FIGURINO PARA A PEÇA TEATRAL “A MAIS FORTE”

Outfits for the Theatrical Play “The Stronger”

Bruna Perin Pellizzaro1 Olinda Terezinha Fernandes Schauffert 2

Resumo

O artigo consiste na elaboração de um figurino para a peça teatral chamada “A Mais Forte”, com elementos visuais ligados a obra e a vida do autor da peça August Strindberg. Na elaboração dos figurinos foram usados signos retirados de estudos feitos sobre o século XIX, sobre revoluções de cunho social e industrial exteriorizados a partir da obra de Strindberg.

Palavras Chave: figurino; August Strindberg; século XIX e mudança.

Abstract

This article consist on the development of the outfits for the theatrical play “The Stronger”, with visual elements extracted from the work and life story of August Strindberg, author of the play. On the elaboration of the outfits signs were used based on studies of the XIX century, based on revolutions on the social and industrial matrix, exteriorized from the work of August Strindberg.

Keywords: outfits; August Strindberg; XIX century and change.

1 Graduando em Design de Moda. Universidade do Vale do Itajaí. E-mail: brunaperinp@yahoo.com.br 2 Mestre em Design de Moda. Universidade do Vale do Itajaí. E-mail:olinda@univali.br

1. INTRODUÇÃO

O figurino descende de rituais religiosos, estes empregavam vestes não

convencionais aos participantes para que ficassem mais perto das divindades, em

celebrações, agradecimentos de colheita e ou rituais de fertilidade. Segundo Adriana

Leite e Lisette Guerra (2000), o figurino pode caracterizar o homem como um ser

diferente dele mesmo: um ser que traje não suas vestimentas, mas um figurino que

o faz assumir um ‘personagem’ .

Fazer um figurino requer conhecimento geral da obra escolhida, esta por sua

vez lhe oferece uma grande quantidade de signos visuais; a responsabilidade do

figurinista é criar as vestes de cena dando características ao personagem e

ambientando-o dentro do contexto do espetáculo.

Quando o figurino de um personagem é criado, o requinte de detalhes é grande. Se pergunto a um diretor qual o signo de determinado personagem, ele já sabe que não estou brincando. Esta é só uma das peças do quebra-cabeça: tem também a marca do cigarro, o tipo de carro, a bebida preferida e os lugares que ele gosta de freqüentar à noite, mesmo que nada disso esteja na sinopse.(...)É um trabalho de recorte e colagem, mesmo, daqueles de sentar no chão com tesoura, cola, cartolina e uma pilha descartável de revistas.(...) É claro que tudo isso também pode ser feito com desenhos feitos à mão, os famosos croquis.(CARNEIRO, 2003, 49-51 p.) .

O figurino foi criado para o espetáculo “A Mais Forte”, de 1889, que foi

escrita pelo dramaturgo August Strindberg, é um monólogo curioso e inventivo.

Neste monólogo as personagens: Senhora “X” e Senhorita “Y” são duas amigas que

se reencontram em um café na cidade de Estocolmo, no final do século dezenove.

A conversa das duas mulheres tem cunho psicológico, onde o autor brinca com a

percepção das personagens. No decorrer da peça, onde só a Senhora “X” fala, ela

descobre que a Senhorita “Y” tem um caso amoroso com seu marido. O ápice da

peça é saber quem é a mais forte dentre elas; a senhora que fala exaustivamente ( a

mulher) ou a que se mantêm calada durante toda a conversa ( a amante).

Como papel decisivo na criação do figurino optou-se por um tema peculiar,

que vem a ser August Strindebrg, o autor da peça.

O dramaturgo August Strindberg tem importância na literatura mundial, sendo

precursor do naturalismo sueco, e posteriormente difusor das idéias expressionistas

em toda a Europa. Seus escritos influenciaram toda uma geração de autores. Com

idéias inovadoras e temas abordados sob uma nova perspectiva, Strindberg

conseguiu expressar seus sentimentos mais profundos em toda sua obra. Com uma

literatura quase sempre autobiográfica, traduziu seus sentimentos e por vez sua

esquizofrenia em palavras e em tintas, Strindberg foi também pintor

Seus quadros mostram características pessoais, assim como a agonia, e o

ressentimento com a família e as mulheres. Com pinceladas amargas e tradutoras

de sua patologia, a esquizofrenia, teve lugar destaque em várias exposições de

pintura expressionista. Assim foram também suas cartas, redigidas a grandes nomes

do século dezenove e que em alguns lugares até lhe renderam “inimigos”, por

abordar temas políticos e sociais.

