Cinemascomics: La revista nº 10

Noviembre 2011. Nº 10. Año 1 www.cinemascomics.com

La revista

ESPECIAL SERIESFringe

Orient ExpressSONG KANG-HO

EstrenosVerboMelancolíaTiburón 3D: La presaAmanecer. Parte IEl gato con botas

ESPECIALESFUN & SERIOUS Las series que nos lleganResumen SITGES 2011Adaptaciones de cuentosclásicos

ENTREVISTASMelissa RosenbergBooboo Stewart

¡Descubre

nuestro súper

concurso!

CLÁSICOS DE LOS 90Doce Monos

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FESTIVAL CINE ZARAGOZADel 2 al 10 de diciembre 2011. www.festivalcinezaragoza.com16

Colaboran

Patrocinan OrganizanMedios Oficiales

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DIRECTORCarlos Gallego

DIRECTOR DE ARTECarlos Gallego

MAQUETACIÓN & AUTOEDICIÓNCarlos Gallego

REDACCIÓN

Carlos GallegoDavid LarradDiego Sánchez (planta13.blogspot.com)Francisco Nieto Sánchez(www.cinedeaqui.es)Javier CalvoJosé Joaquín González(www.defanafan.com)Gerard Fossas(www.butacapreferente.com)Manuel MorosPedro PinosSergio Reina(critico-de-cine-aficionado.blogspot.com)Christian Arza(www.moonfilms.es)Enrique AbeniaGustavo Martín

COMICS

Diego Burdio(diegoburdio.blogspot.com)Moratha(moratha.blogspot.com)

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Carlos GallegoTelf. 637 52 01 [email protected]

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cinemascomicsla revista EDITORIAL

Hola a tod@s, una vez más aquí estamos para traeros los mejores reportajes y artículos del momento en un número al que dedicamos nuestra portada a “Amanecer. Parte 1”, cuarta entrega de la famosa saga de vampiros que ha vuelto a poner de moda el género. Un nú-mero en el que podremos conocer un poco mejor y gracias a nuestro colaborador Diego Sánchez que pudo entrevistarlos en el pasado Fes-tival de Cine Fantástico de Sitges, a Melissa Rossenberg responsable de escribir el guión de las cuatro entregas y al actor Booboo Stewart, uno de los actores protagonistas del film.

Pero no solo de Crepúsculo viven los amantes del cine fantástico, así que os traemos muchas más cosas, Gerard Fossas formo parte del Jurado Jove del Festival de Cine Fantástico de Sitges y nos trae un resumen de la pasada edición celebrada en el mes de octubre. Christian Arza, nos cuenta cómo ha ido la primera edición del Fun & Serious games festival, celebrado hace unos días en Bilbao y nos da un pequeño avance de las series de televisión que están por llegar.

Sergio Reina vuelve a recordarnos uno de nuestros clásicos modernos, está vez viaja a los noventa para hablarnos de “Doce Monos” película dirigida por Terry Gilliam. Francisco Nieto nos habla en su sección “Orient Express” de uno de sus actores favoritos, Song Kang-Ho.

José Joaquín González Haro, nos trae un interesante artícu-lo acerca de las películas basadas en cuentos clásicos y Ja-vier Calvo nos hablará de la fantástica serie creada por J.J. Abrams, Fringe.

Las críticas cinematográficas llegarán de la mano de Enrique Abenia y David Larrad; y cómo no también contaremos con el humor de los artistas Diego Burdio y Moratha que volverán a deleitarnos con sus fantásticas y divertidas viñetas.

Una vez más agradeceros a todos que estéis ahí, siguiéndo-nos y animándonos a seguir al pie del cañón, porque sin voso-tros nada de esto sería posible e invitaros a estar atentos a las próximas novedades de nuestra página web.

Carlos GallegoDirector de Cinemascomics

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Noviembre 2011Número 10

4 │ Cinemascomics │ Noviembre 2011 www.cinemascomics.com

54

Entrevista:Melissa Rosenberg

102Especial series:FRINGE

contenido

comics 7│La Página de Diego Burdio

121│Gordos con MochilaPor Moratha

Actualidad8│Nuevas imágenes de Brave

criticas84│Verbo

85│ Las Aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio

86│Tiburón 3D: La presa

87│La Cosa

88│Melancolía

89│One Day

90│Amanecer: Parte 1

Clásicos de los 90:DOCE MONOS

Dr. Ishiguro is ATR Fellow and Professor of Osaka University. The geminoid has been developed in ATR Hiroshi Ishiguro Laboratory.

14SITGES 2011

LAS SERIES QUE VIENEN

Fun & Serious game festival


www.cinemascomics.com Cinemascomics │Noviembre 2011 │ 5

contenidoestrenos22 │ Detrás de las paredes

4 de noviembre

30 │ Tiburón 3D: La presa4 de noviembre

32 │ Verbo4 de noviembre

34 │ Amanecer: Parte 118 de noviembre

64 │ El gato con botas25 de noviembre

98Clásicos de los 90:DOCE MONOS

que leer

122 │ Zona Cómic

LAS SERIES QUE VIENEN

108

10Fun & Serious game festival

58Entrevista:Booboo Stewart

116COMO HA CAMBIADO EL CUENTO


Nuevas imágenes

Desde tiempos remotos, los re-latos de monumentales batallas y místicas leyendas han pasado de generación en generación en las surcadas y misteriosas colinas de Escocia. En BRAVE, INDOMA-BLE una nueva historia se une a la tradición cuando la valiente Mérida (voz original en inglés de Kelly Macdonald) se enfrenta a las costumbres, al destino y a las bestias más feroces.

Hábil arquera, Mérida es la im-petuosa hija del Rey Fergus (voz original en inglés de Billy Conno-lly) y de la Reina Elinor (voz ori-ginal en inglés de Emma Thomp-son). Decidida a forjar su propio camino en la vida, Mérida desafía una antigua y sagrada costumbre

de los señores de la tierra: el enorme Lord McGuffin (voz origi-nal en inglés de Kevin McKidd), el hosco Lord Macintosh (voz origi-nal en inglés de Craig Ferguson) y el cascarrabias Lord Dingwall (voz original en inglés de Robbie Coltrane). Inadvertidamente, sus acciones desatan el caos y la fu-ria en el reino, y cuando Mérida acude a una anciana y excéntrica adivina (voz original en inglés de Julie Walters) en busca de ayuda, lo único que se le concede es un deseo mal logrado. El consecuen-te peligro la forzará a descubrir el real significado de la valentía, una virtud que necesitará para deshacer una bestial maldición antes de que sea demasiado tar-de.

Dirigida por Mark Andrews (LOS INCREÍBLES,RATATOUILLE, JOHN CARTER) y Brenda Champan (EL REY LEÓN, El príncipe de Egip-to), y producida por Katherine Sarafian (cortometraje PRÁCTICA EXTRATERRESTRE), BRAVE, INDO-MABLE es una gran aventura lle-na de emoción, con personajes memorables y el clásico sello hu-morístico de Pixar, disfrutado por audiencias de todas las edades. El film llegará a los cines de la región a partir de junio de 2012 y será presentado también en Dis-ney Digital 3D™ en salas selectas.

Estreno 22 de junio de 2012.

Los pasados días 8 y 9 de noviem-bre se celebró en Bilbao el primer festival de videojuegos que pre-miaba a los mejores trabajos eu-ropeos del año. Es la primera cita importante de estas característi-cas que se celebra en la capital vizcaína y la acogida por parte de la ciudad y de los habitantes no ha podido ser mejor. Personas disfrazadas emulando a los pro-tagonistas de los juegos, coches de lujo, glamour en la alfombra roja… (Sí, no sólo Hollywood tiene una; aquí también tenemos).

Junto con la entrega de los ga-lardones a los mejores juegos se abrió todo un abanico de confe-rencias para hablar sobre la si-

tuación actual de los videojuegos denominados “Serious games”, aquellos destinados a convertir-se en importantes herramientas de trabajo en áreas como la sani-dad, cultura o educación. Profe-sionales de todos los sectores se dieron cita durante estos dos días en Bilbao para exponer y cambiar opiniones sobre a dónde nos lleva el futuro inmediato en el cam-po digital y si es posible adaptar otras opciones de juego a los ya instaurados actualmente.

El renovado teatro Campos Elí-seos fue el escenario el día 8 de la entrega de premios a los mejores juegos europeos. Conducida por la presentadora Patricia Conde y

el actor Alex O’Dogherty, esta se dividió en dos categorías: Serious Games, que premiaban los juegos educativos y Ocio, los que están en el mercado para que el público juegue.

En la categoría Serious Games, los ganadores fueron:

• Mejor juego de Salud: Playmancer.

• Mejor juego de educación: AfterZoom.

• Mejor juego simulación, corporativo, negocio: Sigur.

Por Christian Arza



• Mejor juego de cultura y turismo: Medieval Dublín.

En la segunda, Ocio, llegó el des-pliegue. Los grandes juegos ac-tuales fueron los protagonistas absolutos de la noche.

• Mejor juego europeo de consola: Killzone 3.

• Mejor juego europeo de Pc: The Witcher 2.

• Mejor juego europeo para móviles/tablets: Nyx Queso.

• Mejor juego europeo online/web: Basket Dudes

• Mejor juego europeo de acción: Battlefield 3.

• Mejor juego europeo de rol: The Witcher 2.

• Mejor juego europeo de aventuras: The next big thing:Hollywood Monster 2.

• Mejor juego europeo deportivo / velocidad: Top Spin 4.

• Mejor juego europeo de terror: Dead Island.

• Mejor juego europeo casual/familiar:Kinect Sports 2.

• Mejor banda sonora de juego europeo: Crysis 2.

• Mejor guión europeo: The Witcher 2.

• Mejor juego independiente europeo: Minecraft.

• Premio del jurado a “Toda una saga”: Gears of War 3.

• Mejor juego del año NO europeo: Uncharted 3: La traición de Drake.

• Mejor juego europeo del año:Battlefield 3.

Como veis, la gala no deparó mu-chas sorpresas, y lo tuvo difícil el jurado que estuvo compuesto por gente de renombre internacio-nal como, Jazno Francoeur que ha trabajado para Disney en pro-ducciones como “Hermano Oso”, “Tarzán” o “El rey León”; Gonzalo Suárez que dirigió y diseño la exi-tosa serie “Commandos” o Gareth Mills, que es el fundador de la organización World Class Curricu-llum, una alianza internacional de desarrolladores curriculares que promueve el intercambio de ideas para apoyar la innovación educa-tiva. Un gran plantel que dio aún más prestigio al evento. Y aunque se dejaron algún juego nominado en el tintero sin premiar como Batman Arkham City, Fable III o Black Mirror III, lo cierto es que no pudo ser mejor la entrega de premios con un teatro lleno de in-genieros, actores, músicos, desa-rrolladores, estudiantes y traba-jadores de la industria así como de aficionados a los juegos en sí.

Imagen de “Uncharted 3: La traición de Drake”



Paralelamente a la entrega de premios, se celebró también un ciclo especial que trataba sobre cine y videojuegos en una mesa redonda donde participaron per-sonas de ambos mundos como Jaume Balagueró director de “REC”; Fabriciano Bayo, director de “Virtual Toys”, la compañía dedicada al desarrollo de Cars 2 para PSP; Roberto Serrano, res-ponsable del juego “Dead Island” con su compañía y Juan Bas, guionista y escritor, que también aportaron su granito de arena al evento participando intensamen-te en el debate. Una conferencia interesante en la que hablaron so-bre la importancia que tiene hoy en día el consumo de videojuegos en la vida de las personas, la es-casez de recursos por los que pasa ahora la industria del cine, que prefieren ir a por lo fácil y con-vertir un videojuego en película

con la consiguiente dificultad que ello conlleva, o la inmensa fuente de ideas que pueden ser los desa-rrolladores de videojuegos que no ponen límites a lo que crean. Un debate interesante que es muy di-fícil exponer aquí pero que podéis ver en la página Web del evento que añado más abajo.

Y como no podía ser de otra for-ma, el evento se cerró a lo gran-de. Con el director de Uncharted 3, Justin Richmond, ofreciéndo-nos una serie de videos que acom-pañaba con unas explicaciones en las que nos mostraba el trabajo entre bambalinas del juego del año. La captura de movimientos que realizaron a los actores que dan vida a los protagonistas, las texturas de los entornos, el proce-so de guión para darle mas espec-táculo a esta nueva entrega y un largo etc… En ciertos momentos,

la verdad, parecía que asistiamos al making of de una película de aventuras que en ocasiones re-cordaba a Indiana Jones por sus bellos paisajes (y porque en Drake hay algo de Indi, para qué enga-ñarnos…) pero sin duda un broche de oro para dos días intensos.

Ahora sólo queda esperar al próxi-mo año para ver qué nos depara la segunda edición de este Fun & Serious Game Festival, aunque viendo lo visto, será espectacu-lar…

Gears of wars 3. Premio del jurado a todo una sagaa.




http://sitgesfilmfestival.com/


“Propongo darle un premio a la película que no empiece con un primer plano o un plano detalle”. Recuerdo que dije esto a mis com-pañeros de Jurado Joven el segun-do día de festival, evidentemente en broma, pero también un poco en serio, puesto que a la postre resultó que una holgada mayoría, y con esto quiero decir rozando el pleno, de las películas que vi (alrededor de 60) apostaban por abrir con un plano cerrado.

Inteligencia artificial

Resulta muy oportuno que este año el leitmotiv del festival fue-ra la inteligencia artificial, con-memorando de paso el décimo aniversario de A.I. de Spielberg y Kubrick pero también dedicando un espacio a la reflexión sobre el pensamiento mecánico, el alma robótica o como quiera llamar-se. Un avance, en definitiva, ha-cia un escenario todavía teórico al que la ciencia ficción nos ha ido aproximando durante muchos años y que cada vez parece más cercano a hacerse real. Eva, el film de Kike Maíllo que inaugura-ba el festival, plantea ideas muy interesantes sobre el ideal de la inteligencia artificial y sobre dón-de está la cima de la ciencia de la robótica, y aunque desgraciada-mente dista mucho de profundizar en ellas es una película que invita

a la reflexión. Y no comienza con un primer plano, por cierto.

Insisto en esta obsesión mía por el plano cerrado porque me hace pensar en una de las conclusiones que muchos extrajimos de Sitges 2010: que hay una falta de crea-tividad enorme que marcha de la mano del aumento de la pro-ducción de cine fantástico a nivel mundial. Hay una evidente uni-formidad formal en el cine de hoy en día que hace que una película nos recuerde irremediablemente a otra que a su vez es parecida a una tercera, ésta a una cuarta y así hasta perder la cuenta. Po-demos escudarnos en el tópico de que en el cine está todo inventa-do, pero, aunque hay una buena dosis de verdad en la sentencia, yo prefiero hablar de que hay una gran accesibilidad a una tecnolo-gía y a una técnica que permite hacer películas muy válidas a ni-vel formal (y si no las hay, se hace un mockumentary) y, al ser más fácil y más barato, se producen más películas con guiones que hace unos años apuntalarían sillas con la pata coja. ¿Existe, acaso, un pensamiento mecánico global a la hora de hacer una película? ¿En qué momento el guión dejó de ser el primer paso para una producción?

Hay películas muy bien hechas,

pero no hay ideas, pero sobre todo, no hay ideas bien desarro-lladas, cosa que por cierto de-muestran la gran mayoría de los cortos que se han pasado este año. En un corto la síntesis es básica, no hay tiempo para desa-rrollar a fondo una idea ni es su-ficiente lucirse a nivel visual: se trata de plantear una idea y re-solverla. Por esto, ha sido en el corto donde se ha evidenciado lo comentado, puesto que se pue-den contar con los dedos los cor-tometrajes proyectados durante esta edición que verdaderamente valen la pena, de los que triste-mente, un mes después, sólo me viene a la mente Decapoda Shock, de Javier Chillon.

El triunfo de las producciones inde-pendientes

Mi discurso hasta ahora puede sonar fatalista, aunque ni mucho menos pretendo serlo, pero sí creo que es una reflexión que hay que hacer porque el rumbo no es alentador a pesar de que todavía se hacen muy buenas películas. De hecho, la programación de Sit-ges 2011 ha sido la mejor de los últimos años, con grandes títulos tanto a nivel nacional como inter-nacional, y lo más destacable es que las principales triunfadoras son producciones independientes de bajo presupuesto que han visto

SITGES 2011: INTELIGENCIA ARTIFICIAL Y CINE

EMOCIONAL

Por Gerard Fossas




a la luz gracias sobre todo al ím-petu del director y al compromiso de sus equipos con una idea y un proyecto.

La gran triunfadora de esta edi-ción, la película que ha gustado a todo el mundo, ha sido sin duda Attack the Block. La producción inglesa dirigida por Joe Cornish ha conseguido una cosa tan difícil como hacer coincidir a crítica y público (se llevó sendos premios) y no ganó como mejor película de Secció Oficial por la sencilla razón de que dos miembros del Jurado Oficial no quisieron, una situación que se resolvió con un Premio Especial del Jurado sacado de la manga.

Sin embargo, el máximo galardón se lo llevó Red State, de Kevin Smith. Un premio para mí mere-cido, ya que la película demues-tra lo buen guionista que es el director de Clerks, que esta vez se ha atrevido a ir a muerte con una historia susceptible de ser polémica con un discurso honesto

y por encima de cualquier ideo-logía. Red State es una película atrevida, hecha con sentido co-mún, intensa, muy bien interpre-tada y con recursos arriesgados en la dirección, como aguantar todo un discurso en plano secuen-cia o alargar la parte del tiroteo sin que se haga monótona.

Los del Jurado Joven, sin embar-go, nos pusimos de acuerdo fá-cilmente en premiar Bellflower, de Evan Glodell. No es una obra maestra, pero destaca por una propuesta visual diferente y muy atractiva, basada en la saturación de los colores y un uso narrativo del desenfoque para contar una historia críptica de romance apo-calíptico que se maneja entre la realidad y la proyección imagi-naria de la imaginación visceral del protagonista. Se trata de una película muy enérgica y viva que contrasta con el panorama deso-lador que presenta.

Por último, quiero destacar la película que premiamos como la

mejor de la sección Midnight X-Treme, Detention, una película demencial, de ritmo inalcanzable y con una fluidez de diálogos y planos imposibles de asimilar. En-tra en la corriente de lo que se conoce como “movie mutations”, término acuñado por primera vez por el crítico Jonathan Ro-senbaum, que describe un nuevo cine fusionado con otro tipo de ar-tes como el videoclip, la música, la pintura, el cómic o incluso la cultura pop. Detention es, como lo fue Kaboom el año pasado, la representación de un tipo de cine en el que la narrativa deja de ser importante y se concentra en un collage abstracto de referencias. Es un slasher transformado en vi-deoclip, viajes en el tiempo, artes marciales, teenage movies y sus-pense, todo mezclado con sentido del humor y un montaje vibrante que atrapa y no deja indiferente.

Panorama de películas

Como he dicho, este año la pro-gramación de películas ha sido

Imagen de Attack the Block, una de las grandes triunfadoras de esta pasada edición



realmente buena y haría falta un número entero de la revista para repasarlas todas. Sin embargo, me gustaría destacar otros títulos de la Secció Oficial a competición que fueron muy aplaudidos por la mayoría por su calidad. Triun-faron films como The Yellow Sea por su poderosa dirección, una película tan especial como la re-cientemente estrenada Otra Tie-rra, Kill List a pesar de su nefasto final, The Mortician y su intere-sante uso del 3D, el cuento góti-co de Livide, The Woman con su puntilloso y controvertido guión, la frenética The Raid y, una de-voción personal, una película tan de Sitges como The Divide, que se presentó en el festival por prime-ra vez en su versión íntegra.

De todas formas, lo que ha hecho que esta edición del Festival de Sitges fuera un rotundo éxito de público ha sido el cartel de la sec-ción Panorama, en la que se pre-sentan películas más comerciales, tanto internacionales como nacio-nales, con un estreno inminente en nuestro país. En ella pudimos ver en primicia títulos tan impor-tantes como Contagio de Steven Soderbergh, Melancholia de Lars

Von Trier, Intruders de Juan Car-los Fresnadillo, Jane Eyre con Mia Wasikowska y Michael Fassbender, el retorno fulgurante de William Friedkin con la impresionante Ki-ller Joe y, una de las maravillas del año, Drive de Nicholas Win-dign Refn.

La firma española

Como siempre, el protagonismo principal del Festival de Sitges es para las producciones de género catalanas y españolas del año, un año en que por lo que hemos visto se van a estrenar (o se han estrenado ya) muy buenos títulos de terror y ciencia ficción, y eso que lamentablemente no se pro-yectaron las que probablemente sean las dos películas españolas de bandera: [REC]3 Génesis de Paco Plaza y Luces Rojas de Ro-drigo Cortés.

De las que sí vimos, sobresalen por encima de las otras dos retor-nos muy esperados. El primero es el de Jaume Balagueró, que des-cansa de la saga [REC] para pre-sentar la que posiblemente sea su mejor película hasta la fecha, Mientras duermes; y el segundo

es sin duda el regreso de Nacho Vigalondo, tres años después de Los Cronocrímenes, con una co-media con tintes de ciencia fic-ción, Extraterrestre.

También tuvo una gran acogida la comedia de terror Lobos de Arga, una suerte de Lesbian Vampi-re Killers a la española y con li-cántropos, muy disfrutable en el contexto del festival pero que se presume poco exitosa en taquilla. Del resto, vale la pena remarcar el mockumentary Emergo, que a pesar de ser la enésima aproxi-mación al universo de los fenó-menos paranormales resulta ser una película mejor trenada de lo que parece gracias sin duda a un buen trabajo de guión; Apollo 18 de Gonzalo López-Gallego y las buenas intenciones de Verbo.

Nuevos cines emergentes

Uno de los compromisos del Festi-val de Sitges es el de promocionar las películas producidas en países con poca tradición cinematográ-fica y que empiezan a asomar la cabeza con el cine de género. Con más o menos fortuna, son filmes dignos de mención porque no ten-

Fotograma de “Mientras Duermes” de Jaume Balagueró



drán distribución en nuestro país y porque, en algunos casos, se sir-ven de una historia de terror para narrar metáforas sobre la situa-ción de su país o sobre sus tradi-ciones y mitos.

Con esta vocación, tenemos pelí-culas como la brasileña Trabalhar Cansa de Brasil, la irlandesa The Other Side of Sleep, la marroquí Mirages, Saint de Holanda, la cu-bana Juan de los Muertos y dos interesantes propuestas noruegas como The Troll Hunter y, sobre todo, una original película sobre el preludio de un apocalipsis zom-bie como es Dark Souls.

Sin embargo, destaca por encima de todas Rabies, la primera pelí-cula de terror de Israel. No es una gran película, pero es muy intere-sante la idea de cómo las cicatri-ces que las guerras han grabado sobre el territorio del país se con-vierten en la amenaza para unos personajes que viven sus vidas sin peligro, puesto que el enemigo en Rabies son el entorno y las secue-las del pasado reciente, y es la interacción con el espacio lo que

desemboca en muerte, violencia y locura.

Inteligencia emocional

Hablando con Chris Baker, artista conceptual de A.I., soltó que Eva no valía nada y que ni siquiera los efectos eran gran cosa. Claro. Ellos hicieron A.I. diez años atrás, con un presupuesto de cien mi-llones de dólares y con Spielberg al frente. Normal que vea las co-sas desde una perspectiva altiva. Pero Eva no está tan mal al fin y al cabo. Es decepcionante hacia el final y no está madurada del todo, pero no está mal. Como muchas de las películas que se han pasa-do en Sitges. Como Lobos de Arga con sus licántropos que parecen peluches gigantes; es cutre, pero encantador al fin y al cabo.

Las palabras de Chris Baker sin-tetizan un poco un pensamiento, a mi parecer erróneo, de que el valor de una película reside en su inversión, en su aspecto. En el fondo es a lo que él se dedi-ca, en diseñar la apariencia de la película. Pero quedarse aquí es

lo que lleva al cine comercial de baja calidad, al 3D que se limita a ser una estafa, a los remakes y secuelas sin sentido y, en definiti-va, a estas películas que tanto se parecen entre ellas.Esta edición de Sitges ha manteni-do más que nunca su apuesta ori-ginal por el cine de serie B, el de género, que se hace como se pue-de a nivel técnico y cuyo valor re-side en la implicación de la gente, en los directores que hipotecan su casa para hacer la película o en los actores que se desviven por un papel. Todo aquello que no es simplemente funcional, en defini-tiva, y el bonito palmarés que ha quedado bien lo demuestra. Has-ta ahora ningún robot ha escrito ni dirigido una película y espere-mos que nunca lo haga porque el cine lo disfrutamos las personas y lo que verdaderamente nos gusta, por muy pomposa y espectacular que pueda ser una superproduc-ción llena de efectos digitales, es ver algo que nos remueva por dentro. Y esto la inteligencia arti-ficial no lo puede hacer.

Imagen de “Proyecto: Troll Hunter”



MIRAMAX Y GUILLERMO DEL TORO PRESENTANUNA PRODUCCIÓN NECROPIA / GRAN VIA KATIE HOLMES GUY PEARCE “DON´T BE AFRAID OF THE DARK” BAILEE MADISON JACK THOMPSON

CASTING MARY VERNIEU, C.S.A. VENUS KANANI, C.S.A. DISEÑO DE VESTUARIO WENDY CHUCK MÚSICA MARCO BELTRAMI BUCK SANDERSMONTAJE JILL BILCOCK, A.C.E., A.S.E. DISEÑO DE PRODUCCIÓN ROGER FORD FOTOGRAFÍA OLIVER STAPLETON, B.S.C.

PRODUCTORES EJECUTIVOS STEPHEN JONES WILLIAM HORBERG TOM WILLIAMS PRODUCIDA POR GUILLERMO DEL TORO MARK JOHNSONBASADA EN LA SERIE DE TV DE NIGEL McKEAND GUIÓN GUILLERMO DEL TORO & MATTHEW ROBBINS DIRIGIDA POR TROY NIXEY

www.tripictures.com

Katie HOLMES Guy PEARCE

El miedono siempre es

como lo imaginas

(DON´T BE AFRAID OF THE DARK)

NTMALO cartel A4:Layout 1 5/9/11 13:41 Página 1

Estreno


Había una vez tres niñas que vivían en una casa.

DANIEL CRAIG (Cowboys & Aliens, Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres, que se es-trenará próximamente), NAOMI WATTS (The Ring [La señal], Caza a la espía) y la ganadora de un Oscar® RACHEL WEISZ (El jardi-nero fiel, The Lovely Bones) son los protagonistas de Detrás de las paredes, un thriller sobre una fa-milia que, sin saberlo, se muda a una casa en la que se han come-tido varios asesinatos macabros… para encubrir misterios todavía más tenebrosos que se esconden en estas paredes.

Will Atenton (Craig), un editor de gran éxito, abandona su trabajo, un puesto con mucho poder en Manhattan, para irse a vivir con su mujer, Libby (Weisz), y sus dos hijas a un pintoresco pueblo de Nueva Inglaterra. Pero cuan-do se empiezan a acostumbrar a su nueva vida, descubren que su perfecta casa ha sido el escenario del asesinato de una madre y sus hijos. Y todo el pueblo piensa que el crimen fue cometido por el ma-rido, el único superviviente.

Cuando Will comienza a inves-tigar, no está seguro de si está empezando a ver fantasmas o es que la trágica historia le resulta demasiado cercana. Las únicas

pistas provienen de Ann Patterson (Watts), una misteriosa vecina que conocía a los desaparecidos. Mientras Will y Ann van encajando las piezas del inquietante puzzle, tienen que descubrir quién asesi-nó a la familia en la casa de en-sueño de Will antes de que vuelva a matar.

Craig, Watts y Weisz, comparten pantalla también con MARTON CSOKAS (Alicia en el país de las maravillas), que encarna a Jack, el ex marido de Ann; ELIAS KO-TEAS (La cuarta fase) que inter-preta al extranjero Boyce; y JANE ALEXANDER (La semilla del mal) , la Dra. Greeley.

4 de NoviembreDetrás de las paredes



James G. Morrison presenta una producción de Morgan Creek y de Bobker/Kruger Films: Detrás de las paredes, protagonizada por Daniel Craig, Naomi Watts, Ra-chel Weisz, Marton Csokas, Elias Koteas, Jane Alexander. Con cas-ting a cargo de Avy Kaufman, CSA y la música de John Debney, su-pervisada por Dave Jordan. La edición de Detrás de las paredes corre a cargo de Glen Scantlebury y Barbara Tulliver, ACE. El diseño de vestuario es de Delphine Whi-te, y el de producción, de Carol Spier. El director de fotografía de este thriller de suspense es Caleb Deschanel, ASC, los productores ejecutivos son Rick Nicita, Mike Drake. Los productores del largo-

metraje son David Robinson, Da-niel Bobker y Ehren Kruger. Escri-ta por David Loucka y producida por James G. Robinson, Detrás de las paredes está dirigida por Jim Sheridan.

¿Quién es Peter Ward? Comienza Detrás de las paredes

En 2009, Daniel Bobker y Ehren Kruger, socios de producción, en-viaron a James G. Robinson, direc-tor ejecutivo de Morgan Creek, y a David Robinson, vicepresidente de la misma, el guión de Detrás de las paredes. Bobker y Kruger, que ya habían colaborado con anterio-ridad en el thriller de suspense La llave del mal y en el largometraje

de acción y aventuras Los herma-nos Grimm, quedaron intrigados con los temas que el guionista David Loucka abordaba en este thriller psicológico, y se conven-cieron de que Morgan Creek era la productora asociada adecuada para desarrollar y financiar este proyecto. Loucka tejió la fascinante histo-ria de Will Atenton, un carismá-tico editor que deja su frenético trabajo en Nueva York para pasar más tiempo con su esposa y sus dos hijas pequeñas en su casa de Nueva Inglaterra. Cuando por fin Will se establece para comenzar su carrera como escritor, una se-rie de perturbadores sucesos que



ocurren en la casa comienzan a asolar a la familia. Ahora se ve obligado a enfrentarse al hecho de que nada es lo que parece. James G. Robinson nos explica por qué decidió desarrollar y producir la película: “Con tantos thrillers, enseguida suele ser demasiado obvio cuál va a ser el giro de la película, y el director se pasa la mayoría del tiempo tratando de no dejar rastro de ello. Lo que di-ferencia a Detrás de las paredes es que explora el misterio según va surgiendo, desde la perspecti-va de una persona. Mientras que Will trata de descubrir quién es el asesino de la familia (si es que existe), comienza a dudar y a sos-

pechar de sí mismo. Nos encantó el hecho de que cualquiera pue-de sentirse identificado con la situación. Según se vaya desarro-llando, el público cuestionará sus propias suposiciones sobre lo que está pasando”. Para dar vida a esta polifacética historia, los productores contra-taron a Jim Sheridan, nominado al Oscar® al Mejor Director.

