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Síntesis.El humor es una de las tantas herramientas que posee un realizador audiovisual a la hora de desarrollar el argumento de su filme. Un mismo tema, junto con su contexto y anécdota, puede ser desarrollado desde un género cómico o dramático. La dificultad que presenta narrar mediante el humor es la de no resultar ofensivos o quedar en el ridículo. A su vez, narrar con humor permite realizar crítica social o plantear una mirada personal sobre ciertos temas, de forma más sutil e indirecta. De esta forma se genera un vínculo, entre la obra y quien la percibe, que pone a prueba la capacidad del director para transmitir su idea y la del espectador para poder detectarla. No todas las películas del género cómico buscan despertar en el espectador reflexiones y cuestionamientos, muchas sólo se preocupan en ofrecer distracción o entretenimiento. Esto proviene, fundamentalmente, de las ideas del guionista y/o director.Sólo cuando se tiene en claro lo que se va a contar y cómo se va a mostrar audiovisualmente, se puede optar por utilizar el humor como herramienta de crítica social.
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Universidad Abierta Interamericana.
Facultad de Ciencias de la Comunicación - Sede Regional Rosario.
Licenciatura en Producción y Realización Audiovisual.
Trabajo Final de Licenciatura
El humor en el cine como crítica socialCuatro enfoques, un mismo objetivo
Alumno:Lucas Agustín Acquaroli
Docente tutor: Fernando VareaDocente coordinador: Raúl Bertone
Rosario, septiembre de 2010.
Índice
Síntesis 2
Prólogo 3
Introducción 4
Cine y Humor 5
Cuatro enfoques un mismo objetivo 10
El humor como crítica en la familia 10
El humor como crítica de las relaciones interpersonales 15
El humor como crítica del Nazismo 19
El humor como crítica del hombre en sociedad 23
Conclusión 27
Bibliografía 29
Anexo 1 30
1
Síntesis
El humor es una de las tantas herramientas que posee un realizador audiovisual a
la hora de desarrollar el argumento de su filme.
Un mismo tema, junto con su contexto y anécdota, puede ser desarrollado desde
un género cómico o dramático. La dificultad que presenta narrar mediante el humor es
la de no resultar ofensivos o quedar en el ridículo.
A su vez, narrar con humor permite realizar crítica social o plantear una mirada
personal sobre ciertos temas, de forma más sutil e indirecta. De esta forma se genera un
vínculo, entre la obra y quien la percibe, que pone a prueba la capacidad del director
para transmitir su idea y la del espectador para poder detectarla.
No todas las películas del género cómico buscan despertar en el espectador
reflexiones y cuestionamientos, muchas sólo se preocupan en ofrecer distracción o
entretenimiento. Esto proviene, fundamentalmente, de las ideas del guionista y/o
director.
Sólo cuando se tiene en claro lo que se va a contar y cómo se va a mostrar
audiovisualmente, se puede optar por utilizar el humor como herramienta de crítica
social.
2
Prólogo
En la cotidianidad, siempre se habla de la responsabilidad social que poseen los
doctores, abogados, policías, etc. Pero pocas veces se trata con relevancia la
responsabilidad que tiene un realizador audiovisual.
Esto se debe en parte a que la mayoría de las personas ven al cine como un mero
entretenimiento, comparable con la televisión, donde el espectador no busca reflexionar
sobre su vida o sobre la sociedad en la que vive, sino, por el contrario, desea alejarse de
su realidad, olvidarse de sus problemas.
La ficción es un reflejo de la realidad, y dentro de ese ámbito, nosotros, los
realizadores audiovisuales, manipulamos la realidad. Si logramos comprender dicho
concepto, nos daremos cuenta que tenemos una gran responsabilidad ética y social.
Al realizar una obra, estamos dejando nuestros pensamientos, ideales, nuestra
forma de ver y sentir, impresos para siempre en aquella que resulte ser nuestra película.
Poder expresarnos, transmitir nuestro mensaje a miles de personas, es lo que
más anhelamos, pero propongo que sepamos conformarnos con saber que al menos una
persona luego de ver nuestro filme sintió un cambio, logró reflexionar y entender lo que
queremos compartir.
Muchos buscarán el documental como medio, otros intentarán emocionarnos
mediante la seriedad del drama; por mi parte admiro a aquellos valientes que utilizan el
humor para lograr que al reírnos de nosotros mismos nos demos cuenta quiénes somos.
3
Introducción
Estamos acostumbrados a pensar que el humor sólo sirve para divertirnos; que
todas las comedias son iguales, que para dramas ya está la vida, o al menos así suelen
justificarse algunas personas a la hora de elegir entre una película dramática y una
comedia.
Prejuzgar de tal manera es cometer inconscientemente el error de no contemplar
la idea de que los géneros cinematográficos pueden fusionarse. De hecho no existen
géneros puros, sino un género dominante o que prevalece sobre el resto.
Pero dejemos de lado (al menos por ahora) esta última aseveración y seguir con
la idea de que vemos una película de humor con el solo objetivo de poder pasar un
momento grato, buscando durante el transcurso de la obra olvidarnos de nuestros
problemas, distanciándonos así de la realidad que nos rodea.
Automáticamente la relacionamos con un estado de ocio, como lo demuestran
los productos más solicitados en los videoclubes o vistos en la televisión actual. ¿Qué
pasaría si descubrimos que detrás de estas situaciones cómicas nos encontramos con una
ideología, una posición moral o política, una intención por parte del realizador de
decirnos algo, de mostrarnos un reflejo de nuestra realidad pero utilizando el humor?
En este ensayo se intentará analizar cómo el humor en el cine puede servirnos
como modo de crítica social. Se evaluarán las distintas vertientes del humor para
estudiarlas en cuatro obras audiovisuales.
Se dividirán estas realidades en las principales estructuras del sistema social que
forman el contexto del individuo: la familia, las relaciones de pareja, la amistad y la
relación del individuo frente a la sociedad.
También se indagará en la función del actor, quien es el encargado de interpretar
el deseo del director, decodificar su intención y volver a codificarla para transmitir el
mensaje al espectador.
Si bien una obra audiovisual se lleva a cabo mediante la interacción de diversos
roles (como la producción, la fotografía, el sonido y el montaje, entre otros), los
siguientes capítulos sólo se basarán en el análisis del argumento, sabiendo que éste debe
plasmarse en un filme mediante la interacción de distintos factores (una dirección
ingeniosa, trabajo de iluminación adecuada, actuaciones acordes a lo que se espera de
los personajes, etc.).
4
Cine y Humor
Humor es una palabra que deriva de la lengua inglesa. Los franceses aplicaron
dos nomenclaturas del vocablo inglés transformando humour (humor) en cuanto al
estado de ánimo y refiriéndose al humeur (humor) como fluido corporal dentro de cada
individuo.
Sin embargo, para los ingleses, italianos o españoles, humor es el término que
tendrá como significado el fluido corporal tanto como el humorismo en sí. Según
Jonathan Pollok (2003) “el fenómeno del humor debe tomar en consideración el de la
melancolía; son dos conceptos que no sólo se aclaran recíprocamente, sino que no
pueden conceptualizarse de otro modo que no sea mediante una elaboración común”. 1
Pollok está situando al humor como un estado de ánimo que presenta una
persona; de esta forma lo relaciona con el nivel de sustancias del cuerpo. Desde los
griegos, a este humor corporal se le atribuye la particularidad de modificar y perturbar
las facultades del espíritu humano, sensación que llamaremos bilis negra o melancolía.
Esta melancolía que designa las sustancias del cuerpo, era tomada
conjuntamente con la bilis negra por los médicos humoralistas de la antigüedad, quienes
tenían en claro y no dudaban que el espíritu humano era trascendente a su cuerpo
material. En cuanto a dicho concepto Pollok insiste en que se debe marcar una línea
divisoria para diferenciar por un lado esta psiquis y fluidos corporales y, por otro, el
régimen de un logos, palabra, lenguaje o razón.
Es importante que logremos darnos cuenta de esta división entre la psiquis y el
lenguaje; tratemos de comprender que cada cultura social posee su propia lengua; la
lengua es considerada un sistema debido a que posee estructuras; estas estructuras van a
variar según el grado de compresión del sujeto frente a un significante y significado o
expresión y contenido de su lengua.
La bilis negra o melancolía, será la causa material de lo que llamamos risa, la
misma se encuentra sometida a la moral y por ende se encuentra bajo la observación y
juicio del receptor.