Dentre os objetivos específicos cabem estudos da biografia e da obra de

August Strindeberg, estudos sobre o vestuário do século dezenove, bem como

materiais e design da época, e detalhamento sobre as mudanças culturais do final

do século XIX mostradas no trabalho de Strindberg. No desenvolvimento do trabalho

criou-se roupas para o figurino da peça “A Mais Forte” com referências no final do

século dezenove pela alta sociedade da época, além de fornecer para cada figurino

características pessoais de cada personagem, bem como cores empregadas e

modelagem, sempre as adaptando ao visual do século XXI. Cabe então desenvolver

o figurino para a peça teatral “A Mais Forte”, de August Strindberg; inspirado nas

características da arte e da personalidade do autor.

Como problemática do trabalho pretende-se por fim desenvolver um figurino

adequado para uma peça de teatro aplicando signos relacionados ao tema, August

Strindberg, sem fugir da época específica e da linguagem teatral vigente, porém

adaptando-as e figurino para o design do século XXI.

2. METODOLOGIA

A Metodologia de Projeto escolhida foi uma intersecção entre a Metodologia

para Design de Vestuário de Planejamento de Coleção (2004), de Jaqueline Keller; e

a metodolgia de Bruna Pellizzaro para teatro, baseada no livro “Figurino: uma

experiência na televisão”(2002) de Adriana Leite e Lisette Guerra, e em entrevistas

com o figurinista Ricardo Garanhani. A seguir o fluxograma ( figura 1) com a

metodologia para criação do figurino teatral.

Figura 01 – fluxograma de PELLIZZARO, 2009 Fonte: Bruna Perin Pellizzaro

A proposta utilizada para o desenvolvimento do trabalho, neste caso o

desenvolvimento de um figurino para a peça de teatro “A Mais Forte”, de August

Strindberg. O tema escolhido para o trabalho foi o autor August Strindberg, que se

encaixa nas necessidades do trabalho.

No tópico, alternativas, cabe desenvolver os desenhos e ambientações

visuais para a peça escolhida. No presente trabalho cabe fazer desenhos

pertinentes a peça “A Mais Forte”. Após os desenhos criados, escolhe-se os

materiais dentro de um orçamento proposto e faz-se a s adequações necessárias a

partir dos croquis. O figurino da peça “ A Mais Forte”, começa a ganhar volume e

texturas com os materiais escolhidos.

Na etapa produção, os produtos ganham vida, com o desenvolvimento da

modelagem, da costura; bem como as provas nos atores e o teste de palco. Para a

peça escolhida cabe a confecção dos figurinos para as duas personagens da peça,

e a adequação desta dentro do cenário proposto.

Como última parte da metodologia tem-se a utilização das roupas; com a

separação de looks, por ator e por ato. Com a ambientação da peça “ A Mais Forte”

e as roupas das personagens prontas, cabe neste trabalho indicar e organizar as

roupas por personagem e por evolução da peça.

Para a realização deste projeto, foram aplicadas as seguintes pesquisas: Em

relação a sua natureza é um pesquisa aplicada, pois visa analisar material de

entrevistas e material bibliográfico para confecção de figurinos teatrais.

A abordagem do problema se dá através de uma pesquisa qualitativa, que

visa formatar todas as pesquisas bibliográficas, com o objetivo de desenvolver um

produto cujos signos encontrados sejam fruto de reflexões intuitivas e orientadoras

no projeto. Com relação aos objetivos a pesquisa é exploratória, já que o tema

tratado é figurino que visa um levantamento bibliográfico específico, e entrevistas

com profissionais especializados. Com relação aos procedimentos técnicos

desenvolveu-se uma pesquisa bibliográfica detalhada e um levantamento de dados,

o que dará exemplos de como desenvolver este tipo de produto.

As ferramentas utilizadas para o desenvolvimento do trabalho são os painéis

semânticos, e a colagem.

Os painéis semânticos foram utilizados como ferramenta para especificar o

tema, o público e o conceito do trabalho, ajudando a expor e a organizar as idéias

dentro do trabalho. Foram construídos com material visual, exemplificando signos

propostos pelo tema escolhido.

A técnica de colagem é outra ferramenta utilizada para exemplificar o

trabalho. Esta técnica tem como objetivo organizar idéias a partir de recortes. Esta

técnica foi usada para caracterizar as personagens da peça, ajudando a entender

melhor suas personalidades e assim auxiliando na criação dos looks propostos.

