DegasEdgar Degas nasce il 19 luglio 1834 a Parigi, da una famiglia ricca e nobile :il padre lavora in una banca parigina ed è originario di Napoli trasferitosi poi a Parigi in seguito la Rivoluzione Francese, mentre la madre è originaria di New Orleans.

August de Gas è un uomo molto raffinato che coltiva la passione dell'arte e della musica, visitando spesso le grandi mostre francesi.

Edgar trascorre felicemente la sua infanzia e si iscrive alla facoltà di giurisprudenza ma Degas aveva già espresso il fermo desiderio di studiare pittura e venne subito assecondato dal padre. A riprova della precoce attività che Degas svolge in ambito artistico, si pone il fatto che egli risulti già registrato al Louvre come copista a 19 anni.

Degas

Nel 1855, pervaso da un vivo interesse per l'arte, tenta l'ingresso all'Ecole des Baux-Arts, e riesce ad essere ammesso. Durante questa sua prima formazione pittorica, negli anni dell'accademia, avrà come principale punto di riferimento Ingres, del quale ammira in particolar modo il disegno e la purezza della linea.

Ma si stancherà presto della vita in accademia e la abbandonerà.

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Proprio in questo periodo, tra il 1856 e il 1858, soggiorna in Italia ospite del nonno paterno; viaggia fra Roma, Napoli e Firenze, dove ha modo di studiare le opere del Rinascimento.In questo periodo dipinge scene a soggetto storico o mitologico, ma fa anche dei ritratti dove si rivela la tecnica nitida e levigata del grande Raffaello, ma possiamo riscontrare anche una propria volontà innovatrice soprattutto nella composizione, come ne La famiglia Bellelli, ora conservata al Museo del Louvre.

Ritratto di Hilaire De Gas, 1857 La famiglia Bellelli, 1858-67

Degas

«Hai fatto un passo immenso nell'arte [...] il tuo disegno è forte e il tuo colore è giusto. [...] Lavora tranquillamente, continua su questa strada, ti dico, e stai certo che farai grandi cose. Hai un bel destino davanti a te; non scoraggiarti, non tormentare la tua anima»

Auguste De Gas

Degas

La sua amicizia con Monet risale a circa il 1862, con lui frequenta "Café Guerbois", dove incontrerà, a partire dal 1865, i futuri impressionisti.

Con gli altri impressionisti condivide l'ammirazione per le stampe giapponesi, ma non la pittura di paesaggio; infatti, negli stessi anni in cui Monet esorta gli amici a dipingere "en plein-air", Degas preferisce frequentare l'Opera e la scuola di danza per cogliere dal vivo ballerine ed orchestrali.

L’orchestra dell’opera 1868

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Ritornato da un viaggio in America, partecipa alla prima esposizione impressionista del 1874; alla quarta mostra del gruppo, Degas propone di intitolarla "Salòn desIndépendants" cioè Indipendenti e non Impressionisti.

Egli, infatti, elabora in modo indipendente e quasi isolato i suoi lavori, non rinuncia al disegno e alla forma costruttiva, e ad un paziente e rigoroso lavoro in atelier; si concentra su temi come le ballerine e le corse ippiche, arrivando all'osservazione di ambienti popolari.

«Disegnare non significa semplicemente riprodurre dei contorni. Il disegno non consiste

semplicemente nel tratto: il disegno è anche l'espressione, la forma intera, il piano, il

modellato. Che cosa resta d'altro? Il disegno comprende i tre quarti e mezzo di ciò che

costituisce la pittura. Se dovessi mettere un cartello sulla mia porta, scriverei Scuola di

disegno: sono sicuro che formerei dei pittori»

Degas

La lezione di danza, 1873-75E’ una delle prime opere che Degas dedica alla serie delle danzatrici. Il dipinto ci mostra un gruppo di giovani ballerine disposte a semicerchio intorno al maestro, all'interno di un aula di cui se ne vede solo uno scorcio, ciò ci suggerisce che il taglio che Degas vuole dare al dipinto è di tipo fotografico. Vuole rappresentare il momento in cui una giovane ballerina sta eseguendo una variazione di passi di danza, mentre il maestro la controlla con occhio attento. Le altre ragazze attorno osservano attentamente aspettando il loro turno, oppure si rilassano.Ogni gesto delle ballerine è indagato con attenzione quasi ossessiva; i lunghi tempi di realizzazione (tre anni) testimoniano come in realtà l'opera sia frutto di un difficile e meditato lavoro, condotto su decine di schizzi. Degas è infatti noto per cogliere questi aspetti marginali ma significativi dei suoi personaggi "come se si guardassero dal buco della serratura".

