetano Donizetti.

En la puesta en escena con la que el Teatro de la Maestranza ofrece a las nuevas generaciones la posibilidad de descubrir en vivo un clásico esencial del género —y a las más veteranas, de volver a disfrutar de él, revisitándolo con nuevos ojos—, el director de escena Víctor García Sierra parte de la colección de pinturas y dibujos que el artista colombiano Fernando Botero realizó a partir de su encuentro con un circo popular mejicano. “Fue una gran

revelación. Era pobre y lleno de animales famélicos. Me encontré una gran poesía allí”, ha descrito el encuentro Botero, quien ya firmó hace años una puesta en escena de La hija del regimiento, y ahora ha convertido en extravagantes y orondas figuras circenses a los personajes de El elixir de amor.

La obra, fruto de un encargo contra reloj resuelto por Donizetti en sólo dos semanas, según la viuda del libretista Romani —otras fuentes elevan el trabajo a seis semanas—, se estrenó en el Teatro della Canobbiana de Milán —el mayor de la ciudad tras la Scala, con el que rivalizaba— en 1832 con un éxito inmediato que continúa hasta hoy, pues el encantador enredo de su argumento y, sobre todo, la belleza melódica de sus arias, coronadas por Una furtiva lágrima, han calado hondamente en el corazón del público. La historia, ambientada en en el universo idílico de un pueblo rural del País Vasco francés, narra las desventuras amorosas de Nemorino, un campesino reservado y pobre, enamorado de Adina, una burguesa rica y caprichosa. Tras la llegada de un regimiento puesto al mando de un sargento fanfarrón y la irrupción del

charlatán intrigante Dulcamara, los enredos se precipitan pues Nemorino le adquirirá a éste un elixir con el que, según pregona el vendedor, podrá conquistar el corazón de Adina.

La humanización de personajesEn el conjunto de la obra de Donizetti, Lelisir dámore adquirió una extraordinaria relevancia musical comparable a la gran Lucia di Lammermoor porque, en su carácter de obra bufa, trabaja sobre roles prototípicos de la comedia sentimental lacrimógena de estilo francés, muy extendida en la época, pero mezclándolo con un delicioso estilo cómico que hizo fortuna a partir de su estreno. Los especialistas valoran de Lelisir dämore su capacidad para superar el modelo “mecánico” de las óperas de Rossini —que era un prodigio de mecanismo exacto—, humanizando a sus personajes con multitud de detalles psicológicos y dramáticos derivados tanto de la partitura musical como de unas arias que, por otro lado, suponen la plena consumación del bel canto.

Esa mezcla inteligente entre comicidad y drama, salpimentado por una fabulosa galería de personajes

El circo de L’elisir

L’ELISIR D’AMORE | ÓPERA | 13, 16, 18 Y 21 DE MAYO

carismáticos —ya fueran frívolos para derivar luego en melancólicos, como Adina; vulgares, como el sargento Belcore; tramposos, como el charlatán Dulcamara o entrañablemente ingenuos, como Nemorino—, supo conectar con el corazón del público hasta el punto de que la obra permaneció en cartel 32 días seguidos tras su estreno. El hecho de que Donizetti pusiera sobre el tapete el corazón abierto de sus personajes constituyó una novedad para el teatro lírico de la época, inaugurando un camino de veracidad dramática y profundización emocional en los sentimientos que algunos especialistas consideran el preámbulo del gran Verdi. Musicalmente, la ópera exhibe el brillo rossiniano introduciendo timbres más patéticos o románticos, especialmente en la sección de maderas que realizan un trabajo que conecta con la intimidad del espectador.

Yves Abel, que fue principal director invitado de la Deutsche Oper Berlin entre 2005 y 2011 y es un habitual de los fosos del Metropolitan, la Scala o el Liceu, dirige a la ROSS y al Coro de la Asociación de Amigos del Teatro de la Maestranza en una producción de Nausica Ópera Internacional de Parma, arropado por un brillante plantel de cantantes. De una parte, el emergente tenor latinoamericano Joshua Guerrero, que ya ha trabajado bajo la dirección de Conlon o Dudamel, es una de las voces belcantistas más brillantes de la escena. La soprano granadina María José Moreno, una referencia en la nueva generación de cantantes líricos españoles, ha desarrollado una doble carrera —ópera y zarzuela— que la ha catapultado hasta escenarios como la Scala de Milán o la Ópera de Viena trabajando con batutas legendarias como Colin Davis. El rotundo barítono Massimo Cavalletti atesora una formidable carrera coronada con presencias continuas en la Scala, Staatsoper de Viena o Metropolitan bajo la dirección de maestros como Barenboim, Harding o Gatti. Por último, la joven soprano sevillana Leonor Bonilla, ganadora del Concurso Internacional de Tenerife, es una de las voces emergentes más prometedoras de la escena nacional. M

JAVIERSUNICORABORG


PROGRAMACIÓN

En una temporada marcada por la revisión de algunos estereotipos vinculados con la tradicional identidad visual tanto española

como andaluza, el Ballet Nacional de España (BNE) acude al Teatro de la Maestranza para presentar Sorolla, un espectáculo centrado en la mirada personal con la que el célebre pintor Joaquín Sorolla abordó su visión del país, de sus costumbres o sus bailes en un trabajo de 1911 por encargo de la Hispanic Society de Nueva York. Una mirada interior concebida para ojos extranjeros. A partir de esa evocación, plasmada en 14 grandes paneles, el espectáculo despliega un brillante ejercicio de luz, color y movimiento al servicio de una coreografía de extraordinaria plasticidad.

Sobre una idea original de Antonio Najarro, director del BNE, Sorolla presenta una impactante coreografía firmada por Arantxa Carmona, Miguel Fuente, Manuel Liñán y Antonio Najarro y luce una subyugante puesta en escena de Franco Dragone —uno de los creadores del Circo del Sol— y un impactante diseño de vestuario de Nicolás Vaudelet. “Es un ejemplo de lo que debe hacer el Ballet Nacional; de su equilibrio entre tradición y modernidad, de su ambición artística incluso en tiempos de crisis, de su apertura a nuevos coreógrafos y de su rigor y entrega en el trabajo”, señaló en ABC, Julio Bravo. La música, de Juan José Colomer, Paco de Lucía y Enrique Bermúdez, recoge elementos de la música popular, como jotas, fandangos y sardanas. “Se trata de un espectáculo de danza española con mayúscula”, ha subrayado Najarro. La puesta en escena concentra el espectáculo en una suerte de cubo y emplea también un audiovisual relacionado con los cuadros de Sorolla.

Tanto el vestuario —250 trajes— como la iluminación y la puesta en escena sugieren una visión onírica y

fantástica de la cultura española, vista a través de los ojos de Sorolla.

Sorolla (Valencia, 1863-Madrid, 1923), un pintor extremadamente prolífico consagrado en París a comienzos de 1900 y que gozó de un gran éxito internacional a partir de una obra considerada impresionista y postimpresionista, realizó su serie Visión de España entre 1913 y 1919 tras recoger ideas y bocetos viajando por toda España a lo largo de 1912. Los murales que entregó a la Hispanic Society para decorar la biblioteca del edificio sede de la fundación son de 3,5 metros de alto por unos 70 metros de largo.

Considerado un espectáculo colorista, elegante y extraordinariamente energético, Sorolla, que concentra a un elenco de más de 30 bailarines en escena, nos invita al reto de enfrentarnos con la esencia y la identidad regional de España a través de sus músicas y sus danzas, reelaboradas por un plantel variado de coreógrafos que han profundizado en la danza clásica española, la escuela bolera o el flamenco hasta desarrollar una suerte de folclore vanguardista que ha sido celebrado con entusiasmo por el público a lo largo de sus representaciones. M

España baila a SorollaBALLET NACIONAL DE ESPAÑA | DANZA | 5 Y 6 DE MARZO


PROGRAMACIÓN

Sorolla por el Ballet Nacional de España.

Vertebración ofrece cuatro propuestasVERTEBRACIÓN | DANZA | 23 Y 24 DE FEBRERO

La Asociación Andaluza de Profesionales de la Danza (PAD) sigue mostrando al público las últimas tendencias en baile y coreografía con la sexta edición de Vertebración, que tendrá lugar en la Sala Manuel García del Teatro de la Maestranza los días 23 y 24 de febrero.

En esta ocasión los creadores andaluces han optado por presentar cuatro propuestas diferentes para mostrar distintas tendencias y formas de entender la danza. Son Yo sabía que debía haber algún error, un ejercicio de improvisacion a cargo de uno de los bailarines con más reconocimiento en Andalucía, como es Juan Luis Mantilla, ganador de cinco premios PAD el año pasado; 1. Oda a una Unicórnia, creación escénica de Verónica Morales que tiene como trasfondo a la ciudad de Sevilla; OFF LINE, en la que Noemí Torró Sanz reflexiona desde la danza sobre las redes sociales y su impacto en los procesos de comunicación social de la actualidad; y Coreografía para una escalera, de Sandra Bonilla, un espectáculo creado por la veterana coreógrafa para ser representado en espacios singulares. En total, cuatro propuestas con la presencia sobre el escenario de más de 20 bailarines y bailarinas que mostrarán la vanguardia de la danza hecha en Andalucía.

La Asociación de Profesionales y Compañías para el Desarrollo de la Danza en Andalucía (PAD) tiene como objetivo el desarrollo de la danza y la interlocución entre agentes públicos y privados, entre otros. Actualmente, la asociación PAD cuenta con más de 20 compañías integradas, procedentes de todas las provincias andaluzas, que se benefician de los diferentes servicios que ofrece el colectivo. M

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Manuel de Falla y Federico García Lorca se hicieron amigos en Granada un día cualquiera de 1920.

Según cuenta la hermana del poeta, Isabel García Lorca, en un documental del cineasta Michael Meert, el escritor se presentó un día en la casa de Falla en Granada, ciudad en la que se había instalado ese mismo año, y le dijo: “Quiero ser su amigo”. A partir de entonces se forjó una relación entre dos de los máximos exponentes de la cultura española del siglo XX que duraría hasta la muerte de Lorca en 1936.