3. HISTÓRIA E AMBIENTAÇÃO

Neste tópico, analisam-se as pesquisas bibliográficas, que tratam de

ambientações e estudos sobre temática. Parte integrante do processo e que

determina qual caminho o projeto deve traçar.

3.1 Temática

O autor sueco, August Strindberg nascido em 1849 em Estocolmo.

Seu trabalho foi consagrado como dramaturgo e romancista. Mas atuou

também como novelista, contista, filosofo, poeta, crítico, pintor, fotografo entre

outros.

Figura 02 – August Strindberg Fonte: WWW.guardian.co.uk

Foi o líder do pensamento naturalista em sua pátria. Seus temas tratam do

absurdo das atitudes e dos pensamentos do homem, os seus instintos ocultos e

seus recalques.

“Seu naturalismo, da primeira fase de sua vida é polêmico, levantando problemas sociais e psicológicos. E, como sua atividade abrangeu longo período da transição literária do fim do século dezenove, Strindberg influenciaria muitos escritores, como os alemães Toler e Kornfeld e até Berthold Brecht, que seria o grande renovador do teatro alemão. O autor exerceria também influencia na moderna dramaturgia norte-americana.” (BRASIL, in Prefácio do Livro: Senhorita Julia e A Mais Forte, de August Srindberg, p.10)

Sua primeira obra importante foi a peça Mestre Olof, em 1872, o drama é

sobre a revolta contra as convenções sociais e de todos os tipos de poder.

É reconhecido como escritor mais importante da Suécia em 1879, com O

Quarto Vermelho, primeiro romance naturalista sueco.

Casa-se três vezes e todas acabam em divorcio. Até sai de Estocolmo por

escândalos com seus divórcios, e suas opiniões sempre ácidas de acordo com o

mundo social.

Tem uma obra puramente autobiográfica, pode-se observar rastros de sua

personalidade e de sua doença, a esquizofrenia, em seus romances, peças,

quadros.

“Strindberg era ateu e moralista. Era altamente neurótico e sofreu dois colapsos nervosos, detestava quem amava e enxergava inimigos nas pessoas que lhe eram próximas. Era impelido a uma grande ansiedade, por uma sociedade hostil. Teve três casamentos, ficou terrivelmente magoado e foi internado duas vezes (ADLER, 2002, p.151).”

Suas peças retratam o cotidiano, sempre com um críticas a sociedade e ao

ser humano.

Entre 1889 e 1892 escreveu suas peças de grande repercussão, Senhorita

Julia e O Pai, estas peças mostram claramente o ressentimento que sente pelas

mulheres. Seja pelo seu pai que depois da morte precoce de sua mãe casou-se com

a empregada, ou seus casamentos que sempre acabam desastrosos. O segundo

casamento de seu pai, e sua revolta renderam o livro autobiográfico O Filho da

Criada, de 1886.

Em 1889 escreve A Mais Forte.

Escrevia claramente sobre a sociedade e seus mecanismos, gostava de

demonstrar quão real era os conflitos desta nova sociedade que crescia em toda a

Europa. Segundo Adler, Strindberg fala de uma mudança tão profunda que pode

fazer a civilização naufragar.

“Para nossas almas, curiosas e ávidas de saber, é pouco ver o que acontece; é necessário conhecer a maneira como isso acontece. Desejamos ver os fios, o mecanismo, e cegar a investigar e submeter ao nosso exame o cofrezinho de fundo duplo, chegar a apalpar o anel mágico para encontrar a soldadura, deitar um olhar às cartas para ver de que maneira estão marcadas”.(Strindberg in HISTORIA DO ESPETÁCULO por BORBA FILHO, 182 pg).

Sempre foi interessado por fotografia, em suas fotos pode-se ter uma idéia de

sua visão de mundo. Fotografava-se constantemente, mostrando um homem de

feições melancólicas e pensadoras. Dedicava-se também as ciências ocultas,

acreditando por vezes estar sob frenesi quando criava.

Também pintava quadros, nos quais mostrava claramente a sua patologia,

retratando angustias e desesperos. Com cores fortes. Correspondia-se por cartas

com grandes nomes da época, entre eles Zola e Nietzsche. Mudou-se para a

Alemanha onde ajudou a criar o expressionismo alemão.

Figura 03 –“A Noite do Ciúmes”, óleo sobre tela, Museu Strindberg, Estocolmo. Suécia

Fonte: WWW.tate.org.uk

Sempre teve uma vida boemia o que dificultava ainda mais seus

relacionamentos, e agrava mais ainda sua esquizofrenia paranóica. No final da vida

sua doença se torna ainda mais aguda, tornando seus trabalhos confusos, porém

nunca deixou de ser produtivo.