El cineasta irlandés, famoso por su impresionante currículum, que comprende desde colabora-ciones con Daniel Day-Lewis (Mi pie izquierdo, En el nombre del padre y The Boxer) hasta pelí-culas tan sumamente personales

como En América, o el drama bé-lico Brothers (Hermanos), nunca imaginó que su siguiente película sería un thriller psicológico. Aun así, se sumergió de pleno en el tenso material y quedó impresio-nado por la habilidad del autor a la hora de abordar diferentes géneros y de mantener al lector intrigado. Sheridan reconoce que disfrutó de la oportunidad de di-rigir Detrás de las paredes. Nos cuenta: “Leí el guión, y me gus-tó bastante la idea irresistible de un tipo que vive dos realidades al mismo tiempo”. El director es-taba deseando tomar las riendas de este Thriller psicológico en el que no sabes en ningún momento en qué punto estás. No sabes ni



qué es real, ni quién cometió el asesinato. De hecho, ni si quiera se sabe si realmente existe el su-puesto asesino.

Al cineasta le encantó que la his-toria de Loucka permitiera al lec-tor adentrarse de forma tan ínti-ma en la mente de Will y explorar el profundo miedo de perder a su familia. “Creo que muchas veces la gente reacciona ante la tra-gedia inventándose un mundo de fantasía. Supongo que, en base a ello, el drama es un tipo de siste-ma de creencia que crea el pro-pio ser humano para combatir la abrumadora realidad de la muer-te”, apunta el director.

Al pensar en cómo enfocaría la historia a partir del material, Sheridan nos explica: “Lo que in-tentas es captar las emociones. Intentas percibir lo que no se puede ver: un mundo que, más que verlo, lo intuyes. No me inte-resaba tanto el cambio visual, lo que buscaba era más un cambio emocional, que se efectúa en lo más profundo de Will (un cambio de dentro a fuera, más que de fuera a dentro)”.

Cuando comenzó la producción, Sheridan empezó a reunir a su mejor equipo detrás de las cá-maras para crear Detrás de las paredes. También se encargó de seleccionar a los actores que in-terpretarían a los personajes que viven en la casa de ensueño de Will y en los alrededores. Y a la hora de hacer el casting, buscó a un hombre conocido por sus tra-bajos dramáticos y de acción, así como a una veterana en thrillers y a la ganadora de un Oscar®.

En cuanto a la casa:el casting del thriller

El equipo estaba tratando de encontrar a su Will Atenton, un personaje que Sheridan describe como un hombre que “descubre una verdad sobre sí mismo que desconocía”, y la búsqueda ter-minó cuando Daniel Craig accedió a interpretar el papel. Esto es lo que nos explica Sheridan sobre su elección: “Daniel es el tipo de hombre con el que las muje-res se sienten protegidas. Parece un tipo decente, lo bueno es que realmente es un tipo decente; es encantador a la hora de trabajar y muy disciplinado”.

Craig, fan de las películas dramá-ticas de Sheridan, admite que no hizo falta convencerle en cuanto vio la oportunidad de trabajar con el director. Comenta: “Soy admi-rador suyo desde hace mucho, y habíamos estado hablando de hacer algo juntos los últimos dos años. Entonces surgió esto y me

llamó, así que mi respuesta fue ‘Por supuesto’”

Cuando leyó el guión de Loucka, Craig se sumergió en las dificul-tades a las que Will se enfrenta mientras trata de entender esa crisis. El actor está de acuerdo con Sheridan y agradece que el guión deje al lector intrigado du-rante tanto tiempo. Y nos cuenta: “Si resulta que crees en fantas-mas, entonces es una historia de fantasmas; si no crees en ellos, entonces es algo creado por la mente, lo cual es igual de ma-ravilloso. No quisimos decantar-nos por ninguno de los dos casos, queríamos dejarlo en manos del espectador”, nos cuenta el prota-gonista.

Craig entendió que, en realidad, interpretaría a dos personajes en Detrás de las paredes. Nos explica la historia personal de Will: “In-terpreto a un hombre felizmente casado, que vive en una casa de ensueño con su esposa y sus dos hijas pequeñas, y de repente, comienza a desarrollarse la otra historia. Descubren que en esa casa ha habido un asesinato. La esposa y los hijos de los anterio-res inquilinos fueron asesinados y la historia empieza a formar par-te de su día a día. Es casi como si la casa les estuviera hechizando”.

El actor se dio cuenta de que in-terpretar a un personaje con se-mejante conflicto interno era más complicado de lo que en un prin-cipio suponía: “Es algo muy pelia-gudo. Gran parte de la película la rodamos en orden cronológico y grabamos enseguida el comienzo. Lo más duro llegó hacia el final. Ha sido muy complicado emocio-nalmente, pero muy satisfactorio desde la perspectiva de actor”.

Las actriz Naomi Watts da vida a Ann Patterson, la vecina de al lado de Will y Libby. La primera vez que aparece Ann es cuando Will cruza la calle para hablar so-bre su hija. Podemos ver que Ann


es extremadamente cauta con su nuevo vecino y que zanja rápida-mente la conversación. Sheridan comenta su opinión sobre la no-minada al Oscar®, y sobre cómo se hizo con el personaje de Ann: “Naomi es asombrosa con sus ojos, es muy expresiva, puedes leerle el pensamiento en todo momento. Desde el momento en que la ves en la película sabes que Ann oculta algo”.

Desde la saga de La señal (The ring) a Promesas del Este y Funny Games, la actriz ha sido capaz de transmitir la inquietud que expe-rimentan los personajes que in-terpreta con tan solo una mirada o un pequeño gesto. Para Watts, el atractivo de Detrás de las pare-des residía en el descubrimiento de cómo estos “tres personajes están tan involucrados los unos en las vidas de los otros”.

Watts nos presenta a su persona-je: “Ann tiene un ex marido con el que no se lleva demasiado bien y con el que comparte una hija, por lo que tienen bastantes dis-

cusiones. Intentamos deducir qué pasa en la vida familiar de Ann y si necesita la ayuda de Will, o si es él quien necesita la ayuda de ella. Todos estos grandes interro-gantes se plantean en la pelícu-la”.

No fue solamente la oportunidad de trabajar con el director Jim Sheridan y con sus amigos Daniel Craig y Rachel Weisz lo que la con-venció para unirse al proyecto. La actriz admite: “Ann me recorda-ba a un personaje de Hitchcock. Hay algo raro en ella, algo que te atrae, el público se preguntará: ‘¿Me gusta o no me gusta?’ Me gustó esta yuxtaposición y, como actriz, interpretar este tipo de misterios siempre es divertido”.

Las oscarizada Rachel Weisz, im-presionada por la habilidad con la que en el guión se tratan los temas del romanticismo, lo so-brenatural y el miedo, se unió al reparto para dar vida a la espo-sa de Will, Libby. No se sumó al proyecto solamente por el guión, sino también por la oportunidad

de trabajar con colegas de seme-jante talento. Weisz nos aclara: “Daniel y Naomi ya estaban em-barcados en ello cuando yo me apunté, así que no podía imaginar una presentación más atractiva”.En cuanto al protagonista mas-culino, Rachel comenta: “El per-sonaje de Daniel ha pasado por situaciones muy dolorosas y se encuentra en el límite”; de su vecina de al lado nos cuenta: “A lo largo de toda la película, Ann conoce el secreto sobre la iden-tidad de Will y la verdad de los asesinatos (la historia de la que el público no sabe nada). Para dar vida a un personaje así se necesi-ta una actriz que pueda transmi-tir una sensibilidad inmensa y a la vez una gran complejidad. Te das cuenta de que hay un secreto o algo que la perturba, pero no puede decir de qué se trata. Nao-mi interpreta todo esto con una gran delicadeza, posee una gran complejidad y es el tipo de actriz en cuyo rostro ves pasar sus pen-samientos sin necesidad de diálo-go”.



Hablando de la producción de Li-bby, Sheridan añade: “Rachel es un chica impresionante y muy apasionada por su trabajo. Su papel tomó más fuerza a medi-da que rodamos, porque me di cuenta de que tenía que incluir-la en algunas escenas en las que en principio no aparecía. La puse en varias escenas, y ella improvi-só algunas frases para ver cómo quedaban”.

Craig comparte con nosotros cómo hicieron para aplicar este estilo de rodaje improvisado en plató: “Tienes un guión que te da claras pautas de qué hacer y gra-bas lo que pone en el texto, pero después tratas de indagar todo lo posible. No dejas la escena has-ta que la exprimes al máximo, sacando todas las emociones y las verdades que puedes. Es más reescribir el guión sobre la mar-cha que improvisar”.

Dos de los miembros más jóvenes del reparto guardan el secreto más importante de la película. Las encargadas de interpretar a las hijas de Will y Libby son las hermanas TAYLOR GEARE y CLAIRE GEARE. Las niñas dan vida a Trish y Dee Dee respectivamente, y las hemos visto recientemente en la taquillera Origen. Craig nos habla de sus interpretaciones en esta película: “Igual que en En Ame-rica, Sheridan encontró dos niñas idóneas para el papel. Siempre trata de encontrar críos muy na-turales y realistas. No busca in-terpretaciones, sino que actúen de la forma más realista posible. Estuvieron sencillamente asom-brosas”.

A medida que el público va descu-briendo el destino de Trish y Dee Dee, ellas personifican el terror que la audiencia está sintiendo en ese momento. Sheridan, que tra-bajó con Taylor Geare en Brothers (Hermanos) y conoció a su herma-na durante dicha producción, nos cuenta lo siguiente sobre trabajar con niños: “No tienes que jugar

con ellos; o lo consideran algo real, o no. Es o todo o nada, no hay medias tintas”.

En el elenco de Detrás de las pare-des encontramos a Marton Csokas en la piel de Jack, el ex marido de Ann; a Elias Koteas, que inter-preta al misterioso Boyce; a Jane Alexander como la Dra. Greeley, la médico de Greenhaven; a RA-CHEL FOX, que encarna a Cloe, la hija de Ann y Jack; a JOE PINGUE, que da vida a Martin, el antiguo inquilino del centro de rehabili-tación de Peter Ward; a RACHEL CRAWFORD como Ellen Bewes; a BRIAN MURRAY interpretando al Dr. Medlin; y a SARAH GADON y GREGORY SMITH, que dan vida a

Cindi y Artie, los vecinos adoles-centes aterrados por la historia de Peter Ward.

James G. Robinson nos comenta que los actores de reparto pro-porcionan al público una forma de compartir su miedo, y añade: “Nos presentan a la gente del en-torno de Will y Libby y, a medi-da que cada uno va contando su historia, las piezas empiezan a encajar y empezamos a entender quiénes son los miembros de esta familia y qué es lo que realmen-te les ha pasado. No podría estar más satisfecho con la interpreta-ción de nuestros actores, y con el miedo que son capaces de provo-car”.



Vivir en dos mundos:Diseño y Rodaje

Cuando Sheridan se imaginó a este equipo interpretando el guión de Loucka, supo que tenía que diferenciar muy bien los dos mundos. Nos cuenta: “Uno es el de la casa de ensueño, y el otro es el de una casa en ruinas con todo destartalado. En una película puede resultar complicado notar los cambios en un espacio en dos dimensiones, muchas veces el pú-blico no nota nada si solo cambias un fondo”, nos cuenta el director.Para solucionar este tema, Sheri-dan pensó que “los cambios deben transmitirse al público de mane-ra tridimensional, por ejemplo

mostrando a alguien cayendo por las escaleras o una mano atrave-sando la pared, o algo colgando. Diseñamos los platós de manera que, por el fondo, resultara obvio que la casa se había destartalado. Por ejemplo, en una escena, Will vuelve a la casa y se la encuentra con las puertas y las ventanas ta-piadas con tablas”. Sería cosa del cinematógrafo Caleb Deschanel el mirar con lupa la visión creada por la diseñadora de producción Carol Spier.

Spier, que vuelve a trabajar en esta película con Naomi Watts, su protagonista en Promesas del Este, se ha inspirado en sus pri-meros trabajos, como Silent Hill y Blade II. En cuanto al aspecto ge-

neral de la casa nos cuenta: “He intentado que parezca lo más rea-lista posible, incluso aunque par-te de la casa sea una proyección de la imaginación de Will. Para el principio, hice que la casa fuera un lugar cómodo, un hogar, como si fuera una casa histórica que Will y Libby quisieran restaurar. La casa en ruinas es un poco exce-siva, porque es necesario hacerla de forma un poco más exagerada de lo que realmente sería… pero a la vez lo más realista posible”.Deschanel está de acuerdo con el enfoque de Spier sobre el to-que inicial de delicadeza: “Las diferencias que hemos introduci-do son muy sencillas, nos hemos servido de cambios en la ilumina-ción o de cambios de humor. No



hemos utilizado demasiados efec-tos visuales, por ejemplo dando vueltas al rededor de algo delan-te del croma y luego cambiando el fondo. De esta forma hemos creado una realidad con la que el espectador puede sentirse identi-ficado, de tal manera que no se sienta engañado. Es como ver un truco de magia en el que el mago no se esconde en ningún momen-to y puedes ver cómo lo hace”.

Delphine White, diseñadora de vestuario, apunta: “Mi reto esta-ba en la creación de dos mundos sin que fuera obvio que uno es el mundo real y el otro es imagina-rio. Traté de aportar a los actores principales una sensación de fu-gacidad eligiendo ropa más bien

diáfana. El vestuario de Libby se va oscureciendo hacia el final, mientras Will se pregunta si está muerta y si es producto de su imaginación”.

También el departamento de maquillaje, dirigido por DONALD MOWAT, nos habla del impacto que causa el desarrollo del personaje de Will. El diseñador comenta: “Se nos ocurrieron varias ideas (pelucas, vello facial, suciedad, sangre), una mezcla de maqui-llaje con la que podíamos jugar un poco y ver cómo se sentía más cómodo Daniel. En maquillaje y peluquería menos es más, nor-malmente son las cosas que no se notan las que nosotros buscamos. Ojeras, labios agrietados: indica-

dores de que alguien se encuen-tra en una situación de estrés y que ha pasado por muchas cosas”.

Aunque para Sheridan era impor-tante limitar la cantidad de efec-tos especiales para Detrás de las paredes, sí que se han utilizado cuando ha sido necesario. SOPHIE VERTIGAN, diseñadora de efectos especiales, nos explica el tema en una de las secuencias principales: “Al principio de la película, hay una fuerte tormenta de nieve en abril, con mucha nieve, y según avanza la trama y empezamos a descubrir lo que pasó, la nieve comienza a derretirse”.




Estreno

4 de NoviembreTiburón 3D: La presa

Un excitante fin de semana de verano se convierte en una san-grienta pesadilla para un grupo de estudiantes universitarios, cuan-do se ven perseguidos por unos sanguinarios depredadores acuá-ticos en TIBURÓN 3D, LA PRESA, una aventura trepidante y terrorí-fica protagonizada por un reparto jóvenes estrellas emergentes. Sara (Sara Paxton) y sus amigos viajan en barco hasta la casa del lago que tiene su familia en Loui-siana. En cuanto llegan, se ponen rápidamente el bañador para pa-

sar un fin de semana de diversión al sol. Pero cuando Malik (Sinqua Walls), una estrella de fútbol americano universitario, sale del agua tambaleándose con un brazo arrancado, el ambiente de fiesta desaparece. Nick (Dustin Milli-gan), un joven tímido que va a en-trar en la facultad de medicina, se encuentra haciéndose cargo de la situación – practicando los pri-meros auxilios y comunicándole a Sara lo urgente que es llevar a Malik al hospital, al otro lado del lago.

Una vez que ya se han puesto en marcha en una pequeña lancha, se dan cuenta de que el lago está plagado de cientos de tiburones enormes. El barco falla a mitad de trayecto, dejándoles tirados sin asistencia médica y sin for-ma de comunicarse, y quedan en estado de shock al descubrir que el barco ha sido saboteado. Se-gún se van enfrentando a un ho-rrible ataque tras otro, cada vez resulta más evidente que alguien está elaborando un plan para ma-tarles. Sin opciones de rescate, Sara y los demás luchan para de-



fenderse de los tiburones, buscar ayuda y mantenerse con vida el tiempo suficiente como para lle-gar a tierra.

TIBURÓN 3D, LA PRESA está prota-gonizada por Sara Paxton (SUPER-HEROE MOVIE, LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERDA), Dustin Milligan (“Sensación de vivir: La nueva ge-neración”, LA PLAGA), Chris Car-mack (“O.C.”), Joel David Moore (AVARTAR) y Katharine McPhee (UNA CONEJITA EN EL CAMPUS). La película está dirigida por Da-vid R. Ellis (SERPIENTES EN EL

AVIÓN, DESTINO FINAL 2), basada en un guión de Will Hayes y Jesse Studenberg. Los productores son Chris Briggs (HOSTEL, POSEIDÓN) y Lynette Howell (BLUE VALENTI-NE, HALF NELSON). El co-produc-tor es Tawny Ellis Lehman (DES-TINO FINAL 4, SERPIENTES EN EL AVIÓN). La productora asociada es Crystal Powell (BLUE VALENTINE, TERRI). El director de fotografía es Gary Capo (EL INCREÍBLE HULK, SIEMPRE A MI LADO(CHARLIE ST. CLOUD)). El editor es Dennis Virkler (EL HOMBRE LOBO). El di-señador de producción es Jaymes

Hinkle (SERPIENTES EN EL AVIÓN, CELLULAR). El productor ejecuti-vo es Douglis Curtis (SHOOT’EM UP – EN EL PUNTO DE MIRA, FREDDY CONTRA JASON).


Estreno

4 de NoviembreVerbo



VERBO cuenta la historia de Sara, una chica de 15 años con un sexto sentido. Una joven y tímida he-roína del siglo XXI que empieza a intuir que en el mundo tiene que existir algo más que lo que ven nuestros ojos, algo escondido que empieza a obsesionarle. Guiada por su instinto, comienza a en-contrar en su gris existencia una serie de inquietantes mensajes y pistas que le empujan a entrar en una nueva dimensión, peligrosa y terrorífica, en la que deberá ini-ciar un viaje para salvar su vida.

En el transcurso de este devenir perturbador pero lleno de aven-turas, Sara encontrará un nuevo reto: el modo de cambiar el mun-do.

La película supone la opera pri-ma de Michael Chapero Jackson y está protagonizada por Alba Gar-cía, Miguel Ángel Silvestre, Veró-nica Echegui, Macarena Gómez, Manolo Solo, Adam Jeziersky, Víc-tor Clavijo,Manolo Solo, Nasser Saleh Ibrihim y Fernando Soto.



Estreno

18 de Noviembre

Amanecer (Parte 1)

La eternidad es solo el co-mienzo...

La esperadísima cuarta entrega de La Saga Crepúsculo, dirigida por el ganador del Oscar® Bill Condon, LA SAGA CREPÚSCULO: AMANECER (PARTE I), arroja luz sobre los secretos y misterios de este fascinante romance épico que ha cautivado a millones de personas.

En La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte I), Bella (Kristen Stewart) y Edward (Robert Pattinson), junto con sus seres queridos, tendrán que hacer frente a la cadena de acontecimientos ocasionados por sus elaborados esponsales, su ro-mántica luna de miel y el tumul-tuoso nacimiento de su primera

hija... que trae consigo una im-prevista y sorprendente conse-cuencia para Jacob Black (Taylor Lautner).

Con más dosis del romance, la pa-sión, la intriga, el valor y la acción que convirtieron a Crepúsculo, La Saga Crepúsculo: Luna Nueva y La Saga Crepúsculo: Eclipse en grandes éxitos internacionales, La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte I) inicia la conclusión del relato de amor, amistad sin lími-tes, sacrificio, aceptación y des-cubrimiento de tu verdadero ser. Basadas en la serie de libros de gran éxito de ventas de Stephenie Meyer, las películas y las novelas constituyen un auténtico fenóme-no cultural con una comunidad de fans entregados que esperan im-pacientes la llegada de cada nue-

va entrega.

Stephenie Meyer ha logrado con-vertirse en un fenómeno editorial a escala mundial. Casi 50 países han adquirido los derechos de traducción de sus cinco libros de Crepúsculo, mientras que se han vendido más de 116 millones de ejemplares de la saga en todo el mundo. Sus libros han pasado más de 302 semanas en la lista de ‘bestsellers’ del New York Times.La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte I), primera de una adapta-ción en dos partes, está dirigida por Bill Condon (Dreamgirls, Dio-ses y monstruos), a partir de un guión de Melissa Rosenberg, ba-sado en la novela Amanecer, de Stephenie Meyer. Kristen Stewart, Robert Pattinson y Taylor Lautner son sus protagonistas principales.


COMIENZA EL ÚLTIMO CAPÍTU-LO DEL GRAN FENÓMENO

La serie cinematográfica de La Saga Crepúsculo está protago-nizada por Kristen Stewart, Ro-bert Pattinson y Taylor Lautner, y cuenta la historia de una chica de 17 años, Bella Swan, que se muda a vivir con su padre al pueble-cito de Forks, Washington, y no puede evitar sentirse atraída por Edward Cullen, un pálido y mis-terioso compañero de clase que parece empeñado en mantenerla a distancia. Pero ninguno de los dos puede negar la atracción que los empuja el uno hacia el otro... ni siquiera cuando Edward le con-fiesa que tanto él como su familia son vampiros. Para complicar el asunto, el mejor amigo de Bella, Jacob Black, es un hombre lobo, creado con un único fin: matar vampiros.

La primera entrega de la serie, Crepúsculo, con la que comen-zaba esta vampírica historia de amor ambientada en la actualidad y cargada de acción, llegaba a las

salas de cine norteamericanas el 21 de noviembre de 2008 (5 de diciembre en España), para lograr una espectacular acogida. La se-gunda entrega, La Saga Crepúscu-lo: Luna Nueva llegaría a la carte-lera española el 18 de noviembre de 2009 (2 días antes de su estre-no en Estados Unidos) y la tercera, La Saga Crepúsculo: Eclipse, no se haría esperar mucho, y se estre-naría a nivel mundial el 30 de ju-nio de 2010. Las tres películas han logrado una recaudación bruta de 800 millones de dólares en la ta-quilla norteamericana, mientras que la franquicia se acerca ya a la cifra de 2.000 millones de dólares en la taquilla mundial. En España las primeras tres películas suman más de 52 millones de Euros.

Además, las películas no dejan de batir sucesivos récords en sus respectivos lanzamientos en DVD/Blu-Ray: Las tres películas en Es-paña han vendido más de 800.000 unidades. A cada nuevo lanza-miento, tiendas por toda España celebran eventos a medianoche para los insaciables fans de Cre-

púsculo, que esperan ansiosos la continuación de la historia.

Al igual que en el libro, en La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte I) los tres protagonistas principales continúan su viaje a la madurez, empezando por los ajetreados úl-timos días de preparativos para la boda de Bella y Edward. “Al final de Eclipse, los dejamos en la pradera, hablando de su futu-ra boda. Empezamos Amanecer con todos los personajes que he-mos ido conociendo a lo largo de la saga recibiendo invitaciones para el acontecimiento. Bella y Edward se encuentran en distin-to estado de nervios previos a la boda, y entonces nos embarcamos en la boda del siglo”, explica el productor Wyck Godfrey, que ha trabajado en todas las entregas de la serie. “Luego nos trasla-damos a Brasil, donde pasan su luna de miel en la isla Esme, una parte de la historia que todo el mundo espera con impaciencia. Por supuesto, entonces llegan los problemas, como sucede en cual-quier matrimonio... un embarazo



inesperado. Para el final de La Saga Crepúsculo: Amanecer (Par-te I), Bella ya no estará soltera, no estará sin hijos y ya no será humana”.

En esta entrega, la saga explora temas más adultos, como el ma-trimonio y la familia, y lo que harías para proteger a aquellos a los que amas incondicionalmente. “Siempre me han gustado las his-torias en las que los personajes tienen ocasión de madurar. No me gustaba cuando se quedaban bloqueados en una misma etapa, cuando tienes a una persona que tiene siempre la misma edad y hace las mismas cosas”, explica la autora de la serie, Stephenie Me-yer. “Me encantaba Ana de las Te-jas Verdes, que creciera, se casa-ra y tuviera seis hijos. Luego sus hijos crecían y se casaban... es como la vida. Hay una evolución. Así que siempre tuve intención de llevar la historia de Crepúscu-lo a lo largo de las generaciones. Al principio, cuando empecé, me gustaba tanto lo que hacía, era un desahogo creativo tan maravi-lloso, que me vi continuando a lo

largo de las generaciones y escri-biendo sobre ellos para siempre. No quería dejarlo nunca”.

Meyer agrega: “Eclipse también acaba con Jacob con el corazón destrozado y huyendo al bosque. Bella se decide definitivamente por Edward... siempre fue la res-puesta para ella. Durante toda la diversión de los preparativos de la boda en Amanecer, Jacob no sabe exactamente dónde se en-cuentra. Huye al norte, hasta Ca-nadá, y se pasa un par de meses viviendo como un lobo. Pero tam-poco desaparece mucho tiempo, porque Bella y Edward están ofi-cialmente prometidos en junio, se casan el 13 de agosto y Jacob reaparece en la boda”.

La autora Stephenie Meyer tam-bién asume el papel de produc-tora en las últimas dos entregas de la serie cinematográfica, que se rodaron simultáneamente, y estuvo presente en el plató a dia-rio durante todo el rodaje. “La verdad es que la participación de Stephenie ha sido una constante progresión natural, y nuestra re-

lación ha crecido a lo largo de los años. Ha pasado de visitas pun-tuales en Crepúsculo, a visitas re-gulares en Luna Nueva y Eclipse, y ahora está aquí a tiempo com-pleto. Paso más tiempo con Ste-phenie del que paso con mi mu-jer”, sugiere Godfrey entre risas. “Aprecio mucho nuestra amistad. Lo mejor de hacer películas es que es como un campamento de verano para adultos. Se crean rá-pidamente unas sólidas amistades con gente que estarán contigo el resto de tu vida”.

“La verdad es que la labor de pro-ducción que he realizado en estas dos películas no dista mucho de lo que venía haciendo en las en-tregas anteriores”, agrega Meyer. “En realidad, el título de produc-tor no ha cambiado gran cosa mi papel. He estado muy implicada en todo momento en el proceso de toma de decisiones, aunque también he tenido que aceptar ciertos compromisos. Pero sí re-sulta distinto tener que preocu-parse tanto por el clima y si va-mos a poder filmar mañana. Esa ha sido una nueva experiencia”.


38 │ Cinemascomics │Noviembre 2011 www.cinemascomics.com



Godfrey se muestra de acuerdo: “No ha sido muy distinto del pa-pel que había desempeñado en las películas anteriores. Siempre que tenemos alguna duda sobre la mitología, tanto si estaba físi-camente presente como si no, la llamábamos o le enviábamos un correo electrónico. También está viendo todo el metraje. Ahora está aquí en el momento en que surgen las ideas. Stephenie es un buen elemento para los actores, que a veces tienen dudas sobre sus personajes. Además, sus co-nocimientos sobre la realización cinematográfica han aumentado considerablemente en estos últi-mos años. Las tres últimas pelícu-las han sido una verdadera escue-la de cine para ella”.

Meyer ha vuelto a servir como recurso inestimable para la guio-nista Melissa Rosenberg, otra ve-terana de toda la serie cinema-tográfica. “Melissa ha hecho un trabajo increíble para sintetizar estos libros en películas. Desde el primer libro, nos ha llevado todo el camino y ha tenido la discipli-na necesaria para, mientras es-tábamos haciendo una película, ponerse a trabajar en firme en la siguiente y obligarnos a cen-trarnos”, explica Godfrey. “Creo que es consecuencia de su expe-riencia en televisión, para man-tener el trabajo de una serie al día. Melissa entiende muy bien el mundo de Stephenie y tiene una gran relación con ella. Sabe cómo articular lo que intenta hacer, y se entiende con Stephenie para saber qué quitar y qué añadir. Han establecido una estrecha co-laboración”.

Dado que la novela de Amanecer, con partes narradas tanto desde el punto de vista de Bella como de Jacob, llega a ocupar unas sus-tanciosas 754 páginas, se empezó a plantear desde los inicios del proceso la posibilidad de dividir la densa historia en dos películas. “Cuando leí el libro, en el mo-mento en que Bella abre los ojos y están rojos, fue lo que se me ocurrió”, afirma Rosenberg. “No

era tanto un momento de ‘ajá, sorpresa’ como de ‘bueno, estaba claro’. Me pareció un punto natu-ral donde cortar, en la transición de la vida de Bella como humana a su vida como vampiro y como madre. Son dos mundos comple-tamente distintos para ella”.

“En un primer momento, me puse a esbozar un esquema de ambas historias. Teníamos que saber que podía funcionar en líneas genera-les, antes siquiera de poder conti-nuar. El libro era muy largo, pero no tanto como para dos películas. Se hacía necesario ampliar cier-tas cosas. Así que me correspon-día a mí asegurarme de que había suficiente para dos películas. La presión fue tremenda”, comenta Rosenberg riendo.

La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte I) se centra en Bella y cómo crea su propia familia, mien-tras que la Parte II se centrará más en cómo proteger esa fami-lia. Rosenberg agrega, “La Parte I trata sobre irte de casa. Trata sobre madurar y convertirte en un verdadero adulto, convertirte en esposa, convertirte en madre y volverte poderosa... y dominar de verdad tu propio poder. Es una historia iniciática, la verdad, so-bre valerte por ti misma por pri-mera vez. Es una historia muy adulta, que le sucede a una chica de 18 años. La Parte I acaba en el momento en que Bella despierta convertida en vampiro, y la Parte II comienza exactamente en ese mismo punto”.

“Al principio, todo parece ideal. Es el romance perfecto, que por fin alcanza su culminación. Pero, como en todos los matrimonios, hay complicaciones. No existe eso de ‘fueron felices y comieron per-dices’”, advierte Rosenberg. “El matrimonio exige mucho trabajo, cualquiera que esté casado podrá decirlo. Así que, naturalmente, Bella y Edward tienen problemas que resolver y son problemas de vida o muerte. Hay mucho, mu-chísimo en juego, no podrían es-tar jugándose más”.