Otra vertiente del humor que encontramos en la antigüedad es la ironía y el
cinismo, teniendo como fundador al filósofo Antístenes, pero nos centraremos no en él
sino en su discípulo Diógenes Laercio de Sinope, quien se hacía llamar a sí mismo
1 Pollock, Jonathan ¿Qué es el humor? Buenos Aires: Paidós; 2003.
5
perro, ya que él planteaba que la relación que existía entre los canes y los humanos era
mucho más fuerte de lo que se pensaba.
Diógenes practicaba la réplica y la invectiva. Incitaba a su auditorio a sustraerse
a la opinión corriente, respondiéndole y tomándole el pelo al mismo tiempo. Es
oportuna la historia que se narra sobre el encuentro que mantuvo con Alejandro Magno,
quien, al encontrárselo sentado en una pradera, le propuso que le pidiera lo que deseara
que él se lo concedería, a lo que Diógenes respondió: -Apártate un poco, me estás
tapando el sol. Tal era la estima que Alejandro le tenía, que aseguraba que si no hubiese
sido Alejandro hubiera deseado ser Diógenes de Sínope.
Vale destacar que el humoralista no se permite burlarse de la ingenuidad de los
otros, al contrario, ve en ella la primera de las cualidades, y debe explotarlas,
desarrollarlas con el fin de alcanzar la poética por la cual se lo reconoce.
Convengamos que el fin inmediato del humor es producir una reacción
psicofísica conocida como risa que indica que el nexo entre locutor y receptor fue
satisfactorio. En la Edad Media, la risa era considerada un acto satánico, por parte de la
iglesia, la cual controlaba las grandes bibliotecas de aquel entonces, y a su vez, eran los
encargados de la alfabetización. En otras palabras, la iglesia cumplía el rol de censor de
todas las verdades establecidas.
Es pertinente tener en cuenta la existencia de estas concepciones y saber que el
humor fue censurado durante un largo período y, por ende, también censurados aquellos
que intentaban explorarlo y compartirlo.
Con el paso del tiempo la palabra humor consiguió dar un giro semántico por
intermedio de la lengua y el teatro inglés, los dramaturgos fueron aquellos que se
apropiaron de ese signo y la adaptaron a sus obras, comenzaron a aplicar el humor
potenciándolo con el fin de producir efecto en los demás, marcaron los conceptos de la
comedia en lo ridículo, lo feo y lo bajo. El bufón y el melancólico se introducen en el
escenario isabelino en el mismo momento, logrando una nueva forma de humor
naciente de su conjunción.
La dramaturgia comenzó a utilizar la comedia (más específicamente en las
tragedias) como forma de comunicación de aquello que resultaba imposible decirse
directamente. De esta forma entendemos que la tragedia isabelina en general no
constituía de ningún modo un medio destinado a distender al público afectado por las
atrocidades de la acción trágica, ni tenía un total deseo de divertir a la partes más toscas
o de menor capacidad del público, por el contrario su aspecto irónico intentaba
6
demostrar las artimañas del destino y su aspecto humorístico a veces voluntario, otras
casual, plasmaba las potencias sombrías de la realidad.
En El chiste y su relación con lo inconsciente, Freud (1905), mediante el
psicoanálisis de la retórica, establece la relación que existe entre los rasgos del ingenio y
el sueño, describiendo que ambos expresan un deseo inconsciente y a su vez ambos
emplean las mismas formas para llevarlo a cabo. Estas técnicas, según el reconocido
psicoanalista, serán la condensación (comprensión de varios objetos o ideas en uno) y el
desplazamiento (trasladar las características de un objeto a otro), que reflejarán en la
figuración indirecta o, por el contrario (ironía), jugando con la utilización del absurdo
en ciertas ocasiones.
El aparato psíquico, continúa, tiende a reducir la excitación o a mantenerla lo
más baja posible casi al punto de la censura, en consecuencia toda obtención de placer
resulta de un gasto psíquico economizado. En el caso del chiste, el placer provendrá de
una economía realizada en materia de gasto de inhibición y, en cuanto a lo cómico, de
la economía de un gasto de representación. Con respecto al humor, plantea que el placer
proviene de la economía de un gasto de sentimiento, relacionándolo con la piedad,
irritación, sufrimiento, asco, horror: tipos de afectos que determinan la variedad del
humor.
También nos propone que éste “marca aún más que el triunfo del yo, el triunfo
del principio de placer, mediante la economía de un derroche del sentimiento”. 2
De esta forma podemos entender cómo la censura psíquica del hombre encuentra
puntos de fuga en el chiste, es decir, utilizamos un doble discurso (muchas veces sin ser
conscientes de esto) para insinuar, mediante la gracia, algo que realmente queremos
expresar, De esta forma nuestra intención es la de no ser directos, sino marcar un
segundo mensaje oculto o camuflado dentro del humor, poniendo a prueba a su vez a
nuestro oyente, quien será el encargado de decodificar el chiste para comprender su
verdadero significado o simplemente dejarlo pasar. Esto demuestra que, para Freud, la
esencia del humor no está en la broma misma, sino en la intención que la anima.
Entonces cuando a humor nos referimos, comprendemos, que mediante la
utilización de procedimientos dramáticos y semióticos que convergen en su realización,
todo nos reduce en la risa del espectador, pero advirtamos que sin el ejercicio de la
razón no habrá comicidad.
2 Freud, Sigmund. Obras completas de Sigmund Freud. Volumen VIII - El chiste y su relación con lo inconsciente (1905). Buenos Aires & Madrid: Amorrortu editores; 1978.
7
Ya respondimos o al menos tenemos una idea de las diferentes concepciones
sobre el humor, ahora pasaremos a analizar cómo se aplica éste en el lenguaje
cinematográfico.
El cine fue dividido bajo la terminología de géneros, y éstos marcan al
espectador una idea superficial del filme, los más conocidos por nosotros serían: Drama,
Terror, Ciencia Ficción, Bélica, Acción, Policial Negro, Comedia y Documental entre
otros.
Pero debemos tener en cuenta que puede ser un error pensar que una película
está basada en un género y no sale de éste. Generalmente no existe un género puro, sino
una supremacía de éste por sobre los otros. En base a esto podemos afirmar que una
película de ciencia ficción puede contener comedia, como así podrían contenerlas
películas de acción o terror.
Ahora bien, el primer problema que nos surge al hablar de una “Comedia” es
entender de qué estamos hablando ¿Qué es una película cómica? Gustavo Noriega, uno
de los actuales directores de la revista El Amante, responde conjeturando: “Pertenecen a
la comedia aquellos films que intentan aumentar el coeficiente de felicidad universal a
través de la felicidad misma” 3
La comedia, según Noriega, busca que logremos sentirnos bien, lo cual se
logrará a través de los hechos que plantea, de su historia, conjuntamente con los
personajes propuestos, cumpliendo el espectador el rol de crítico.
En este sentido la comedia podría considerarse un género contenidista. El grado
de inteligencia de su contenido logrará causar placeres dispares. Lo indiscutible es que
el objetivo estará cumplido cuando el público salga más contento que cuando entró a ver
el filme.
Analizando las variantes del cine cómico, Noriega clasifica las distintas formas
de felicidad. Las comedias norteamericanas juegan con la sensación de una situación
resuelta, uno sabe automáticamente en una comedia romántica que los dos personajes en
cuestión terminarán juntos al finalizar la historia. Las comedias europeas son otra forma
de relato un tanto más sutil y difuso para el espectador, nos presentan variaciones
dramáticas y desequilibrios que deben de ser corregidos, la felicidad allí es homogénea
y atraviesa el relato impregnándolo, los personajes no llegan a ser del todo felices pero
la mirada que los plasma sí lo es.
3 Noriega, Gustavo. La felicidad es una comedia calentita. Argentina. Uruguay: Revista El Amante; 1994.
8
La comedia hollywoodense, por el contrario, con su predecible happy end (final
feliz), posibilitó la creación de variantes como el falso alivio (donde el final feliz no lo
es del todo, pero solo nos daremos cuenta terminada la película), la ambigüedad (que
utiliza la vida social y la realidad para marcar distintas posturas), y por último la
paradoja (que intentan narrar una historia desde un punto de vista poco común, o que
resulte irónico).
Eduardo Russo, crítico y autor de libros de cine, propone subgéneros dentro de
la comedia cinematográfica:
Burlesque: Término que se origina y aplica profusamente en el teatro, aunque se suele
aplicar en filmes donde sus personajes provienen del music hall.