Cria com August Falk, em 1907, o Teatro Íntimo, destinado a representar as

suas peças psicológicas.

Sempre inovador e único no seu jeito de escrever é considerado por alguns

como o maior escritor do séc. XIX.

Morre em Estocolmo, em 14 de maio de 1912.

3.2 História do Século XIX

Em meados do século XIX a Revolução Industrial espalha-se pela Europa,

América e Ásia. Cresce a concorrência, a indústria de bens de produção se

desenvolve, as ferrovias se expandem. Surgem novas formas de energia, como a

hidrelétrica e a derivada do petróleo, na figura a seguir a efervescência das massas

para com o progresso dos meios de transporte.

Figura 04 – Willian Frith, “A Estação de Trem” (!862), óleo sobre tela.

Fonte: www.guardian.co.uk

O transporte também evolui, com a invenção da locomotiva e do barco a

vapor. Em decorrência disso verificou-se grande crescimento da produção industrial.

A corrida por impérios onde sua produção pudesse escoar foi muito grande.

Os mercados das “colônias” funcionavam como fornecedores de matéria-prima,

consumiam a produção industrial, proporcionavam gêneros agrícolas para a

alimentação e ainda serviam de campo para colocação de capitais excedentes (ex;

capitais de empréstimos emprestavam aos países dominados a juros altos).

Figura 05 – Pierre Auguste Renoir, “Bal du Moulin de La Galette” (1876), óleo sobre tela

Fonte: //largo-do-rato.blogspot.com/

Na figura acima Auguste Renoir pinta uma tarde em Paris, onde as idéias de

social e de consciência política começam a aflorar. O progresso do século XIX

possibilitou varias mobilizações nacionais, integrou o individuo em problemas

políticos e ajudou no aumento de novas idéias no âmbito da política, economia,

sociologia, concepção de Estado, e no próprio individuo perante a sociedade. Idéias

como a evolução das espécies, de Darwim, e o bem comum em O manifesto

comunista de Karl Marx, foram publicadas no século dezenove, e mudaram toda a

mentalidade vigente, caracterizando o homem como igual perante a sociedade e

entre os outros animais.

3.3 História da Moda no Século XIX

Neste século houve uma separação, significativa e definitiva das roupas

femininas das masculinas. As formas, os tecidos e a significação mudam neste

período.

No século XIX as formas das roupas femininas se resumem em uma silueta

em forma de “X”. A vestimenta feminina procura cada vez mais o sensual e a

feminilidade com rendas, bordados e fitas. O Século XIX é marcado por mudanças

bruscas, na vestimenta. A época passa pela transformação das formas simples e

brancas da era napoleônica, pela “segunda era barroca”, e termina surpreendendo

com a “meio anquinha”, como mostra a figura 06.

No começo de 1800 as roupas primam pela simplicidade. Após a Revolução

Francesa as mulheres aboliram o espartilho, as anáguas e os saltos, e puseram

camisolas brancas atadas debaixo do busto (mudando a silueta). O vestido se torna

escasso, e os tecidos utilizados são sensuais e transparentes. Os chapéus são os

turbantes advindos da Índia.

Em 1855 surge a armação de crinolina para as saias e a forma da silueta da

mulher passa a ser um triangulo eqüilátero. Essas armações exigiam um vestido de

8 a 10 metros de tecido, os babados que o ornamentavam mediam de 25 a 30 cm de

altura feita do mesmo tecido ou chita. Em toda sua extensão o vestido é enfeitado

com 10 ou 12 tipos diferentes de pequenos babados. Algumas mulheres utilizavam

alem de rendas pretas e brancas, tules bordados com prata e ouro. As saias

atingiram enormes dimensões. Festões de tule eram presos a fitas largas, onde se

intercalavam com flores. O corpete agora pequeno pretendia acentuar o busto e

salientar a linha dos ombros, as mangas ficaram menores medindo 30 cm de

comprimento e 70 cm de largura feitas de cambraia e cobertas por bordados, as

golas também diminuíram. Esse período é chamado de “segunda era Barroca” pelas

extravagâncias e exagero de ornamentos da época. Com todo o adorno as únicas

jóias utilizadas eram broxes simples presos no vestido, e os braceletes nos dois

braços sempre usados.

Pouco depois, já no final do século XIX, foi a era de ouro dos costureiros.