En esta ocasión, se incorpora a las filas de los directores de la Saga Crepúsculo, en las que ya figura-ban Catherine Hardwicke, Chris Weitz y David Slade, el realizador ganador del Oscar® Bill Condon, para encargarse de sacar adelan-te estas dos últimas entregas.

“En Amanecer, hemos tenido mu-chísima suerte. Se ofrecieron mu-chos grandes directores que esta-ban interesados en el material y en el desafío de rodar dos pelícu-las a la vez”, recuerda Godfrey. “Ya habíamos hablado con Bill Condon tanto para Luna Nueva como para Eclipse, así que, cuan-do empezamos a buscar director para Amanecer, y resultó que estaba no solo disponible, sino también interesado, nos queda-mos todos encantados. Siempre recordaré lo que dijo en una de nuestras primeras reuniones, al referirse a los libros y las pelícu-las: ‘Supongo que estoy imprima-do con el mundo de Crepúsculo’. Era perfecto que hubiera usado esa metáfora sobre su propio afecto por la serie”.

Condon tenía numerosas razones por las que quería participar. “Lo que me resulta interesante es que todas las películas anterio-res son muy distintas entre sí”, señala Condon. “Cada director ha abordado esas películas de una forma completamente distinta, aunque la historia continúe de un libro a otro. Hay unidad en el estilo de escritura, tanto de los libros como de los guiones pero, dentro de esas limitaciones, cada director ha sabido hacer algo muy distinto. Me encantaba ese hecho y que la cuarta película, en es-pecial, pareciera muy distinta de las anteriores. Y luego, la quinta es muy distinta de la cuarta. Así que es una oportunidad de dejar tu huella”.

“Nuestras agendas nunca habían logrado coincidir antes”, prosigue Condon. “Pero Amanecer llegó justo cuando se acababa de venir abajo una película que estaba a punto de empezar a rodar. Recibí



una llamada, leí un esbozo gene-ral y luego la novela. Me encan-tó, en gran medida porque buena parte de las películas anteriores habían servido para preparar el terreno a todo lo que ocurre aquí. En el curso de una sola película, Bella se casa, tiene sus primeras relaciones sexuales, se queda em-barazada, da a luz, muere y rena-ce como un vampiro. Y eso es solo el primer filme”.

“Con tanta expectativa, toda la película era como un tercer acto”, agrega. “Resultaba muy satisfactoria, un poco como una vieja película de Minnelli, como un gran melodrama romántico de Hollywood, combinado con una

intensa película de terror. Esas dos ideas se combinan juntas para convertirse en algo que, en mi opinión, resulta único. Ade-más, me encantan las películas de vampiros”.

Al final de la última película, Bella y Edward tienen una sombra pla-neando sobre sus cabezas, con la expectativa de que, según las le-yes de los Vulturis, ella debe con-vertirse en vampiro. “Los Vulturis harán verdadero acto de presen-cia en la Parte II, pero esa cuen-ta atrás está presente a lo largo de toda la Parte I. Los Vulturis se mantienen a la espera. Al reci-bir Aro la invitación de boda, se está dando a entender que ‘vale,

así os mantendréis al margen un poco más’”, explica Godfrey.

“En esta película, la principal amenaza no es solo el peligro in-terno que representa la incógnita del bebé de Bella, sino también el inminente ataque de los lobos a la casa de los Cullen. Nos hemos apartado de la amenaza que supo-nen los Vulturis, para centrarnos de verdad en los peligros innatos de Forks, Washington, y lo que el nacimiento de su hija va a hacer a la precaria tregua entre los vam-piros Cullen y los lobos”, prosigue Godfrey. “Bill es perfecto porque es un adicto al género y le encan-ta la fantasía. En los inicios de su carrera, también escribió guiones



de películas de género y, además, es un director muy visual... basta ver Dreamgirls”.

“Hay géneros clásicos de Ho-llywood que nunca pasan de moda, los musicales son un ejem-plo. Me interesa cómo hacer que esos géneros funcionen”, plan-tea Condon. “Como decía, este es realmente un melodrama ro-mántico clásico. Ya no se hacen muchos de esos. Pero, a lo lar-go de la historia del cine, sobre todo durante la Edad de Oro de Hollywood, el melodrama era un género realmente básico, aunque ahora se haya dejado un poco de lado. Así que ser capaz de traba-jar en ese campo y expresar una

historia mediante el color, la mú-sica, el diseño, la cámara... para indagar en las emociones de esta mujer, resultó emocionante. Ya no se tienen ese tipo de oportu-nidades muy a menudo”.

Condon, que ganó su Oscar® al Mejor guión adaptado por Dioses y monstruos, una película sobre los últimos días de la vida del direc-tor de Frankenstein, se mostró de acuerdo con la decisión de dividir el último capítulo en dos pelícu-las. “Estaba bastante claro. Este último libro tiene tres partes, el principio y el final se ven desde la perspectiva de Bella, pero la parte central se ve desde el pun-to de vista de Jacob. El punto de corte es el momento en que ella se convierte en vampiro, que es el momento en que terminamos la primera película. Hasta enton-ces, es realmente una película completa. Pasan muchas cosas y la idea de hacer todo eso en 50 minutos nos habría obligado a no pasar más que de rascar la super-ficie de todo. Era la decisión más acertada”.

“Melissa escribía”, recuerda Con-don, “lo hablábamos y no se lo enseñábamos a nadie hasta que tuviéramos un borrador que nos pareciera que aguantaba bien dramáticamente. Implicaba deci-siones importantes que hace falta tomar para contar una historia de manera cinematográfica”.

Condon estaba deseando trabajar con los jóvenes protagonistas de esta historia que gira en torno a un personaje femenino. “El he-cho de que el personaje central sea una mujer, interpretada por Kristen Stewart, suponía un gran aliciente para mí. Soy un gran ad-mirador de Kristen, gracias a las entregas anteriores y a un par de cosas más que le había visto hacer. Tener ocasión de acompa-ñarla al emprender este increíble viaje a lo largo de estas dos pelí-culas figuraba en primer lugar de mi lista de razones para embar-carme en este proyecto”, afirma Condon.

UN ELENCO DE PERSONAJES QUE NO DEJA DE CRECER

La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte I) recupera a todos los per-sonajes importantes de las entre-gas anteriores y presenta, ade-más, a cinco nuevos vampiros que componen el aquelarre de Denali.Los adorados actores, ya conoci-dos a escala mundial, que inter-pretan a Bella, Edward y Jacob... así como a los Cullen, lobos, hu-manos y Vulturis, vuelven a reto-mar todos sus papeles. Los per-sonajes de Julia Jones y Booboo Stewart cobrarán bastante más importancia en este capítulo, ya que Leah y Seth Clearwater se unen a la nueva manada de lobos de Jacob.

A todos ellos hay que sumar aho-ra las nuevas incorporaciones al reparto de esta entrega: MyAnna Buring como Tanya Denali, Casey LaBow como Kate Denali y Maggie Grace como Irina Denali, así como Christian Camargo como Eleazar Denali y Mía Maestro como Car-men Denali. En La Saga Crepús-culo: Amanecer (Parte 2) habrá ocasión de ver a otros muchos aquelarres más de todas partes del mundo.

BELLA, EDWARD Y JACOB: EL TRIÁNGULO CAMBIA DE FORMA

Kristen Stewart, Robert Pattinson y Taylor Lautner vuelven a me-terse en la piel de sus icónicos personajes protagonistas de Be-lla Swan, Edward Cullen y Jacob Black.

En un primer momento, al direc-tor Bill Condon le imponía un poco la perspectiva de dirigir a este grupo tan sumamente unido y entendido. “Al empezar, no cabe duda, se lo conocían todo mejor que yo. Siempre hay una etapa inicial de toma de contacto, su-cede en cualquier película, pero aquí quizá fuera más evidente. Pero la verdad es que lo agrade-cí, y también que todos fueran tan generosos y abiertos desde el



principio. Tenían muy claro que esto ya era el final y, por lo reco-gido en los libros, sabían que les aguardaban desafíos muy espe-ciales, pero todos querían estar a la altura y asegurarse de que sa-liera bien”, comenta Condon. “Lo que me asombraba de todos ellos son los grandes conocimientos que poseían sobre la realización de películas, sus preguntas y los temas que les interesaban iban más allá de cómo íbamos a hacer una determinada escena, les im-portaba todo. Eran plenamente conscientes de su condición de líderes del equipo de esta pelícu-la y estaban deseando asumir ese

papel y hacerlo bien”.

“Al embarcarnos en el último li-bro, la verdad es que hay cierta sensación de finalización, y espe-raba que todo el mundo lo disfru-tara de verdad, porque algo así no se produce muy a menudo”, se confía el productor Wyck Go-dfrey. “Los actores han cambiado muchísimo como individuos. Al ver Crepúsculo recientemente, recordé lo jóvenes, inocentes y nuevos que eran. Ninguno de no-sotros sabía en qué se acabaría convirtiendo esto. Nos sentimos todos honrados y afortunados de haber podido formar parte de la

cultura popular de una manera que muy rara vez se consigue en tu carrera”.

“Kristen, Rob, Taylor y yo pasa-mos muchísimos días de ensayos simplemente comentando cada escena y repasando ambos guio-nes. Ese, como siempre, fue el tiempo más valioso del que dis-pusimos”, asegura Condon. “El ambiente se fue distendiendo y pude ver que se sentían muy có-modos entre ellos, había una sen-sación de seguridad que resultaba muy agradable”.

“Los momentos que más desta-can en las mentes de los fans: la boda, la luna de miel, el parto... me intimidan. La verdad es que con tan solo pensar en tener que hacer la boda, me volvía loca”, admite Kristen Stewart. “Es una película importante y no es nada fácil hacer algo que resulta tan importante para tanta gente. Pero, al mismo tiempo, ¿cuántas personas tienen ocasión de hacer algo así? Tenemos todos mucha suerte”.

“La escena de la boda es un mo-mento bastante trascendental para la serie. Creo que Edward le ha pedido en matrimonio ya unas 50 veces a estas alturas”, comen-ta riendo Pattinson, “así que la situación ha ido cobrando fuerza y más fuerza y más fuerza toda-vía”.“Por fin, están todos contentos”, señala Stewart entre risas. “He-mos tenido breves momentos de felicidad antes, pero siempre ha habido algo que los echaba a per-der. Una vez más, tendremos que superar sin duda unos cuantos obstáculos pero, por primera vez, no vas a dudar ni un instante si Edward y Bella seguirán juntos”.Rodar la ceremonia fue un mo-mento emotivo para todos. “Pa-recía muy real. La primera vez que avancé por el pasillo hasta el altar, incluso vestida con mi ropa normal, simplemente para salu-dar, antes de ir a ponerme el ves-tido, con todo el mundo sentado ya en los bancos, pensaba: ‘Bue-



no, gracias por venir a mi boda’. Fue realmente alucinante”, re-cuerda riendo Stewart.

Tras la luna de miel, regresan a Forks, y Jacob descubre que Be-lla todavía no se ha convertido en vampiro. “Jacob se pasa por la casa y se queda encantado cuan-do descubre que [Bella] ha vuel-to, pero entonces ella le da la noticia de que está embarazada”, explica Lautner. “Es un auténti-co mazazo para Jacob que, una vez más, pierde la calma. Es muy complicado. Rompe el tratado y, sin duda, causa un gran revuelo dentro de la manada”.

El peligro que supone este emba-razo acelerado para Bella cambia sustancialmente la dinámica en-tre Edward y Jacob. Edward re-curre a Jacob con el fin de que le ayude a convencer a Bella para que renuncie a un embarazo al que teme que ella no pueda so-brevivir. Además, a petición de Edward, Jacob acepta matar a Edward si Bella muere. “En la pri-mera parte, tienen una relación

extraña, porque Edward no puede tener una verdadera amistad con él, ya que a Jacob la verdad es que no le interesa”, explica Pat-tinson “Tampoco es que a Edward le interese, pero se ven obligados prácticamente a vivir juntos y al final se acaba creando un vínculo, porque en definitiva ambos quie-ren lo mismo para Bella. Los dos quieren que esté bien y ambos creen que está cometiendo una locura por tomar la decisión que está tomando. Jacob está tan in-teresado como Edward en hacer cambiar de opinión a Bella”.

Lautner agrega: “Jacob siempre ha formado parte de la manada y siempre ha seguido a Sam. Cuan-do la manada se divide, Jacob se ve obligado a madurar y aprender a tomar sus propias decisiones. Cuando se entera del embarazo, lo primero que piensa es: ‘eso va a matar a Bella, matemos mejor al bebé. ¿A quién le importa ese bebé? ¿Por qué debería importar-me ese bebé? A mí me importa Be-lla y creo que están todos locos, incluida Bella, por querer tener-

lo. No tiene sentido, [Bella] va a morir’. Así es como lo ve Jacob al principio, pero, cuando escucha la postura de Bella, la apoya. Eso no significa que esté de acuerdo con ella, pero harán lo posible para asegurarse de que salga con vida. Mientras tanto, Sam y el resto de su manada tienen como principal prioridad destruir a Be-lla, algo que no me sienta nada bien”.

“Sentía mucha curiosidad por sa-ber cómo resolver el triángulo, cómo hacer para no dejar a Jacob completamente tirado, totalmen-te en la estacada”, se pregunta Condon. “La idea de que Jacob y todo lo que hemos experimenta-do con él en realidad nos estaba conduciendo a su verdadero des-tino, que es una conexión con el bebé que crean Edward y Bella, es una idea genial y alocada. Es la solución más asombrosa al atolla-dero en que te has metido. Es una solución increíble y sumamente original al antiquísimo problema del triángulo amoroso”.


LOS CULLEN: UN AQUELARRE DE VAMPIROS EN CRISIS

Peter Facinelli como Carlisle, Eli-zabeth Reaser como Esme, Nikki Reed como Rosalie, Kellan Lutz como Emmett, Jackson Rathbo-ne como Jasper y Ashley Greene como Alice, regresan todos para interpretar al aquelarre de los Cullen, la familia de vampiros de Edward.

La película empieza con Alice encargándose de todos los pre-parativos de la boda, al haber re-cibido carta blanca de Edward y Bella para todo: la ceremonia, el banquete, la lista de invitados... “Bella es la que va a pasar por el altar, pero el vestido de novia, los preparativos y todo lo demás se va a hacer al estilo de Alice, por todo lo alto y tan fabuloso como sea posible”, describe Godfrey.

Greene se muestra de acuerdo: “Alice ha preparado una boda fastuosa y decadente. Al estilo de El sueño de una noche de verano. Lo ha planeado todo hasta el úl-

timo detalle, incluso lo que Bella va a llevar en su luna de miel. Se ha ocupado de todo. Todo el mun-do sabe que Alice es una excelen-te organizadora de fiestas, pero al fin tenemos ocasión de verla en acción y verla manejar todo el cotarro”.

“Jasper y Alice tienen una re-lación de esas en las que puede que a él no le vayan las mismas cosas que a ella, pero la apoya al 100%”, aporta Rathbone. “Si quiere organizar una boda por todo lo alto, él la ayudará a mon-tar una boda por todo lo alto. Esa es la faceta cariñosa de Jas-per que me encanta interpretar, la intensidad de sus sentimientos hacia sus seres queridos. Jasper es un tipo muy fiel, lo que creo que es producto del aspecto su-reño de su carácter. Dentro de la familia Cullen, lucharía a muerte por salvar a cualquiera de ellos. Al principio, Jasper se muestra un poco a la defensiva con todo el asunto, pero se implica más cuan-do Emmett, Edward y él deciden divertirse un poco a modo de des-

pedida de soltero. Jasper sale un poco de su caparazón, algo que me ha gustado interpretar”.

El anuncio del inesperado emba-razo de Bella provoca reacciones para todos los gustos. “Hay divi-sión de opiniones entre los Cu-llen”, asegura Meyer. “Unos de-fienden a ultranza la decisión de Bella de querer tener a su bebé. Por otro lado, tenemos a otros a los que lo único que les preocupa es la vida de Bella. Además, Alice no puede ver qué va a suceder y haría cualquier cosa por no per-der a la persona que se ha conver-tido en una verdadera hermana. Así que tenemos una dinámica in-teresante, porque los miembros de la familia tienen opiniones opuestas”.

“Rosalie es la primera que sal-ta a defender a Bella, dado que ella nunca podrá tener hijos pro-pios”, explica Godfrey. “Alice, que adora a Bella como amiga, intenta hacerla desistir. Carlisle, por supuesto, pretende simple-mente resolver los problemas, y



Edward está totalmente abatido, pues considera que la ha matado. Y en medio de todo, tienes a Be-lla diciendo: ‘No, puedo hacerlo, puedo aguantar el embarazo y, al final, vosotros me salvaréis’. Así que están divididos“.

“Hicieron falta cuatro libros para que Rosalie y Bella estuvieran por fin de acuerdo en algo”, prosigue Meyer. “Rosalie es complicada. Es un personaje interesante con el que trabajar en las primeras no-velas porque no quiere participar. No quiere formar parte del mun-do de esta humana, porque siente una gran envidia por todo aquello a lo que Bella está renunciando. Cuando Bella se halla en esa si-tuación, en la que se encuentra con la posibilidad, aparentemen-te imposible, de tener un bebé, hace exactamente lo que Rosalie habría hecho y, por primera vez, Rosalie la entiende. Quiere de-fender la decisión de Bella, por-que es lo que ella haría en su lu-gar. Además, hay otro factor en juego, y es que quiere de verdad tener al bebé”.

“El enemigo de mi enemigo es mi amigo”, observa Godfrey riendo. “En Eclipse hay cierta distensión entre ellas, pero ahora Rosalie está ayudando a Bella, aunque por motivos más bien interesa-dos. No es que de repente esté entusiasmada con Bella, sino que está entusiasmada ante la idea de ese bebé y quiere formar parte de ello”. “Ofrece quizá un apoyo demasiado ferviente”, agrega Ro-senberg. “Es una dinámica intere-sante. ¿Está Rosalie protegiendo a Bella o protegiendo al bebé? Es una relación complicada. Cuando entra en escena este bebé, surge algo en Rosalie que resulta com-pletamente inesperado... cierta ternura. Se siente realizada de una manera muy interesante. Pero es una acérrima defensora del embarazo”.

“Rosalie siente un fuerte vínculo con el bebé porque tiene un de-seo innato de ser madre”, comen-

ta Stewart. “Se le puede ver en los ojos, sería capaz de matar a toda la familia si se atrevieran a destruir esa vida. No es necesa-riamente a Bella a la que protege al principio. Lo que me gusta es que se crea un lazo entre Bella y Rosalie a causa del bebé y, cuan-do nace Renesmee, pueden decir, como amigas: ‘Nosotras lo hici-mos posible’”.

“Bella ocupa ahora un lugar espe-cial en la mente de Rosalie por-que es la incubadora de ese ser mágico, pero su prioridad es el bebé”, confirma Reed. “Rosalie hace cuanto está en su mano para mantener a Bella con vida. En ese

sentido, Bella y ella están en la misma onda, porque lo único que quiere Bella es que su bebé so-breviva, está dispuesta incluso a morir por el bebé. Rosalie tiene un punto de vista totalmente dis-tinto al de los demás. Mientras el resto de la familia no solo está aterrado, sino también indignado y horrorizado de que Bella pu-diera estar dispuesta a jugarse la vida, yo experimentaba unas emociones completamente dis-tintas. Rosalie cree que esto po-dría ser la respuesta a todo. Es fantástico. Lo mejor que le ha pasado nunca. Por primera vez, tiene esperanza en su futuro”.



“La luna de miel de Bella y Edward se ve bruscamente interrumpida por un pequeño contratiempo; un pequeño contratiempo en for-ma de bebé que crece a veloci-dad exponencial”, explica Rath-bone. “Nadie acaba de entender cómo es posible que un vampiro deje embarazada a una humana, y toda la familia Cullen intenta hacerse a la idea. Bella quiere lo mismo que cualquier madre jo-ven: lo mejor para su bebé. Así que se olvida de su propia salud, la deja completamente de lado, porque lo único que le preocupa es esa nueva vida que crece en su interior. Alice no puede ver qué

futuro le espera al bebé, ni si-quiera si es un bebé. Así que lo que crece en el interior de Bella se convierte en objeto de intensa discusión entre los miembros de la familia Cullen. Jasper hará lo que decida su mujer, sea lo que sea por lo que se acabe decantan-do. Este bebé afecta a todos los personajes del universo de Cre-púsculo, sobre todo a la manada de lobos y, muy en especial, a Ja-cob”.

“Los Cullen se ven asediados por los lobos, que merodean por su casa. Lo están preparando todo por lo que pueda suceder cuando

Bella dé a luz. Entonces, los lobos se enteran y, de repente, ya no queda tiempo para más prepara-tivos. Están atrapados”, afirma Meyer. “Carlisle estaba haciendo acopio de mucha sangre del tipo de Bella, porque dan por hecho que Bella va a perderla en gran-des cantidades y, como médico, tiene acceso a sangre”.

“Es terrible”, admite Rathbone. “Intentan cuidar de Bella, pero no pueden pensar más que en co-mer. Los lobos andan por ahí fue-ra, bien fuertes, y, cada día que pasa, los Cullen se van debilitan-do y sus poderes se van reducien-do lentamente. Es una situación difícil para los Cullen. Bella va recuperando fuerzas de lo que es básicamente como un brik de zumo para ellos, lleno de sangre, y esa sangre tiene revueltos a los demás vampiros, sobre todo a Emmett y a Jasper. Claro que Carlisle tiene su propia reserva de sangre guardada, pero no se lo dice a nadie, lo que resulta un poco desconcertante. Gracias por escondernos toda esa sangre, a pesar de que ahora mismo nos vendría muy bien”.

Los actores también encontraron inspiración en sus líderes. “To-dos nuestros directores han sido realmente estupendos, cada uno a su estilo, muy diferentes y es-peciales, pero todos igualmente maravillosos. Sin embargo, Bill merece mención aparte”, apun-ta Reed. “No solo es que sea un placer trabajar con él, porque es divertido y está permanentemen-te sonriente, sino que tiene res-puestas para todas las preguntas. Está más preparado que nadie con quien haya trabajado jamás, su actitud y la energía que irradia es lo que nos impulsa a todos”.“Cuando descubrí que contá-bamos con él, me entusiasmé, porque sabía que Bill sería un director de actores”, reconoce Facinelli. “Tiene una forma muy delicada de dirigir, muy recep-tiva a las ideas de los actores y dispuesto a probar lo que se te ocurra aportar. Nunca he llegado



a oírlo gritar, ni una vez. Tiene un carácter muy dulce, muy cálido y muy generoso”.

“Además, está haciendo dos películas”, prosigue Facinelli. “Cuando recibí los guiones de estas películas, ¡tenían casi 250 páginas! ¡Pesaban lo suyo! Cuan-do hablamos sobre la trayectoria de Carlisle, le dije a Bill: ‘Tienes un enorme camino por delante. Buena suerte, porque no va a ser fácil, pero será muy gratifican-te. Estaremos contigo en prime-ra línea’. He de reconocérselo... es nuestro general y comandante en jefe en esta batalla. Hay una bestia a la que hay que dar muer-te, y él está allí todos los días, a por todas, desde las seis de la mañana hasta que ponemos punto final”.

“Soy una gran fan”, agrega Reed. “Soy una auténtica admiradora, y esto es más que un trabajo para él. Bill vive esto intensamente y es algo que te absorbe por com-pleto. No puedo imaginarme lo que debe ser hacer una de estas, ¡mucho menos dirigir dos! Se lo pregunto cada día: ‘¿Cómo es que todavía te queda pelo? ¿Cómo consigues dormir por las noches? ¿Cómo consigues no perder la ca-beza y seguir siendo persona?’. Algo así puede resultar completa-mente abrumador y está hacien-do un trabajo más que excelente para ayudarnos a ubicarnos en todo momento durante el roda-je”.

Rathbone continúa: “Bill mani-fiesta claramente cierta sensibili-dad hacia los personajes, más que hacia las situaciones que se pro-ducen en torno a ellos. Sus his-torias se centran completamen-te en los personajes, aunque se encuentren en un gran mundo de fantasía. Se pueden apreciar unos lazos muy tangibles entre los per-sonajes por su forma de relacio-narse entre sí. Bill se centra de-cididamente en eso e intenta que todos nosotros lo transmitamos como actores”.

LOS LOBOS: LA MANADA SE DIVIDE

En esta nueva entrega, retoman sus personajes de la manada de lobos, ya aparecidos en La Saga Crepúsculo: Luna Nueva y La Saga Crepúsculo: Eclipse, los actores de la Primera Nación/nativo ame-ricanos: Chaske Spencer como Sam Uley, el alfa de la manada, Alex Meraz como Paul Lahote, Kiowa Gordon como Embry Call, Bronson Pelletier como Jared Ca-meron y Tyson Houseman como Quil Ateara. Tinsel Korey también reaparece como Emily, prometida de Sam.

Julia Jones y Booboo Stewart ven cómo los papeles que interpre-taron originalmente en La Saga Crepúsculo: Eclipse se amplían, al incorporarse los hermanos Leah y Seth Clearwater a la manada de lobos de Jacob.

Entre los demás miembros de la nación india Quileute que tam-bién regresan en esta entrega fi-guran: Gil Birmingham como Billy Black, padre de Jacob, y Alex Rice como Sue Clearwater, madre de Leah y Seth, que inician su propio triángulo amoroso con el padre de Bella.



También aparecerán unos cuantos personajes Quileute nuevos en La Saga Crepúsculo: Amanecer (Par-te I), que incluyen a Braydon Jim-mie como Collin Littlesea, Swo Wo Gabriel como Brady Fuller, y presentando a la pequeña de cua-tro años Sienna Joseph como Clai-re Young. Tanaya Beatty también aparece como Rebecca Black, hermana de Jacob e interés ro-mántico de Paul.

Los lobos sirven a un propósito fundamental: proteger a los hu-manos de los vampiros. Sin em-bargo, al empezar la película, el aquelarre de los Cullen, así como la futura vampiro Bella, ya no se perciben como amenazas. “La

manada ha aceptado un incumpli-miento técnico del tratado. Cola-borar con los Cullen en Eclipse ha cambiado su perspectiva. Siguen siendo el enemigo, pero no son un enemigo tan malo. Bella ha tomado claramente la decisión de unirse a los Cullen, pero no la están obligando a convertirse en vampiro, así que Sam está dis-puesto a dejarlo pasar por alto. Jacob, naturalmente, no es de la misma opinión. Cree que el hecho de que Bella se transforme es un destino peor que la muerte”, ex-plica Meyer.

LOS HUMANOS

Billy Burke vuelve a meterse en

la piel de Charlie Swan, padre de Bella y jefe de policía de Forks. Sarah Clarke, de Crepúsculo y La Saga Crepúsculo: Eclipse, regresa como Renée Dwyer, para compar-tir la alegría de la boda de su hija Bella. Ty Olsson (El origen del pla-neta de los simios) interpreta a su marido, Phil Dwyer.

Al padre de la novia no le hace precisamente gracia que su hija todavía adolescente se vaya a ca-sar. “Charlie ha llegado a un es-tado de tranquila resignación”, comenta Burke. “¿Pondría la boda de Bella en su lista de cosas que le gustaría ver en su vida? No. Pero se da cuenta de que su hija es una persona con una vida pro-



pia y que va a hacer lo que quie-ra. Va a seguir su corazón y, como padre, tiene que respetarlo”.

“El respeto mutuo que Bella y Charlie sienten uno por otro ha aumentado a lo largo de estas pe-lículas. Cuando Kristen y yo nos vimos por primera vez, nuestra relación venía a ser como la que se veía en la pantalla en la prime-ra película. A medida que nos he-mos ido conociendo todos, eso se ha prestado muy bien a mostrar cómo se desarrollaba la relación entre Charlie y Bella”, prosigue Burke.

“En esta película, parte del pro-ceso de crecimiento de estos

personajes es que se están des-pidiendo de su antiguo grupo de amigos, de sus viejos compañeros de instituto. Fue divertido volver a contar con todos esos actores, hacia el final de nuestro calenda-rio de rodaje, cuando filmamos la boda. No había tenido ocasión de conocerlos antes, pero son todos increíblemente divertidos”, co-menta Condon. “Anna Kendrick y Mike Welch se levantaron e hicie-ron unos brindis de lo más mara-villosos y forzados... en parte en-sayados, en parte improvisados. Pero eran una parte crucial de la primera película, y fue un mo-mento muy especial cuando todos ellos aparecieron en el plató”.

Kendrick observa: “La verdad es que Jessica no cambia gran cosa. Es una de las cosas que más y a la vez menos me gustan de ella, es muy estática. Tiene un aire de chica borde de instituto que no ha llegado a madurar. Sigue tenien-do básicamente la misma opinión sobre Bella. Le ha tomado cierta simpatía, pero sigue viendo a Be-lla como la chica nueva que llega y acapara toda la atención a la que Jessica solía estar acostum-brada, o desearía estarlo. Así que no ha madurado mucho, y eso es lo triste y también divertido de ella”.

LOS VULTURIS: A LA EXPECTATIVA

A pesar de aparecer poco tiempo en pantalla, la inminente amena-za de los Vulturis, un venerable aquelarre de vampiros eternos que dictan e imponen las leyes del mundo de los vampiros, se deja sentir a lo largo de toda la Parte I. Aunque no habían hecho acto de presencia desde el final de La Saga Crepúsculo: Luna Nue-va, Michael Sheen, Jamie Cam-pbell Bower y Christopher Heyer-dahl regresan a la serie como los legendarios gobernantes de los Vulturis: Aro, Cayo y Marco. Char-lie Bewley y Daniel Cudmore tam-bién regresan como los matones Vulturi, Demetri y Felix.

Ali Faulkner interpreta a Bianca, quien trae la notice de que Car-lisle tiene un nuevo miembro en su familia, Ahora los Cullen tienen algo que Aro quiere.

Dakota Fanning y Cameron Bright no aparecen en este episodio, pero volverán en La Saga Crepús-culo: Amanecer (parte II.)

EL AQUELARRE DE VAMPIROS DE DENALI: LOS PRIMOS VEGETA-RIANOS

Al principio de la película, se pre-senta a los primos vampiros de Alaska de los Cullen como invita-dos de la boda, donde Bella ten-drá ocasión de conocerlos. MyAn-na Buring, Casey LaBow y Maggie Grace interpretan a las tres her-manas rubias de ascendencia rusa Tanya, Kate e Irina, mientras que Christian Camargo y Mía Maestro interpretan a los hermanos de ori-gen español, Eleazar y Carmen.