Degas

Degas riesce pienamente nel difficile intento di far coesistere il rigore formale derivato dall'amore per Ingres e per i pittori rinascimentali con la realtà di un’epoca in cui il quotidiano si era sostituito alla narrazione mitologica e le ballerine alle divinità olimpiche

Degas

Degas

Degas

Sempre in questi anni Degas condurrà significativi studi sul colore, usando sempre di più la pratica dell'accostamento di un colore all'altro per averne più luminosità possibile ed evitando di mischiarli. Userà sempre di più quindi i colori puri, come si può vedere nel fiocco rosso della ragazza che sventola il ventaglio.

DegasSempre in questi anni, fa approfonditi studi sugli effetti di luce diffusa e controluce sulla pelle di modelle nude, intente alla toilette.Contemporaneamente, malgrado i suoi continui disturbi alla vista, approfondisce la sua tecnica alla ricerca di una materia pittorica pastosa e opaca con effetti gessosi. Degas procede con ritocchi continui e variazioni, gradualmente, abbandonerà la pittura a olio a favore del pastello poiché gli permetteva innumerevoli correzioni.

La tinozza, 1886 (pastello)Donna che si pettina, 1887-90 (pastello)

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Degas dà vita ad una nuova concezione estetica della bellezza femminile, assai lontana dalle pose compiaciute e tenere di Renoir; nei suoi dipinti è come se cogliesse le donne di sorpresa, "spiandole dal buco della serratura". Molti critici vedranno in ciò uno "svillimento" della natura della donna colta in posizioni "oscene ed umilianti", poiché non sempre viene compresa la sua visione poetica dei momenti di intimità in cui coglie la figura femminile, che più che a una visione "occidentale" sembra avvicinarsi alla sensibilità della poesia e della pittura giapponese ottocentesca.

Degas

«Finora il nudo è stato presentato in pose che supponevano la visione da parte di un pubblico. Ma le donne non sono persone semplici ... Io le mostro senza civetteria, allo stato di bestie che si lavano»

Degas

Degas

«[...] la bestia umana che si è occupata di se stessa, una gatta che si lecca. Finora il nudo è sempre stato presentato in pose he presupponevano un pubblico; invece le mie donne sono gente semplice, onesta che non si occupa d'altro che della propria cura fisica. Eccone qui un'altra: si sta lavando i piedi, ed è come se la si guardasse dal buco della serratura»

Degas

Degas

Nel 1874, dopo la morte del padre, Degas si troverà a dipingere per vivere a causa di un brusco tracollo nel mondo degli affari del padre. In questo periodo inizia a lavorare sempre più assiduamente al tema delle ballerine frequentando molte opere, balletti e spettacoli teatrali.

Scuola di ballo dell’Opera, 1872

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Come possiamo vedere da tutta la sua vita artistica Degas non ama i paesaggi, e conseguentemente, non ama nemmeno la loro rappresentazione; al contrario le sue ambientazioni fanno sempre riferimento a caratteristici interni parigini.

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Ne è un esempio eccellente L'Assenzio, realizzato tra il 1875 e il 1876. Fu esposta alla seconda mostra degli impressionisti nel 1876. Ambientato all'interno di Café Nouvelle-Athènes, uno dei luoghi di ritrovo prediletti dagli impressionisti. Il soggetto illustra un episodio cittadino, dando un'interpretazione appartata e solitaria della vita all'interno dei cafès assai ben distante da quella di Manet, il quale amava ritrarre sguaiate protagoniste del mondo dei piaceri notturni. La composizione è caratterizzata da una inquadratura squilibrata verso destra, per dare il senso di una visione improvvisa, ma come ben possiamo immaginare Degas costruisce l'immagine in modo rigoroso e quasi scientifico.