Neste tempo as vestimentas eram muito ornamentadas nas costas à frente cabia

somente um tecido liso com leve contorno dos quadris. Às costas cabia a

criatividade dos alfaiates com caldas, flores, armações. Nos penteados as mulheres

repetem isso, usando coques em cascata e muitos cachos e ondulações.

Figura 06 – modelos no decorrer do Século XIX Fonte: www.guardian.co.uk

No ano de 1884 a anquinha é colocada para cima ficando sobressalente na

parte de trás da silueta. Os penteados seguem a anquinha e ficam como coques

rígidos na parte superior da cabeça. As mangas chegam aos cotovelos, e a saia fica

cada vez mais justa. A parte da frente do vestido assume forma rígida. Os chalés e

os chapéus continuam a ser usados agora em menores proporções e pouco

ornamentados.

4. ANÁLISE E DISCUSSÃO DA PESQUISA

A pesquisa de campo sempre é necessária, ainda mais quando se procura

criar meios para desenvolver um projeto sobre um tema pouco usual e com pouco

contudo publicado. Neste caso as entrevistas e o estado do design no teatro

brasileiro foram essenciais para o desenvolvimento do trabalho.

4.1 Entrevistas

As pesquisas de campo foram realizadas para melhor compreender as

engrenagens da feitura de uma indumentária cênica. As pesquisas foram realizadas

com um figurinista e um professor de teatro.

O primeiro entrevistado foi Jean Carlos Gonçalves cuja formação envolve

bacharelado em Teatro-Interpretação pela FURB, mestrado em Educação pela

FURB, doutorando em Educação pela UFPR, professor do curso de Teatro da FURB

e professor de Artes Cênicas da UDESC, e posteriormente assumira uma cadeira na

UFPR em Curitiba. Sua entrevista foi essencial para a ambientação do trabalho. Pois

ajudou na significação do teatro naturalista, já que a peça “A Mais Forte” é da escola

naturalista.

Segundo Gonçalves o teatro do século XIX é pós-revolucionário, neste

período a arte denuncia a realidade, os cenários são exuberantes, mas o teatro

ainda não se preocupa com funções sociais. A vida no palco busca pelo realismo,

interpretações em tons farsescos e melodrama.

Em relação a estudos feitos Jean Carlos diz que o teatro naturalista é um

movimento iniciado por André Antoine, em fins do século XIX, no qual a ênfase

estava em uma ‘fotografia da realidade’, como se fosse possível representar a

realidade no palco, sem truques e sem disfarces. As principais peças da época

foram “Quando Nós, os Mortos, Despertamos” de Ibsen, “A Terra”, “O Sonho” e “A

Besta Humana” de Zola. No contexto visual de uma peça naturalista os materiais

utilizados eram os mais próximos da realidade, inclusive com o uso de animais vivos

em cena. Todo tipo de objeto era utilizado, desde que representasse o próprio

objeto, pois não havia simbolismos em cena. As roupas eram basicamente usuais

nas ruas, com ênfase em roupas femininas, valorização do feminino. Dentre as

cores utilizadas, dava-se ênfase para as cores usuais em roupas de nobres e

coloridos. Os tons mais acinzentados e claros era reservados aos personagens mais

pobres.

O figurinista Ricardo Garanhoni, que exerce o papel de figurinista no Teatro

Guaíra de Curitiba, criando e confeccionando figurinos para vários tipos de

espetáculos como peças teatrais, espetáculos de dança, óperas e adereços para os

mais diversos eventos.

“Ricardo Garanhani recebeu o Troféu Gralha Azul na categoria Adereço: em 1998, por seu trabalho em ‘Fantasminha Camarada’; em 1997, pelos espetáculos ‘A Fada que tinha Idéias’ e ‘O Processo’; em 1996, com ‘Peter Pan e a Terra do Nunca’; em 1994, pelos adereços de Romeu e Julieta para Crianças; na edição 1993-1994, com Flicts, e na edição 1992-1993, com O Menino Maluquinho. (in site: www.tguaira.pr.gov.br, 2009)”

Segundo Ricardo Garanhani a primeira etapa para se criar um figurino é a

leitura do espetáculo, seja ele uma ópera, um balé, ou uma peça teatral. A

concepção do espetáculo está totalmente ligada ao diretor, que direciona a

conceituação do espetáculo. Ele indica o caminho a ser seguido pelo figurinista. Em

alguns casos Garanhoni comenta a gama enorme de possibilidades, onde o diretor

deixa o seu trabalho aberto a experimentações, porém também frisa que em alguns

trabalhos o diretor da peça tem a composição de figurino quase finalizada, diz que é

quase uma sob encomenda.