“A Tanya se le ocurrió lo del vege-tarianismo por su propia cuenta, así que, cuando conoció a Carlis-le, compartían esa compasión por los humanos de la que la mayoría de los vampiros carece”, explica Meyer. “Carmen y Eleazar se unie-ron al aquelarre de Denali porque buscaban una forma de vivir más tranquila y pacífica, y eso fue lo que encontraron con la familia de Tanya”.

Además del aquelarre de Denali, se dejarán ver docenas de nuevos personajes sobrenaturales, proce-dentes de países de todo el mun-do, como Egipto, Brasil, Irlanda, Rumanía, Inglaterra, Estados Uni-dos, Italia y Francia, en La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte II).

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN

El rodaje de La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte I) comenzó el 7 de noviembre de 2010 en Río de Janeiro, Brasil, y continuó, simul-táneamente con la producción de La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte II), a lo largo de seis meses



y pasando por tres países diferen-tes. El equipo multinacional filmó distintas secuencias principal-mente en los siguientes lugares: Río de Janeiro y Paraty, en Bra-sil, Baton Rouge y Nueva Orleans, Luisiana, en Estados Unidos, así como Vancouver, la isla de Van-couver y Squamish, Columbia Bri-tánica, en Canadá, que sirvieron para recrear entre todos el mundo de Forks, Washington, isla Esme, Brasil, y Volterra, Italia. Debido a la escala global de la historia, en especial en la segunda película, se recrearon numerosos países en los distintos exteriores. También se rodaron planos extra para la secuencia de la luna de miel bra-sileña de la Parte I en el Caribe.

UNA HISTORIA, DOS PELÍCULAS

El desafío añadido de realizar si-multáneamente dos películas épi-cas, La Saga Crepúsculo: Amane-cer (Parte I) y la más ambiciosa todavía La Saga Crepúsculo: Ama-necer (Parte II), en dos centros de producción importantes, obligó a menudo a los realizadores a estar preparando a la vez varios platós

separados por miles de kilóme-tros. La producción montó dos ba-ses de operaciones: una en Baton Rouge, Luisiana, donde se llevó a cabo la mayor parte del rodaje en interiores, y la otra en Vancouver, Canadá, donde se rodaron la ma-yoría de los exteriores de la parte de la historia ambientada en el noroeste del Pacífico. El proyecto también hacía necesario un via-je a Brasil, lo que exigió montar un tercer equipo de producción, que se conocía como la “unidad mundial”. Mientras la compañía principal de rodaje empezaba a filmar en Luisiana, otros equipos en Canadá (muchos de los cuales ya habían trabajado antes en la franquicia) localizaban zonas re-motas de bosque y construían la casa de los Cullen a gran escala, junto a otros decorados.

Tras veinte semanas de preparati-vos, la producción empezó a rodar en bloques para lograr una mayor eficiencia en cuestión de exterio-res, disponibilidad de los actores, el aspecto, el atrezo y los decora-dos. “En los primeros momentos del desarrollo, tuvimos que ocu-

parnos de todos los factores que definen el aspecto característico de cada personaje: pelucas, ma-quillaje, lentillas y vestuario, y luego los propios decorados. Bill y yo nos dedicamos a revisar toda la lista, pasando por cada uno de los personajes, decorados, esce-narios y exteriores”, señala el co-productor Bill Bannerman.

“Sin embargo, las cuestiones que había que resolver para la Parte II son muy distintas de las que ha-bía que resolver para el principio de la Parte I, y todo ello tenía que estar resuelto antes de em-pezar el propio rodaje”, explica Bannerman. “Pero Bill Condon es un genio, sumamente intelec-tual, hasta el punto de ser capaz de comprender cada faceta de la producción, tanto desde la pers-pectiva creativa como desde la de la ejecución física. Bill es capaz de ver el conjunto de la obra y comprender sus distintas facetas y qué hacer para llevar a cabo cada una de ellas”.

La unidad principal acumuló por sí sola 101 días de rodaje. “Este



capítulo ya tiene por sí mismo unas grandes exigencias logísti-cas”, admite Bannerman. “Las exigencias logísticas de rodar las dos partes a la vez han sido mayores todavía... tres países con múltiples unidades: unidad principal, segundas unidades, unidades de acción, unidades de fondos, unidades de efectos y unidades aéreas. Tuvimos que di-vidir el trabajo en esas dinámicas para lograr que tan solo resultara una especie de compleja y difícil partida de ajedrez”.

Kristen Stewart comenta: “Hemos abordado el proyecto como uno solo. Se está rodando todo como una única gran película, puesto que el libro no está dividido en dos historias distintas. Ha resul-tado tan confuso como cualquier otro proyecto que no se rueda en orden cronológico, solo que muy largo”.

“Ha habido días en que rodába-mos una escena del principio de la primera película, almorzába-mos y luego rodábamos una esce-na del final de la segunda película

por la tarde. Ha sido una locura”, comenta Taylor Lautner. “Todos los personajes cambian mucho de la primera película a la segunda. Jacob cambia un montón, así que era difícil seguir la pista de en qué punto de su trayectoria se encontraba. Pero teníamos a Bill Condon para ayudar, así como a Stephenie y a todo el reparto. Fue complicado, probablemente de lo más complicado que hemos hecho hasta ahora en esta fran-quicia”.

TODO POR LOS FANS

“Cuando pongamos punto final a la producción de Amanecer, ha-bremos realizado, de principio a fin, cinco películas en tres años y tres meses”, señala Godfrey. “Desde el primer día de rodaje de Crepúsculo al último día de roda-je de Amanecer, ¡no han pasado más que tres años básicamente! Es todo un logro extraordinario. No conozco ninguna otra franqui-cia que haya sido capaz de pro-ducir sus entregas tan seguidas”.“Evidentemente, era necesario hacerlo, porque, puede que los

vampiros no envejezcan, pero los actores tienden a hacerlo. Así que ha sido un auténtico torbelli-no... para los que nos hemos ocu-pado de la parte de producción, nos hemos pasado casi dos de los tres años lejos de casa”, plantea Godfrey. “Ha resultado frenético y estimulante en ciertos momen-tos, y agotador en otros... pero, ahora que estamos rodando las dos últimas películas, es la pri-mera vez que hemos sentido un poco de nostalgia. Podías estar sentado esperando a que prepa-raran un plano y recordar un día de mucha lluvia en Portland. Todo el mundo está respirando hondo y disfrutando del hecho de que es-tamos llegando al final”.

Cuando Stephenie Meyer empezó a escribir Crepúsculo en 2003, ja-más imaginó que llegaría a con-vertirse en una serie de películas. “Participar en la creación de pelí-culas me resulta algo muy extra-ño e inesperado”, admite Meyer. “En el día a día, te acostumbras a ponerte toda la ropa de lluvia y volver al trabajo pero, cuando te paras a pensar: ‘Estamos ha-



ciendo una película que se va a ver en la gran pantalla’. Estoy tranquilamente hablando con Kristen como si nada. Si te paras a pensarlo, ahora mismo es una de las mayores estrellas de cine del mundo, y estamos aquí, de charla, contándonos historias. Así que tienes tus momentos de ‘vaya, qué raro’. Hoy es raro por-que estamos rodando la boda. Ver a cientos de extras preparándose para ir a la boda de Bella y Ed-ward es conmovedor. La expe-riencia de estos últimos tres años y medio me ha cambiado la vida. Jamás podría haber imaginado vi-vir algo así”.

“¿Con qué frecuencia tienes opor-tunidad de formar parte de una anomalía de este calibre? Muy, muy rara vez”, responde Ban-nerman. “Más allá de Star Wars, ¿dónde se ve a una comunidad de fans que apoya con semejante

pasión a una franquicia hasta el punto de pasarse cinco noches ha-ciendo cola solamente para poder ver a los actores desfilar por la alfombra roja? Esperan durante días enteros para conseguir en-tradas de pases de preestreno, o van a una convención donde los actores firman autógrafos... no se parece a nada que haya visto nunca”. “Dentro de unos años, re-cordaremos esta época de rodaje como alucinante. La ironía es que no se nos permite comentar nada mientras lo estamos haciendo”, comenta Bannerman riendo. “No queremos que se nos escapen los secretos, para que a los fans les pillen de nuevas y disfruten de la experiencia cuando acudan al cine. Ha sido un auténtico desa-fío durante tres años no contarle a nadie que estás trabajando en uno de los proyectos más emocio-nantes del planeta”.

“Los fans de estas películas son increíbles y nunca dejan de sor-prenderme”, concuerda Godfrey. “Ir a Brasil fue una experiencia extraordinaria por el derroche de cariño de los fans, eran verdade-ros fanáticos. Había al menos 250 personas con pancartas en el ex-terior del hotel de Kristen y Rob, día y noche, gritando y animando. Seguro que los vuelve locos, pero yo siempre les digo que se paren un momento a considerarlo y se den cuenta de que podríamos no volver a disfrutar de una energía tan especial el resto de nuestras carreras”.

Mientras rodaban en Luisiana, los fans locales crearon una pági-na de Facebook llamada Twilight Takes Over Baton Rouge (Cre-púsculo toma Baton Rouge), que consiguió casi 10.000 seguidores. “Como corresponde al estilo su-reño, todo el mundo era un poco



más reservado y permitieron al reparto ir donde quisieran. Baton Rouge estuvo un poco más contro-lado de lo que había estado Van-couver, o ciudades más grandes de todo el mundo, así que me da la impresión de que alguien debió de decir: ‘Dejémosles hacer su trabajo aquí o podrían no volver nunca’”, explica Godfrey, entre risas.

“Cuando tenía 16 años y Star Wars era lo más, no existía Internet, ni las campañas virales”, comenta Bannerman. “No sabías nada has-ta que se estrenaba la película. Ahora, debido a las plataformas multimedia y a la cantidad de información que hay circulando, los fans obtienen muchísima in-formación, tanto si se ha desve-lado adrede como si no, y expone mucho más todo lo que hacemos a la luz pública. No había tenido que vérmelas nunca con seme-

jante nivel de locura de fans en ningún otro proyecto... la emo-ción, la atención de los medios y el bombo publicitario... todo ello forma parte de esta anomalía que es Crepúsculo”.

Bannerman prosigue: “El nivel de atención es inusitado, pero hace que invierta muchas energías en proteger el entorno de trabajo. Cuando tienes un equipo huma-no de 400 personas y un repar-to que puede oscilar entre dos y cincuenta o más personas cada día, es un mundo muy grande. Así que, a medida que nos traslada-mos de exterior en exterior, y de país en país, se convierte en un reto en sí mismo crear un entor-no que nos permita centrarnos en la tarea que tenemos delante, sin faltar al respeto a los fans que se han metido de lleno en esta fran-quicia”.

Al acercarse el final del rodaje de la épica saga, los realizadores si-guieron sintiéndose responsables de las expectativas de los fans. “El viaje que emprende Bella en el mundo de los vampiros depara muchas sorpresas y maravillas. Es una montaña rusa de emociones para los fans, que están deseando saber cómo sería sentir el mor-disco. ¿Qué siente ella cuando el veneno se extiende por su cuer-po? Se van a sentir sumamente satisfechos a todos los niveles, pero querrán más”, asegura Ban-nerman.

“Uno de los aspectos interesan-tes de hacer una película de Cre-púsculo es que hay tanta gente que se conoce tan bien el mate-rial, que te tomas muy en serio cualquier decisión que suponga cambiar algo”, comenta Condon. “Durante el montaje, se hace más complicado hacer lo que harías normalmente al montar cualquier otra película: meter la tijera. Hay una serie de escenas que se han quedado en la sala de montaje y que acabarán saliendo en el DVD. Algunas se encuentran entre los momentos favoritos de

los fans, el divertido intercambio de dardos envenenados entre Ja-cob y Rosalie, que acaba con este tirándole un perrito caliente a ella. Esperas que la gente com-prenda que momentos geniales de la novela, que incluimos en el guión y hasta se rodaron porque a los fans les encantan, en última instancia no tienen cabida en la película. Tenemos más de 15 de escenas de ese tipo en el filme. Pero hay que sopesar seriamente las expectativas de los fans mu-cho más de lo que harías en cual-quier otro proyecto”.

Mientras la Parte I se dispone a llegar a las salas de cine, Con-don se encuentra muy ocupado en la postproducción de la Parte II. “Para mí, ha sido una inten-sa experiencia que dura ya año y medio. Empezar elaborando los guiones, preparar dos películas y rodarlas las dos. Luego, un calen-dario muy apretado para llegar al lanzamiento de la primera de las películas”, explica Condon. “La segunda película es mucho más grandiosa y será la culminación de todo... nos metemos de lleno en la vida de un vampiro”.

El rodaje de la unidad principal de La Saga Crepúsculo: Amanecer concluyó justo antes del amane-cer en la mañana del 23 de abril de 2011, en una playa de St. Tho-mas, en el Caribe. Por su parte, la segunda unidad acabó con el rodaje de las escenas arriesgadas en el Stawamus Chief Provincial Park, justo al sur de Squamish, el 29 de abril de 2011, mientras que la unidad aérea seleccionó con cuidado unos cuantos días de cli-ma ideal en las semanas siguien-tes, para poner punto final al ro-daje de la saga.

La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte II) llegará a las salas de cine el viernes 16 de noviembre de 2012.




ENTREVISTA

MELISSA ROSENBERGLAS DOS PARTES DE “AMANECER”

VAN A SER MUY SEXYSPor Diego Sánchez

Como entras a formar parte de la saga Crepúsculo?

Había hecho una película para los productores, Step up, y tuvimos una gran relación creativa du-rante el proceso, así que cuando llegaron los derechos del libro, me dijeron: “¿Cómo te sentirías escribiendo sobre vampiros y ado-lescentes?” Evidentemente, dije que me encantaría”. ¿Conoces la serie Buffy cazavampiros? Es una de mis series favoritas de todos los tiempos, así que en cuanto me llamaron les conteste: “allí esta-ré”.

¿Habías leído los libros antes?

Cuando me llamaron me compré los libros y me leí el primero du-rante ocho horas, de una senta-da. Luego tuvimos una reunión de meas de ocho horas con los pro-ductores y así empezó todo.

¿Cómo aguantas la presión de los fans?

Lo mejor que puedo. Es aterrador. Si fallo, fallo a nivel internacio-nal. Puedo fastidiarla en Argen-

tina, suiza, en cualquier parte del mundo. Por encima de todo es que estos fans aman el libro, arruinar la novela sería un enor-me desprecio para ellos. Así que lo primero para mi era cerciorar-me de que cuando alguien vea la película estén viendo lo que es el libro. Lo importante es que el fil-me sea fiel a las novelas, lo que no es nada fácil porque el cine se hace de una forma y la literatura de otra.

¿Cual fue la parte más difícil de adaptar de toda la saga?

New Moon, sin duda alguna. Por-que estructuralmente, durante dos tercios de la película Edward no está en los libros, y solo apare-ce en las últimas páginas. El res-to del tiempo su personaje está desaparecido. Pero tienes a Ro-bert Pattison y no puedes sacarle de la peli por una hora. Quería-mos centrarnos en la relación con Bella, pero cómo mantienes una relación cuando la otra persona no está ahí? Así que fue un reto enorme y fue un gran reto.

Sin lanzar spoilers, ¿cómo ma-

nejasteis la adaptación del fi-nal de libro, siendo como es tan fuerte para adolescentes?

Amanecer trata sobre el matrimo-nio, que no es un tema propio de adolescentes. En cuanto dicen “si quiero” empieza la Guerra. Para adultos es un tema más común, pero no para adolescentes. Ade-más hemos añadido puntos de te-rror en referencia a La semilla del Diablo. A pesar de lo que pudiera desembocar en el final, la sangre no es necesariamente aterradora. Eso lo aprendí escribiendo Dexter, donde a pesar de todo lo que pasa la sangre nunca la utilizamos para asustar o impresionar. Así que trasladar algunas de esas ideas del final del libro a las películas ha sido complicado, porque no es un final para niños. Los padres de-cidirán si quieren que sus hijos la vean porque nos han dado una ca-lificación para mayores de trece años por esas escenas.

¿Sueles ir a internet y ver lo que dicen los fans de la películas?

No puedo. En internet hay mucha gente con ideas, cosas muy in-



teresantes, pero también mucha gente que siendo anónimos lan-zan mensajes de odio y no podría escribir si leyera todo ese odio y rabia que algunas personas lan-zan desde sus casas. Mi marido sí lo hace y filtra los mensajes que puedo leer o no. Para alguien creativo, internet puede ser per-judicial si dejas que los mensajes te afecten. Los productores de las películas sí que leen todo y deci-den si algo pueden aplicarlo para el futuro o no. Pero yo no puedo.

¿Hay algún personaje que estu-viera en las novelas y no hayas podido poner en los guiones?

Probablemente haya alguno. Aun-que realmente es más sobre el pasado de los personajes lo que duele dejar fuera. Al final, la película es sobre Bella, Edward y Jacob, y todo lo que ralentice esa historia, queda fuera. Así que hay historias que no hemos podi-do contar. Por ejemplo, la historia de los Volturi, la historia de Jane y Alec... Pudimos contar algo, re-

tazos muy pequeños en algunas de las películas, pero sus historias son realmente complejas y pro-fundas, muy interesantes, y son las que me gustaría haber podio contar, aunque tuvimos que dejar casi todo fuera.

¿Qué pueden esperar los fans de las próximas entrega?

Debo decir que los fans deben es-perar que Amanecer sea algo muy sexy, mucho más que las entregas anteriores. Han esperado duran-te tres películas para que Edward y Bella se unieran, así que no creo que vayan a sentirse decepciona-dos. Además, me atrevo a decir que está muy bien hecho. Todo gracias a Bill Condon, que ha he-cho un trabajo excelente, es un gran director y seguro que va a funcionar muy bien en pantalla. Además la relación con él es una de las mejores de mi Carrera. A pesar de haber ganado un Oscar no se le ha subido a la cabeza y no ha querido coger el guión y rescri-birlo en ningún momento. Quería que yo la escribiera. Pero lo bue-

no es que él es escritor, así que sabe utilizar el mismo lenguaje que yo. Gracias a ello congenia-mos perfectamente. Pudimos tra-bajar las emociones con mayor profundidad para plasmarlas en la pantalla, hemos podido hablar del mismo modo y entender lo que te-níamos que contar a los fans, con las mismas palabras y utilizando el mismo lenguaje. Bill Condon me ha hecho mejor escritora. Cuando terminas el guión, ¿si-gues trabajando con el director?

Con Bill trabajé tanto antes del rodaje que me aseguré de que el guión era exactamente lo que el quería. Así al llegar al rodaje estaba todo en las páginas del guión. Luego las cosas pueden cambiar porque la localización es diferente, porque hay recor-tes presupuestarios… Siempre hay pequeños detalles. Pero en el fondo está todo en el guión y no cambia mucho. Lo que yo escribo es lo que él rueda.


www.cinemascomics.com Cinemascomics │Octubre 2011 │ 47


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ENTREVISTA

BOOBOO STEWARTFORMAR PARTE DEL UNIVERSO DE

“CREPÚSCULO” ES UNA LOCURAPor Diego Sánchez

¿Es tu primera vez en España?

Si, la primera. La gente es muy agradable y es un lugar increíble. Y no digamos el tiempo.. Nunca había estado en el festival de Sit-ges, nunca había oído hablar de él, pero es realmente fantástico. Se nota un ambiente fantástico.

¿Cómo conseguiste el papel?

La verdad es que fue un fan el que me avisó en MySpace diciendo que había un personaje que sería genial para mi. Así que hablé con mi agente y fui la última perso-na del mundo que hizo el casting pero tuve suerte y me eligieron.

¿Qué es lo que más te gusta?

Lo que más me gusta es que a todo el mundo le gusta este per-sonaje. No se los fans, quizá a al-guno no le guste, pero en el filme no hay ningún personaje a quien no le guste.

¿Leíste los libros?

Cuando me dijeron que podría es-tar en la película me lancé a por los libros. Los empecé a leer para

entender el universo en que me iba a meter.

¿Que pueden esperar los fans de tu personaje?

Podrán ver mas de mí. Porque en las anteriores películas no salía mucho. Veremos como Jacob o Edward son casi ídolos para él y como se relaciona con ellos. Ten-go muchas ganas de que los fans vean más de mi personaje.

Seth, tu personaje, es un cam-bia-formas que pasa gran parte del tiempo con los vampiros, ¿verdad?

En la película se ve mucho esta relación. El pasa mucho tiempo con los vampiros, les admira y se relaciona con ellos aunque no sean de su especie. Es una rela-ción interesante y creo que he-mos hecho un trabajo interesante en ese aspecto.

¿Como crees que los fans reac-cionaran al final?

Creo que estarán muy tristes…. Sera una mezcla de alegría, por-que creo que el final es fantásti-

co, pero también tristeza, porque es como cuando terminó El señor de los anillos. Te sientes triste porque es el final de un largo via-je pero al mismo tiempo has dis-frutado de todo un gran camino. Es una mezcla fantástica.

¿Como fue trabajar con el equi-po de una película que pertene-ce a un universo tan enorme?

Fue una locura. Formar parte de este universo es una locura . Nun-ca había visto tanta seguridad. Era en parte divertido y entrete-nido, estar en el set, compartir tiempo con todo el mundo. Hubo momento que pase un buen rato con extras que trabajan en la pelí-cula, porque estaban empapados, por la lluvia, y nadie se quejaba. Recuerdo momentos divertidos, cuando teníamos que rodar con sol y de pronto llovía o nevaba. Era una locura, pero en el fondo es muy divertido trabajar entre tanta gente y con tantos medios.

¿Sientes mucha presión de los fans?

Al principio si, un poco. Durante las dos primeras semanas tras sa-



ber que iba a estar en Crepúsculo no pude decir nada porque espe-raban a un anuncio oficial. Una vez se hizo pública mi participa-ción, fui a internet a ver qué decía la gente. Pero al final pensé que simplemente debería hacerlo. Era una locura lo que un papel peque-ño como el mío puede levantar. Pensé que no debería dejar que la presión de los fans me afectara, si creían que iba hacerlo bien o no.

Simplemente tenía que hacerlo. Y así pude disfrutarlo más.

¿Cuál es tu personaje favorito?

Es una pregunta muy difícil. Me gusta mucho mi personaje, en realidad. También Sam Ulley, que es el líder de su grupo y es inter-pretado por Chaske Spencer. Es un personaje que me gusta mucho.

Y, ¿después de esto?

Estoy empezando un canal en Youtube con mi hermana en el que vamos a colgar videos exclu-sivos sobre el rodaje de Cres-púsculo, el estreno y todo eso. Además, tengo la película White Frog recién finalizada de rodar y pongo la voz al personaje de Jake Segerstrom en Guardians of Luna, así que estaré ocupado.


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RICHARD SHERMANDISEÑO DEPRODUCCIÓN GUILLERMO NAVARRO, ASCDIRECTOR DE

FOTOGRAFÍA BILL BANNERMANCO-PRODUCTOR MARTY BOWEN GREG MOORADIAN MARK MORGAN GUY OSEARYPRODUCTORES

EJECUTIVOS WYCK GODFREY KAREN ROSENFELT STEPHENIE MEYERPRODUCIDAPOR “BREAKING DAWN”BASADA EN

LA NOVELA STEPHENIE MEYERDE

MELISSA ROSENBERGGUIÓNDE BILL CONDONDIRIGIDA

POR

PETER FACINELLI ELIZABETH REASER KELLAN LUTZ NIKKI REED JACKSON RATHBONE ASHLEY GREENE DEBRA ZANE, CSACASTINGDE MICHAEL WILKINSONDISEÑO DE

VESTUARIO CARTER BURWELLMÚSICADE ALEXANDRA PATSAVASSUPERVISOR

MUSICAL JOHN BRUNODISEÑO Y SUPERVISIÓN DEEFECTOS VISUALES VIRGINIA KATZ, A.C.E.MONTAJE

SUMMIT ENTERTAINMENT PRESENTA “THE TWILIGHT SAGA BREAKING DAWN - PART I“ UNA PRODUCCIÓN TEMPLE HILL EN ASOCIACIÓN CON SUNSWEPT ENTERTAINMENT KRISTEN STEWART ROBERT PATTINSON TAYLOR LAUTNER BILLY BURKE

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Estreno

25 de NoviembreEL GATO CON BOTAS

Mucho antes de que conociera si-quiera a Shrek, el conocido espa-dachín, amante y fuera de la ley Gato con Botas (ANTONIO BANDE-RAS) se convierte en un héroe al emprender una aventura junto a la dura y espabilada Kitty Zarpas-suaves (SALMA HAYEK) y el astuto Humpty Dumpty (ZACH GALIFIA-NAKIS) para salvar a su pueblo. Complicándoles las cosas por el camino están los infames foraji-dos Jack y Jill (BILLY BOB THOR-NTON y AMY SEDARIS), que harán cualquier cosa para que Gato y su banda no lo consigan.

Esta es la verdadera historia del Gato, del Mito, de la Leyenda... y, por supuesto, de Las Botas. “El Gato con Botas” está dirigida por CHRIS MILLER. Está producida

por JOE M. AGUILAR y LATIFA OU-AOU. Los productores ejecutivos son ANDREW ADAMSON y GUILLER-MO DEL TORO. El guión es de TOM WHEELER, sobre una historia de BRIAN LYNCH, WILL DAVIES y Tom Wheeler. La música es de HEN-RY JACKMAN. La película ha sido calificada “Para menores acom-pañados” por la MPAA por alguna acción y aventura y cierto humor ligeramente grosero.

UN CUENTO LEGENDARIO QUE CONTAR Chris Miller es polifacético por naturaleza: animador, dibujante de guiones, actor, realizador. Li-cenciado en el prestigioso Depar-tamento de Cine y Animación del California Institute of the Arts, Miller realizó una exitosa carre-ra en anuncios, videos y películas antes de aterrizar en los recién

creados DreamWorks Animation Studio SKG como dibujante en “HormigaZ”, la primera comedia animada de gran éxito del estu-dio. Después de eso, se convirtió en un miembro fundacional de un grupo de élite que llegaría a cambiar la historia de la anima-ción: primero como dibujante en “Shrek”, película ganadora del Óscar, y luego como encargado de la historia en “Srek 2” y como director en “Shrek Tercero” (por no mencionar la multitud de me-morables personajes a los que fue prestando su voz), Chris se con-virtió en una parte integral de la serie de películas de animación de mayor éxito de la historia del cine. Miller conoció por primera vez al inolvidable felino llamado Gato con Botas siendo encargado de la



historia en “Shrek 2”. Ya entonces se dio cuenta de que el Gato esta-ba destinado a hacer grandes co-sas. Miller recuerda: “El Gato con Botas tuvo un papel tan impor-tante en el éxito de “Shrek 2”, que me parecía tan sólo cuestión de tiempo el que triunfara por su cuenta. Es un personaje suma-mente atractivo, y estaba claro que necesitaba que se contara su propia historia. Yo siempre me sentí atraído por ese gato, ese personajillo tenía una gran his-toria tras él, uno se daba cuenta de que había innumerables histo-rias y aventuras. Yo siempre que-ría saber: ‘Vale, ¿de qué vas? ¿De dónde procede ese acento? Y lo más importante de todo, ¿de dón-de has sacado esas botas? ¿Cómo se originó todo?’” Miller vio un montón de caracte-

rísticas que volvían irresistible al aventurero minino: “Hay algo un poco diabólico en él, que es lo que realmente me gusta de él, pero aún así tiene un grandísimo corazón. Pese a su tamaño, es una figura enorme”. El productor Joe M. Aguilar, gana-dor de un Emmy, es también un veterano de DreamWorks Anima-tion, habiendo trabajado como alto ejecutivo y productor clave en la empresa desde su creación. El productor Aguilar resume así el encanto del Gato: “De todos los personajes a los que se puede lla-mar secundarios, creo que éste es el personaje más entrañable de todas las sagas cinematográ-ficas que hemos hecho, y proba-blemente sea el personaje por el que hay más gente interesada en saber más cosas de él. Al desa-

rrollar una película sobre el Gato con Botas, intentamos hacer algo digno del personaje... algo reple-to de aventuras, algo que apro-vechara de verdad el carisma que tiene”. Otra persona que estaba ahí des-de el principio del personaje (como supervisora de la historia y el montaje de “Shrek 2”), la pro-ductora cinematográfica Latifa Ouaou, expresa su opinión acerca de por qué se encariñó el públi-co con este aventurero: “Lo que hace que el Gato con Botas sea tan especial es que ese gato tan pequeñito tiene una tremenda personalidad y una profunda voz. Tiene un grandísimo ego y es muy orgulloso y fanfarrón, y aún así se le puede distraer con una lata de atún o con el reflejo de una luz. Me parece que eso produce




una figura sumamente atractiva y cómica”. Chris Miller se sentía tan seguro del personaje que quiso dirigir la película de su debut. “Quería dirigir ‘El Gato con Botas’ por-que me parecía que este per-sonaje merecía tener su propia historia acerca de sus orígenes porque, aunque sea de pequeño tamaño, también es muy desme-surado. Merecía tener una histo-ria realmente épica y divertida. Hay muchas risas en el Gato. Yo tenía muchas ganas de estar ahí cuando nos sumergiéramos en su mundo, en algo que representara de verdad todas las facetas de su carácter: es pequeño pero valien-te, dramático, romántico. Creo que todo eso le convertía en algo perfecto para una gran película”.

Esa idea llevaba rondando por el estudio bajo diversas formas casi desde el momento en el que el Mi-nino se quitó el sombrero y le puso a los espectadores sus “ojazos de gatito triste”. Según la produc-tora Ouaou, “La película empezó realmente a gestarse cuando se incorporó Chris Miller para diri-gir el proyecto, pues ha estado involucrado en todas las pelícu-las de “Shrek” y fue el director de la tercera, y además empezó siendo un dibujante. Es un gran narrador que comprendía de ma-nera extraordinaria al personaje. Además de sus dotes narrativas, tiene también una gran sensibili-dad visual. Pero, por encima de todo, le interesan los personajes con profundidad, y que la come-dia salga de verdad de esos per-sonajes. Creo que eso es lo que le hace realmente especial”.