Comedia americana: La unión más feliz entre el teatro y el cine.
Comedia Negra: Subgénero que agrupa los films que hacen reír a uno hasta el punto de
preguntarse de qué nos estamos riendo, por su ácida concepción socio política e incluso
por atreverse a armarse de humor frente a la muerte.
Gag: Designaba a las improvisaciones breves que un comediante teatral agregaba a su
papel.
Screwball Comedy: Algunos las llaman exóticas o alocadas, lo cierto es que este tipo de
comedias corresponden a un escape de las frustraciones sociales, mostrando personajes
victimas de enredos, confusiones y romances en un mundo despreocupado, elegante y
ligeramente millonario.
Sitcom: Abreviatura de Situation Comedy, filmes cuya trama se funda en la interacción
cara a cara de pequeños grupos humanos.
Slapstick: El término designa un implemento usado por los payasos de circo, donde el
cuerpo comienza a prevalecer con su movimiento y su sentido de destrucción o pulsión
anárquica.
9
Cuatro enfoques un mismo objetivo
El humor como crítica en la familia
El termino familia no se encuentra establecido con exactitud; algunos autores
plantean que su origen proviene del latín fames (hambre) y otros proponen su origen del
término famulus (sirviente). Basándose en ambos términos se llegó a creer que el
término familia era utilizado para hacer referencias al conjunto de esclavos, propiedad
de un solo hombre.
Hoy se denomina familia a la principal forma de organización de los seres
humanos; dicho concepto refiere a la agrupación de los individuos bajo un lazo de
parentesco por linaje de sangre (padre e hijo) o por convenio social (como el
matrimonio o la adopción). Estas relaciones se encuentran vinculadas por sentimientos
psicológicos como el amor, el afecto y el respeto, que forman parte de una serie de
reglas o principios funcionales a la estructura familiar.
En el siguiente análisis, se intentará desglosar cómo algunos realizadores
audiovisuales plantean su mirada respecto a esta realidad, que refiere a los conflictos de
familia, utilizando el humor como herramienta.
Se tomará como fuente principal la película independiente norteamericana
Little Miss Sunshine (2006), escrita por Michael Arndt y dirigida por la pareja Dayton y
Valerie Faris.
Para el guionista Michael Arndt, esta fusión de comedia dramática y road
movie gira alrededor de un complicado viaje que emprende una familia, disfuncional en
cuanto a sus integrantes por separado y funcional a la hora de actuar y trabajar como
grupo, cuyo destino resulta ser un concurso de belleza para pre-adolescentes, del cual
participará la hija mejor del matrimonio, Hoover.
Dicho viaje no solo mostrará un cómico caos, sino también el proceso de
transformación de los personajes, dando otro punto de vista de la lucha por no ser un
perdedor dentro de una sociedad que se encuentra cegada por la victoria.
El film, recurriendo a un ágil trabajo de edición, refleja pequeñas muestras de
las miserias que poseen sus personajes, los cuales se podrían clasificar como antihéroes,
particularidad que los volverá más identificables con el espectador.
Richard Hoover (Greg Kinnear), el padre, es quizás quien ante la mirada
externa, resulta ser el más normal o convencional.
10
“Hay dos clases de personas en este mundo, ganadores y perdedores”, será lo
primero que se escuchará de dicho personaje. Resultará irónico para Richard y lógico
para el espectador, descubrir que él se encuentra del lado de aquellos que cataloga como
perdedores y que sus nueve pasos para lograr el éxito son totalmente susceptibles de
fallas.
Sherly (Toni Collette) es la jefa real de la familia, es quien debe mantener un
orden dentro del caos reinante entre sus integrantes: “Pase lo que pase somos una
familia y lo importante es que nos queremos”.
Dwayne (Paul Dano) hijo mayor de los Hoover, es un adolescente introvertido
y lleno de ira hacia su entorno social, teniendo a Nietzsche como su ejemplo a seguir, ha
hecho un voto de silencio hasta lograr ingresar a la Fuerza Aérea. Será a lo largo de la
historia que descubrirá que el futuro que con tanto rigor desea, sucumbirá por algo ajeno
a su voluntad (padece de daltonismo). “No son mi familia, no quiero ser su pariente, los
odio. ¿Divorcio, bancarrota, suicidio? Son unos perdedores”.
Olive (Abigail Breslin) es la hija menor de 7 años, motor o causante de la
travesía que deberá recorrer su familia para llevarla al concurso de belleza y nuevos
talentos “Pequeña Niña Sol”. Tras sus enormes gafas se esconde la mirada inocente que
utilizarán los Faris para analizar la vida adulta.
Edwin Hoover (Alan Arkin), padre de Richard, es un veterano de guerra, adicto
a la heroína, las malas palabras y la pornografía, que encontrará su fin, producto de sus
excesos.
“Tú no vayas a consumirla, cuando eres joven es una locura hacerlo, y en
cuanto a mí, soy viejo, cuando eres viejo es una locura no hacerlo”. Así aconseja
Hoover a su nieto mientras hablan de su adicción a las drogas, que refleja su forma de
afrontar el fin de su vida. Y que, a su vez, permitiría pensar en forma hipotética el hecho
de ver en nuestro pasado nuestro futuro; es decir, lograr aprender de quienes ya han
vivido y han errado.
Frank (Steve Carell) interpreta al hermano de Sherly, un prestigioso intelectual
en la obra de Proust, quien desea darle un nuevo orden y sentido a su vida, tras intentar
suicidarse ante el rechazo afectivo por parte de un alumno.
En la actualidad la mayoría de las familias sufren una desestructuración,
producto de situaciones económicas o afectivas. El filme plantea dicho problema, pero
mantiene al margen su idealismo al respecto, lo que sí marcará es una nueva
11
comprensión de este núcleo social, donde cada integrante es conciente que dentro de los
vínculos familiares siempre existirán las diferencias.
Los lazos afectivos no se explicitan diariamente con frases de amor, pero sí se
trabajan, por ejemplo, cuando es necesario para la familia esforzarse como un equipo
para lograr un objetivo, que en una primera instancia es el obstinado concurso de
belleza pero que termina siendo mucho más que perseguir esa corona. Se verán actuar
como grupo por primera vez al intentar dar arranque a la camioneta, luego al sacar el
cadáver de Edwin del hospital y por último al apoyar a Olive en el concurso (vale
destacar que en esta última acción los personajes actúan por voluntad propia, a
diferencia de las anteriores, en las cuales una fuerza mayor los obligaba a colaborar).
“Si de algo se sabe en Estados Unidos es de competitividad. De hecho, y
aunque sin duda la división entre «ganadores» y «perdedores» puede atribuirse a los
ilustrados y románticos franceses, es imposible negar que, en parte, tales términos son
una consecuencia directa del liberalismo y el capitalismo anglosajón”4
La economía es algo que repercute fuertemente en la familia. Viviendo en un
sistema capitalista el dinero es la fuente de los ingresos, estudios e inclusive de la
inserción social. Podríamos decir que para la sociedad a simple vista eres lo que tienes.
A diferencia del realizador Wes Anderson, en el filme Los excéntricos
Tenembaum (2001), quien plantea a la familia como una maraña de sensaciones,
emociones y sentimientos contradictorios donde ni el dinero ni la genialidad de sus
personajes aseguran la felicidad en la vida; en Little Miss Sunshine al igual que en la
película argentina Esperando a la carroza (1985), de Alejandro Doria, la familia se verá
afectada y condicionada por su situación monetaria, lo cual producirá enfrentamientos y
situaciones problemáticas entre sus personajes.
“¿Qué es eso? ¿Pollo? ¡Todas las noches es pollo de mierda!” Se queja
Edwin Hoover -quien a diferencia del personaje de Antonio Gasalla, Mamá Cora, en
Esperando la Carroza aún tiene voz y voto en su familia- dando a entender al
espectador que no es la primera vez que cenan comida chatarra, dado que es más barata
y ahorra la elaboración de la comida, lo cual conlleva tiempo que al parecer ni Sherly ni
Richard poseen.