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Con questa prospettiva obliqua data dalla disposizione dei tavolini, colloca il punto di vista di un osservatore "invisibile" in un punto alto e decentrato, in modo che si possa cogliere la naturalezza di ogni movimento e gesto. Degas nell'Assenzio dipinge due personaggi (una prostituta e un barbone) seduti uno accanto all'altro, raccolti nella loro solitudine ed emarginazione, accentuando il tutto, lasciando lo spazio centrale vuoto, rappresentato da un tavolo scorciato su cui è abbandonata una bottiglia vuota.

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Tavolino di caffè con assenzio, Van Gogh 1877

DegasTra il 1880 e il 1893, si colloca il momento di massima notorietà dell'artista. E' questo il momento in cui Degas si interessa anche alla scultura. Modellerà con molta vivacità numerose figure di danzatrici come la celebre Ballerina di 14 anni, capovolgendo anche in questo campo le tradizioni, introdurrà materiali quotidiani e comuni ma inediti sia nel campo della pittura che in quello della scultura.

DegasIl bronzetto qui rappresentato con circa un metro di altezza fu fuso in bronzo dopo la scomparsa del maestro. Rappresenta una figura stante, nella tipica postura di attesa delle ballerine. Il bronzetto ci trasmette una forte sensazione di realismo, data dal sapiente uso del modellato e dall'utilizzo, per il tutù, per il corpetto e per il nastro dei capelli, dei veri materiali di cui sono fatti nella realtà per le ballerine, quali il tulle e il raso. La novità di questo artista sta proprio nell'usare nelle sue opere realmente degli oggetti del quotidiano che rendono particolari tutti i suoi lavori.

Degas

Sempre in questo periodo emergono i tratti più originali dell'artista che risiedono nel taglio netto e scosceso delle sue inquadrature, nelle prospettive oblique, nelle angolazioni dall'alto verso il basso ispirate alla fotografia, alla quale era particolarmente interessato.

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Fu nel 1895 che egli invitò una ballerina nel suo studio e la ritrasse in varie pose, il risultato di questo lavoro furono tre lastre che, in seguito, Degas sovrappose e combinò, dando vita, nel 1987 al dipinto “Ballerine dietro le quinte”, ora conservato presso il Museo Puškin di Mosca.

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”Ballerine dietro le quinte” è realizzato con la tecnica del pastello della quale il pittore francese si avvale con una maggiore frequenza già dalla metà degli anni settanta.I colori brillanti utilizzati creano una ottima combinazione cromatica con vistose variazioni nei toni principalmente del blu, dell’ocra, del marrone mettendo in risalto, attraverso l’ausilio del pastello, le linee del corpo delle ballerine.

Degas riporta nel dipinto l’atto di quattro ballerine, totalmente ignare dello sguardo esterno, di sistemarsi i costumi teatrali ma riproduce la scena sulla tela creando una sorta di danza, con volteggi di arti e busti e, al contempo, conferendo all’azione una carica di dinamicità mista ad eleganza e grazia. Il dinamismo è determinato anche dal fatto che le quattro ballerine sono disposte in forma circolare.

Degas

Il tema delle corse è ricorrente nell'opera di Degas, un artista che si ispira alla vita quotidiana dei suoi contemporanei. Questo fatto consente al pittore di affrontare un soggetto tradizionale, come quello dei fantini e delle corse di cavalli, trasferendolo in un contesto moderno. Infatti, è proprio durante la seconda metà del XIX secolo che i campi da corsa diventano un luogo di socializzazionemolto alla moda. I borghesi parigini come Degas vi condividono la loro passione per questo svago di origine britannica e aristocratica. Degas è altresì attratto da questo tema per le possibilità che lo stesso offre di studiare le forme e il movimento.

Degas

Morì nel 27 settembre del 1917 e a quel punto, poteva dirsi conclusa la stagione Impressionista.Ancora oggi Degas non riscuote particolare consenso fra il pubblico e la critica, per il fatto che le sue opere con difficoltà possono essere iscritte in uno schema prestabilito; ma viene tuttavia riconosciuto come capofila degli impressionisti e sconcerta per il suo equilibrio tra modernità e tradizione.

