El rococó

• El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma progresiva entre los años 1730 y 1760 aproximadamente.

• El Rococó es definido como un arte individualista, antiformalista y cortesano. Se caracteriza por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros.

• Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, la mitología, la representación de los cuerpos desnudos, el arte oriental y especialmente los temas galantes y amorosos.

• Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y las relaciones humanas, un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.

Historia de la palabra El término «rococó» fue inventado en torno al año 1797 como una broma por PierreMaurice Quays, alumno de Jacques-Louis David. Supuestamente se trataría de una asociación de las palabras francesas "rocaille“(rocas) y “coquille" (concha), la primera de las cuales designa una ornamentación que imita piedras naturales y la segunda se refiere a ciertas formas curvadas de conchas de moluscos. El término rococó tuvo durante mucho tiempo un sentido peyorativo, antes de ser aceptado a mediados del siglo XIX como un término propio de la historia del arte.

Contexto histórico y social del rococó• Inicio: Estilo regencia primeras décadas del siglo

XVIII(1715-1723) coincidiendo con la regencia de Felipe de Orleans por Luis XV (biznieto de Luis XIV)

• Estilo Luis XV empezó hacia 1720

• Final: Las excavaciones entre 1738 y 1748 de Pompeya y Herculano y su divulgación despertaron una verdadera fascinación por el «gusto a la griega», embrión del que, una vez consolidado, conoceríamos como Neoclasicismo y que coincide con el reinado de Luis XVI.

Felipe de Orlean, sobrino de Luis XIV y regente de Luis XV

Luis XV retratado por Maurice Q

uentin de La Tour en 1748

Expresión del rococó

• El estilo se expresa sobre todo en la pintura, la decoración, el mobiliario, la moda y en el diseño y producción de objetos. Su presencia en la arquitectura y la escultura es menor, puesto que su ámbito fundamental son los interiores y, en menor grado, las composiciones monumentales.

Evolución del barroco al rococó

Si lo Barroco estaba al servicio del poder absolutista, el Rococó está al servicio de la aristocracia y la burguesía. El artista pasa a trabajar con más libertad y se expande el mercado del arte. El Rococó se presenta como un arte al servicio de la comodidad, el lujo y la fiesta. Las escenas de su pintura recogen este nuevo estilo de vida.

Con respecto a la vertiente social, se inicia un cambio en el papel de la mujer, que se convierte en organizadora de reuniones para hablar de literatura, política, juegos de ingenio o para bailar. Este entorno de alta actividad social dentro de la alta burguesía es el lugar adecuado para que los artistas se promocionen y hagan clientes. Los motivos del Rococó buscan reproducir el sentimiento típico de la vida aristocrática, libre de preocupaciones, o de novela ligera, más que batallas heroicas o figuras religiosas

Diferencias entre la pintura barroca y rococó

Barroco Rococó

Centros artísticos relevantes España e Italia Francia

Luz Contrastes de luz Luminosa

Color Contrastes dramáticos Colores pastel Claros delicados

Temática Religiosa Mundana

Protagonistas Personajes populares, Reyes Personajes de la Biblia

Personas de la clase alta Personajes mitológicos

Carácter de la pintura, sentimientos que provoca

Emociona, sobrecoge, impresiona

Sensual, agradable

Clientes La Iglesia Los Reyes La clase alta

Artistas destacados en la pintura rococóJean-Antoine Watteau (1684–1721) es considerado el másimportante pintor rococó, creador de un nuevo género pictórico:las «fêtes galantes» (fiestas galantes), con escenas impregnadascon un erotismo lírico. Watteau, a pesar de morir a los 35 años,tuvo una gran influencia en sus sucesores.

Antoine Watteau, en un retrato al pastel realizado por Rosalba Carriera (1721).

La canción de amor, h. 1717.

Artistas destacados en la pintura rococó

Thomas Gainsborough(Sudbury, bautizado el 14 de mayo de 1727 -Londres, 2 de agosto de 1788) fue un pintor de paisajes y retratista inglés. considerado como uno de los grandes maestros del retrato y del paisaje.

Autorretrato, (1759) Paisaje en Suffolk (1748)

Artistas destacados en la pintura rococóJean Siméon Chardin, llamado sin razón, incluso en vida, Jean-Baptiste-Siméon(París, 2 de noviembre de 1699 – 6 de diciembre de 1779), está considerado como uno de los más importantes pintores franceses del siglo XVIII. Se le conoce principalmente por sus naturalezas muertas y sus retratos.

Autorretrato con gafas1775 (pastel, 46 × 38 cm)Museo del Louvre, París

Naturaleza muerta con jarrón y frutas1750 Óleo sobre tela.Karlsruhe.