En Esperando a la Carroza, el personaje de Luis Brandoni al salir de la casa de
sus familiares cita la célebre frase: “Cuanta miseria, tenían solo 3 empanadas para
4 Ortiz, Guillermo. Little Miss Sunshine. Perdedores, furgonetas y concursos de belleza. Almiar, Margen Cero [revista en línea] Noviembre 2006 [1 pantalla]. Disponible desde : URL: http://www.margencero.com/cine/Little_Miss_Sunshine.htm
12
comer”, mientras se comía una. Sabiendo la situación económica de sus pares (la cual
no se asemeja en absoluto a la de su personaje), no dudó en quitarle lo poco que poseían
de alimento. Pero, a su vez, Doria (el director) muestra el carisma y la amabilidad por
parte de los que menos tienen, reivindicando que la moral familiar no posee clase social.
Alejandro Doria, a partir de una obra teatral de Jacobo Lansgner, hizo una
película que bien entendida marca una difícil realidad: ¿qué hacer con nuestros padres?
Little Miss Sunshine también es conciente de esto. Es más, lo plantea a través de Edwin
Hoover, quien se ve obligado a vivir con su familia tras su expulsión del geriátrico por
su adicción a la heroína. ¿Cuál es la diferencia con la situación de Esperando la
Carroza? Tal vez sea que Richard, su único hijo, disconforme o no ante la situación le
da a su padre lo que necesita, en cambio Mamá Cora posee tres hijos, los cuales se
disputan su tenencia, no con intención de cuidarla, sino al contrario; la tensión se genera
en quién debe cargar con el peso de su presencia.
Es tanta la presión a la que nos vemos sometidos por los medios de
comunicación, por nuestros familiares, por nuestros amigos, que buscamos
constantemente un estado de felicidad. Y cuando no lo conseguimos, nos sentimos
frustrados, infelices y muchas veces fracasados.
Al igual que en el film Happiness (1998), de Todd Solondz, en Little Miss
Sunshine, los personajes sienten la necesidad de ser felices o de alcanzar aquello que les
permita serlo. Los Hoover deberán afrontar y reconocer sus fracasos personales para
poder comenzar una nueva búsqueda personal que los haga sentir cómodos consigo
mismos y su entorno.
“El sufrimiento es algo que enseña a vivir, sin sufrimiento no podríamos
aprender nada”, intenta explicarle Frank a su sobrino, a lo que éste responde: “La vida
es como un concurso de belleza, al diablo con eso. Uno debe hacer lo que ama y
encontrar la forma de lograrlo, no vivir en un mundo que te imponga lo que debes
pensar, ver o sentir”.
En cuanto a los personajes de Todd Solondz, ellos muestran también su
búsqueda de la felicidad, pero basándola en querer lo que no tienen. Sin embargo todos
y cada uno de ellos, cuando consiguen lo que tanto anhelaban se sienten defraudados,
frustrados, a veces vacíos o con una inmensa sensación de culpa. La conversación final
que tiene Dave Maplewood (Dylan Baker), con su hijo Billy (Rufus Read), en la cual le
explica que es un pedófilo, muestra una escena fuerte en cuanto a su contenido, pero al
mismo tiempo, delicada, respecto a su tratamiento visual y argumental.
13
Happiness refleja una verdadera mirada de la naturaleza humana, y el humor
no está exento en su narración, lo cual no quiere decir que el director se ría de sus
personajes. Casi siempre la vida mezcla drama y comedia, lo serio con lo grotesco.
Nada es nunca blanco o negro.
En cuanto a Little Miss Sunshine: “Consiste en que los personajes representan
cada una de las frustraciones de nuestra propia vida. Son arquetipos, momentos de
nuestra experiencia representados en la pantalla, puestos todos juntos en la misma Van
amarilla”5
La camioneta representará el rumbo de la familia Hoover, paradójicamente al
descomponerse, causará que la familia deba trabajar en equipo, demostrando en esta
acción que sus diferencias como individuos son omitidas a la hora de actuar como
grupo.
El hecho de que el vehículo no pueda frenar, solo seguir adelante, quizás es una
analogía que Micheal Arndt utiliza para demostrar lo que estuvo haciendo la familia
todo este tiempo, seguir sin importar las trabas que se fueran presentando. Porque
después de todo, Little Miss Sunshine, propone a la familia como un grupo integrado
por diferentes personalidades, quienes una vez que comprenden sus diferencias, logran
unirse por un mismo propósito, el de apoyarse mutuamente y continuar hacia adelante,
intentando descubrir qué les depara la vida, pero sabiendo que siempre tendrán a alguien
que los ayude en sus decisiones.
5 Scout. Little Miss Sunshine. La noche Americana [revista en línea] Jueves 28 de mayo del 2009 [1 pantalla]. Disponible desde : URL: http://noche-americana.blogspot.com/2009/05/little-miss-sunshine.html
14
El humor como crítica de las relaciones interpersonales
La comedia romántica puede catalogarse como un subgénero dentro del género
cómico, utilizando el melodrama como fuente para los personajes que siempre se
encuentran en la búsqueda de su destino, amor o verdad. Los personajes principales
evolucionan, interna y/o externamente, reflejándose en sus acciones o forma de pensar.
En la mayoría de los filmes, el protagonista logra encontrar el amor o aquello
que se vuelve necesario en su vida para poder causar un cambio. Pero existe una
minoría, como es el caso por ejemplo de La Boda de mi mejor amigo (1997, Dir: P.J.
Hogan) donde el personaje (en este caso Julia Roberts) no logra su cometido, jugando
con la interpretación del espectador quien espera un final feliz y predecible.
En el caso del cine nacional, se tomará como referente la opera prima de
Gabriel Medina Los Paranoicos (2008) una comedia donde pueden encontrarse vínculos
con directores como Damián Szifrón o Martín Rejtman, (vale destacar que Medina
trabajó con ambos realizadores).
“Llegó un momento de mi vida en que sentí que ya tenía algo que contar. Los
Paranoicos surgió como la necesidad de retratar un mundo que estaba relacionado a mi
generación, mi vida, la vida de mis amigos y de los amigos de mis amigos. Veía que
nosotros no estábamos presentes en el cine nacional, que no se planteaban conflictos ni
mundos como los que trabajé en la película. Esa necesidad cobró forma el día en que
decidí llevar a cabo la película”, explica Medina. 6
Si algo se puede destacar de los personajes principales, es su buen trabajo
actoral desarrollado a lo largo del filme, en el cual logran marcar el estereotipo de cada
uno de los integrantes que complementan la historia, los cuales se encuentran en la
búsqueda personal, basados en una relación triangular.
El director reconoce abiertamente en varias de sus entrevistas, que el filme se
encuentra influenciado por la novela El sueño de los héroes del escritor Adolfo Bioy
Casares, publicada en el año 1954.
Luciano Gauna (Daniel Hendler) es un paranoico compulsivo, con problemas
de seguridad, los cuales se reflejan en sus relaciones. Guionista (aunque nunca logró
terminar su primer guión), vive en un departamento que no es suyo y se alimenta gracias
6 Martínez, Jorge. Entrevista a Gabriel Medina. Filmlatina.com [revista en línea] Lunes 23 de Marzo del 2009 [1 pantalla]. Disponible desde : URL: http://www.filmlatina.com/site/noticias/interna.php?id=958
15
al dinero que obtiene trabajando como animador de fiestas infantiles; esquiva la mirada
del resto y se mueve con torpeza, casi adolescente por momentos, como si siempre
cargara con los disfraces ridículos de su trabajo o sintiera que él mismo es una carga.
Estancado y deprimido no demuestra iniciativas o avances con respecto a su vida: - “Un
alopax de 20 miligramos a la mañana y diez gotas de rivotril por la noche, cuando
fumo marihuana no tomo el rivotril”. Explica Gauna a su Doctor.
Manuel (Walter Jacob), su antagonista y amigo, productor de televisión en
España, que logró reconocimiento con su guión televisivo Los Paranoicos. Seguro y
confiado de sí mismo. Su mirada, según la necesidad, puede perforar o perderse, con
una actitud emprendedora y soberbia frente al resto: - “Me puse a criticar una obra que
no es que era mala, era peor que mala y en definitiva esa obra la había escrito
Luciano”. Alardea Manuel frente a su novia y Luciano.
Entre ambos personajes surge la aparición de Sofía, novia de Walter, quien no
tardará en acercarse a Luciano “Cuando vi Los Paranoicos me reí mucho con Gauna.
Nunca pensé que iba estar sentada junto al verdadero” dice Sofía mientras toma una
cerveza sin despegar la mirada del rostro de Luciano.
Al igual que el fóbico e inestable personaje de Barry Egan (Adam Sandler)
encuentra la serenidad y dirección que necesitaba, a través de Lena Lonard (Emily
Watson) en el filme Embriagado de amor (2002), del director Paul Thomas Anderson.
