Rachmaninov Franck Cello SonatasSteven IsserlisStephen Houghwith Rebecca Evans

ABROODING, TACITURN RUSSIAN, exiled in his lateryears from his native land, wandering the worldas a touring virtuoso, like a lost soul; and a

gentle, paternal Belgian, a well-known teacher who hardlytravelled anywhere in his life, and had no ambition todo so—strange companions, one might think, to beput side by side on a recording without their consent.But Rachmaninov and Franck did have one powerfultrait in common (apart from being famous Romanticcomposers): their religious fervour, which was a strongpresence throughout their lives and in their music, bothsecular and devotional. Franck’s ardent Catholicism iswell known (in the words of his violinist-friend EugeneYsaÿe, dedicatee of the sonata, ‘he seemed to belong moreto heaven than to earth’), Rachmaninov’s reliance on theinspiration of the Russian Orthodox Church rather less so.But in his autobiography, Charlie Chaplin, no less, tells arevealing story: ‘Rachmaninov was a strange-lookingman, with something aesthetic and cloistral about him …Someone brought the topic around to religion and Iconfessed that I was not a believer. Rachmaninov quicklyinterposed: “But how can you have art without religion?”I was stumped for a moment. “I don’t think we are talkingabout the same thing”, I said. “My concept of religion is abelief about dogma—and art is a feeling more than abelief.” “So is religion”, he answered. After that I shut up.”’

This mystic aspect to Rachmaninov’s art can be feltstrongly throughout his Cello Sonata, his most famouspiece of chamber music. While there are no obviousquotations from any Orthodox hymns, the style of many ofthe themes, with their close intervals, their incense-filledcolours, the passionate, almost obsessive repetition ofsingle notes (particularly in the main theme of the slowmovement), and the frequent bell-like sonorities, owe ahuge debt to the music of the Russian Church that wassuch an important influence on the composer’s life.

Written in 1901, the year after the perennially belovedSecond Piano Concerto, the Cello Sonata reflects, perhaps,the state of Rachmaninov’s heart and mind. Havingsuffered a nervous breakdown after the catastrophicfailure of his First Symphony in 1897, Rachmaninov hadfought his way back to mental and creative health. Surelyit is not fanciful to hear an echo of this in the struggles ofthe first movement, with its conflict between semitonesand whole tones; in the dark night of the Scherzo; andthen in the blazing joy of the Finale? No bearded Russianpriest with his Easter cry ‘Christ is Risen’ can ever havesounded more triumphant than the cello does as itannounces the glorious second theme of this movement.The whole sonata, imbued as it is with the classicaldiscipline that is so vital a feature of all Rachmaninov’smusic, encompasses a vast range of romantic emotion—a journey of the soul.

(Incidentally, a footnote: any attentive listener follow-ing this performance with a score may be surprised, if notshocked, to hear us playing fortissimo at one point in thecoda of the last movement, when the printed edition isclearly marked pianissimo. The justification—apart fromthe musical sense it so clearly makes, at least to us—comes from a piece of oral history: my grandfather, JuliusIsserlis, used to play this sonata in Russia with the work’sdedicatee, the cellist Anatoly Brandukov. Brandukov, whenhe wasn’t busy flirting outrageously with my grandmother,apparently told my grandfather that Rachmaninov haddecided, presumably after publication, that he preferredthe fortissimo at this point. Since there has only been oneedition of the sonata, this preference has never beendocumented. I heard about it only because mygrandmother, also a pianist, learnt the sonata when shewas around eighty, in order to play it with me when I wasa little boy; she passed on this nugget of information, andI have to say that I find it entirely convincing.)

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César Franck’s Sonata, dating from 1886, is another‘voyage of the soul’; again one suspects that personalreasons may have been involved. César Franck was notonly a devoted teacher, but also a dutiful husband to a wifewhose religion seems to have been more strict thanloving. However, morally upright though he undoubtedlywas for most of his life, there is reason to believe therumour—still floating around after 125 years or so—that he fell in love with his dashing Irish student AugustaHolmès (also beloved of Saint-Saëns, Liszt and manyothers). The chamber work preceding the sonata by someyears, Franck’s Piano Quintet, which marked a dramaticdeparture in musical style for the erstwhile rather demurecomposer, seems to have had a strong connection withthis romance. It was probably not entirely a coincidencethat Saint-Saëns behaved appallingly at the première, andthat Mrs Franck yelled abuse at her husband’s studentsfor allowing Franck to compose such ‘abhorrent’ music!The Sonata is altogether a more refined work than thequintet, its passion more radiant; but here too one canfeel a conflict between the worldly and the sacred. This isexpressed in terms of musical intervals, with the minorand major third (generally considered the most expressiveintervals in music) tussling for supremacy; this struggleremains unresolved until after the appearance halfwaythrough the Recitativo/Fantasia of a shining themedominated by the ‘pure’ intervals of the fourth and fifth.As with Rachmaninov’s sonata, the last movement isjoyous, bells pealing to mark the conclusion to theconflict, in which the sacred appears to have triumphed.(Or perhaps not: a story is told that one student ofFranck’s was describing the master as a mystic. Anotherraised his eyebrows: ‘A mystic, eh? Go and ask Augusta!’We will never know. At any rate, the end of the sonata isunmistakably triumphant!)