El director describe la película así: “Es una historia sobre la her-mandad que sale mal y se estro-pea, y en el fondo trata sobre la venganza y la redención... pero en esencia, es una comedia. Gato es muy gracioso. Cuando nos en-contramos por primera vez con Gato, es un fuera de la ley que escapa, un fugitivo de la justicia huyendo de pueblo en pueblo, pero también sabemos que va en busca del modo de limpiar su nombre y aclarar su pasado”. A la hora de contar la conocida historia del Gato, los realizadores fueron más allá de sus orígenes literarios para buscar su propia y atrevida aventura de cómo se convirtió en leyenda ese gato. Al igual que con otras historias crea-das en DreamWorks Animation, se realizó un borrador, con un grupo



de gran talento estableciendo el ritmo de los avatares de la histo-ria: el director, los productores, el supervisor de la historia, los escritores y otros expertos en de-sarrollo. Bob Persichetti, encargado de la historia, recuerda: “La primera película del estudio en la que tra-bajé fue ‘Shrek 2’, y la primera secuencia en la que trabajé fue precisamente en la que se pre-sentaba al Gato con Botas, así que llevo trabajando en él, bue-no, desde el principio, allá por 2001. Y creo que todo el mundo se dio cuenta, al instante, del gran personaje que era. Debía te-ner su propia película”. Persichetti afirma algo que puede parecerle obvio a cualquiera que vea los títulos de crédito del equi-

po de “El Gato con Botas”: “Para la mayoría de nosotros, es como trabajar en familia. De una u otra forma, todos hemos estado jun-to al personaje desde que apare-ció. La sensibilidad y el humor de Chris son perfectos para esta historia. Y es un artista increíble-mente colaborativo, así que diri-gir a unas 400 personas (y hasta 600, en los momentos álgidos) pa-rece algo totalmente apropiado para él. Es genial para coordinar todo y aprovechar el talento de cada uno”.

PERSONAJES Y REPARTO: HÉROES Y DE-LINCUENTES Ya desde el principio, una de las claves de la popularidad del per-sonaje del Gato con Botas fue la voz que salía del héroe y proscri-

to: la de Antonio Banderas. Dice el director Chris Miller: “¿El Gato con Botas es interpretado por Antonio Banderas, o es Anto-nio Banderas quien es interpreta-do por el Gato con Botas? No lo sé, a veces es difícil distinguirlos. Pero una cosa sí que es segura, y es que uno no podría existir sin el otro, porque Antonio le apor-ta mucha pasión al papel. Esta diminuta criatura debería tener, a primera vista, una vocecita chillona, pero de su boca sale un sonido grave. De la yuxtaposición de ambas cosas sale un humor au-téntico. Tenemos a este gran ac-tor con una voz inmensa, dándole voz a ese bonito animal peludo. Lo que me encanta de la inter-pretación de Antonio es cuando se toma más en serio a sí mismo, y Gato hace algo más acorde con


68│ Cinemascomics │ Noviembre 2011 www.cinemascomics.com

su naturaleza, como por ejemplo perseguir una lucecita”. Joe Aguilar comenta: “Creo que el atractivo del personaje comienza por Antonio. Su interpretación es graciosa, carismática, llena de machismo, misterio y aventura. Y luego, uno ve al Gato, y escu-cha esa voz grave saliendo de él, y uno se parte de risa y quiere sa-ber más cosas de él”. Dice el propio Banderas: “Es un personaje extraordinario. Hemos ido descubriendo en él muchos colores diferentes desde que em-pecé a ponerle mi voz en 2002. Es romántico, y un héroe épico. Tiene un gran corazón. Tiene un gran sentido del honor y de la lealtad, junto con un toque algo pícaro que me parece que le aña-de un matiz interesante. A los ni-ños también les encanta eso, esa parte de él. Pero cuando empe-zamos con las películas de Shrek, realmente no sabíamos mucho de él. Era y aún sigue siendo un poco misterioso. En realidad, para mí el personaje es una dicotomía, y eso es lo que le hace gracioso”. Poniéndose ligeramente filosófi-co, el actor repasa los temas más

amplios que representa el dimi-nuto gato: “Bueno, para mí no es un gato, ¿sabes?. Para mí es un ser que tiene la capacidad de expresar cosas. Es un honor y un privilegio, en estos tiempos tan difíciles que estamos viviendo, tener la ocasión y la capacidad de hacer reír a gente de todo el mundo. Es un regalo. Desde hace casi diez años, y ya desde el prin-cipio, Gato empezó a tener su propio sitio, por así decir, en la cultura popular norteamericana, y después en la de todo el mundo. He visto los efectos que produce el Gato también en otros países. Como soy español, también ten-go la oportunidad de hacer el personaje para un número mayor de gente, unos 800 millones más, porque hago el personaje en las dos versiones del español: una versión para América del Sur y Central, con los dichos especiales que utilizan para el humor, y lue-go hago una versión en castellano para España”. El actor comparte una serie de cualidades con su alter ego de la pantalla: Banderas sabe manejar una espada (habilidad que apren-dió interpretando al Zorro en dos películas), sabe defenderse en la

pista de baile (algo que demos-tró en Broadway, y también en películas), y ha demostrado más que sobradamente ser capaz de encarnar al prototipo del ‘latin lover’ (en una película tras otra): “Yo soy más alto, ciertamente, pero en muchos sentidos, el Gato con Botas y yo somos muy pare-cidos”. El mundo del Gato con Botas está habitado por personajes de cuen-to retorcidos, pero pocos son tan retorcidos como Humpty Dumpty, antiguo amigo de Gato. Cuando comienza nuestra historia, Gato es un huérfano que se cría en el pequeño pueblo de San Ricardo, en donde conoce a un amigo un poco raro (y con una forma bas-tante rara). Dice Miller: “Gato escuchaba los sueños de Humpty, quien tenía muchos planes, pero que al fin y al cabo es sólo un huevo. Apenas es capaz de des-plazarse, así que no tiene capaci-dad para llevar a cabo realmente ninguno de sus planes. Todos se metían con él y estaba un poco marginado, y Gato le protegía y siempre daba la cara por él. Así que tenemos a Humpty, el soña-dor, y a Gato, que contribuye a hacer realidad los sueños”.



Ambos sueñan con abandonar el orfanato y encontrar una vida mejor: lo único que necesitan es plantar unas habichuelas mágicas que se conviertan en una mata gigante, para así poder robar una mítica oca que pone huevos de oro del castillo de un gigante que vive sobre las nubes. Realmente fácil.

La pueril búsqueda de las míticas habichuelas se queda en nada, así que sus sueños infantiles comien-zan a desvanecerse... al menos para Gato, y los dos empiezan a distanciarse. Eso ocurre poco antes de que el gato de acción encuentre su ver-dadera vocación, al salvar abne-gadamente a una mujer que esta-ba a punto de ser arrollada por un toro. San Ricardo le otorga rápida-mente a Gato el título de héroe, lo cual le vale su elegante som-brero y sus legendarias botas (que representan la verdad, el honor y el valor). Al igual que en muchas parejas del folclore y de la histo-ria, cuando uno alcanza la fama y la fortuna, los celos no tardan en aparecer. Así que cuando Gato accede a ayudar a Humpty en una aventura que sale mal (todo con tal de salvar su amistad), los dos toman caminos separados y tie-nen unos objetivos muy distintos. Gato se convierte en un presun-to traidor para los de su pueblo y para todos los que confiaban en él, y Humpty Dumpty se convierte en un huevo malo, cuyos sueños infantiles se convierten en pensa-

mientos de lucro personal y ven-ganza. No es exactamente igual que en los cuentos, pero así es como lo quería Chris Miller. “Hump-ty Dumpty es diferente a lo que habéis sabido antes de él, creo que lo mejor que hemos hecho ha sido coger algunas cosas que pen-sabais que sabíais de él, y llevar al personaje en una nueva direc-ción, intentando a la vez crear vi-sualmente algo que nunca antes hubiéramos visto. Eso es lo que nos motiva de verdad como reali-zadores de animación”. Persichetti, el supervisor de la historia, dice en broma: “¿No es verdad que todo gato tiene a un huevo como hermano? Empeza-mos a trabajar en esos dos perso-najes: Humpty es un gran perso-naje y Gato necesitaba a alguien con quien criarse y que fuera su rival, en cierto modo. Era como, vaya, tiene a un huevo por her-mano. Empezó siendo una semilla así, y simplemente echó raíces y creció”. Dice Miller: “Humpty Alexander Dumpty está interpretado por Zach Galifianakis, y creo que Zach está extraordinario en este papel. Me encanta su interpretación: es increíblemente gracioso, y su agudo y extemporáneo ingenio es realmente atractivo. Lo que más me gusta de Zach en este papel es el toque inesperado que le apor-tó. Humpty es como un personaje deteriorado, como roto, y no se

porta nada bien en una parte de la película, pero Zach le aportó la siguiente base: Humpty sentía que estaba perdiendo a su mejor amigo, lo que le impulsaba a ac-tuar de una manera rara con la cabeza, pero su corazón seguía ciertamente la dirección correc-ta”. Dice Latifa Ouaou: “Sabíamos que Zach era tronchante, pero lo que le aportó al personaje de Hump-ty Dumpty fue una vulnerabilidad y una dulzura casi infantiles que convirtieron en pluridimensional de verdad al villano. Uno simpa-tiza con él, y para nosotros eso era importante, no queríamos que fuera un villano en blanco y negro”. Para el actor cómico, uno de los retos estribaba en las restriccio-nes que conlleva el arte de dar voz a un personaje. Dice Galifianakis: “Creo que una de las cosas más difíciles fue imaginar un persona-je solamente con la voz. Al empe-zar, te enseñan una caricatura del aspecto que tiene el personaje de momento. Y entonces tienes que encontrar una actitud, y estás limitado a utilizar solamente tu voz. Una vez que los animadores te han visto actuar, por ejemplo, si yo utilizo mis manos durante cierta escena, pues le meten eso. Pero hay que sacar más expresión de la voz de lo que probablemen-te haría un actor en un papel nor-mal, de imagen real”. Recuerda Ouaou: “Cuando empe-



zamos, le explicamos: ‘Sí, eres un huevo’, y le dijimos que íbamos a trabajar a partir de un guión, pero que iba a haber cambios, porque desarrollamos y produci-mos la película al mismo tiempo. También queríamos que se sintie-ra con libertad para salirse del guión. Zach confiaba muchísimo en Chris, y sencillamente dejó que Chris le guiase. Cuanto más se familiarizaba con el persona-je, más cómodo se sentía con el material, y empezaba a aportar más ideas en las sesiones y a im-provisar, lo cual es lo mejor para el actor, para nosotros y, al fin y al cabo, para el personaje”. Galifianakis se enfrentó de cara al reto de ser “un hombre en una cabina con un micrófono”: “Me gusta mucho esa simplicidad.

Tengo una formación como cómi-co de monólogos, así que estoy acostumbrado al micrófono y a simplemente expresarme. Eso es lo que más me gusta de ello. Recuerdo que, siempre que sa-lía de alguna sesión, me decía a mí mismo: ‘¡Qué trabajo tan es-tupendo!’ Además ha sido diver-tido explorar al personaje, con esa soltura que tiene, es desbor-dante. Yo soy bastante reservado en persona, así que es divertido llegar y hacer este personaje tan desbordante”. También dice bromeando: “¿Que si pensé cómo sería un huevo, si hice algo de documentación? Humm, debería haber ido al pasi-llo siete del supermercado y salir un poco con huevos, charlar con ellos y conocerles un poco. Pero

me he comido los huevos, le he tirado huevos a la gente que hace ruido en la calle a las dos de la madrugada en mi barrio. Ahora que lo pienso, creo que los hue-vos se aprovechan en la vida, por-que la gente se los come, o los tira, pueden ponerse malos o ser endiablados. Los huevos son bas-tante curiosos en general, con esa forma tan graciosa, en cierto modo se les menosprecia. Creo que esta película lo demuestra, y puede que arrojará luz sobre el modo en que se ha tratado a los huevos. O quizás no”. Después de su separación, Hump-ty vuelve a aparecer en la vida de Gato, cuando ha encontrado final-mente el modo de hacer realidad su sueño de la infancia de encon-trar las habichuelas mágicas. Lo



tiene todo planeado, pero necesi-ta la ayuda de Gato para llevarlo a cabo. Pero también va a ser una labor a tres bandas (gato, huevo, gato). Y ahí es donde aparece en la historia Kitty Zarpassuaves, que es la mayor ladrona de toda la España antigua. “Salma Hayek es Kitty Zarpassua-ves,” dice Chris Miller, “y en su interpretación es bella, fuerte y sensual, pero lo que es más im-portante, es graciosa. Salma es una actriz realmente graciosa, y en esta película tiene ocasión de demostrarlo de verdad, porque le aporta al personaje toda su rela-ción de trabajo con Antonio (es su quinta película juntos), y hace que parezca realmente auténtico. Se nota que son buenos amigos, porque se pelean realmente bien,

lo cual hace que eche chispas su relación romántica en la panta-lla. Hacen una pareja estupenda. Me encanta la voz de Salma, es rica y profunda, y funciona muy bien para Kitty”. Joe Aguilar reflexiona: “La his-toria de fondo de ‘El Gato con Botas’ incluía siempre tener una historia con las mujeres, así que teníamos que elaborar un perso-naje que fuera digno de él. Así que creamos a Kitty Zarpassua-ves. Inmediatamente pensamos en Salma Hayek, y nos hizo mucha ilusión que estuviera dispuesta a participar. Sabíamos que su quí-mica iba a ser fuerte, por su tra-bajo en películas de imagen real. También sabíamos que sus voces iban a funcionar bien juntas. Kitty Zarpassuaves no es alguien

que a Gato le fuera a resultar muy fácil conquistar, tenía que ser alguien fuerte e interesante. Intentábamos elaborar el retrato de un personaje que no fuese so-lamente una mujer fatal”. Latifa Ouaou observa: “Probable-mente, la comedia no sea lo pri-mero en lo que se piensa cuando uno piensa en Salma Hayek. Tiene una voz fantástica, y aunque sa-bíamos que podía ser seductora, está realmente increíble con la comedia. Es sumamente ingenio-sa, y le aportó al personaje mu-chas de sus propias cualidades. Hay algo realmente especial en un personaje femenino que sabe lo que quiere y que en realidad no necesita a nadie para conse-guirlo”.


Hayek se sintió encantada de po-der dar voz a la independiente, fuerte y graciosa gatita. “Todo en esta película es divertido y emocionante. Para empezar, es la primera vez que trabajo en ani-mación, y llevaba mucho tiempo queriendo hacerlo. No podía ha-ber llegado en mejor momento, porque ahora puedo compartir esta película con mi hija. Me he convertido en una experta en ani-mación desde que nació... y pue-do decir con orgullo que , aunque creo que he visto todas las pelí-culas animadas que se han hecho, creo que ésta está ciertamente entre las diez mejores de todas”. También había aspectos logísticos que jugaban a favor de Hayek: “Había una circunstancia que me gustaba mucho. Podía trabajar en

pijama. Y, como yo viajo mucho, pude grabar en unas cinco ciuda-des diferentes”. Casi como una prueba de la afir-mación de Ouaou de que el desa-rrollo y la producción iban juntos, una faceta clave de la persona-lidad de Kitty no apareció hasta que estuvieron metidos en las sesiones de grabación. Dice Persi-chetti: “Cuando trabajo, hay mu-chas cosas bullendo en mi cabeza, como la idea de un ladrón que es un gato de verdad. Los gatos son muy silenciosos. ¿Quizás para su-perar alguna deficiencia? Fue un fijador para el personaje. Puede que haya sido nuestra tercera o cuarta repetición de la primera elaboración de la película, pero de repente nos dijimos: ‘¡Pero claro! ¡No tiene garras!’ Eso es lo

que está superando, pero ahora podemos jugar con ello, porque esa increíble cualidad es la que básicamente le permite robar las habichuelas de las manos de Jack sin que éste se dé ni cuenta. Puede robarle las botas al Gato sin que se entere. Es la carteris-ta ideal. Así que todo encajó muy bien. Y le añade un interesante matiz a este personaje latino y súper sexy”. A Hayek le encantó su perso-naje, y lo describe así: “Es una muy buena contrincante a nivel verbal, y también una luchadora muy buena a nivel físico. Además, es una ladrona fantástica, una de las mejores que existen, y está orgullosa de ello. Me gusta mu-cho el que siempre gane, y que siempre tenga razón. Y aunque



Gato discuta con ella e intente demostrar que se equivoca, no lo consigue. Es realmente un placer ser una gata como ésta”. Tan simbiótica es la interpreta-ción a dos bandas entre Banderas y Hayek que Antonio le hizo una petición a los realizadores. “Lle-vo trabajando con Salma desde principios de los noventa, y es una amiga muy querida. Normal-mente, en la animación trabaja-mos solos. Pero esta ha sido la única vez que he pedido hacer una sesión con un actor, porque con Salma sé que tenemos muchí-sima química, y sobre todo, nos peleamos muy bien ante la cáma-ra. Tenemos como una especie de ritmo, y sabemos improvisar. Así que pedí que la trajeran junto a mí, e hicimos una sesión juntos.

Y sacamos diversas cosas de ahí. Fue estupendo volver a trabajar de nuevo con ella”. “Antonio está maravilloso en este papel”, responde Hayek. “Nació para interpretar a este gato. Lle-vamos mucho tiempo trabajando juntos, y hemos hecho muchas películas juntos. Siempre es un placer y una alegría. Tuvimos la suerte de poder hacer una sesión de grabación juntos, aunque es algo que normalmente no sucede así, porque todo el mundo está muy ocupado y en lugares dife-rentes, pero conseguimos organi-zarlo. Los dos estuvimos improvi-sando, y muchas de las cosas que hicimos terminaron formando parte de la película. Se identifi-ca tanto con el personaje, y ya le conozco tan bien, que cuando es-

taba grabando sin él, podía sentir su presencia como un fantasma recitando sus frases. Me encanta en este papel, y sé exactamente lo que diría siendo el Gato, aun-que no esté presente”. Parte del problema del plan de Humpty para hacerse con las ha-bichuelas y finalmente hacerse rico es que hay alguien por ahí que desea tanto como él poseer las habichuelas... de hecho, son dos los que se interponen ante los sueños de Humpty: una pare-ja de bandidos, marido y mujer, con muy malas pulgas y conocidos como Jack y Jill. Acorde con la idea general de los realizadores en cuanto al revisio-nismo de los cuentos, no se tra-ta de la típica pareja de cuento




que vaga por las montañas y tiene problemas para conseguir agua. Son grandes, malos y decididos, lo que naturalmente los convierte en perfectos para una vida dedi-cada a la delincuencia. Dice el productor Joe Aguilar a propósito de los dos consumados actores que dan voz a Jack y Jill: “Queríamos que Jack fuera gran-de, fuerte y fiero, así que, duran-te la fase de desarrollo, cuando otros estaban haciendo las voces del personaje, todo el mundo utilizaba una voz grave, un poco como el personaje que interpretó tan bien Billy Bob Thornton en ‘El otro lado de la vida’. Y puede que nosotros no lo supiéramos, pero Billy Bob fue siempre nuestra primera opción. Y Amy Sedaris es simplemente una gran cómi-ca, nos encanta. Y cuando está-bamos buscando a alguien para el personaje de Jill, pensábamos en los rasgos de su personalidad y buscábamos a alguien que pu-diera aportar algo realmente in-teresante y que se divirtiera re-plicando a la voz grave y feroz de Jack. Y una vez le hubimos dado el papel a Amy, apareció con esa especie de voz sureña y como de campo que resulta desternillan-te”. Al contrario que la mayoría de sus personajes cinematográficos, un accesible Billy Bob Thornton opina: “La mayoría de las pelícu-las que hago no son películas que puedan ver mis hijos, bueno, al-gunos sí, pero los más pequeños,

no. He tenido pocas oportunida-des de hacer algo así, o sea, una película animada, y he intentado hacer las que pensaba que eran buenas. Lo estupendo de esta película es que (aunque no soy ningún experto) a todos mis co-nocidos, ya sean niños o ancianos, les gustan las películas de Shrek, y los personajes que salían en ellas. Así que me pareció franca-mente un honor que me pidieran participar en esto”. Cuando se le pregunta sobre la caracterización de su voz, el ac-tor replica: “Bueno, en realidad peso unos 65 kilos, y Jack pesa al-rededor de 140 o algo así. No sé si esto tiene algún sentido o no, pero tenía que sonar como si fue-ra un poco más gordo”. Pero la opinión de Thornton sobre el personaje real de Jack difiere un poco del crudo retrato que ofrecen los realizadores. “Jack es un poco como los malos de las pe-lículas de hace mucho tiempo... ahora bien, no es que tenga un corazón de oro, pero tiene una faceta sensible, y a mí siempre me encanta ver eso, como lo que Bruto le demuestra a Olivia, al contrario de lo que le demuestra a Popeye. Los diálogos de Jack son graciosos, y como ya he dicho, es un tipo malo, pero no creo que sea un tipo malvado. Es un tipo egoísta, eso es lo que es. Quiere lo que quiere... y su mujer, Jill, lo quiere aún más”. Y vaya si lo hace. Pero, al igual

que su compañero de reparto, Se-daris tiene una historia para ex-plicar los, bueno, los malos modos de Jill. Dice Amy Sedaris: “Eché-mosle un vistazo un momento. Creo que Jill es un personaje muy incomprendido. Sin embargo, en el Viejo Oeste Español-Antigua Época de los Cuentos de Hadas no era como ahora, las oportunida-des para las mujeres eran mucho más limitadas. Estaba la mater-nidad, que podía hacer que una terminara viviendo en una bota con un montón de mocosos. Había muchos menos oficios donde ele-gir, por ejemplo, transformar la paja en oro con una rueca, hacer de canguro de mineros bajitos, practicar la magia negra o, que el cielo nos asista, conceder deseos. Si me enfrentara a eso, caramba, puede incluso que recurriera a una vida de delincuente. Jill sim-plemente quiere más que lo que se le ha ofrecido. Comparado con todas esas cosas, elegir una vida de villano es su manera de decir: ‘No, chicos, creo que es así como se potenciará mejor mi talento personal. Creo que es en esto en lo que destacaré’”. Sedaris continúa: “Para mí, no hay nada tan divertido como me-terme de verdad en un persona-je hilarante, y Jill es una gran oportunidad para hacerlo. Tiene un vivo sentido de la aventura, al estilo de Annie Oakley, y una actitud de ‘no digas chorradas’ al estilo de Belle Starr. Tiene brío y agallas, y es una gran dama, lo cual yo no soy, al menos no en



cuanto a mi altura. Y a los acto-res siempre nos encanta interpre-tar a alguien mucho más alto que nosotros”.

PONIENDO AL “GATO CON BOTAS” EN SU SITIO... Está claro y es evidente que a los espectadores les encanta Shrek y sus acompañantes. Pero a la hora de establecer la historia de los orígenes del Gato con Botas, los realizadores no quisieron ofender a nadie al mirar a otra parte que no fueran los bosques y campos de Muy Muy Lejano. Explica Joe Aguilar: “Cuando empezamos con ‘El Gato con Botas’, nos dimos cuenta de que no nos podíamos apartar demasiado del mundo de Shrek, porque ése es el universo en el que existe. Rediseñar com-pletamente ese mundo echaría fuera a los espectadores. Pero sabíamos que podíamos llegar bastante lejos, siempre que per-maneciéramos en ese universo. Modificamos lo más que pudimos el diseño y la caricatura de nues-tros personajes secundarios, que tienen un aspecto y una sensibili-dad diferentes a los de la saga de Shrek, pero ciertamente nos que-damos dentro de ese universo”. Miller explica más peculiaridades: “El mundo donde vive Gato es

una especie de cuento de hadas de la Europa mediterránea. Es muy cálido, brillante y colorido. Muchas de estas decisiones salían simplemente del personaje. El mundo de Shrek es muy fresco, con exuberantes verdes y azules, y el mundo de ‘El Gato con Botas’ es muy cálido, caluroso, románti-co. Pienso en él como en una par-te diferente del universo de los cuentos y canciones infantiles”. La productora Ouaou afirma: “Sin embargo, creo que teníamos mu-chas ganas de jugar con leyen-das. Encontramos influencias en las películas de Sergio Leone, y nos fijamos más en las arquitec-tura de estilo español. Pero fui-mos conscientes de no apartarnos demasiado del lugar donde fue presentado. Sólo se puede lle-gar hasta cierto punto, si se va demasiado lejos, no será recono-cible en ese entorno. Queríamos actualizar el cuento del Gato con Botas, pero no queríamos conec-tarlo necesariamente con la his-toria original”. Gran parte de la responsabilidad de diseñar el mundo de Gato re-cayó en el director artístico Gui-llaume Aretos, quien fue también el director artístico de la segunda y la tercera películas de “Shrek”. Aretos afirma: “Llevo mucho tiem-

po con esta saga, y el equipo es ya casi como mi familia. El Gato con Botas es un personaje muy in-teresante de llevar a la pantalla, porque creo que es bastante es-pecial”. “Lo que más ilusión me hacía de la película era la opor-tunidad de hacer algo diferente: le llevamos a un mundo estilizado y refinado, donde podemos jugar con sombras grandes y simbólicas en un mundo muy colorido”. El director insistió en que el mundo que crearan respaldara a esta joya de personaje. Su obje-tivo común era un lugar que se prestara a hacer un tipo de cine grandioso y con amplitud, lleno de trabajo activo con la cámara y con una composición atrevida. Como Gato es, desde cualquier punto de vista, un personaje ‘co-lorido’, el paisaje también tenía que ofrecer y contener una paleta completa de colores ricos, cálidos y saturados. Por encima de todo, debía ser un lugar para la acción, la aventura, la comedia y el ro-mance, porque “este mundo de-bía ser simplemente un reflejo de lo que es Gato, en esencia”. El director colaboró con los dibu-jantes para crear un mundo con un lenguaje estilístico familiar. “En realidad queríamos enfocar-lo como si fuera un ‘espagueti western’ al estilo de Leone, lo



cual nos parecía que cuadraba perfectamente con el personaje, en cuanto al tamaño y la escala. Adoptamos ese uso expansivo de la cámara, e incluso utilizamos algo la pantalla partida. Pero tampoco queríamos limitarnos solamente a eso (yo diría que eso está ciertamente en la esencia de nuestra película), porque aunque Gato encaja ciertamente en esa clase de películas, también se presta a otra clase de géneros con un protagonista fuerte y aven-turero, como Indiana Jones, el agente 007 o el Zorro. Y también hay otros. Así que al final empe-zamos a buscar en la historia del cine, inspirándonos en esos per-sonajes desmesurados”. Dice Aretos, el director artístico: “Si uno se fija en el diseño, la inspiración para el mismo es muy simple: es el propio personaje. Es un personaje retorcido, y lo digo en un sentido literal. En lo que se refiere al lenguaje de las formas, empezamos por retorcer la forma de las cosas. Si te fijas en los decorados, verás que todas las casas están un poco inclina-das, nada está realmente recto. Hay una asimetría, con unos per-sonajes muy desequilibrados, que van de lo gigante a lo pequeño.

Así que todo se basa en el lengua-je de las formas. Además de eso, Gato es un personaje muy colori-do. Nos inspiramos en la cultura latina, y vimos algunas películas españolas. Buscamos una ilumi-nación menos realista, nos dimos más libertad y nos desmadramos un poco. Tuvimos que jugar con grandes sombras, ya que Gato es un personaje pequeño en un mundo muy grande. En las pelí-culas de Shrek, Gato medía como un metro, con las botas puestas, para equilibrar el hecho de estar siempre con Shrek, un gigante de más de dos metros de altura. Nos dimos cuenta de que, en su mun-do, ese tamaño no iba a funcio-nar, porque estamos en un mun-do humano sin gigantes, así que le volvimos a poner del tamaño de un gato normal... si los gatos llevaran botas y caminaran a dos patas”. Un dicho de Aretos al principio de la producción se convirtió en un principio básico de la produc-ción: personajes retorcidos, mun-do retorcido. Lo explica así: “Nos fijamos en la geografía del norte de España, que es seca pero muy bonita, y nos dimos cuenta de que los olivos y los pinos de la costa estaban retorcidos por el vien-

to. También nos fijamos en otros climas desérticos del norte y el centro de América. Este desequi-librio está en nuestros personajes y su entorno”. Uno de los sitios concretos que más llamó la atención de los rea-lizadores fue el pueblo de San Mi-guel de Allende, en el centro de México, con sus edificios colonia-les neo-clásicos de color arcilla. En el mundo de la animación, una de las mayores diferencias entre ésta y las películas de imagen real es el uso de un editor. Al contrario que en la imagen real, donde el montador normalmente edita la película al final de la fotografía principal, un montador de ani-mación participa desde el princi-pio, en primera línea, trabajan-do durante el proceso del guión, para ayudar a establecer golpes, ritmos, estructuras narrativas y otros aspectos que son el resulta-do de una colección de imágenes artísticamente ensambladas. Eric Dapkewicz es el montador de “El Gato con Botas”, y comen-zó a ‘hacer los deberes’ viendo clásicos como “El bueno, el feo y el malo” y “Por un puñado de dólares”, junto con otras pelícu-



las con una narrativa dramática y con protagonistas heroicos. El re-sultado final fue un estilo único, sin miedo a rendirle homenaje al género que revitalizó el western norteamericano. Algunas escenas se detienen en un personaje, cap-tando el entorno quizás una pizca más de tiempo de lo que se es-pera en animación. Parte integral de dicha evocación de Leone es la banda sonora, del compositor Henry Jackman, cuyo trabajo ha aparecido en toda clase de films, desde superproducciones de Ho-llywood hasta pequeñas comedias románticas. Al igual que Dapkewi-cz, Jackman se unió al proyecto en sus primeras fases, y le aportó su música para ayudar a estable-cer el ritmo y la sensibilidad de la película (comenzando con pistas temporales, y refinándolas hasta conseguir la banda sonora defini-tiva). Miller cree que este trabajo en equipo desde el principio mismo es la clave para el éxito de un proyecto. Afirma: “Las aportacio-nes de todos los departamentos en esta película han sido extraor-dinarias. Guillaume y el depar-tamento de dibujo aportaron muchísima belleza, dramatismo y color, y fueron esenciales para

elaborar la historia que conta-mos. El encargado de la historia, Bob Persichetti y todo su equipo pusieron muchas ideas estupen-das en juego. El encargado de layout Gil Zimmerman, que rodó la película, y su departamento, transformaron lo imaginado en realidad. Me siento muy afortu-nado por haber trabajado con Joe y Latifa, que son unos realizado-res increíbles. Toda esa química funcionó y produjo una maravillo-sa colaboración y una experiencia realmente satisfactoria”. Otro miembro destacado del equi-po de producción de “El Gato con Botas” es el premiado cineasta Guillermo del Toro, quien por una afortunada coincidencia visitó las instalaciones de DreamWorks Ani-mation al principio de la produc-ción, lo cual aprovechó Chris Mi-ller para entrevistarse con él. El director recuerda: “A Guillermo le atrajo mucho esta historia, le encantaba su tono. Y resulta que al día siguiente íbamos a proyec-tar un trozo de la película, y él pudo venir. Le encantó, y después me dijo que le gustaría participar en la película. Yo me quedé ano-nadado y casi sin palabras, y dije algo así como: ‘Estupendo, ¿cuán-do puedes empezar?’ y él contes-tó: ‘Ahora mismo’. Así que en el plazo de 24 horas se convirtió en uno de los productores ejecutivos y en un estupendo asesor de la película. Tiene una energía ma-ravillosa, y siempre se enfrenta a los retos con una solución, no critica, sino que observa las cosas y ofrece ideas para mejorarlas”. Una de esas soluciones fue para la historia del personaje de Humpty. Un soñador bastante incompren-dido en el orfanato, su historia tomó cuerpo cuando Del Toro su-girió que quizás Dumpty inventa-se cosas cuando era joven. Eso les iba a ayudar a establecer la inte-ligencia del personaje y resultaría muy provechoso para ulteriores desarrollos del argumento. El ci-neasta estaba tan entusiasmado por participar en el proyecto que incluso le dio voz al Comandante del pueblo de San Ricardo. Dice el productor Aguilar: “Gui-llermo del Toro es una de las per-

sonas que más me inspira cuan-do trabajo con él. Está lleno de energía e ideas graciosas, y tiene un profundo conocimiento del di-seño artístico. Es como una enci-clopedia de cine”. Del Toro, nominado al Óscar, ob-serva: “Cuando estábamos em-pezando la película, me ofrecí voluntario para hacer uno de los ‘gritos de celebración’ de la fies-ta, y eso me llevó a interpretar al Comandante, una especie de figura paterna para Gato. Nos lo imaginamos como un Clint East-wood mexicano, muy lento y so-lemne. Al principio era solamen-te un proyecto de voz, pero como a todo el mundo le gustó, se la quedaron”. “Creo que le gente se va a quedar sorprendida del extraordinario nivel artístico que tiene la pe-lícula”, añade Del Toro. “Es una película enorme con enormes se-cuencias de acción, muchas aven-turas, estupenda comedia y una rica y colorista fantasía, llena de imaginación y de inventiva. Creo que es un auténtico festín en sí misma. No se trata solamente de un derivado, es su propio y abso-luto mundo”.

