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161

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for you!

AKRAM KHAN

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ROEL VOORINTHOLTINTRODANS

ANGELIN PRELIOCAJUnd dann tausend Jahre Ruhe

TRAUMROLLEN: Armand, La Sylphide, Onegin

Home Wir über uns AGB Größen und Farben

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UND WIE GEFÄLLT IHNEN DAS?

WAS TANZ BEWEGT

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InhaltContents On the cover: La Morte del Cigno, Zachary Chant, Ch. Mauro de Candia © Hans Gerritsen

PEOPLE8. Abstrakt und Exakt.

Interview mit Lucinda Childs anlässlich ihrer Premiere von STERREN&STREPEN in Arnheim

10. INTRODANS - Damals und Heute. Interview mit Roel Voorintholt, Artistic Director von Introdans

13. Interview mit Simona Noja, Leiterin der Ballettschule der Wiener Staatsoper

14. “The notion of something bigger than us” - Akram Khan speaks about “Vertical Road” and the demands on his dancers

SPEZIAL16. Männer im Ballett (Teil II).

Tänzer der Gegenwart über ihren beruflichen Werdegang und die Akzeptanz der Gesellschaft

20. Hand in Hand mit der Musik, unermüdlich im Einsatz für den Tanz – Maija Plissezkaja zum 85. Geburtstag

25. SIXT SPEZIAL: Gibt´s denn da keine Freikarte?

DANCEFORYOUFORKIDS

28. Schwäne im Ballett

BÜCHER30. Tamara Karsavina: “Diaghilev’s

Ballerina”

BALLROOM32. Stuttgarter German Open:

Bestes Tanzen und Weltniveau

GROSSEROLLEN35. TRAUMROLLEN:

Armand, La Sylphide, OneginFast jeder Tänzer träumt irgendwann von einer ganz bestimmten Rolle. Was reizt die Tänzer an dieser Figur?

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Inserenten-Index Ausgabe 5/2010

Wo steckt die choreografische Herausforderung? Und wie fühlen sie sich dabei? In diese Ausgabe: Thiago Bordin, Hélène Bouchet, Rex Harrington

SZENEINTERNATIONAL

38. Die Apocalypse als Quelle der Interpretation. Gespräch mit Angelin Preliocaj über seine Création 2010

41. No ballet – aber viel innovativer Tanz aus aller Welt. Der 5. Internationale Choreografie-Wettbewerb Ludwigshafen

42. Jochen Ulrich´s Anna Karenina in Linz

43. ”Vuurvogel” à la Goecke, ein Nijinsky-Ballett von Krzysztof Pastor und Nanine Linning als ihre eigene Interpretin

44. Introdans: Stars&Stripes. Van Manen, Childs, de Candia & Gisela Rocha

45. Stijn Celis „Undine“ in Essen

46. Nanine Linnings ”Madama Butterfly” als Tanzoper

47. Molière und Henze: Das Ballett Hagen ehrt zwei Künstler zugleich

48. Faszinierend und bewegend: Akram Khans „Vertical Road“ bei der Ruhrtriennale

3-7. Start-up

5. Editorial

22-24. Kalender – Performance Diary

27. Schulindex – School Directory

29. Bücher und DVD´s

InhaltContents

Inhalt-Fotos: Thomas Kirchgraber, Richard Haughton, Enrico Nawrath, Universum Film, NO Ballet, Kalle Kuikkaniemi, Hans Gerritsen, Foto Kühle, JC Carbone, Mario Perricone

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Wie kaum ein anderer hat Ismael Ivo die Entwicklung des internationalen modernen und zeitgenössischen Tanzes mitgeprägt. Dass Brasilien das auch zu schätzen weiß, zeigt es nun mit einer großen Ehrung an den aus Brasilien stammenden Künstler: Am 2. Dezember 2010 wird Ismael Ivo, Tänzer, Choreograf, Mitbegründer des ImPulsTanz - Vienna International Dance Festival - und Direktor der Tanz-Biennale Venedig die höchste kulturelle Auszeichnung Brasiliens zuteil: Staatspräsident Luiz Inácio Lula da Silva und Kulturminister João Luiz Silva Ferreira überreichen ihm im Teatro Municipal in Rio de Janeiro den Ordem do Merito Cultural do Brasil.

Der 1955 in São Paulo geborene Ismael Ivo studierte erst soziale Studien, Psycholgie und Philosophie, ehe er 1976 parallel mit einer Tanzausbildung im Dance Center Ruth Rachou (São Paulo) begann. Seine Weltkarriere startete er 1983 am Alvin Ailey Dance Center in New York. 1984 rief er gemeinsam mit Kulturmanager Karl Regensburger die Internationalen Tanzwochen Wien ins Leben, die sich im Laufe der Jahre zum größten Tanzfestival Europas ent-wickeln sollten - ImPulsTanz. Zu seinen künst-lerischen Höhepunkten zählen unter anderem seine Welterfolge “Francis Bacon” (1993) und “Othello” (1995), jeweils unter der Regie von Johann Kresnik, die Arbeit mit George Tabori in “Moses und Aron” sowie die gemeinschaft-liche Choreografie und Tanzperformance mit Márcia Haydée in “Tristan und Isolde” 1999 und die Wiederaufnahme seiner Zusammenarbeit mit dem Pianisten Takashi Kako in “Apocalypse”

unter der Regie von Ushio Amagatsu (2006). 1997 bis 2000 leitete er das Tanztheater am Deutschen Nationaltheater in Weimar. Seit 2005 ist er Direktor des Tanzfestivals im Rahmen der Biennale di Venezia.

Ismael Ivo erhielt die erfreuliche Nachricht über diese Ehrung während der Proben für sein neues Stück mit der Compagnie des Teatro Castro Alves, Salvador Bahia, in Brasilien. Das Theater hat eine besondere Bedeutung für den Künstler: eben-dort sah Alvin Ailey 1981 die Solo Performance des damals 26-jährigen Tänzers und bot ihm ein Stipendium im bekannten Alvin Ailey Dance Center in New York an - ein wesentlicher Schritt für seine weitere internationale Karriere. Ismael Ivo wird den Orden am 2. Dezember 2010 im Rahmen einer Zeremonie im Teatro Municipal in Rio de Janeiro persönlich überreicht bekommen.

start-up

Ariana Lallone

Ismael Ivo

Pacific Northwest Ballet Artistic Director Peter Boal and Chairman of the Board Aya Hamilton have announced that principal dancer Ariana Lallone will be leaving the company at the end

of the 2010-2011 season, following a 24-year career with PNB.

The announcement was made during this evening’s Board of Trustees meeting. “On behalf of the board of PNB, it is with mixed emotions that we acknowledge Ariana’s final season at PNB,” said Ms. Hamilton. “Ariana is an extraordinary dancer, an earnest PNB advocate, and a true friend. We hope all of her many admirers will be with us throughout the season as we look for ways to honor Ariana’s glorious career and celebrate her truly unique imprint on PNB.” Lallone joined the PNB com-pany in 1987 (after a year in Pacific Northwest Ballet School), and very quickly made her mark as a dancer with a “singular style,”. “Ariana Lallone is at the very core of Pacific Northwest Ballet,” said Mr. Boal. “As perhaps the most admired and identifiable presence onstage and off, we know that no one will match her contribution to our company.

Looking back on a career filled with memorable performances in the finest classical and contempo-rary roles, it was difficult for me to make the decision to have this be her farewell season. Over the next nine months, Ariana will dance roles which she defined for PNB in works by Kylian, Duato, Tharp, Morris, Stowell, and Balanchine. Her career as a unique and accomplished ballerina is one for us to celebrate: Her fans are many for her onstage contributions, but she also deserves recognition for her tireless offstage advocacy and devotion to PNB. We will savor her performances this season and salute the extraordinary career of this powerful artist.”

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ISSN 1613-8988

Herausgeber / Publisher: MIVI VerlagMainberger Str. 12, 97422 Schweinfurt, GermanyTel: +49 9721/7309595 Fax: +49 9721/188001


Redaktion / Editor:Mihaela Vieru, Isabell Steinbö[email protected]

Ständige Korrespondenten,Permanent correspondents:Jason Beechey, Judith Percival, Volkmar Draeger, Julia Gaß, Claudia Gass, Oliver Peter Graber, Dagmar Klein, Thomas Kirchgraber, Ute Fischbach-Kirch-graber, Michael Crabb, Marieluise Jeitschko, Lucia Lacarra, Christine Lehmann, Silvia Plankl, Vesna Mla-kar, Stefan Sixt, Hartmut Regitz, Gunild Pak-Symes, Jane Simpson, Karin Schmidt-Feister, Nicolae Vieru, Hans-Theodor Wohlfahrt.

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Leser-Service, Info/ subscription, infoTel: + 49 9721/7309595; Fax: +49 9721/188001E-Mail: [email protected]

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impressum


Forschungsprojekt Jiri Kylián bei Codarts in Rotterdam

Ab September 2010 leitet der Choreograph Jiri Kylián mit einer Professur ein vier-jähriges Forschungsprojekt bei Codarts (Universität der Künste, einschließlich der Rotterdam Tanz Akademie) in Rotterdam. Wissenschaftlich begleitet von Dr. Friederike Lampert und Dr. Désirée Staverman wird Kylián zusammen mit Künstlern aus verschiedenen Disziplinen eine breite Auswahl von tanzrele-

vanten Themen untersuchen. Das praxisgeleitete Forschungsprojekt soll nicht nur das Tanzwissen von Studenten und Dozenten von Codarts erweit-ern, sondern gleichzeitig die Ergebnisse für wis-senschaftliche Interessen verbreiten. Es ist das erste Mal, dass ein renommierter Choreograph sich in dieser Weise mit einer Ausbildungsinstitution verbindet. Die Zusammenarbeit ist ein wichtiger Schritt für diese Kunstform und wird einen großen Einfluss auf die Tanzausbildung haben – nicht nur bei Codarts, sondern auch für die profes-sionelle Tanzausbildung im Allgemeinen. Ziel des Forschungsprojektes – namens One Of A Kind – ist es, auf einen größeren Kontext von Tanz zu

verweisen und diesen praxisnah zu vermitteln. Künstler und Theoretiker mit interdisziplinärem Hintergrund werden eingeladen, Workshops und Vorträge zu geben, um so ihr spezifisches Wissen auszutauschen. Themen, wie der Ausdruck des Körpers verschiedenen Alters, Stimme und gesprochenes Wort, Musik, Bühnenbild, Architektur, Kostüm, Photographie, Videokunst und Lichtdesign werden eingehend während des Forschungsprojektes untersucht. Das Projekt soll in Buchform und auf DVD dokumentiert werden.

Nach seinem Ausscheiden beim Bayerischen Staatsballett war und ist Alen Bottaini in Griechenland, Japan und China intensiv und erfolgreich tätig. Unter den Preisen, die ihm während der letzten Monate verliehen wurden, ist auch der Grand Prix Giuliana Penzi seiner Heimat Italien.

Bereits zum zweiten Mal wurde Bottaini mit dem Premio Positano „Léonide Massine“ ausgezeich-net, der seit 1969 ausgelobt wird. In diesem Jahr gingen die Verdienstpreise (Premi al Merito) an Pasquale Ciciretti, Mary Falcade und Ertugrel Gjoni (alle-samt Solisten am Teatro di San

Carlo), sowie Damiano und Paolo Mongelli (Solisten am Teatro dell’Opera di Roma).

Die Preise für die künstlerische Bedeutung (Premi al Valore) wur-den neben Bottaini an Thiago Bordin und Joëlle Boulogne (Hamburg Ballett), Oksana Kucheruk und Igor Yebra (Ballett der Opéra in Bordeaux), François Mauduit (Gründer der Compagnie Chorégraphique François Mauduit) und Vito Mazzeo, Primoballerino der Oper in Rom vergeben. Einen Spezialpreis erhielt Heinz Spoerli für sein choreografisches Werk.

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Probably more than any other ballet, Petipa’s “Swan Lake” has been re-cho-reographed, revised, shortened and given an ending that suits the re-stag-er’s current production. Balanchine just had the swans run off at the end, while some directors have the Prince and the Swan Queen commit suicide together by jumping into the lake, while other versions have them destroy the evil sor-cerer who cast a spell on the Princess who became a swan, and yet another ending found the Prince and swan dis-appearing into a cave.

“Swan Lake,” as re-choreographed by Matthew Bourne for his all-male version (including 5 female roles) comes up with yet another ending. Bourne, the U.K.’s most popular choreographer-director, with this production created the longest run, won a five-time Olivier Award, a Tony Award and recently played 5 weeks in New York’s City Center Theater. The production is in its fifteenth year Bourne, with his U.K. and Edinburgh training, keeps to the classical pedagogy as a basis and retains the two most impor-tant pillars of the work: the Tchaikovsky score and the story line...somewhat altered, but there for all to remember the work as we have seen it all our ballet-going lives. There isn’t a pointe shoe in sight except for an excerpt for an excerpt “spoof” section. All have had impressive schooling in dance, with a disciplined performance of consistent training seen only in the Russian compa-nies. The production starts out with the

birthday of the Prince, who is ready to choose a princess to this liking—and the queen-mother’s. Bourne introduces the birthday prince in his royal chamber, in a huge bed with hidden trap doors that support his delusion of an enchanted princess, the swan queen. The familiar Prince’s tutor (known as a private secre-tary in this production) was performed by Ashley Bain, whose Royal Ballet train-ing gives him not only a mesmerizing presence in the role, but (like so many British performers) is someone with an impressive background in drama. But it is the overpowering entrance of 38 males dressed in feathered chaps with bare chests and shaved heads who are the swan corps that is retained in unfor-gettable memory. Bourne avoids being “cute” as some British choreographers seem to be, and presents his work in a straightforward manner.

The dancers are mature, dedicated and the production runs with a seldom-seen smoothness. Omissions include the eth-nic dances, as they are omitted in so many productions, probably because “character dance” is seldom taught today. The interpolated scenes are con-temporary, for the most part, amus-ing, when necessary and not distract-ing from the original premise of a new “take”on the classic.

The ending? Ah yes. Bourne has his own ending and returns the Prince to his chamber with an indication that the Prince is a bit delusional. Never mind, we knew that all along. Next Bourne production will be “Cinderella” to com-memorate the 70th anniversary of the London blitz coming up later this year.

Marian Horosko (New York)

SWAN LAKE

editorialLiebe Leser,

wer an Balletttänzer denkt, hat hartes Trai-ning vor Augen, eiserne Disziplin und un-bedingte Hingabe. An Diskriminierung oder Spießrutenlaufen in der Gesellschaft denkt man dagegen kaum. Schon gar nicht bei so wunderbaren Tänzern wie Mikhail Kaniskin, Leonard Jakovina oder gar dem Star-Inten-danten, Vladimir Malakhov, vom Staatsbal-lett Berlin. Doch so rosa-rot wie Ballett mit-unter scheinen will, ist es in der Realität eben selten. Im Interview mit Volkmar Draeger ha-

ben diese Tänzer von ihrem Leben erzählt... Wohl fast jeder Tänzer träumt irgendwann von seiner Lieblingsrolle, in einem Stück, das ihn vielleicht sogar berühmt macht. Wir haben mit Thiago Bordin und Hélène Bochet vom Hamburg Ballett sowie mit Rex Har-rington, ehemals Star des National Ballet of Canada, gesprochen und sie ihre Traumrolle beschreiben lassen. Wir wollten wissen, was technisch besonders anspruchsvoll ist, wo die Herausforderung steckt und wie sich die Tänzer dabei auf der Bühne fühlen.

Dass Lucinda Childs einmal weltberühmt werden würde, hätte man Ende der 1970er

Jahre wohl kaum vermutet. Jetzt ist ihr Werk „Dance“ wieder auf der Bühne zu sehen, rekonstruiert von Introdans in Arnhem. Mit dance for you sprach die Choreografin über den Einsatz medialer Technik im zeitgenös-sischen Tanz und über die Postmoderne der New Yorker Tanzszene.

Vielleicht proben Sie in Ihrer Ballettschule ja auch gerade an einem Weihnachtsmärchen? Dann lesen Sie doch Stefan Sixt´s Kolumne. Die spricht Ihnen bestimmt aus dem Herzen.

Eine gute Zeit wünschtIhre dance for you - Redaktion

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Acclaimed British choreographer Wayne McGregor’s dynamic style and ground-breaking collaborative approach across dance, film, music, visual art, technology and science has seen him create an exceptional body of interdisciplinary works over the years. A Sadler’s Wells Associate Artist, his latest work FAR is performed at Sadler’s Wells from Wednesday 17 to Saturday 20 November, fol-lowed by a UK tour in Spring 2011.

Inspired by the controversial Age of Enlightenment and by the 18th cen-tury French philosopher Diderot’s very first set of encyclopaedia, FAR mines an era that first placed ‘a body in question’. Ten company dancers from Wayne McGregor | Random Danceconfront the distortions, sensuality and feeling of the 18th Century’s searing contemporary sen-sibility, to a new, haunting score by the critically-acclaimed composer Ben Frost. Staged in a mesmerising environment of shadow and light designed by rAndom International and Lucy Carter, object and film designed by Moritz Junge and Ravi Deepres, FAR binds cutting edge design with choreography made from a radical cognitive research process.

Change is in the air at The Australian Ballet, with Artistic Director David McAllister announcing a series of exciting promotions. An unprecedented 15 dancers have been elevated for the 2011 season, demonstrating the wealth of talent at the company. Juliet Burnett, Tzu-Chao Chou and Ty King-Wall are leading the charge, with all three set to become senior artists in the New Year. Tzu-Chao has been dancing with The Australian Ballet since 2005. A Telstra Ballet Dancer Award nominee in 2008, he is known for his incredible jumps and athleticism onstage. Tzu-Chao was promoted to soloist in 2008 and worked closely with Wayne McGregor in 2009, dancing a major role in Dyad 1929. The youngest soloist to be promoted is Ty King-Wall, who joined the company in 2006 and has rapidly risen through the ranks. Promoted to soloist at the beginning of 2010, Ty also performed the principal role of Octavian in The Silver Rose and is currently vying for this year’s Telstra Ballet Dancer Award. Joining these dancers on the rise are Ben Davis, Amy Harris, Rudy Hawkes, Robyn Hendricks, Brett Simon, Jacob Sofer

Rising through the ranks at The Australian Ballet

Der Münchner Kulturreferent Küppers hat ein Herz für den tänzerischen Nachwuchs. Vorbildlich unterstützt das Referat seit 3 Jahren die insbe-sondere durch einen Mietzuschuss, mit dem die Iwanson-Sixt-Stiftung einen Proberaum für den tänzerischen und choreographischen Nachwuchs finanziert. Doch damit soll jetzt Schluss sein.

Die Stadt München muss sparen. Und das, obwohl die Stiftung eine brillante Erfolgsbilanz vorzu-weisen hat: Eine große Zahl von Aufführungen, Publikumszahlen wie sie im Tanz nur selten zu sehen sind, Präsenz auf internationalen Festivals, Wettbewerben – und eine gute Presse! Hochrangige Münchner Tanzpersönlichkeiten unterstützen Stiftungschef Sixt in seinem Bemühen, zumindest ab 2012 wieder eine Förderung zu erreichen.

„Klar, dass auch wir beim Sparen helfen müssen; wir setzen die Isadorapreis-Verleihung um ein Jahr aus, bringen Eigenmittel auf und planen eine Benefizveranstaltung“ meint Sixt. „Aber auf die lange Sicht sind wir auf die Förderung angewiesen. Kein Tanz ohne Raum!“

and Andrew Wright, who will all climb to the position of soloist from coryphée.

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Ty King-Wall The Silver Rose © David Kelly



8. Internationales Jugendtanzfestival in Berlin 16.02. - 20.02.2011Mehr als 600 junge Tänzerinnen & Tänzer aus 30 Nationen in Berlin! Der Tanzolymp wird immer größer: Waren es im Gründungsjahr 2004 noch 380 Teilnehmer, werden 2011 mehr als 600 junge Tänzerinnen und Tänzer in Berlin erwar-tet. Die ausgewählten Teilnehmerinnen und Teilnehmer kommen sowohl von staatlichen als auch von privaten Schulen und sind im Alter zwischen 10 und 21 Jahren. Im kommenden Februar erwarten uns Beiträge aus 30 Ländern. Zum ersten Mal dabei sind Tänzer aus Venezuela, Paraguay, Thailand und Malaysia.

Das Festival gilt inzwischen unter Künstlern und Fachleuten international als „Börse“ für junge Talente. Hier treffen Intendanten auf Tänzer, Tänzer auf Förderer, Ausbildungsstipendien werden vergeben, Kontakte geschmiedet, zukünftige Karrieren entstehen. Höhepunkt und Abschluss des Festivals ist die Gala am 19. Februar 2011 im Admiralspalast Berlin. Der Abend ist ein Zusammenschnitt mehrerer Gewinner jeweiliger Kategorien, den schön-sten Beiträgen der Wettbewerbstage. Neben den jungen Festivalteilnehmern treten internationale Stargäste der Berliner Ballettszene auf. Mehr Informationen unter: www.tanzolymp.com

Since relocating to Lincoln Center in 1964, NYCB has begun its performance season in November with an annual Opening Night Benefit and performances of George Balanchine’s The Nutcracker™, followed by an eight-week Winter Repertory Season. Until 1994, NYCB also performed several weeks of repertory in November, prior to the start of the Nutcracker season, but the 2010 Fall Repertory Season will mark the first time the Company has performed at Lincoln Center during September and October, the traditional start of the cultural season in New York City. Following the Fall Repertory Season, which runs from September 14 through October 10, NYCB will next perform its annual holiday season of George Balanchine’s The Nutcracker™, from November 26 through January 2, followed by the Winter Repertory Season, January 18 through February 27, and the Spring Repertory Season, May 3 through June 12. During the course of the 2010-2011 season NYCB will perform 64 different ballets including 34 works by George Balanchine and 14 works by Jerome Robbins, NYCB’s co-founding cho-reographers. The season will also include seven works by NYCB’s Ballet Master in Chief Peter Martins, including his full-length staging of Tschaikovsky’s Swan Lake. Other choreographers represented during in the 2010-2011 season will include Benjamin Millepied, who will present a New York premiere during the Fall Repertory Season; acclaimed Broadway director and choreographer Susan Stroman, who will create a new work for the Winter Repertory Season; and Lynne Taylor-Corbett, who will create a new production of Kurt Weill and Bertolt Brecht’s The Seven Deadly Sins, featuring two-time Tony Award winner Patti LuPone in her New York City Ballet debut. In addition, the 2010-2011 season will also feature ballets by choreographers Mauro Bigonzetti, Wayne McGregor, Alexei Ratmansky, and Christopher Wheeldon.