(Another footnote: why play this sonata on the cello?

Well, there is some justification. Oral history has it that itwas originally conceived as a cello sonata, Franck onlychanging his mind when he decided to present the sonatato his great friend and ‘ideal interpreter’, the violinistYsaÿe, as a wedding present. Furthermore, the secondedition of the sonata, published well within Franck’slifetime—in fact, a copy exists with a personal dedication

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CÉSAR FRANCK

by Franck—describes the sonata as being for violin orcello. So it is not really an arrangement, more of analternate version.)

The other works on this disc represent the composers’earlier selves—less concentrated in their powers ofexpression, perhaps, but still highly recognisable. Rach-maninov’s two pieces opus 2 were probably written in1891, also for Brandukov. The dark warmth of the firstand the exotic colours of the second are pure Rachmani-nov: the eighteen-year-old was already speaking in hisown unique voice. The Franck songs show two sides of hispersonality. Le Sylphe written in 1842–3 to words byAlexandre Dumas, is a charming and sensuous exampleof Franck’s early secular style. Panis Angelicus of 1872,on the other hand, one of his most popular works,

represents the religious music for which he was bestknown at that time. Perhaps it sounds somewhat Victorianto modern ears; but the sincerity of Franck’s devotion isstill touching.

(A last footnote: this version of Panis Angelicus istaken from one of the innumerable arrangements pub-lished during Franck’s lifetime. Since it lists no arranger’sname the arrangement may well be by the composerhimself, as he made many of them. We have slightlyaltered it, however, to bring it closer to the originalversion, in which the cello takes a more prominent rolethan the keyboard—very noble of my friend Mr Hough, Imust admit, even if a bottle of good red wine did have tochange hands in order to cement the arrangement!)

STEVEN ISSERLIS © 2003

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Affectionately dedicated to William Lyne, and in memory of Jonathan Webb

Recorded in Henry Wood Hall, London, on 23–25 August 2002Recording Engineer MIKE HATCH

Recording Producer NICHOLAS PARKERPiano STEINWAY & SONS

Front Design TERRY SHANNONFront Picture Research RICHARD HOWARD

Executive Producers EDWARD PERRY, SIMON PERRYP & C Hyperion Records Ltd, London, MMIII

Front illustration: Thaw (1874) (detail) by Alexei Kondratyevich Savrasov (1830–1897)Photo: AKG London

7 Je suis un sylphe, une ombre, un rien, un rêve, I am a sylph, a shade, a nothing, a dreamHôte de l’air, esprit mystérieux, An inhabitant of air, a spirit of mystery,Léger parfum, que le zéphir enlève, A faint perfume, lifted by the breeze,Anneau vivant, qui joint l’homme et les dieux. The circle of life, joining man to immortality.

De mon corps pur les rayons diaphanes Transparent rays drift from my bodyFlottent mêlés à la vapeur du soir ; And mingle with the vapours of the night;Mais je me cache aux regards des profanes, Only souls in their dreams can see me:Et l’âme seule en songe peut me voir. From the heathen I stay out of sight.

Rasant du lac la nappe étincelante On the lake, a shimmering mist hangs lowD’un vol léger j’effleure les roseaux ; As I gently skim the reeds.Et, balancé sur mon aile brillante, I hang in the air with wings a-glowJ’aime à me voir dans le cristal des eaux. And admire the reflection I see.

Dans vos jardins quelque fois je voltige ; Sometimes I leap through your gardensEt, m’enivrant de suaves odeurs, Intoxicated by the scentSans que mon pied fasse incliner leur tige, And when I hang in the chalice of the flowersJe me suspends au calice des fleurs. Not a single stalk will be bent.

Dans vos foyers j’entre avec confiance, I enter your house with assuranceEt, récréant son œil clos à demi, And dance for your child in his sleep;J’aime à verser des songes d’espérance Then onto his brow and his half-closed eyesSur le front pur d’un enfant endormi. I pour sweet dreams of hope.

Lorsque la nuit sur vous jette son voile When the night throws her canopy over youJe glisse aux cieux comme un long filet d’or, I fly up like a thread of goldEt les mortels disent : « C’est une étoile And men look up and say: ‘It is a star,Qui d’un ami vous présage la mort. » The death of a friend foretold.’ALEXANDRE DUMAS (1802–1870)

bn Panis angelicus, fit panis hominum; The bread of angels becomes the bread of man;Dat panis caelicus figuris terminum; This heavenly bread gives a reality beyond symbols.O res mirabilis; manducat Dominum O marvellous thing: the poor, lowly and humblePauper servus et humilis. Now eats his Lord.

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STEVEN IsserlisSteven Isserlis is a cellist whose passion for musictranscends conventional divisions. A cellist acclaimedworldwide for his musicality and technique alike, he isequally at home drawing the audience into his circle offriends for chamber music; in recital, delving into thehistorical archives to emerge with a forgotten gem; oron the concert platform with some of the world’s mostprestigious orchestras and conductors.

