Le CorbusierDe Wikipedia, la enciclopedia libreSaltar a: navegación, búsqueda

Le Corbusier

Charles Édouard Jeanneret-Gris

Información personal

Nacimiento 6 de octubre de 1887La Chaux-de-Fonds, Cantón de

Neuchâtel (Romandía), Suiza

Defunción 27 de agosto de 1965 (77 años)Provenza-Alpes-Costa Azul, Francia

Nacionalidad Suizo-Francesa

Firma de Le Corbusier

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Charles Édouard Jeanneret-Gris, más conocido, a partir de la década de 1920,1 como Le Corbusier (La Chaux-de-Fonds, Cantón de Neuchâtel (Romandía), Suiza; 6 de octubre de 1887 – Cap-Martin, Provenza-Alpes-Costa Azul, Francia; 27 de agosto de 1965), fue un arquitecto y teórico de la arquitectura, ingeniero, diseñador y pintor suizo nacionalizado francés. Es considerado uno de los más claros exponentes de la arquitectura moderna (junto con Frank Lloyd Wright, Oscar Niemeyer, Walter Gropius, Alvar Aalto, Richard Neutra y Ludwig Mies van der Rohe), y uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX.

Índice [ocultar] 

1 Biografía 2 Contribuciones teóricas a la arquitectura

o 2.1 La machine à habiter o 2.2 L´Esprit Nouveau o 2.3 Los cinco puntos de una nueva arquitectura o 2.4 El Modulor

3 Influencia en la arquitectura moderna 4 Obras y proyectos 5 Publicaciones

o 5.1 Con el nombre de Charles-Édouard Jeanneret-Gris o 5.2 Con el nombre de Le Corbusier

6 Obra pictórica 7 Véase también 8 Referencias 9 Bibliografía 10 Enlaces externos

Biografía[editar]Nació en 1887, en la localidad de La Chaux-de-Fonds, en la Suiza francófona con el nombre de Charles Édouard Jeanneret-Gris. A los 29 años se trasladó a París donde adoptó el seudónimo Le Corbusier, variación humorística (ya que evoca a la palabra cuervo) del apellido de su abuelo materno: Lecorbésier. Su padre se dedicaba a lacar cajas de relojes para la industria relojera de su ciudad natal, y su madre fue pianista y profesora de música.

En 1900 Le Corbusier comenzó su aprendizaje como grabador y cincelador en la Escuela de Arte de La Chaux-de-Fonds. Uno de sus profesores, Charles L'Eplattenier, le orientó hacia la pintura y después hacia la arquitectura. En 1905 diseñó su primer edificio, la Villa Fallet, una casa unifamiliar para un miembro de la Escuela de Arte. En los siguientes diez años hizo numerosos edificios, que todavía no llevaban su sello característico posterior, y que él mismo no incluyó en su Obra Completa.

Villa Jeanneret-Perret, también conocida como Maison Blanche, fue una de las primeras obras individuales del arquitecto (1912).

Ya en París, trabajó durante quince meses en el estudio de Auguste Perret, arquitecto pionero en la técnica de construcción en hormigón armado. A continuación se trasladó a Alemania para estudiar las tendencias arquitectónicas de ese país. Allí trabajó en la oficina de Peter Behrens, donde coincidió con Ludwig Mies van der Rohe y Walter Gropius, quienes también trabajaban ahí en esa época, aunque probablemente no a la vez.1 El año 1911 lo dedicó por completo a viajar. Desde Viena fue a Rumanía, Turquía, Grecia e Italia, y a su regreso fue profesor durante dos años en el departamento de arquitectura y decoración de la Escuela de Arte de París.

En 1918 editó la revista L'Esprit Nouveau junto al pintor Amadeo Ozenfant, publicación donde ambos sentaron las bases del Purismo. Es en esta revista que Jeanneret comenzó a firmar algunos de sus artículos con el pseudónimo de Le Corbusier.