...EN EL SUELO... Para llevar al gato, el huevo y la gata a esos puntos interesantes, los realizadores de “El Gato con Botas” tuvieron que enfrentarse a un reto de diseño. Miller y su equipo se propusieron llenar este cuento épico con héroes diminu-tos, y esa dicotomía le parece apasionante a Aretos, el director artístico: “Creo que lo bonito de esta película es que hay un tipo muy pequeño que vive una enor-me aventura épica. Creo que eso es lo fascinante del diseño de esta película, lo loco que es el mundo que desarrollamos”. Una secuencia que muestra cla-ramente el tamaño y el ritmo de la película es el atraco a la di-ligencia, en la que el Gato con Botas, Kitty y Humpty intentan robar las habichuelas mágicas en las narices de los malvados Jack y Jill... mientras todos ellos viajan



a velocidad de vértigo en una di-ligencia. Cuenta Chris Miller: “Me parecía importante que, en nues-tras escenas de acción, hubiera una sensación de emoción y peli-gro, pero que en esencia fueran graciosas. Queríamos que fueran muy agradables, como una atrac-ción de feria o una pista de ca-rreras que te llena de adrenalina. Queríamos una sensación táctil y divertida”. Otra secuencia que ofrece emo-ción (aunque de otra clase muy diferente) es el primer encuentro y consiguiente enfrentamiento entre Gato y un consumado ladrón rival suyo. Tras encontrarse Gato ante un oponente enmascarado, sigue a su rival hasta una cantina

‘sólo para gatos’, con la intención de desafiar al taimado felino. Las normas del local establecen que los martes, las peleas se limitan a competiciones de baile, así que nuestro héroe y su adversario en-mascarado se ponen a bailar en compañía de los demás, para de-leite de toda la concurrencia ga-tuna. Para que la secuencia saliera bien, la clave era la coreografía, que mezcla con humor un poco de todo, desde flamenco hasta bai-les latinos de salón y danza con-temporánea (de Laura Gorenstein Miller, fundadora, coreógrafa y directora artística de la compañía de danza Helios Dance Theater, con sede en Los Ángeles). Chris

Miller comenta: “Fuimos muy afortunados de poder contar con Laura para la coreografía de al-gunas secuencias de la película. Contribuyó mucho a añadirle un toque de autenticidad, y se trata de escenas complejas, con muchos malabarismos entre la narración y los momentos de personajes. Eso ayudó muchísimo a nuestros animadores. Tomó el movimiento de nuestras sencillas indicaciones del guión y lo transformó en una preciosa coreografía para dos bai-larines, así que rodamos un video de esas escenas y nuestros anima-dores lo trasladaron a los cuerpos de nuestro héroe y su Kitty”. Después de una semana de ensa-yos, a los bailarines de Laura Mi-



ller se les puso unos trajes para la captación de movimientos, y se utilizaron los datos resultan-tes para proporcionar referencias y puestas en escena a los anima-dores, no se trató simplemen-te de transferir el movimiento a los personajes. Aguilar comenta: “Utilizamos la cámara y las esce-nas rodadas para imaginar cómo diseñar los planos lo mejor posi-ble”. Para la coreógrafa, fue especial-mente divertido el misterio del adversario oculto tras una más-cara. Comenta Laura Miller: “Una de las cosas que más me interesa-ron a la hora de coreografiar esta escena es que no querían revelar a los espectadores que Kitty es una chica. Así que, en cuanto a

la coreografía, tuve que hacer los movimientos más masculinos, con más bravuconería, un poco más agresivos de lo que los haría nor-malmente para un personaje fe-menino”. Antes de filmar los bailes, Miller se llevó el guión gráfico a su estudio, junto con la música, y elaboró los bailes paso a paso, trasmitiendo la acción que había en las viñe-tas. “En ellas se me indicaba, por ejemplo, que Gato se acerca ocho pasos hacia la cámara, y se me decía que necesitaban un plano medio y un movimiento rápido de pies. Yo elaboraba algo con mis bailarines, y luego lo contrastaba cada día con Chris, lo cual era una manera estupenda de trabajar. El me decía los cambios que quería,

y también podía comprobar cada día los progresos”. En otra secuencia aparecen Gato y Kitty, ya sin máscara, bailando alrededor de la hoguera, con al-guna interrupción ocasional de Humpty Dumpty, quien quiere apagar cualquier chispa de ro-mance que pueda surgir entre los dos. Dice de nuevo la coreógrafa: “Fueron muy concretos en que, por razones del diálogo, sus caras tenían que estar hacia la cámara, así que, como coreógrafa, quise hacerlo interesante. Y lo hice con los pasos y el uso de las caderas, inspirándome mucho en el baile latino. Eso, a su vez, supuso un reto para los animadores, porque los gatos no tienen unas caderas como las de los seres humanos.



Pero creo que al final hicimos en-tre todos una secuencia estupen-da”.

… Y POR LAS NUBES

Pero la acción de “El Gato con Bo-tas” no se limita a persecuciones en tierra ni a retos de baile. Se extiende hasta muy por encima de unos paisajes color arcilla, hasta las nubes del cielo... y además, “El Gato con Botas” fue concebi-da desde el principio como una película para ser proyectada en InTru 3D. Un reto detrás de otro... “Desde el principio estuvo muy claro que esta película quedaría mejor presentada en 3D, y sólo en 3D, así que nos aprovechamos de unas cuantas oportunidades

geniales”, dice el director Chris Miller. “Está la secuencia en la que plantan las habichuelas má-gicas, y en el guión aparece una gran tormenta que va bajando, un enorme tornado que envía energía a la habichuela, que en-tonces se convierte en una plan-ta en continuo crecimiento, que se extiende más allá del siste-ma solar y llega hasta la tierra de los gigantes. Eso hace que se creen escenas fantásticas y enér-gicas con una acción increíble, y que de repente se transforman en momentos tranquilos, donde aparecen ricos detalles en cada fotograma, con una profundidad y una escala increíbles, y esos diminutos personajes maravilla-dos ante el universo. ¡Pues claro, hombre, eso es el 3D!”

Para Guillaume Aretos, el director artístico, eso implicaba horas de estudio y de dibujo de viñetas... y dado que las matas de habichue-las enormes son pocas y difíciles de encontrar, hizo la mejor cosa posible, que fue visitar el Museo del Louvre, y más concretamen-te el Musée des Arts Décoratifs, que contiene una asombrosa sala Art Deco. Esa sala de madera está repleta de tallas increíbles, con todas las cosas de la sala (un perchero, una mesa, una silla, el marco de la ventana, una mol-dura en el techo) que parecen salir de una enredadera intermi-nable. “Yo estaba pensando que la mata de habichuelas les iba a llevar al mundo de más allá de las nubes, con muchos giros y es-pirales, y a la vez lo imaginaba en el aspecto estéreo. Las líneas



rectas o las perspectivas angu-lares pueden ser aburridas. Así que pensé: ‘Bueno, la mata de habichuelas crecería de una for-ma incontrolable, en espirales, lo cual es peligroso para ellos pero mucho más divertido para noso-tros’. Y con cada nuevo descubri-miento o paisaje, habría diferen-tes sensaciones a medida que van ascendiendo: asombro, cuando salen disparados como un cohe-te, luego, una pausa romántica, mirando los cielos, un momento de miedo, un trueno, y después una niebla blanca cuando entran en el mundo de las nubes, la cima del universo. Y todas las nubes son nubes de partículas, es decir, que cuando la cámara se mueve a través o alrededor de ellas, hay pequeños trozos que destacan al pasar junto a la cámara. Hay una

sensación de profundidad que no puede ofrecer una pintura o un modelado mate”.

La escala de la secuencia ya era de por sí bastante imponente (Mi-ller dice en broma: “¡Esa mata de judías creciendo kilómetros y kilómetros, llevando a dos gatos y un huevo!”), pero como mu-chos ya saben, las masas amorfas (agua, fuego, pelaje, plumas) su-ponen una dificultad aún mayor para los animadores gráficos. Y aquí había un mundo compuesto, sobre todo, por nubes. El director comenta: “Aquí se nos presentaba la ocasión de crear un paisaje que aún no se había ex-plorado, donde la gravedad no funciona igual que en la Tierra. Las nubes están constantemente

formándose y cambiando de for-ma, se puede jugar con las nubes, se pueden hacer bolas de nieve con ellas, se puede correr por de-bajo, o dar saltos encima. Pasa-mos varios meses únicamente ex-plorando y debatiendo diferentes maneras de conseguir eso. Y nues-tro equipo de efectos especiales hizo un trabajo increíble creando todo ese mundo y la profundidad que hay tras él, que funciona de manera muy eficaz en 3D, es una experiencia en la que uno se su-merge de verdad. Es etéreo y un poco surrealista. Están tan lejos del sol que éste queda por deba-jo de los personajes. Este paisaje de nubes en constante evolución era para nosotros un estupendo terreno de juego”. Amaury Aubel, encargado de los



efectos, explica: “Era un gran de-safío, animar las nubes, modelar-las para que parecieran realistas, pero también para que interac-tuaran con los personajes. Están rodeados por nubes que a la vez les sostienen. Están las nubes en primer plano, con las cuales inte-ractúan, y las nubes de fondo, a las que nosotros llamamos el pai-saje de nubes, que se extienden hacia atrás hasta el horizonte. También la iluminación era pro-blemática, teniendo que hacer que reaccionaran realísticamen-te ante la luz, pero también de una manera artística. Una tenía que ser más dorada, la otra, más amenazadora”. El comportamiento de las nubes fue otra de las cuestiones. Dice Aubel: “Vemos el cielo todos los días, así que nos daríamos cuenta de lo que está bien y lo que no lo

está. Estos objetos son transpa-rentes o semi-transparentes, de-pendiendo de la mayor o menor distancia del que mira. Y, sin en-trar en complejos temas físicos, la forma en la que interactúa la luz es otro problema: la luz llega a una nube y rebota en las partí-culas, en las moléculas de agua, y se dispersa en muchas direccio-nes. No es como un sólido, como una roca”. ¡Llegan los ordenadores al resca-te! Ken Museth, del departamen-to de investigación y desarrollo de DWA, ideó un programa para un nuevo formato de volumen, capaz de manejar masas gigan-tescas. Las formas modeladas se podían convertir en nubes rende-rizando el ‘ruido de superficie’, dándoles la apariencia de las al-godonosas nubes que podían ser fácilmente reconocidas y vistas

como auténticas por los especta-dores situados fuera de la mata de habichuelas.

ADIÓS, GATOS Y HUEVO Para el director Chris Miller (al igual que para muchos de los ac-tores y miembros del equipo téc-nico), la magia de la animación consiste en transformar un traba-jo de equipo en un concepto ci-nematográfico único. Miller con-fiesa: “Me encanta la animación. Desde el punto de vista de la na-rrativa, parece tener unas posibi-lidades ilimitadas, pues se puede crear un universo entero sin nin-guna limitación. Y me gusta esa idea. Pero, ya sea animación o imagen real, todo se reduce a lo bien que se cuente una historia, y a lo bien que pueda conectar el público con los personajes”.



Zach Galifianakis opina: “Según el cuento, Humpty Dumpty se cayó de una tapia, y unos tipos del pue-blo o algo así (todos los hombres del rey, supongo) no fueron capa-ces de recomponer al pobre tipo. O sea, ahí no es que haya mucha historia. Pero en esta historia hay mucha más profundidad. Se pue-den ver muchos matices de Hump-ty Dumpty. Se puede ver su rela-ción con este gato aventurero. ¿Y a quién no le gusta ver a un gato y un huevo enredando juntos? Cuando estéis por ahí, apuesto a que estaréis pensando: ‘Tío, ¿a quién me gustaría ver enredando juntos? Humm, ya sé. ¡A un gato y un huevo!’ Bueno, pues yo tengo una película para vosotros”. Antonio Banderas admira no sólo el esfuerzo titánico que repre-senta completar una película de animación por ordenador, sino

también el refinamiento de su visualización, hasta el más míni-mo detalle. Dice: “Recuerdo que, durante ‘Shrek 2’, Eddie Murphy comentó que esos tipos eran tan increíbles, que realmente eran capaces de robarte un trocito de alma y ponerlo en la pantalla, para que todos lo vean. No puedo estar más de acuerdo”. Dice la productora Latifa Ouaou: “Más de 620 artistas han trabaja-do durante años en este proyec-to, en más de 20 departamentos. A la vista de esas cifras, uno se da cuenta de lo fundamental que es el que todo el mundo colabo-re para conseguir un objetivo común. Me pareció que tuvimos una auténtica sincronía y colabo-ración en ‘El Gato con Botas’, con Chris Miller a la cabeza, durante todo el proceso hasta el fijado de la pintura, que es la última fase

del proceso de animación. Fue una experiencia realmente fan-tástica y energética”. Horas de trabajo, ruido de super-ficie, 3D donde uno se sumerge, ausencia de caderas humanas... al final , para el director Chris Mi-ller, todo se reduce (y siempre ha sido así) a una sola cosa: la his-toria. Dice para finalizar: “Lo pri-mero y principal, es que es una comedia, y es una gran película de aventuras, pero también lle-va dentro un bonito mensaje que dice que todo el mundo merece una segunda oportunidad en la vida, y que en cualquier momen-to puedes cambiar el curso de tu propia vida: nunca es demasiado tarde”.


criticas

El mundo del cortometraje es un trampolín. Tarde o temprano, los directores con premios y buenas críticas dan el salto al largo. Es el caso, por ejemplo, de Eduardo Chapero-Jackson, quien debuta con ‘Verbo’, que supone una no-vedad al pertenecer a un género, el de la fantasía, no demasiado explorado en la industria españo-la. Por su temática y mensaje (la historia de una joven incompren-dida que busca su sitio), el filme está destinado a los adolescentes, aunque el caudal de referencias que incluye amplía su público po-tencial. A pesar de las esperanzas puestas en Chapero-Jackson, es un producto hueco por culpa de un guión no acorde con su sor-prendente estilo visual.

Sara (Alba García) es una chica llena de inquietudes y que ha lle-gado a la conclusión de que nadie la entiende. No tiene una buena relación con sus padres y se ha convertido en la rara del institu-to. Su única vía de escape consis-te en analizar los mensajes que Líriko (Miguel Ángel Silvestre), un misterioso poeta urbano, deja por las calles, pintados en el suelo o las paredes. Sara piensa que van dirigidos a ella. La joven empren-derá un viaje interior en el que deberá superar una serie de prue-bas para salvar su vida ante la os-cura amenaza que se cierne sobre su realidad.

Crítica: Como se ha indicado, ‘Verbo’ es un popurrí referen-cial, con guiños y alusiones al ‘hip

hop’, los videojuegos o el ‘anime’ (incluso cuenta con unas secuen-cias de animación), pero no pasa de ahí. Su principal defecto resi-de en el argumento, prefabricado con la única intención de epatar con los adolescentes poco exigen-tes. Hay diálogos que producen sonrojo y que parecen artificia-les. La idea de ‘Verbo’ tiene su interés, si bien no está bien de-sarrollada (lo mismo ocurre con los secundarios) y se queda en lo fácil. Para hacer una película no basta con las buenas intenciones y un envoltorio vistoso. Fallida.

Verbo «««««Fantástico / España / 2011 / 87 minutos / Apaches Entertainment / Telecinco Cinema. Director: Eduardo Chapero-Jackson. Actores: Alba García, Miguel Ángel Silvestre, Najwa Nimri, Verónica Echegui, Macarena Gómez, Manolo Solo, Adam Jeziersky, Víctor Clavijo, Nasser Saleh Ibrihim, Michelle Asante, Peter Peralta, Álvaro Cañete, Miriam Martín, Nach. Guión: Eduardo Chapero-Jackson. Música: Pascal Gaigne.

Por Enrique Ebenia



“Las aventuras de Tintin: El se-creto del unicornio” es una di-vertida película de aventuras, consigue que no nos aburramos en ningún momento aunque dure casi dos horas, porque se meten los protagonistas en problema y cuando los resuelven se meten en otros mayores, así que no dan tiempo para el respiro.

Hay grandes referencias a las pe-lículas de Steven Spielberg, como “Tiburón” pero sobre todo a “In-diana Jones”, la estética es muy parecida a la saga del intrépido profesor de arqueología. En cuan-to a la banda sonora esta muy bien integrada con la acción pero

puede que recuerde demasiado a las aventuras de “Indianas Jo-nes”.

La interpretación de los actores es increíble, aunque no sabremos nunca si es merito de los inter-pretes o de los animadores y su técnica de captura del movimien-to, a veces las fallan un poco las expresiones da la cara o el mo-vimiento de los cuerpos. Lo que esta claro es que Andy Serkis es un maestro en este sistema de rodaje, ahí esta su trabajo como Gollum o Cesar de “El origen de el planeta de los simios”.

La historia es muy sencilla, en se-

guida vemos quienes son los bue-nos y quienes son los malos, así que no hay muchas sorpresas, por lo tanto nos tenemos que confor-mar con las gracias que hace el Capitán Haddock y su intento por vivir sin el alcohol. Hay muchas escenas de acción, como la per-secución por la ciudad o la lucha de grúas. Lo que más destaca es lo bien hechos que están todos los decorados, desde las ciudades, hasta el desierto.

Las aventuras de Tintín:El secreto del Unicornio «««««Animación / Comics / EEUU/ 2011 / 107 minutos / Amblin Entertainment / Paramount Pictures / Sony Pictures Entertainment Director: Steven Spielberg. Actores: Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Simon Pegg, Nick Frost, Daniel Mays, Toby Jones, Enn Reitel, Joe Starr, Mackenzie Crook, Kim Stengel, Gad Elmaleh, Tony Curran, Cary Elwes, Sebastian Roché. Guión: Steven Moffat, Edgar Wright, Joe Cornish (Cómic: Hergé). Música: John Williams.

Por David Larrad



No solo hay comida ‘fast food’, también se producen películas de consumo rápido, carne de mul-tisala, a poder ser en 3D, para espectadores que buscan un en-tretenimiento pasajero. En sí, esa estrategia comercial no tie-ne nada malo; el problema llega cuando la mercadotecnia pervier-te el contenido y vende filmes de dudosa calidad. ‘Tiburón 3D. La presa’ se promociona como una obra de terror ‘gore’ y, a priori, el público puede pensar que en-contrará en ella lo que demanda del subgénero. Sin embargo, ha-llará un largometraje aburrido y ridículo cuyo marco de exhibición debería ser la televisión y no el cine.

Un grupo de estudiantes (com-

puesto por hombres fornidos y mujeres neumáticas, como man-dan los tópicos) decide pasar unos días de fiesta en un lago, una oca-sión ideal para beber y ligar. La juerga dará paso al horror, ya que los jóvenes descubrirán que unos tiburones merodean en el agua. Como la historia no se sostiene por sí sola, el guión introduce una sorpresa argumental (que no es tal), de forma que los personajes serán víctimas de una despiadada venganza.

‘Tiburón 3D. La presa’ se desarro-lla de forma previsible, por lo que el interés del público enseguida se desvía hacia la espectaculari-dad y violencia de las muertes, pero, por desgracia, estas resul-tan sosas y decepcionantes, con

un formato tridimensional que no aporta nada. Tampoco contribu-yen a mejorar el nivel unos diá-logos de chiste (la justificación de los malos es realmente risible), unas actuaciones mediocres y una dirección rutinaria y sin alma. Y qué decir de los efectos visuales. El humor o la parodia podrían ha-ber sido una salida, si bien le falta ironía.

La película no da lo que promete y se hace pesada (tarda más de 20 minutos en entrar en materia). Más le valdría a David R. Ellis, el director, volver a los tiempos de ‘Cellular’ o, incluso, de ‘Serpien-tes en el avión’.

Tiburón 3D: La presa «««««Terror / EEUU / 2011 / 91 minutos / Rogue / Incentive Filmed Entertainment / Next Films / Sierra Pictures. Director: David R. Ellis. Actores: MSara Paxton, Dustin Milligan, Chris Carmack, Joel David Moore, Katharine McPhee. Guión: Will Hayes, Jesse Studenberg.

Por Enrique Abenia



El film nos sitúa en el tiempo unos días antes de los sucesos ocurri-dos en la película de 1982, y nos muestra lo ocurrido en la base noruega que encuentra la criatu-ra del espacio. Para el aficionado que llegue a ver The Thing sin ha-ber visto la película anterior le resultará una cinta entretenida, aunque no dejará de ser una pelí-cula más de bichos que no aporta nada nuevo al género y cuyas ma-yores carencias se encuentran en un guión predecible.

La película en muchos sentidos es todo un homenaje a la cinta de Carpenter, los títulos de crédito son idénticos en cuanto a forma de ponerlos, tipo de letra, la mú-sica y la inclusión de elementos y detalles fácilmente reconoci-

bles para los fans de The Thing, dando una la gran sensación de Dejavu. El problema llega con el argumento, y es que en esta nueva versión salvo el descubri-miento de la nave, la criatura y los minutos finales que enlazan a la perfección con la clásica, el resto del metraje sigue la misma línea argumental que su predece-sora repitiendo situaciones y pla-nos de está que no aportan nada nuevo a lo que debería de ser el reinicio de una saga que termina bebiendo de otras películas como Aliens,que pierde todo el compo-nente de miedo a lo desconocido que tenía la anterior para dar más protagonismo al bicho y en la que terminamos comparando a la ac-triz Mary Elizabeth Winstea (Ra-mona en Scott Pilgrim) con Ripley.

En cuanto al elenco todos cum-plen a la perfección con su pa-pel, tampoco es que haya un gran guión detrás y los ponga en situa-ciones límite. Aunque si hay algo que destacar es la creación de la criatura y los efectos especiales así como el trabajo del director de fotografía y la recreación de la base y del bicho a partir de la pe-lícula clásica.

En definitiva un precuela que no aporta nada nuevo y que difícil-mente llega al nivel de tensión y miedo que el film de Carpenter, demostrando que los clásicos, son clásicos por algo, y que a no ser que aportes algo nuevo resulta in-necesaria.

La Cosa «««««Terror / Ciencia Ficción / EEUU / 2011 / 138 minutos / Coproducción EEUU-Canadá; Strike Entertainment / Universal Pictures. Director: Matthijs van Heijningen Jr. Reparto: Mary Elizabeth Winstead, Eric Christian Olsen, Joel Edgerton, Ulrich Thomsen, Jonathan Walker, Dennis Storhøi, Kim Bubbs, Stig Henrik Hoff, Trond Espen Seim, Paul Braunstein, Jørgen Langhelle, Jan Gun-nar Røise, Kristofer Hivju, Jo Adrian Haavind, Carsten Bjørnlund. Guión: Eric Heisserer, Ronald D. Moore (Historia corta: John W. Campbell Jr.). Música: Marco Beltrami.

Por Carlos Gallego




Lars Von Trier continúa mostrando sus demonios interiores mientras experimenta con los géneros. Si en ‘Anticristo’ coqueteaba con el terror, en ‘Melancolía’ incorpora al argumento elementos del cine de catástrofes, con un planeta que amenaza con impactar con-tra la Tierra. El resultado es una obra tan hipnótica como irregular, con innegables puntos de interés, si bien sus piezas no terminan de encajar en el conjunto.

Justine (Kirsten Dunst) acaba de casarse y, aunque se esfuerza por parecerlo, no es feliz. Durante el banquete nupcial en la osten-tosa mansión de Claire (Charlot-te Gainsbourg), su hermana, y su adinerado cuñado (Kiefer Suther-

land) afloran sus problemas de de-presión. Estos terminan por aguar la fiesta y echan abajo su breve matrimonio. A pesar de lo ocurri-do, la vida continúa en aquella casa, en la que la joven y sus fa-miliares afrontarán la inminente colisión del planeta Melancolía y la posibilidad de que la vida lle-gue a su fin.

A lo largo de su filmografía, Von Trier ha dejado claro que es un ci-neasta único, más allá de su ego desmedido y las polémicas que suele protagonizar cada cierto tiempo. ‘Melancolía’ evidencia su dominio narrativo, el talento para la poesía visual y, sobre todo, su habilidad para inquietar al espec-tador. Su último trabajo transmite

angustia por la extraña actitud de los personajes y la sensación de que el apocalipsis se aproxima.

Sin embargo, el largometraje (di-vidido en dos partes, centradas en cada una de las hermanas) no resulta homogéneo y Von Trier parece no haber cuidado tanto el guión (no ahonda en el comporta-miento de los personajes, en es-pecial los secundarios con peso). Una carencia que el público per-donará por la soberbia interpreta-ción de Dunst y Gainsbourg. Solo por estas dos actrices y la desazón que produce la historia merece la pena ver ‘Melancolía’. Una pro-puesta rara pero coherente con el universo del autor.

Melancolía «««««Drama / Ciencia ficción / Dinamarca / 2011 / 136 minutos / Rogue / Coproducción Dinamarca-Alemania-Suecia; Zentropa Entertainments / Memfis Film / Slot Machine / Zentropa International Köln / BIM Distribuzione / Eurimages / Trollhättan Film AB / arte France Cinéma. Director: Lars von Trier. Actores: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Charlotte Rampling, Alexander Skarsgård, Stellan Skarsgård, Udo Kier, John Hurt, Brady Corbet. Guión: Lars von Trier. Música: Mikkel Maltha

Por Enrique Abenia



Como bien dice el título, asistimos al encuentro que se da el mismo día pero en diferentes años entre Emma (Anne Hathaway) y Dexter (Jim Sturgess).

Dos personas que se conocen el día de su graduación, y que son muy diferentes entre sí pero que forjan una relación amistad-amor más allá de lo que esperaban. Mientras Emma es una chica de clase trabajadora que quiere en-contrar su lugar en el mundo para poder cambiarlo, Dexter es un li-gón oportunista con ganas de co-merse el mundo y todo lo que le venga por delante. A lo largo de 20 años asistimos, cada 15 de Ju-lio, a sus diferentes vidas y los al-tibajos de su relación pasando por momentos buenos y malos. Sólo para descubrir que todo lo que han pasado juntos les ha llevado a encontrarse el uno al otro.

Estamos ante otra película que bebe de una fuente literaria, fue libro antes que película, escrita por el autor británico David Ni-cholls que a su vez es el guionista de la película. Supongo que para asegurar su idea y fidelidad con el libro, ya sabemos que Hollywood transforma todos sus productos. Una novela que probablemente podría haber venido firmada por otro escritor romántico, Nicholas Sparks y que no se habría notado mucho la diferencia. Es evidente el estilo narrativo de Nicholls, en el que los detalles tienen impor-tancia en la fecha en la que se desarrolla la historia, más allá de eso las fechas pasan como un sus-piro. Los actores, ambos, están perfectos en sus roles, Hathaway que es siempre un valor seguro ha dotado a Emma de una natu-ralidad, frescura y sinceridad que se contraponen con el carácter

chulesco, arrogante y seductor de Dexter, el personaje de Sturgess. Dos contraposiciones bien distin-tas y que encajan perfectamente en esta historia sobre las relacio-nes humanas.

Sin duda, la historia nos lleva por un camino en el que es difícil dis-tinguir la diferencia entre el amor y la amistad, entre el querer y el amar, entre rendirse y luchar. Con un sorprendente giro final, “One Day” nos hace pasar un 15 de Ju-lio casi tan repetitivo como aque-lla película de Bill Murray “Atra-pado en el tiempo” que revivía el mismo día una y otra vez, con una diferencia, el personaje de Murray aprendía de sus errores en el mismo día, nuestros personajes aprenden a través del tiempo.

One Day (Siempre el mismo día) «««««Romántica / Comedia / EEUU / 2011 / 108 minutos / Focus Features / Color Force / Random House Films. Director: Lone Scher-fig. Reparto: Anne Hathaway, Jim Sturgess, Patricia Clarkson, Romola Garai, Rafe Spall, Ken Stott. Guión: David Nicholls (Novela: David Nicholls). Música: Marco Beltrami.

Por Christian Arza


El director escogido para hacer “Amanecer: Parte 1” es Bill Con-don responsable de films como “Candyman 2: Adiós a la carne”, “Dioses y monstruos” o “Dream-girls”, en el reparto destaca el trio de protagonistas el hombre lobo Taylor Lautner (“Abduction”, “Historias de San Valentín”), el vampiro Robert Pattinson (“Harry Potter y el cáliz de fuego”, “Re-cuérdame”) y la chica que está entre ellos Kristen Stewart (“The Runaways”, “Jumper”).