Concerto engagements have taken Isserlis to some ofthe world’s greatest orchestras, including the Boston andLondon Symphony orchestras, the New York and BerlinPhilharmonics and the Philharmonia and Philadelphiaorchestras. A recent highlight was a series of perform-ances of Britten’s Cello Symphony with the San FranciscoSymphony under Mstislav Rostropovich.

The chamber concerts of Steven Isserlis’s devising arerenowned—not only for the quality of performance, butalso for his ingenuity and innovation in programming. Inthe past few seasons, projects have included a ‘Taneyevand Friends’ series at Wigmore Hall in London, a Brahmsseries at the Salzburg Festival and music by Brahms,DvoÚák and Frühling in London, Berlin and Vienna. Forthese occasions he is joined by friends and colleaguessuch as Joshua Bell, Pamela Frank, Tabea Zimmermann,Stephen Hough and Mikhail Pletnev. Steven also regularlygives recitals across Europe, North America and Australia.

With an award-winning discography, Steven Isserlis’srecordings reflect his diverse interests in repertoire. Theauthor of the sleeve notes for most of his recordings, aswell as many articles for leading newspapers and journals,he enjoys writing. His children’s history of great com-posers Why Beethoven Threw the Stew, published byFaber & Faber in October 2001, has already been twicereprinted due to popular demand and is being translatedinto several languages.

A strong interest in musical education makes StevenIsserlis much in demand for teaching—he is ArtisticDirector of the International Masterclass and ChamberMusic forum IMS Prussia Cove and is regularly invited toteach at various prestigious academies in the UnitedStates, Europe and Australia. He has edited and arrangedseveral works for Faber Music and for the internetpublisher sheetmusicnow.com. Awarded a CBE in 1998in recognition of his services to music, Steven Isserlisreceived the Schumann Prize of the City of Zwickau(Schumann’s birthplace) in 2000 and in 2002 was named‘Classical Artist of the Year’ in the Time Out Live Awards.

The Nippon Music Foundation of Japan has kindlyloaned the Feuermann Stradivarius of 1730 to StevenIsserlis. More information about Steven Isserlis can befound at www.stevenisserlis.com.

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© Tom Miller STEVEN ISSERLIS

STEPHEN HoughStephen Hough has emerged as a unique presence on theinternational concert scene. From highly acclaimedperformances of standard repertoire, in recital and withthe world’s finest orchestras, to his interest in discoveringunusual and neglected works, he combines the imagina-tion and pianistic colour of the past with the scholarshipof the present, illuminating the very essence of the musiche plays. He has been honoured with the award of oneof the 2001 MacArthur Fellowships and thereby joins agroup which is described by the MacArthur Foundation ascomprising ‘original and creative people of all ages andgroups across a wide array of human endeavors linkedtogether by their individual commitments to discoveringand advancing knowledge and to improving society’.

Stephen Hough divides his time between homes in theUK and USA. Since winning first prize in the NaumburgInternational Piano Competition in 1983 he has appearedregularly with most of the major American orchestras andwith numerous European orchestras under a range ofleading conductors. He regularly gives recitals in majorhalls and concert series all over the world, and has been afrequent guest at many Festivals including Aspen, Ravinia,Tanglewood, Blossom, Hollywood Bowl, Mostly Mozart,Edinburgh, Salzburg and the BBC Proms.

His extensive list of recordings include many that havewon international prizes such as the Diapason d’Or, theDeutscher Schallplattenpreis, and Classic CD and Gramo-phone Awards. His recordings of concertos by Scharwenkaand Sauer with the City of Birmingham SymphonyOrchestra and Lawrence Foster (CDA66790), and of thecomplete works for piano and orchestra by Saint-Saënswith the CBSO and Sakari Oramo (CDA67331/2), eachwon Gramophone’s prestigious ‘Record of the Year’award. Recordings of Mendelssohn’s complete works forpiano and orchestra, Liebermann’s concertos, Mompou’s

solo piano music (a Diapason d’Or and GramophoneAward winner), and discs of Schubert, Brahms and Liszthave further reinforced his status as an artist of theutmost distinction and individuality. Stephen is also akeen writer and has provided many of the liner notes forhis recordings. These essays have received high praise andhave been singled out by several critics as exemplary.

As a chamber musician Stephen collaborates on aregular basis with friends such as Steven Isserlis, JoshuaBell, Pamela Frank, Tabea Zimmermann and MichaelCollins. He has also performed with the Cleveland,Emerson and Juilliard Quartets. A number of Stephen’scompositions and transcriptions are published by JosefWeinberger Ltd. More information on Stephen Hough isavailable by visiting www.stephenhough.com.

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© Eric Richmond STEPHEN HOUGH

REBECCA EvansRebecca Evans was born in south Wales and studied at theGuildhall School of Music and Drama. She has beenclosely associated with Welsh National Opera throughouther career, her many roles with the company includingIlia (Idomeneo), Cendrillon, Marzelline (Fidelio), Norina(Don Pasquale), Gretel, Oscar, Susanna and Hero(Béatrice et Benedict). She appears frequently at theBayerische Staatsoper where her roles include Sophie(Der Rosenkavalier), Ilia, Servilia (La Clemenza di Tito),Susanna and Zdenka (Arabella).