En 1922, Le Corbusier comenzó a trabajar con su primo Pierre Jeanneret en su despacho de arquitectura en la rue de Sèvres en 1924, con el cual mantuvo su asociación hasta 1940.2 Inicialmente los dos diseñaron casi exclusivamente edificios residenciales. Uno de sus grandes proyectos de estos años, en este caso como urbanista, fue su diseño conceptual de una ciudad de tres millones de habitantes, la Ville Contemporaine (Ciudad Contemporánea).3

En octubre de 1929 Le Corbusier dictó en Buenos Aires un ciclo de diez conferencias, invitado por la Asociación Amigos del Arte. En este viaje también visitó Río de Janeiro, Asunción y Montevideo. En referencia a la primera de las ciudades citadas, dejó bien clara su percepción de urbanista al expresar: «Buenos Aires es una ciudad que le da la espalda a su río», aludiendo con esto a algo de lo que aún adolece tal ciudad: pese a tener una extendida costa frente al gran estuario del Río de La Plata, se ha privilegiado ediliciamente un área que no permite la vista a tal estuario, es más, el acceso al mismo se halla obstaculizado por instalaciones de antiguos puertos, un aeropuerto, tramos ferroviarios a nivel y autopistas. Los temas de estas conferencias son publicados en 1930 en el libro "Precisiones".

Casa Curutchet, La Plata, Argentina.

La única obra de Le Corbusier en la Argentina es la Casa Curutchet, una vivienda unifamiliar construida en la ciudad de La Plata, capital de la Provincia de Buenos Aires, entre los años 1949 y 1953 bajo la dirección de obra de Amancio Williams. En Brasil construirá la embajada de Francia (Brasilia) y el Edificio Gustavo Capanema (Río de Janeiro), ambos con la colaboración de los arquitectos locales Lucio Costa y Oscar Niemeyer.

Le Corbusier fue un trabajador incansable. Realizó innumerables proyectos, de los cuales muchos nunca llegaron a realizarse, pero que marcaron a generaciones posteriores de arquitectos.

Difundió también sus ideas urbanas a través del CIAM (Congreso Internacional de Arquitectura Moderna), uno de cuyos documentos es la Carta de Atenas. Sin embargo, fue únicamente en Chandigarh, India, donde pudo hacerlas realidad.

El 27 de agosto de 1965, desobedeciendo las indicaciones de su médico, Le Corbusier fue a nadar mientras pasaba sus vacaciones en su cabaña en Roquebrune-Cap-Martin, en el Mediterráneo francés. Fue encontrado muerto por unos pescadores, presumiblemente de un ataque al corazón.

Contribuciones teóricas a la arquitectura[editar]Le Corbusier fue, además de un gran arquitecto y pintor, un eminente teórico de la arquitectura. Escribió varios libros, en los que ejemplificaba sus ideas mediante proyectos propios (a la manera clásica como lo hizo en su momento, por ejemplo, Andrea Palladio en I Quattro Libri dell'Architettura)4 Tuvo muy claro que, aparte de saber crear buenos edificios era necesario saber explicarlos y transmitirlos al resto de los profesionales y a los estudiantes, y ejerció con gran maestría la tarea de publicitar su propia obra.

Como visionario, Le Corbusier veía la posibilidad de cambiar el mundo a través de la arquitectura. Si bien nunca se alió con un grupo político en particular, su postura estaba más cerca de una postura liberal (algunos lo han descrito como un socialista, adjetivo que probablemente se queda corto para caracterizar sus actividades), y como tal, veía todo proceso de diseño con fines utópicos. Lo que le permitió contribuir grandemente al significado de la arquitectura en general.

La machine à habiter[editar]

Edificio diseñado por Le Corbusier en Berlín que aplica el concepto «Unité d'Habitation».

Le Corbusier es conocido por su definición de la vivienda como la máquina para vivir también llamada la máquina para habitar traducido literalmente. Con ello, Le Corbusier ponía en énfasis no sólo el componente funcional de la vivienda, sino que esta funcionalidad debe estar destinada al vivir, comprendiéndose esto último desde un punto de vista metafísico. Le Corbusier creía que el objetivo de la arquitectura es generar belleza (muy conocida también es su frase: la Arquitectura es el juego sabio, correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz), y que ésta debía repercutir en la forma de vida de los ocupantes de los propios edificios.

En cuanto al criterio de «máquina de habitar», Le Corbusier estaba deslumbrado por las entonces nuevas máquinas: en especial los automóviles y aviones, considerando aquellos que tenían diseños prácticos y funcionales como modelo para una arquitectura cuya belleza se basara en la practicidad y funcionalidad; el racionalismo. El primer ensayo de construcción seriada lo formula en el proyecto de las casas Citrohän. "Las casas Citrohän representan el primer ensayo importante de Le Corbusier sobre una vivienda en serie que puede construirse a partir de elementos estandarizados. Convencido que el avance de la industrialización puede ser el vehículo para satisfacer gran parte de las necesidades del hombre intenta, con un criterio práctico y racional, dirigir la arquitectura por ese rumbo.".5

L´Esprit Nouveau[editar]Artículo principal: L'Esprit Nouveau

A fin de divulgar sus ideas sobre la arquitectura y la pintura, Le Corbusier fundó en 1920, junto con Amédée Ozenfant y Paul Dermée, una revista de divulgación artística que obtuvo gran resonancia internacional: L'Esprit Nouveau (El Espíritu Nuevo; aunque en francés la palabra esprit suele tener también el significado de conciencia, razón, inteligencia) cuyo

primer número data del 15 de octubre de 1920 y el último en 1925. En 1923 Le Corbusier publica una recopilación de artículos de la revista en su libro "Vers Une Architecture".