El personaje de Luciano Gauna, encontrará una salida a su depresión y vació
emocional, a través de Sofia, quien será la encargada de demostrarle que vive una vida
de miedos, los cuales nunca perderá si no logra enfrentarlos. “¿Siempre haces eso?
Digo de cerrar las persianas, pender el sahumerio… ¿Le tenés miedo al portero?” Le
pregunta al ver la reacción de Gauna cuando enciende un cigarrillo de marihuana en su
propia casa.
Podríamos decir que Los Paranoicos trata de las miradas, de lo que vemos y
pensamos, de lo que creemos que el resto de las personas piensan de nosotros, de
sentirnos todo el tiempo bajo la observación y aprobación de nuestro entorno e incluso
de aquellos que siquiera conocemos.
El personaje de Manuel se siente por encima de estas miradas, cree que su
mirada es la acertada, y es esa confianza y arrogancia al mismo tiempo, lo que le
permite moverse sin sentirse afectado. Algunas de sus frases que pueden darnos una
idea sobre lo planteado, podrían ser:
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“Sherman en esa época lo único que hacía era tomar cerveza y hablar… Bueno
seguramente es lo que sigue haciendo ahora ¿no?”
“Luciano es como esos tipos que están con vos, que son amorosos pero que tienen una
vez por semana esos días que están raros”
“Luciano Gauna es amigo mío, Luciano Gauna de “Los Paranoicos” está inspirado en
él. Luciano, mi amigo, es muy cursi, usa expresiones como hacer el amor, y también es
muy paranoico. Es por eso que el personaje está inspirado en él”.
En la escena de la cena, Gauna descubre que la caja de vinos se encuentra en
mal estado, imperturbable en sus dudas, va a reclamarle al dueño del mercado, su única
seguridad es la de los objetos. Por eso la paranoia ante el preservativo con problemas,
por eso la furia del vino. En Los Paranoicos, los personajes interactúan con los objetos
que los rodean, que forman parte de su contexto social.
Pero la confianza de Manuel no durara toda la historia, en el momento que
observa la relación que existe entre Luciano y Sofía (representada simbólicamente por
un muñeco de plástico donde Gauna esconde su droga) es entonces cuando su mundo
seguro e intocable se ve amenazado, quizás no lo demuestra, pero interiormente sabe
que algo no se está presentando como debería ante su mirada.
Hay varios nudos dramáticos de gran importancia en el argumento de la
película, como la escena del duelo virtual en el cuál Gauna y Manuel se enfrentan en el
boxeo de una consola de videojuegos, sirviendo como analogía de la competencia que
existe entre los dos, ahora potenciada por la presencia de una Sofía, quien no demuestra
ningún tipo de interés en la situación.
La mayoría de las comedias románticas contemporáneas, buscan que el
espectador se identifique con algún personaje de la historia, o con la situación en sí. La
idea es que sienta que, a él o ella, podría ocurrirle lo mismo que se narra en el filme,
encontrar la pareja ideal tanto física como mentalmente.
Medina logra volver cómplice al espectador de la transformación del personaje,
inclusive uno puede llegar a sentirse por primera vez identificado en la duda de Gauna,
quien debe elegir entre una oferta laboral o la posibilidad de permitirse conocer el amor
y lo que esto conlleva, de la mano de Sofía (quien resulta ser la pareja de aquel quien le
ofrece un trabajo).
Para el joven director la mejor manera de contar, de plasmar, de explicar
ciertas cosas es a través de la música. A su entender, hay cosas que son más bellas a
través de ella. Es parte de una construcción dramática y poética.
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Las dos escenas donde la música interactúa con los personajes son de gran
relevancia, la primera es la que nos muestra como Luciano logra liberarse, soltarse y ser
él mismo, sin pensar en la mirada ajena. La segunda es la escena de la fiesta donde
Gauna y Sofía bailan juntos por primera vez. El encuadre del plano, junto con la música
y la acción de los personajes, nos plantean una puesta muy erótica y romántica, donde
podemos descubrir que ambos personajes al fin se han dado cuenta de la fuerte conexión
que mantienen.
Lo mismo ocurre en el film mencionado anteriormente, Embriagado de Amor,
Anderson busca mediante la música (compuesta por Jon Brion) generar la tensión
pertinente a la psiquis de sus personajes, los cuáles escuchaban percusiones de diez
minutos entre toma y toma para poder tener una idea del ritmo de la escena.
Medina busca desde la puesta en escena generar un clima de tensión sexual, y a
su vez de una tensión mental, donde en cada paso que dan los personajes, son
conscientes de las cosas que van dejando atrás.
Era importante, quizás, para el director, mostrar cómo Manuel se daba cuenta que
nada está asegurado en la vida y cómo Luciano pudiera ver que para vivir hay que
arriesgarse y dejarse llevar por lo que uno siente.
Y así es como se llega al enfrentamiento final de ambos amigos, en una
desolada calle de Buenos Aires. En una secuencia donde Gauna tendrá que dejar de
jugar de una vez por todas, aunque esto resulte un choque emocional para su amigo. -
“Gauna, escúchame una cosa. ¿Yo te causé algún tipo de daño a vos? ¿Te hice mal?
En ese momento quizás el espectador cómplice de la historia espera que Gauna
exprese realmente lo que siente, y de hecho así lo hace. Luciano fijará sus prioridades,
retomando el consejo que le brinda Dody (tío de Manuel). “La única manera de dejar
de jugar es dejando de jugar”, respondiéndole a Manuel simplemente una pregunta
“¿Por dónde se fue?”.
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El humor como crítica del Nazismo
¿Se puede hacer comedia con el nazismo? ¿Podemos tomar con humor esa
brecha de la historia que tanto dolor y destrucción causó?
El cine fue uno de los encargados de demostrar que se puede utilizar el humor
para comprender algo tan dramático como lo fue el régimen nazi. Ya en un primer
momento hubo películas sobre el tema: en 1940, Charles Chaplin, con El Gran
Dictador, mostraba una crítica muy fuerte a la política social nacionalista. Presentando
al personaje Adenoid Hynkel, dictador de Tomania, el cual está claramente inspirado en
el dictador nazi Adolf Hitler.
Aquellos que hayan visto el filme, recordaran la escena donde Hynkel juega con
el globo terráqueo arrojándolo de un lado hacia otro, dentro de su despacho. Las ansias
de poder y su obsesión por controlarlo todo, se ven reflejadas en la acción y en el rostro
del muy bien logrado personaje.
En 1942, un alemán exiliado, Ernst Lubitsch, legaba su obra maestra, Ser o no
Ser, una sátira contra el nazismo, en donde un grupo de actores polacos deben hacerse
pasar por oficiales nazis e inclusive como el mismísimo Hitler, para salvar sus vidas.
En 1968 Mel Brooks presenta el musical Los productores donde utiliza el sketch
musical Springtime for Hitler and Germany. Algo parecido realiza en su otro filme The
history of the World part 1 (1981), donde presenta un recorrido por los acontecimientos
mas importantes de la humanidad, utilizando el humor inteligente y al mismo tiempo
absurdo que lo caracteriza, mostrándonos el pensamiento egoísta y materialista del
imperio romano para su plebe o la inquisición española, con un Torquemada showman
que disfruta de torturar a los judíos.
Dani Levy es un cineasta judío de origen suizo nacionalizado alemán. El origen
de MeinFührer según cuenta Levy se dispara tras ver el film La lista de
Schindler (Steven Spielberg, 1993) donde a su entender se estaba realizando una puesta
cinematográfica basada en el holocausto.
Para Levy, plasmar en pantalla la miseria y sufrimiento del pueblo judío nunca
llegará a ser real. Destaca en cambio el filme La vida es bella (Roberto Benigni, 1997)
donde el amor y la familia son rasgos positivos dentro de un contexto lleno de muerte,
locura y odio.