In 1999 she made her Metropolitan Opera debut asSophie (Werther) and has since returned to sing Zerlina(Don Giovanni) and Susanna. Other operatic engage-ments include Adele (Die Fledermaus) for the LyricOpera of Chicago, Anne Trulove (The Rake’s Progress)and Adina (L’Elisir d’Amore) for San Francisco Opera,Susanna and Zerlina for the Royal Opera House,Cendrillon for De Vlaamse Opera and the title role in TheCunning Little Vixen for Scottish Opera.

In concert, she has appeared at the Edinburgh andRavinia festivals and at the BBC Proms with conductorssuch as Michael Tilson Thomas, Frans Bruggen, TadaakiOtaka and Richard Hickox.

Her recordings include The Marriage of Figaro withSir Charles Mackerras, Falstaff with Sir John EliotGardiner, and a solo disc of Italian songs.

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REBECCA EVANS

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RACHMANINOV ET FRANCK Sonates pour violoncelle

UN RUSSE MÉLANCOLIQUE, taciturne, contrainten pleine force de l’âge de quitter sa terre natalepour partir en exil, parcourant le monde comme

virtuose itinérant, une âme perdue … et un Belgepaternel, tendre, célèbre pédagogue que ne voyagea trèspeu sa vie durant et n’ambitionnait nullement de le faire :deux étranges compagnons qui sont forcés de se côtoyersur ce disque, sans même avoir donné leur assentiment,pourrait-on penser. Mais, outre le fait d’être des com-positeurs romantiques, Rachmaninov et Franck ont aussiun point commun essentiel : leur ferveur religieuse quiinflua fortement sur leurs vies et leur musique, aussi bienprofane que dévotionnelle. Si le Catholicisme ardent deFranck est bien connu (selon les mots de son ami, levioloniste Eugène Ysaÿe, dédicataire de la Sonate, Francksemblait appartenir plus au ciel qu’à la terre), l’appuique Rachmaninov tirait de l’Eglise Orthodoxe russe l’estmoins. A cet égard, une personnalité aussi illustre queCharlie Chaplin relate dans son autobiographie une petitehistoire significative : « Rachmaninov était un hommeétrange à voir ; il se dégageait de lui quelque chosed’esthétique et de monacal […] Quelqu’un aborda lesujet de la religion, et je confessais ne pas être croyant.Rachmaninov s’interposa rapidement : ‘Mais commentpouvez-vous avoir de l’art sans religion ?’ Je suis resté unmoment sans voix. ‘Je ne pense pas que nous parlions dela même chose’, lui ai-je répondu. ‘Ma conception de lareligion est une croyance en un dogme—et l’art est unsentiment plus qu’une croyance.’ ‘Ainsi en est-il de lareligion’, répondit-il. Après quoi, je n’ai plus rien dit. »

Cet aspect mystique de l’art de Rachmaninov est per-ceptible de bout en bout dans sa Sonate pour violoncelle,son œuvre de musique de chambre la plus réussie. Alorsqu’on n’y trouve aucune citation précise d’hymnesorthodoxes, le style d’une grande partie des thèmes aux

intervalles réduits, aux coloris embaumés d’encens, auxrépétitions passionnées presque obsessive d’une seulenote (en particulier le thème principal du mouvementlent) et les sonorités évoquant fréquemment les cloches,dénotent une dette immense envers la musique del’Eglise russe qui exerça une influence majeure dans lavie du compositeur. Ecrite en 1901, l’année suivant lacomposition du Concerto pour piano no2, la Sonate pourvioloncelle reflète peut-être l’état du cœur et de l’esprit deRachmaninov. Ayant souffert une dépression à la suite del’échec catastrophique de sa Première Symphonie en1897, Rachmaninov avait lutté pour regagner sa santémentale et créatrice. Ce n’est sûrement pas chercher troploin que d’entendre un écho de cette lutte dans le premiermouvement, avec son conflit entre les demi-tons et lestons entiers, dans la nuit sombre du Scherzo, et dans lajoie rayonnante du Finale ? Aucun prêtre russe, délivrantson message pascal de « Christ est ressuscité », ne peutavoir rayonné d’un triomphe plus grand que le violoncellealors qu’il énonce le second thème glorieux de ce mouve-ment. Toute la sonate est imprégnée d’une disciplineclassique, un trait vital de toute la musique de Rach-maninov. Elle embrasse une palette fournie d’émotionsromantiques—un voyage de l’âme.