Rising through the ranks at The Australian Ballet

NEW YORK CITY BALLET

founded and directed by Valentina Kozlova added to its list of awards the Liepa Prize, named for Maris Liepa, legendary dancer, choreographer and teacher at the Bolshoi Ballet.

The Maris Liepa Fund, directed by Liepa’s children Andris and Ilze, was established for the purpose of preserving and celebrating the beauty of classical ballet. Andris Liepa, former principal with the Bolshoi Ballet and one of the judges of the new BIBC, will present the award to an outstanding dancer of his choice.

BIBC announces other special prizes: schol-arships to ballet schools to be announced, and a contract with the Washington Ballet II, under the direction of Septime Webre, who will also act as a judge. The first BIBC will take place May 12-16 in John Hancock Hall, Boston, Massachusetts (USA). For more infor-mation please visit www.bostonibc.org

The Boston International Ballet Competition (BIBC)

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ABSTRAKT UND EXAKT

Interview mit Lucinda Childs anlässlich ihrer Premiere von STERREN&STREPEN in Arnheim

Ein sanftes Lächeln umspielt ihre Lippen, als sie mich mit ihren großen, tiefblauen Augen begrüßt. Die Choreografin wirkt beinahe irre-al, wenn sie zwischen eine Schar Introdans-Tänzer gleitet, die sich über ihre Probe an-geregt unterhalten. Sie liebt es, sich schwarz zu kleiden, schlicht, elegant doch zugleich bescheiden.

Lucinda Childs erarbeitet mit Introdans die Premiere „Dance“. Als das spektakuläre Werk zur Musik von Philip Glass mit dem Film/De-kor von Sol LeWitt im Jahre 1979 in New York uraufgeführt wurde, sprachen die dortigen Medien vom „Versagen“. Das Publikum war damals einfach noch nicht reif für ein solches Werk. Dennoch entwickelt sich die Choreo-grafin zu einer herausragenden Avantgarde-Künstlerin, als eine der wenigen Tanz- Le-genden unserer Zeit. Nur kurze Zeit danach gewinnt sie ausgerechnet mit diesem Werk den beneidenswerten Guggenheim Award.

Außergewöhnliche Arbeit leistet sie nicht nur im Tanz, sondern auch im Bereich von zeitge-nössischer Kunst und Theater. Sie arbeitet mit den ganz Großen, kreiert für das Ballett der Pariser Oper, das Pacific Northwest Ballet, das Ballett der Deutschen Oper Berlin, das Lyon Opéra Ballet, Les Ballets de Monte-Charlo und das Bayerischen Staatsballett. Ihre legendär-en Kreationen werden am Theatre de la Ville in Paris gezeigt und auf dem DANCE Festival in München. Ihr Schaffen ist so immens, dass man hier kaum Platz hat, alles aufzuführen.

Lucinda Childs beginnt 1963 ihre Karriere als Tänzerin und Choreografin als Mitglied des Judson Dance Theatre in New York. Nachdem sie 1973 ihr eigenes Ensemble gegründet hat, arbeitet sie zum ersten Mal mit Robert Wilson und Philip Glass als Tänzerin und Choreogra-fin an der Oper „Einstein on the Beach“ in New York, an deren Wiederaufnahme 1984 und 1992 sie sich ebenfalls beteiligt. Da sie von experimentellen Arbeiten überzeugt ist, arbeitet sie verstärkt im Be-reich der Oper, beispielsweise in Luc Bondys Inszenierung von Richard Strauss’ „Salome“, in der sie für die Salzburger Festspiele choreo-

Von Mihaela Vieru




graphiert oder 1999 an Verdis „Macbeth“ für die Scottish Opera. Für die Inszenierung der Nederlandse Opera „Moses und Aaron“ arbei-tet sie mit Peter Stein und führt 1995 für ihre erste Oper, Mozarts „Zaïde“, am Theater de La Monnaie in Brüssel Regie. Sie choreografiert und führt Regie für Wagners „Lohengrin“, in einer Inszenierung der Los Angeles Opera unter der musikalischen Leitung von Kent Nagano, in Glucks „Orfeo ed Euridice“ für die Scottish Opera, der Neuinszenierung von „Orfeo ed Euridice“ in Los Angeles und für „Parsifal“, 2004 am Grand Theatre de Genève. Eine außergewöhnliche Begegnung war die Zusammenarbeit mit dem legendären, russi-schen Tänzer Michail Baryshnikov, der ihr bei einem Dokumentarfilm-Projekt in New York hilft.

Lucinda Childs ist nun zum wiederholten Male in Arnhem und erarbeitet gerade die Premiere von STERREN&STREPEN. „Ich habe schon 1993 für Introdans das „Concerto“ cho-reografiert“, erzählt sie mir in einem Interview, „und ich habe die Compagnie von Anfang an in mein Herz geschlossen. Die Tänzer haben eine hohe Bewegungsqualität, sind kreativ, inspirierend, eben etwas Besonderes.“

Mit Introdans rekonstruiert Childs in diesem Jahr ihre Choreografie „Dance“, ein Stück das vor allem von der eigenen New Yorker Com-pagnie getanzt wurde und für auswärtige Künstler schwer zu erlernen ist, denn „Dance“ ist ein Experiment mit Klang und Raum, ein Multimedia-Werk, eine Kombination aus Tanz, einer Video-Projektion des verstorbe-nen Künstlers Sol LeWitt und der Musik des Komponisten Philipp Glass. Es ist ein abstrak-tes Stück, das hinter einer Art Vorhang, einem transparenten Gewebe, aufgeführt wird. Die Projektion aus dem Jahr 1979 gibt exakt die-selben Bewegungen der Tänzer wieder. An-gezogen in cremefarbenen Hemden, Hosen und Schuhen vollführen sie schnelle, athleti-sche, exakte Schritte und Sprünge, die sehr viel Konzentration abverlangen Es scheint alles irreal zu sein und man verliert schon nach einigen Momenten die Beziehung zum Raum. Faszinierend!

„Das Anspruchsvolle daran ist die Präzision. Die Tänzer müssen viel auswendig lernen, weil die Musik-Tänzer-Beziehung exakt kon-zipiert ist. Das erfordert Aufmerksamkeit, Ausdauer und ist technisch sehr schwer.“

Meinen Sie, dass der Einsatz von Technik im Theater das Medium/Mediale erweitert oder kann es auch sein, dass es vom Tanz selbst ablenkt?

In diesem speziellen Fall richtet sich die Tech-nologie vollkommen auf die Synchronisation mit den Tänzern auf der Bühne. Für mich war das die Idee für mein Dekor, die Tänzer sollten das eigentliche Dekor sein. Wir wollten nicht nur einfach Tanz mit Visueller Technologie

verbinden, das hätte kein Sinn gemacht, son-dern wir wollten etwas Neues, Anderes, au-ßerhalb der bisherigen Tanz-Inszenierungen auf einer Bühne erschaffen.

Was bedeutet Tanztheater für Sie und wie betrachten Sie Ihre Arbeit in Bezug zur Post-Moderne?

Meine Arbeit ist von Anfang an sehr konzep-tuell und komplex gewesen, und auf jeden Fall abstrakt. Es gab schon in den sechziger Jahren eine wichtige New Yorker Strömung im Tanz: experimentellen Tanz, minimalis-tische Bewegungsart oder auch die PopArt Bewegung. Sehr individuell, mit einer klaren Richtung und mit einem neuartigen Ver-ständnis für die Bewegung. Ohnehin war und ist New York das Mekka der Tanzkompagnien. Dort gibt es alles, jede Inspiration, die man überhaupt finden kann.

Sie haben bei Merce Cunningham studiert...

Er war mein wichtigster Lehrer, den ich in den 60-er Jahren am Sarah Lawrence College hatte. Der Begriff der Postmoderne kommt von ihm. Er war die große Inspiration für alle post-modernen Choreographen wie mich. Ich wurde damals in die Compagnie des Jud-son Dance Theatre aufgenommen. Für Cun-ningham war es äußerst wichtig, dass sich die Tänzer auf die Arbeit in der Compagnie fokussierten und nicht als Choreografen an anderweitigen Projekten arbeiteten. Er ermu-tigte mich insofern, meine Arbeit als Choreo-grafin anzunehmen und fortzuführen.

Was charakterisiert Ihren choreografi-schen Stil?

Das ist eine interessante Frage. Sagen wir so: In der Videoprojektion von „Dance“ füh-ren die Tänzer dieselben Bewegungen und Schritte aus, wie die Tänzer auf der Bühne. Musikalisch gesehen, sind sie genau synchro-nisiert. Jedoch wenn man es analysiert, ist der Stil der heutigen Tänzer offensichtlich un-terschiedlich zu dem der Tänzer auf der Lein-wand. Jeder Tänzer hat seine angeborenen,

stilistischen Qualitäten, die seine persönliche Identität im Tanz wiedergibt. Ich möchte auf keinen Fall, dass die heutigen die damaligen Tänzer imitieren. Sie sollen sich frei bewegen und sich eine dynamische Interpretation aneignen. Die Qualität der Bewegung durch verschiedene Interpreten schafft eine Ebene dynamischer Spannung zwischen Choreo-graf und Tänzer. Dies kann selbst neue Werke inspirieren und – ebenfalls - neue Stile defi-nieren. Stil ist keine Qualität der Übereinstim-mung, sondern ein Aspekt, der ein Werk von einem anderen unterscheidet.

Haben Sie jemals etwas in Ihren Werken vermisst?

Dann hätte ich sofort aufgehört (lächelt). Nein, absolut nicht. Jedes Werk, das ich geschaffen habe, ist eine Reflektion des Moments, in dem ich es ge-macht habe. Ich wollte als nächstes immer etwas anderes schaffen, als das Vorherige.

Welche Entwicklungen haben Sie in der Welt des zeitgenössischen Tanzes im Lau-fe der Zeit beobachtet?

Es gibt eine ganze Menge positiver Entwick-lungen. Insbesondere von der Ästhetik her möchte ich William Forsythe erwähnen. Er ist insofern sehr wichtig, weil sich durch ihn viel in der Tanzwelt geändert hat. Von modern bis postmodern und ‚post-post-modern „, wenn Sie so wollen. Ich war so beeindruckt, als ich seine Werke das erste Mal sah. Durch das Idi-om des Balletts eine so gewaltige, kreative Kraft im zeitgenössischen Tanz zu entwickeln, das ist fantastisch! Im modernen Tanz könnte man Anne Teresa De Keersmaeker nennen.

Arbeiten Sie an etwas Neuem?

Ja, an einer neuen Kreation „Reflektions“ für einige Tänzer vom Bolshoi Ballet; für Intro-dans ebenfalls in nächstem Jahr auch eine neue Premiere. Für das Ballet de Nice, das Bal-let de Marseille und das Ballet du Rhin cho-reografiere ich 2013. Und noch viel mehr…

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EINZIGARTIG UND INNOVATIVINTRODANS Damals und heute

Im Herzen Arnhems beheimatet, ist Intro-dans in den vergangenen 40 Jahren fest mit der Struktur der Stadt verwachsen.

Man kann sich diesen Ort kaum noch ohne seine dynamische, innovative Kulturstätte vorstellen. „Wenn wir über die Geschichte von Introdans sprechen, denken wir momentan zuerst dar-an, dass unsere Compagnie im kommenden Jahr ihr 40-jähriges Jubiläum feiert“, sagt der Künstlerische Leiter der Compagnie, Roel Voorintholt, während er mich freundlich in sein Büro weist. Ich mache einen ersten Schritt und bleibe staunend vor der Tür ste-hen: Ein heller, überaus farbig-freundlicher Raum offenbart sich. Das Interieur, das eine besondere Wärme ausstrahlt, ist von einer überwältigenden Pop-Art Farbzusammen-

stellung: Ästhetische Lebenswirklichkeit ist hier auf einzigartige Weise mit Kunst ver-bunden. Der Schreibtisch ist voll gestellt mit klar geordneten, von Hand gefertigten Glaskugeln aller Art und Farben, an der Wand hängt ein High Tech Fernsehen. Die weichen, abgerundeten Designer-Möbel treffen auf grafische, kontrastreiche Farbflächen der Wände; die langen, fließenden Gardinen sind mit Blumen besetzt und man könnte schwö-ren, sie sind echt. Man kann das „Kreative“ förmlich spüren.

Die Geschichte von Introdans beginnt in den 1971/72-er Jahren, als der Choreograf und Tanzpädagoge Ton Wiggers die Idee hat, in Arnhem eine Ballett- Compagnie zu gründen. Damals war die Struktur der niederländischen

Interview mit Roel Voorintholt, Artistic Director von Introdans

von Mihaela Vieru




Tanzwelt wenig ausgewogen: Es gab das Het Nationale Ballet, das Nederlands Dans Theater und das Scapino Ballet, durchaus bewährte und hochgeschätzte Compagni-en. Im Osten des Landes existierte allerdings nichts dergleichen. Damals unterrichtete Ton Wiggers an der Arnhem Dance Academy Bühnentanz und Tanzpädagogik. Zusammen mit Hans Focking, der eine Theateragentur in Arnhem besaß, gründet er 1971 das „Studio L.P.“, den Vorgänger von Introdans. Die Com-pagnie leistet harte Pionierarbeit, gastiert vor allem in Schulen der Region, abends laufen dann die Auftritte im Theater. Von Anfang an ist es das Ziel, Tanzkunst einer möglichst brei-ten Öffentlichkeit zu präsentieren. Nach jah-relanger, mühsamer Arbeit, ohne Unterstüt-zung öffentlicher Mittel oder Sponsorengel-der, droht die Auflösung des Unternehmens. Erst 1979, nach unendlich viel Lobby-Arbeit, erhält die Compagnie Zuschüsse der Landes-regierungen von Gelderland und Overijssel sowie dem niederländischen Staat. Die Com-pagnie zieht in ein größeres Gebäude und der neue Name setzt sich durch: „Introdans“, abgeleitet von „Einführung in den Tanz“. Als Erstes beschließen die Leiter der Compagnie, Gastchoreografen einzuladen. Nils Christe, Ed Wubbe, Hans Tuerlings oder Hlif Svavars-dottir sind nur ein paar Namen aus dieser Zeit zu Beginn der 1980er Jahre.

Sie kreieren erfolgreiche Choreografien und Introdans gewinnt endlich seine verdiente, künstlerische Anerkennung. 1984 erhält die Compagnie den „Theater Critics ‚Award“ für die innovative Rolle, die sie innerhalb der nie-derländischen Ballettszene spielt. Die Com-pagnie wächst, verändert sich und erhält eine eigene Abteilung für die Jugend. „Intro-dans Interaction“ organisiert fortan zahlrei-che Workshops und Projekte an Schulen.

Mittlerweile hat sich Introdans zu einem großen Unternehmen entwickelt, das mehr als 70 Personen beschäftigt, und ein breites

Spektrum an Theater-und Bildungsaktivitä-ten bietet, die weit über die regionalen Gren-zen hinausgehen. Über 100 000 Zuschauer im Jahr (darauf kann eine kleine Compagnie durchaus stolz sein) mit mehr als 150 Vor-stellungen pro Jahr kann Introdans heute vorweisen. Tourneen führen die Compagnie durch Europa, Südkorea, New York (Broad-way), Buenos Aires (Teatro Colón), Tallinn (Nationaloper) und Mexiko City (CENART / Te-atro de las Artes). Und: Introdans ist die erste ausländische Compagnie, die auf der Bühne des Moskauer Bolshoi-Theaters steht.

Roel Voorintholt : „Ich kam 1982 als Tänzer zu Introdans. Im Laufe der Zeit ist die Nachfra-ge nach Aufführungen stetig gestiegen. Das konnte eine Compagnie alleine nicht mehr bewältigen. Da ich bereits pädagogische Er-fahrung hatte, fragte mich die Künstlerdirek-tion, ob ich neben meiner Tätigkeit als Tänzer auch eine Nachwuchs - Compagnie leiten könnte. Ich nahm die Herausforderung gerne an, arbeitete kreativ und mit Begeisterung. Bald stellten renommierte Choreografen, wie Conny Janssen, Jirí Kylián, Hans van Manen, Nacho Duato und David Parsons ihre Werke für Jugendballette zur Verfügung, wodurch wir unglaublich viel Erfolg ernteten. Was mich mit Freude erfüllt, ist, dass wir während der Jahre hier in Arnhem und den ganzen

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Niederlanden, besonders unter jungen Leu-ten, sehr viele treue Zuschauer gewinnen konnten, die uns bis heute begleiten und begeistert unterstützen.

Was unterscheidet Introdans von anderen Compagnien? Roel Voorintholt lächelt:„Das ist nicht so einfach zu erklären. Aber ich denke, es sind unser ausgewähltes Repertoire und die Tänzerpersönlichkeiten. Sie kommen von überall aus der Welt, aber sie sind wirk-lich etwas Spezielleres, sie passen eben zu Introdans. Sie werden mit Freude von unserer Compagnie angenommen und bleiben meist für viele Jahre bei uns. Dabei müssen sie prä-zise sein, in dem, was sie darstellen, und alle Tanzrichtungen beherrschen. Nehmen Sie die Werke, die wir jetzt gerade aufführen.

Die avantgardistischen Kreationen von Lucin-da Childs oder die extrem modernen Werke von Gisela Rocha, die den Tänzern eine hohe Vielseitigkeit abverlangen. In den Stücken müssen die Tänzer singen, schauspielern und improvisieren können. Ich würde sagen, das Bemerkenswerte an Introdans ist, dass jedes Mal andere, neue, dynamische Werke präsen-tiert werden, die von vielseitigen internatio-nalen Choreografen kreiert werden. Es ist nie dasselbe Programm. Außerdem achten wir hier sehr auf das Image der Compagnie, le-gen viel Wert auf Qualitätsmarketing, haben eine eigene Mediengestaltung und ein super Team kompetenter Fotografen.“

Welche Ziele verfolgen Sie noch?„Schauen Sie, am Anfang, waren hier nur etwa 5 Tänzer, heute umfassen die Haupt-Compagnie und das Introdans Ensemble for Youth mehr als 40 Tänzer! Renommierte Cho-reografen, wie zum Beispiel Lucinda Childs, lieben unsere Compagnie und kreieren ei-gens für sie neue Werke. Unglaublich! Sicher, es sind viele Erwartungen, die ich stelle, an mich und an die Compagnie. Tatsache ist, dass uns die finanzielle Krise auch im Kunst-bereich einen Streich spielt. Ich hätte zum Beispiel sehr gerne ein Orchester gehabt, das wäre ein großer Fortschritt gewesen. Aber ich denke, die eigenen Ambitionen sollen nicht das Maß an gesundem Menschenverstand überragen. Man sollte langsam und kontinu-ierlich wachsen.“

Introdans leistet eine bemerkenswerte Ar-beit, ist kreativ, dynamisch, einfach inspi-rierend. Durch die junge Compagnie ist ein idealer Weg gefunden, um auch junge Leute fürs Tanzen zu begeistern, gleichzeitig bietet Introdans ein qualitativ hochwertiges, künst-lerisches Programm für Erwachsene – eine Compagnie, die Sie gesehen haben sollten!

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Interview mit Simona Noja

Sehr geehrte Frau Noja, seit September dieses Jahres haben Sie die Leitung der Ballettschule der Wiener Staatsoper übernommen. Doch dürfen Sie vor allem auch auf eine erfolgreiche Karriere als Erste Solistin verweisen. Welches sind die wichtigsten Stationen Ihres künstleri-schen Weges und woran erinnern Sie sich am liebsten?

Mein Debut mit 18 Jahren in den Hauptrollen von Schwanensee in meiner Heimatstadt Cluj-Napoca war mein erster großer Erfolg und der Beginn einer 20 Jahre umspannenden Karriere als 1.Solotänzerin. Die Silbermedaille beim Jackson Wettwettbewerb 1990 eröffnete mir unerwartete Möglichkeiten, im Westen zu tanzen. Der Jahre in der Deutschen Oper am Rhein unter Heinz Spoerli erinnere ich mich als eine harte Schule. Eine der schicksalhaftesten Begebenheiten dieser Zeit war das Zusammentreffen mit Bill Forsythe und eine langjährige und inspirieren-de Zusammenarbeit mit ihm. Das doppelte Engagement ab 1995 in der Wiener Staatsoper (unter Renato Zanella) und der Deutschen Oper Berlin (unter Ray Barra) hat mir die Chance gege-ben, alleine in der ersten Spielzeit 12 Premieren in Wien und zwei in Berlin zu tanzen. Ich wollte damals alle klassischen Rollen, sowie Stücke aus dem dramatischen Ballettrepertoire (wie z.B. von Cranko und MacMillan) tanzen, neue Stücke mit Choreografen kreieren und auch viel gastieren, reisen. In den darauf folgenden 10 Jahren kann ich sagen, dass es mir auch gelungen ist. Wie sind Sie zum Ballett gekommen?

Ich war Mitglied der Rumänischen Olympischen Turnmannschaft, hatte einen sehr gut trainierten Körper und die schöne Perspektive ein Turnstar zu werden. Mein Traum war Nadia Comaneci! Eines Tages, während einer Ballettvorstellung im Nationalen Opernhaus von Cluj, fiel ich einer Ballerina auf, die meinen Vater überredete mich ins Ballett zu bringen. Das war 1978. So hat es begonnen. Ich war 10 Jahre alt und traurig, mir ein so langweiliges Training wie das Exercise antun zu müssen, ohne Saltos und Geräte... Und noch trauriger war meine Enttäuschung nie eine Nadia Comaneci werden zu können. Wie waren die Anfänge und was waren die Höhepunkte in Wien?