Artistas destacados en la pintura rococó

François Boucher (1703–1770)

Fue famoso por sus pinturasidílicas y voluptuosas de temasmitológicos, alegorías sobrepastores y por varios retratosde Madame de Pompadour.Uno de sus cuadros másconocidos es el Desnudorecostado (Alte Pinakothek deMúnich) cuya modelo seidentifica como MademoiselleLouise O'Murphy, de catorceaños, una amante del rey LuisXV.

Muchacha tumbada (Marie-Louise O'Murphy(1737-1818), de François Boucher

Diana después del bañoÓleo sobre lienzo57 cm × 73 cmMuseo del Louvre, París. 1742de François Boucher

Artistas destacados en la pintura rococó

Jean-Honoré Fragonard (Grasse, 5 de abril de 1732 - París, 22 de agosto de 1806) fue un pintor y grabador francés cuyo estilo rococó se distinguió por la exuberancia y el hedonismo. Uno de los artistas más prolíficos activos en las décadas del Antiguo Régimen, Fragonard fue autor de más de 550 pinturas (además de dibujos y aguafuertes), de las cuales solamente cinco están fechadas. Entre sus obras más populares están las pinturas de género, que reflejan una atmósfera de intimidad y velado erotismo.

Inspiración (autorretrato, fragmento), 1769

Versión temprana de El columpio (entre 1750 y 1755), Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

"El columpio" de Jean-Honoré Fragonard.

Jean-HonoreFragonard, 1767Óleo sobre lienzo 81 cm × 65 cm. Colección Wallace, Londres.

Un rico barón encargó este cuadro a Fragonard, como homenaje a su amante. Se cuenta que inicialmente el encargo era para François Boucher, quien lo rechazó por su atrevimiento. Representa una escena galante en un ambiente idílico. Una joven se balancea en el columpio que empuja un hombre mayor (seguramente su marido) mientras que abajo, a la izquierda, aparece un joven que mira debajo de su falda. El marido queda relegado a la sombra, mientras que el joven (amante de la mujer) luce en primer plano, entre vegetación y flores. El adulterio, un pecado duramente criticado en las clases proletarias, era aceptado como algo natural en las clases altas. El joven se encuentra tumbado a los pies de una escultura de Cupido. Dicha figura esconde una pista: pide silencio con un dedo en sus labios, lo que alude a un secreto. El amante muestra una expresión de arrebato, como si hubiese recibido una revelación, de carácter en este caso puramente terrenal. La muchacha le corresponde mirándole fijamente. Se ha captado el momento del máximo balanceo del columpio, pues un instante después éste volverá hacia atrás, hacia el hombre de mayor edad, representando así «un segundo de arrebatamiento erótico, tan voluptuoso y frágil como el Rococó mismo» Eva-Gesine Baur, «El rococó y el neoclasicismo» en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pág. 360

Artistas destacadas en la pintura rococóMarie Louise Élisabeth VigéeLebrun (París; 16 de abril de 1755-Louveciennes; 30 de marzo de 1842) fue la pintora francesa más famosa del siglo XVIII y una de las retratistas más demandadas de su época. Su pintura está presente en un centenar de museos de 20 países. Su obra incluye 900 pinturas, entre ellas 700 retratos -muchos autorretratos, 30 retratos de su amiga María Antonieta y 67 retratos realizados durante los seis años de exilio en Rusia-. Durante sus viajes se convirtió en miembro de las Academias de Florencia, Roma, Bolonia, San Petersburgo y Berlín.

Autorretrato, pintado en 1782 (National Gallery de Londres).

Pintó los retratos de muchos de los miembros de la nobleza francesa y conforme avanzaba su carrera, a la edad de 23 años fue invitada a Versalles para pintar a la reina María Antonieta. El primer cuadro lo pintó en 1779. La reina quedó tan complacida con el trabajo de Vigée-Lebrun, que recibió el encargo de pintar más retratos de ella, así como de los príncipes y de numerosos nobles.

Retrato de María Antonieta, 1783.

Artistas destacadas en la pintura rococó

Marguerite Gérard (1761-1837)

Marguerite Gérard nació en Grasse, en la Provenza, el 28 de enero de 1761 en el seno de una familia burguesa acomodada. Su padre, Claude Gérard, era fabricante de perfumes. Tenía poco más de 8 años cuando la pequeña Marguerite se trasladó a vivir a París con su hermana Marie-Anne y el marido de ésta, el famoso pintor rococó Jean-Honoré Fragonard.

Marguerite no había recibido una educación formal pero pronto supo aprovechar la oportunidad de tener en su propia familia a un pintor de la talla de su cuñado. Fragonard se convirtió en su profesor con el que empezó a colaborar en su taller con tan sólo 14 años.

http://www.mujeresenlahistoria.com/2012/01/sencillo-rococo-marguerite-gerard-1761.html

Lección de pianoMarguerite Gérard

Artistas destacadas en la pintura rococóAdélaïde Labille-Guiard (París, 11 de abril de 1749 – 24 de abril de 1803) fue una pintora francesa, dedicada a temas de historia y retratos.