Renoir

Pierre Auguste Renoir nasce il 25 febbraio 1841 a Limoges.Il padre è sarto e la madre lavora in una fabbrica di abbigliamento.Nel 1844 la famiglia si trasferisce a Parigi. Nel 1860 comincia a frequentare il Louvre come copista, ammira Rubens e il settecento francese, infatti egli è meno disposto di altri suoi colleghi ad accantonare l’eredità del passato .

Nel 1862 è ammesso all'Ecole Imperiale e Speciale des Beaux-Arts; in questo anno stringe amicizia con i futuri artefici dell'impressionismo, con i quali intraprende le prime sedute di pittura en plein air.

Frequenta il cafè Guerbois, punto di ritrovo di artsiti e letterati, dove conobbe anche personaggi come Manet, Degas e Cézanne.

Renoir

Nell'estate del 1869 Renoir dipinge insieme a Monet, en plein air, La Grenouillere, una balera con annesso uno stabilimento balneare sulle rive della Senna. (La Grenouillere).I punti di vista dei due autori cambiano ogni volta, suggerendo una rispondenza tra la visione di ciascuno e la trasposizione pittorica della scena.I due artisti attuano uno studio degli effetti che gli elementi atmosferici hanno sulle forme e colori e del riflesso dei corpi e della luce sull'acqua. I tocchi di pennello sono regolari ed insistiti per Monet e soffusi e diversamente direzionati per Renoir.

Monet, La Grenouillere Renoir, La Grenouillere

RenoirLa leggera increspatura dell'acqua è resa dall'azzurro, dal rosa, dall'ocra e dal bianco.Renoir frammenta la luce in piccole chiazzettedi colore, conferendo all'insieme una sensazione di vivacità.I colori di Renoir sono brillanti, in continuo e mutevole rapporto fra loro, sensibili al filtraggio della luce solare attraverso le fronde degli alberi; infatti egli affermava che "nessuna ombra è nera. Ha sempre un colore. La natura conosce soltanto i colori: il bianco e il nero non sono colori."Utilizzano entrambi pennellate ricche di colore e ben divise; non vi sono contorni, forme definite e oggetti distinti.Renoir non rinuncia a dipingere gli atteggiamenti delle persone che frequentano i bagni: gli abbigliamenti, le azioni; Monet, al contrario, riduce le persone a macchie di colore variamente disposte nello spazio, concentrandosi maggiormente sulla struttura compositiva dell'opera, infatti egli allontana prospetticamente l'isolotto centrale per dare una visione d'insieme.

Renoir

Nel 1872 si reca spesso da Monet, con il quale si occupa di pittura en plein air. Uno dei soggetti preferiti da Renoir in questo periodo è Camille Monet con il figlio, i soggetti divengono parte integrante della natura, i riflessi del sole sulle figure vivono sulla tela.

Renoir, Camille Monet e suo figlio Jean in giardino ad Argenteuil, 1874

Renoir

Il 1874 vede l'inaugurazione della mostra presso Nadar, Renoir vi espone sette quadri, tra cui Il palco. Egli è particolarmente felice di cogliere i tratti della femminilità e ricerca un linguaggio sereno e leggero privo di sforzo apparente che rimandi allo spettatore una sensazione di felicità.

«Peccato che il pittore [Renoir] che pure ha un certo gusto del colore, non disegni meglio» avrebbe commentato Louis Leroy

Renoir

«Dispongo il mio soggetto come voglio, poi mi metto a dipingerlo come farebbe un bambino. Voglio che il rosso sia sonoro e squillante come una campana, quando non ci riesco aggiungo altri rossi ed altri colori finché non l'ottengo. Non ci sono altre malizie. Non ho regole nè metodi; chiunque può esaminare quello che uso o guardare come dipingo, e vedrà che non ho segreti. Guardo un nudo e ci vedo miriadi di piccole tinte. Ho bisogno di scoprire quelle che fanno vibrare la carne sulla tela. Oggi si vuole spiegare tutto. Ma se si potesse spiegare un quadro non sarebbe più arte. Vuole che le dica quali sono, per me, le due qualità dell'arte? Dev'essere indescrivibile ed inimitabile ... L'opera d'arte deve afferrarti, avvolgerti, trasportarti»

Renoir

Si tiene una personale di Renoir nei locali della rivista "La Vie Moderne", che permette di accrescere il suo successo. Anche se riceve diverse commissioni per ritratti, non abbandona la pittura en plein air.