Der Anfang in Wien war beruflich erfolgreich, doch Zuhause habe ich mich nicht wirklich gefühlt. Böse Briefe haben mein Leben schwer gemacht. Zwei lange Jahre hat es gedauert, und dann wurde ich auch von den Wiener Fans akzeptiert! Obwohl Sie Wien als Lebensmittelpunkt wähl-ten, haben Sie die Verbindung zu Rumänien nie verloren und setzen sich auch für den rumä-nischen Ballettnachwuchs intensiv ein, wofür Sie auch mit dem Titel „Chevalier“ und weite-ren Auszeichnungen geehrt wurden. Welche Projekte unterstützen Sie in Rumänien?

Ich unterstütze dort alles was, mit Tanz zu tun hat, speziell den hoch talentierten Nachwuchs. Im Anschluss an Ihre Karriere als Erste Solistin der Wiener Staatsoper haben Sie am Wiener Rennweg zusammen mit Boris Nebyla das Projekt „dancearts“ (www.dance-arts.at) ins Leben gerufen, das mit eigenem Theater und Kinderballettensemble sowie auf-grund seiner renommierten Lehrkräfte und Ausstattung zu den ersten Adressen der priva-ten Tanzausbildung in Österreich/Mitteleuropa zählt. Wie kam es dazu und wie ist die Situation des Unternehmens aktuell?

Mein Mann und ich wollten mit jungen Leuten arbeiten und gemeinsam mit diesen neue Wege für den Unterricht des klassischen Balletts entde-cken. Unsere Ersparnisse sind dort eingeflossen, unsere Zeit und Arbeit auch. Sicher klopft man sich selber auf die Schulter, wenn man es schafft alle SchülerInnen und StudentInnen mit bestan-denen staatlichen Reifeprüfungen zu belohnen! Der Umstieg von der aktiven Bühnenkarriere zu einer erfüllenden Tätigkeit „danach“ ist ein ebenso schwerer wie entscheidender in jedem Ballettleben, der vielen Kolleginnen und Kollegen sehr zu schaffen macht und von wenigen so souverän und vorbildlich gemeis-tert wird, wie von Ihnen. Können Sie unseren Leserinnen und Lesern ein „Rezept“ verraten, wie dieser ganz spezielle Pas gelingen kann? Wenn man mit sich selbst ehrlich ist, findet man auch den richtigen Weg! Eine Familie um sich herum zu haben, der man vertraut, ist sicher auch von Vorteil! Das geht aber nicht wie „Hokus-Pokus“ – also von heute auf morgen quasi wie durch Zauberei. Darüber soll man sich schon in früheren Jahren Gedanken machen. Eine glückliche Beziehung, Kinder, Freunde hel-fen einem sehr dabei, einen neuen Horizont zu schaffen. Altersdynamik zu akzeptieren, ist ein gesunder und für mich erfreulicher Lernprozess. So viel geschafft zu haben und sich dennoch auf Neues hin orientieren zu können, ist doch etwas Wunderbares, oder? Zu Ihren vielfältigen Tätigkeiten – die sich dadurch wie man vermuten darf sicherlich ver-ändern werden – kommt nun die Leitung der Ballettschule der Wiener Staatsoper hinzu. Wie

sieht Ihre Vision für die Zukunft der Institution aus?

Unser Ziel ist es, die Begeisterung und Leidenschaft der Kinder für den Tanz zu wecken und zu pflegen. Diese sollen zu professionellen, technisch und kreativ qualifizierten Tänzern ausgebildet werden sowie zu geschätzten Botschaftern des Tanzes heranwachsen. Ich sehe die Ballettschule der Staatsoper als eine quali-tativ starke und leistungsorientierte Schule mit Motivation zur Kreativität, zu Engagement und Eigenverantwortung.

Wie ist die Verbindung zwischen dem Ballettensemble der Wiener Staatsoper und der Ballettschule der Wiener Staatsoper orga-nisiert?

Eine Weiterführung des bewährten Praktikums in der Staatsoper und Volksoper in Form unse-rer „Theaterklasse“, sowie das Ansteigen der Anzahl der an der Staatsoper und Volksoper sowie renommierten Kompanien aufgenom-menen Absolventen der Schule ist vorgesehen. Eine weitere wichtige Kooperation besteht mit dem Gymnasium Boerhaavegasse in Wien; dies ermöglicht es den Schülern auch zu einem mit Matura (Abitur in Österreich, Anmerkung der Redaktion) abgeschlossenem Studium zu gelan-gen. Das große Thema Wettbewerbe: Sollte es in Wien einen internationalen Ballett-wettbewerb, vergleichbar dem Niveau von Lausanne, geben?

Wien hätte das Potenzial einen renommierten Wettbewerb zu etablieren. Ich wäre bereit, es zu unterstützen! Was würden Sie Eltern raten, deren Nachwuchs sich für Ballett als Lebensweg entschieden hat?

Ich würde ihnen raten den Kindern die freie Wahl zu überlassen! Wenn die Kinder das Talent und Potential haben und das Berufsleben des Tanzes von Herzen ausüben wollen, dann ist es die Aufgabe der Eltern, sie dabei voll zu unterstützen. Wie beurteilen Sie die gegenwärtigen Berufschancen am Sektor Ballett?

Je nachdem von welchem Blickwinkel man schaut... Ich habe ein gutes Gefühl! Um zum Anfang unseres Gespräches zurück-zukehren: Es wäre wunderbar, Sie doch wieder einmal auch als Solistin auf der Bühne zu erle-ben – dürfen wir entsprechende Hoffnungen hegen? Man soll die Hoffnungen nie aufgeben! Vielen Dank für das Gespräch und alles Gute!

von Oliver Peter Graber

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“The notion of something bigger than us”

Akram Khan speaks about “Vertical Road” and the demands on his dancersBy Isabell Steinböck

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Vertical Road is a powerful, fascinating, strong peace which seems to be full of spirituality, of religion in the way of bud-dhism - about rebirth, from stone to angel. Is that right?

Yes, to a degree. It is a piece that I very deliberately approached in a more abstract way, as opposed to a literal way. So the concept of rebirth, from stone to angel, is present somewhere floating in the work and maybe it was more present, and concrete an idea in the actual process and making of the work, and now what‘s left is the residue of the idea. Whether it is very clear to an audi-ence... well, that is for them to say. But there were so many start-ing points and images, that I suppose what was left was a collage of those initial ideas.

Do you want to focus on religion, to keep god in mind of the spectator? No, because the second one uses the word ‚God‘, the piece loses its purpose. It was through reading a little about Sufism, that I realised, that to give a name to an idea, is to imprison the very notion that something beyond us exists. As human be-ings, we are constantly striving to solidify, define, restrain an idea or a belief, and to even restrain the notion of faith, rather than to just have faith in faith. So, I had no intentions to put ‚god‘ directly into the piece, but preferred rather the notion or suggestion of ‚something bigger than us‘ existing within our lives, also because I did not want to trap myself in many ques-tions the word ‚God‘ conjures up, i.e. Which God are we talking about? What does God look like? Does God really exist? etc... What means religion (Buddhism/Sufism) for you personally?

A pathway, simply that!

Did you speak with the dancers about religion? Yes, to a certain extent, but it was more to clarify and reconfirm to the dancers, that this was exactly what I wanted to avoid at all costs, to avoid to represent any specific religion. That was the bottom line!

What kind of qualifications does a good dancer for you need to have?

I have no idea because the rules or the manual book for what makes a good dancer is constantly changing and evolving de-pending on the subject matter of the work. However, I suppose there are some hard and fast rules, which are more instinctively embedded in me, when choosing a dancer. One is that they must be technically strong. Second, they must be able to speak to me through their bodies, not by moving through shapes, but by remaining pretty still. So I can see if they can carry the message through their body consistently and not only reveal the message when they move, (which is most often the case with dancers). Third, they have to be open to sharing and collaborating their creative ideas with me and the team, other-wise, I have no use for them, except to just use their bodies as mechanical instruments and I have no desire to work like that. How did you get the idea to create a piece about human be-ings and their way to (a kind of) god? I suppose it is my own personal questions that I have con-stantly revolving around my head and life, that sparked the urge to explore those questions through making a piece. Is spirituality permanently present in your work, in your life?

I would like to think it is.

(see the review on page 48)

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Männer im Ballett (II)16 dance for you! magazine




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Von Volkmar Draeger Schier unübersehbar ist heute weltweit das Heer an männlichen Tänzern. Für die meis-ten von ihnen ist der Beruf ihr Traumjob. Für die wenigsten jedoch erfüllt sich der Jobtraum vom großen Geld, von Ruhm und langer Karriere. Im Film oder Video ist das eher möglich. Fred Astaire, der Charmeur im Tap-Rhythmus, John Travolta, Musical-Hero in „Saturday Night Fever“ und „Staying Alive“, Patrick Swayze, unvergessener Mambo-Kö-nig in „Dirty Dancing“, Michael Jackson, Zeus im Olymp tanzender Popstars, verdanken den Medien auf Zelluloid-Basis ihre Unsterb-lichkeit. Den Kollegen vom Bühnentanz ste-hen perfekte Kameraführung und raffinierte Schnitttechnik nicht zu Gebote, sie müssen sich jeden Abend live zeigen, erreichen kein Millionenpublikum und erst recht nicht Massen an kauf- und hingabewilligen Teen-agern. Dennoch hat sich der Mann auch auf der Tanzbühne eine mehr als respektable, nicht nur im Sinn des klassischen Kanons ge-meinte Position erarbeitet. Kraft, Ausdauer, Tempo, Geschmeidigkeit, Eleganz, virtuoses

Draufgängertum, Risikofreudigkeit, furiose Athletik und – möglichst – Attraktivität vom naturbelassenen Scheitel bis zur nimmermü-den Tanzsohle sind Eigenschaften, die man vom überregionalen und sogar lokalen Star erwartet: eben den konfektionierten Roberto Bolle. Keine leichte Bürde für die tanzenden Herren der Schöpfung, ein hoher Anspruch auch an ihre Ausbildungsinstitute.

Wie fühlt sich der Balletttänzer anno 2010, wie lebt er, wie reagiert seine Umgebung auf den noch immer mit dem Ruch des Ab-sonderlichen behafteten Beruf? Was reizt ihn am Tanz und wie hält er sich fit für eine mög-lichst lange Laufbahn bei immer härterer Konkurrenz, ins Artistische reichenden An-forderungen seitens der Choreografen und – nicht zuletzt – der Zuschauer? Sechs Tänzer des Staatsballetts Berlin, alle zugegebener-maßen in privilegierter und daher nicht ganz typischer Situation für ihren „Durchschnitts“-Kollegen, geben darauf sehr persönliche Antwort. Wohl fühlen sich einmütig alle in

TÄNZER DER GEGENWART ÜBER IHREN BERUFLICHEN WERDEGANG UND DIE AKZEPTANZ DER GESELLSCHAFT

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ihrem Beruf. Auch wenn die Öffentlichkeit Ballett noch immer mit Tütü und Spitzen-tanz, den Tänzer mit feminin, schwul, rosa assoziiert, meint Solotänzer Rainer Krenstet-ter. Nach der Ausbildung in der Heimatstadt Wien mit mehreren Wettbewerbspreisen, so in Lausanne, gewann er ein Zusatzjahr in der Royal Ballet School London, lernte früh, sich auf der Bühne zu bewähren. Entsprechend umfangreich ist sein Repertoire, dank ökono-mischem Umgang mit dem Körper fiel er nur einmal länger aus. Wie der Idealtänzer auszu-schauen hat, dafür sieht er kein Richtig oder Falsch, wenn nur die Handlung nicht durch ein Zuviel an Virtuosität überdeckt wird.

In unserem „Schwanensee“, erzählt Mikhail Kaniskin, Absolvent der Bolschoi Ballettschu-le Moskau und der John Cranko-Schule, zehn Jahre im Stuttgarter Ballett, seit 2007 Erster Solotänzer in Berlin, tanzt Siegfried rund 80 Minuten, ehe Odette die Szene betritt: Heute zeigt fast jeder, was früher nur Baryschnikow konnte. Bei vielen Choreografen sieht er den Mann exponiert, so Tetley, Béjart, Bourne, dessen „Schwanensee“ auf rein männlichem Fuß lebt. Und kontert Fragen mit russischer Sprichwörtlichkeit. Man könne nicht jeden Tag Kartoffeln essen, meint, dass Frauen und Männer gleichwertig auf der Bühne stehen. Berufsalternative wäre Arzt gewesen wie die Großmutter: Sie rettete Leben, wir Tänzer ret-ten Seelen. Als Philosophen unter den Cho-reografen nennt er Neumeier, die Arbeit mit ihm an der „Kameliendame“ war seine größte Erfahrung. Viel schlafen, wenig rauchen und trinken sind sein Jungborn.

Ähnlich sorgenfrei argumentiert Dinu Tamaz-lacaru, der am Moldawischen Ballettgymna-sium, dann am Wiener Konservatorium stu-dierte. Im Unterschied zu den 1950ern tanze man heute sauberer, flexibler, achte mehr auf Stretching und Linie. Vom Herzen müsse kommen, was man auf der Bühne zeigt. Hart war die Ausbildung daheim in Moldawien, von 100 Bewerbern wurden 15 genommen, alle 12 Jungen seiner Klasse sind im Ausland. Als Sohn einer Folkloresängerin erbte er de-ren Musikalität, spielte Klarinette und Flöte, eher ihn der Tanz magnetisch anzog. Jeder Schritt ist dort ein Wort, müsse etwas bedeu-ten. Spazieren mit der Freundin ist Hobby, die jährliche Blutuntersuchung Gesundheits-prophylaxe. 80 Prozent der Menschen seiner Umgebung wundern sich, wenn er vom Be-ruf erzählt; viele, aus dem Haus, der Bank, hat er in Vorstellungen eingeladen – für die meis-ten ihr erster Ballettbesuch, dem bald weitere folgten. Technik darf nicht Selbstzweck wer-den, fordert auch er.

Nachdenkliche Töne schlägt Solotänzer Leo-nard Jakovina an. Als zentrale Figur bei der Emanzipation des Tänzers sieht er Rudolf

Nurejew, seither sei der Mann nicht mehr nur „Schlepper“. Noch in „Les Sylphides“, da-heim getanztes Juwel im „heiligen Museum“, kommt nur ein Mann vor. Sein Geschmack sei das nicht mehr, ihn reize die Darstellung. Und da liegen ihm besonders die dunklen, viel-schichtigen Charaktere. Ob der Mann auch Spitzenschuhe trage, wurde er schon gefragt, dabei sei der heute, inhaltlich verstanden, tragende Säule vieler Stücke. Erschütterndes hat er in der Kindheit erlebt.

Vier Jungen gegenüber 150 Mädchen gab es in der heimatlichen Ballettschule Zagreb, von den Männern seiner Umgebung fühlte er sich gehetzt, wurde ausgelacht, ging nicht mehr zur Schule, wollte aufhören. Die Mutter, Designerin und Malerin, bestärkte ihn in sei-nem Talent, half ihm, bis 1997 als letzter Jun-ge zu bleiben. Als ins Nationaltheater, wo die Schüler für gewöhnlich probten, eine Bombe einschlug, befand er sich im Bus, konnte sich unter einer Brücke verstecken. Fast 30 Tänzer machte der Krieg zu Invaliden. Ein Stipendi-um eröffnete Leonard mit 15 den Weg an die Bosl-Stiftung in München: Respekt erfuhr er dort, verliebte sich in den Beruf, fand Freun-de, „die schönste Zeit“. Per Nachtbus fuhr er regelmäßig nach Hause und erwarb dort das Abitur: zur Sicherheit. Nach kurzem Engage-ment am Bayerischen Staatsballett wechselte er nach Berlin, war dort zu seinem Erstau-nen für einen Darsteller-Preis nominiert. In Deutschland fühle er sich frei, in Kroatien schäme er sich oft zu sagen, als was er arbei-te. Ähnliche Erfahrungen hat Federico Spallit-ta, Gruppentänzer im starken Aufwärtstrend, gemacht. Italien sei in Nord und Süd gesplittet.

Während der Norden, woher der gebürtige Turiner stammt, geistig aufgeschlossener ist, gebe es im Süden nach wie vor Diskriminie-rung: als Tänzer und Schwuler. Er habe Freun-de, die sich noch immer mit dem „Schutz-schild“ einer „Freundin“ wappnen, wenn sie in den Süden fahren. Seit er fünf war, wollte er zur Verblüffung der Mutter Tänzer wer-den, liebt Oper und Sprachen, geht gern in Karaoke-Bars. Mit 17 ging er von zu Hause fort: Die Lehrerin seiner Privatschule empfahl ihm eine professionelle Ausbildung. Die er-hielt er zusammen mit zwei Freunden an der Ballettakademie München – ohne jegliches Heimweh. Ich will tanzen, lautet sein Credo. Den Beruf nennt er Leidenschaft, nimmt zur Vorbereitung auf das Training am Floor Bar-re genannten Aufwärmungsprogramm teil, das Kollegin Najda Saidakova anbietet. Die

Tänzerin steht für Schönheit, der Mann soll das Publikum „crazy“ machen, etwa in der Coda, sagt er. Auch der, dem das über zwei Dezennien gelingt, Intendant Vladimir Ma-lakhov, weiß Gegensätzliches zu berichten. An der 13-Minuten-Variation des Prinzen in Nurejews „Dornröschen“ macht er die heuti-ge Stellung des Balletttänzers fest, sieht die Funktion des Mannes auch darin, die Partne-rin vorteilhaft zu präsentieren. Diskriminie-rung habe er, einer der raren Weltstars des Tanzes, nie erfahren. Dass man fürs Tanzen Geld bekommt, macht seinen Neffen stau-nen, ob er auf dem Eis, im Zirkus oder Varieté tanze, fragen ihn Fremde. Als Knabe, so erin-nert er sich, habe er selbst in der Ballettschule als zu feminin gegolten, sei von Mitschülern geschlagen worden. Bis heute könne er mit dem Vater nicht über sein Schwulsein reden, wohl aber mit der Mutter. Wie alle interview-ten „Schützlinge“ lebt er leidlich gesund, ohne Kaffee, aber mit Süßigkeiten, unterzieht sich einmal jährlich einer Darmreini-gungskur. Jeder müsse im Beruf sein Unverwechselbares finden, ermu-tigt er junge Tänzer: Ballett ist eine Kunstform, in der, wer kreativ ist, auch so etwas wie Philosophie entdecken kann.

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Hingabe zur Kunst, eine eiserne Disziplin bis in die Fingerspitzen und ein von Temperament sprühender Charme voller Ernsthaf-

tigkeit: Niemals ist Maija Plissezkaja sich selbst – oder der „Rolle“ ihres Lebens, ihrer Lebensaufgabe „Tanz“ untreu geworden. So ist es ihr gelungen, ihre phänomenale Karriere als eine der herausragendsten und einzigartigsten russischen Starballerinen, von den Anfängen in den 1940er Jahren am Bolschoi-Theater bis hin zu dem sowjetischen Regime abgetrotzten internationalen Erfolgen, ins hohe Alter fort-zuführen. Immer wieder kann man ihre hochaufgerichtete, schlanke Gestalt, z. B. in von Mariss Jansons dirigierten Konzerten, an der Seite ihres Mannes – des Komponisten Rodion Shchedrin (*1932) – ausma-chen. Die Musik und das Ballett prägten sie von frühester Kindheit an. Und so manch märchenhafter oder mythischer Bühnenfigur ver-half Maija Plissezkaja mittels ihrer – für damalige Zeiten! – brillanten Technik, gewaltigen Sprungkraft und individuellen Ausdrucksstärke zu Wahrhaftigkeit und Ausstrahlung. Saint-Saëns Sterbender Schwan, den sie laut Aufzeichnungen mehr als 20 000 Mal verkörperte, machte sie weltberühmt. Ihre Interpretation von Béjarts legendärem Boléro (Ravel) 1975 – da war sie 50 – jedoch zeigte, wie wenig sie sich trotz aller Treue zur russischen Tradition des Bolschoi in ein Korsett purer Klassik sperren ließ. Gegen heftige Widerstände setzte sie moderne Choreografien durch, und das kommunistische Russland verdankte ihr die Akzeptanz von Roland Petits und Maurice Béjarts Schaffen. Von Stalin beklatscht, von Chruschtschow gepiesackt und von Putin verehrt, überwand Maija Plissezkaja im Namen der Tanzkunst die politischen und künstlerischen Grenzen ihres Heimatlandes. Flucht kam für sie nicht in Frage. Überlegungen, sich nach dem Fall des eisernen Vorhangs in Paris niederzulassen, schlug sie in den Wind. Seit 1991 lebt sie (allerdings nicht ausschließlich) in München.

Angetan hat es ihr „der Ord-nungssinn und Fleiß“ der Deut-schen. In ihrer Heimat, deren Sprache sie – zwar Weltbürgerin – nach wie vor an erster Stelle zu sprechen pflegt, wurde ihr als Primaballerina Assoluta der Sta-tus eines „nationalen Heiligtums“ zuerkannt. Und das, obwohl sie 1993 die spanische Staatsangehörig-keit annahm. Gemeinsam mit der 31-jährigen Tänzerin Tamara Rojo (ab 2000 Erste Solistin des Royal Ballet in London) wurde ihr Ende Juni 2005 der mit 50 000 Euro dotierte Prinz-von-Asturien-Preis in der Sparte Kunst verliehen. Plissezkaja und Rojo setzten sich damit gegen Favoriten wie den Architekten Frank Gehry, den Dirigenten Claudio Abbado und den Regisseur Steven Spielberg durch. Im Rahmen ei-ner zu ihrem 80. Geburtstag im Moskauer Kreml ausgerichteten Gala tanzte sie noch einmal die von Béjart zu ihrem 50. Bühnenjubiläum im Jahr 2000 kreierte Bach-Miniatur: „Ave Maya“.