“A sabiendas de que hacer una comedia crítica con el III Reich estaba más que
superado en las geniales El gran dictador y Ser o no ser, Levy encontró un resorte
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cómico poco explotado; entrar en la psicología de Hitler a través de la interpretación
freudiana de su relación paterna. Al parecer, Hitler fue un niño maltratado, lo que
según esta interpretación psicoanalítica podría explicar su deseo de venganza
mundial”. 7
Levy nos sitúa en un Berlín que yace en ruinas. Hitler (Helge Schneider) se
encuentra resguardado en su mansión, su poder de liderazgo ya no es el mismo, su
entorno nota la perdida de entusiasmo y dirección por parte del Fuhrer. El ministro
Goebbels (Sylvester Groth) se percata de que Hitler ya no está en condiciones de alentar
a su pueblo para que siga luchando, es sólo cuestión de tiempo para que todo sucumba
ante la voluntad de los Aliados. En un último intento por reivindicar la presencia del
Fuhrer, Goebbels decide traer desde los campos de concentración al antiguo y
reconocido instructor de interpretación, Adolf Grunbaum (Ulrich Muhe). Éste acepta
preparar al Furher para su discurso final a cambio de la integridad de su familia, sin
saber que él forma parte de una conspiración para asesinar a Hitler.
- “Profesor Grunbaum, qué placer verlo. ¿Dónde está parando?”
- “En Sachsenhausen”
- “¿Sachsenhausen? Pensé que lo habíamos puesto en el maravilloso Terezin. Es
nuestro campo estrella”
Ya en este primer diálogo se puede ver hacia dónde el director quiere dirigir el
humor, va a utilizar a lo largo de todo el filme la ironía como forma de representación.
-“Desmentiremos que las bombas aliadas destruyeron nuestra capital, Berlín sigue
igual de gloriosa que siempre… Disfrazar la realidad querido profesor, un talento que
ambos tenemos en común”.
-“Usted ensayara el discurso con el Furher profesor, usted reavivara en su corazón ese
fuego de antaño. Nadie podría hacerlo mejor que un renombrado actor judío”.
La relación entre ambos (Hitler y Grunbaum) se plantea como cualquier relación
entre dos personas que no comparten el ideal del otro. El Furher piensa que no necesita
de ayuda para su discurso y menos la de un judío, en cuanto que el profesor siente la
presión de su propia familia, representada en su hijo mayor, que lo cataloga de cobarde
y traidor a su pueblo.
7 Robado, José. Mein Fuhrer, Desmontando a Hitler. Fandigital [revista en línea] 12 de Agosto del 2009 [1 pantalla]. Disponible desde: URL: http://www.cine.fanzinedigital.com/5084_1Mein_F%C3%BChrer.html
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Se destaca la escena donde Hitler se jacta de que el boxeo es el deporte que
estimula con mayor eficacia la agresividad del hombre, y al tiempo que lanza golpes
cerca del profesor le pregunta: “¿Y usted, profesor? ¿Por qué no se defiende? ¿Por qué
no se defienden los judíos? ¿Por qué dejan que los tratemos así? ¿No están furiosos?
¿Son cobardes?”
El golpe que Grunbaum acierta de forma espontánea sobre el rostro del Furher,
además de causar gracia en la forma que éste cae desmayado al suelo, muestra una
respuesta muy explícita.
-“Los genes de mi padre eran como los suyos profesor, genes judíos. Al parecer el
padre de mi padre era judío”. A lo que Grunmbaum responde “Lo siento mucho”.
Se le propone al espectador, un Hitler infantil, con recuerdos reprimidos sobre su
padre, que disfruta bañarse con juguetes de acorazados, que no logra mantener una
erección por más que lo intente y que irónicamente presenta un sentido oscuro del
humor.
-“La solución final para el interrogante judío no fue completamente idea mía. Yo tenía
pensado otros planes. ¿Por qué no mandar a los judíos al desierto? Madagascar por
ejemplo”.
El personaje interpretado por Helge Schneider muestra siempre dos registros,
uno humorístico y otro que intenta acercarse al espectro serio y sin sentimientos del
Furher.
La escena donde Hitler decide escaparse de su mansión junto a su perro Blondi,
a quien no dudará en tirar por la ventana, para lograr salir a la intemperie, hace recordar
en parte a El príncipe de Maquiavelo, escrito en 1513 y publicado en 1532, quien en su
tratado planteaba que el príncipe debía bajar al pueblo para observar como vivía, para
luego subir a su castillo y lograr gobernar con prudencia.
Sólo caminando junto a su perro, por la ya casi en escombros Berlín, Hitler logra
darse cuenta de la red de mentiras que lo rodeaban y al mismo tiempo entender que
cuando se le miente a un líder, o mejor dicho se le plantea un panorama totalmente
distinto, es porque ya no se le tiene el mismo respeto y lealtad que en un principio.
Levy asegura que con su película pretende quitar a Hitler y los nazis esos aires
monumentales de grandeza con los cuáles se los representa.
“El humor es en sí mismo subversivo y al mismo tiempo emocional. Con el humor se
pueden encontrar nuevas perspectivas e imágenes nuevas. Porque hasta ahora al
nacionalsocialismo se le ha agrandado, casi declarándolo sagrado. Y eso es lo que me
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da miedo, que la juventud de hoy día enmudezca, se canse y sea mas tonta, porque se
les ha educado con una fuerte carga de culpa. Los jóvenes buscan formarse su propia
opinión, tener alternativas y nuevas perspectivas. Con humor pueden aprender que el
nacionalsocialismo fue un fracaso, un desastre provocado por la psique humana”.
"Aquí en Alemania se recuerda muy a menudo en documentales y películas lo que han
hecho los nazis, de manera crítica, en busca de la verdad. No quiero seguir en esa
línea". 8
La escena final, donde el profesor da el discurso por Hitler, mientras éste hace la
mímica frente al pueblo alemán, logra cerrar la idea del director. Sintiendo el frío metal
de una pistola apuntándole en su cabeza, escuchando el sonido de una bomba puesta
junto a él cuyo objetivo es volar en pedazos al Fuhrer, Grunmbaun verá su última
oportunidad de decir lo que realmente piensa:
-“No olvidemos todos los problemas que hemos resuelto, como el comunismo, la
homosexualidad y sobre todas las cosas el problema de los judíos”.
-“Yo les agradezco su confianza ciega en mí. Hoy nuestra patria está en ruinas, pero
somos una raza aria, todos rubios de ojos azules, menos yo. Y aún así me siguen
apoyando, Heil yo mismo!”
-“¿Pero por qué lo hacen? Me orino en la cama, soy un drogadicto y además no logro
mantener una erección. Mi padre me torturó de niño, así que yo también torturé gente
indefensa así como lo hicieron conmigo”.
-“Me vengo en los maricas, los negros y los judíos de toda Europa, por las
humillaciones que viví desde pequeño, cualquier don nadie lleno de odio puede
gobernar al mundo”.
-“Heil a ustedes mismos”. Finaliza Grunmbaun el discurso, al tiempo que es fusilado.
Si bien el filme Mein Fuhrer, causó gran polémica en su estreno, por parte de
aquellos que no están de acuerdo con utilizar el humor para hablar de ciertas cosas, vale
destacar lo importante que resulta para la sociedad alemana poder burlarse de su
historia, poder tomar con humor la imagen diabólica y al mismo tiempo temida de
Hitler, pero nunca olvidando ni relativizando los crímenes del nazismo ante el pueblo
judío.
8 Usi, Eva. Dani Levy: el humor es subversivo. [revista en línea] 26 de Enero del 2007 [1 pantalla]. Disponible desde: URL: http://www.dw-world.de/dw/article/0,,2328306,00.html
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El humor como crítica del hombre en sociedad
Ya en 1933 Charles Chaplin había publicado artículos que trataban los cambios
sociales como consecuencia de la Revolución Industrial y a su vez analizaba también
los efectos colaterales del crack de la bolsa de 1929. Para el actor-cineasta, el hombre
había comenzado a perder su identidad y lentamente la estaba remplazando por una
mecanización en serie.
En 1936 Chaplin presenta su filme Tiempos Modernos, en el cual realizaba una
fuerte crítica del Fordismo (modo de producción en cadena automotriz que llevo
adelante Henry Ford a partir de 1908). Utilizando a su personaje Charlot, nos muestra
cómo la mecanización y el avance tecnológico, no solo alienaban al obrero sino que
también lo terminaba volviendo loco.
Otra referencia del cine es Buster Keaton, apodado “el cara de piedra” ya que su
economía de gestos, era una de las tantas herramientas que utilizaba para lograr el
humor. Sus personajes fueron siempre hombres a los que les costaba adaptarse a los
avances de la sociedad, pero que siempre terminaba sacando provecho de ellos, los
terminaba volviendo un elemento más para la continuidad de la historia, un ejemplo
podría ser su obra The General (1926) donde utiliza como herramienta principal el
avance tecnológico más importante en cuanto al presente propuesto del filme: la
locomotora.