Renoir

Renoir

L'esigenza di nuovi spunti paessaggistici lo porta a compiere un viaggio ad Algeri nel 1881.

Renoir

Emile Zola provocò gli impressionisti dicendo che essi restavano inferiori all'opera che stavano tentando, balbettando senza poter trovare la parola; Renoir rispose alla provocazione cercando la formula di un linguaggio capace di fissare sulla tela e nel tempo un soggetto di vita contemporanea.

Renoir

La Colazione dei canottieri di Renoir rappresenta una colazione al ristorante La Fournaise a Chatou, un villaggio vicino a Bougival.

I frequentatori sono soprattutto sportivi, che si riposano in compagnia di amici dopo aver vogato in canoa.La scena rappresenta vari personaggi, nella veranda del locale, che discorrono insieme dopo aver mangiato.

Si tratta di un dipinto realizzato en plein air, infatti l'artista abbozzò l'opera dinanzi agli stessi tavolini.

La donna in primo piano, che ha tra le mani un cagnolino, e' Aline Charigot, futura moglie di Renoir. La luce è molto chiara e inonda la scena di riflessi dorati, ai quali si contrastano i toni verdastri dello sfondo.

Renoir

Renoir pone molta attenzione sui colori che, sapientemente accostati (caldi e freddi, primari e complementari, chiari e scuri), danno volume e prospettiva.

L'opera è da un lato, rigorosamente costruita secondo una visione d'insieme, dall'altro, Renoir studia approfonditamente le singole forme, che appaiono accuratamente strutturate.

La composizione è studiata: Renoir inserisce le figure nello spazio della terrazza, chiusa da una balaustra e da esili strutture di ferro che sorreggono una tenda; la tavola scandisce il taglio diagonale dell'immagine e conferisce profondità. Benché non vi siano contorni, le figure emergono chiare e distinte, acquistano una solidità e una determinatezza più classica.

Renoir

Renoir, nella rappresentazione dell'apparecchiatura del tavolo, ripropone una superba natura morta: vi sono presenti leggeri cristalli, frutta (nella quale rappresentazione Renoir ha preso qualche libertà artsitistica, dipingendo frutta autunnale in un contesto estivo), infine vi sono elementi molto naturalistici come le briciole di pane e il tovagliolo adagiato sulla tovaglia.

Renoir

Renoir

Il celebre dipinto Bal au Moulinde la Galette fu abbozzato en plein air, ma terminato in atelier da Renoir. Fu realizzato nel 1876 ed esposto, l'anno successivo, alla terza esposizione impressionista, l'ultima alla quale Renoir partecipò.La scena ritrae un ballo popolare all'aperto al Moulin de la Galette, un vecchio mulino abbandonato. Il nome del locale fa riferimento ai dolcetti che venivano offerti come consumazione, compresi nel prezzo d'ingresso di 25 centesimi.

RenoirTramite un uso innovativo del colore, Renoir risce a trasmettere, oltre all'idea di movimento, anche lo stato d'animo gioioso delle persone presenti al ballo, riesce a riportare quella gioia di vivere, tipicamente parigina, che coinvolge anche le classi popolari.La forma e il colore diventano un tutt'uno: la forma è costituita attraverso il colore, che assume un rilievo diverso in relazione a luci e ombre, toni caldi e freddi.In questa tela Renoir approfondisce la tecnica delle ombre colorate e l'accostamento di piccoli tocchi di colore puro, che si combinano nell'occhio dello spettatore, dando la sensazione di una brillante e vibrante luminosità.Ad esempio, nelle due coppie che ballano, rappresentate sulla sinistra, gli abiti delle donne spiccano in contrasto con gli abiti maschili, a causa della diversa luminosità.

Renoir

E' costante nelle opere di Renoir lo studio dell'effetto della luce solare, che passa dalle fronde degli alberi, su personaggi ed ambienti: per la cui rappresentazione si serve di una pennellata leggera, a tocchi paralleli, con i contorni sfumati, che dona alle figure una grazia particolare.Attraverso lo studio dei classici, Renoir attua uno studio sulla composizione: benché non vi sia un soggetto principale, nessun personaggio è isolato, ognuno è posto all'interno di un gruppo determinato.