Maija Michailowna Plissezkaja wurde am 20. November 1925 als Enkelin einer litauischen Familie in Moskau geboren. Ihre Mutter, Rachel Messerer, war von Beruf Filmschauspielerin, verdiente sich ihr Geld aber auch als Telefonistin, Registratorin in einer Poliklinik oder selbstständige Masseurin. Assaf Messerer, Maijas Onkel, war ein her-vorragender Tänzer und ersann zahlreiche technische Tricks, womit er den virtuosen Stil des klassischen männlichen Solotanzes vorantrieb. Ballettlegenden wie Ulanowa, Wassiljew, Maximowa und die junge

Plissezkaja trainierten unter seiner pädagogisch großartigen Obhut. Aber auch die Schwester der Mutter, Sulamith Messerer, gehörte zur Bolschoier Ballettkompanie. Sie war es auch, die Maija betreute, wäh-rend ihre Mutter Rachel von 1938 bis 1946 im Gefängnis festgehalten wurde. Der Vater Plissezki stammte aus Gomel und trat 1918 der kom-munistischen Partei bei. 1938 – Maija war gerade mal 13 Jahre alt – wurde er in Stalins Auftrag von Tschekisten erschossen (20 Jahre spä-ter, zur Zeit des Chruschtschowschen „Tauwetters“ posthum „wegen des Fehlens eines Tatbestandes“ rehabilitiert). Auch Maijas Bruder Alexander Plissezki schlug die Tänzer- und Ballettmeisterlaufbahn ein. Der für seine Community Dance- und Education-Projekte berühmte Brite Royston Maldoom ist ihm einmal am Flughafen von Arequipa (Peru) begegnet …

„Vorbelastet“ – in doppelter Hinsicht – bestand Maija Plissezkaja 1934 die Zulassungsprüfung für den Eintritt in die Moskauer Choreographi-sche Lehranstalt unter dem damaligen Schuldirektor Viktor Alexand-rowitsch Semjonow, ehemals Premier danseur des St. Petersburger Marien-Theaters und einer der ersten von Agrippina Waganowa aus-gebildeten Tänzer. Die Abschlussfeier in ihrer Schule am 21. Juni 1941 fiel auf den Vortag des Kriegsbeginns zwischen Hitler-Deutschland und der Sowjetunion Stalins. Zwei Jahre später, nach Beendigung ihrer Ballettausbildung, wurde Maija Plissezkaja mit Auszeichnung am Bolschoi aufgenommen und bekam ein 10m2 großes Zimmer in einer Kommunalwohnung des Theaters an der Schtschepkinstraße 8

zugeteilt. Diese Adresse behielt sie bis 1955.

1951 feierte das Bolschoi-Theater 175. Jubiläum und Maija Plissezka-ja wurde mit dem Titel „Verdiente Künstlerin der Russischen Föderati-on“ ausgezeichnet. Nach ihrer Heirat mit Rodion Shchedrin am 2. Oktober 1958 zog sie in eine Wohnung am Kutusow-Prospekt. Als sie dann ab Ende der 1950er Jahre wiederholt auf Auslandstourneen geschickt wurde (der persönliche Verdienst pro Vorstellung betrug 40 Dollar), musste ihr Mann quasi als Pfand daheim zurückbleiben. So eroberte sie New York (1959), Paris (1961) und

England (1963) im Sturm. Zurück in Moskau wurde ihr 1964 die höchs-te Auszeichnung für Künstler in der Sowjetunion verliehen: der Lenin-preis. Eine Filmaufzeichnung (DVD VAI 4264) gibt davon Zeugnis. Mai-ja Plissezkajas Stärke lag unzweifelhaft in der Rollengestaltung. Der Tanz, die Entwicklung einer Bühnenpersönlichkeit und die darzustel-lende dramatische Aktion stellen für sie eine untrennbare Einheit dar, die mittels virtuoser Beherrschung der Balletttechnik (schau-)spiele-risch gemeistert werden muss. Viele namhafte Choreographen haben Ballette für sie kreiert, die 1972 mit Anna Karenina (nach Tolstoi; DVD VAI 4286/neu VAI 4496) selbst zu choreographieren begann. In den 1980er Jahren folgten Die Möwe (nach Tschechow; DVD Arthaus Mu-sik 101 477) und Die Dame und das Hündchen – alle zur Musik von Rodion Shchedrin. Bis heute gibt Maija Plissezkaja ihre Geheimnisse und ihre unbändige Liebe zum Tanz in ausgesuchten Meisterklassen an jüngere Generationen weiter. Und sie wäre nicht Maija ohne die Feststellung: „Natürlich sind meine Sprünge nicht mehr so hoch, aber die alte Kraft spüre ich immer noch.“

Vesna Mlakar

Hand in Hand mit der Musik, unermüdlich im Einsatz für den Tanz

Maija Plissezkaja zum 85. Geburtstag

Maja Plissezkaya mit Vladimir Putin in November 2002 © quelle privat



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DeutschlandBayerisches Staatsballettwww.bayerisches.staatsballett.de 9.11 : Artifact21,22,26,28.11 : Mein Ravel3,6.12 : Onegin5.12 : Ballett Gala10,13.12 : 100 Jahre Ballets Russes17,20,25.12 : Dornröschen

Staatsballett Berlinwww.staatsballett-berlin.de 7.11: La Peri 11,19,26.11 : Shut up and Dance ! Reloaded 6,9,11,17.11;22.12 : Caravaggio10,12,-14,18.11 : Malakhov & Friends 10,13,21,26,28.12 : Der Nussknacker

Theater Bielefeldwww.theater-bielefeld.de5.11 : Reise in Verborgene

Theater Bremenwww.theaterbremen.de 20,28.11 : Flash Mob

Staatstheater Braunschweig www.staatstheater-braunschweig.de21,28.11 : Bingo?

Stadttheater Bremerhavenwww.stadttheaterbremerhaven.de12,14,20,27.11;5,11,26,28.12 : Das Nussknackerspiel

Theater Chemnitzwww.theater-chemnitz.de6,12,21.11;16,20.12 : Sheherezade

Deutsche Oper am Rhein – Ballett am Rhein www.deutsche-oper-am-rhein.de3,4,8,11,17,18,22,26.12 : b.0614,15,21,29.12 : b.02

Staatstheater Darmstadtwww.staatstheater-darmstadt.de21,24.11;10,19,30.12 : Ulrike Mainhof Anhaltisches Theater Dessau www.anhaltisches-theater.de19,27.11;25.12 : Der Widerspenstigen Zähmung

Sächsische Staatsoper Dresdenwww.semperoper.de10,12,15,17,19.12 : Dornröschen

Theater Dortmundwww.theaterdo.de

6,10,13,19.11 : h.a.m.l.e.t - die geburt des zorn14.11 : Marius Petipa –Meister de Klassischen Balletts5, 26, 27.12 : Mozart

Aalto Ballett Theater Essenwww.theater-essen.de13,24.11 : La Sylphide28.11 : Tanzhommage an Queen

Landestheater Eisenachwww.theater-eisenach.de 27.11 : The Best of Karlheinz10,19.12:Rapsodie Espagnole

The Forsythe Companywww.theforsythecompany.de18-20,24-27.11;2-4.12 : N.N.N.N. / Neuproduktion / Wolf Phrase9-12.12 : Yes we can’t

Theater Freiburgwww.theater.freiburg.de 6.11 : pvc.Engel der Verzweiflung13,14,21.11 : pvc – Little Pig19,26.11 : Cindarela

Gauthier Dancewww.theaterhaus.com

Theater & Philharmonie ThüringenBühnen der Stadt Gerawww.tpthueringen.de 5,9.11;5,11.12 : Warum Frauen Klüger sind und Männer es nicht haben wollen18.12 : So nah28.12 : Menschensohn

Staatstheater am Gärtnerplatzwww.gaertnerplatztheater.de 12,14,16,20,26,28.11 ;9,12,16,26.12 : Der Nussknacker

Stadttheater Gießenwww.stadttheatergiessen.de 13.11 : c’est la vie7, 20.11 : Gershwin – vom Big Apple nach Paris

Hamburg Ballettwww.hamburgballett.de 9,19.11 : Fließende Welten20.11 ; 22, 26.12 : Weihnachtsoratorium5,7,10,12.12 : Chopin Dances18,23,28,31.12 : Der Nussknacker

Opernhaus Hallewww.opernhaus-halle.de

12.11 : Geschichte vom Soldaten / Carmina Burana4.12 : Die Schöne und das Biest12,13.12 : Der Nussknacker – Eine Weihnachtsgeschichte

Ballett der Staatsoper Hannoverwww.oper-hannover.de 6,14,20.11;10.12 : Ein Sommernachtstraum10.11;5,15,18.12 : Ein Stück Zeit / Walking Mad 26.11; 3,13,17,23,26,30.12 : Der Nussknacker27.11;21.12 : Seven Up

Theater und Orchester Heidelbergwww.theaterheidelberg.de10-16.12 :Die Beschenkten – Bibel III

Badisches Staatstheater Karlsruhewww.staatstheater.karlsruhe.de 20,24.11;3,9,11,14,17,23,25.12 : Der Nussknacker - Eine Weihnachtsge-schichte

Ballett Kielwww.theater-kiel.de6,12,26.11;31.12 : Crazy for You

Theater Krefeld Mönchengladbachwww.theater-krefeld.de6,9,11,19,28.11; 2.12 : Casanova14,23-26,30.11;1,6-11,13,14,16-18,20-22,25.12 : Prinz Rama

Oper Leipzigwww.oper-leipzig.de5,14,17.11;1,18,22,26,30.12 : Chaplin

Theater Magdeburgwww.theater-magdeburg.de11,16,23.12 : Der Nusskancker

ballettmainzwww.staatstheater-mainz.de 5,10,12,15,17,18,20,23,26,27.11 : in 48

Nationaltheater Mannheimwww.nationaltheater-mannheim.de12.11;11.12 : Film Noir7,18.11 : Bang on it27.11;6.12 : Frida Kahlo4,5,10.12 : Full Bloom

Mecklenburgisches Staatstheater Schwerinwww.theater-schwerin.de

6,21,22.11 : Antigone10.11 : Giselle13,28.11 : Carmen18.11 : Die Bremen Stadtmusikanten27.11 : Frauen-Männer-Paaren

Tanztheater Städtische Bühnen Münsterwww.stadttheater.muenster.de

Theater Nordhausenwww.theater-nordhausen.de 12,20,27.11;5,26.12 : Cindarella

Nordharzer Städtbundtheaterwww.harztheater.de 5,12.11;4,10.12 : Romeo und Julia28,30.11;6,12,14,19,25,26.12 : Dornröschen

Theater Osnabrückwww.theater.osnabrueck.de7,12.11 : Bacon3,4,8.11 : Dance for Nature27.11;10.12 :Dolby

Pfalztheater Kaiserslauternwww.pfalztheater.de11,20,27.11 : Rossini13.11 : Schwanensee

fabrik PotsdamInternationales Zentrum für Tanz und Bewegungskunst www.fabrikpotsdam.de 5.11 : Mad of cup of Tea26-28.11 : Dances for non / Fictional Bodies

Theater im Pfalzbauwww.theater-im-pfalzbau.de13.11 : AileayII15.11 : Beautiful Thing17.11: Air Lines27,29.11 : Creaiton 2010 –Apokalypse4.12 : Orbo Novo

Theater Pforzheimwww.theater-pforzheim.de 20,26.11 : Best of Ballett

Theater Regensburg www.theaterregensburg.de 6,8,9,24,25.11;28,29.12 : Die Geschichte Lilith27.11 : Inter.AIDS Tanzgala

Saarländisches Staatstheaterwww.theater-saarbrücken.de 14,25,28,30.11 : Casa Azul4,23,31.12 : Silent Mov(i)e

Deadline für die Ausgabe Januar-Februar 2011: 5. Dezember 2010Infos bitte an [email protected] senden

KALENDER - PERFORMANCE DIARY 11/12NOVEMBER-DEZEMBER 2010



Stuttgarter Ballettwww.stuttgart-ballet.de 5,7.11 : Neumeier/Mcgregor/Elo18,21,23,26.11: Leonce und Lena

Schleswig Holsteinische Landestheaterwww.sh-landestheater.de20.11;5,11,14,20,29 : Der Glöckner von Notre Dame

Tanzhaus nrwwww.tanzhaus-nrw.de6.11 : Laboratory Dance Project7.11 : Young Korean Choreographers’ Night12.11: Germaine Acogny / Compagne Jant Bi

Theater Ulmwww.theater.ulm.de 5,7,10,14,16,19.11 : Maria de Buenos Aires

Theater Vorpomenwww.theater-vorpommern.de,6,14.11 : 4+1 die Elemente9.11 : Sechs Tanzstunden für sechs Wochen19,28.11 : Der Nussknacker20.11 : Ballett Benefiz Gala12-15.12 : Dornröschen

Tanzspeicher Würzburgwww.tanzspeicherwuerzburg.de 27.11.2010 : „gegenwartsmoment „ work 2 „bordered“

Tanztheater Wuppertalwww.pina-bausch.deNov / Dez : On Tour

ÖsterreichBallett der Wiener Staatsoper und Volksoperwww.dasballett.at5,7,10,18,21.11 : Juwelen der Neuen Welt 25,30,31.12 : Die Fledermaus

St.Pölten Festspielhaus St. Pöltenwww.festspielhaus.at3,4.11 : Le Group Grenade : Le Sacre

Innsbruck:Tiroler Landestheater und Orchester GmbH Innsbruckwww.landestheater.at 6,12,14,24.11;17.11: Georg Trakl4,11,30.12 : Ladies und Gentlemen : Bolero

Landestheater Linz www.landestheater-linz.at 7,9,15,17,20,23.11;4,16.12 : Anna Karenina

BelgienBrusselsKaaitheater www.kaaitheater.be12,13.11 : Journey Home16,17.11 : For Edward Krasinski2,3.12 : Doo10-12.12 : Big Girls do big Things

21-13.12 : The Song

Royal Ballet of Flanderswww.koninklijkballetvanvlaanderen.be 19,20,24,26,27.11 : Artifact15-19.12 : Swan Lake

Canada

Compagnie Marie Chouinardwww.mariechouinard.com On Tour

National Ballet of Canadawww.national.ballet.ca 11-14,17-20.11 : Cinadrela24-28.11 : Chroma & Serenade & Emergece11.12.15-19,21-24,28-30.12 : The Nutcracker

Les Grands Ballet Canadien de Montrealwww.grandsballets.com5-7.11 : Leonce et Lena10-14.11 : Jumeaux1-4,8-11.11 : Hymn to the Universe11,12,16,18,19,22,23,26,27,29 : Case Noisette27-29.12 : Alea Canto

DänemarkThe Royal Danish Theaterwww.kglteater.dk26.11-19.12 : Sleeping Beauty

EnglandThe Royal Balletwww.roh.org.uk3,6,9,10,12,15.11 : Sylvia20,27.11;2,3,9,13,17,21,28,29,31.12 : Cindarela14,16,18.12 : Peter and The Wolf / Tales of Beatrix Potter20,23,24,30.12 : Les Patinateurs / Tales of Beatrix Potter

English National Balletwww.ballet.org.uk 10-30.12 : The Nutcracker

Rambert Dance Companywww.rambert.org.uk On Tour

Birmingham Royal Balletwww.brb.org.uk 24.11-12.12 : Cindarela

Sadler‘s Wellswww.sadlerswells.com9-13.11: Rambert Dance Company 12-13.11 : Independent Ballet Wales17-20.11 : Wayne McGregor/ Random Dance 25-26.11 : Jasmin Vardimon Company30.11-23.01.2011 : Matthew Bourne’s Cindarela

Scottish Balletwww.scottishballet.co.ukDez.- On Tour : Cindarella

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www.operan.se5;6,9,11,19,24,30.11;2,3.12 : Manon11,14,16,30.12 : The Nutcracker

TürkeiAnkara State Opera and Balletwww.dobgm.gov.tr

Antalya State Opera and Balletwww.dobgm.gov.tr

USANew York City Balletwww.nycballet.com26-28,30.11;1-5,7-12,14-24,26-31.12 : The Nutcracker

Cedar Lakewww.cedarlakedance.comOn Tour

Pacific Northwest Balletwww.pnb.org5-14.11 : All Tharp

The Georgia Balletwww.georgiaballet.org 3-5.12 : The Nutcracker

Miami City Balletwww.miamicityballet.orgOn Tour

UngarnNationales Tanztheater Budapesthttp://www.dancetheatre.hu 5.11;18.12 : Homo Ludens6.11 : The Dance Master7.11;30.12 : 1001 Years9,14.11;5.12 : Aunt Holle10.11 : Carmina Burana11.11 : Carneval12,21.11;3,29.12 : Romeo and Julia in Jerusalem13.11 : Barrica Rustico – The Four Season15,30.11 : Sleeping Beauty16.11 : Peter und der Wolf17.11 : Dance Steps19.11 : Carmen25.11;8,19,27.12 : The Nutcracker26.11 : Twins2.12 : Connection10.12 : Eternal Circle15.12 : Flabbergast Bolero

AustralienThe Australian Balletwww.australianballet.com.On Tour

Neuseeland Royal New Zealand Balletwww.nzballet.org.nzOn Tour

EstoniaEstonian National Operawww.opera.ee3.12. : The Nutcracker

Finnland Finnisch National Operawww.operafin.fi 5,9,11,13,24.11: Blood Wedding & Sheherezade19,21.11 : Swan Lake4,7,9,13-16,21,26,28,30.12 : The Nutcracker and the Mouse King

Alexanders Theatre Helsinkiwww.nomadi.fi17,19-24.11 : Summer details

FrankreichAix-en-ProvenceCentre Choréographique Nationalwww.preljocaj.orgOn Tour

Maison de la danse www.maisondeladanse.com6.11 : Ballet de Perm17-20.11 : Israel Galvan18-20.11 : A.Lachaise / V.Golubev24-28.11 : Ballet de Geneve2-4.12 : Jean Claude Gallotta7-12.12 : Eifman Ballet7.11.12 : Th.Guerry/ C.Rocailleux16-18.12 : Perrine Vali

MarseilleBallet National de Marseillewww.ballet-de-marseille.comon Tour

ParisBallet de L´Operawww.opera-de-paris.fr7.11 : Paquita13,29.11;2,5,10,12,13,15,16,18,21,23,24,26,27,29.12 : Swan Lake10-12,14,15,17,19,23,24,29.12 : Balanchine/ Brown / Bausch

Strasbourg/Mulhouse/ColmarOpera National du Rhinwww.opera-national-du-rhin.com17-21.11 : Empty Spaces

Theatre du Capitolewww.theatre-du-capitole.org 23-26.12 : Alice au pays de Merveille

Malandain – Ballett / Biarritzwww.malandainballett.com5.11 : Mozart a 26.11 : Pas de 2 Le portrait de L’ínfante20,21.11 ;1,11,14,17,21,22.12 :Romeo&Juliette27.11;4.12 : Magifique – Tchaikovski Suites

Italien

MailandTeatro alla Scalawww.teatroallascala.org

16,18,19,29,30,31.12 : Swan Lake

Aterballettowww.aterballetto.it On Tour

NiederlandeAmsterdam Het Nationale Ballettwww.het-ballet.nl9,14,16,18-24,26,28-31.12 : The Sleeping Beauty

ArnheimIntrodans Ensemble for Youthwww.introdans.nlon Tour

Maastricht Theater aan het Vrijthofwww.theateraanhetvrijthof.nl12.11 : We should be dead19.11 : Love Dolls2-9.12 : Holland15.12-8.01 : Synthetic Twin

RotterdamScapino Blalletwww.scapinoballet.nl7.12-20.01 : Twolls at the Opera18-20.12 : The Nutcracker to StuttgartPortugal

National Ballet of Portugalwww.cnb.pt on Tour

PolenTeatr Wielki-National Operawww.teatrwielki.pl27,28.11;5,18,21-23.12 : Cindarella4,8,9.12 : Alpha and More / When you end Ibegin…/In search of colours / Alpha Kryonia Xe

RumänienOpera Națională Bucureștiwww.operanb.ro13.11 : Simfonia Fantastică14,27.11 : Visul unei nopti de vară18.11 : Frumoasa din pădurea adormită21.11 : Seara Balanchine5.12 : Crăiasa zăpezii24.12 : Spărgătorul de nuci26.12 : Magazinul de păpuși

RusslandMariinsky Balletwww.mariinskiy.com 6, 8.11 : Don Quixote8,10.11 : Romeo and Juliet11.11 : One act ballets13.11 : La Sylphide16.11;1,16.12 : Cindarella20,26.11 : La Bayadere21,24.12 : Swan Lake15,29.09;6.10 Spartacus17.09 : Ballet Gala18.09 ;3,16.10 : Swan Lake

27,28.11 : The Little Humpbacked HorseBolshoi Balletwww.bolshoi.ru 5,6.11 : Romeo and Juliet12.11 : Spartacus16.11 : Esmeralda4.12 : Chipollino12,17,19,29,30,31.12 : The Nutcracker22,23,25,36.12 : Serenade/ Rubies / Herman SchermanSpanien

Teatro de Madridwww.teatromadrid.com12-19.11 : Festival Inter. Madrid en Danza26.11-8.12 : El Corazon

Compania National de Danzawww.cndanza.mcu.esOn Tour

SchweizTheater Baselwww.theater-basel.ch6.11 Jubiläumsabend10,17,28.11;3,9,14,19.12 : One of a Kid

Kurtheater Badenwww.kurtheater.ch18.11 : Tasten5.12 : Schwanensee

Theater St. Gallenwww.theatersg.ch13,14,16,21,23.11 : Scenes of nothing

LausanneTheatre Sevelin 36ch www.theatresevelin3623,24,28.11 ;8-10,17-19.12 : Je veux bien vous croire

Bejart Ballet Lausannewww.bejart.ch On Tour

Compagnie Lingawww.linga.chOn Tour

Geneva Grand Theatre de Genevewww.geneveopera.ch

Zürich Opernhauswww.opernhaus.ch 7,18,28.11;3.12 : Falling Angels / Il giornale della necropli / Le Sacre du Printemps21.11 : und Mied den Wind

SchwedenThe Cullberg Ballet www.cullbergballet.seOn Tour

Göteborg Balletwww.opera.se 10-13.11 :Dance on Tour

Royal Swedish Ballet

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„Gibt‘s denn da keine Freikarte?“ fragt der Vater der Tochter, der Sie gerade mit größter Mühe versuch-ten, die letzten Schritte für die Vorstellung beizu-bringen und die Sie ermahnten, nur ja keine Ohr-ringe zu tragen und nicht ins Publikum zu winken. Welche Freikarte? - Na ja, meint der Vater, ich dach-te, meine Tochter tanzt ja mit. Normalerweise ist das doch so am Theater, dass die Darsteller immer Frei-karten bekommen. Oder? Und fürs Ballett, bezahlen wir ja sowieso so viel ... Kindervorstellungen haben ihre ganz eigenen Ge-setze. Und jedes Mal, wenn man es hinter sich gebracht hat, sagt man sich: Nie wieder! Warum tut man sich das an? Kinder, die sich ihre Schritte nicht merken und dann wegen Omas Geburtstag nicht zur Hauptprobe kommen können. Mütter, die kurzerhand zur Probe mitkommen, Verbesserungs-vorschläge machen und der Ansicht sind, ihre eigene Tochter käme auf Spitze und mit etwas Glitzer im Tutu wesentlich besser zur Geltung. Und dann noch dieser Vater. Freikarte! Ist doch klar, wie der Vater vor seinem geistigen Auge rechnet: Stadttheater, 600 Plätze à 15 Euro macht 9.000 Euro. Da wird vor dem Tanzstudio Gloria bald ein neues Cabrio glänzen.