Depois de ter se ambientado no espetáculo, o segundo passo é propor uma

visualidade às vestimentas propondo desenhos que complementam o conceito da

peça. Com cores e ambientações procura propor uma singularidade a peça. Quando

feitos – os desenhos de figurinos - são mostrados de imediato ao diretor, que

conversa e propõem mudanças e adaptações de acordo com sua proposta de

espetáculo.

Com a proposta aprovada pelo diretor, procuram-se então os materiais para

confecção do figurino. Como figurinista do teatro Guaíra de Curitiba, Ricardo só

pode comprar em algumas lojas; aquelas que estão em dia com o imposto de renda,

sem débitos com a receita. Segundo o figurinista, as roupas têm de estar dentro do

orçamento disponível para a confecção do espetáculo. A partir da compra de

materiais - e das adaptações feitas de acordo com os materiais disponíveis nas

determinadas lojas – o figurino começa a ser confeccionado. Em relação a materiais,

Ricardo diz procurar materiais em diversos lugares como lojas de material de

construção, sapateiros, onde a diversidade agrega muito ao figurino.

Dentro da estrutura do Teatro Guaíra, dispõem de costureiras e alfaiates que

se ocupam somente do figurino interno. Então a modelagem começa a ser

confeccionada com as medidas dos atores, dançarinos, ou cantores do espetáculo.

Dentro do teatro, Ricardo comenta que se usam muito malhas, pois se adaptam bem

ao corpo. Quando pergunto da dificuldade de modelagem de malharia, ele diz que

as costureiras disponíveis têm uma modelagem bem aprimorada no assunto, já que

uma grande parte dos figurinos é de dança (balé), onde a malha é o material

essencial.

Dentro da confecção dos figurinos, vários fatores contam como ambientação

das roupas, ego dos atores, estética de peça e o conforto do corpo dentro da roupa.

Então, as roupas começam a se situar dentro do espetáculo. Um exemplo

que Garanhoni deu, foi um espetáculo de balé desenvolvido por ele que

representava uma fábrica, com seus operários; para representar a idéia de dinâmica,

de engrenagens funcionando ele colocou todos os dançarinos de malha xadrez preto

e branco – uns 6 tipos de xadrez - que dava a impressão ao longo da dança de

confusão, de fábrica funcionando. Garanhani diz: “O figurino é um espetáculo a

parte”.

Em alguns casos um mesmo personagem tem vários figurinos. Dentro da

peça um personagem pode ter vários figurinos, que representam a mudança de

ambiente, a mudança de status. O figurinista, Ricardo Garanhani fala que “na

maioria das vezes não é uma roupa para cada ator, tem um desenvolvimento; a

roupa vai se transformando, tem toda esta história de acompanhamento”. Alguns

exemplos claros de vários figurinos diferentes podem ocasionar, por exemplo: um

homem rico que fica pobre ao longo da peça. Outro exemplo são figurinos que se

recompõem, ou seja, peças de roupa que se adaptam a um figurino base, uma saia

colocada sobre uma malha que depois se transforma em capuz, ou um terno que ora

serve de terno e despido serve como lenço pro artista se transformar em velhinha.

Com as últimas provas de roupas, a finalização junto ao cenário, pode-se

perceber se o figurino “funciona” ao efeito da luz em cena, são os retoques finais no

espetáculo. Segundo Ricardo algumas vezes o figurino tem de ser refeitos no

decorrer, pois não se encaixa dentro da peça.

4.2 Estado do Teatro Brasileiro

No Brasil, as montagens de grandes peças de teatro envolvendo figurinistas

e profissionais brasileiros vem agregando valor a cultura nacional e mostrando o

potencial criativo dos brasileiros neste âmbito. Então para criar um figurino analisou-

se produções nacionais de grande repercussão como base de conhecimento e

referências ao trabalho.

4.2.1 “Hamlet”

A montagem nacional da peça escrita por Shakespeare tem como

personagem principal o príncipe da Dinamarca que tomado por instintos, tenta vingar

a morte do pai. Este, o Rei, volta como fantasma e exige uma vingança contra seu

irmão, autor de seu assassinato. Com direção de Aderbal Freire Filho , e nas

palavras dele: "Para entender um pouco melhor a vida, a nossa natureza, os

monstros que temos. Hamlet é um mutante: sucede ao homem instintivo e precede o

racional. Reflete o homem da Renascença, que estava querendo equilibrar emoção

e razão".