(A ce propos, une remarque s’impose : tout auditeurattentif suivant l’exécution sur une partition pourrait êtresurpris, voire choqué, de nous entendre jouer fortissimoun passage de la coda dans le dernier mouvement alorsque l’édition indique clairement pianissimo. La justifica-tion—outre l’enrichissement de signification musicale,du moins à notre avis—vient d’un pan d’histoire orale :mon grand-père, Julius Isserlis, avait l’habitude de jouercette sonate en Russie avec le dédicataire de l’œuvre, levioloncelliste Anatoly Brandukov. Brandukov, lorsqu’iln’était pas trop occupé à flirter outrageusement avec ma

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grand-mère, confia apparemment à mon grand-père queRachmaninov avait décidé, vraisemblablement après laparution de l’édition, qu’il préférait à ce point là dela partition un fortissimo. Etant donné qu’il n’y eutqu’une seule édition de cette sonate, cette préférencen’eut jamais l’occasion d’être documentée. J’en aientendu parler parce que ma grand-mère, qui était aussipianiste, apprit la sonate lorsqu’elle avait environ quatre-vingts ans, afin de pouvoir la jouer avec moi lorsque j’étaisenfant. Elle m’a alors passé cette bribe d’information queje trouve, je dois l’admettre, entièrement convaincante.)

Datant de 1886, la Sonate de César Franck est un autre« voyage de l’âme ». A nouveau, on a l’impression depercevoir derrière ces pages musicales la présence demotifs personnels. César Franck était non seulement unprofesseur dévoué, mais aussi l’époux déférent d’unefemme dont la religion semble avoir été plus strictequ’aimante. Pourtant, s’il fut indubitablement un hommed’une grande rectitude morale durant presque toute savie, il existe certains arguments permettant d’ajouter foi àla rumeur—qui flotte toujours autant après quasiment125 ans d’existence—selon laquelle il se serait épris desa belle étudiante irlandaise Augusta Holmès (égalementaimée de Saint-Saëns, Liszt et bien d’autres). La musiquede chambre précédant la Sonate de quelques années, sonQuintette avec piano, marqua un départ dramatique, dupoint de vue du style, pour un compositeur jusqu’alorsréservé, départ qui semble avoir été intimement lié à cetteidylle. Ce n’est probablement pas une coïncidence siSaint-Saëns se conduisit comme un malotru durant lacréation et si Mme Franck vociféra des invectives auxélèves de son époux pour lui avoir permis d’écrire unemusique aussi abominable ! Cette sonate est une pagenettement plus raffinée que le Quintette, sa passion y estplus radieuse, mais on y perçoit aussi un conflit entrele profane et le sacré. Celui-ci s’exprime à travers des

intervalles musicaux, les tierces mineures et majeures(généralement considérées comme les intervalles les plusexpressifs de la musique) se disputant la suprématie ;cette lutte ne se résout pas avant l’apparition, à mi-chemin, du Recitatif/Fantaisie d’un thème scintillantdominé par les intervalles « purs » de quarte et de quinte.Comme pour la Sonate de Rachmaninov, le derniermouvement est joyeux, les cloches carillonnent pourmarquer la conclusion du conflit où le sacré semble avoirtriomphé. (Ou peut-être pas : une anecdote est passée à lapostérité où un étudiant de Franck décrivait le maîtrecomme un mystique. Un autre leva ses sourcils : « Unmystique ? Va voir Augusta et demande-lui donc ! » Onn’en saura probablement rien. Quoi qu’il en soit, laconclusion de cette sonate est nettement triomphale !)

(Autre remarque : pourquoi jouer cette Sonate auvioloncelle ? Certains éléments viennent appuyer ce choix.Selon l’histoire orale, elle aurait été initialement conçuepour le violoncelle, Franck ne s’étant ravisé que lorsqu’ildécida de la présenter en cadeau de mariage à son grandami, et « interprète idéal », le violoniste Ysaÿe. De plus,la seconde édition parue du vivant de Franck—unexemplaire existe même avec une dédicace personnelledu compositeur—décrit la sonate comme étant pourviolon ou violoncelle. Il ne s’agit donc pas tant d’unchangement que d’une version alternative.)

Les autres œuvres au programme de ce disquereprésentent des personnalités antérieures des deuxcompositeurs—moins concentrées dans leurs pouvoirsexpressifs, peut-être, mais hautement reconnaissables.Les deux pièces Opus 2 de Rachmaninov furent probable-ment écrites en 1891, également pour Brandukov. Lachaleur sombre de la première et les couleurs exotiquesde la seconde sont caractéristiques de Rachmaninov ; lejeune homme de dix-huit ans qu’il était alors parlait déjàde sa voix inimitable. Les mélodies de Franck dévoilent

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deux aspects de son tempérament. Ecrit en 1842–43 surun poème d’Alexandre Dumas, Le Sylphe est un exemplecharmant et sensuel du style séculaire antérieur deFranck. Le Panis Angelicus de 1872, d’autre part, est unede ses œuvres les plus populaires. Il représente lamusique religieuse pour laquelle il était mieux connu àl’époque. Peut-être cette page donne-t-elle l’impressiond’être quelque peu désuète pour les oreilles modernes,mais la sincérité de la dévotion de Franck demeuretouchante.