Casi un siglo después de aquel primer encuentro, otra singular amistad entre dos artistas de diferentes ámbitos, la cantaora Estrella Morente y el pianista Javier Perianes, sirve para recordar la relación entre el músico y el poeta. En Falla y García Lorca (Ciclo Grandes Intérpretes, 30 de junio), la voz flamenca de la hija del maestro Enrique Morente y el virtuoso clasicismo del onubense Javier Perianes se unen en un espectáculo que incluye composiciones de Falla y Lorca, pero también de autores franceses como Poulenc y Bizet.

La relación de Javier Perianes con el Teatro de la Maestranza es larga y ha ofrecido bellísimas muestras de su talento, como el concierto con el mítico Cuarteto Tokyo o la integral de los conciertos para piano de Beethoven en 2013, la misma temporada en la que el onubense se convirtió en artista residente del Maestranza y de la ROSS.

Aclamado por el público y la crítica en todo el mundo, la agenda de Perianes está repleta de citas y actuaciones en los mejores escenarios y con algunas de las más prestigiosas orquestas. Así, en este año 2016 el onubense tocará con la

Filarmónica de Viena, Chicago Symphony, Boston Symphony o la Orquesta Filarmónica de Londres, entre otras. Además de sus actuaciones en Europa y Japón, Perianes tiene previsto emprender una amplia gira por Estados Unidos, Australia y Japón.

Recientemente, Perianes ha publicado el último de sus 12 discos de estudio: Piano Quintets, con el prestigioso sello Harmonia Mundi, en unión con el Cuarteto Quiroga, en el que se redescubren obras de otros dos grandes músicos españoles, Enrique Granados y Joaquín Turina.

Estrella MorentePor su parte, Estrella Morente comenzó a cantar flamenco con tan sólo 7 años acompañando nada menos que al maestro de la guitarra Sabicas, hasta su debut oficial en 1996. Desde entonces han pasado 20 años en los que Morente, heredera de una larga tradición familiar —su padre cantaor, su madre bailaora y hermanos, tíos y primos también integrados en el mundo del flamenco—, se ha movido por diferentes ámbitos musicales pero sin olvidar nunca sus raíces. Así, ha colaborado en bandas sonoras de diferentes películas —como Volver, de Pedro Almodóvar, en la que interpretó el tango del mismo nombre de Carlos Gardel—.

A lo largo de su carrera, Morente ha rememorado en diferentes ocasiones el escenario cultural de los años 20 en los que se forjó la amistad entre Falla y Lorca que sirve de base para su actuación en el Maestranza. En el espectáculo Estrella 1922 recordó el Primer Concurso de Cante Jondo que se celebró en la Alhambra en 1922; y en su disco Calle del Aire incluye una versión de la bulería Los cuatro muleros de Federico García Lorca. M

Amistad en Granada

Estrella Morente y Javier Perianes recuerdan la relación entre Manuel de Falla y Federico García Lorca

ESTRELLA MORENTE Y JAVIER PERIANES | GRANDES INTÉRPRETES | 30 DE JUNIO

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Javier Perianes y Estrella Morente.

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PROGRAMACIÓN

intimidad del recital de lied o de canciones españolas donde resplandece su timbre delicado y matizado. Su visión de la ópera como un espectáculo total más allá de la vocalidad y la música la llevaron a seguir cursos en el Actor´s Studio para fortalecer su faceta de actriz y no sólo de cantante. Por otra parte, su compromiso musical también le ha llevado a intervenir en galas de apoyo a los teatros líricos españoles que atraviesan dificultades financieras a consecuencia de la crisis económica.

Leo NucciSi hay un barítono verdiano —o, simplemente, un barítono— que sabe cómo abordar el bel canto y cómo conectar desde el escenario con el corazón más profundo y esencial del público, ése es Leo Nucci (Castiglione dei Pepoli, Bolonia, 16 de abril de 1942), un cantante que, en realidad, es prácticamente ya una leyenda pues, “sin ser famoso ni anunciar relojes”, como dice con ironía él mismo, es disputado por las grandes casas de ópera ya que siempre engrandece las producciones en las que actúa seduciendo a la audiencia. Como saben perfectamente los espectadores del Teatro de la Maestranza que han disfrutado en vivo del gran Rigoletto de Leo Nucci, la última vez en la temporada 2012-2013, la capacidad escénica del barítono verdiano es portentosa y carga a sus actuaciones de un plus


PROGRAMACIÓN

Tres recitales líricos consagrados a diversos estilos vocales atraen el máximo interés del melómano aficionado al

canto. Tres grandes voces, dotadas tanto para el recital más intimista como para la gran producción escénica operística, elevan, ya en 2016, la temperatura de la temporada jalonándola de sugestivos encuentros con la popular canción española, la exquisita aria barroca o la apasionada aria belcantista.

La soprano Ainhoa Arteta (Tolosa, 1964) regresa al Teatro de la Maestranza, en cuyo escenario ha brillado siempre como una de las voces más queridas del público, para defender en esta ocasión un repertorio con el que se encuentra tan plenamente comprometida que a él le dedica la gira de celebración de sus primeros 25 años en escena: la canción española. Acompañada por el pianista Rubén Fernández-Aguirre (Barakaldo, Vizcaya), formado en Viena y Múnich en el acompañamiento especializado de cantantes y pianista habitual de María Bayo o Carlos Álvarez, entre una larga lista de voces españolas o internacionales como Mariella Devia o Cristina Gallardo-Dômas, Ainhoa Arteta rinde homenaje a Federico García Lorca, el poeta español más musical de nuestra historia reciente. En La voz y el poeta, textos de Lorca puestos en música por él mismo o por

Antón García Abril o Xavier Montsalvatge, entre otros, trenzan un delicado y emocionante viaje a nuestras más profundas esencias musicales y poéticas enarboladas por la soprano española más internacional del momento en temas como las Canciones españolas antiguas (una serie que incluye coplas tan arraigadas en el corazón de la cultura española como Anda jaleo o Los cuatro muleros), Tres canciones españolas, Las canciones para niños o el Romance de la luna, luna, entre otras. Las voces de Paco Rabal y Rafael Alberti declamando célebres textos lorquianos a manera de

transición entre las canciones redondean un recital concebido como un íntimo espectáculo poético.

Ainhoa Arteta ha desarrollado una intensa carrera internacional que la ha llevado a los escenarios del Metropolitan Opera, Carnegie Hall, Covent Garden o Scala de Milán, entre otros muchos, protagonizando La Traviata, Bohème, Faust, Manon o Turandot. Durante sus 25 años de trayectoria, Ainhoa Arteta ha conquistado al público tanto en producciones de ópera, a las que aporta un intenso plus escénico y dramático que multiplica la energía de sus actuaciones, como en la

Tres incendios vocalesAinhoa Arteta, Leo Nucci y Roberta Invernizzi calientan la temporada lírica con tres recitales de estilos muy diversos, desde la canción española hasta el aria belcantista. Los tres actúan en el Maestranza dentro del Ciclo de Recitales Líricos.

AINHOA ARTETA, LEO NUCCI Y ROBERTA INVERNIZZI | RECITALES LÍRICOS | 31 DE ENERO, 20 DE FEBRERO Y 12 DE MAYO

Ainhoa Arteta.


PROGRAMACIÓN

teatral que muy pocos cantantes líricos en el mundo pueden dar, incluso a los 73 años, pues Nucci se mantiene en plena forma física.

En España, la calidad y fortaleza de Nucci hizo historia en el Teatro Real de Madrid la noche del 23 de junio de 2009 cuando, tras conducir al público al delirio, obligado por el clamor de la audiencia, se convirtió en el primer cantante en la historia del coliseo lírico desde su reapertura en 1997 que bisó un aria —el Si vendetta, tremenda vendetta— encarnando, precisamente, el rol que más satisfacciones, y más de 500 contratos, le ha dado en sus 43 años de carrera: el jorobado de Rigoletto, de Verdi.

Nucci es un excelente cantante lírico que, a pesar de ganar el Concurso de Spoleto en 1967 y debutar como Fígaro en El barbero de Sevilla, decidió aplazar su carrera en solitario, seguir estudiando e ingresar en el coro de la Scala de Milán, del que ya emergió para debutar en ese

mismo escenario, pero convertido definitivamente en el gran Fígaro de Jean-Pierre Ponnelle de 1977 para, a partir de ahí, convertirse en un fijo de los Solti, Chailly, Abbado, Maazel o Muti. Pero, además, es un animal escénico muy consciente de que el verdadero cantante es aquél que, además de lucir un hermosa voz y una gran técnica, hace vibrar el canto escénicamente.

A Sevilla, Nucci vuelve en esta ocasión para cantar arias belcantistas de Verdi, Donizetti o Bellini, es decir, su gran repertorio, acompañado por el Italian Opera Chamber Ensemble, una formación de cámara ideal para ofrecernos un recital tan íntimo y sutil como revestido del acompañamiento preciso para el lucimiento de uno de los cantantes más intensos y teatrales de las últimas décadas.

Roberta InvernizziPor último, es la soprano milanesa Roberta Invernizzi, una voz admirada del repertorio barroco consagrada

bajo la dirección de Harnoncourt, Savall o Biondi, entre otros grandes maestros, la que cierra este trío de recitales magníficos invitándonos a un viaje en el tiempo en torno a uno de los compositores que mejor han comprendido el sentido y las potencialidades de la voz humana en el transcurso de la historia: G. F. Haendel. El hecho de que la Invernizzi cante rodeada de la excelente Orquesta Barroca de Sevilla (OBS), uno de los mejores combos barrocos de Europa, bajo la dirección de Enrico Onofri, convierten a este recital en una cita extraordinariamente golosa para el aficionado a la música barroca.

Antes de estudiar canto, Roberta Invernizzi estudió piano y contrabajo. Dotada de una extraordinaria ductilidad, expresividad y calidad vocal, se ha especializado en canto barroco y clásico trabajando asiduamente con maestros como Harnoncourt, Abbado, Leonhardt, Savall o Antonini en los escenarios más prestigiosos de Europa y

Dos cantantes italianos: el barítono Leo Nucci y la soprano Roberta Invernizzi.