El 31 de mayo de 1783, Labille-Guiard fue aceptada como miembro de la francesa Real Academia de Pintura y Escultura. Otras tres mujeres, entre las que estaba Vigée-Le Brun, fueron admitidas como miembros ese mismo día, con cierta consternación por parte de algunos miembros masculinos. La aceptación de las mujeres juntas creó una comparación entre su obra más que con la obra de los miembros precedentes, aliviando así las preocupaciones de los miembros antiguos.

Las pinturas de Labille-Guiard y Vigée-Le Brun a menudo fueron comparadas por los críticos, siendo las opiniones más favorables, usualmente, a Vigée-Le Brun. La obra maestra temprana de Labille-Guiard, Autorretrato con dos alumnas, se expuso en el Salón de París en 1785, fue influida por el estilo de Vigée-Le Brun. La obra de AdélaïdeLabille-Guiard se considera actualmente de igual valor.

Autorretrato con dos alumnas 1785las dos alumnas son Marie Gabrielle Capet y Marie Marguerite Carreaux de Rosemond

Pintoras de los siglos XVIII y XIX ninguneadas por ser mujeres

http://www.20minutos.es/noticia/1635398/0/pintoras/siglos-xviii-xix/ninguneadas-por-ser-mujeres/

Una exposición rescata del olvido a autoras que dependieron del beneplácito de los hombres para poder darse a conocer. Ser hija o esposa de un pintor o académico del arte era hasta el siglo XIX la única vía para que las mujeres fuesen reconocidas como artistas.

Con trabajos de Suzanne Giroust, Anne Vallayer-Coster y Ulrika Pasch, la muestra repasa obras de 1750 a 1860, un periodo de revoluciones sociales.

La francesa Suzanne Giroust (1734-1772), esposa del pintor rococó sueco Alexander Roslin, consiguió ser una figura reconocida en vida y fue uno de los pocos miembros femeninos de la Real Academia de Pintura y Escultura de Francia, a pesar de los recelos de los otros académicos, que impusieron entonces una norma con la que no podía haber más de cuatro mujeres a la vez en la institución.

Marie-Suzanne Roslin de Alexander Roslin

la obra de Antón Rafael Mengs y los pintores europeos de su tiempo. Anton Raphael Mengs (Aussig, Bohemia, 1728 - Roma, 1779) fue un pintor yteórico1 neoclásico. De origen checo, gozó de éxito internacional y trabajó paradiversas cortes europeas: Dresde, Madrid y Viena, entre otras.

Fue el pintor más famoso y mejor considerado de su tiempo, y ejerció en suscoetáneos una influencia notable. En la actualidad, más que sus obras históricas yalegóricas se valoran los retratos que realizó para numerosas cortes europeas.

Su repercusión en el arte español fue notable, especialmente en la corte deMadrid. A su sombra despuntaron los Francisco Bayeu, Mariano Salvador Maella yFrancisco de Goya, también intervino para que Goya obtuviese un primer empleoen la capital. Su difícil carácter hizo que se enemistara con muchos personajes dela corte, lo cual le hizo acortar su estancia.

Durante su estancia en Nápoles competía como retratista con el máximoexponente rococó del momento, Pompeo Batoni. Del estrecho contacto con elrococó tomó la vitalidad y la frescura, que serían una constante en sus retratos.

En 1761 pintó el fresco de El Parnaso en el techo de la Villa Albani, enRoma, que se convirtió en un manifiesto del neoclasicismo por su evidenteempleo de soluciones tomadas de los maestros del Renacimiento y en particularde Rafael.

Sus frescos fríos, de colores desvaídos y desprovistos de emoción según el gustode la época, triunfaron sobre los de Tiépolo, a quien Mengs consiguió arrinconar

Anton Raphael Mengs, autorretrato de madurez (1775).

http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=5708

Influencia de Mengs en GoyaComparación retratos Mª Luisa de Parma Mengs y la Duquesa de Osuna Goya:

La atmósfera empolvada de finura francesa se percibe en ambos retratos: en el primero el pelo grisáceo recogido elegantemente y la delicada gorguera del mismo tono rosáceo de las mejillas, sirven para destacar la belleza juvenil de los ojos vivaces y de la boca rojiza de una mujer que, algunos años más tarde, daría de qué hablar por su relación escandalosa con el Ministro Godoy. La Duquesa de Osuna, representada con los mismos tonos pasteles utilizados por Mengs, lleva un peinado a la moda que imita el juego de los volantes del vistoso sombrero. El brillo de los ojos completa la re nada y bella representación del rostro. Se apoya en la sombrilla que, aunque frágil, no parece «sufrir» por su peso. El detalle del abanico que sujeta en la otra mano nos lleva otra vez al terreno de Mengs.