(Une dernière remarque : cette version du PanisAngelicus est tirée d’un des nombreux arrangements

publiés du vivant de Franck. Puisque aucun nomd’arrangeur n’y est mentionné, il se pourrait bien que cesoit le compositeur lui-même qui l’ait réalisé. Nousl’avons pourtant légèrement modifié pour le rapprocherde la version originale, le violoncelle y jouant un rôle plus prépondérant que le clavier—je dois admettre quec’est très noble de la part de mon ami, M. Hough, mêmesi une bonne bouteille de vin a dû changer de propriétairepour sceller l’entente !)

STEVEN ISSERLIS © 2003Traduction ISABELLE BATTIONI

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Le catalogue Hypérion est également accessible sur Internet : www.hyperion-records.co.uk

RACHMANINOW UND FRANCK Sonaten für Violoncello

EIN GRÜBELNDER und wortkarger Russe, in seinenspäten Jahren aus seinem Heimatland vertrieben,die Welt als fahrender Virtuose durchstreifend,

wie eine verlorene Seele … und ein sanfter, väterlicherBelgier, ein weithin bekannter Lehrer, der in seinemLeben kaum vereiste und dazu auch keinen Drangverspürte: kuriose Gefährten, mag man denken, die daohne ihre Einwilligung nebeneinander auf eine CDaufgenommen wurden. Aber Rachmaninow und Franckhatten eine grundlegende Eigenschaft gemeinsam (maldavon abgesehen, dass sie beide Komponisten des roman-tischen Zeitalters waren): ihre religiöse Überzeugung, diewährend ihres gesamten Lebens und in ihren Werken,sowohl in den weltlichen als auch in den religiösen,starken Ausdruck fand. Francks leidenschaftlicherKatholizismus ist allgemein bekannt (nach den Wortenseines Freundes, dem Violinisten und Widmungsträgerder Sonate, Eugene Ysaÿe, „schien er eher dem Himmelals der Erde anzugehören“), Rachmaninows Vertrauenauf die Inspiration aus der russischen orthodoxen Kirchedagegen erheblich weniger. Aber kein Geringerer alsCharlie Chaplin erzählt in seiner Autobiographie eineaufschlussreiche Geschichte: „Rachmaninow war einseltsam aussehender Mann, ihn umgab irgendwie eineAura des Ästheten und Klosterbruders … Jemand lenktedas Gespräch auf Religion und ich gab zu, dass ich ankeinen Gott glaube. Rachmaninow meldete sich schnellzu Wort: ‚Aber wie kannst du Kunst ohne Religionhaben?’. Für einen Moment war ich konstaniert. ‚Ichglaube nicht, wir beide sprechen über die gleiche Sache’,sagte ich, ‚Mein Verständnis von Religion ist ein Glaubenohne Dogma—und Kunst ist eher ein Gefühl als einGlaube’. ‚Genauso wie Religion’, antwortete er. Danachhielt ich meinen Mund“.

Dieser mystische Aspekt in Rachmaninows Kunst istbesonders in seiner Sonate für Violoncello spürbar, seinerfolgreichstes Kammermusikwerk. Zwar gibt es hierkeine offensichtlichen Zitate von russisch orthodoxenKirchenliedern, aber der Stil vieler Themen mit ihrenengen Intervallen, ihren Weihrauch atmenden Farbenund der leidenschaftlichen, fast schon besessenenWiederholung einzelner Töne (besonders im Hauptthemades langsamen Satzes) sowie die vielen Glocken-ähnlichen Klänge sind der Musik der russischen Kirche,die solch einen gravierenden Einfluss auf das Leben desKomponisten ausübte, stark verschuldet. Die Cellosonatewurde 1901 geschrieben, ein Jahr nach dem unverwüst-lich beliebten 2. Klavierkonzert, und spiegelt vielleicht denZustand von Rachmaninows Herz und Gedanken zu jenerZeit wieder. Nachdem Rachmaninow einen Nerven-zusammenbruch erlitten hatte, der dem katastrophalenVersagen der 1. Sinfonie 1897 folgte, war es ihm allerWidrigkeiten zum Trotz gelungen, seine geistige undkreative Gesundheit wiederherzustellen. Es ist dochsicher keine Einbildung, wenn man Anklänge an diesenKampf im ersten Satz mit seinem Konflikt zwischen Halb-und Ganztönen, in der dunklen Nacht des Scherzos unddann in der auflodernden Freude des Finales vernimmt?Kein bärtiger russischer Priester mit seinem Osterruf„Christus ist auferstanden“ hat jemals so triumphierendgeklungen wie das Cello bei der Ankündigung des herr-lichen zweiten Themas dieses Satzes. Die ganze Sonate istvon klassischer Disziplin geprägt, die allen WerkenRachmaninows wesenseigen ist. Gleichzeitig entfaltet dieSonate ein riesiges Spektrum romantischer Gefühle—eine Erkundung der Seele.