Man sollte so einen Vater mal mitnehmen,

wenn abgerechnet wird. Miete: 2500 Euro, ist ja nicht so wild. Dazu kommen 500 Euro für die Scheinwerfer, 300 für

den Tanzteppich, 400 für die Beschal-lungsanlage, 1000 für Licht- und Ton-Technikerstunden. 300 Euro für

die Einlassdamen, 60 für die Abend-kasse, 350 für das Video (wird aber super

professionell), 80 Euro Haftpflichtversiche-rung, 300 für die Feuerwehr, 500 für

die „freiwilligen Helfer“ ... Sie kennen das. Außer-

dem sind die 9.000 keine 9.000, weil es am Ende eben doch jede Menge Freikarten gibt, weil Kinder die Hälfte und Kleinkinder gar nichts bezahlen – und überhaupt. Am Ende freut man sich, wenn man 0 zu 0 davonkommt. Also, zumindest freuen sich diejenigen, die erstmals eine Kindervorstellung veranstaet haben.

Die alten Hasen wissen: Von der Bruttoeinnahme will das Finanzamt den immerhin ermäßigten Kulturmehr-wertsteuersatz von 7 % abkassieren, die Künstlerso-zialkasse fragt, wer das Plakat und das Programmheft entworfen habe und zu guter Letzt kommt die Gema. Die macht eine einfache Rechnung auf. Großer Saal, große Bühne, Supersonderextraermäßigung: 800 Euro. Plus 20 % GVL-Abgabe natürlich, was immer das auch ist. Plus Mehrwertsteuer. Jetzt wissen wir, warum die Karten bei Madonna nicht 15 sondern 150 Euro kosten. Von irgendetwas muss man schließlich leben. Und das mit dem Cabrio stellen wir zunächst noch einmal zurück. Wir erklären dem Vater also ganz höflich, dass das nichts wird mit der Freikarte und versuchen kurz zu begrün-den, was er uns ohnehin nicht glaubt: Die hohen Kosten! Dann nutzen wir die peinliche Pause im Gespräch und ergreifen mit der Bitte um 10 Euro Kostümkos-tenpauschale die Flucht nach vorn. Dem Vater fehlen die Worte. Kostümkostenpauschale? Na ja, entgeg-nen wir, die Kinder können ja nicht nackt tanzen, oder? Nein, das sieht er ein, gerade heutzutage. Wir erklären ihm, dass früher die Mütter eben die Kos-tüme immer selbst genäht hätten. Aber das war eben früher, als Frauen noch nähen konnten und tagsüber zu Hause waren. Das sieht er ein. Früher war eben alles besser. Und früher hat auch der Ballettunterricht nicht so viel gekostet, da waren die Ballettlehrer noch Idealisten.

Der Vater der Tochter macht gute Mine zum bösen Spiel, greift ins Portemonnaie und erkundigt sich ganz neben-bei nach der Kündigungsfrist.

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al„Gibt‘s denn da keine Freikarte?“

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PALUCCA SCHULE DRESDEN Hochschule für Tanz, Basteiplatz 4, 01277 Dresden Tel. +49 (0)351-25906-0, Fax + 49 (0)351-25906-11 einzige eigenständige Hochschule für Tanz in Deutschland mit Studiengängen Bühnentanz, Choreografie und Tanzpädagogik www.palucca.eu


Staatliche Ballettschule BerlinErich-Weinert-Straße 103, 10409 BerlinTel. +49 030-405779-70; Fax +49 030-405779-19Berufsbildung mit integrierter Schulausbildung Klasse 5 bis Abitur und Studiengang Bühnentanz


LOLA ROGGE SCHULELeitung: Christiane Meyer-Rogge-Turner - Staatlich anerkannteBerufsfachschule f. Tanz und Tänzerische Gymnastik im Lehrberuf.Dauer 3 Jahre; 1jährige berufsbegleitende Weiterbildung T-an-S Tanz an Schulen. D-22087 Hamburg, Landwehr 11-13, Tel.+49-40-444568, Fax 4103341 und Elbchaussee 499, Tel. +49-40-863344, [email protected]

TANZPARTERREHimmelstr. 10-16, 22299 Hamburg, Tel. +49-40-475865 Leitung: Mona Brandenburg, Prof. Training täglich 11-13 Uhr in Modern und klass. akad. Tanz

CONTEMPORARY DANCE SCHOOL HAMBURG Berufsfachschule für zeitge-nössischen Tanz. 22765 Hamburg, 3-jährige Ausbildung; Tel: +49 40 41924560 Fax: +49 40 28053310 [email protected]; www.cdsh.de

Ballettschule des HAMBURG BALLETTCaspar-Voght-Str. 54; 20535 Hamburg, Tel: +49 40 21118830/31; Fax: +49 40 21118888, E-Mail:[email protected]; www.hamburgballett.de

Schule f. Theatertanz und Tanzpädagogik Erika Klütz Hamburg, staatl. anerk. 3-jähr.Ausb.z.Lehrer(in) f. Tanz u. Tänzerische Gymnastik, www.kluetzschule.de


BALLETTSCHULE ILONKA THEISStaatlich anerkannte Berufsfachschule für Bühnentanz und Tanzpädagogik; Georgstraße 20, 30159 Hannover, Tel/Fax+49-511-323032


OFF THEATER NRW Akademie für Tanz, Theater und KulturSalzstr. 55 41460 Neuss/Düsseldorf Tel.: 02131/83319; www.off-theater.de; [email protected]


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Staatliche Hochschule für Musik und Darstellenden Kunst Mannheim - Akademie des Tanzes - N7, 18 - 68161 Mannheim, Tel. 0621/292-3515 , Fax 0621/292-2238, [email protected]; www.akademiedestanzes.de


New York City Dance School Leitzstr. 4, 70469 Stuttgart (Tanzhaus Stuttgart); Tel.: 0711-856316 Fax: 0711-857816; [email protected] www.nycds.de

DanceEmotion - freiburger akademie für tanz Bühnentanz und Tanzpädagogik / BaföG; Humboldtstr. 3; 79098 FreiburgTel.: 0761/72524 Fax: 0761/[email protected]; www.danceemotion.de

Tanz- und Theaterwerkstatt e.V. Kurse, Projekte, Produktionen, Hindenburg Str. 29; 71638 Ludwigsburg, Tel. 07141-92 05 14, [email protected], www.tanzundtheaterwerkstatt.de


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BALLETTAKADEMIE ROLEFF-KING · Bühnentanz u. TanzpädagogikEnhuberstr. 8 · 80333 München · Tel. 089/521207 · Fax 089/3105231www.ballettschule-roleff-king.de · [email protected]

Ballett und Tanzzentrum Augsburg Morellstr. 33, 86159 Augsburg; Tel.: +49 (0)821 38115, Fax.: +49 (0)821 314186, E-Mail: [email protected], Webseite: www.otevrelschule.de


BALLETT VIERU Ang. Ausbildungsschule für BühnentanzProfessionelle Ballettausbildung, Modern, Contemporary, FrüherziehungBerufsbegleitende Tanzpädagogik-Fortbildungen, Späteinsteiger-Kurse Mainberger Str. 12, 97422 Schweinfurt Tel.Fax: 09721/16800, E-Mail: [email protected], www.ballettvieru.de

BALLETTFÖRDERZENTRUM Nürnberg e.V. Gleißbühlstr. 12; 90402 NürnbergTel:0911/992399 Fax:0911/[email protected]; www.ballettförderzentrum.de

BUHL DANCERS, Ausbildung für Bühnentanz, Choreographie,Pädagogik. Haidplatz 7, D-93047 Regensburg, Büro: Seestr. 10, D-92355 Velburg/ Tel. 49 (0)9182-931981 www.imma-buhl-dancers.de

Schweiz

Züricher Hochschule der Künste, Tanz Akademie ZürichBaslerstrasse 30; CH-8048 Zürich; Tel: 0041 (0)43 446 50 30; Fax: 0041 (0)43 446 50 39; E-Mail: [email protected]; www.tanzakademie.ch

Zürcher Hochschule der Künste ZHdKDepartement Darstellende Künste und Film, Bachelor of Arts in Tanz, Neuer Vollzeitstudiengang (3 Jahre) für Zeitgenössischen TanzSeefeldstr. 225, CH-8008 Zürich, +41-43-4465322E-Mail: [email protected] Internet: www.zhdk.ch

Österreich

BALLETTSCHULE DER WIENER STAATSOPERMit Internat/Kinder ab 10 Jahren, Gymnasium/Abitur; Künstl. Leitung: Gyula Harangozó Geschäftsf. Leitung: Jolantha Seyfried, Admin. Leitung: Frau Dr. Gabriele Schacherl; A-1010 Wien, Goethegasse 1Tel.+43-1-51444-2641, Fax -2631; www.opera-balletschool.com

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„Laura und die Primaballerina“ – Folge 3 Bestell-Nr.: 06025 273785 4 (1)1 CD – Spieldauer ca. 60 Minuten Laura tanzt in der Anfängerklasse bei Ma-dame Moulin. Da besucht eine Primaballe-rina aus Sankt Petersburg die Ballettschule. Das russische Ballett ist so ganz anders als das, was Laura bisher kennt – aber genauso aufregend und faszinierend. Wird Laura die Gelegenheit erhalten, von der großen Solo-tänzerin zu lernen?

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neuen Ballett-Hörspiele von „LAURA“

(erschienen in Carlsen Verlag). Sende eine

E-Mail bis zum 25. Dezember 2010 mit dei-

ner Adresse, Altersangabe und seit wann

du Ballett übst an die Redaktion. E-Mail:

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„Laura tanzt mit einem Jungen“ – Folge 4 Bestell-Nr.: 06025 273785 5 (8)1 CD – Spieldauer ca. 55 MinutenPreis ca. 7,99 € - empfohlen ab 5 JahrenLauras große Liebe ist das Ballett. Die Mäd-chen in der Ballettschule teilen ihre Leiden-schaft für den klassischen Tanz. Jungs sind dort Mangelware. Deshalb ist die Aufregung groß, als Tristan zum Unterricht erscheint. Ein Junge! Was will der in ihrer Ballettschu-le? Können Jungs überhaupt tanzen?

Die Kinderbuchautorin Dagmar Hoßfeld verzaubert mit ihren gleichnamigen Laura-Büchern (Carlsen Verlag) ballettbegeister-te Mädchen ab 5 Jahren. Die Geschichten aus dem Alltag kleiner Ballerinen sind gut recherchiert und sehr authentisch. Mit je-der neuen Geschichte erfahren die kleinen Zuhörer etwas mehr über die Welt des Bal-letts und der Klassischen Musik. Wer aber glaubt, dass Ballett nur etwas für Mädchen ist, wird in der neuen Folge „Laura tanzt mit einem Jungen“ eines Besseren belehrt. In der Folge „Laura und die Primaballerina“ lernt Laura, dass es ein harter und langer Weg ist, bis man eine bedeutende Tänze-rin wird. Dazu gehören auch Vorbilder, die sehr motivieren können.


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KIDS AUFGEPASST!

Liebe Kinder,

Vier kleine Schwäne

Männer als Schwäne

Der sterbende Schwan

bald beginnt die Weihnachtszeit. Dann wer-den romantische Ballette besonders häufig auf der Bühne gezeigt. Am bekanntesten ist natürlich das Ballettmärchen vom Nusskna-cker und Mäusekönig. Aber auch „Schwa-nensee“ sieht im Winter oft auf den Spiel-plänen der Theater. Die Figur der Prinzessin Odette, die von Zauberer Rotbart in einen Schwan verwandelt wurde und sich in Prinz Siegfried verliebt, gehört zu den berühm-testen der Ballettgeschichte. Technisch wie auch darstellerisch ist es sehr schwer diese Rolle zu tanzen. So sind es unter anderen die 32 Fouettés aus dem 3. Akt, die Pierina Legnani, erste Prima-Ballerina Assoluta des Mariinski-Theaters, berühmt gemacht ha-ben. Darstellerisch ist die Solorolle vor allem dann anspruchsvoll, wenn Odette und ihre Widersacherin Odile von ein und derselben Tänzerin dargestellt wird. Ist Odette gut und sanftmütig, so verkörpert Odile als schwar-zer Schwan, der den Prinzen betört und ihn so die Treue zu Odette brechen lässt, das Böse, Dämonische.

Michel Fokine schreib das Solo 1907 für die berühmte russische Tänzerin Anna Pawlo-wa. Die Choreografie zur Musik von Camille Saint-Saëns aus „Karneval der Tiere“ beträgt nur etwa drei Minuten. Und doch gehören die Armschwünge, inspiriert vom zeitge-nössischen Tanz der Isadora Duncan, zu den traurig-schönsten der Ballettgeschichte.

Neben dem Corps de ballet, das in der klas-sischen Schwanensee-Interpretation eini-ges zu tun hat, damit die geometrisch-syn-chronen Figuren auch wirklich gut wirken, gibt es noch weitere Schwäne, die berühmt geworden sind. Zum einen sind es die vier kleinen Schwäne aus dem 2. Akt, die, in einer Reihe aufgestellt, wunderbar verspielt wir-ken. Zum anderen ist es die Solo-Choreogra-fie Michel Fokines, „Der sterbende Schwan“.

Wer von euch denkt, dass Schwäne nur von Frauen getanzt werden könnten, irrt gewal-tig. Matthew Bournes hat mit seiner zeit-genössischen Interpretation „Swan Lake“ bewiesen, dass Männer großartige Schwäne tanzen können, zwar weniger filigran, dafür näher an der Natur.

Eure Isabell

Schwäne im Ballett

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„Ballett“ von Rebecca Hoppé

Von Dagmar Ellen FischerEine Hand tanzt neben einem Fuß auf dem dunklen Holzboden – beide gehören Sébastien Thill, einem ehe-maligen Tänzer des „Hamburg Ballett“. Andere Mitglieder der berühmten Company wurden während einer Probe im Sprung oder hoch konzent-riert auf der Bühne festgehalten. Oder aber ganz privat, nackt und unge-schützt. Dass sie sich so zeigen konn-ten, liegt am besonderen Blick der Fotografin – Rebecca Hoppé beglei-tete die Tänzer des „Hamburg Ballett“ acht Jahre lang. Das Ergebnis ist nun in einem Bildband auf 208 Seiten zu bewundern: Kunstvolle Fotografien, die nicht digital, sondern altmo-disch analog in schwarz-weiß hergestellt wurden, per Handabzug entstandene Porträts und Momentaufnahmen des Tanzes. Dass

die Fotografin als Kind selbst einige Jahre John Neumeiers Ballettschule in Hamburg besuchte, hilft bei der Begegnung mit und der Nähe zu den Tänzern. Aber vielleicht wirkt da auch ein Gen, das der berühmte Fotograf E. O. Hoppé an seine Urenkelin weitergeben konnte: Er lichtete vor rund 100 Jahren Tänzer der „Ballets Russes“ ab, Tamara Karsawina und Waslaw Nijinsky gehörten zu seinen Motiven. Anders, sinn-lich und berührend, setzt Rebecca Hoppé die Tradition der Ballettfotografie fort. ISBN 978-3-941387-77-3

Hinter den Linden - Das Berliner Staatsballett von Kerstin Zillmer

Die Berliner Staatsoper „Unter den Linden“ als reale Welt im Foto, fest-gehalten von der Berliner Fotografin Kerstin Zillmer. Die entstande-nen Bilder sind eine Mixtur aus Poesie des Tanzes und friedlicher Unordnung. In den Bildern ist der Alltag des Staatsballetts omnipräsent. Verbrauchte Spitzenschuhe, Pantalons, Tütüs, Trikots sind in jedem Bild zu sehen, genau wie alte Fensterrahmen oder schlappe Gardinen. Ein Stillleben kurz von dem Abschied. Ende einer Epoche. Die Lindenoper wird saniert.

Kerstin Zillmer deutet in ihrem Werk an, was ihm vorausgeht: der Makel des Alltags. 50 Jahre Ballett unter den Linden sind in den Bildern als intime Welt an einem historischen Ort festgehalten. Jutta Voigt fügt dem interessanten Fotoband ergänzend ein Essay hinzu. ISBN 978-3-89466-298-1

POLINA - Aus der Moskauer Vorstadt auf die großen Bühnen der Weltvon Gerhard Haase-Hindenberg

Ich war kein Wunderkind , sagt die heute 25-jährige Polina Semionova. Aber sie hatte einen Traum. Den zu verwirklichen, trainierte sie bis zur Erschöpfung. Der Bolschoi-Star Yuri Vasjuchenko glaubte, in dem schmächtigen Mädchen die größte Ballerina des neuen Jahrhunderts zu erkennen. Gegen Widerstände setzte er Polina auf internationalen Wettbewerben durch. Der Aufstieg zum Weltruhm begann, als Wladimir Malakhov die 18-Jährige als Primaballerina an das Berliner Staatsballett holte. Gerhard Haase-Hindenberg erzählt nach vielen Gesprächen mit Polina Semionova die ungewöhnliche Geschichte eines jungen Mädchens, das unter härtesten Bedingungen seinen großen Traum verwirklichte.

Über den AutorGerhard Haase-Hindenberg, Jg. 1953, siedelte nach dem Abitur zeitwei-lig in die DDR über und studierte an der Hochschule für Schauspielkunst ‚Ernst Busch‘ in Ost-Berlin. Er arbeitet als Schauspieler, Regisseur und Autor für Theater und Film. Regelmäßig publiziert Haase-Hindenberg Reportagen und Interviews in überregionalen Zeitungen und Magazinen, sowie für diverse Hörfunkformate. ISBN: 978-3-8025-3714-1

BÜCHER

TANGOWehmut, die man tanzenkann von Salas & LatoEdition Elke Heidenreich beiC. Bertelsmann

Im vergangenen Jahr wurde der Tango von der UNESCO zum Weltkulturerbe ernannt. Vor 140 Jahren entstand der Tanz im verarmten Arbeiterviertel am Rio de la Plata als Summe mensch-licher Empfindungen, mit tiefen

Sehnsüchten und Leidenschaft. Der Argentinier Horacio Salas, weltweit bekannter Tango-Experte, sowie Illustrator Lato erzählen durch Wort und Zeichnung die Geschichte des Tango. Mit Ihrem ungewöhnlichen Buch gelingt es Ihnen, diesen Tanzstil transpa-rent zu präsentieren, in enger Verschmelzung mit der Geschichte Argentiniens. ISBN 978-3-570-58021-9

Bewegtes Wissen von Antja Kennedy, mit Zeichnungen von Elisabeth HoweyLaban / Bartnenief -Bewegungsstudien verstehen und erleben

„Bewegtes Wissen“ versteht sich als „schließende Lücke“ in der Literatur um die „Bartenieff Fundamentals“. Das Buch soll neugierig machen auf die praktische Arbeit von Irmgard Bartenieff (Schülerin des berühmten Rudolf von Laban), bezie-hungsweise bereits vorhandenes Wissen von Ausdruckstanz und Tanztherapie ergänzen. Eine DVD mit praktischen Beispielen liegt diesem inspirierenden Buch bei. ISBN 978-3-8325-2263-6

Rebecca Hoppé © Lea Fischer



It’s impossible to think of the Ballets Russes without remem-bering Tamara Karsavina: “Diaghilev’s Ballerina”, as Andrew R Foster describes her in his new biography. She is so well

known as the creator of roles such as the Girl in Spectre de la Rose, the ballerina doll in Petrushka and the title role in The Firebird, that it is easy to forget she had a parallel career as Imperial prima ballerina.

Foster has been researching Karsavina’s life and career for more than thirty years and has amassed the largest collec-tion of photographs of her in private hands. But he has done more than admire them. Through detailed study he has been able to find firm dates for many of them and iden-tify many of the people who appear in informal pictures of the ballerina.

He has also compiled an exhaustive list of her roles, both with Diaghilev and with the Imperial Ballet, plus concert and guest appearances, together with the dates when she first performed them.