Otro gran exponente del cine cómico fue Jacques Tati (Tatischeff) quien también
en sus obras planteaba la división entre lo tradicional y lo moderno. La visión de Tati se
verá a través de la mirada de Mr. Hulot, un personaje curioso e infantil que lidia todo el
tiempo con los avances tecnológicos, causando desorden dentro de la estructura
establecida por la sociedad.
En una entrevista realizada a Tati, sobre su filme Mon Oncle (Mí Tío-1958), éste
explicó:
"La película lleva a cabo una defensa del individuo. No me gusta sentirme
militarizado. No me gusta la mecanización. Prefiero vivir en un barrio antiguo y
humano que en medio de una red de autopistas, aeropuertos y carreteras y todo el
barullo de la vida moderna. La gente no se siente feliz rodeada por todas partes de
líneas geométricas". 9
9 Lavia, Dario. Jacques Tati, el rey de la comedia francés. Televicio Webzine [revista en línea] Mayo del 2003 [2 pantallas]. Disponible desde: URL: http://www.quintadimension.com/televicio/index.php?id=89
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Hasta el momento se observa brevemente la crítica por parte de tres destacados
realizadores y actores hacia la modernización o mecanización del individuo. Pero ¿qué
ocurre con la personalidad o psiquis del sujeto que vive en dicha sociedad?
Otro director, guionista y actor que continúa el legado de los ya mencionados, es
el norteamericano Woody Allen, quien en su filme Zelig (1983) trata de explicar,
mediante su personaje principal Leonard Zelig, que en el momento en el cual la
autoestima o moral del individuo se ve afectada o presionada por la sociedad, la
mayoría de las veces, tiende a censurarse o en el peor de los casos desaparecer. Esto nos
está marcando un complejo de inferioridad por parte del individuo, ya que no es capaz
de realizar una opinión o conclusión propia. A partir de esta concepción podemos
entender por qué el ser humano busca todo el tiempo integrar parte de un grupo, dado
que de esta forma tiene un parámetro a seguir, una manera de pensar colectiva que le
quita la responsabilidad de sus propios actos.
El filme está realizado como un falso documental que narra la historia de un
individuo que al no contar con una identidad propia, decide adaptarse a todo círculo
social que lo rodea con el fin de sentirse aceptado.
-“Su historia reflejó la esencia de nuestra civilización, el carácter de nuestros tiempos.
Sin embargo también fue la historia de un hombre en la que estaban todos los temas de
nuestra cultura, el heroísmo la voluntad y cosas así. Pero cuando lo miras en
perspectiva fue algo muy extraño” (Irving Howe).
-“Esta criatura personifica al hombre capitalista. Una criatura que toma varias formas
para conseguir su fin… La explotación del trabajador a través de la decepción”.
Plantea uno de los personajes del filme, frente a una congregación de personas, reunidas
bajo el mismo sentimiento de repudio para con la sociedad capitalista.
La característica de Zelig, interpretado por el mismo Woody Allen, es la de ser
un hombre con identidad camaleónica patológica, quien busca la comprensión y
aceptación del resto de la sociedad, sin importar que esto signifique su propia anulación
como sujeto. Zelig puede convertirse en cualquier persona o mejor dicho camuflarse y
volverse parte de cualquier núcleo social, cultural o religioso, ya sea judío, nazi, negro,
indio o doctor, todo a condición de no ser nadie.
“Miré al tipo y dije; vaya, cómo se parece a ese gángster, pero el gángster era blanco y
este tipo es negro”. Explica el camarero de un bar, quien nota el gran parecido de uno
de los integrantes de la banda musical, con un gánster que había visto anteriormente.
24
El personaje creado por Allen se escondía dentro de los núcleos sociales, donde
se sentía cómodo y no tenía que mostrar su verdadera personalidad; entendamos que
para una persona a la que le resulta imposible ir en contra de la corriente, no existe el
pensamiento individual.
“Querría ser Zelig, el hombre cambiante. Sería toda clase de gente. Un día se
cumplirían mis deseos”. Acota uno de los hombres entrevistados por la prensa ante el
fenómeno de Leonard Zelig.
En este falso documental, además de observarse una excelente labor de montaje
que lleva desde el año 1920 hasta tiempo antes de que estalle la Segunda Guerra
Mundial, se puede observar la mirada crítica del director sobre la sociedad post
moderna.
La cultura capitalista, va de la mano del consumismo en masa, del
entretenimiento y de la pérdida del pensamiento personal. Aunque resulte duro de
reconocer, desde hace tiempo somos víctimas de lo material, sufrimos una fuerte crisis
de nuestros valores y objetivos en la vida.
Como en toda sociedad capitalista lo que es sensación es sinónimo de ventas y
consumo. Los medios de comunicación se encargaron de ejercer la publicidad necesaria
del nuevo fenómeno titulado como “El camaleón Zelig”, a las personas no les interesaba
qué pasaba realmente por la mente del personaje, o los experimentos a los cuáles se lo
estaba exponiendo por parte de la junta médica. A la sociedad sólo le interesaba lo
material, lo vació de contenido, lo que los medios le propusieran como entretenimiento.
Este proceso mencionado, que trata sobre la pérdida de valores y dependencia
sobre lo material, no tardó en llegar a la esfera privada del individuo, compuesta por el
núcleo familiar. Cuando el individuo se encuentra en su juventud, presenta una serie de
dudas éticas y existenciales. El problema se incrementa cuando los mayores no logran
responder a los jóvenes, causando que las dudas de éstos permanezcan latentes.
-“La vida es una pesadilla de sufrimiento sin sentido”, le dice su padre a Zelig, en su
lecho de muerte, aconsejándole que ahorre cuanto pueda.
-“Tengo 12 años, entro corriendo a una sinagoga y pregunto al rabino cuál es el
significado de la vida. Me cuenta el significado de la vida, pero lo hace en hebreo. Yo
no entiendo el hebreo, es entonces donde decide cobrarme $600 por lecciones de
hebreo”, expresa Leonard a su doctora y futuro amor Eudora Fletcher, quien mediante
la hipnosis logra penetrar y descubrir al verdadero Zelig. Vale destacar que como en la
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mayoría de las obras de Woody Allen la mujer, y lo que su figura implica como pareja,
cumple un rol determinante, en cuanto a la situación del personaje.
En el filme también se muestran ejemplos de comportamientos grupales: el
consumo masivo por parte de la sociedad capitalista, que puede ramificarse en los
medios de comunicación (utilizando la fama de Leonard para vender su merchandising).
E inclusive el director juega con la ironía de introducir a Zelig dentro del régimen nazi.
Los medios de comunicación fueron y siguen siendo la manera más efectiva de
fomentar el pensamiento en masa. La publicidad, la televisión, los periódicos, nos
proponen día a día una realidad, una agenda de prensa como la llaman los sociólogos.
Esta agenda de prensa no solo limita nuestro pensamiento, sino que lo manipula de
manera tal que creemos actuar por nuestra propia voluntad.
Zelig intenta demostrarnos una realidad que se basa en los parámetros de la
oferta y de la demanda, de usar y tirar nuestros ideales sin importar las consecuencias.
Porque al fin y al cabo, el individuo promedio relaciona la felicidad con lo material y en
cuanto a lo social solo le interesa ser aceptado, sin importarle que esto signifique la
pérdida de su moral.
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Conclusión
Los filmes analizados comparten el humor como herramienta para comunicar un punto
de vista sobre la sociedad que nos rodea, utilizando la fusión con otros géneros acordes
a la situación dramática propuesta en el guión.
Si bien los guiones de las películas plantean temas, anécdotas y contextos
disímiles, todos ellos recaen en intentar explicar el comportamiento del hombre dentro
de la sociedad, utilizando como medio todas las conexiones y relaciones interpersonales
o personales a las que se debe enfrentar diariamente.
Como realizadores y guionistas, tenemos una responsabilidad social, dado que
nuestro fin último es el de comunicar, el de expresar nuestra mirada sobre la realidad de
la cual formamos parte.
El argumento, plasmado en el guión, más la puesta en escena con todo lo que
ello implica (encuadres, tipos de planos y movimientos de cámara, luces, sonido,
presencia y desempeño de los actores), serán nuestras herramientas para lograr la
composición deseada, que tomará su forma final tras la post producción.
A medida que avanzamos en los análisis propuestos, pudimos llegar a la
conclusión que tener una simple idea sobre qué contar y cómo hacerlo, no justifica que
logremos con éxito la transmisión del mensaje.