(Übrigens, wenn der Einschub hier erlaubt sei, deraufmerksame Hörer, der diese Aufnahme mit einer

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Partitur verfolgt, wird vielleicht erstaunt, wenn nicht sogarschockiert sein, wenn er hört, dass wir an einer Stelle inder Koda des letzten Satzes fortissimo spielen, wenn inder gedruckten Ausgabe eindeutig pianissimo vermerktist. Die Rechtfertigung—mal davon abgesehen, dass esoffensichtlich musikalischen Sinn ergibt, zumindest füruns—beruht auf einer mündlichen Überlieferung: meinGroßvater, Julius Isserlis, pflegte diese Sonate in Russlandmit dem Widmungsträger des Werkes, dem CellistenAnatoli Brandukow, zu spielen. Wenn Brandukow nichtgerade unverschämt mit meiner Großmutter flirtete,erzählte er meinem Großvater offenbar, dass sichRachmaninow angeblich nach der Veröffentlichungentschieden habe, an dieser Stelle fortissimo zuverlangen. Da es bisher nur zu einer Ausgabe diesesWerkes kam, wurde dieser Sinneswandel niemalsfestgehalten. Ich habe davon nur erfahren, weil meineGroßmutter, die ebenfalls eine Pianistin war, die Sonatemit ungefähr 80 Jahren lernte, um sie mit mir zu spielen,als ich noch ein kleiner Junge war. Sie leitete diesenErinnerungsfetzen an mich weiter, und ich muss sagen,ich finde Rachmaninows Meinungsänderung völligüberzeugend.)

César Francks Sonate aus dem Jahre 1886 ist eineweitere „Erkundung der Seele“: wieder entsteht derVerdacht, dass hier persönliche Elemente mitgespielthaben. César Franck war nicht nur ein engagierter Lehrer,sondern auch ein pflichtbewusster Ehemann zu einerFrau, deren religiöser Glaube angeblich eher diszipliniertals leidenschaftlich gewesen sei. Aber auch wenn sichCésar Franck zweifellos sein ganzes Leben hindurch fastimmer moralisch richtig verhielt, gibt es Grund zurAnnahme—Gerüchte, die selbst nach über 125 Jahrennoch kursieren—dass er sich in seine Studentin, die

temperamentvolle irische Augusta Holmès, verliebte(die ebenso von Saint-Saëns, Liszt und vielen anderenangebetet wurde). Das der Sonate um einige Jahrevorausgehende und hinsichtlich des musikalischen Stilsfür den vormalig artigen Komponisten drastisch ab-weichende Kammermusikwerk, Francks Klavierquintett,scheint einen starken Bezug auf diese romantischeLiaison zu nehmen. Es war wohl kein reiner Zufall, dasssich Saint-Saëns bei der Uraufführung schrecklichdaneben benahm und dass Frau Franck die Studentenihres Mannes lauthals beschimpfte, weil sie César erlaubthatten, solche „abscheuliche“ Musik zu schreiben! DieSonate ist im Vergleich mit dem Quintett alles in allem einausgefeilteres Werk, ihre Leidenschaften kommen freierzum Ausdruck. Aber auch hier spürt man einen Konfliktzwischen dem Weltlichen und dem Heiligen. Das wirdvermittels musikalischer Intervalle umgesetzt, wobei diekleine und große Terz (normalerweise hält man sie fürdie ausdrucksstärksten Intervalle in der Musik) um dieVorherrschaft rangeln. Diese Spannung bleibt bis nachdem halbwegs durch den Abschnitt Recitativo/Fantasiaerscheinenden, leuchtenden und von „reinen“ Quart-und Quintintervallen beherrschten Thema ungelöst. Wiein der Sonate Rachmaninows ist der letzte Satz freudevoll,und die Glocken läuten, um die Beendigung des Konfliktszu verkünden, in dem das Heilige triumphiert zu habenscheint. (Oder vielleicht auch nicht: man erzählt sich eineGeschichte von einem Studenten Francks, der den Meisterals Mystiker bezeichnete. Worauf ein anderer Student dieStirne runzelte: „Ein Mystiker, sagst du? Geh und fragAugusta!“ Wir werden es niemals erfahren. Wie dem auchsei, das Ende der Sonate ist zweifellos triumphierend!)

(Hier nun ein weiterer Einschub: warum spielt mandiese Sonate auf dem Cello? Es gibt einige Gründe. Nach

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mündlicher Überlieferung war die Sonate angeblichzuerst für Cello konzipiert. Franck habe seine Meinungerst später geändert, als er sich entschied, die Sonateseinem großartigen Freund und „idealen Interpreten“,dem Violinisten Ysaÿe, als Hochzeitsgeschenk zu über-reichen. Zudem steht in der zweiten Ausgabe der Sonate,die sehr wohl zu Francks Lebzeiten veröffentlicht wurde—es gibt sogar ein Exemplar mit einer persönlichenWidmung von Franck—dass die Sonate für Violine oderfür Violoncello sei. So ist die Cellofassung keineBearbeitung, sondern eher eine alternative Version.)