Anyone who has read Karsavina’s own memoir, Theatre Street might be forgiven for imagining that they already know the great ballerina, it is written in such a fresh and candid fashion. Anyone who hasn’t read it should do so, if only for a glimpse into an en-closed world, now vanished for ever. But, as she told the writer and critic Richard Buckle, “there were things that my pudeur pre-vented me from having published during my lifetime”.

So Foster tells us about her first marriage to Vasili Mukhin, follow-ing Michel Fokine’s unsuccessful proposal, and her first meeting with the English diplomat Henry Bruce who was to become the

father of her only child and her husband.

Karsavina Tamara

Tamara Karsavina (around 1911, author’s collection)





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Wir sind eine große, gut eingeführte Ballettschule im Bodenseeraum und suchen zum März/April 2011 eine ausgebildete und engagierte Lehrkraft

(w/m) für Klassisches Ballett (gerne RAD) in allen Altersstufen.

Eine fundierte, pädagogische Ausbildung setzen wir voraus, ebenso Unterrichtserfahrung und Freude am Umgang mit Menschen.

Kontakt: Tel. Nr.+Fax 0751 - 21852 oder [email protected]

Wir würden uns über ein neues Mitglied unseres Teams freuen und geben gerne Unterstützung beim Start.

StreetDance 3D endlich auf DVD und Blu-rayWas hat klassisches Balett mit modernem Streetdance gemeinsam? Auf den ersten Blick nicht viel, denn weder die ruhigen Musikstücke, noch die coolen Hip Hop Sounds lassen sich irgendwie vereinen. Wenn aber zwei so unterschiedliche Welten aufeinander treffen, können auch einzigar-tige Verbindungen entstehen, die im ersten komplett in 3D produzierte Tanzfilm perfekt in Szene

gesetzt wurden. In einer temporeichen Mischung aus Musik, Tanz und vor allem Leidenschaft geht StreetDance 3D direkt unter die Haut und lässt keinen Zuschauer still sitzen.

In dem Kino-Hit, der allein in Deutschland über eine halbe Million Zuschauer begeisterte, über-zeugen nicht nur die preisgekrönten Streetdance-Acts Flawless und Diversity mit einzigartigen Choerographien, denn auch der 17-jährige George

Sampson, Gewinner von ‚Britain‘s Got Talent‘ 2008, dufte in dem rasanten Tanzfilm sein Können unter Beweis stellen. Daneben konnten zahlreiche namhafte Sänger für den Soundtrack gewon-nen werden, denn sowohl N-Dubz, Chipmunk, Pixie Lott, Cheryl Cole und Tinie Tempah sind mit Tracks im Film vertreten.

But it is the pictures that form the heart of the book, beautifully re-produced and sensibly arranged. Karsavina was an exceptionally beautiful woman with wonderfully expressive dark eyes which she may have inherited from her Greek grandmother.

Through the photographs one watches her grow from the serious student in her blue cashmere dress and white apron to the accred-ited beauty posing in fashionable clothes. The chronicle of her life takes the reader to the point where she left Russia for the last time and is interspersed with sections on ballets with which she is par-ticularly associated. This means that there is some repetition, but given the structure Foster has chosen, that was perhaps inevitable. He has also included some quotations from contemporary observ-ers. So it is that we learn that initially, her technique was considered weak, but she was backed by the theatre’s director Teliakovsky who

discerned her qualities and wrote in his diary; “Karsavina was de-lightful as always. If she has enough strength to dance in The Hump-backed Horse, then she could make a ballerina”. She certainly proved him right, her strength and technique improving to the point where, arriving in St Petersburg from a busy tour with Diaghilev, she danced three performances of The Sleeping Beauty in just two weeks.

With this book Foster has provided a worthy tribute to a great bal-lerina. Whether you are looking for hard information or simply ad-miring Karsavina’s beauty and evident charm you are unlikely to be disappointed. Tamara Karsavina – Diaghilev’s ballerina is available from Amazon or from dancebooks.co.uk; price £40.

Judith Cruickshank

new biography november / dezember 2010 31




Bestes TanzenBallroom

und WeltniveauVon Ute Fischbach-Kirchgraber

Man muss nicht mehr unbedingt nach Blackpool fahren, dem Tanzmekka

schlechthin. Stuttgart tut es auch. Denn wäh-rend in den ehrwürdigen englischen Hallen parallel zur Vormachtstellung der Briten der Stuck von der Decke bröckelt, hat sich die Stuttgarter German Open inzwischen zum größten Tanzturnier der Welt gemausert – mit internationaler Top-Besetzung. So konn-ten die Veranstalter stolz vermelden, dass in den höchsten Amateurklassen sowohl in Latein als auch in Standard die jeweils zwölf Besten der weltweiten Rangliste angetreten sind, und auch bei den Professionals gaben sich etliche Weltmeister die Ehre. Freude schöner Götterfunke also im riesig dimen-sionierten Beethovensaal, während weitere Turniere, vor allem Jugend nebenan im He-gelsaal, nicht minder Anlass zum Staunen gab. Die Reithalle als dritter Veranstaltungs-ort bringt zusätzlich nostalgisches Ball-Flair ins Spiel und ist ob dieser Atmosphäre vor allem bei Standardtänzern überaus beliebt.

Schade nur, dass sich trotz gutem Publi-kumsandrang die reinen Zuschauer eher in der Minderheit befinden, fast jeder Be-sucher tanzt selbst oder hat selbst getanzt. Das führt dazu, dass man sich geradezu in einer geschlossenen Gesellschaft befindet, die sich dann auch entsprechend geriert. So kann es einem durchaus passieren, dass man im Hegelsaal Junioren-Latein besichtigt und sich ein Mädel neben einem mit drei Spray-dosen von Selbstbräuner bis Haarspray für

die nächste Runde einnebelt, ganz so als würde es keine Garderoben geben. Gespro-chen wird übrigens russisch – das Land, aus dem der meiste Nachwuchs stammt. Aber was da kommt, ist außerordentlich vielver-sprechend. Wer da Zehnjährige sieht, die mit der natürlichsten Selbstverständlichkeit Fotos: Thomas Kirchgraber

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der Welt Sex-Appeal wie die Großen ver-strömen und eine richtige Performance ab-liefern, gerät ins Staunen. Die Schnelligkeit der Bewegungen und Drehungen, die Elas-tizität und Präzision, mit der sich die Kleinen verkaufen, verrät viel von hartem Training und Drill. Auch im Standardbereich sind beneidenswerte Promenadenpositionen zu besichtigen, Musikalität zu bestaunen und eine unaufgeregte Floorcraft, wie sie den Großen gelegentlich nicht so gut gelingt. Wer in Stuttgart bei der GOC antritt, hat be-reits eine lange Turnier-Karriere hinter sich und ist fest entschlossen, zu gewinnen.

Das Publikum durfte also Bestleistungen erwarten und sich Anregungen fürs eigene Tuniertanzen holen. Denn neben der Quali-tät des Vorgeführten ist die GOC auch immer gut, um Entwicklungen nachzuspüren und Moden zu entdecken. Denn auch das Tur-niertanzen ändert sich ständig. Der Einsatz von Energie wird immer stärker und sprengt gerade im Amateurbereich die Regel, dass keine Kräfte nach außen verschleudert wer-den sollten. Inzwischen macht man sich ei-nen richtigen Sport daraus. Der Quickstep hat an Rasanz ungeheuer zugelegt, nicht

nur an Tempo, sondern auch an Sprüngen, die oft schon wie Ballett aussehen. Im Tan-go wird wieder verstärkt mit Headbang gearbeitet, dem peitschenden Effekt der entsteht, wenn eine Bewegung abrupt ge-stoppt wird. Im Langsamen Walzer sowie im Slowfox zeigen sich Checks und Posen overextended. Der Wiener Walzer wird noch schneller durch nun erlaubte Achsen. Vorbei die Zeiten, da es tadelnd hieß: „No pivots please“. Wovon die Paare allerdings nicht allzu exzessiv Gebrauch machten. Denn Standing Spin und Fleckerl bieten oh-nehin Gelegenheit zum Virtuosen. Bestens demonstriert von Domenico Soale, dem so sympathischen weil innovativen Amateur-weltmeister, der nun sein Glück bei den Pro-fessionals versucht. Er absolvierte nicht weniger als 32 Takte lang Fleckerl, was vergleichbar ist mit den 32 Fouettés aus der „Schwanensee“. Am Ende wurde er Zweiter hinter Mirko Gozzoli, dem lange Zeit unangefochtenen Professional-Weltmeister, der nun mit seiner neuer Part-nerin Edita Daniute antrat. Sascha und Na-tascha Karabey, die erst am Turniertag aus Japan zurückgekommen waren, schafften dennoch den dritten Rang.

Im Amateurlager verteidigten die deutschen Weltmeister Benedetto Ferruggia und Clau-dia Köhler ihren Platz an der Weltspitze er-folgreich gegen die ungemein weich und harmonisch tanzenden Dänen Emanuel Va-leri / Tania Kehlet. Simone Segatori und An-nette Sudol konnten sich den dritten Platz sichern. Auch im Professional-Lateinlager waren die deutschen Paare ausgesprochen erfolgreich. An Franco Formica und Oxana Lebedev führt ohnehin kein Weg vorbei, Markus Homm und Ksenia Kaspar wurden Dritte.Fast noch spannender als die Mammut-Tur-niere der German Open gestaltete sich die Deutsche Meisterschaft der Professionals über 10 Tänze in Chemnitz, ausgetragen in zwei Turnieren, Standard und Latein, die auch von Paaren wahrgenommen wurden, die nur in einer Sektion tanzen. Denn durch die kleineren Starterfelder treffen Paare

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Die German Open Championships haben die bisher größte Turnierveran-staltung in Moskau überflügelt. Tän-zer aus 47 Nationen kamen nach Stutt-gart, 3905 Paare starten fünf Tage lang in Standard- und Lateindisziplin. Kin-der, Jugendliche, Hauptgruppe und Senioren kämpften um den Einzug ins Finale der 33 Einzelturniere.

Getanzt wurde parallel in drei Ver-anstaltungssälen - eine logistische Leistung von Veranstaltungsdirektor Harry Körner, denn neben den Tän-zern mussten auch die Internationa-len Wertungsrichter betreut werden ebenso wie Turnierleiter-Teams.

Im Medaillenspiegel liegt Russland unangefochten vorne mit 16 Goldme-daillen. Der Sieg von Ferrugia / Köhler beim letzten Turnier der GOC sicherte Deutschland den zweiten Platz vor Italien.

Bemerkenswertes am Rande: In den Standard-Finalen tummeln sich jede Menge italienischer Herren, die je-doch nicht immer für Italien antreten. So sind beispielsweise die deutschen Top-Damen Claudia Köhler und An-nette Sudol mit einem italienischen Partner am Start. Ein Anlaß für Späß-chen: italienische Herren tanzen nur deshalb so gerne, weil sie endlich auch was zu vermelden haben wollen...

aufeinander, die sich in einem großen Tur-nier nie begegnen würden, weil manche da schon längst ausgeschieden wären. Schließ-lich wird die Teilnehmerzahl von Runde zu Runde verringert, teils halbiert, bis die letz-ten sechs ins Finale einziehen. Dass es sich durchaus um klasse Tänzer handelt, die im Amateurbereich mindestens auf Landesebe-ne durchaus an der Spitze bestehen können, steht außer Frage. Doch wenn sie direkt ne-ben Weltmeistern auftreten und womöglich die gleiche Schrittfolge nebeneinander her-tanzen, werden auch fürs breitere Publikum Unterschiede sichtbar. Besonders krass ist das bei den Lateinern. Denn Franco For-mica gab sich die Ehre und zeigte outstan-ding warum er einer der besten Tänzer der Welt ist. Keiner der ebenfalls international anerkannten Verfolger wie Jesper Birkhoj mit Anastasia Kravchenko oder Ex-Welt-meisterin Debbie Seefeld (die mit Sergiy Plyuta wieder einmal einen neuen Partner verschleißt) können mithalten, wenn es um Schnelligkeit der Bewegung, spielerischen Umgang mit Partnerin und Musik, Innigkeit und Explosivität gleichermaßen geht. Die hervorragende Regel, je einen Tanz nur mit Basic-Figuren zu bestreiten, die auch Tanz-schulschüler kennen, zeigt, was Technik und Musikalität zu leisten vermögen. So waren im Standardbereich Sascha und Natascha Karabey, gefolgt von Rüdiger Homm und Viktorija Triscuka (übrigens 7. bei der Ger-man Open), eine Klasse für sich. Oliver und Jasmin Rehder (Gewinner der Rising Star Standard bei der GOC) können da noch nicht mithalten, ihr Tanzen wirkt im Vergleich zu leichtgewichtig (Platz 3).Dass Paare, die beide Sektionen tanzen, nicht in jeder Disziplin auf höchstem Niveau sein können, versteht sich. So reichte es nur gelegentlich zur Finalteilnahme. Und das Feld der Zehntänzer liegt leistungsmäßig relativ dicht beisammen. Im Standardfeld fällt da im Vergleich zur Weltspitze eine ge-wisse Steifheit auf, ein zu schnelles Erreichen der Endposition, bei Latein eher geringere Elastizität und emotionale Harmlosigkeit (gelegentlich auch jeweils nur von einem der Tänzer im Paar). Dennoch konnte man hervorragende Leistungen bewundern. Boris und Madeleine Rohne verteidigten ihren Titel als Deutsche Professional Zehn-tänzemeister erfolgreich, gefolgt von Stefan Heinrich / Manuela-Agata Brychzy sowie Juri und Aleksandra Kaiser. Angenehme Überra-schung im Starterfeld: die Newcomer Mat-thias Wirth und Annelie Röhrl auf Platz 4.

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Einmal „Odette“ in Schwanensee sein, die „Carmen“ von Mats Ek oder Nijinskis „Faun“. Wohl fast jeder Tänzer träumt irgendwann von einer ganz bestimmten Rolle. Wir wollten wissen: Was reizt die Tänzer an dieser Figur? Wo steckt die

choreografische Herausforderung? Und wie fühlen sie sich dabei? Thiago Bordin und Hélène Bochet vom Hamburg Ballett sowie Rex Harrington, ehemals Star

des National Ballet of Canada, haben mit uns darüber gesprochen.

Traumrollen: Armand, La Sylphide, Onegin

Thiago BordinAnspruchsvoll und romantisch: John Neumeiers „Kameliendame“

über seine Rolle als ArmandVon Dagmar Ellen Fischer

Als der kleine, brasilianische Junge so gar kein Interesse für Fußball, dafür umso mehr am Tanz zeigte, hielt man ihn für krank – nur mühsam konnte Thiago Bordin seine Familie in Sao Paulo davon überzeugen, dass er auf eine Bühne und nicht ins Stadion gehört!

Seine steile Karriere als Tänzer wurde 2010 mit dem „Prix Benois de la Danse“ gekrönt, dem Oscar der Tanzwelt. Und diese höchste Auszeichnung erhielt er für seine Interpretation des Armand, jenes leidenschaftlichen Liebhabers von Marguerite, besser bekannt als „Die Kameliendame“. John Neumeiers getan-zte Version der Weltliteratur wurde 1978 in Stuttgart uraufgeführt.

13 Jahre war Thiago, als er sich in Brasilien das Ballett-Video kaufte, mit Marcia Haydée in der Titelrolle der kran-ken Kurtisane und Ivan Liška als ihrem jüngeren Lover Armand. Seither träumte Thiago davon, diese Rolle irgendwann einmal zu tanzen. Dieser Traum ging nun in Hamburg in Erfüllung. „Ich liebe dieses Ballett, die Musik von Chopin und die besondere Art, wie John Neumeier die traurige Geschichte erzählt.“ Seit 2001 gehört Thiago Bordin zum „Hamburg Ballett“, 2006 wurde er zum jüngsten Ersten Solisten der Company ernannt. „Ich bin ein Romantiker,“ sagt der heute 27-jährige Tänzer und erklärt so die emotionale Nähe zu

seiner Lieblingsrolle. Deren besondere Herausforderung liegt in dem ständig sich ändernden Gefühlszustand, denn die Liebe zwischen der schwindsüchtigen „Kameliendame“ und ihrem Geliebten hat keinen Bestand. Drei Pas de deux beschreiben die Beziehung der beiden, und alle drei sind extrem anspruchsvoll und fordern komplizierteste Hebungen. Doch die besondere Schwierigkeit liegt in der Balance zwischen einer eigentlich unkontrollierten Leidenschaft, die der Liebhaber zeigen muss, und den technischen Ansprüchen, die dabei zu meistern sind – ein Widerspruch, den

das Publikum nicht spüren soll. Kevin Haigen, Erster Ballettmeister beim „Hamburg Ballett“, war hier die wich-tigste Hilfe des Tänzers. „Beim dritten, dem sogenannten schwarzen Pas de deux (weil Marguerite ein schwarzes Kleid trägt), bin ich – oder ist Armand – schon sehr erschöpft, aber es ist genau diese Müdigkeit, die John Neumeier braucht und nutzt, um das dramatische Ende der Beziehung zu zeigen!“ Thiago Bordins Lieblings-Pas de deux jedoch ist jenes im zweiten Akt, weil es die unbeschwerten Momente des verliebten Paares zeigt – Romantik pur eben.

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Hélène Bouchet

Mit ihr lernte das Ballett fliegen: „La Sylphide“, das flatterhafte Elfenwesen, setzte den Tanz auf Spitze durch. Zwar gab es schon Jahre zuvor Versuche, sich auf den Fußspitzen zu halten, doch erst nach der Pariser Premiere 1832 musste jede Tänzerin, die etwas auf sich hielt, kleine Holzstückchen vor die Zehen binden, um den Bodenkontakt so gering wie nötig, den Schwebezustand dafür so perfekt wie möglich zu halten. Marie Taglioni tanzte die Titelrolle in der Uraufführung, mit kleinen Flügeln auf dem Rücken und einem mehrschichtigen Rock aus leichtem Stoff, der die Illusion des Fliegens bei jedem Sprung unter-stützte.

Hélène Bouchet, Erste Solistin des „Hamburg Ballett“, verkörperte „La Sylphide“ im 21. Jahrhundert. „Um in diesem romantischen Stil tanzen zu kön-nen, musste ich vieles vergessen, was im klassischen Ballett heute täglich trainiert wird. Denn damals waren die Schuhe viel weicher, die Bewegungen runder und der Oberkörper war immer ein wenig vorgeneigt in einer leichten Diagonale.“ Selbst eine Balance gestaltete sich anders: „Heute setze ich eine Balance zum Beispiel über ein Piqué an und halte sie.

Damals gab es keinen Haltepunkt in der Balance, die Tänzerin war ständig in Bewegung!“ Entsprechend ist auch die Technik für Beine und Füße eine andere, „stricken mit den Füßen“ nennt die Französin die unzähligen Batterien, die vielen Pas de Bourrées, Ronde de Jambes und kleinen Schritte, die dem ätherischen, fantastischen Sylphiden-Wesen abverlangt werden. Schier endlos erschien Hélène Bouchet die Anzahl der Variationen, die Pierre Lacotte von der Pariser Oper mit ihr einstudierte – er kennt wirklich jede noch so winzige Bewegung des Balletts.

Von Dagmar Ellen Fischer

Die Wandlung der „Sylphide“

„La Sylphide“ gehört zu den anspruchs-vollsten Herausforderungen, die an eine Ballerina gestellt werden, erst recht unter den Werken des 19. Jahrhunderts. „Der zweite Akt ist extrem anstrengend“, erzählt die 29-jährige Tänzerin, die 2010 den „Prix Benois de la Danse“ für die Rolle der Eurydike in John Neumeiers „Orpheus“ erhielt, „denn als Sylphide hat man keinen Moment der Ruhe, sie ist permanent da, tanzt durch den Wald

und muss alles geben!“ So groß die Angst vor dem Auftritt, so wunderbar das Gefühl danach: „Wenn ich nach Hause gehe, bin ich nach „La Sylphide“ jedes Mal noch glücklicher, es geschafft zu haben, als nach jedem anderen Ballett!“

über die Elfe, gestern und heute

Traumrollen

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REX HARRINGTON

Rex Harrington, former star of the National Ballet of Canada, can’t even remember how many times he danced the title role in John Cranko’s Onegin, but now that he’s teaching it to younger dancers he’s constantly reminded how challenging it is, technically and dra-matically. The lead couple, Onegin and Tatiana, dance three big pas de deux; one for each act. They’re familiarly known as the “book,” “mirror” and “bedroom” duets. The last two, with their spectacu-lar lifts, may appear to audiences as the most technically daunting but even now, six years after his final performance, Harrington remembers Act I as “a killer.”

“People judge by all the heaving and hauling in Acts 2 and 3. Yes, they are hard,” explains Harrington. “Because of the way the lifts work, it’s difficult to breath and despite everything you still have to make sure you’ve got some line left. But Act 1 really takes its toll. The movement appears deceptively easy and simple but in fact it’s so controlled. Even Onegin’s opening pirouettes have to be minutely calibrated and musically expressive. By the end of it, you’re dead.”

Onegin is the role most closely associ-ated with Harrington during his long career. “I guess I can now claim to know Onegin inside out,” he says. Harrington’s first Tatiana in 1988 was with renowned Canadian star Evelyn Hart. Through the next 16 years, at home in Toronto and abroad, Harrington performed it with at least a dozen different Tatianas, includ-ing such internationally celebrated bal-lerinas as Alessandra Ferri, Carla Fracci, Karen Kain and Ekaterina Maximova. He particularly recalls the nerve-wracking honour of being invited to dance Onegin with Stuttgart Ballet, where Cranko’s masterwork had its premiere in 1965.

Looking back, Harrington says that in the early years he probably over-embel-lished his interpretation but learned with

By Michael Crabb

experience that “less is more.” Now that he coaches the role, apart from explain-ing the mechanics of the partnering – where to grasp the ballerina, how to shift one’s weight – he puts special emphasis on the dramatic evolution of the char-acter.

“I explain to them that when you first come on you can’t play too cold and nasty or the audience will never feel any sympathy for Onegin. It took me years of thought and experiment before I truly felt I’d found the character.”