América. Su vinculación con el repertorio de Haendel, del que ha cantado numerosos oratorios y óperas, además de grabar arias en concierto, es brillante y profuso.

Enrico Onofri, por su parte, ha sido uno de los grandes violinistas barrocos de las últimas décadas, tanto en solitario como adscrito al conjunto Il Giardino Armonico, uno de los grupos más revolucionarios del género, al que Onofri aportó, como a todo su trabajo, altas dosis de precisión, elegancia, imaginación y un lirismo, bien sensual o dramático, que multiplica la intensidad de sus interpretaciones, como el buen aficionado sevillano ya conoce tanto por sus intervenciones en el Teatro de la Maestranza —un fantástico Orfeo y Eurídice de Gluck, con la Orquesta Barroca de Sevilla y Roberta Invernizzi en el reparto, precisamente— como en sus asiduas colaboraciones con la OBS, de la que siempre ha extraído su mayor potencial. M

El espectáculo Fandango. Sinfonía de la luz es una propuesta del compositor gaditano José Miguel Évora y el investigador y cantante

onubense Antonio González El Raya en la que se ahonda en uno de los tradicionales, y más antiguos, palos del flamenco: el fandango. Pero no se trata de una antología de fandangos, ni siquiera de una reinterpretación en función del cantaor que los actualice; la Sinfonía de la Luz es una colección de cantes que han sido sacados a la luz por ambos autores desde las raíces del tiempo, interpretados por varios artistas con la colaboración de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y el Coro de la Real Agrupación Artística de Valverde del Camino. Es, pues, una obra flamenca con un importante componente sinfónico. El Teatro de la Maestranza acogerá su estreno absoluto el próximo 2 de marzo.

Algunos de los fandangos que podrán escucharse en el Maestranza no han sido interpretados jamás en una sala de conciertos y son tan antiguos que José Miguel Évora no duda en calificarlos de “primitivos” o “fósiles”, pero “de una belleza excepcional”. El compositor explica que en Fandango. Sinfonía de la luz hay “dos mundos diferenciados: están las melodías primitivas del fandango, que se han respetado totalmente” de acuerdo con el trabajo de investigación de El Raya; “alrededor he creado el otro mundo, el de la orquesta, que nunca sustituye a la guitarra, sino que tiene su propia forma”. Es decir, no se trata de un arreglo en el que la orquesta, en este caso la ROSS, asume el papel de uno o varios instrumentos flamencos, sino que desarrollará nuevas formas inspiradas, reconoce el compositor, en el impresionismo francés (Debussy, Ravel, Fauré...).

Por su parte, Antonio González El Raya explica que su trabajo de investigación sobre el flamenco arranca en 1974, “cuando hago trabajo de campo y grabo con Manolo Sanlúcar”. Más adelante, en 1999, su antología del fandango se convierte “en una obra didáctica”. El Raya ha ido recopilando material y entrevistando a cantaores y personas relacionadas con el flamenco desde entonces —”mi archivo es el pueblo”, afirma—, hasta que hace tres años surge la opción de poner en escena Fandango. Sinfonía de la luz. “El fandango tiene tanta importancia que siempre quise llevarlo a lo sinfónico. Por eso trabajé con Évora y ahora se ha conseguido, gracias a la Junta de Andalucía y a la ROSS, que han creído en el proyecto”, sostiene.

Los cantaores que interpretarán los fandangos son el propio Antonio González El Raya, Argentina, Jeromo Segura, Yolanda Sousa, Las Molinas, Macarena de la Torre, José María Rodríguez, Elena de Carmen y Antonio Rastrojo, todos ellos onubenses. Como guitarristas estarán El Mae y Ramón Jesús Díaz. La ROSS estará dirigida por el propio Évora. M

El fandango primitivoFANDANGO. SINFONÍA DE LA LUZ | CONCIERTOS SINFÓNICOS | 2 DE MARZO


PROGRAMACIÓN

La joven cantaora Argentina.

Triángulo de oro cierra el ciclo de FlamencoTRIÁNGULO DE ORO | FLAMENCO | 6 DE FEBRERO

E l ciclo de Flamenco del Teatro de la Maestranza para la temporada 2015-2016 termina el 6 de febrero con una excepcional propuesta

desarrollada por José Luis Ortiz Nuevo: Triángulo de oro, un espectáculo en el que unen fuerzas tres de los mejores artistas de las tres vertientes del flamenco. Son el cantaor José Valencia, la bailaora Isabel Bayón y el guitarrista Pepe Habichuela.

José Valencia es bien conocido por los aficinonados sevillanos, pues obtuvo el Giraldillo del Cante de la Bienal de Flamenco de 2012 por su

Aleluya erótica, una obra en la que aunaba las facetas de cantaor y actor. Desde entonces Valencia ha seguido innovando en sus actuaciones y sorprendiendo al público.

Isabel Bayón, Premio Nacional de Danza en el año 2013, es uno de los abundantes ejemplos de precocidad artística que hay en el mundo del flamenco, pues empezó a bailar con tan sólo cinco años. La bailaora lleva actuando en la Bienal de Flamenco de Sevilla desde sus inicios, allá por los años ochenta. Isabel Bayón ha colaborado con los principales artistas flamencos del

país y desde el año 2001 cuenta con su propia compañía de baile, con la que ha girado por algunos de los mejores escenarios.

Por último, el guitarrista Pepe Habichuela (José Antonio Carmona Carmona) es uno de los máximos exponentes de una dinastía flamenca

de capital importancia en el arte jondo. Pepe Habichuela lleva más de medio siglo actuando en los escenarios y tablaos flamencos de todo el mundo y ha compartido cartel con las más grandes figuras, como Paco de Lucía, Enrique Morente o Camarón de la Isla. M

Isabel Bayón, Pepe Habichuela y José Valencia, en Triángulo de oro.

Tres pianistas jóvenes, pero sobradamente preparados, protagonizan los recitales al teclado tanto en el gran escenario

del Teatro de la Maestranza como en la Sala Manuel García. En todos los casos, la precoz madurez, el virtuosismo y un sorprendente talento expresivo confirman la vieja tradición de los grandes pianistas que a edades muy tempranas comenzaron deslumbrando a las audiencias para convertirse años después en los casos más sobresalientes, en legendarios maestros. El hecho de que entre ellos figuren algunos nombres españoles ratifica el extraordinario salto que ha conocido en los últimos años el pianismo español heredero de los grandes Esteban Sánchez, Joaquín Achúcarro o Alicia de Larrocha, entre otros.

Judith Jáuregui (San Sebastián, 1985) que, precisamente, ha mostrado un profundo respeto por esa tradición —Para Alicia, su

segundo disco, está dedicado a Alicia de Larrocha—, estudió en el conservatorio de su ciudad y, muy pronto, con 11 años, ofreció su primer recital. La crítica ha destacado su “madurez, frescura y toque excepcional” así como su búsqueda “del color y la sonoridad más apropiados” a cada compositor que, para la revista Melómano, la han convertido en “la gran dama del piano español” del momento.

Judith Jáuregui se presenta en Sevilla con un atractivo recital trenzado de perlas y piezas breves, pero fulgurantes, a las que tan cercana parece sentirse y a las que ha dedicado el grueso de su producción discográfica. Así, nos invita a un viaje concienzudamente planeado por el romanticismo y postromanticismo pianístico a partir de piezas de Liszt, Debussy —el delicado tríptico de sus Estampes, de 1903, estrenadas en París por un pianista español, Ricard Viñes, más Lísle joyeuse— o los 9 Preludios Op. 1 obra de juventud del compositor

polaco Karol Szymanovski, la exigente Fantasía Op. 28 de A. Scriabin y las Scènes dénfants de F. Mompou, piezas de carácter risueño o triste que glosan la algarabía de los juegos de un grupo de niños en la calle.

Khatia BuniatishviliLa extremada precocidad de algunos comienzos explican, en parte, la fecundidad prematura de pianistas como Khatia Buniatishvili (1987), que comenzó a estudiar piano con 3 años bajo la enseñanza de su madre y a los 6 ya ofreció su primer recital. Hoy, por su temperamento artístico y una técnica sobresaliente que se pliega a una expresión intensamente romántica, es una de las pianistas de cabecera de la nueva generación. Formada en Tblisi, su despegue internacional fue inmediato: en 2010 logró el premio Borletti-Buitoni y fue incluida por la BBC en su Nueva Generación de Artistas, algo que en 2011 hizo el Museikverein de Viena nominándola para su Rising Star. Su álbum de debut en Sony Classical en

La precoz madurezJUDITH JÁUREGUI, KHATIA BUNIATISHVILI Y GREGORIO BENÍTEZ | PIANO Y JÓVENES INTÉRPRETES | 21 DE FEBRERO, 29 DE MARZO Y 17 DE MAYO

2011, dedicado a uno de sus compositores fetiche, Franz Liszt, fue saludado por la crítica internacional como la revelación de un nuevo y prometedor talento.

Apodada por la prensa “la joven agitadora de Georgia” y comparada con la gran Martha Argerich, Khatia Buniatishvili, sin embargo, parece desentenderse de la formidable presión que su carrera ya ha despertado, declarando: “Procuro no pensar demasiado en esas cosas y tocar el piano como lo siento, de una forma instintiva, libre, acorde con mi fisiología. Lo importante es hacer música con sentimiento, con la mente despejada y de una manera sincera”. Tras ganar el Primer Premio del Concurso Horowitz y la Medalla de Bronce del Concurso Arthur Rubinstein, entre otras menciones, dejó de presentarse a concursos. “Algunos pianistas se obsesionan con los concursos y siguen presentándose hasta pasados los 30. Yo creo que lo importante es hacer música, el arte, tocar con sentimiento; competir es algo secundario a mi modo de ver, es lo que menos importa”. La estrategia le ha dado resultado: tras su primer álbum, ha publicado otros dos centrados en Chopin y el tercero, Motherland, dedicado a su madre, en un ramillete de temas, que oscilan entre Bach y Pärt que, por alguna razón sentimental, Khatia considera íntimos y familiares.