As roupas foram desenvolvidas pelo figurinista Marcelo Pies, este em

entrevista para ao jornal Estadão (4 de Julho de 2008) descreve sua criação em

detalhes.

Segundo Pies, a inspiração vem da época da Renascença. As roupas são

divididas em roupas de ensaio, e figurinos; a idéia é mostrar as roupas comuns por

entre os figurinos. As trocas de roupas se dão em cima do palco, usa-se muita

sobreposição e roupas talhadas o que deixa ainda mais visível as roupas de baixo.

Os figurinos são desenhos desenvolvidos pelo Pies, roupas de brechó e

roupas desenvolvidas pela marca Osklen, outra inovação na peça. As roupas têm

apelo atemporal puxadas para o contemporâneo.

Os figurinos das personagens têm características próprias, o da Rainha

Gertrudes, por exemplo: são roupas mais elaboradas, com várias trocas de roupa e

a cor vermelha como principal, inspirados nos vestidos Dior. As roupas do Rei

também são muito simbólicas, confeccionadas com tecidos nobres, este usa um

paletó de couro (material destinado exclusivamente para o rei) cor de ouro velho,

com silks cor de ouro e preto.

Figura 07 – fotos do espetáculo de Aderbal Filho, em cena os personagens a Rainha Gertrudes, o Rei morto e Hamlet.

Fonte: www.terra.com.br

Outro desenvolvimento muito interessante é a criação do figurino da Ofélia, a

louca. Neste Marcelo cria uma linha entre um vestido de noiva e uma camisa de

força. A roupa é composta por sobreposições de camisas masculinas dando uma

idéia de mendigo e loucura. Na indumentária cênica destinada ao personagem

principal, Hamlet, as roupas são sobreposições, paletós e jeans com aplicação com

zíper lembrando as roupas talhadas. Em alguns momentos seu figurino se

assemelha muito ao convencional da Renascença, como uma armadura de 16 Kg,

de cor dourada.

A idéia principal do figurino da peça remete ao “novo saudosista”, que traduz

o velho com um visual moderno sem perder as principais características da época

representada.

4.2.2 “Sete, o musical”

A história da peça é o conto de fadas “A Branca de Neve”, famosa história

dos Irmãos Grimm. Mas desta vez a versão é da madrasta má, Amélia, que depois

de perder seu amado para uma mulher mais jovem e pura, consulta uma cartomante

e esta lhe confere sete tarefas, que depois de cumpridas devolveram seu amado.

Segundo críticos “Sete” é uma peça sobre o tempo e a inveja.”O número é

emblemático e nos surgiu durante o processo”, conta Möeller, autor do texto e

responsável pela direção. “E a fábula da Branca de Neve é apenas o ponto de

partida, pois a história é como um tratado sobre a inveja”, completa Botelho também

produtor da peça. Com uma trama, cheia de intrigas e aventura “ Sete, o musical” é

uma peça que mostra o lado negro dos contos de fadas, mostrando a inveja das

pessoas.

Figura 08 – fotos da peça “Sete, o musical”, produção brasileiríssima, com cenário inventivo e grande produção.

Fonte: www.7omusical.com

O figurino da peça foi criado pela renomada Rita Murtinho, vencedora do

premio Shell por este trabalho. Ela retrata uma atmosfera negra como mostra a

figura 8, com vestidos e chalés de época. Mesmo sendo uma peça atemporal remete

a indumentária clássica com espartilhos, saia, volumes e rendas. A idéia

interessante da peça é a atmosfera pesada e a atemporalidade, num reino

encantado, que não o presente; “a peça se passa em um Rio de Janeiro onde não

há sol e as noites são longas e a neve congela o coração das pessoas”. Com

composição de figurinos inspirados na Branca de Neve, nas madrastas más da

Cinderela, as maquiagens também são diferentes com tons sombrios e enigmáticos.

Esta composição do figurino é pertinente para este trabalho, pois sua criação

tem muito a contribuir para o desenvolvimento do figurino da peça estudada. O

trabalho com a atemporalidade, as feições femininas carrancudas, os cabelos

cuidadosamente adornados.

5. DESENVOLVIMENTO

As pesquisas efetivadas no âmbito de ambientação e desenvolvimento de

trabalho ajudaram na conceituação do mesmo.