Traumrollen

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Von Mihaela Vieru

Kunst ist etwas Sonderbares: Sie ist frei ge-staltbar, frei bewertbar und ein vielseitig verwendbares Medium. Sie ist so beliebig in-terpretierbar wie die Religion. Es gibt keine konkreten Formen, keine objektiven Maß-stäbe für den Wert der Kunst.

Diese geheimnisvolle Mehrdeutigkeit dient Künstlern dazu, uns ihre persönlichen In-terpretationen anzubieten. In jede neue Kreation entsteht jedoch immer wieder mal ein Zweifel, ob das Kunst sei oder nicht. Ich denke, jede Form von Ausdruck besitzt Qualität, wenn sie Prozesse auslöst, seien es Gedanken oder Gefühle. Im Tanz – die Kunst des Unbeschreiblichen par excellence - ist besonders schwer zu beantworten, was Kunst ist und was nicht. Letztendlich ist das Urteil des Einzelnen für sich selbst entscheidend. Kunst dient an erster Stelle dem Künstler selbst und natürlich der Ge-sellschaft; sie kann etwas verdeutlichen, erzeugen, von Wesentlichem ablenken, zur Einseitigkeit verführen oder auch zur Speku-lation benutzt werden. Manchmal kann die Kreativität und Originalität gesellschaftliche Bedeutung eines Künstlers erzeugen. Dieser Künstler kann dann die Freiheit haben, alles zu kreieren, was er sich vorstellt und sich damit weiter entwickeln. Der Gesellschaft erweist er auch einen großen Dienst. Doch wie Bertold Brecht schon sagte: „Der Künst-ler hat nicht nur die Verantwortung vor der Gesellschaft. Er zieht auch die Gesellschaft zur Verantwortung.“

Mit Spannung erwartet, stellte der bekann-te, französische Choreograf Angelin Pre-liocaj vor mehr als 3000 Zuschauern Ende September seine Weltpremiere unter dem Namen „Création 2010 – Und dann tausend Jahre Ruhe“ bei der Biennale de la Danse in Lyon vor. Das Besondere dabei ist die Zu-sammenarbeit seiner Compagnie mit zehn Tänzern des Bolshoi Balletts, eine äußerst bereichernde Erfahrung für beide Seiten. Denn die eher klassisch orientierten Bols-hoi-Tänzer in perfekten Einklang mit den modern ausgerichteten, multikulturellen

Preliocaj-Tänzern zu bringen, war alleine schon ein Versuch Wert und zugleich auch ein interkulturelles Abenteuer. Ich sprach mit dem französischen Avantgarde-Choreo-grafen nach seiner Premiere in Lyon über die neue Choreografie, sein Engagement und seine künstlerische Vision.

AP: „Alexej Ratmansky fragte mich vor drei Jahren, ob ich für das Bolshoi Ballet ein neues Stück kreieren würde. Das nahm ich damals mit großem Enthusiasmus an. Wir dachten, es würde sich sehr gut anlässlich des Frank-reich-Russland-Jahres 2010 eignen. Es war eine große Chance. Die Arbeit war mühsam und nahm sehr viel Zeit in Anspruch, doch die Möglichkeit eines Austauschs durch den Tanz und die Bewegung sah ich als große Herausforderung an. Wir starteten unsere Arbeit zunächst in Aix-en-Provence und erst später in Moskau. Das war gut für die russi-schen Tänzern, denn sie fühlten sich freier in ihren persönlichen und kreativen Hand-lungen. Dass mein choreografischer Stil so-wohl die Erarbeitung einer klaren Struktur wie auch ein gewisses Maß an Improvisation beinhaltet, war für die Bolshoi-Tänzer zuerst bizarr. Doch mit der Zeit verstanden sie mei-ne Intention, befreiten sich und erreichten unglaubliche, kreative Ebenen. Wir zeitge-nössischen Künstler denken heute, dass wir der Avantgarde angehören. Doch nach mei-ner Zusammenarbeit mit den Bolshoi-Tän-zern habe ich gemerkt, dass wir uns selbst dadurch verändert und zu neuer Inspiration

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gefunden haben.“ Das Ballett trug ursprüng-lich den Titel „Apokalypse“, was manche als abstoßend empfanden. So änderte man den Namen in „Création 2010 – Und dann Eintau-sendjahre Frieden“. Wenngleich Preliocaj die Bedeutung „Apocalypse“ (aus dem Griechi-schen apo: „heben“ und calypsis: „Schleier“, „Offenbarung“) als Quelle der Interpretation benutzt, darf man hier nicht nach Bildern oder Klischees suchen, die den berühmten, prophetischen Text der „Offenbarung des Johannes“ veranschaulichen. Preliocajs Aus-legung – auf die er auch im Programmheft

hinweist - erinnert an die Idee der Offenba-rung, Enthüllung beziehungsweise an das Hervorheben von Elementen, die in unserer Welt vorhanden sein könnten, aber unseren Augen verborgen sind. Es sollte hervorrufen, was sich im Innersten unseres Daseins befin-det, statt die katastrophale, irreparable Zer-störung oder das bevorstehende Ende der Welt zu prophezeien. Die Botschaft darin leitet den Grund-Gedanken an eine Revolu-tion, die darauf abzielt, eine neue Weltord-nung und Frieden zu begründen. AP: „In meiner Arbeit erforsche und beschäf-

tige ich mich mit Themen wie Mythologie, Religion und Riten. Für mich bedeutet Cho-reografie, mit Zeit und Raum zu arbeiten. In meiner Apokalypse-Choreografie besteht die Idee, dass Menschen auf der ganzen Welt, in verschiedenen Epochen und unter verschiedenen Aspekten auf dieselben Art und Weise denken und handeln. Man kann das sehr gut durch Tanz ausdrücken. In dem Moment, als ich anfing mit den Bolshoi-Tänzern zu arbeiten, dachte ich indirekt an den Text in der Offenbarung des Johannes. Die Apokalypse wurde zu Beginn des ers-

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ten Jahrhunderts geschrieben, darin gibt es Anspielungen auf Babylon, doch eigentlich wird auf das römische Reich verwiesen. Ich merkte, dass der Text sehr revolutionär war und dachte unweigerlich an die Geschichte der französischen Republik und der russi-schen Revolution. Es war tatsächlich eine ähnliche Situation zu verschiedenen Epo-chen, doch in ihrer Synthese absolut gleich. Die Revolutionen standen für Veränderun-gen und durch diese Veränderungen sollte eine neue Macht entstehen, eine neue Ord-nung begründet werden. Die Idee führt zu dem, was Menschen schon seit ewig für Un-erreichbar erklärten: den Frieden.“

So außergewöhnlich und spannend die lei-tende Idee ist: die zweistündige (ohne Pau-se!) durchweg abstrakte Choreografie Pre-liocajs wirkt schwer, auch wenn sie von einer so hochkarätigen Besetzung getanzt wird. Preliocajs Versuchung, auf poetische und impressionistische Weise durch Tanz eine – nicht irrationale - Leserart der Apokalypse auszudrücken, stellt viele Fragen und man sucht nach einer Verbindung seiner Aussa-gen mit dem, was auf die Bühne passiert.

Bemerkenswert ist, dass Preliocaj auch an-dere zeitgenössische Künstler verpflichtet: die Inszenierung des indischen Künstlers Subodh Gupta ist einer der Erfolge dieser Aufführung. Stufenweise enthüllt er das einfache, aber subtile Bühnenbild, ver-wandelt Dinge des alltäglichen Lebens in Kunstobjekte: die Blöcke des Geldes als Ur-gesteine interpretierbar, Menschen-Kokons aus Kunststoff, Metall-Ketten, die von oben regnen, wie Gewehre geworfen werden und

gleichzeitig die Menschen an ihr Schicksal binden. Für die größtenteils elektronische Musikpartitur wählt Preliocaj die Komposi-tion des französischen Techno-DJs Laurent Garnier, der das Ballett mit seiner tran-ceinduzierenden Musik begleitet. Die Kos-tüme stammen vom russischen Modedesi-gner Igor Chapurin, bekannt aus mehreren Bolshoi - Inszenierungen. Die strengen Ent-würfe Chapurins spielen mit geometrischen Schnitten und vereinen Elemente aus Folk-lore, Nostalgie und Purismus.

In seiner Choreografie wiederholt Preliocaj minimalistische Bewegungen und Gesten, von einfachen bis komplexeren Gruppen-mustern. Rätselhafte Ensemble-Szenen zu rauschender Technomusik wechseln sich ab mit lyrischen Duetten zur Mondscheinsona-te von Beethoven. Trios oder Solos entfalten sich zu einem schwer verständlichen, mit-unter nicht zusammenhängenden Tanzthe-ater. Die Tänzer sind oft asymmetrisch po-sitioniert, vermutlich um den Charakter der Gruppe zu betonen.

Der Choreograf wirft alles hinein, wozu er sich berufen fühlt; Frauen und Männer tanzen mit Stühlen und Büchern auf eine rauschende Musik. Es ist wie ein rätselhaf-tes Spiel, mit fast gymnastischen, symme-trischen Bewegungsmustern. Es herrscht militärischer Drill; sie bewegen sich fast wie Roboter. Die Techno-Welle erreicht ihren Höhepunkt, Frauen kriechen unter Folien, Männer schmiegen und wickeln sich in Folie hinein wie in Kokons. Der Tumult spaltet sich auf in ruhige, fast atmosphärische Tänze, mit Frauen auf High-Heels und Roboterkopfbe-

deckung. Verschleiert kneten sie Metallket-ten als wären sie Angst einflößende Waffen, werfen sie weg oder wickeln sie um ihre Kör-per. Alles deutet auf ein Bild der Zerstörung und des Untergangs hin.

Die Vision des Apokalyptischen empfindet der Choreograf als eine – reichlich strittige - „Kopulation der Kulturen“ und transponiert sie mit hardcoreähnlichen, fast kinemato-grafischen Szenen von Sextreibenden auf die Bühne. Es gibt starke Szenen und poli-tische Botschaften, darunter auch ein ho-mosexueller Kuss oder Landesflaggen, die in einem großen Küchenspülbecken rein-gewaschen werden. Die Aufführung endet mit einer gut gemeinten „Frieden in einer neuen, freien Welt“ – Metapher: Zwei Tänzer bringen niedliche, echte Lämmerbabys auf die Bühne und füttern sie.

Alles in allem eine realitätsnahe Arbeit, die es dem Publikum zwar nicht leicht macht, aber durch Komplexität besticht und sowohl Herz als auch Verstand anspricht.

„Habe den Mut, dich dein eigenes Verstan-des zu bedienen“, sagte einst Kant. So soll über Preliocajs Kunst jeder für sich entschei-den und zu seinem Gefühl stehen, auch wenn es nicht mit der Allgemeintheit über-einstimmt. Das Premierenpublikum war sichtlich gespalten.

Festspiele Ludwigshafen Deutsche Erstauffüh-rung: 27.11.2010 (28.11. / 29.11.)Berliner Festspiele: 2.12.-4.12.2010




und schultert den Mann, der ihn so lange geschunden hat: ein Balance-Akt auf ande-re, nicht minder gefährliche Art. Keine Frage, dass sich solch atemberau-bende Aktion auszahlen sollte. Die Jury zögerte denn auch keinen Augenblick, die riskante Unternehmung mit 7500 Euro, d. h. mit dem ersten Preis zu ho-norieren. Schließlich sollte ja beim Inter-nationalen Choreografie - Wettbewerb Ludwigshafen nach dem Willen seiner Initi-atorin ausdrücklich Neuland betreten wer-den – und sei’s auch nur die erwähnte Insel. Rund 300 Bewerbungen aus 52 Ländern hat-te Juliane Rößler in Zusammenarbeit mit Gra-ziela Padilla, Ellen Kokaras und Darrel Toulon gesichtet und darunter 18 immerhin für so interessant gehalten, um sie der Jury (und selbstverständlich auch dem Publikum im nicht immer ausverkaufen Theater im Pfalz-bau) zu präsentieren – darunter tatsächlich auch ein Duo aus Deutschland, das durchaus Gefallen fand. Aber innovativer waren nun mal die anderen, und das muss Bärbel Sten-zenberger ja nicht unbedingt entmutigen. Den zweiten Preis, immerhin mit 5000 Euro dotiert, vergab die stets gut gelaunte Jury (der u. a. mit Reinhild Hoffmann und Susan-ne Linke, Kajo Nelles, Klaus Obermaier, Ralf Rossa, Darrel Toulon, Xin Peng Wang und selbstverständlich Juliane Rößler prominent besetzt) an „Green Armchair“ von Petri Ke-koni aus Finnland: ein Stück Tanztheater, in seiner Art nicht weniger konsequent als der Beitrag Kaiels. Vier Tänzer und Tänzerinnen haben sich auf den vier Sitzmöbeln plat-ziert – und wie in der Folge ihre (E)Motionen

miteinander korrespondieren, das beweist nicht nur Musikalität, sondern ein enormes Talent in der Strukturierung obsessiver Ver-haltensweisen. Berührend in seiner Ambivalenz zwischen Performance in Privatheit das ganz anderes geartete Männer-Duett „Modern Feeling“ von Insoo Lee aus Südkorea, das den 3. Preis gewann ¬– und auf seine Weise perfekt „A & P“ von Sébastien Ramirez und Hyun-Jung Wang, ein Pas de deux, der dem Publikum am besten gefiel. Knapp dahinter: der junge Jie Dong mit seiner Gruppen-Choreografie „Red Lantern Diaries“ und Maya Brinner aus Israel mit ihren minimalististen „Red Ladies“: zwei Namen, die man sich merken sollte, und gleichzeitig zwei Beispiele, die auf ihre Art beweisen, wie hoch inzwischen das Qualitätslevel ist, das „No Ballet“ bereits im fünften Jahr seiner Existenz erreicht hat. Hartmut Regitz

No Ballet - aber viel innovativer Tanz aus aller WeltDer 5. Internationale Choreografie-Wettbewerb Ludwigshafen

Weiß Gott, wie der Mann das aushält! „No Man is an Island“ heißt das Stück, das der libanesisch-amerikanische Choreograf Erik Kaiel bei „No Ballet“ zeigt, und er hat Recht: Natürlich ist der Mensch keine Insel, aber Jasper Dzuki Jelen scheint die Tatsache zu ignorieren. Zehn Minuten lang tritt er Kim Jomi Fischer mit Füßen. Er balanciert auf dem schmalen Knochengrat seiner Arme herum, erkundet den liegenden, schein-bar leblosen Leib auf jede nur erdenkliche Weise und turnt auf dessen Knochengerüst herum, als könnte er mit ihm willkürlich ver-fahren. Kein einziges Mal verlässt er seinen „Boden“, und erst gegen Ende verkehrt sich die Passivität seines Partners auf einmal ins Gegenteil. Langsam richtet sich Fischer auf

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denen Charaktere in ihren individuellen sowie zwischenmenschlichen Verstrickun-gen nahezubringen. Neben dem technisch versierten Lewin (Martin Vraný) und kräftig schauspielernden Nikolai (Alexander Novi-kov) entwickelten librettobedingt Fabrice Jucquois als Annas Bruder Stiwa und Ziga Je-reb in der Rolle des Wronski – angeführt von dem ausdrucksstarken Karenin-Paar Anna Štěrbová und Martin Dvořák (seit 2009/2010 Gasttänzer des Ensembles) - zunehmend Profil. Dieses wurde von den Protagonisten in entscheidenden Szenen, wie dem gro-ßen, sich leidenschaftlich-verschraubenden Pas de deux Anna/Wronski oder eindrück-lichen Auseinandersetzungen mit Karenin (dessen introvertiertes Solo im zweiten Akt in den Bewegungsmodi etwas an Thoss’ Fi-gur des Professor Unrat erinnerte) mittels einer von Ulrich gebrochen-dynamisch und athletisch-virtuos angelegten Eleganz auch wundervoll ausgetanzt. Ein Plus darüber hi-naus: Rachmaninows farbengewaltige Sym-phonien Nr. 2, 3 und seine Symphonische Dichtung Die Toteninsel live auf der Bühne hinter mächtiger Fensterfront, einfühlsam präsentiert vom Bruckner Orchester Linz un-ter Ingo Ingensand.

Vesna MlakarWeitere Aufführungen:15., 17., 20., 23. November, 4., 16., 21., 26. Dezember 2010, 22. Januar und 08. Februar 2011

vorgezogenen Bühne mit seinen emotional verwickelten Strängen richtig folgen zu kön-nen. Ulrich nämlich, das merkt man deutlich, hat Leo Tolstois zwischen 1875 und 1877 entstandener Ehebruch-und Gesellschafts-Roman in seiner Totalität gepackt.

Anders als noch Maija Plissezkaja in ihrer Bolschoi-Adaption von 1972 – in der sie die sich parallel zu Annas Geschichte entwi-ckelnde Beziehung zwischen dem Gutsbe-sitzer Lewin und Kitty (der Schwester von Annas Schwägerin) ausklammert – wagt Jochen Ulrich eine Tanzdramatisierung mit insgesamt 18 der Vorlage entliehenen Per-sonen. Sie alle einzuführen, kostest Zeit – und verwässert im Verlauf der zweieinhalb Stunden Spielzeit durch immer wieder ein-gestreute Episoden (u. a. Wahnsinn und Tod von Lewins Bruder Nikolai) den eigentlichen Spannungsbogen, indem von Annas lei-denschaftlich entbrennender Liebe zu dem Offizier Wronski, ihrer Entzweiung mit Ehe-mann Karenin und als Folge dem psychisch belastenden Kontaktverbot zum geliebten Söhnchen abgelenkt wird.

Wie gut allein der Seelenkonflikt und die in das gesellschaftliche Umfeld gebettete Zer-rissenheit der Titelfigur sich für ein aufregen-des Ballett eignen, hat Boris Eifman in seiner 2005 in St. Petersburg vorrangig auf Anna, Karenin, Wronski und dessen Ex-Geliebte Kitty konzentrierten Fassung unter Beweis gestellt. Ulrich hielt in Linz unter Inkaufnah-me von Verständnisirritationen mit einem mosaikartigen Kaleidoskop unterschied-lichster Partnerschaftsmodelle dagegen. Nichtsdestotrotz gelang es seiner Kompanie mit wachsender Intensität (v. a. im zweiten Teil) innerhalb eines lichten, geschickt be-spielten Einheitsbühnenbildes (Alexandra Pitz; Licht: Johann Hofbauer) und augenfälli-gen, historisierenden Kostümen (Marie-The-rese Cramer) den Zuschauern die verschie-

Verchoreografierte LiteraturJochen Ulrich bringt in Linz Tolstois Anna Karenina in der sozial-epischen Breite der Romanvorlage auf die Bühne.

Die Tanzmoderne hat sich schon früh und gern großer Stoffe angenommen. Man denke zum Beispiel an die amerikanische Modern-Dance-Ikone Martha Graham oder an Kurt Jooss. Der Abendfüller ist längst kein Alleinstellungsmerkmal mehr für das „heh-re (oft mit Romantik gleichgesetzte) Genre Ballett“. Auch jüngere Choreografen setzen – seit einigen Jahren schon – verstärkt auf bestehendes Dramen- und Literaturgut, um mit ihren oft nicht mehr als an die 15 Mitglie-der zählenden Theatertanztruppen Produk-tionserfolge zu erzielen.

Im Fall von Jochen Ulrich, Jahrgang 1944 und Mitbegründer des legendären Tanz-Fo-rums Köln, geht die Liebe zur großen Erzähl-form weit bis Mitte der 1980er Jahre zurück. Entgegen kommt ihm dabei, dass er, statt mit den Traditionen des klassischen Tanzes zu brechen, eher stets deren Verlinkung mit bzw. den Brückenschlag zum Tanztheater suchte. Nach einem uraufführungsreichen Engagement am Tiroler Landestheater in Innsbruck hat er seit seinem Amtsantritt 2006 in Linz mit eigenen Erarbeitungen von Tschaikowskys Nussknacker und Dornrös-chen, Delibes Coppelia, Prokofjews Cinde-rella, Lorenzaccio (nach Alfred de Musset) oder Fidelio – ein Ballett einen treuen Pub-likumsstamm gewonnen.