Los cinco puntos de una nueva arquitectura[editar]

La casa de Le Corbusier construida para la exposición Weissenhofsiedlung en Stuttgart es un perfecto ejemplo de sus «Cinco puntos de una nueva arquitectura».

En 1926 Le Corbusier presenta un documento donde expone en forma sistemática sus ideas arquitectónicas: los llamados «cinco puntos de una nueva arquitectura» representan una importante innovación conceptual para la época, aprovechando las nuevas tecnologías constructivas, derivadas especialmente del uso del hormigón armado (hasta entonces este material se usaba en viviendas y monumentos disfrazándosele de piedra esculpida con molduras):

1. La planta baja sobre pilotes: para Le Corbusier, la planta baja de la vivienda, al igual que la calle, pertenecía al automóvil, ya sea para circulación o aparcamiento, por este motivo la vivienda se elevaba sobre pilotes para permitir el movimiento de los vehículos.

2. La planta libre: a partir de la estructura independiente, aprovechando la tecnología del hormigón armado genera una estructura de pilares en la que apoyan losas, de esta forma el arquitecto decide dónde poner los cerramientos, siendo independientes de un nivel al otro.

3. La fachada libre: el corolario del plano libre en el plano vertical. La estructura se retrasa respecto de la fachada, liberando a ésta de su función estructural y permitiendo libertad en su composición independientemente de la estructura.

4. La ventana alargada: por el mismo motivo del punto anterior, también los muros exteriores se liberan, y las ventanas pueden abarcar todo el ancho de la construcción, mejorando la relación con el exterior y permitiendo un mejor asoleamiento de los espacios interiores.

5. La terraza-jardín: para Le Corbusier la superficie ocupada a la naturaleza por la vivienda debía de ser devuelta en forma de jardín en la cubierta del edificio, convirtiendo el espacio sobre la vivienda en un ámbito aprovechable para el esparcimiento, que además permitía mantener condiciones de aislamiento térmico sobre las nuevas losas de hormigón.

Y hay un elemento más que Le Corbusier pondera en la obra arquitectónica nueva, '"La promenade arquitectónica"': el edificio debe invitar a ser recorrido y a partir de eso se lo podrá comprender en su totalidad.

Su arquitectura resulta ser altamente racionalista, depurada (con el uso de materiales sin disimularlos; nota la posible belleza de las líneas depuradas, sin adornos, sin elementos superfluos) y con un excelente aprovechamiento de la luz y las perspectivas de conjunto, dando una sensación de libertad (al menos para el desplazamiento de la mirada) y facilidad de movimientos.

El Modulor[editar]Artículo principal: Modulor

Planta baja de la Villa Savoye, Poissy, Francia.

Ideó el Modulor, sistema de medidas basado en las proporciones humanas, en que cada magnitud se relaciona con la anterior por el Número Áureo, para que sirviese de medida de las partes de arquitectura. De esta forma retomaba el ideal antiguo de establecer una relación directa entre las proporciones de los edificios y las del hombre.

Tomó como escala del hombre francés medio de esa época: 1,75 m de estatura; y más adelante añadió la del policía británico de 6 pies (1,8288 m), lo que dio el Modulor II. Los resultados de estas investigaciones fueron publicados en un libro con el mismo nombre del Modulor.

Le Corbusier fue uno de los miembros fundadores del Congreso Internacional de Arquitectura Moderna. En 1930 adoptó la nacionalidad francesa. Unos años después realizó su primer viaje a los Estados Unidos.

Le Corbusier se hizo famoso como uno de los líderes del llamado estilo internacional, junto a Ludwig Mies van der Rohe, Walter Gropius y otros. Fue un arquitecto muy admirado en su época e influyó a varias generaciones de arquitectos.

Su afán creador queda expresado en Le Poème de l'Angle Droit (El poema del ángulo derecho —ángulo recto—); especialmente en Fusión:

Moneda conmemorativa donde aparece el Modulor de Le Corbusier

Asentado en demasiadas causas mediatas

asentado junto a nuestras vidasy los otros están allíy por todas partes están los: «¡No!»