El concierto de Buniatishvili cuenta con el patrocinio de los laboratorios AGQ.

Ciclo Jóvenes IntérpretesLa apuesta española del trío de recitales es Gregorio Benítez (Ubrique, 30 años) quien, tras ganar algunos concursos, estudió en Londres y Leipzig donde trabajó con profesores como Markus Tomas y pianistas como Pierre-Laurent Aimard o Paul Badura-Skoda. Actualmente estudia en París donde completa su tesis sobre la obra para piano de Messiaen. Gran defensor de la música contemporánea, Gregorio Benítez se presenta en el Ciclo de Jóvenes Intérpretes con un ambicioso programa que abarca obras de Bach a Manuel Castillo pasando por Beethoven o Messiaen. M

Judith Jáuregui, Khatia Buniatishvili y Gregorio Benítez.


PROGRAMACIÓN

La Orquesta y Coro Nacionales de España, dirigidos por Pedro Halffter, vuelven a unir fuerzas en el Teatro de la Maestranza con

un impactante programa que, en su primera parte, rinde homenaje a la música española reuniendo a algunos de los nombres esenciales —y, singularmente, andaluces— que han vertebrado su historia: el sevillano Manuel García —obertura de su ópera La muerte de Tasso— el gaditano Manuel de Falla —Danzas de La vida breve— y el sevillano Joaquín Turina —la Orgia de sus Danzas fantásticas— para, en la segunda parte, entonar una de las obras más populares y aplaudidas por el público de todo el repertorio sinfónico-coral: la impactante Carmina Burana, de Carl Orff, una cantata escénica compuesta entre 1935-36, utilizando poemas medievales del mismo nombre de

temática profana, dominada musicalmente por una rítmica tan poderosa como incesante en una escritura musical simultáneamente renovadora y arcaica.

La ONE y el Coro NacionalLa Orquesta Nacional de España, fundada en 1937 y fundida con el Coro Nacional de España en 1971, ha iniciado recientemente una etapa de renovación al mando de su nuevo director, David Afkham. La ONE, que desde 1988 mantiene su temporada anual en el Auditorio Nacional de Madrid, atesora un magnífico patrimonio musical tras haber sido dirigida, de forma estable, por auténticas leyendas de la dirección orquestal española como Ataúlfo Argenta, Rafael Frühbeck de Burgos o Jesús López Cobos y, sin duda, ha contribuido al desarrollo sinfónico español de las últimas décadas. La

Orquesta y Coro Nacionales de España, además de sus grabaciones para otras casas discográficas, dispone desde 2014 de su propio sello en el que han publicado tres registros que simbolizan su amplia vocación, tanto hacia el gran repertorio —Schubert, Mendelssohn—, la composición nacional —con obras de Torres, Lazkano, Erkoreka…— y piezas tan carismáticas como la propia Carmina Burana bajo la poderosa guía de Frühbeck de Burgos.

Pedro Halffter Caro (Madrid, 1971), último eslabón de una dinastía musical esencial en el desarrollo de la música española, es compositor y director artístico del Teatro de la Maestranza. Ha dirigido numerosas orquestas internacionales y publicado grabaciones en los sellos Glossa y Warner Classics. M

La ONE y el Coro Nacional interpretan Carmina BuranaORQUESTA Y CORO NACIONALES DE ESPAÑA | CONCIERTOS SINFÓNICOS | 29 DE ABRIL


PROGRAMACIÓN

La Orquesta Nacional de España, con el Coro Nacional al fondo, en el Audiotorio Nacional de Madrid.

La OJA vuelve al MaestranzaOJA | CONCIERTOS SINFÓNICOS | 28 DE MARZO

La Orquesta Joven de Andalucía (OJA), un proyecto formativo de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, vuelve al Teatro de la Maestranza, donde ha encontrado el decidido respaldo para convertir su gran escenario en el escaparate anual de sus brillantes progresos. Bajo la batuta de su director musical, Manuel Hernández Silva (Caracas, 1962), la OJA aborda obras de Dvořák —Concierto para violonchelo, junto al granadino Guillermo Pastrana— y las Danzas sinfónicas de Rachmaninov.

Pastrana (Granada, 1983) es uno de los músicos españoles con mayor proyección internacional del momento. Formado en Luxemburgo, Alemania y Suiza, ha sido galardonado en numerosos concursos y ha actuado junto a orquestas como la Sinfónica de Galicia, Sinfónica de Chile, Filarmónica de Málaga o RTVE, entre otras. Músico comprometido con la creación contemporánea, Pastrana también es profesor invitado residente de la OJA.

El Concierto para chelo Op. 104 de Antonin Dvořák, de 1895, fue creado en los últimos meses de su estancia en Estados Unidos, pero destilando una gran melancolía su esencia bohemia y eslava.

Por su parte, las Danzas sinfónicas, Op. 45, de S. Rachmaninov, de 1940, fueron la última creación del compositor y conforman una suite orquestal en tres movimientos que evocan la nostalgia por la Rusia anterior a la revolución bolchevique que Rachmaninov abandonó tras su triunfo en 1917. La pieza rebosa energía rítmicas y exuberantes melodías y, por sus referencias a otras obras anteriores, ha sido valorada como una suerte de “resumen final” de su exitosa carrera como compositor y, sobre todo, como pianista. M

El 28 de enero tendrá lugar en la Iglesia de la Anuncia-ción el tradicional concierto de Santo Tomás, patrón de la Universidad de Sevilla. La

Orquesta Barroca de Sevilla (Premio Nacional de Música 2011 y Premio Manuel de Falla 2010) presentará el programa que lleva por título Propitia Sydera. La forma es el fondo y que presenta una particular geografía sonora de la Europa del Barroco tardío. Partiendo de los dos estilos nacionales derivados de Italia y Francia, asistimos a la fusión de éstos realizada en Alemania y Centroeuropa por cuatro de los más grandes músicos de la época: Biber, Muffat, Pisendel y Haendel. Como sugiere el título del concierto de Muffat Propicios astros que dejaron una larga estela que aún perdura en nuestras salas de concierto. El director-concertino será en esta ocasión Manfredo Kraemer.

Las entradas para el concierto están ya a la venta en las taquillas del Teatro Lope de Vega y a través de www.generaltickets.com (la reducción en el precio de la entrada sólo es posible en las taquillas del teatro).

Este concierto será previamente ilustrado con la conferencia dictada por Juan Ramón Lara dentro del taller Contextualización histórico-cultural y apreciación de la música el día 27 de enero. Asimismo, tendremos ocasión el 29 de enero de asistir a la clase magistral que impartirá Manfredo Kraemer en el CICUS.

Muestra de Música Antigua La Muestra de Música Antigua de la Universidad de Sevilla, MAUS, llega a su novena edición manteniendo su habitual formato de tres conciertos que se desarrollarán durante los días 12, 19 y 26 de febrero de 2016.

UNIVERSIDAD DE SEVILLA

VUELVE LA MUESTRA DE MÚSICA ANTIGUAEl festival MAUS (Muestra de Música Antigua de la Universidad de Sevilla) vuelve en febrero a su cita anual. Será la segunda actividad musical del año, tras el tradicional concierto de Santo Tomás.

Para esta edición, el MAUS se presenta con el título genérico de Musicae Profanae y ofrecerá tres visiones de programas basados en repertorios de música profana del renacimiento europeo a través de tres formaciones que van de la música instrumental a la vocal.

La inauguración de la Muestra correrá a cargo de la formación sevillana Ministriles Hispalensis, un grupo de reconocido prestigio que

presentará su nuevo programa Música para banquetes y batallas, un trabajo programa basado en música profana europea a caballo entre el renacimiento y el primer barroco.

Segundo conciertoLa segunda cita de la Muestra tendrá lugar el viernes 19 de febrero y nos llevará a la música profana vocal del renacimiento con el concierto del espléndido cuarteto vocal Vandalia

que, igualmente, estrenará su nuevo programa Covarde caballero, un repertorio basado en músicas de compositores del renacimiento español como Mateo Flecha, Juan Vásquez o Cristóbal de Morales.

Para clausurar la edición del año 2016, el festival MAUS contará con la presencia del dúo francés Vida Bona, formación liderada por el carismático laudista y cantante Francisco Orozco, que presentará su programa Villanesque et Mascherate a la Napoletaine. Una espléndida oportunidad para adentrarnos en la música popular italiana del renacimiento ....

Esta novena edición del MAUS contará con tres espacios donde se desarrollarán los diferentes conciertos: el Paraninfo de la Universidad, la Capilla de la Universi-dad y la Iglesia de la Anunciación.

Todos los conciertos comenzarán a las 21.00h con entrada libre (recogida previa de invitación) hasta completar aforo. M


PROGRAMACIÓN


ROSS

La Real Orquesta Sinfónica de Sevilla comenzó el año 2016 con el 7º programa de abono de la temporada (14 y 15 de enero) que, con el título El

amor y la muerte, profundizó en motivos musicales españoles y andaluces con la intepretación de la suite del ballet El amor brujo de Falla y, muy especialmente, el Concierto de Sevilla de José María Gallardo del Rey, guitarrista que además estuvo en el concierto como solista.

El Concierto de Sevilla es una obra que, aunque fue compuesta por Gallardo del Rey hace dos décadas, ha sido reorquestada profundamente para evocar sobre el escenario los aromas de la ciudad. Gallardo del Rey vuelve así a Sevilla en plena etapa de madurez como músico y compositor. Además de la ROSS, El amor brujo también contó con la cantaora Esperanza Fernández y cinco bailarines del Centro Andaluz de Danza, coreografiados por Rubén Olmo —Premio Nacional de Danza 2015—, todos ellos dirigidos por John Axelrod en una ocasión única para disfrutar de la fusión entre flamenco y música sinfónica.

En el segundo concierto de abono del año (18 y 19 de febrero, 8º de la temporada), la ROSS ofrecerá. Frozen in time (en arreglo para música de cámara), de Avner Dorman, músico israelí doctorado en Composoción Musical por la prestigiosa Juilliard School de Nueva York; y dos sinfonías

de Haydn: la Sinfonía nº 100 y la Sinfonía nº103, más conocida como Redoble de timbal por su arranque, la última de las sinfonías que el genio austríaco compuso en su país de acogida, Inglaterra, en 1795. También se interpretará la obertura de El rapto en el serrallo de Mozar. John Axelrod será el director y Martin Grubinger el solista de percusión.