L'insieme dei gruppi determina la profondità della scena, non vi è, infatti, disegno.I bordi sono tagliati di netto, in modo da suscitare la sensazione che la scena continui al di là dei limiti del quadro, infatti i margini della tela sembrano corrispondere ai confini del campo visivo del nostro occhio.

Renoir

Tra il 1881 e il 1882 Renoir oltre a visitare l’Algeria si sofferma anche in Italia, come sognava da lungo tempo, per studiare dal vero la pittura rinascimentale.

L'incontro con i Grandi Maestri italiani ha un'influenza enorme su Renoir che in breve tempo si allontana dallo stile degli impressionisti per seguire l'intima esigenza di studiare le forme, tanto da farle sembrare modellate, scultoree addirittura..

Tormentato da un sentimento di insufficienza, pensando di non saper "né dipingere, né disegnare", Pierre Auguste Renoir si concentra sulla qualità del disegno, sulla raffigurazione dei dettagli per rendere più precisi i contorni delle forme.

Renoir

Per risolvere quest'impasse Renoir si distaccò dall'Impressionismo e inaugurò la sua fase «aigre» o «ingresque».

Conciliando il modello raffaellesco con quello ingresiano, conosciuto e amato sin dagli esordi, Renoir decide di superare quella vibrante instabilità della percezione visiva di matrice impressionista e di approdare a una pittura più solida e incisiva.

Per sottolineare la costruttività delle forme, in particolare, egli recuperò un disegno nitido e preciso, un gusto attento ai volumi, alla solidità dei contorni, alla monumentalità delle immagini, a una progressiva castigatezza del colore.

Egli, inoltre, abbandona il plein air e ritorna a elaborare le proprie creazioni negli atelier.

Renoir

Renoir nel 1897 subisce la frattura di un braccio cadendo dalla bicicletta, da questo momento comincia il corso della malattia che lo porterà alla paralisi.Questi sono gli anni dei grandi nudi, sontuosi e ricchi di colore e luce ottennero il riconoscimento della critica.

Riceve inviti per molte mostre internazionali, mentre lo storico Meier – Graefe pubblica la sua prima monografia.Si trasferisce nella tenuta di Les Collettes, dove rimarrà fino alla morte.Nonostante l’artrite che lo costringe su una sedia a rotelle, non ferma mai il suo lavoro: dipinge ritratti della sua famiglia e continua a rappresentare nudi femminili, Renoir stesso afferma che “la sofferenza passa, la bellezza rimane”; il dolore, infatti, affina la sensibilità dell’artista.

Renoir

Le BagnantiQuesto quadro è emblematico delle ricerche che Renoir portò avanti verso la fine della sua vita. A partire dal 1910, l'artista ritorna su uno dei suoi soggetti preferiti: la raffigurazione di nudi en plein air ai quali riserva quadri di grande formato. Renoir celebra in queste opere una natura atemporale, dalla quale è bandito ogni riferimento al mondo contemporaneo. Le bagnanti possono così essere considerate come il testamento pittorico di Renoir, che muore nel dicembre 1919.

Renoir

Le due modelle distese in primo piano e le tre bagnanti che si intravedono giocare sullo sfondo della composizione hanno posato nel grande giardino piantato ad ulivi delle Collettes, dimora che il pittore possedeva a Cagnes-sur-Mer nel Sud della Francia. Il paesaggio mediterraneo si riallaccia alla tradizione classica dell'Italia a della Grecia, quando "la terra era il paradiso degli dei". "Ecco quello che voglio dipingere", era solito ripetere Renoir. Questa visione idilliaca è caratterizzata dalla sensualità dei modelli, la ricchezza dei colori e la pienezza delle forme.

Renoir

Le bagnanti devono molto ai nudi di Tiziano e di Rubens, tanto ammirati da Renoir. Esse traducono quella gioia di dipingere che, tuttavia, non è riuscita a sconfiggere né la malattia, né le sofferenze che il pittore ha dovuto patire alla fine della sua vita.

Renoir

Allo scoppio della guerra i due figli vengono reclutati e feriti, negli stessi anni muore la moglie.

Renoir, benché solo, continua a lavorare, soprattutto alla scultura.Muore nel 1919.