María Luisa de Parma, princesa de Asturias [Mengs]

la Duquesa de Osuna de Francisco de Goya y Lucientes.1785.104 x 80 Oleo sobre lienzo

Francisco SalzilloFrancisco Salzillo y Alcaraz (Murcia, 12 de mayo de 1707-ibídem, 2 de marzo de 1783) fue un escultor barroco español, considerado como el más representativo imaginero del siglo xviii español y uno de los más grandes del Barroco. Salzillo se dedicó en exclusiva a la temática religiosa y supo plasmar en su estilo los cambios que se fueron produciendo durante el siglo xviii, lo que se vio plasmado en una escultura de transición hacia el rococó y el neoclasicismo.

Influencias:

• Por medio de su padre Nicolás recibió la influencia de escultores italianos como Bernini y Andrea Bolgi.

• Del escultor francés Antonio Dupar

• la tradición española La Oración del Huerto. Obra maestra de Salzillo (1754)

La disposición de las manos en algunas de sus obras fue un rasgo significativo que heredó de su padre: la izquierda sobre el pecho y la derecha extendida, a veces invertidas. El estilo personal de Francisco que caracterizaría sus obras destacó desde muy pronto, con técnicas como el terminado del cabello a punta de cincel o su labrado en forma de estrías muy finas.A diferencia de los grandes autores del siglo XVII, como Montañés o Gregorio Fernández, Francisco Salzillo no

profundizaría en los aspectos dramáticos de las escenas, ahondando en conceptos naturalistas y de idealizada belleza que serán ya transición del final del Barroco al Rococó y al Neoclasicismo

Comparando a Gregorio Fernández y Salzillo.

Gregorio Fernández Francisco Salzillo

Telas con grandes arrugas. Dramatismo en la representación de la sangre y heridas

Combina telas talladas con figuras con trajes reales, hay más riquezas en los ropajes y más brillo en las figuras.

Interés por representaciones anatómicas Belleza idealizada. Interés por representar los detalles del cabello y barba.

La Caída, de 1752, Museo Salzillo en Murcia.

Detalle de la Piedad de La sexta angustia, Museo Nacional de Escultura, Valladolid.

Mobiliario y decoración de interiores. El estilo Luis XV.

Indumentaria y artes decorativas

Características:

• Todos los muebles están hechos con gran atención a la comodidad

• Rechazo a todos los elementos estructurales como: simetría, líneas rectas.

• Objetos finamente pulidos, tratados con lacas de colores, tallados dorados, elegancia decorativa y frívola.

• Reflejan una vida sin preocupación.

• Formas Curvas y femeninas.

• Patas largas, con solapa oblicua y compartimientos ocultos

Estilo Luis XVEbanistería francesa Meissonier: superficies de madera barnizada complementadas con bronce. Ornamentos con motivos florales, escenas de máscaras, incrustaciones en piedra.

Estilo Inglés Chippendale: La curva en S era la base de la belleza presente en el arte y en la naturaleza. Las

La curva en s de las patas de las sillas nos sirve para identificar el Mobiliario Luis XV.

Estilo Luis XV

Estilo Luis XVPorcelana de Sèvres

El primer color y el más célebre fue el azulintenso, utilizado por primera vez en 1749. Elsegundo color fue el azul celeste quereproducía algunas porcelanas chinas. En 1756se introdujo el color verde prado, que secombinada con el azul o el rosado. Este últimocolor, fue llamado el «rosa Pompadour» o«rosa Du Barry» nombres de las dos favoritasde Luis XV. Este rosa fue elaborado en 1757por el químico Jean Hellot y se empleó confrecuencia durante una década y raramentedespués. se combinó la decoración con oro de24 quilates

Vestimenta Rococó

en el rococo los rasgos que predominan son: el lino, la seda, los brocados y damascos, los textiles gruesos de seda entrelazados con hilos de oro y plata, los terciopelos, los colores pastel, tonos neutros y suaves, estilo vintage.

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Vestimenta Rococó

estampados recargados, encaje, colores pasteles y accesorios diversos Abanico

Colocación del corsé, se necesitaban mas de dos asistentes para vestir el corsé y todas las prendas

Guarda infantes

Vestido en el cual es visible la falda o el vestido interno (en la parte central)

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Vestimenta Rococó

Vestimenta masculina: pantalones hasta las rodillas, camisa, chaqueta y casaca

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Manga Pagodase va ensanchado desde el comienzo y va formando capas sobrepuestas a modo de las pagodas, templos que existen en algunas zonas de Asia, a cierta altura se deja suelta sobresaliendo el brazo con la prenda que se lleva debajo .