Los días 25 y 26 de febrero (9º de abono) la ROSS se ocupará de la música hecha o inspirada en el Magreb y el Norte de África. Primero intepretará el estreno absoluto de Gran Bazaar, una obra de Fazil Say (artista residente de la Orquesta para la temporada 2015-2016), pianista y compositor turco que estará muy

presente a lo largo del año en los conciertos de la ROSS. Gran Bazaar es una composición de música de cámara, aspecto en el que ha destacado Say en los últimos años con más de una quincena de obras. El concierto también incluye otra obra de Say, el concierto para violín 1001 Noches en el harén.

La segunda parte del programa está basada en una selección de piezas de bandas sonoras de películas tan conocidas y admiradas como Casablanca (Max Steiner), Sahara y El Cid (Miklos Rozsa), En busca del arca perdida (John Williams), Christopher Columbus (Cliff Eidelmann) y 1492 (Vangelis). John Axelrod será el director y Rachel Kolly D’Alba la violinista invitada.

Los días 10 y 11 de marzo se celebrará el 10º concierto de abono, con el título Oriente y Occidente, una reflexión sobre la influencia musical mutua en las dos esferas del mundo que estará dirigido por Christian Arming y que contará con la excepcional presencia de las hermanas Ferhan y Ferzan Önder como pianistas. Las obras elegidas para el concierto no dejan lugar a dudas sobre el carácter del mismo: la obertura de Oriente y Occidente de Saint-Säens, una marcha en dos partes que aún forma parte del repertorio de muchas bandas; el concierto para dos pianos Gezi Park de Fazil Say; Oriente y Occidente del finlandés Arvo Pärt (estas tres por

primera vez en la ROSS) y La Péri, Poème dansé en un tableau del impresionista francés Paul Dukas.

La intimidad de la música sacra llega al Maestranza en el 11º programa de abono (17 y 18 de marzo) con la misa de Réquiem de Gabriel Fauré, una innovadora visión de la muerte y la naturaleza del ser humano para la época en que fue compuesta, a finales del siglo XIX; y los fragmentos sinfónicos de El martirio de San Sebastián de Debussy, una suite orquestal de cuatro movimientos frente a los cinco del drama sacro original. En este programa participan el Coro de la Asociación de Amigos del Maestranza, además de los cantantes Mary Bevan, soprano, y Henk Neven, barítono. Dirigirá John Axelrod.

La noche a escenaEn el 12º programa de abono (31 de marzo y 1 de abril) la noche es la protagonista. Tito Ceccherini dirigirá a la ROSS en su interpretación por primera vez de La noche de Granada de Debussy, con arreglos de Stokowsky; Tesorero de la noche de Ravel (con arreglos de Marius Constant); Una noche en el monte pelado de Mussorgsky orquestada por Rimsky-Korsakov; y Noches en los jardines de España de Falla. La velada contará con el pianista Danilo Saienko, ganador del concurso María Canals.

Para el 13º de abono (7 y 8 de abril), recién entrada la primavera, las obras programadas cuentan con la singularidad de estar inspiradas, de uno u otro modo, en la estación de las flores. Son Los pinos de Roma de Ottorino Respighi, composición que retrata estos árboles en diferentes puntos de la Ciudad Eterna, como Villa Borghese o las catacumbas; el Concierto para la mano izquierda de Ravel, una poderosa combinación de instrumento y orquesta en continuo diálogo a lo largo de su único movimiento; y la espectacular —y polémica en su estreno por su radicalidad— La consagración de la primavera de Stravinsky. Estarán John Axelrod al frente de la ROSS y Regina Chernychko como pianista.

La música de Carmen de Bizet ocupa por completo el 14º programa

Así suena el SurLa temporada 2015-2016 de la ROSS está caracterizada por la amplia presencia en la programación de la música hecha desde el Sur, que abarca desde el impresionismo francés hasta el nacionalismo musical español o los compositores contemporáneos como Fazil Say, artista residente de la Orquesta.

PROGRAMACIÓN DE LA ROSS DE ENERO A JUNIO DE 2016

La música de Carmen de Bizet ocupa por completo el 14º programa de abono, con una importante novedad en los conciertos de la temporada, como es la proyección de la película muda del mismo título de Cecil B. De Mille


ROSS

En la columna de la izquierda, José María Gallardo del Rey y Alexandre

da Costa. A la derecha, las hermanas Ferhan y Ferzan Önder. Debajo,

Rachel Kolly D’Alba y Martin Grubinger.

de abono (14 y 15 de abril), con una importante novedad en los conciertos de la temporada, como es la proyección durante el espectáculo de la película muda Carmen de Cecil B. De Mille, de la que se cumplió el año pasado un siglo desde su estreno. Mihnea Ignat será el director.

En el penúltimo concierto de abono (26 y 27 de mayo), la ROSS buscará la complicidad del público con tres divertimentos de muy diferentes autores: Béla Bartók, Joaquín Rodrigo y Mozart. La Orquesta estará dirigida por Maxim Emelyanychev y contará con el violonchelo de Asier Polo.

Finalmente, la temporada se cierra los días 7 y 8 de julio con un programa que quiere ser un agradecimiento al público y la ciudad de Sevilla, puesto que las obras seleccionadas tienen en común su vinculación con la ciudad o su inspiración en ella. Son la Sinfonía sevillana de Turina, Arabescos de Lorenzo Palomo, Aires bohemios de Sarasate, la habanera de Carmen de Bizet, Sevilla de Albéniz y El sombrero de tres picos de Falla. De nuevo John Axelrod dirigirá a la Orquesta, con Alexandre Da Costa como violín solista.

Además de la programación de abono, la ROSS ofrecerá en el Teatro de la Maestranza varios conciertos extraordinarios: el concierto didáctico Adopta a un músico en colaboración con el Colegio de San Francisco de Paula (2 de abril); el de Feria (10 de abril); y la clausura del curso de la Universidad de Sevilla (29 de junio). También seguirá el ciclo de música de cámara de la ROSS, con conciertos programados los días 7 de febrero, 6 de marzo, 3 de abril, 15 de mayo y 19 de junio. M

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ROSS

J.M. RODRÍGUEZ

Ya asentado como nuevo titular de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, John Axelrod (Houston, 1966) desgrana las claves de su

filosofía musical, en gran parte heredadas de su maestro Leonard Bernstein, analiza la situación de la ROSS en la temporada de su 25 aniversario y reivindica la plena rentabilidad de una Orquesta acosada por unos recortes presupuestarios que, simplemente, no comprende. “¿Cómo es posible que tras los éxitos cosechados y una atmósfera tan positiva, la Orquesta (y el Teatro) tengan que hacer frente a nuevos déficits financieros? Es algo incongruente. El éxito merece ser premiado. Cortar nuestro presupuesto es castigar al público”, dice.

—La Orquesta cumple pronto 25 años. ¿Cómo la ha encontrado, emocional y técnicamente?

—La Orquesta está en plena forma desde el punto de vista artístico. El éxito de nuestros conciertos de esta temporada y el apoyo tanto del público como de la crítica así lo prueban. Por supuesto, es todo un reto mantener la motivación con la situación actual tanto política como financiera. La próxima temporada premiaremos a los profesores por su compromiso y calidad. El virtuosismo es la mejor respuesta a la austeridad.

—Se diría que usted disfruta del pleno apoyo de sus músicos. Sobre el escenario, ¿lo siente así? ¿Puede traducirse esa complicidad en una

mayor calidad de la experiencia musical?

—Me siento muy honrado de que los profesores me hayan elegido como su director artístico y musical. No es sólo un compromiso musical sino un encuentro de corazones y mentes. Compartimos confianza, el criterio más significativo entre el director y la orquesta. Todos somos igual de importantes, incluido el director. Esta complicidad y experiencia compartidas derivan en una mejor interpretación musical. El público siente cómo lo haces, al igual que la crítica. Esperemos que los patrocinadores y las instituciones públicas también lo vean y comprendan que nuestro éxito es un valioso retorno de lo invertido y un recordatorio de la belleza y la verdad de la música.

—¿Cuál cree que es la mayor virtud, el mayor tesoro, de la ROSS?

—El virtuosismo. Son profesionales únicos. Consideremos esto: en España hay unas cinco grandes orquestas y en cada una, unos 80 músicos de media. Esto hace un total de 400 personas entre 46 millones de habitantes. Esto significa que sólo 400 personas son capaces de interpretar a Beethoven, Falla o Ravel tal y como el compositor quiso expresar. Este tipo de valor es recompensado en el fútbol o en la medicina. ¿Por qué no en la cultura? Los jugadores de fútbol pueden cobrar incluso millones aunque su equipo pierda. Los músicos tienen que ganar en cada interpretación para alcanzar los estándares y calidad de virtuosismo.

—¿Y cuál diría que es su mayor déficit, su asignatura pendiente?

—El presupuesto. ¿Cómo es posible que en el 25 aniversario, tras los éxitos cosechados y una atmósfera tan positiva, la Orquesta (y el Teatro) tengan que hacer frente a esta situación económica? Es algo incongruente. El éxito merece ser premiado.

—¿Cómo ha encontrado al público? ¿Lo ve entrenado y maduro? ¿Recibe del público la inyección de regeneración que parece plantear?

—Totalmente. Recuerde que el director es el filtro entre la orquesta y su público. Siento la energía del público tanto como la de los músicos. Siento su estímulo. Sé que apoyan nuestros esfuerzos y aprecian nuestro virtuosismo. Pienso que tenemos un público abierto, cultivado y que se emociona con la música. Sí me gustaría ver a la ROSS más activa en Sevilla y Andalucía en general porque no existimos sin un público. Y a los políticos se les recuerda que el público también vota. Un voto por la música es un voto para un futuro más seguro en Sevilla y Andalucía.