Como visto nas pesquisas feitas o desenvolvimento do produto foi baseado

na época em que a peça foi redigida, século dezenove. Com pesquisas históricas

pode-se ambientar o figurino e os signos referentes às mudanças culturais descritas

no trabalho de August Strindberg. No painel de conceito as figuras empregadas

mostram a feminilidade que se quer inserir nos figurinos, a esquizofrenia de

Strindberg, que forneceu muitos signos para o trabalho; a começar pelo do

vermelho; e o quadro de Renoir que demonstra as mudanças culturais, a

efervescência do final do século XIX.

co

nc

eit

o

Figura 09 – Painel semântico de Conceito

Fonte: Bruna Pellizzaro

O termo que exemplifica o figurino é “mudança”. Em toda sua amplitude

trabalha-se com a quebra de padrões, seja exteriorizando nas indumentárias signos

relacionado ao século XIX, seja trabalhando em cima da temática da peça teatral

que é traição.

“Para nossas almas, curiosas e ávidas de saber, é pouco ver o que acontece; é necessário conhecer a maneira como isso acontece. Desejamos ver os fios, o mecanismo, e cegar a investigar e submeter ao nosso exame o cofrezinho de fundo duplo, chegar a apalpar o anel mágico para encontrar a soldadura, deitar um olhar às cartas para ver de que maneira estão marcadas”.(Strindberg in HISTORIA DO ESPETÁCULO por BORBA FILHO, 182 p).

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Figura 10 – Painel semântico de Tema

Fonte: Bruna Pellizzaro

O tema escolhido, August Strindberg, proporciona estes subterfúgios para a

criação das roupas da “senhora X” e da “senhorita Y”. No painel de tema as fotos

das mulheres da vida de Strindberg (figura 10), sua mãe e suas três esposas. Como

a peça teatral conota muita sensualidade e feminilidade, e além destes signos serem

presentes na vida do autor; as mulheres de sua vida expostas no painel de tema

demonstram as características que usou-se para a confecção da indumentária

cênica; são elas: a angustia para com as mulheres, derivando daí também a cor

vermelha.

Os signos empregados neste trabalho, portanto foram a doença de

Strindberg, a esquizofrenia; a angustia para com as mulheres, sempre muito

presentes na vida do autor; e a mudança de mentalidade ocorrida no final do século

XIX e também presente no trabalho do dramaturgo.

Para simbolizar a feminilidade optou-se por manter a silueta do século XIX

composta por espartilho e a ‘anquinha’ traseira, que atribuía a mulher uma

proeminência de curvas. Nas cores visualiza-se basicamente o vermelho, como

mostra a figura 11, cor que simboliza por si só a mudança e o conflito, muito

presentes na peça, por esta tratar de uma traição; além é claro do vermelho

simbolizar sensualidade feminina. O vermelho também exemplifica o transtorno, a

fobia signos presentes na vida do dramaturgo, como representado no painel de

conceito (figura 9).

Figura 11 – Peça “A Mais Forte”, de Strindberg. Produção cênica, com os figurinos desenvolvidos.

Fonte: Bruna Pellizzaro

As personagens atuam de pés descalços isso trabalha com a teatralidade,

além de representar a abertura e a preparação para o momento de crise vivida na

peça teatral : a traição. Com isso o ambiente cênico fica evidente , as cores também

contribuem ora ornando com o ambiente cênico, ora conflitando.

6. CONSIDERAÇÕES FINAIS

Com o desenrolar do trabalho foram adquiridos conhecimentos de cunho

histórico e prático. Aprendeu-se a desenvolver figurino, aplicando uma metodologia

que auxilia na concepção de projeto e resulta em um produto compatível com o

objetivo proposto.

Os estudos iniciaram com a pesquisa bibliográfica e de campo,

fundamentando todo o processe de criação dos looks desenvolvidos para a peça “ A

Mais Forte”, de August Strindberg. Durante a pesquisa foram vivenciadas

experiências que proporcionaram um aprendizado em moda que permite a criação

de uma indumentária teatral.

A proposta do trabalho que era a confecção de um figurino que se

adequasse ao tema e aos objetivos propostos, foi alcançada, pois conseguiu-se

desenvolver uma roupa que interagiu com o ambiente cênico, sem perder o conceito

do desenvolvimento em moda; traduziu os signos do tema pesquisado, aplicando

cores, contornos e siluetas a La Strindberg; e mostrou que a indumentária cênica

pode ser ambientada dentro de uma temática de época e ainda assim mostrar um

visual contemporâneo.

REFERÊNCIAS

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LEITE, Adriana. Figurino: uma experiência na televisão.\ Adriana Leite, Lisette Guerra. 1. ed. São Paulo : Paz e Terra, 2002.

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PIERRE AUGUST RENOIR. Quadro “Bal Du Moulin de La Galette”. Disponível em: largo-do-rato.blogspot.com

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