Sein jüngstes Werk Anna Karenina ist ein Er-eignis. Auf der Bühne und in den Foyers. Zur Premiere am 9. Oktober im Linzer Landesthe-ater erscheinen die Damen in schicken Ro-ben, die Männer in Anzüge gezwängt. Man kennt sich und kokettiert erwartungsvoll – mit Bekannten wie dem Sujet: hochdra-matische, russische Weltliteratur. Während der Vorstellung, im Schutz der schummri-gen Dunkelheit, zieht dann so mancher das Programmheft zu Rate, um dem – durchaus konsequent inszenierten – figuralen Getüm-mel auf der bis über den Orchestergraben

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Das Duo dauert keine acht Minuten, und doch könnte man stundenlang zuschauen. Ed Wubbe hat als Ausrichter der Gala van de Nederlands Dans seinen besten Mann gebeten, im Rahmen der Nederlandse Dans-dagen Maastricht eine Kreation beizusteu-ern. Marco Goecke lässt sich nicht lange bitten, obwohl er zwischen Montréal und Oslo weiß Gott genug zu tun hat, und cho-reografiert einen “Vuurvogel pas de deux”, der so ganz anders ist als der, den wir bei-spielsweise von Cranko kennen: schwarz wie die Nacht, die allein sein Tanz erhellt, und ohne auch nur den Anschein einer Apotheose, wie sie Igor Strawinsky in sei-ner Musik aufleuchtend instrumentalisiert. Dabei verzichtet der Haus-Choreograf des Scapino und des Stuttgarter Balletts auf je-den Theatereffekt. Kein Flammenwerfer ist im Einsatz, und kein Räucherstäbchen. Nicht einmal ein aufblitzendes Feuerzeug ist zu sehen. Eben nichts, was vom Eigentlichen hätte ablenken können. Bonnie Doets und Mitchell-lee van Rooij sind auf sich allein ge-stellt. Und doch vermittelt sich das Flatterhaf-te des Feuervogels, kaum dass Bonnie Doets aus dem Dunkel des Theaters auftaucht. Den Kopf kahl geschoren, ist sie im schwarzen Habit nicht auf Anhieb als Frau zu erkennen – und die Ambivalenz ihrer Erscheinung ist es denn auch, die ihrem Geschöpf etwas Ge-heimnisvolles gibt, ihm seine Aura belässt. Immer wieder verkrallen sich die Hände. Die Arme schwingen Flügeln gleich. Auf Zehen-spitzen trippelt die Scapino-Solistin mitten hinein in einen Tanz, der ganz in sich ruht und alles Hektische hinter sich gelassen hat. Konzentriert auch Mitchell-lee van Rooij, der wenig später ihren Spuren folgt: kein Prinz, wie man ihn aus dem Märchen kennt, son-dern ein Mann, der nicht einfach zupackt, wenn der Vogel in eine Schräglage gerät, sondern sich wie ein choreografisches Cha-

Nederlandse Dansdagen Maastricht: ein ”Vuurvogel” à la Goecke, ein Nijinsky-Ballett von Krzysztof Pastor und Nanine Linning als ihre eigene Interpretin

mäleon mehr und mehr in sein Gegenüber verwandelt. Am Ende – die Berceuse und das Finale, live gespielt vom Limburgs Symfonie Orkest unter Jan Stulen, sind längst verklun-gen – hat sich die Welt der beiden auf eine wundersame Weise verändert. So, wie es präzise auf dem Programmzettel heißt: ”Ein Vogel, der tanzt; ein Mann, der fliegt.” Im Rahmen des Scapino Ballet Rotterdam ha-ben sie sicher noch öfter Gelegenheit dazu. Einer, der wahrhaft geflogen ist, ist ohne Zweifel Vaslav Nijinsky, dem das Nieder-ländische Nationalballett ein gleichnami-ges Ballett gewidmet hat. Krzysztof Pastor hat es als eine Art Lecture Demonstration choreografiert – mit eben jenem Arthur Ja-pin als Erzähler, dessen “Vaslav”-Roman im September auf Holländisch erschienen ist: chronologisch aufgebaut und textlich unterfüttert, gelingt vor dem Background seiner Rollen ein durchaus überzeugendes,

wenn auch nicht unbedingt originelles Bio-Pic – mit einem kraftvollen Cédric Ygnace in der Titelrolle, Alexander Zhembrovskyy als Diagilew und Michele Jimenez als Romola. Ganz anders Nanine Linning, die die Dans-dagen mit dem “Endless Song of Silence” beschließt. Sie ist nicht nur Direktorin der Dance Company Theater Osnabrück/ NANI-NE LINNING, sondern nach wie vor in ihrer Heimat mit einem eigenen Ensemble über-aus präsent. Das ist auch gut so, denn die langjährige Haus-Choreografin des Scapino Ballet hat das Tanzen nicht verlernt. Im Ge-genteil. Auch wenn das starke Stück (zu Gór-eckis Sinfonie der Klagelieder) nicht wirklich von der Stelle kommt, bewegt es doch eine ganze Menge. Nicht zuletzt Nanine Lin-ning und Danilo Colonna, die am Ende eins scheinen und sich doch entzweit haben. Hartmut Regitz

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Stars&Stripes für Introdans

Die diesjährige Eröffnung der Spielzeit stieß beim Publikum in Arnhem auf Begeisterung. Kein Wunder, schließlich verbindet Stars & Stripes Choreografien von Hans van Manen, Mauro de Candia, Gisela Rocha und Lucinda Childs auf einzigartige Weise.

Mit „Compositie“ kam ein typisches van Ma-nen-Werk auf die Arnhemer Bühne.

Zur Musik von John Adams und Morton Feldmann schuf van Manen bereits 1994 eine klar strukturierte Choreografie von be-eindruckender Schlichtheit für acht Tänzer. In der Regel vermeidet Hans van Manen die Verwendung von narrativen oder dramati-schen Strukturen. Stattdessen erkundet der Choreograf Formen und Stile, indem er die Idee vertritt, dass sich der Tanz über sich selbst und die Tänzer ausdrückt. Allerdings sind seine Ballette nie abstrakte Kreationen, sondern Kunstwerke, die die Schönheit der Bewegung in virtuosen Schritten oder stil-vollen Ensemble-Szenen offenbaren. Van Manens Lieblingsthema, die komplexen und manchmal widersprüchlichen Beziehungen zwischen Männern und Frauen bzw. allge-mein zwischenmenschliche Beziehungen, sind darin fast immer präsent. So auch hier.

Lucinda Childs Meisterwerk „Dance“ hatte 1979 in New York Premiere. Auf die minima-listische Musik von Philip Glass und einer Videoprojektion des verstorbenen Video-künstlers Sol LeWitt gelingt der Choreogra-fin eine beeindruckende Kreation, in der sich wiederholende Bewegungen von der einen zur anderen Seite der Bühne immer wieder vermischen, mit Tänzern, die die gleiche

Van Manen, Childs, de Candia & Gisela Rocha choreografieren

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Seelenlos klassisch: Stijn Celis „Undine“ am Aalto Theater Essen

Strahlend-schön, vor Selbstbewusstsein sprühend, versucht die Tänzerin ihr Gegen-über einzuwickeln. Virtuose Pirouetten, große Sprünge und kecke Posen sollen Pa-lemon von seiner zukünftigen Ehefrau, Beat-rice, ablenken. Die Nymphe, hinreißend dar-gestellt von Adeline Pastor, steht unter dem Einfluss ihres Herren und Meisters Tirrenio. Er will Undine rächen.

„Undine“, ursprünglich ein Auftragswerk des Royal Opera Hause, Covent Garden, ent-stand in enger Zusammenarbeit mit dem damaligen künstlerischen Leiter des Bal-

letts, Frederick Ashton und dem deutschen Komponisten Hans Werner Henze. Am Aalto Theater Essen wurde das Stück jetzt im Rah-men des diesjährigen „Henze-Projekts“ neu einstudiert, als Hommage an einen der be-deutendsten Komponisten unserer Zeit.

„Undine“ erinnert in manchem an den be-rühmten „Schwanensee“. Auch hier tritt ein ätherisches Wesen auf, das die Gefühlswelt eines Mannes verwirrt, ein Wesen, das den Gesetzen einer Gegenwelt folgen muss und den Geliebten schließlich in den Tod führt.Die dem Ballettmärchen innewohnende

Choreografie ausführen wie im Film. 20 Minuten fesselnder, dynamisch wirken-der Tanz von geradezu magischer Trance.

„Walk of Fame“ von Gisela Rocha wurde speziell für die Introdans-Tänzer choreo-grafiert und zeigt, wie vielseitig sie sind. Die spannende Choreografie verwendet eine wirksame Klanglandschaft von Mi-chael Sauter und brillantes Lichtdesign von Berry Classen. Gisela Rocha setzt sich in ihrer Produktion kritisch mit der Sehn-sucht nach Ruhm auseinander, bleibt al-lerdings in Klischees stecken. Die Tänzer singen, schauspielern, ahmen VIP´s, Mo-dels, Sänger, Boygroups, Stars und Stern-chen nach. Auf der Bühne herrscht ein re-gelrechter „Hunger“ nach Anerkennung, mit chaotischen Übergängen. „La Morte del Cigno“ (2009) des italie-nischen Jungchoreografen Mauro de Candia ist der absolute Höhepunkt des Abends. Das Stück, in dem das Sterben eines Schwans dargestellt wird, dauert insgesamt vier Minuten und wird von ei-nem männlichen Tänzer, Zachary Chant, getanzt. Auf die Originalmusik von Saint-Saens erfindet der Choreograf eindrucks-volle Bilder voller Eleganz, Muskelkraft und Geschmeidigkeit. Großartige, weite, vollendete Armbewegungen, die mitun-ter sogar die Form eines Schwan-Schna-bels abbilden, dargestellt von einem zu-ckenden, plastisch wirkenden Körper, der sich mal in die Luft bohrt, mal auf dem Boden wälzt.

Mihaela Vieru

Von Isabell Steinböck

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Raffiniert und optisch reizvollNanine Linnings ”Madama Butterfly” als Tanzoper

Von Tanz kann das Publikum derzeit am Theater Osnabrück nicht genug kriegen, und das ist nicht zuletzt Nanine Linning zu danken. Seit einer Spielzeit wagt die jun-ge Holländerin den Spagat und leitet nicht nur zu Hause in Amsterdam ihr eigenes Ensemble, sondern in Deutschland eine Dance Company, der ihr jugendlicher Im-petus, ihre internationale Erfahrung, vor allem aber ihr zeitbewusster, dabei immer attraktiver Zugriff auf Tanzthemen sehr zu Gute kommt. ”Synthetic Twin” war in der letzter Saison jedenfalls ein solcher Erfolg, dass Intendant Holger Schultze gleich vier zusätzliche Aufführungen eingeschoben hat. Selbst die waren im Nu ausverkauft. Nanine Linning hat nicht zuletzt das Ange-bot aus Osnabrück angenommen, weil sie

schon immer mal den Sprung ins Opern-fach wagen wollte. Der ist ihr in der zweiten Spielzeit auch gelungen, und ihre ”Madama Butterfly” erscheint ebenso Erfolg verspre-chend wie ihre “Siamesischen Zwillinge”.

Der Grund dafür liegt auf der Hand: Die Cho-reografin bringt in die ”japanische Tragö-die” Giacomo Puccinis ganzes Bewegungs-wissen ein und macht aus der Vorlage eine ”Tanzoper”, die das Innen und Außen der vorgestellten Figuren auf eine ebenso raffi-nierte wie auch optisch reizvolle Weise zur Geltung bringt. Während die Sänger, allen voran Lina Liu und Bernando Kim in den bei-den Hauptpartien, sich den sozialen Struktu-ren des Stücks zu ergeben scheinen und wie im Kabuki-Theater ihr Rollenspiel gleichsam ritualisieren, lassen die zehn Tänzer und Tän-

Dramatik scheint den belgischen Cho-reografen, Stijn Celis, allerdings wenig inspiriert zu haben. Seine Undine tanzt Yulia Tsoi zwar ohne Makel, jedoch farb- und emotionslos. In der Anmutung hat sie wenig mit einem ätherischen Wesen gemein, allein ihre Arme, die, in die Höhe gestreckt, Wasser zu teilen scheinen sowie Wellenbewegungen der Hände, wecken Assoziationen an ein Meerwe-sen. Verführung, die Adeline Pastor als Nymphe so virtuos auf die Bühne bringt, bleibt bei „Undine“ dagegen aus.

Auch der versierte Tänzer Marat Ourtaev kann als Verlobter, der sich zwischen zwei Frauen entscheiden muss, wenig über-zeugen. Dass er seinen beiden Gelieb-ten anstelle eines Amuletts ein goldenes Haus andient, welches er mal der einen, mal der anderen überreicht, wirkt gera-dezu grotesk. Ana Sánchez Portales tanzt die Verlobte Beatrice dagegen zurückhal-tend-melancholisch und Breno Bitten-court brilliert als Undines Vater Tirrenio. Mit phantastisch-großen Sprüngen, wir-belnden Pirouetten und dämonischer Ausstrahlung gelingt es ihm tatsächlich, wie im Programmheft beschrieben, eine Persönlichkeit zu verkörpern, die sich zwischen Varieté- / Showmaster, Mana-ger und Zuhälter bewegt. Auch dann, wenn er seine mit glänzenden Corsagen bekleideten Nymphen dirigiert. Hier gelingt es Celis und seinem charis-matischen Tänzer nicht nur, einer Figur Profil zu verleihen, er kreiert sie auch mo-dern, der heutigen Zeit entsprechend. Alles andere jedoch wirkt seelenlos, angefangen von Jann Messerlis wenig originellen Bühnenbild aus Welle, Schiffs-wrack und grünen Blättern über die Aus-stattung der Gesellschaft (Matrosen in weißen Hosen, Adelige in nichtssagen-den dunklen Kostümen) bis hin zur glat-ten Gesamtinterpretation. Dazu kommt Henzes anspruchsvolle Musik: Die Bochu-mer Symphoniker unter der Leitung von Volker Perplies bringen die Komposition zwar facettenreich zu Gehör, die Cho-reografie will jedoch nicht so recht dazu passen.

Choreografie: Stijn CelisFotos: Mario PerriconeUndine: Yoo-Jin JangPalemon: Marat OurtaevBeatrice: Ana Sanchez PortalesTirrenio: Breno BittencourtHermit: Dragan Selakovic

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„Wilder Wohlklang“, mit Begeisterung getanztMolière und Henze: Das Ballett Hagen ehrt zwei Künstler zugleich


Tragisch, komisch, überheblich, dreist oder einfältig kommen die Figuren aus Jean-Baptiste Molières Theaterstücken daher. Im 17. Jahrhundert hat der Dramatiker mit sei-ner Kritik an Mensch und Gesellschaft immer wieder Aufsehen erregt, bis heute werden seine moralisierenden, unterhaltsamen Stü-cke gerne gespielt. Nun hat das Ballett Ha-gen eine Tanz-Hommage an den berühmten französischen Dramatiker gewagt und ehrt damit zugleich einen der bedeutendsten Komponisten der Gegenwart, Hans Werner Henze. Der Ballettabend „Molière“ ist damit Teil des sogenannten „Henze-Projekts. Neue Musik für eine Metropole“. Initiiert von der

Kulturhauptstadt Europas Ruhr 2010 um-fasst das Projekt 40 Partner mit rund 200 Veranstaltungen, die in diesem Jahr Henzes musikalische Werke zu Gehör bringen.

„Le disperazioni del Signor Pulcinella“ wur-de 1950 unter dem ursprünglichen Titel „Jack Pudding“ uraufgeführt. 1997 kam es in Schwetzingen als Überarbeitung unter dem Titel „Die Verzweiflung des Herrn Pulcinella“ zur Aufführung, in Hagen wurde das Stück nun zum dritten Mal auf die Bühne gebracht. Hans Werner Henzes Neue Musik, die im Pro-grammheft auch als „wilder Wohlklang“ be-schrieben wird, macht es dem Choreografen nicht leicht, doch Ballettchef Ricardo Fern-ando gelingt es, tänzerisch Akzente zu set-

zerinnen deren ”Beweggründe” sichtbar werden: ein choreografisches Kollektiv, das niemals vordergründig agiert, son-dern immer wie ein seelischer Nach-hall aufs Eindringlichste Wirkung zeigt. Die Kargheit der Bühne (Martin Fischer) und die fantasievoll modischen Kostü-me (Iris van Herpen) verstärken noch die Spannung zwischen strenger Stilisierung und psychischer Projektion. Intensiv auch die Sänger, die konsequent das Be-wegungskonzept Nanine Linnings um-setzen. Von GMD Hermann Bäumer und dem Osnabrücker Symphonieorchester in jeder Hinsicht unterstützt, können sie sich auf das Eigentliche konzentrieren. Auf Lina Liu beispielsweise.

Die Sprache ihrer Hände genügt als Ausdrucksmittel - und nur ein einziges Mal wird sie als Cio-Cio-San so von ihrer Sehnsucht erfasst, dass sie, von den an-deren getragen, den Boden unter ihren Füßen verliert. Umso tragischer ihr Tod, wenn sie zuletzt hinter den Tänzern einfach verschwindet. Zurück bleibt das Kind, das Tommaso Balbo verkörpert, ein Mitglied der Dance Company Theater Os-nabrück/NANINE LINNING.

Auf allen Vieren scheint er sie – eine Kreatur wie auf einer Fotografie Robert Mapplethorpes – immer wieder kat-zenhaft zu umschmeicheln. Erst zum Schluss, nachdem seine Mutter hinter den anderen Tänzern verschwunden ist, richtet er sich vor Pinkerton in ein-schüchternder Größe auf. Und ankla-gend signalisiert er damit ganz körper-haft: die gemeinsame Geschichte ist noch lange nicht zu Ende, auch wenn der letzte Ton der Oper verklungen ist. Hartmut Regitz

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Hinein in die UnendlichkeitFaszinierend und bewegend: Akram Khans „Vertical Road“ bei der Ruhrtriennale


Der Mann scheint abgeschnitten von der Welt zu sein. Hinter einem durchsichtigen Bühnen-Vorhang hält er seinen Oberkörper waagerecht, der Kopf drückt sich in den hellen Stoff, die Arme suchen, hilflos-ausge-streckt, nach Balance. Tastende Hände sind als Schatten zu sehen. Befinden wir uns hier in einer Zwischenwelt? In einem Übergangs-stadium auf dem Weg zur Wiedergeburt?

„Vertical Road“ ist ein Tanzstück des Spiritu-ellen, Transzendentalen. Akram Khan, Tän-zer und Choreograf indischer Herkunft, hat das Stück für die Ruhrtriennale kreiert und sich dabei nicht nur von der Tradition des Sufismus, sondern auch von dem persischen Poeten Mevlana Rumi inspirieren lassen. Eines von Rumis Gedichten, das den Weg seiner Wiedergeburt vom Stein über Pflanze und Tier bis hin zum Menschen beschreibt, scheint hier Programm zu sein. Auf der Büh-ne der Gebläsehalle im Landschaftspark Duisburg liegen sieben Tänzer gekrümmt, eng beieinander auf der Erde. Versteinert wirken diese Wesen, die, als sie sich erhe-ben, den Staub von den Kleidern reiben. Wie auch der Tänzer der Eingangsszene sind sie traditionell-indisch geleidet, der weiße Stoff unterstreicht ihre ätherisch-fremdartige Er-scheinung.

Nitin Sawhneys Komposition beginnt beina-he geräuschlos mit Assoziationen von Wind und steigert sich bald durch lautes Uhren-ticken, hämmernde Bässe und peitschende Trommelschläge, wenn der Solo-Performer

aus der Anfangszene ins Rampenlicht tritt und Dominosteine zu Fall bringt. Er scheint das Geschehen lenken zu können, wenn er die anderen positioniert und mit Gewalt vo-rantreibt. Diese stampfen den Rhythmus in den Boden, aggressiv und wie getrieben in ihrer Manie, sich zu befreien.

Es folgen faszinierende Pas de deux, athle-tisch und schnell, wenn sich die uniform ge-kleideten Figuren in weiten Hosen und lan-gen Kleidern gegenseitig manipulieren. Wie Zauberer lassen sie ihr Gegenüber durch Handbewegungen fallen, springen, strau-cheln oder horizontal durch die Luft schleu-dern. Akram Khan verlangt seiner Company einiges ab; die acht Tänzerinnen und Tänzer, die in ihrer Internationalität wirken, als ver-körperten sie die Kulturen dieser Welt, voll-bringen Höchstleistungen, wenn sie das Pu-blikum mit wirbelnden Armen und perfekt aufeinander abgestimmten Bewegungen mitreißen, in einem Strudel aus Dynamik und Kraft.

Als sich schließlich ein Liebespaar über den Boden rollt und die Frau am Ende stirbt, sind die Wiederbelebungsversuche vergeblich. Der Tod rückt näher, nach und nach ver-schwinden die Tänzer und die Figur des An-fangs beugt sich mit ausgebreiteten Armen tief nach hinten ins Cambré. Diesmal steht er auf der anderen Seite, berührt sacht einen anderen hinterm Vorhang, wirkt mit gerade-zu rührenden Gesten auf ihn ein. Als der Re-gen fällt, fällt auch der Vorhang. Es geht eine Leiter hinauf – die „Vertical Road“, hinein in die Unendlichkeit.

zen, Komposition und Tanz musikalisch miteinander zu verschmelzen. Henze hat das Libretto nach Molières Schauspiel „George Dandin“ geschrieben. Es erzählt die Geschichte des reichen Bauern Pul-cinella, der die Tochter eines verarmten Adeligen geheiratet hat, von dieser je-doch betrogen, und dafür auch noch von der Adelsgesellschaft verspottet wird.

Im Zentrum der Choreografie stehen Andre Baeta als Pulcinella, der sich mit virtuosen, großen Sprüngen gegen sein feindliches Umfeld zu wehren versucht und dabei eine Bodenständigkeit ver-mittelt, wie man sie von einem Bauern erwartet. Den Kontrast dazu bildet sein Widersacher, Salvatore Lupino. Bis zur Übertreibung komisch tanzt Marcelo Moraes den Kavalier, der schließlich Sme-raldine, Pulcinellas Frau, verführt. Die Nase in der Luft, die Beine steif gestreckt, bewegt sich der leichtfüßige Edelmann mit aufgesetztem Lächeln über die Büh-ne – die Karikatur eines Adeligen. Als Smeraldine, virtuos getanzt von Hayley Macri, seinem Werben nachgibt, ist Pul-cinella so verletzt, dass er sich schließlich erfolglos zu erhängen versucht. Andre Baetas ausdrucksstarke Soli bilden dabei einen gelungenen Kontrast zur Maniriert-heit des Adels.

Der zweite Teil des Abends bildet zur Mu-sik von Richard Strauss, Jean-Baptiste Lul-ly, Darius Milhaud und Christoph Willibald Gluck ein Potpourri aus Molières Werken ab, vom „Bürger als Edelmann“ über den „eingebildeten Kranken“ bis hin zu „Dom Juan“. Marcelo Moraes überzeugt auch hier als Molière, Matthew Williams stellt, unterstützt von dem durchweg spielfreu-digen und ausdrucksstarken Ensemble einen albern-lüsternen Hypochonder dar, nur Dom Juan ist mit Leszek Janus-zewski wenig glaubwürdig besetzt. Der große Tänzer bringt als trotteliger Möch-tegern-Edelmann die Komödie noch wir-kungsvoll zum Ausdruck, den Herzens-brecher nimmt man ihm allerdings kaum ab und auch choreografisch bekommt er wenig Gelegenheit, die Rolle auszufüllen. Brillant ist dagegen Carla Silva als Verfüh-rerin wie als sich rächende Geliebte.

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