—Usted lleva la música contemporánea regularmente a los atriles. Pero, ¿la retirará si no encuentra el respaldo de la audiencia?

—Creo que el público abrazará nuestra aventura musical porque compartimos una experiencia humana. Lo que importa no es si se trata de Beethoven o Bernstein, o si es Vacchi o Vivaldi. Lo que importa es nuestra

JOHN AXELROD

“CORTAR NUESTRO PRESUPUESTO ES CASTIGAR AL PÚBLICO”

convicción. Si creemos en la música que tocamos y comunicamos este compromiso, creo que convenceremos a nuestro público. Como decía mi profesor Bernstein (como hicieron Ellington, Berg y tantos otros): “Hay música buena y música mala. Toca la buena música y la vida es buena”. Confío en nuestro público.

—Con una Orquesta que ya cumple 25 años, ¿qué significa, exactamente, titular su primer programa como Nueva Era? ¿Le impulsa un espíritu de revolución? ¿Cómo cree que debe contemplar la ROSS su propio pasado?

—El pasado es sólo eso, historia. El futuro es un misterio. El presente es solo eso: un presente. Tenemos la suerte de contar con un instrumento tan maravilloso como la ROSS. Es un regalo para la gente de Sevilla y Andalucía. La revolución se basa en la idea de la libertad. Que la ROSS tenga ahora la libertad de hacer música y sea premiada por sus esfuerzos y que sus opiniones sean escuchadas es una revolución. Larga vida a la ROSS.

—¿Cómo elaborar una programación, algo siempre muy delicado y complejo, cuando escasea el dinero para contratar solistas, cantantes, abordar obras sinfónico-corales, etcétera?

—Hacemos lo mejor que podemos con lo que obtenemos, pero no creo que porque seamos capaces de hacer programas interesantes y atractivos debamos tener un presupusto cada vez menor. Piense en ello: Facebook, Apple y Microsoft fueron creados en dormitorios y garajes. Fueron capaces de crear con menos. Pero cambiaron el mundo con más. Necesitamos aumentar nuestros presupuestos para contratar más músicos de forma permanente en la Orquesta, para invitar a solistas y directores de fama mundial... Siento que la ROSS debería ser capaz de trabajar de forma independiente hacia una mayor seguridad artística y financiera. Nuestro propósito es llegar a la cumbre, perseguir la perfección, y no se le puede pedir a nadie que suba al Everest sin la

El nuevo director de la Sinfónica de Sevilla, John Axelrod, se muestra encantado con la calidad de los profesores de la Orquesta (“virtuosos” los llama) y reclama sin ambages un mayor compromiso presupuestarios de las instituciones.

son las subvenciones públicas. Ahora es responsabilidad de la administración y de los políticos el apoyar la grandeza de esta institución. No hacerlo sería un gran castigo para los sevillanos.

—Aunque es independiente de él, la Orquesta está unida al Teatro, donde tiene sus oficinas, ensaya y celebra su temporada de abono. ¿Cómo juzga la relación con el Teatro? ¿Le gusta la sala? ¿Cuál es su actitud en la configuración de los calendarios paralelos de ambas instituciones? ¿Cree que la sinergia entre el Teatro y la Orquesta es mejorable? Los aficionados, conocedores de su amplia experiencia operística, se preguntan cuándo dirigirá alguna de las óperas.

—Es una decisión del director artístico del Teatro. Hemos acordado colaborar y mejorar el ambiente y las condiciones. Lo que es importante es tener un acuerdo seguro y vinculante entre la ROSS y el Teatro. Éstas son las necesidades básicas de ésta y de cualquier orquesta y mientras no se cumplan, no será posible mejorar como pretendemos y como el público espera. En cuanto a dirigir una ópera, estoy dirigiendo óperas por todo el mundo, así que creo que sería interés del Teatro que yo dirigiera una ópera aquí y que el maestro Pedro Halffter continúe su colaboración con la ROSS. Debemos tener una temporada


ROSS

equipación adecuada. Cortar nuestros presupuestos significa no sólo negar a los músicos sino también castigar al público y a los amantes de la música.

—Llamó la atención que en su primera temporada estén ausentes los grandes nombres del sinfonismo: Beethoven, Brahms, Schumann… Simplemente ¿no encajaban? ¿O esta ausencia revela una voluntad de esquivar el repertorio más trillado para acudir a otro menos conocido?

—¿Llamó la atención? Es el primero al que oigo decir eso. En el programa hay un equilibrio entre la música de repertorio y la contemporánea. Y el tema de la programación es Los sonidos del Mediterráneo. Ése es el porqué. Y este equilibrio es saludable tanto para la Orquesta como para el público. Le recuerdo que en el pasado reciente se interpretaba fundamentalmente a Mahler. Y mi primera experiencia con la orquesta ha sido con Strauss, con el que continuaremos. Pero la próxima temporada escucharéis más a Beethoven y a otros grandes del repertorio clásico. Por supuesto, en equilibrio.

—Su activo compromiso con los músicos jóvenes, la pedagogía y el acceso popular a la música es célebre. ¿Puede anunciar sus estrategias próximas con la ROSS en esa dirección? ¿No cree que la idea de una ROSS exclusivamente asociada a una sala de conciertos estable es una idea que pide una renovación?

—Los jóvenes músicos son nuestro futuro. Sevilla y Andalucía son afortunadas de tener tantas jóvenes agrupaciones musicales. Y eso es importante porque la música es una ciencia, es matemáticas, es una lengua extranjera, es historia, es educación física, la música desarrolla la percepción y requiere investigación. La música es todas estas cosas pero, sobre todo, la música es arte. Por eso la hacemos, porque queremos que nuestro público sea más humano, que reconozca la belleza, que se sienta más cercano al infinito más allá de este mundo, que tenga algo a lo que aferrarse, para que

nuestro público tenga más amor, más compasión, más amabilidad, más bondad. En resumen: ¡más vida! En cuanto a una Orquesta exclusivamente asociada a una sala de conciertos estable: sí, es criticable. Pero mientras tanto, el Teatro de la Maestranza es nuestra sala de conciertos y tenemos que encontrar el camino correcto para colaborar y compartir una experiencia común.

—¿Puede anunciar alguna decisión sobre la contratación de un concertino fijo —del que, contra la tendencia general, la ROSS carece desde hace años— u otros músicos destacados que refuercen la Orquesta? ¿Cree que esta plantilla admite alguna modificación?

—Se me ha prometido que habrá un concertino permanente en 2017. Siento que la Orquesta está bien posicionada y se beneficia enormemente del continuo liderazgo de Éric Crambes y Paçalin Pavaci.

—En España, la ley de mecenazgo es antigua y, fiscalmente, poco atractiva para el patrocinador. ¿Cómo puede superar eso la ROSS? ¿Forma parte de su responsabilidad atraer nuevos patrocinios privados?

—Es una pena que la gente no pueda beneficiarse por apoyar a la cultura. En otros países se reconoce esta reciprocidad mutua de desgravación fiscal. Puedo ayudar a conseguir patrocinios y he aportado ideas para captar dinero fuera de lo que

2016-2017 positiva y colaborativa para ambas instituciones.

—Usted ha declarado su fe en que la música puede hacer el mundo menos conflictivo, más habitable. Su primera temporada, Los sonidos del Mediterráneo, plantea musicalmente las relaciones Oriente–Occidente, justo en un periodo de tensión máxima en esa relación. ¿Sus próximas temporadas se regirán por lemas en la misma dirección?

—La próxima temporada estará más basada en los elementos espirituales y sensuales de la música. Esta temporada celebra los sonidos del Mediterráneo, Andalucía y sus raíces tanto en Oriente como en Occidente. Que los hechos actuales sugieran un denominador común no es mera coincidencia. Siento que la música puede restaurar nuestra humanidad y ofrecer belleza cara al conflicto. La música no puede hacer que el hombre pare la guerra. Pero hacer música es un camino hacia la paz.

—Comprendo que, en el contexto actual, es un poco inútil preguntarle por la aspiración a realizar grabaciones o giras internacionales con la Orquesta. Pero, y en una ciudad que apenas ha recibido la visita de una orquesta extranjera desde hace más de 10 años, ¿le preocupa que una formación sinfónica dialogue sólo con un único grupo de espectadores? ¿Tiene previsto que la ROSS realice más conciertos fuera de Sevilla?

—Sí, sí y sí. No puedo revelar más, pero estamos haciendo todo lo posible. La historia de Sevilla no se relaciona sólo con la ópera y el descubrimiento del Nuevo Mundo. Es una nueva era para la música y la cultura en Sevilla, que continuará siendo una inspiración como ha sido para compositores, escritores y artistas a lo largo de la historia. Tenemos el poder para dar esa impresión. Con más apoyo del público e institucional, el futuro de la música en Sevilla puede ser un futuro que todos podamos compartir y celebrar. M

John Axelrod, durante un concierto con la ROSS.


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El Teatro de la Maestranza sigue trabajando para ampliar el número de empresas, instituciones Y particulares que contribuyen a mejorar la

calidad de la programación mediante sus aportaciones económicas. Así, en enero se abre el plazo para incorporarse al Club de Amigos del Teatro, una iniciativa que pretender fomentar la participación de los particulares a través del mecenazgo. A cambio de una cuota anual (50 euros para los micromecenas, 250 euros para los simpatizantes, 1.000 euros para los amigos y 2.500 euros para las empresas amigas), los socios obtienen una serie de beneficios. Se puede obtener toda la información en la página web www.clubdeamigos.teatrodelamaestranza.es.

Por otro lado, en la temporada 2015-2016 se acaba de incorporar al grupo de patrocinadores una nueva empresa: Viajes Foster, una reconocida agencia turística integrada en el mayor grupo de agencias independientes del país (AIRMET) y que, desde su oficina en Sevilla, ofrece servicios a toda Europa. Viajes Foster cuenta con tarifas exclusivas en vuelos y toda una serie de descuentos y ofertas en alojamientos, alquileres de vehículos, etcétera.

El convenio de colaboración entre Viajes Foster, que cumple diez años como agencia en Sevilla, se firmó el 17 de noviembre entre Remedios Navarro, como directora-gerente del Teatro de la Maestranza, y Enrique Arroyo, director general de Viajes Foster.