Die anderen Werke auf der hier vorliegenden CDrepräsentieren die jüngeren Gesichter der Komponisten—in ihrer Ausdruckskraft vielleicht weniger konzentriert,und dennoch leicht identifizierbar. Rachmaninows zweiStücke op. 2 wurden wahrscheinlich 1891 geschriebenund waren ebenso für Brandukow. Die dunkle Wärme desersten und die exotischen Farben des zweiten sind reinerRachmaninow: der 18jährige sprach schon mit seinereigenen unverwechselbaren Stimme. Die Lieder Franckszeigen zwei Seiten seiner Persönlichkeit. Das 1842–43auf Worte von Alexandre Dumas komponierte Lied LeSylphe ist ein charmantes und sinnliches Beispiel von

Francks frühem weltlichen Stil. Panis Angelicus von1872, eines der beliebtesten Werke des Komponisten,repräsentiert auf der anderen Seite jene geistliche Musik,für die Franck zu dieser Zeit am meisten bekannt war.Möglicherweise klingt dieses Stück für uns heutzutage einbisschen nach viktorianischer Rührseligkeit, aber dieErnsthaftigkeit von Francks Ergebenheit beeindrucktauch heute noch.

(Ein letzter Einschub: Die hier eingespielte Fassungvon Panis Angelicus beruht auf einer der zahllosenBearbeitungen, die zu Francks Lebzeiten veröffentlichtwurden. Da die Partitur den Namen des Bearbeiters nichtaufführt, kann es gut sein, dass Franck sie selbst geschaf-fen hat, da er viele eigene Bearbeitungen seiner Werkeanfertigte. Wir haben sie allerdings leicht abgeändert, umsie der Originalfassung näher zu bringen, in der das Celloeine gewichtigere Rolle als das Klavier übernimmt—sehrgroßzügig von meinem Freund, Herrn Hough, muss ichschon sagen, auch wenn eine Flasche guten Rotweins dieHände wechseln musste, um die Vereinbarung zubesiegeln!)

STEVEN ISSERLIS © 2003Übersetzung ELKE HOCKINGS

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Also recorded by Steven Isserlis and Stephen Hough:

Johannes Brahms (1833–1897)Cello Sonata No 1 in E minor, Op 38Cello Sonata No 2 in F major, Op 99

Antonín DvoÚák (1841–1904)Waldesruhe, Op 68 No 5Rondo in G minor, Op 94

Josef Suk (1874–1935)Ballade in D minor, Op 3 No 1Serenade in A major, Op 3 No 2

‘There is no doubting the sweep and passion, or the tenderness and intimacy, of their performance.These two outstanding musicians give an equally fine account of the earlier E minor sonata. In bothworks, and in some pleasing miniatures by DvoÚák and Suk, they interact with the combined sensitivityand freedom of true chamber-music players’ (The Sunday Times)

‘At last two musicians have taken this work and delivered a spontaneous stream of musical dialecticthat makes perfect sense’ (BBC Music Magazine)

‘Deeply considered, immensely satisfying accounts. Isserlis and Hough make a formidable team and I look forward to more duo sonatas’ (Gramophone)

Top 10 Records of the Year The Sunday TimesDisc of the Month BBC Music MagazineDisc of the Week BBC Radio 3 CD ReviewListeners’ Disc of the Year BBC Radio 3 CD ReviewEditor’s Choice GramophoneRecital Selection of the Month The Strad

Compact Disc CDA67529

Sergei Rachmaninov(1873 –1943)

1 Prelude Op 2 No 1 [3'13]2 Oriental Dance Op 2 No 2 [5'02]

Sonata for cello and piano in G minor Op 19 [32'44]3 Lento – Allegro moderato [9'51]4 Allegro scherzando [6'16]5 Andante [6'06]6 Allegro mosso [10'29]

César Franck(1822 –1890)

7 Le Sylphe* M73 [4'58]

Sonata for cello and piano in A major M8 [27'46]8 Allegretto ben moderato [6'24]9 Allegro [7'42]bl Recitativo – Fantasia: Ben moderato – Molto lento [7'44]bm Allegretto poco mosso [5'55]

bn Panis Angelicus* [4'08]

STEVEN ISSERLIS celloSTEPHEN HOUGH piano

* with REBECCA EVANS soprano

CDA67376

MADE IN ENGLANDwww.hyperion-records.co.uk

HYPERION RECORDS LIMITED . LONDON . ENGLANDRA

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CD

A67376

NOTES EN FRANÇAIS + MIT DEUTSCHEM KOMMENTAR CDA67376Duration 77'54

DDD

‘An unalloyed joy … the joy they take in each other’s playing is infectious,and if this doesn’t win a few more awards I’ll eat my CD player’ (Mail on Sunday)

Sergei Rachmaninov(1873 –1943)

1 Prelude Op 2 No 1 [3'13]

2 Oriental Dance Op 2 No 2 [5'02]

3 Sonata for cello and piano in G minor Op 19 [32'44]

César Franck(1822 –1890)

7 Le Sylphe† M73 [4'58]

8 Sonata for cello and piano in A major M8 [27'46]

bn Panis Angelicus† [4'08]

‘Steven Isserlis and Stephen Hough give a serene and eloquent performance’ (Gramophone)

STEVEN ISSERLIS celloSTEPHEN HOUGH piano

†with REBECCA EVANS soprano