“Amanecer: Parte 1” trata sobre la boda de Bella y Edward, la jo-ven humana y el vampiro; todo parece felicidad y amor pero du-rante la luna de miel Bella que-da embarazada, algo que parece

imposible en teoría. Los hombres lobo piensan que el bebe debe morir así que luchan contra los vampiros que intentan proteger a la joven madre.

“Amanecer: Parte 1” aunque esté dividida en dos partes y haya que esperar al año que viene para ver como termina, el film de Bill Con-don no te deja a medias, pero si que te deja con interes para sa-ber que ocurrirá ente el conflicto entre hombres lobos, vampiros y demás seres que interfieren entre el amor de los dos jóvenes.

El principio del film se hace un poco lento, con el tema de la boda, además la banda sonora no ayuda mucho, después de la luna

de miel y con el embarazo muy avanzado la cosa se pone más interesante, saber si Bella supe-rará el parto, la lucha de Jacob con Edward y los hombres lobo. Es una lastima que cuando se trans-forman en animales y adoptan la forma de los lobos estén tan mal hechos, podrían haber invertido un poco más en los efectos espe-ciales, ya que cuando andan no quedan demasiado naturales.

En definitiva le doy un 7/10, hay que recordar que cuando termina la película hay que quedarse has-ta después de los créditos ya que incluye un clip que nos anticipa lo que ocurrirá en “Amanecer: Parte 2”.

Amanecer (Parte 1) «««««Cine Fantástico / USA / 2011 / 117 minutos /ummit Entertainment / Temple Hill / Sunswept Entertainment. Director: Bill Con-don. Actores: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Anna Kendrick, Peter Facinelli, Dakota Fanning, Ashley Greene, Jackson Rathbone, Nikki Reed, Kellan Lutz, Peter Facinelli, Elizabeth Reaser, Christian Serratos, Billy Burke, Boo Boo Stewart, Sarah Clarke, Michael Welch, Julia Jones, Kiowa Gordon, Alex Meraz, Gil Birmingham. Guión: Melissa Rosenberg. Música: Carter Burwell.

Por David Larrad



102 │ Cinemascomics │ Septiembre 2011 www.cinemascomics.com




Desde un sencillo policía de rudos métodos en un pueblo rural deja-do de la mano de Buda, pasando por un hombre desesperado se-diento de venganza al quedarse sin trabajo y no poder pagar el transplante de riñón de su herma-na, hasta de militar en Corea del Norte en la frontera con su homó-nima del Sur. Estos y otros pape-les han hecho de Song Kang-Ho uno de les referentes de la nueva cinematografía coreana. Su des-parpajo a la hora de abordar va-riopintos registros, y su instintiva improvisación que le confiere una personalidad única, le han con-vertido en uno de los actores más queridos de todo Corea del Sur e incluso más allá de los lindes de su país. Song es uno de esos in-térpretes que solamente con su presencia consiguen llenar la pan-talla; tiene ese algo especial que consigue que uno rápidamente se identifique con él, haciendo que las distintas historias se vean des-de su punto de vista. Es un actor capaz de hablar con la mirada, y es en su rotunda expresión que alcanza plena conexión con las plateas. Su carrera ha crecido de forma vertiginosa en los últimos años, a pesar de no contar con un currículum extenso, situándose en una cómoda posición tanto de cara a la taquilla como a la crítica de su país. Será o no casualidad, pero ha formado parte de tres de los proyectos más laureados por el público y los distintos festivales donde se exhibieron; tanto Joint Security Area (2000), de Park Chan-Woo, como Memories of murder (2003), de John Bong-ho, y la pionera Shiri (1999), de Kang

Je-Gyu, demostraron al mundo la valía de Song. Los actores corea-nos muchas veces pecan de inmo-vilismo e incluso de un hieratismo interpretativo marcado por unas estructuras fílmicas basadas en el control y la sumisión al director y al guión. Song en ese aspecto po-dríamos decir que rompe moldes; disfruta de un rostro impasible que le ayuda a reforzar su faceta más siniestra cuando lo requiere como para sorprender con gestos entrañables. Sus ilimitados recur-sos actorales le permiten navegar sin temor por comedias, dramas, thrillers, melodramas e incluso le han permitido asomarse al fantás-tico en la última producción en la que hemos podido verle en nues-tro país, The host (2006), Joon-ho Bong. En todas ellas nos ha rega-lado excelentes e impresionantes interpretaciones, y aunque es en la comedia donde sin duda mejor se desenvuelve, no se le suele re-lacionar sistemáticamente a un género determinado.

Song Kang-Ho nació el 17 de ene-ro de 1967 en Kyungnam, Corea del Sur. Después de graduarse en la escuela secundaria de Kimhae, empezó su carrera artística en grupos de teatro de aficionados. Él nunca tuvo un entrenamiento profesional como actor, aunque eso más que ir en su contra a la larga fue un beneficio, ya que en ocasiones el aprendizaje del tea-tro puede interferir en el arte de la naturalidad en pantalla, y Song no es para nada un actor afecta-do, sino todo lo contrario, alguien con una calidad podríamos decir “animalística” que se guía por su

propio instinto.

Gracias a estos trabajos esporá-dicos en la escena se le presen-tó la oportunidad en el 1996 de trabajar como extra en la pelícu-la de Hong Sang-Soo, The day a pig fell into the well (el día en que un cerdo cayó en un pozo); a partir de entonces su vida pro-fesional ya no se apartaría nunca de los platós. Posteriormente in-terpretó a un mendigo en el do-cudrama de Hang Sun-Woo, Time-less Bottomless Bad movie, y a un gángster que entrenaba a un gru-po de reclutas en Nº 3, de Song Neung-Han, ambas en el 1997.

Poco a poco su carrera se iba ci-mentando, con películas de bajo presupuesto en las que tenía una presencia menor, como en Green Fish (1997), de Chang Dong-Lee, o The quiet family (1998), de Kim Ji-un, donde compartiría cartel por primera vez con Choi Min-Sik. A partir de ahí vendrían sus éxitos más sonados y por los que hoy por hoy es más conocido: Shiri (1999), de Je Gyu-Kang, donde ejercía de compañero del policía secreto protagonista; Joint Security Area (2000) y Simpaty for Mr. Ven-geance (2002), ámbas dirigidas por Park Chan-Wook, en las que se mete en la piel de un soldado de Corea del Norte en un puesto fronterizo con el Sur, y de un pa-dre atormentado por el secuestro de su hija, respectivamente; Me-mories of murder, de John Bong-Hoo, papel que le valió conseguir los premios más importantes de toda su trayectoria, y en donde daba vida a un policía simplón y

Orient Express

SONG KANG-HOPor Francisco Nieto



tozudo que investigaba una serie de asesinatos; y la actual y toda-vía no estrenada The host, donde repite actuación con el director de Memories... en la piel de un padre que, tras la desaparición de su hija a manos de un mons-truo, organizará una búsqueda con los miembros de su familia. Su prestigio en el panorama ci-nematográfico coreano ha subido como la espuma, y buena prueba de ello es el hecho de que es uno de los portavoces de la asociación de actores surcoreanos, lo que le ha llevado últimamente a tener sonoras disputas con directores como Kang Woo-Suk (Silmido), quien le acusa de tener un caché demasiado elevado para lo que ofrece en la pantalla.

Filmografía:

The day a pig fell into the well (1996): En la que fue su primera aparición en la gran pantalla tan sólo figuró como extra. El film, de bajo pre-supuesto, trataba las vidas de cin-co tipos urbanos muy reconocibles que eran testigos de un acciden-te bastante anormal. Tomando como modelo películas como Vi-

das cruzadas o Grand Canyon, el director, valiéndose de continuas elipsis narrativas, enlazaba temas que tenían como vínculo común la transgresión personal, como la violencia, el sexo sin intimidad o la explotación.

Green fish (1997): Su primer rol en el que consiguió un papel con diá-logo, interpretó a Pan-Su; su pre-sencia en el film también se pue-de tildar de anecdótica, aunque podemos decir que ya empezaba a tener buen ojo a la hora de ele-gir las películas en las que traba-jaba, ya que estamos ante uno de los films más hermosos y melan-cólicos que el cine coreano dio en la década de los 90. La trama era la de un soldado que volvía a su pueblo y se daba cuenta de que el tiempo transcurrido desde su marcha había hecho cambiar todo el entorno de como lo recordaba.Nº 3(1997): Seguramente este fue el trabajo que le lanzó al reco-nocimiento en su país. De ser un completo desconocido, fue reco-nocido con algunos premios loca-les al mejor actor. Song se puso en la piel de Jo-Pil, un gángster que entrenaba a un grupo de re-clutas. Su interpretación cómica resulta memorable, aunque tam-bién se recuerda esta película por ser la primera en la que coincidió con otro “grande” del cine corea-no, Choi Min-sik (Old boy).

Timeless bottomless bad movie (1998): Aquí atisbamos su presen-cia a cuentagotas, siendo su es-cena más destacada aquélla en la que en una esquina canta una canción religiosa mientras está aplaudiendo. El film trata de ma-nera documental la vida de los va-gabundos y borrachos que habitan en los barrios más pobres de Seúl. El director, mediante un ritmo de cinema verité con encuadres des-ordenados y distorsionados, re-trata las esperanzas quebradas de estas personas que acaban cayen-do en la droga, el crimen pequeño o el licor.

The quiet family (1998): Siguiendo en la estela cómica, Song inter-pretó a Yeong-Min, uno de los tres hijos de una familia que decide comprar una casa de campo en el bosque esperando hacer fortuna como turismo rural de la zona. Cuando los huéspedes comienzan a fallecer por diversas causas, deciden enterrar los cuerpos en

el bosque para así evitar la mala fama. Con una estructura muy similar a La felicidad de los Ka-takuris, de Takashi Miike, el film es una de las comedias negras más finas y cínicas que se hayan podido ver en la historia del cine coreano.

Shiri (1999): La película que le lan-zó al estrellato, y que marcó un antes y un después tanto para la cinematografía coreana como para su posterior carrera. En ella dio vida a Lee Jang-Gil, un agen-te secreto que actuaba de com-pañero del protagonista de la cinta, Ryu, quien investiga sobre una conspiración terrorista orga-nizada por activistas de Corea del Norte. La película, dirigida por Je Gyu-Kang (elegido hombre del año en Corea tras el estreno del film), contó con un presupuesto desorbitado, aunque desde luego

fue bien invertido, ya que proli-feran las secuencias de acción, tiroteos y explosiones, aunque siempre contrapunteado por el cuidado en el aspecto visual y en la estética en la que se encuadra el film.

The foul King (2000): Como si fue-ra un precedente de la reciente Super Nacho, Song también se calzó los calzones y la máscara de lucha libre para interpretar a Dae-ho, un mísero empleado de oficina improductivo y que es fre-cuentemente humillado por sus



superiores que un día se inscribe en un club local de lucha libre, lo que desencadena en una nueva vocación que le permite solucio-nar todos sus problemas existen-ciales. Song demuestra una in-dependencia absoluta y una gran coherencia a la hora de elegir sus proyectos. Lejos de sentirse des-lumbrado por el éxito anterior se embarca en un film de bajísi-mo presupuesto (sólo la comida que se ofreció a los productores valió más que la propia película) para actuar por amistad hacia el director, Kim Jee-Won (con quien ya había trabajado en The quiet family). Este film, que jugaba de una manera burlesca con el tema de la soledad y la explotación de los trabajadores, supuso la prime-ra ocasión en la que coincidió con Shin Ha-Kyun, con quien volvería a trabajar en JSA y Simpathy for Mr Vengeance.

Joint Security Area (2000): Su pri-

mera película bajó las órdenes de Park Chan-Wook y una auténtica obra maestra, se mire desde don-de se mire. Song bordó el papel del sargento de Corea del Norte Oh Kyeong-Pil, lo que le sirvió para afianzar la fama que ya ha-bía sembrado antes atrás (la es-cena en la que escupe una cho-colatina ofrecida por un soldado del otro bando es simplemente magistral). Este thriller político sin duda ganó enteros gracias a su interpretación y a la prestación de los demás miembros del elen-co. Park supo insuflar un huma-nismo desgarrador a una historia que nos venía a explicar la injus-ticia que impera en las políticas severas, para poder así mostrar las inconsistencias de un sistema a través de mensajes muy claros.

Simpathy for Mr Vengeance (2002): Song comienza a encadenar un éxito tras otro. Aquí vuelve a tra-bajar a las órdenes de Park Chan-

Wook en una historia de violencia y de venganza. Interpreta a Park Dong-Yin, el dueño de una fábrica que despide a uno de sus emplea-dos y también un padre roto por el dolor cuando ve que su hija, des-pués de ser secuestrada por ese mismo trabajador desesperado. muere debido a la negligencia de sus captor. El rostro de Song refle-ja perfectamente los matices de una angustia que se va acentuan-do progresivamente, consiguiendo la que yo creo (junto a Memories of murder) la que es su mejor ac-tuación, y si no sólo hay que verle en la escena en la que acude a la autopsia de su hija (momento que queda marcado para siempre en la retina del espectador). A través de sus ojos inyectados en sangre podemos apreciar una sociedad, la coreana, que va a la deriva. Po-dría haber sido una mera crítica social, pero los dos protagonistas, a los que la cámara respeta y dis-fruta con sus impulsos, elevan el

Imagen de Joint Security Area, Park Chan-Wook (2000)



film a algo más importante. Ymca Baseball (2002): Song vuelve de nuevo a la comedia, en este caso comedia deportiva, inter-pretando a Ho-Chang, un joven coreano en tiempos de la invasión de Japón que se aficiona al jue-go del baseball, formando junto a otros compañeros el que sería el primer equipo profesional de baseball en Corea. Se nota que este fue un proyecto relajado, aunque todo el peso de la función recae en él. La película se salva gracias a su actuación, ya que es un mero y simple divertimento con un buen arranque, pero que paulatinamente va languidecien-do (precisamente cuando la his-toria parece olvidarse de Song y se centra más en los avatares de sus compañeros). De todas formas Ymca tiene buenos momentos y sigue siendo una película bien hecha, pero está lejos de ser la

mejor comedia de Song.

Memories of murder (2003): Si ya con JSA se le conoció en distintos festivales, fue en esta película de John Boon-Ho donde nuestro hom-bre alcanzó el reconocimiento internacional. Premiada en mul-titud de festivales, Song alcanza la perfección interpretativa. La historia, inspirada en hechos rea-les ocurridos en una población rural entre 1986 y 1991, trata la investigación por parte de dos po-licías de antagónicos recursos, de un serial-killer, quien mató a diez mujeres en un radio de diez kiló-metros.

Song da vida al detective Park Doo-Man, un auténtico bruto que al estilo de Harry el sucio no ceja en su empeño de tratar a patadas a cualquier sospechoso. Nuestro actor utiliza una variedad de re-cursos actorales realmente ejem-

plar, pasando de la caricatura bufa al drama más inhumano con una facilidad pasmosa. Realmen-te merecidos todos los premios que atesoró.

The president´s barber (2004): Qui-zás su film menos conocido de tos los interpretados en el últi-mo lustro, interpreta a una per-sona modesta que por casualidad acaba siendo el barbero del dic-tador. La trama, como se puede presuponer, tiene un marcado ca-rácter político e histórico, donde también se abordan las relaciones padre-hijo y entre dictador y su-bordinado.

Antartic Journal (2005): Película que se alzó con el premio Orient Express en el pasado Festival de Sitges, sin lugar a dudas es la que más le costó rodar, ya que el equi-po del film se desplazó nada me-nos que a los escenarios gélidos

Imagen de Memories of murder, John Boon-Ho (2003)



de Nueva Zelanda para explicar-nos la historia de una expedición que intenta alcanzar la Antártida. Choi Do-Hiung es el personaje in-terpretado por Song, una especie de capitán Ahab de Moby Dick, obsesionado con alcanzar la cima y dejar atrás su pasado, sin im-portarle lo que le suceda a él y a los suyos. El film fue un peque-ño fracaso dentro de su carrera, ya que se desperdició gran parte del presupuesto en los exterio-res, descuidando sobremanera el guión.

Simpathy for lady Vengeance (2005): realiza un pequeño cameo como policia herido.

The host (2006): Un film con ele-mentos de comedia, terror y dra-ma que se ha considerado como un clásico contemporáneo. Una auténtica obra maestra con un Song Kang-ho estelar en el rol de un padre que debe recuperar a toda costa a su hija, secuestrada nada más y nada menos que por un monstruo marino.

The show must go on (2007): Film

que le supuso ganar el premio al major actor en los 28º Blue Dra-gon Film Awards, y en el que da vida a un gangster que sueña con mudarse a una zona donde su fa-milia sea más feliz, aunque sus rivales, contando entre ellos tam-bién a su mujer y su hija, no se lo permitirán.

Secret sunshine (2007): Película con la que Jeon Do-yun, compañera de reparto de Ho, consiguió alzar-se con el Premio a mejor actriz en el prestigioso Festival de Cannes. Aquí nuestro protagonista se pone en la piel de Jong-Chan, un me-cánico que se enamorará de una mujer perseguida por el infortu-nio.

The good, the bad and the weird (2008): La adaptación al cine co-reano del clásico de Sergio Leone El bueno, el feo y el malo nos en-señó a un Song Kang-ho penden-ciero y divertido junto a otros dos grandes del cine coreano actual: Lee Byung-hun y Jung Woo-sung. Un film que es pura adrenalina y que a pesar de durar más de dos horas se pasa como un suspiro.

Thirst (2009): de nuevo Park Chan-wook se cruza en su camino para ofrecerle un papel antológi-co como un sacerdote que nece-sita beber la sangre de sus coé-tanos para sobrevivir. Una mezcla explosiva de terror y comedia que ganó merecidos premios en Can-nes y Sitges.

The secret reunion (2010): otra de espías con la guerra entre las dos Coreas como telón de fondo.

Próximos proyectos: Hindsight, la historia de un jefe mafioso reti-rado que se enfrenta a una mis-teriosa mujer llamada Se-Bin; Howling, donde interpreta a un veterano policía quien, ayudado por una compañera más joven, deberá investigar una serie de asesinatos en serie; Snow Piercer, el último trabajo de Bong Joon-ho, quien ya le dirigió en The Host, es una adaptación a la gran pantalla del cómic Le Transperce-neige, de Jacques Lob.

Imagen de The Host, Joon-ho Bong (2006).



116 │ Cinemascomics │ Septiembre 2011 www.cinemascomics.com

Cine de los 90

Por Sergio Reina


Estupenda película de ciencia ficción, dirigida por el ex-Monty Phyton, Terry Gilliam. Un direc-tor de esos que podemos llamar raros, pero cuyo su cine, desde luego, no deja a nadie indiferen-te, ya desde sus inicios, dirigien-do magníficas películas de humor para lucimiento de los Monty Phyton, hasta que se puso a diri-gir en solitario y dio rienda suelta a toda su imaginación, ensoñacio-nes y amor por la ciencia ficción.

Esta película de la que hablamos hoy es la primera en la que en su etapa ya sin los Monty Phyton, no escribió el guión. Un guión que se empeñó mucho en dirigir y que tras el éxito comercial de su úl-tima película (El rey pescador , 1991), le permitió tener el control total sobre la filmación y el mon-taje, a pesar de ser una película de estudio. Y esto es algo que hay que reconocer a este director. Nunca se ha vendido, y ha hecho las películas que el ha querido ha-cer, y por supuesto, con su par-ticular visión. Algo desde luego

para alabar, y para cuestionarnos por qué no tenemos más películas dirigidas por él y tengamos que esperar tanto entre una y otra.

El film es la adaptación del cor-to francés La Jetée, una joya del cine francés del año 1962, que tras pasar por la manos del productor Robert Kosberg, fue a recaer a los estudios Universal Pictures, los cuales ponen a los hermanos Peoples (David fue el guionista de Blade Runner), a trabajar. Tras el pasado cinematográfico de Terry, con películas de viajes en el tiem-po, con mundos paralelos entre la locura, la imaginación y la reali-dad, el guión llega a sus manos. Y en lugar de poner de protago-nistas a los que los estudios te-nían preparados, Nick Nolte y Jeff Bridges, Terry lleva a la película a Bruce Willis, y a un todavía poco conocido Brad Pitt.

Willis es James Cole, un presidia-rio en un futuro cercano donde la Humanidad ha llegado casi a su extinción por culpa de un virus

liberado intencionadamente, y donde la poca población que que-da debe vivir bajo tierra, por lo que la naturaleza, la salvaje natu-raleza, ha vuelto a adueñarse del mundo. Y es ahí donde entran en juego los “voluntarios”, que son presidiarios, destinados a peligro-sas misiones al mundo exterior, e incluso a viajes en el tiempo para lograr una cura para el fatídico vi-rus. Cole (Willis), es uno de esos elegidos, trasladado en un primer viaje hasta 1990, unos seis años antes de que todo empezara, es decir de que el mundo empeza-ra a acabarse para la raza huma-na. Lo único que le han dicho a Cole es que tiene que localizar a el Ejército de los Doce Monos, un grupo que al parecer fue el res-ponsable de extender el virus, para poder localizar el virus en su estado puro y desarrollar una cura. En 1990, Cole es tomado por loco y encerrado en un manico-mio, donde la psiquiatra Kathryn Railly (Madeleine Stowe), lo cono-ce y, a pesar de no creerle ni una palabra, quiere ayudarle. En su



internamiento conoce a Jeffrey Goines (Brad Pitt), un loco, des-cendiente de un famoso científico creador de virus y bacterias, y que tras unas cuantas conversaciones de locura, se queda con la idea de asolar el mundo por medio de una bacteria. Cole intenta esca-par con la ayuda de Goines (Pitt), y en su fracaso, es devuelto a su presente, donde tras comunicar el fracaso de la misión al haber-se equivocado de año, le enseñan fotos del Ejército de los Doce Mo-nos donde aparece Goines como su claro cabecilla. Cole empieza a creer que puede ser el culpable de la extinción de la Humanidad, en lugar de su salvador al haberle dado la idea a Goines. De nuevo es mandado a 1996, esta vez con éxito, pero con la cabeza hecha un lío, sin saber si lo que está pa-sando es real o un producto de su mente.

El trabajos de los actores prota-gonistas, junto con la ambienta-ción de la película, son los puntos fuertes de este film, donde para

algunos espectadores puede re-sultar algo caótico seguir el hilo del argumento. Aunque bajo mi punto de vista, esto último tam-bién juega a favor de la película.Con todo esto, la película supuso un éxito comercial, gracias tam-bién a lo ajustado del presupues-to de Terry Gilliam, que con ape-nas 30 millones de dólares, contó con dos estrellas en su cast, y fue capaz de hacer una película de ciencia ficción con viajes en el tiempo, algo impensable hoy en día, a no ser que nos recluyamos en el cine de autor.

Como he dicho, el trabajo de los actores, es de sobresaliente. Bru-ce Willis logró una de sus mejo-res interpretaciones, encarnando a James Cole, a medias entre la locura y el más real pragmatis-mo. Gracias a este trabajo, Brad Pitt consiguió su primera nomi-nación a los Oscars. Un trabajo que le llevo a prepararse a con-ciencia, pasando varias semanas en un psiquiátrico acompañando y estudiando a los enfermos allí

internados. Sin duda, su trabajo es muy convincente, al igual que cuando ha hecho algo parecido en películas posteriores (Snatch, cerdos y diamantes, Quemar des-pués de leer). Y Madeleine Stowe también está perfecta en su pa-pel, y no solo por su miope belle-za, sino por lo bien que hace muy de víctima.

En definitiva, una joya que me-rece rescatar de vez en cuando, a pesar de que tienes que tardar algo de tiempo en verla, pues sus continuas sorpresas quedan des-veladas a lo largo del film y pierde fuerza en sus posteriores visiona-dos.

Una película convertida en obra de culto, que a mí me encanta, aunque reconozco que puede re-sultar algo tediosa y caótica para ciertos espectadores.



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Especial series

ESTO ES INEXPLICABLEFRINGE, ABRAMS Y LA CIENCIA-FICCIÓN EN PEQUEÑO FORMATO

Por Javier Calvo

Fringe es extraña. No tiene explicación lógica o aparen-te, y esa es su gran apuesta. Una amalgama de tópicos fantásticos que renuevan la ciencia-ficción televisiva, para deleite de miles de fans. El típico ejemplo de en-cadenación de enigmas sobre los cuales es difícil hablar sin desvelar nada crucial. Sin embargo, más allá de su capacidad mediática, Fringe es, sobre todo, una nueva serie de J.J. Abrams. Y eso es mucho decir.


El propio título lo dice. “Fringe” –que en inglés, además de la acep-ción ‘flequillo’, tiene también la de ‘margen’ o ‘borde’- es lo peri-férico, lo que se sale de la norma. Los márgenes de la ciencia común y el positivismo: aquello que no puede ser explicado con términos acotados a la lógica y que, en de-finitiva, es a lo que se dedican los tres protagonistas.

J.J. Abrams sigue empeñado en demostrar que este es un mundo extraño, como diría Elijah Snow. El creador de Perdidos no tiene ningún respeto por las leyes na-turales, para deleite de los fans de la ciencia-ficción. En Fringe, su proyecto ideado a medias con los guionistas Alex Kurtzman y Roberto Orci, desafía de nuevo a la razón con la historia de Olivia Dunham (Anna Torv), una agente del FBI que debe enfrentarse a una multitud de insólitos sucesos que se adentran en los pantano-sos terrenos de lo paranormal.

Estos extraños fenómenos que sur-

gen a lo largo de todo el planeta podrían tener un vínculo común. Para esclarecer sus investigacio-nes, Dunham solicita la ayuda de un notable científico, Walter Bis-hop (John Noble). El problema es que esta prodigiosa mente lleva años encerrada en un centro psi-quiátrico, por lo que la federal necesita también la ayuda de un pariente que pueda interceder ante la institución. Ahí es donde entra en juego el hijo de Bishop, Peter (Joshua Jackson, estrella catódica gracias a su papel en Dawson crece), un cerebrito con tanta habilidad para desaparecer del mapa como para ignorar du-rante siglos a su padre enfermo.

Construidos bajo un equilibrio de fuerzas que pivota entre la genia-lidad de la locura (ese científico a lo mad doctor encarnado por Bishop padre) y las fuerzas de la lógica gubernamental (la joven-zana federal), Abrams utiliza a su tríada protagonista para guiar al telespectador a través de una enrevesada trama que es mejor

descubrir por uno mismo, ya que los hilos que entrelazan las dife-rentes partes ocultas de la histo-ria son frágiles y susceptibles de convertirse en spoiler.

Abrams, la esperanza

Fringe ha contribuido a hacer de J.J. Abrams uno de los padres de la actual revolución dramática que acapara la televisión. Si con Perdidos renovó el concepto de serie de culto, esta nueva apues-ta por lo paranormal ha consoli-dado un creciente grupo de adep-tos que ven en este neoyorquino al nuevo Lovecraft, pero mucho más cargado de adrenalina. En este sentido, el lanzamiento de Fringe (que vuelve a estar bajo el amparo económico de la Fox) tuvo una sobresaliente acogida de público en los EEUU, allá por el 2008. Las sucesivas temporadas, sin embargo, han ido decayendo en éxito de audiencias, proceso que, en realidad, parece más una consecuencia del exceso de ofer-ta televisiva y de cuestiones de



parrilla que de su desarrollo in-terno. Aun así, las críticas inicia-les resultaron positivas, y muchos autores destacaron su capacidad para convertir al espectador en un adicto ávido de novedades, gracias al buen uso del enigma. La estructura narrativa, frente al continuismo perpetuo de Per-didos, apuesta por desarrollar un misterio nuevo en cada capítulo, aunque existen argumentos de fondo que mantienen una subtra-ma común y, en definitiva, todo apunta a que los sucesos, por muy aislados e independientes que se manifiesten, parecen estar vin-culados de algún modo. De este modo, se abre la posibilidad de engancharse a la serie en cual-quier momento de su desarrollo. Por el momento, Fringe encara su cuarta temporada. Tanto Kurtz-man como Orci habían trabajado con Abrams en Star Trek, la pues-ta a punto de la vieja franquicia en su versión fílmica. Si el buen oficio demostrado en la película se puede prolongar, o si el meca-nismo dramático de Fringe está presto a agotarse, es algo que se verá con el tiempo.

Influencias y otros misterios

De momento, parece innegable que Abrams y los suyos han explo-rado un buen número de fuentes a la hora de crear esta serie. Evi-dentemente, si hablamos de dra-mas de ciencia-ficción y misterio para una generación contempo-ránea, el referente inmediato es Expediente X (Chris Carter, 1993-2002). Federales contra extrate-rrestres, conspiraciones e infec-ciones extrañas, y una mujer al frente del reparto, asentando el rol protagonista en papeles no-románticos (un camino que, por cierto, el propio Abrams ha ayu-dado a pavimentar con Alias). Pero allí donde Expediente X apostaba por la sobriedad y un tono pausado, Fringe carga las pi-las con un desarrollo más dinámi-

co. Al igual que hicieran con Star Trek, los guionistas de la serie han acelerado visualmente los lugares comunes de la ciencia-ficción, convirtiendo casi en un lúdico es-pectáculo la reflexión sobre los límites del mundo natural de la serie de Carter.

Los creadores citan también a la mítica The Twilight Zone como in-fluencia destacada. Emitida entre los 50 y los 60, este clásico televi-sivo de lo fantástico recopiló du-rante sus cinco temporadas todo un catálogo de temas futuristas, pseudocientíficos y paranormales explotados luego en otras ficcio-nes tanto en pequeña como en gran pantalla.

Existe, sin embargo, un produc-

to fuera del medio televisivo con el que Fringe guarda numerosos puntos en común, y al que nos hemos referido al comienzo de este artículo citando a uno de sus protagonistas: Planetary, una de las obras magnas de Warren Ellis y John Cassaday y, en conjunto, uno de los mejores cómics de los últimos 10 años.

Publicado en origen por DC Co-mics desde el año 98 hasta el 2009, Planetary narra la historia del enigmático Elijah Snow, un individuo con la capacidad de manipular el frío, y su equipo de “arqueólogos de lo imposible” (personas dotadas de ciertas ha-bilidades que trabajan para la empresa que da nombre a la obra y que se ocupa de estudiar los


fenómenos ocultos que subyacen tras el desarrollo normal del mun-do). Si lo cierto es que Abrams no parece haberse pronunciado al respecto de una posible lectura y análisis de la obra, es curioso cómo ambas traman guardan más de un vínculo común, y así ha sido destacado por algunos fans.

Para empezar, ambos tienen a una tríada protagonista de dos hom-bres y una mujer –en las cuales es ella, sobre todo, el principal eje del componente acción- que de-sarrollan lazos casi filiales entre sí. Pero además, son los propios personajes principales los que guardan en su pasado algunos de los secretos más jugosos de la trama, y en los dos casos existen, igualmente, ciertas pérdidas de memoria de carácter (por así de-cirlo) estratégico.