Con esta última incorporación son ya 17 las empresas que integran el grupo de patrocinadores: Caixabank, Fundación BBVA, Fundación Cajasol, Gas Natural Fenosa, Grupo Santander, Fundación Cruzcampo, Real Maestranza de Caballería, Servicio de Prevención Antea SA, Diario de Sevilla, ABC, El Correo de Andalucía, La Razón de Sevilla, Cope Sevilla, Viva Sevilla, Cadena Ser, Victorio & Lucchino y la propia agencia Viajes Foster. Laboratorios AGQ patrocina el concierto de piano de Khatia Buniatishvili.

Otro convenio tuvo lugar el 22 de octubre entre el Teatro y Gas Natural Fenosa, empresa del sector energético que renueva así por quinto año consecutivo su colaboración con el Coliseo del Arenal. En el acto estuvieron presentes Remedios Navarro y el director general de Gas Natural Andalucía, Raúl Suárez.

En diciembre se firmó ótro nuevo convenio, en esta ocasión con la Fundación Cajasol, entidad arraigada en

Andalucía y que lleva mostrando su compromiso con la cultura y con el Teatro de la Maestranza desde el inicio de sus temporadas estables, lo que la convierte en una de las instituciones más veteranas del grupo.

Firmaron por parte del Teatro de la Maestranza Remedios Navarro y por parte de la Fundación Cajasol su presidente, Antonio Pulido. La Fundación Cajasol desarrolla numerosas actividades culturales, tanto propias como en colaboración con otras entidades.

CaixabankCaixabank es otra de las empresas que ha renovado su convenio de colaboración. La entidad financiera es patrocinador general de la temporada 2015-2016, pero también ha colaborado en espectáculos concretos, como la ópera Otello y, ya en este año 2016, lo hará con la ópera El barbero de Sevilla, las actuaciones del Aalto Ballett Essen y el Ballet Nacional de España dentro del Ciclo de Danza y el espectáculo de Estrella Morente y Javier Perianes, dentro del Ciclo Grandes Intérpretes. También patrocinará el Abono Joven una temporada más, promoción que Caixabank lleva realizando desde hace años para acercar a los más jóvenes al

COMIENZA EL PLAZO PARA SUMARSE AL CLUB DE AMIGOS DEL TEATRO

A la izquierda, firma del convenio entre Viajes Foster y el Teatro de la Maestranza. En la página siguiente, de izquierda a derecha y de arriba a abajo, la firma de los convenios entre el Teatro de la Maestranza y las entidades Gas Natural Fenosa, Fundación Cajasol, Caixabank, Fundación Cruzcampo, Servicio de Prevención Antea y Banco Santander. En los cuatro últimos representó al Teatro de la Maestranza el concejal Antonio Muñoz, con la presencia de Remedios Navarro.

Teatro de la Maestranza. Participaron en la firma Antonio Muñoz Martínez, delegado de Hábitat Urbano, Cultura y Turismo como miembro del Consejo Rector del Consorcio del Teatro, y Rafael Herrador como director territorial de Andalucía Occidental de Caixabank, con la presencia de Remedios Navarro.

Fundación CruzcampoEl 18 de diciembre se rubricó el último de los acuerdos de colaboración, en este caso con otra de las entidades pioneras en el mecenazgo y patrocinio del Teatro de la Maestranza: la Fundación Cruzcampo, que lleva apoyando al Teatro de la Maestranza desde el año 1993. El acuerdo fue firmado de nuevo por Antonio Muñoz por parte del Teatro de la Maestranza y Julio Cuesta Domínguez, presidente de la Fundación Cruzcampo, también con la presencia de Remedios Navarro.

Los dos últimos convenios de colaboración se firmaron con Servicio de Prevención Antea SA, empresa dedicada a la prevención de riesgos laborales, entre Antonio Muñoz Martínez, delegado de Hábitat Urbano, Cultura y Turismo del Ayuntamiento, y Joaquín Caro Ledesma, director general de la empresa (18 de enero); y Banco Santander (20 de enero), que recoge así el testigo de la Fundación Cultural Banesto, entre Antonio Muñoz Martínez y Alberto Delgado Romero, director territorial de Andalucía y subdirector general, y Antonio Manuel Palazuelos San Emeterio. En ambos estuvo presente Remedios Navarro.M


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CARLOS HERMOSO

Qué difícil se hace expresar mucho en muy poco. En un primer intento, la sensación es de abismo por no poder

condensar en unas cuantas líneas lo que ha supuesto en nuestras vidas, la vida de cada uno de los que formamos parte de este gran colectivo, ese torbellino de vivencias que han ocupado muchas horas, muchos días y muchísimos esfuerzos durante un período suficientemente largo ya; nada más y nada menos que 20 años.

El pasado 2015 el Coro de la Asociación de Amigos del Teatro de la Maestranza o, como a nosotros nos gusta llamarlo, Coro Maestranza, celebró sus 20 años de existencia; años que se han ido fraguando a base de producciones, conciertos y ensayos, tantos en la mayoría de los casos que resulta difícil ponerlos en pie y en orden, desde aquel primer Rigoletto del año 1996 hasta la zarzuela Los

diamantes de la corona, nuestra última producción en este diciembre pasado.

Esta nueva Junta directiva, que desde el mes de julio está al frente de la Asociación, tuvo desde el principio un reto prioritario: trabajar con tranquilidad por el bien de todos y saber transmitirlo a todos; intentar llegar, en definitiva, a ese estado de sosiego que en el mundillo de un teatro de ópera se hace a veces tan difícil. Con este enfoque queremos afrontar la celebración de estos 20 años junto con la ROSS y con el mismo Teatro, que conmemoran a su vez sus 25 años de singladura.

Momentos importantesEchando la vista atrás y tratando de no caer en una nostalgia desmedida, parece el momento de entresacar del baúl de los recuerdos algunos hitos que han ido modelando la esencia de nuestro Coro. Resulta inevitable, así, recordar la primera vez que pisamos el escenario de nuestro querido Teatro para abordar nuestra opera

prima como Coro, Rigoletto, bajo la batuta del grandísimo Romano Gandolfi y junto al que sigue siendo, al menos lo es así para muchos, el mejor bufón de la actualidad, Leo Nucci. Los que allí estuvimos seguimos considerándonos privilegiados por haber estado en el momento y lugar justo. Fue, sin duda, el momento chicos. El de las chicas no tardaría en llegar con la siguiente ópera de aquella temporada, Madama Butterfly, dirigida por el inolvidable Vjekoslav Šutej, primer director titular de nuestra ROSS.

La Bohéme de ZefirelliTras estas dos óperas, el Coro estaba ya, no se sabe muy bien cómo, formado y funcionando, si bien no podemos olvidar, como paso previo, importantísimo, la interpretación de la maravillosa Bohéme de Zefirelli por parte del Coro de Málaga con la ilusionada colaboración de un pequeño grupo de alumnos de canto del Conservatorio de Sevilla. Es entonces cuando se empieza a

Hicimos nuestras, a base de tesón, obras sinfónicas como el Requiem de Brahms o la Novena de Beethoven; luchamos sin tregua con idiomas tan ajenos como el ruso, el checo o el inglés endiablado de la ópera Doctor Atomic, otro reto que se presentaba como inalcanzable en un principio


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UN SUEÑO QUE DURA 20 AÑOS

Sobre estas líneas, el Coro en sus dos primeras óperas, Rigoletto y Madama Butterfly, en 1996; a la derecha, su última actuación, en la zarzuela Los diamantes de la corona.

CORO DE LA ASOCIACIÓN DE AMIGOS DEL TEATRO DE LA MAESTRANZA

fraguar la idea de organizar unas audiciones para constituir un coro propio.

Y después, lo inimaginable: cantar junto a los grandes de siempre, como Alfredo Kraus, Plácido Domingo, Joan Pons, Ruggero Raimondi, Ferruccio Furlanetto, Mariella Devia… Y junto a los nuevos grandes: Carlos Álvarez, Ismael Jordi, Mariola Cantarero, Ainhoa Arteta, Juan Diego Flórez, Maria Guleghina, Roberto Alagna, Gregory Kunde, tantos y tantos artistas extraordinarios; obedecer sin descanso la batuta de tantos directores, que han sabido y podido modelarnos a su antojo porque así la obra lo requería; hacer nuestras, a base de tesón, obras sinfónicas como el Requiem de Brahms o la Novena de Beethoven; luchar sin tregua con idiomas tan ajenos como el ruso, el checo o el inglés endiablado de la ópera Doctor Atomic, otro reto que se presentaba como inalcanzable en un principio; convertirnos en actores improvisados para hacer de bailarines

EMILIO GALÁN HUERTOS

Hablar tranquilamente con Ramón María Serrera es un placer. Me recibe en su despacho de la vieja Fábrica de Tabacos, invadido de

libros, revistas, papeles, fotos, mesa de reuniones, biblioteca y todo lo que un investigador va acumulando al paso de los años. El profesor Ramón María Serrera, catedrático de Historia de América en la Universidad de Sevilla, tiene un inmenso curriculum vitae. Entre sus más de cien publicaciones americanistas se cuentan 28 libros y monografías. Es académico correspondiente de la Real Academia de la Historia, académico de la Real Academia Sevillana de Buenas Letras, miembro del Patronato del Archivo de Indias, Premio Fama de la Universidad de Sevilla y recientemente Premio de Andalucía de Investigación Ibn Al Jatib.

Pero no me reúno con Serrera para hablar de Historia de América sino de ópera. Porque el profesor Serrera es un

musicólogo, quizás más conocido socialmente por sus libros y críticas musicales, y especialmente por su conocimiento sobre ópera, que por ser un gran americanista. Sus más de 600 críticas de música y de ópera publicadas en el diario ABC, sus colaboraciones en temas líricos y, sobre todo, sus dos libros dedicados a la ópera en Sevilla, 100 Óperas de Sevilla (2010) y Sevilla, Ciudad de 150 Óperas (2012), escritos en colaboración con Andrés Moreno Mengíbar, han hecho de Serrera un referente de los temas musicales en Sevilla. Este sevillano ha sido testigo de la historia del Teatro, desde su construcción hasta la última función de Otello.