Para poder contar algo, debemos saber sobre el tema, debemos haber realizado
una exhaustiva investigación de campo, aunque contemos con la experiencia de haberlo
vivido. Tenemos que determinar a quiénes vamos a dirigirnos y cómo lo haremos.
Comunicar mediante el humor es uno de los desafíos más grandes a los que se
enfrenta un realizador. El humor como género, puede resultar efectivo y directo, tanto
como lo pueden resultar un documental o un drama.
El problema reside en la forma que tratamos el humor, en la manera que
logramos aprovechar sus vertientes, como la ironía, la sátira o el cinismo. Si no tenemos
en claro el tratamiento y no poseemos una fuerte justificación, no podremos lograr
transmitir nuestra idea sin pasarnos de esa línea virtual que delimita lo sutil de lo
innecesario.
27
Bibliografía de referencia: De Blain, Luis G. El Cine. Barcelona: Ediciones GP; 1962. Freud, Sigmund. Obras completas de Sigmund Freud. Volumen VIII - El chiste y
su relación con lo inconsciente (1905). Buenos Aires & Madrid: Amorrortu editores; 1978.
Marafioti, Roberto. Recorridos Semiológicos; signos, enunciación y argumentación. Buenos Aires: Eudeba; 2002.
Muñoz Razo, Carlos; Benassini Félix, Marcela. Cómo elaborar y asesorar una investigación de tesis. Naucalpan de Juárez: Prentice Hall Hispanoamericana; 1998.
Noriega, Gustavo. La felicidad es una comedia calentita. Argentina – Uruguay: Revista El Amante; 1994.
Pollock, Jonathan. ¿Qué es el humor? Buenos Aires: Paidós; 2003. Sartori, Giovanni. Homo Videns; la sociedad teledirigida. Buenos Aires:
Taurus; 1998.
Bibliografía citada (formato electrónico): Lavia, Dario. Jacques Tati, el rey de la comedia francés. Televicio Webzine [revista en
línea] Mayo del 2003 [2 pantallas]. Disponible desde: URL: http://www.quintadimension.com/televicio/index.php?id=89
Martínez, Jorge. Entrevista a Gabriel Medina. Filmlatina.com [revista en línea] Lunes 23 de Marzo de 2009 [1 pantalla]. Disponible desde : URL: http://www.filmlatina.com/site/noticias/interna.php?id=958
Ortiz, Guillermo. Little Miss Sunshine. Perdedores, furgonetas y concursos de belleza. Almiar, Margen Cero [revista en línea] Noviembre 2006 [1 pantalla]. Disponible desde : URL: http://www.margencero.com/cine/Little_Miss_Sunshine.htm
Robado, José. Mein Fuhrer, Desmontando a Hitler. Fandigital [revista en línea] 12 de Agosto de 2009 [1 pantalla]. Disponible desde: URL: http://www.cine.fanzinedigital.com/5084_1Mein_F%C3%BChrer.html
Scout. Little Miss Sunshine. La noche Americana [revista en línea] Jueves 28 de mayo de 2009 [1 pantalla]. Disponible desde: URL: http://noche-americana.blogspot.com/2009/05/little-miss-sunshine.html
Usi, Eva. Dani Levy: el humor es subversivo. [revista en línea] 26 de Enero de 2007 [1 pantalla]. Disponible desde: URL: http://www.dw-world.de/dw/article/0,,2328306,00.html
Filmografía: Embriagado de Amor (USA), Paul Thomas Anderson (2002) El gran dictador (USA), Charles Chaplin (1940) Esperando la Carroza (Argentina), Alejandro Doria (1985) Happiness (USA), Todd Solondz (1998) Las vacaciones del señor Hulot (Francia), Jaques Tati (1953) Los excéntricos Tenembaum (USA), Wes Anderson (2001) Los Paranoicos (Arg), Gabriel Medina (2008) Little miss Sunshine (USA), Jonathan Dayton,Valerie Faris (2006) Mein Fuhrer (Alemania), Dany Levy (2007) Mi tío (Francia), Jaques Tati (1958) Ser o no Ser (USA), Ernst Lubitsch (1942) The General (USA), Buster Keaton (1926) The history of the World. Part 1 (USA), Mel Brooks (1981) Tiempos Modernos (USA), Charles Chaplin (1936)
28
Zelig (USA), Woody Allen (1983).
29
Anexo 1
Plan de trabajo
Universidad Abierta Interamericana
Facultad Ciencias de la Comunicación - Sede Regional RosarioCarrera: Producción y Realización AudiovisualAsignatura: 49 - TRABAJO FINAL DE LICENCIATURA - TesisAño: 4º - 2009Alumno: Lucas Agustín AcquaroliTrabajo: EscritoDocente coordinador: Lic. Raúl Bertone Tutor: Fernando G. Varea
Titulo: El humor en el cine como crítica social Enfocado desde la narrativa del guión
Tema:El humor como herramienta del guionista y el director de cine para tratar temas sociales.
Fundamentación del tema:Si el director interpreta adecuadamente el guión, logrará que el actor plasme en pantalla una situación que nos resultará cómica y que a su vez nos estará planteando una critica social.
Obras audiovisuales utilizadas como fuente principales:
“Zelig” - Woody Allen, USA, 1983. “Little Miss Sunshine” - Jonathan Dayton , USA, 2006. “Mein Fuhrer” – Dani Levy, Alemania, 2007 “Los Paranoicos” - Gabriel Medina, Argentina, 2008.
Le elección de dichas películas se debe a que analizaremos realidades sociales por separado; con Zelig nos centraremos en el individuo con respecto a la sociedad; en Little miss Sunshine la familia; en los Paranoicos la amistad y las relaciones de pareja y en Mein Fuhrer un hecho histórico, como fue la segunda guerra mundial.
Situación problemática:Es común que se tome como única función de la comedia el entretenimiento, como si su único objetivo fuera causar gracia y lograr producir en el espectador un distanciamiento interno con la realidad que lo rodea, al menos durante el transcurso de la obra.
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Pero el humor también puede utilizarse como un instrumento de doble sentido, para expresarse o parodiar una situación y a su vez, plantear una idea y criticar algún aspecto de la sociedad.
Formulación del problema de investigación: ¿De qué formas se utiliza el humor en el cine como herramienta para la crítica
social?
Objetivos generales: Analizar la comicidad en el cine como instrumento de crítica social.
Objetivos específicos: Analizar el argumento y guión de cuatro filmes con críticas sociales en
diferentes estratos: la familia, las relaciones de pareja, las relaciones entre individuos sociales y un hecho histórico.
Marco conceptual:El humor forma parte del ser humano desde sus orígenes, en un nivel mas intermedio podemos situarlo como “Un estado de animo o una disposición pasajera del espíritu, en un estrato más profundo lo pondremos como un componente más del cuerpo, como un fluido al cuál en la antigüedad se le aplicaba el nombre de Bilis Negra o Melancolía” (Pollock, 2003)Dentro del humor podemos encontrar diversas ramificaciones. Ya filósofos como Diógenes Laercio utilizaban el cinismo y la ironía como arma humorística y, a su vez, como forma de expresión.Freud nos planteaba cómo el chiste puede ser considerado un acto inconciente del hombre, quien mediante la conjugación de palabras, está mezclando el humor con lo que realmente piensa, es decir que vuelve conciente un discurso inconciente marcando así un doble discurso dentro de éste.“Toda obtención de placer resulta de un gasto psíquico economizado, de la ruptura de una censura interna la cual podemos elaborar como chiste” (Freud, 1905)De esta forma descubrimos que podemos expresarnos mediante el humor, y el cine no está exento de este conocimiento. Es así como algunos realizadores deciden plantear su crítica, social o política, utilizando la comedia.
Metodología:Se utilizará una metodología Cualitativa y Descriptiva. Basándome en la bibliografía y en las obras seleccionadas, se desglosará toda la información con el fin de resaltar puntos en donde se reflejen los objetivos buscados.
Índice Esquemático: Introducción Cine y Humor Cuatro enfoques un mismo objetivo Conclusión
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Bibliografía: De Blain Luis G., El Cine, Barcelona, Ediciones GP, 1962. Muñoz Razo, Carlos; Benassini Félix, Marcela. Cómo elaborar y asesorar una
investigación de tesis. Naucalpan de Juárez. Prentice Hall Hispanoamericana. 1998. Pollock Jonathan, ¿Qué es el humor?, Buenos Aires, Paidós, 2003.
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