No hay que olvidar tampoco que sus temáticas van dirigidas ha-cia el esclarecimiento de sucesos inexplicables en los que parecen entrar en juego personajes con

habilidades fuera de lo común. Y algunos de esos temas son seme-jantes en una y otra obra, como las conspiraciones o la posibilidad de la existencia de más de un uni-verso. Por último, el interés por la investigación de sucesos para-normales no deja de tener ciertas implicaciones personales para los protagonistas. ¿Casualidad? Este es un mundo extraño, así que quién sabe.

Sea como sea, la lista de influen-cias para Fringe queda abierta a otras fuentes y, en definitiva, no hay que olvidar que la serie se nutre de una cierta revalida-ción de los temas fantásticos en televisión, a raíz de otras series como Héroes, Sobrenatural o la propia Perdidos, y de ficciones sobre investigaciones rebuscadas con cierto halo de sorpresa final, como CSI en sus diferentes edicio-nes o Bones.

Más allá de la pantalla

Si algo tiene bien aprendido

Abrams de su labor como produc-tor es que una serie rentable se caracteriza por crear un universo propio completo y autorreferen-te, en el que los espectadores sean capaces de sumergirse to-talmente. Para ello, nada mejor que crear ciertos juegos o guiños que traspasen la propia pantalla y permitan a los televidentes inte-ractuar por su cuenta con la pro-pia trama.

Ya en Perdidos la relación con el usuario/fan llegaba a una expan-sión total por los dominios de In-ternet; los seguidores de la serie se encontraban tan inmersos en su realidad mediática que gene-raron todo un cúmulo de informa-ciones y mensajes complementa-rios destinados llenar los huecos de las tramas, sus posibilidades pretéritas y su desarrollo poten-cial. La Lostpedia, una auténtica obra de consulta para el fan, se encontraba a la cabeza de ese mundo construido, por fin, a me-dias entre los propios productores y los espectadores del programa.



Un buen método para conseguir la implicación del telespectador es lanzar algunos enigmas de for-ma más o menos casual no sólo en la propia emisión de la serie sino también en sus anuncios y promo-ciones. Estos misterios, que no quedarían resueltos directamente en la trama, servirían para que la curiosidad del seguidor se viera azuzada y tomara la iniciativa en esta participación activa. En Frin-ge, Abrams ha tratado este asunto gracias a los llamados ‘glifos’.

Estos extraños símbolos toman el relevo de la famosa secuencia numérica de Perdidos. Formados por simples imágenes de ciertos objetos (una hoja, una mariposa, una manzana abierta con una cu-riosa semilla en su interior) que estuvieran fotografiados median-te una máquina de rayos X, los gli-fos aparecen de forma continuada a lo largo de la serie, incluso en sus títulos de apertura. Con ellos, Abrams ha creado un supuesto lenguaje autónomo que ha picado el interés de los fans por su des-

ciframiento. La táctica ha fun-cionado, puesto que en Internet pueden contemplarse ya multitud de artículos relativos a sus signi-ficados, e incluso se permite la posibilidad de escribir el nombre de uno con esos enigmáticos ca-racteres.

Otro de los recursos que Fringe ha utilizado para expandirse en la cultura popular viene ya avalado por muchas otras series, y se está convirtiendo en un camino común para todos aquellos programas cuyas tramas son susceptibles de ser transformadas en un tebeo: la publicación de cómics que am-plían y desarrollan las subtramas que no se ven en pantalla. Desde el propio comienzo de la serie, Wildstorm comenzó a editar una serie de ejemplares homóni-mos que actúan como precuela de la historia vista en televisión. El éxito de los cómics ha sido nota-ble, hasta el punto de que el mis-mo Joshua Jackson ha intervenido en el guión de una nueva ola de tebeos que desarrollan más líneas

narrativas y explican las transi-ciones entre las temporadas más recientes.

Con ganas de encontrar su arraigo en la mente colmena de los freaks de la ciencia-ficción, Fringe alter-na las tácticas de marketing con una historia cargada de misterios y enigmas dispuestos a cautivar al espectador. Quizá la tele no sea el medio óptimo en el que veamos terminar esta historia; existen, tal vez, universos –narrativos- pa-ralelos a donde puedan trasladar-se sus personajes. O quizá ambos mundos convivan a la vez. Mien-tras la imaginación sea libre, ha-brá guionistas capaz de mantener lo inexplicable vivo para siempre. Algunos, incluso, crearán escuela.



LAS SERIES QUE NOS LLEGAN…

Por Christian Arza

Después del verano llega de nue-vo el frío y la rutina a nuestros pequeños hogares. Con el periodo estival más que acabado en cuan-to a vacaciones, pero todavía dis-frutando de los últimos rayos de sol veraniegos, nos llegan poco a poco las nuevas temporadas de nuestras series preferidas junto con los nuevos estrenos de las principales cadenas de televisión estadounidenses y españolas. Sin duda, todo un abanico de posibi-lidades para los espectadores que cada vez demandamos y consu-mimos más y más series sin tener que esperar a su difusión en una cadena pública.

Quizá el número de producciones que se estrenan sea menor que las que vuelven una temporada más, pero eso no les resta ni un ápice de interés y más ahora que las series se cuidan mucho más en cuanto a estética, reparto, ori-ginalidad y difusión, a veces sin escatimar gastos, para darles aún más impacto. Puede que estemos ante el resurgimiento de una nue-va era en la que las cadenas de televisión invierten bastante más capital en sus productos estrellas, las series, incluso por delante de las producciones cinematográfi-cas.

Y es que este 2011 nos viene car-gadito. Vuelve con su segunda temporada una de las series reve-lación del pasado año, “The Wal-king Dead” (AMC), que ha estre-nado su segunda temporada para deleite de los fans de los zombis. Con un arranque espectacular, este año nos promete más acción, más zombis y la oportunidad de conocer en profundidad a los personajes que conocimos en la temporada pasada. Una serie que congrega a millones de seguidores en todo el mundo y que ya ha re-novado por otro año más.


Y seguimos con el género sobrena-tural, porque no sólo de muertos vivientes vive la televisión. “Su-pernatural” (CW) o Sobrenatural aquí en España, es otra serie que vuelve a la carga este año. En un principio, se suponía que finaliza-ba este año junto con otra gran serie que veía su fin en ese mis-mo periodo, “Smallville”, pero la cadena CW consideró que perder a sus dos grandes bazas a la vez era algo que no se podían permi-tir. Así que nos dejó con una grata sorpresa cuando finalizó el episo-dio y descubrimos que ¡CUIDADO SPOILER! Castiel es el nuevo Dios y ahora tiene todas las almas bajo su poder mientras Sam empieza a tener visiones sobre el infierno y Dean es incapaz de remediar que su hermano se esté hundiendo y que ha perdido a su amigo Cas-tiel. FIN SPOILER. Con esta nueva premisa arranca la que ya es la séptima temporada en espera de que haya alguna más, o al menos eso es lo que han dejado entrever sus productores.

No puedo olvidarme del género vampiro-lobo-bruja, todo mezcla-do en este tipo de producciones con la tremenda, sexy e inquie-tante “True blood” (HBO) prota-gonizada por la estupenda Anna Paquin. Este año, el tema de las brujas será el principal, corres-pondiente a la cuarta novela pu-blicada, que intenta seguir con rigor. Recordemos que esta serie aparte de los vampiros ya incorpo-ró los hombres lobo en su segun-da temporada y ahora las brujas a su historia. Otro argumento que explota “Crónicas Vampíricas” (CW), que vuelve una vez más con su tercera temporada explotando el filón del trío amoroso Damon-Elena-Stefan, en donde los dos hermanos vampiros luchan por el amor de la humana. Una serie, en contrapartida de la anteriormen-te mencionada, con un look más juvenil y más “teen”, enfocada a los jóvenes que son los que ma-yoritariamente ven la CW. Esta temporada ¡CUIDADO SPOILER!

Stefan se marcha con Klaus, que es el primer híbrido entre vam-piro y hombre lobo, para salvar a su hermano Damon y a Elena. Algo empieza entre ellos dos a surgir mientras intentan encon-trar a Stefan, convertido ahora en un asesino. FIN SPOILER. Veremos qué tal le sienta la fórmula a una producción que tendrá que hacer-se cada vez más adulta.

El productor de la serie Kevin Williamson, creador de la se-rie adolescente “Dawson Crece” y la saga de terror “Scream” es también co-autor de otra produc-ción que seguirá los pasos de las Crónicas. En “The secret Circle”

(CW), en su primera temporada, una chica que aún no sabe que es especial llegará a un pueblo en el que habrá una reunión de brujas de la que ella entrará a formar parte, pues posee poderes que no había descubierto. De nuevo, un grupo de guapos y guapas pa-seándose en un producto creado para atraer a las masas de ado-lescentes que se sientan frente al televisor. Le daremos una oportu-nidad para ver hacia dónde desa-rrollan todo esto.

Revisionaremos también los clá-sicos cuentos de nuestra infan-cia con dos estrenos que seguro que tendrán más de una sorpresa.


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La primera, “Once upon a time” (ABC) o cómo Blancanieves so-brevive a la maldición de la bru-ja y es enviada a un mundo cruel y despiadado: el nuestro. Aquí, una mujer, la guapísima Jennifer Morrison (House) recibirá la visi-ta inesperada de su hijo, al que dio en adopción, instándola a que vuelva a su pueblo para salvar a sus habitantes de la maldición que les apresa. Tendrá que lidiar con todos los personajes salidos de los cuentos, ahora desmemo-riados pero que poco a poco irán recordando su otra vida. Un pun-to de partida interesante, que puede dar bastante jugo si saben aprovecharlo bien. Por otro lado, la producción “Grimm” (NBC), seguirá los pasos de un policía intentando averiguar y resolver por qué se escapan a la realidad todos los personajes creados por los hermanos del titulo. La prime-ra me parece una estupenda idea

de renovar los clásicos cuentos de hadas para hacerlos mas rea-les, además de tener a estrellas de la talla de Morrison, o Robert Carlyle entre sus filas, lo cual le da más empaque a la serie. Por el contrario, creo que han des-cuidado un poco “Grimm”, quizá debido a la gran puesta en escena que es el episodio piloto de “Once upon a time” y que difícilmente podrán copiar en el otro produc-to. De todas formas, nadie duda de la capacidad de la NBC para sacar adelante sus productos de una forma sobresaliente.

“Fringe” (FOX), otra de las series que siguen dando caña en la tele-visión, vuelve con su cuarta tem-porada. J.J.Abrams es sin duda uno de los hombres influyentes del momento. Recordemos que es el creador de la estupenda “Perdidos” y creador también de la que hablamos junto con los

guionistas Roberto Orci y Alex Kutzman, responsables de la saga Transformers, un hombre capaz de supervisar series como ésta sin perder un ápice de originalidad, tocando temas como la telequi-nesia, la teletransportación e in-cluso los multiuniversos. Es ade-más responsable de dos nuevas propuestas para la pequeña pan-talla como son “Alcatraz” (FOX), de próximo estreno, en el que recupera a Jorge García, el inol-vidable Hugo de “Perdidos” para contarnos la historia de la cárcel más famosa del mundo y cómo de ella se escapan unos cuantos cri-minales sin que nadie sepa a don-de han ido. Pronto descubren que después de unos años aparecen misteriosamente sin saber cómo. Una propuesta que combina con la producción de “Personas de In-terés” (FOX), en la que vuelve a contar con otro amigo de su peri-plo “Lostiano”, Michael Emerson,

Carteles promocionales de “Once upon a time”


conocido por todo el mundo por ser Benjamín Linus, y Jim Cavie-zel, protagonistas de este thriller en el que un ex agente de la CIA (supuestamente fiambre) y un mi-llonario con muchos recursos lu-charán contra una organización criminal mientras nos espían.

Los alienígenas también tienen su hueco en la parrilla televisiva con el estreno de “Falling Skies” (TNT), producida por el omnipre-sente (con permiso de Abrams) Steven Spielberg. En ella, una invasión alienígena mata a casi toda la población del planeta y solo unos pocos pueden sobre-vivir para iniciar la resistencia. Además, los niños son subyugados para trabajar con los alienígenas. Una de las propuestas más inte-resantes de este año, sin duda, y que trae de nuevo a la prime-ra línea a un genial actor como

es Noah Wyle, recordado por la serie “Urgencias”. Una estética cuidada, no sólo a nivel técnico sino humano en el que priman las relaciones entre nuestra especie y cómo nos enfrentamos a la in-vasión. Me recuerda en muchos puntos a “The Walking Dead” por su tratamiento de personajes y situaciones dejando en un segun-do plano el tema fantástico, que lo que hace es complementar la situación. Acabada ya la primera temporada ¡CUIDADO SPOILER! en la que Tom Mason (Wyle) inicia una resistencia que no esperaban los alienígenas, por lo que le ins-tan a que les acompañe a la nave nodriza para estudiarle y conocer más a los humanos. FIN SPOILER. Ya ha renovado por una segunda temporada, actualmente en fase de rodaje, que el año que viene podremos disfrutar por aquí.

Otra propuesta interesante es la largamente retrasada “Terra Nova”, producida nuevamente por Spielberg en donde un gru-po de personas, visto el fin de la vida en la tierra por la superpo-blación y la escasez de oxigeno, viajan a través de una grieta es-pacio temporal al Cretácico, una época de dinosaurios y criaturas prehistoricas a las que tendrán que enfrentarse. Una serie que ha sido galardonada con el premio “Most Exciting New Series” en los Critics’ Choice Television Awards, concedidos por críticos y periodis-tas que han visto los pilotos de se-ries. Sin duda, a Steven se le acu-mula el trabajo y combina sus dos pasiones como son los alienígenas (aún tengo en el recuerdo la úl-tima película de Indiana Jones) y los dinosaurios (no en vano fue el creador de “Parque Jurásico”).

Los protagonistas de “Terra Nova”



Cambiamos de tercio con dos se-ries que renuevan por otro año más y que disfrutaremos en bre-ve, o al menos eso esperamos. “Spartacus” (STARZ) renovación del clásico que llega con su segun-da temporada tras el parón reali-zado debido al cáncer que tenía su protagonista, Andy Whitfield, y que no puedo superar acabando con su vida el pasado 11 de sep-tiembre. Un hombre que hizo un gran trabajo, todo sea dicho, y al que el personaje difícilmente va a abandonar durante mucho tiem-po. Ahora, el gladiador enfrenta-do a Roma será interpretado por su compatriota Liam Mcintyre. ¡CUIDADO SPOILER! Recordamos que Espartaco inicia una revuelta en el último episodio matando a Batiato, su dueño, e iniciando la revolución que les llevará a Roma. FIN SPOILER. Y por supuesto, no podemos olvidarnos de “Juego de Tronos” (HBO), estupenda recrea-ción de los libros de George R. R. Martin que tan fantásticamente ha llevado a la pantalla la cade-na HBO con un gran reparto en-cabezado por Sean Bean y Lena Headey, en donde cada episodio

es un deleite para fans y novatos en este mundo de espadas y tro-nos. Actualmente desarrollando la segunda temporada, acabó con unos índices de audiencia muy elevados, renovándola casi al mo-mento de estrenarse, y es que los libros son de los más vendidos ac-tualmente aunque son compues-tos por varias entregas. La inten-ción es intentar seguir siendo fiel a la fuente literaria sin olvidar la innovación y las sorpresas. Lo que no cabe duda es que, “Winter is coming”, titulo del primer episo-dio y lema oficial de la casa de los protagonistas, los Stark, se está convirtiendo en un lema en sí mis-mo que que copian por doquier y repiten millones de personas. A mi parecer, oiremos hablar de esta producción durante bastante tiempo y veremos si Hollywood llega a escuchar estos cantos y produce una película. Tiempo al tiempo.

Quiero destacar también tres pro-ducciones un poco diferentes de lo que estamos acostumbrados. “The River” (ABC) es terror psi-cológico con cámara al hombro

siguiendo a un hijo que se aden-tra en el Amazonas en busca de su padre desaparecido. Firmado por el productor Oren Peli (Paranor-mal Activity) y dirigiendo el epi-sodio piloto nuestro director ca-talán Jaume Collet Serra, es una propuesta que tenemos que tener en cuenta y más después de ver el trailer que es absolutamente fantástico. No tengo que deciros que el tío Spielberg esta metido como productor ejecutivo, que no es mucho, pero ayuda seguro. Así que os invito a que lo visionéis. Y “American Horror Story” donde una familia encabezada por Dylan McDermot y Connie Britton, jun-to con sus hijos, se mudan a Los Ángeles después de una tragedia familiar y descubren que la casa donde viven está encantada, ha-ciendo frente a los secretos y ho-rrores que esconde el hogar don-de viven. Que dicho sea de paso, la casa es un personaje más, ya lo veréis.

Por último, y no menos importan-te, “Awake”, serie protagonizada por Jason Issacs (Harry Potter), en la que da vida a un policía que su-

Imagen de la segunda temporada de “Spartacus”



fre un accidente de coche con su familia. Al despertar le cuentan que su mujer ha fallecido y su hijo ha sobrevivido pero días después, se levanta una mañana viendo que es su hijo quien ha fallecido y su esposa la que ha sobrevivido. A partir de ahora tendrá que vivir compaginando ambas realidades. David Slade (30 días de oscuridad) es el que dirige el episodio pilo-to de esta serie que juega con el drama fantástico y que no convie-ne perder de vista.

No puedo olvidarme de las pro-ducciones españolas que última-mente parece que invierten más dinero y recursos para sacar ade-lante historias que sean diferen-tes o que por lo menos lleguen al público. Es el caso de “El Barco” (ANTENA 3) que actualmente emi-te su segunda temporada, en la que seguimos al Estrella Polar en su periplo naval de quedarse so-los en el mundo sin saber que ha ocurrido al resto de la población

mientras suceden hechos extra-ños a su alrededor, que a muchos les recuerdará a “El internado”, además de contar con actores es-pañoles de primera fila como Ma-rio Casas, Blanca Suárez, Belén Rueda o Juanjo Artero. O “Águila Roja” (TVE), ya en su cuarta tem-porada, en la que el justiciero pre-cursor de héroes sigue en su lucha contra el comisario con la inclu-sión de temas fantásticos como vampiros o el Santo Grial, y que ha visto su éxito trasladado a la gran pantalla con el estreno de su primera película. Otra serie que cuenta entre sus filas con grandes actores como Inma Cuesta, David Janer o Javier Gutiérrez.

Como todos sabemos, tenemos poco tiempo libre que dedicar a visionar estas grandes series que vienen o que ya se han instalado en nuestros hogares. Toca la peor parte: elegir. Algunas se queda-rán con nosotros algún año más y otras se irán quedando por el lar-

go camino en el que han aparcado definitivamente otras produccio-nes interesantes. Al final, todos estos productos viven gracias a nosotros, el público, que consu-mimos lo que nos interesa y cuan-do nos interesa. De ello depende la supervivencia de las series, no de sus actores o su historia (que nos influyen) porque al final, ad-mitámoslo, la última palabra no es “¡Corten!”, sino, renovación.

La última palabra es nuestra…

Imagen de “Awake”



Kristen Stewart (Crepúsculo) es Blancanieves en “Snow White and the Huntsman” de Rupert Sanders

Todo evoluciona. Tanto la literatu-ra como la cultura van cambiando con los tiempos, adaptándose a las distintas circunstancias, y de igual forma que con otros asun-tos, el cine y la televisión reflejan estos cambios.

Una de estas últimas manifesta-ciones nos está llegando en forma de vueltas de tuerca a los cuentos clásicos que casi todos hemos es-cuchado de niños, mostrándonos historias bastante más retorcidas de lo que recordamos y que curio-samente no se alejan demasiado de los consejos y objetivos que los autores originales se marcaron en sus obras. Y es que de todos (bue-no de casi todos) es conocido que la mayoría de cuentos infantiles (comúnmente llamados cuentos de hadas) tenía como objetivo asustar a los niños en una épo-ca donde los peligros acechaban dentro y fuera de las aldeas.

La mayoría de estos cuentos se atribuyen a los hermanos alema-nes Jacob y Wilhelm Grimm, dos autores que son considerados los fundadores de la filología alema-na, y que tras ver el potencial pú-blico infantil que tenían sus obras fueron suavizando edición tras

edición sus contenidos hasta lle-gar a las ideas que actualmente tenemos de sus historias.

Hasta hace poco la mayoría de sus historias fueron adaptadas por Disney u otras productoras enfo-cadas al público infantil, pero en un acto de regresión a los tene-brosos orígenes de dichas histo-rias, el cine y la televisión nos han ofrecido adaptaciones de di-chos relatos potenciando la parte terrorífica de ellos.

En el dossier que os traigo este mes analizaremos algunas de es-tas obras ya estrenadas hace algu-nos años, comentaremos algunas que se encuentran actualmente en emisión y os adelantaremos algunos datos sobre los proyectos que nos llegarán en breve.

1988 - EL CUENTACUENTOS (Jim Hemson)

Comenzamos con un clásico tele-visivo que nos llegó de la mano del amo y maestro de las marionetas Jim Hemson. La serie “El Cuen-tacuentos” comenzó a emitirse en la segunda mitad de la década de los 80, y aunque estaba destinada a todos los públicos respiraba una

ambientación lúgubre y tenebrosa que hacía que ciertos niños lo pa-saran incluso mal viéndola.

La serie duró solo una temporada, con un total de nueve episodios (Hemson hizo una segunda basada en historias de la mitología grie-ga), basados en historias típicas del folclore alemán narradas y presentadas por un cuentacuen-tos (John Hurt) que vivía acompa-ñado exclusivamente de su perro (que tenia la voz de Jim Hemson en la versión original) en un viejo castillo renacentista.

Tengo muy buenos recuerdos de la serie, y sin duda cualquiera que la haya visto recordará historias estupendas como “El Soldado y la Muerte”, un clásico lleno de pi-cardía y humor negro que marcó mi infancia.

1996 - LA VENGANZA DE PINOCHO (Kevin Tenney)

Concebida de forma descarada como un clónico de “Muñeco Dia-bólico”, esta cinta que utiliza el personaje que Carlo Collodi creó en 1881 nos presenta a un per-sonaje tan reconocido por los ni-ños (gracias al trabajo de Disney)

como una criatura diabólica que emprenderá una venganza contra aquellos que acabaron con la vida de su amo.

Ciertamente, es una cinta que vale muy poco, y fuera de la cu-riosidad que representa por con-vertir en malvado a un personaje como Pinocho, no aportaba mu-cho a un género que por aquellas fechas ya contaba con tres entre-gas protagonizadas por Chucky.

1997 - SNOW WHITE (La Verdadera historia de Blancanie-ves) Michael Cohn

Tercera y última película de este poco pródigo director en la que nos presentaba una terrorífica versión del clásico Blancanie-ves protagonizada por Sigourney Weaver (Avatar) y Sam Neil (Par-que Jurasico).

El film gira en torno a la malvada

madrastra del cuento, que en esta versión se nos muestra como una psicópata celosa e incluso más peligrosa de lo que conocíamos.

La cinta tenia momentos real-mente terroríficos, y fue una de las primeras (que yo sepa la pri-mera) interpretación terrorífica para cines de uno de los relatos de los hermanos Grimm.

2003 - RED RIDING HOOD (Giacomo Cimini)

Mucho antes que Catherine Hard-wicke (Crepúsculo) presentara su particular versión de Caperucita Roja, el italiano Giacomo Cimi-ni dirigió esta particular película del genero slasher (asesinos) que adoptaba ciertas características del popular cuento.

En esta historia la protagonista es una niña que tras el asesinato de su padre se convierte en una

sangrienta justiciera, asesinando a todos aquellos que hayan infrin-gido la ley.

La cinta no está distribuida de forma oficial en España, pero se puede encontrar en ciertos círcu-los donde este tipo de cine tiene una gran aceptación a pesar de su baja calidad

2005 - EL SECRETO DE LOS HERMANOS GRIMM (Terry Gilliam)

Dirigida por el prolífico Terry Gi-lliam, que lo mismo te dirige una cinta desternillante como “Los caballeros de la mesa cuadrada” o te presenta un clásico de la ciencia ficción como “12 Monos”, es esta una curiosa historia donde los autores de los míticos cuentos alemanes se veían envueltos en una trama donde muchos de los personajes que aparecen en sus historias participan en una ori-

Imagen de Matt Damon y Heath Ledger en “El secreto de los hermanos Grimm”. Terry Gilliam (2005).



ginal, divertida y a ratos inquie-tante aventura que estaba prota-gonizada por Heath Ledger, Matt Damon y Monica Bellucci.

En la pelicula, los hermanos Grimm más que ser unos cuentacuentos, viven del cuento, aterrorizando a las pequeñas aldeas con histo-rias y sucesos paranormales que están dispuestos a erradicar por un módico precio. Su negocio pa-rece estar en alza hasta que en un pueblo tomado por las tropas napoleónicas empiezan a ocurrir cosas realmente raras.

A lo largo de la cinta podemos ver siniestras versiones del Hombre de Jengibre, Hansel y Gretel, Ra-punzel, Caperucita Roja, el Lobo Feroz y la malvada Reina.

El film me resultó sumamente di-vertido, y aunque para disfrutarlo al máximo haya que estar familia-rizado con este tipo de historias, es una película 100% recomenda-ble.

2011 - CAPERUCITA ROJA (Catherine Hardwicke)

Damos otro nuevo salto en el tiem-po y llegamos hasta el presente año 2011 con otra extraña versión del cuento Caperucita Roja. Diri-gida por Catherine Hardwicke, la directora de la primera entrega de la Saga Crepúsculo, este film es un fallido intento por dotar de ambiente sobrenatural a un cuen-to tan sencillo como el que tenían entre manos.

En esta cinta, protagonizada por Amanda Seyfried y con actores de tanto renombre como Gary Oldman (Batman Begins), nos en-contramos con un pueblo domi-nado por una serie de ritos que pretenden apaciguar a un espíritu licántropo que vive en el bosque colindante. La historia mezcla ro-manticismo con fanáticos religio-sos y criaturas sobrenaturales en un cocktail que tenía ingredientes suficientes como para funcionar y que quedó en un mero intento de recrear el fenómeno Crepúscu-

lo pero con hombres lobo de por medio.

Nadie esperaba demasiado de ella, por lo que no resultó una gran decepción, aunque segura-mente haya quienes disfrutarán de la historia.

2011 - ONCE UPON A TIME (Érase una vez) - (Adam Horowitz y Edward Kitsis)

Esta serie de televisión recien-temente estrenada está dirigida por dos de los guionistas de Lost (Perdidos) y cuenta con Jennifer Morrison (House) como principal protagonista de esta historia que entremezcla el universo de los hermanos Grimm con nuestra rea-lidad.

La serie está siendo emitida por la ABC y ha tenido uno de los arran-ques más espectaculares de la temporada. Aún no se ha estrena-do en España y los aficionados al género fantástico ya se están fro-tando las manos mientras espe-

Amanda Seyfried fue Caperucita Roja en la versión de Catherine Hardwicke.



ran a verla. Junto a la televisiva Jennifer Morrison, hay que des-tacar el papel de Robert Carlyle (Full Monty, 28 semanas después), quien tiene un papel bastante im-portante en esta serie que com-pite con el producto de nuestra siguiente parada.

2011 - GRIMM (David Greenwalt y Jim Kouf)

Otra de las novedades más espe-radas de la temporada de otoño en televisión, y que en esta oca-sión nos muestra bajo la atenta mirada de los productores ejecu-tivos de Buffy y Angel un conjunto de historia policiacas en un pue-blo donde los personajes de los cuentos de los Hermanos Grimm toman vida en forma de ciudada-nos que tienen mucho que ocul-tar.

Al igual que la anterior serie, Grimm todavía no ha llegado a Es-paña, y lo poco que he podido ver me ha dejado con ganas de más. En los distintos trailers y clips he podido reconocer a trolls, brujas y lobos feroces pero sinceramente no puedo daros muchos más datos aparte del casting, que está en-cabezado por David Giuntoli (Turn The Beat Around), Rusell Hornsby

(Lincoln Heights), Silas Weir Mit-chell (Prison Break) y Sasha Roiz (Caprica).

2012 - MIRROR, MIRROR (Espejito, Espejito) (Tarsem Singh)

La primera de las dos películas de Blancanieves que nos llegarán el próximo año (esta llega en marzo y la segunda en junio) está dirigi-da por Tarsem Singh, un realiza-dor que este año nos ha presen-tado “Immortals” y que cuenta en su filmografía con títulos como “La Celda” y “The Fall”.

Esta adaptación del cuento de los hermanos Grimm (en IMDB aparecen como parte del equi-po de guionistas) comenzara con el asesinato del rey y padre de Blancanieves por parte de la mal-vada madrastra (Julia Roberts), y nos mostrara en clave de drama y aventuras cómo Blancanieves (Lily Collins) se aliará con los siete va-lientes enanos para recuperar un reino que ha sido devastado por la diabólica reina.

Aún no hemos visto suficiente ma-terial como para opinar del film, pero seguramente consiga atraer al público con una estética, que siguiendo la línea del director,

será muy innovadora.

2012 - BLANCANIEVES Y LA LE-YENDA DEL CAZADOR (Snow White and the Huntsman) (Rupert Sanders)

Un film del que acabamos de ver un espectacular trailer donde Kristen Stewart (Crepúsculo) y Chris Hemsworth (Thor) adopta-rán los papeles de Blancanieves y el Cazador para destituir a la malvada reina (Charlize Theron) de un trono que no le pertenece.Rupert Sanders es el director de esta cinta que supone su debut en el mercado cinematográfico tras dirigir multitud de anuncios tele-visivos con los que ha conseguido hacerse un buen nombre.

Al igual que “Mirror, Mirror”, esta cinta se estrenará en 2012 (en junio para ser exactos) y hasta entonces solo podemos decir que tiene un aspecto épico y prome-tedor.

Y por fin, y tras estos diez produc-tos de lo más diverso, podemos dar por terminado este dossier que seguramente se podría ver ampliado en breve con nuevas pe-lículas y series similares, entre las que esperemos que más pronto que tarde esté incluida la adap-tación del comic “Fabulas” de Bill Willingham, un producto muy original que estoy seguro sería un gran éxito en televisión mostrán-donos una visión de los personajes de cuentos y fabulas muy diferen-tes a todas las que hemos mencio-nado hasta el momento.

Mirror, Mirror de Tarsem Singh



http://moratha.blogspot.com

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Cinemascomics: La revista nº 10