—¿Cómo nació su afición a la Ópera y cómo ha llegado a convertirse en un experto y erudito musical?

—En mi casa, mis padres eran muy aficionados a todo tipo de música y

(Sigue en página siguiente)

“La ASAO necesita el apoyo oficial”

Ramón María Serrera (izquierda), junto a Pavarotti y Lluís Andreu en 1991.

RAMÓN MARÍA SERRERA

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o de... en las exigentes pero entrañables producciones de las zarzuelas; y todo para llegar, con un poderío y profesionalidad inusual en un coro de las características del nuestro, a un público exigente pero entregado incondicionalmente desde un principio. Gracias de corazón.

Y gracias también a todos los que, por uno u otro motivo, ya no están con nosotros pero han formado parte de nuestros 20 años de historia, incluidos momentos tan duros como el de decidir silenciar el Gloria de Vivaldi y el Requiem de Fauré ante el dolor que se estaba viviendo en España por los atentados de Atocha. Gracias a la ciudad que nos vio nacer y a sus instituciones. Gracias a los que han estado ahí y los que lo estarán en un futuro, porque nuestra historia no se ha acabado de escribir y queda mucho por hacer. El listón se ha puesto alto y el compromiso es importante para los que se quieran incorporar. La ilusión indispensable.

El sueño continúa... M


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especialmente a la música clásica. Mi madre además tocaba el piano y desde niño la escuchaba, como también aquellos programas de radio que transmitían conciertos y óperas del Liceo en directo. La primera sinfonía que escuché fue la Séptima de Beethoven, y tenía solo siete años. Poco a poco el oído se va acostumbrando y, si eres sensible, llega un momento en que no puedes pasar sin escuchar ya sonatas, conciertos, arias… Yo soy sensible a todo lo bello, a toda expresión del ser humano: pintura, escultura, arquitectura y, cómo no, a la música y a la voz. En cuanto al conocimiento musical, creo que como historiador estoy obligado a estudiar la historia de la música, y en particular la historia de la ópera, alemana, francesa o italiana, como también debo conocer cualquier otra expresión artística del ser humano. Pero, además, en mi familia todos mis hermanos saben y aman la música.

—¿Qué música oye mientras escribe, trabaja o estudia?

—Ninguna. Cuando me concentro estudiando o escribiendo no dejo que nada, ni siquiera la música, me perturbe. Necesito el silencio creador, porque para escuchar música debo concentrarme y mucho más para oír una ópera. Ahora bien, cuando escribo correos, cuando lo que hago es repasar un tema, clasificar o un trabajo mecánico, me gusta escuchar Schubert y, sobre todo, Mozart, por ejemplo las sonatas y los cuartetos.

—¿Cuáles son sus autores y óperas preferidas?

—Sin duda Verdi y Wagner. Luego, en otro nivel, estaría Mozart, porque Mozart es otro mundo. También me emociona Puccini. Pero también está el genial Donizetti, un autor que he estudiado a fondo. La favorita y María de Padilla más sevillanas no pueden ser, pero también Ana Bolena, La fille du régiment, Lucía o L’elisir d’amore son verdaderas joyas.

—Se ha relacionado con los principales cantantes y directores de ópera del mundo de los últimos 30 años. ¿Cuáles son sus preferidos?

—Sí, he tenido ocasión en Sevilla y fuera de ella de conocer y tratar a las figuras más relevantes de la lírica mundial y también a los más importantes directores de orquesta. Para mí, el mejor

cantante ha sido Luciano Pavarotti, el que más me ha impactado, no sólo por su voz y cualidades, sino también por su gran humanidad, simpatía y cercanía. Después está Alfredo Kraus, el más perfecto de todos los tenores que he conocido, pero era más distante, menos efusivo y comunicador. Entre los directores de orquesta nadie me ha impresionado más que Karajan, al que vi en Granada en 1973, pero Sergiu Celidibache era perfecto. Apenas marcaba los tiempos, bastaba su mirada para producir la mejor música posible. Verlo en Bruckner era un placer. Luego hay otros muchos, como Riccardo Muti, los recientemente desaparecidos Claudio Abbado y Lorin Maazel, o el genial y a veces criticado Barenboim. Yo te digo que ver a Barenboim dirigir a Wagner en Bayreuth es único e inolvidable. Tuve ocasión de verlo dirigir Tristán e Isolda. Fui invitado en 1993 por el nieto de Wagner, Wolfgang Wagner, al Festival de Bayreuth. Recordarlo todavía me emociona. En un descanso de Parsifal, él y su mujer, Gudrun Wagner, nos invitaron a cenar. La cena estuvo llena de anécdotas y fue una experiencia también inolvidable. Después, por la noche, fuimos a visitar la tumba de Wagner, que está al aire libre en la Villa Wahnfried, en el propio Bayreuth. ¡Figúrate la emoción!

—Fue uno de los promotores de la ASAO. ¿Cómo recuerda su origen?

—El nacimiento de la ASAO surgió de un grupo de amigos y aficionados a la ópera encabezado por Ángel Casal y del que formamos parte Jacobo Cortines, mi hermano José Luis, José Luis Pascual del Pobil, Francisco Trujillo y otros, con Lluís Andreu como catalizador y animador. En el año 1990, cuando ya se acercaba la Expo, decidimos organizarnos y crear la ASAO para promover la ópera en Sevilla. Si hay una palabra que defina cómo se fundó la ASAO es ilusión. Pero mucha ilusión. Se acercaba la Expo y había que

hacer algo. Empezamos con muy pocos medios, pero conseguimos que se nos uniera una gran parte de los aficionados sevillanos, hasta llegar a ser más de 2.000 socios, y con nuestros propios esfuerzos, conseguimos recitales como los de Victoria de los Ángeles o Katia Ricciarelli, óperas en la Cartuja, tener una Revista propia, etcétera.

—¿Cómo ve su futuro inmediato? ¿Qué habría que hacer para conseguir que el público que llena el Maestranza sienta que debe pertenecer a la Asociación?

—Contar con apoyo oficial. No necesariamente con ayuda financiera, pero sí con el apoyo de las instituciones. Crear y crecer de mano del Ayuntamiento de Sevilla, más el Teatro de la Maestranza, y más iniciativas turísticas. Tener una temporada de ópera anual en primavera, con títulos sevillanos, con repartos dignos pero no necesariamente de primeras figuras. Esta temporada daría beneficios para todos: Teatro, ciudad, afición, ASAO... El propio certamen que organiza la ASAO es, junto al de otros concursos, un semillero de nuevas voces que pueden invitarse para estas temporadas. Así fueron los principios de Montserrat Caballé, José Carreras o José Bros en el Liceo. Esto sería con seguridad un éxito.

—Este año 2016 se celebra el 25 Aniversario de la inauguración del Teatro de la Maestranza. ¿Cómo han sido las relaciones de la ASAO con el Teatro de la Maestranza a lo largo de este tiempo?

—Hay tres etapas, tres tipos de relaciones a lo largo de este tiempo. La primera etapa fue la de Lluis Andreu, primer director artístico del Teatro, el que consiguió reunir a lo mejor de la lírica española en aquel concierto inaugural. Con él nació la ASAO y juntos recorrimos un brillante camino. Siguió la segunda, que empezó en 1994, espléndida, con José Luis Castro, que era director artístico

y gerente. Recuerdo aquella Bohème de Zefirelli o el Tannhäuser de Herzog. Durante su etapa la comunicación era total. La ASAO participaba con él en la programación, en la difusión, en los libretos, etcétera. Nos sentíamos parte del Teatro y así respondíamos. Luego, en la tercera etapa, con Pedro Halffter y Remedios Navarro afortunadamente la relación y la colaboración se mantuvieron, aunque nos afectó mucho la crisis económica. Aunque seguimos colaborando en todo y con mucho cariño con el Teatro, y el Teatro con nosotros, los socios se han resentido con el tema económico y muchos han abandonado. Pero hay que recuperar a los que se han ido con el esfuerzo del Teatro y de la propia ASAO.

—¿Qué piensa que necesita el Maestranza para programar más y mejores óperas, recitales y zarzuelas?

—Como he dicho antes sería bueno que organizara una temporada de óperas sevillanas en primavera con producciones propias. Traer además una buena zarzuela al año, con una buena producción, y hacer una Carmen con una producción propia. La única Carmen que se ha visto en el Maestranza fue la de la Expo, que fue del Liceo. Tenemos un Barbero, un Fidelio o unas Bodas de Fígaro, pero falta una Forza del Destino (la gran ópera sevillana de Verdi) o una María de Padilla o Favorita, también óperas de temas sevillanos. Hasta 150, figúrate. También podría ser Conchita, de Riccardo Zandonai, una ópera verista, tipo Puccini, que se estrenó en 1911.

—Además de los libros sobre las 100 y 150 óperas de Sevilla y de tus críticas en ABC, ¿qué otros libros o trabajos has escrito sobre ópera?

—Coordiné los libros sobre el décimo y vigésimo aniversario del Teatro de la Maestranza, este último junto a Juan Luis Pavón y Juan María Rodríguez. Tengo más de 40 estudios de óperas para programas, artículos en Scherzo, reportajes, el estudio del Miserere de Eslava, que fue editado posteriormente por la Deutsche Grammophon cuando se grabó. Mi discurso de ingreso en la Real Academia Sevillana de Buenas Letras sobre Verdi, Sevilla y América, y un largo etcétera. Muchas horas y días dedicados a la música y la ópera en particular. M

“Para mí, el mejor cantante ha sido Pavarotti, el que más me ha impactado, no sólo por su voz y cualidades sino también por su gran humanidad y simpatía”

“La ASAO surgió de un grupo de amigos y aficionados a la ópera con Lluís Andreu, primer director del Teatro de la Maestranza, como catalizador y animador”

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El Teatro estrena Der König Kandaules en su 25 aniversario · concierto del guitarrista Rafael Riqueni (21 de noviembre, abajo en el centro) o la actuación del bailaor Farruquito