Y siempre más contraque porNo condenar pues a aquélque quiere asumir su parte en losriesgos de la vida. Dejadque se fusionen los metalestolerad las alquimias quepor lo demás os dejan libresde castigoEs por la puerta de laspupilas abiertas por donde las miradascruzadas han podido conducir alacto fulminante de comunión:«El ensanchamiento de los grandessilencios»...La mar vuelve a descendera lo más bajo de la marea parapoder subir de nuevo a tiempo.Un tiempo nuevo se ha abiertouna etapa un plazo un relevoAsí no nos quedaremos

sentados junto a nuestras vidas.

Influencia en la arquitectura moderna[editar]

Este artículo o sección necesita referencias que aparezcan en una publicación acreditada, como revistas especializadas, monografías, prensa diaria o páginas de Internet fidedignas. Este aviso fue puesto el 9 de mayo de 2012.

Puedes añadirlas o avisar al autor principal del artículo en su página de discusión pegando: {{subst:Aviso referencias|Le Corbusier}} ~~~~

Corte Suprema de Chandigarh, India.

Hoy en día la obra y el razonamiento espacial de Le Corbusier siguen vigentes tanto en la práctica como en la enseñanza y en la teoría de la arquitectura. Como una de las figuras clave de la arquitectura moderna, la continuación del movimiento tiene en él y en sus obras un referente directo. Como uno de los precursores del brutalismo, sus trabajos posteriores han servido de base a corrientes arquitectónicas II apoyadas en la tectónica (expresión de los materiales y sistemas constructivos) y en diferentes enfoques regionalistas.

Si bien para muchas figuras del pensamiento arquitectónico contemporáneo, la modernidad es un movimiento obsoleto, y por lo tanto las obras y premisas de su arquitectura no deben continuarse, hay un grupo importante de arquitectos (llamados neomodernos o simplemente modernos) que continúan haciendo arquitectura en el espíritu de Le Corbusier.

Introdujo la proporción áurea en muchas de sus obras, por ejemplo se puede apreciar en el módulo de la Capilla de Notre Dame du Haut.

Ha influido de manera muy importante en arquitectos de todas partes del mundo. En México fue su seguidor Mario Pani Darqui. En Brasil Oscar Niemeyer. En Argentina, Antonio Bonet, Juan Kurchan, Jorge Ferrari Hardoy, Amancio Williams y el primer periodo creativo de Clorindo Testa. En Uruguay, los docentes y teóricos urbanistas Justino Serralta y Carlos Gómez Gavazzo. En España, Francisco Javier Sáenz de Oiza. En Colombia, Germán Samper Gnecco, Rogelio Salmona y Dicken Castro. En Estados Unidos, Shadrach Woods. En Chile, Emilio Duhart, Roberto Dávila, Enrique Gebhard.

Por otra parte, en la tendencia actual de las ciudades sostenibles, reconocidos urbanistas y especialistas del tema como Jane Jacobs, Jeff Speck y Brent Toderian coinciden con los efectos negativos que tiene en la movilidad de las ciudades la arquitectura urbana, y su expresión urbana, la ciudad industrial. Debido a que el modelo separa las tres principales funciones de la ciudad: residencia, trabajo y recreación, se induce al aumento de la distancia que deben recorrer las personas. Si bien la distancia promedio de un viaje a pie de una persona es de 400 metros, una distancia mayor a esta es impráctica realizarla a pie. En el caso de una urbanización basada en la arquitectura moderna, el ciudadano debe recorrer una distancia mucho mayor a esta, con lo que se ve inducida a usar un medio de transporte motorizado. Para la mayoría de los casos, al no haber transporte público, la primera alternativa es el automóvil privado. Para contrarrestrar estos efectos la corriente de

movilidad sostenible estudia formas de mejorar las condiciones de movilidad, teniendo como bandera el .Desarrollo Orientado al Transporte

Obras y proyectos[editar]Véase también: Anexo:Obras de Le Corbusier

Villa Fallet, (La Chaux-de-Fonds, Suiza) (1905) Villa Jeanneret-Perret (Maison blanche), (La Chaux-de-Fonds, Suiza) (1912) Maison Ozenfant (París, Francia) (1922) Barrio Modernes Frugès, Pessac (Burdeos, Francia) Edificio del Ejército de Salvación, (París, Francia) Villa Cook (Boulogne, Francia) Villa Savoye (Poissy, Francia) Casa Guiette (Amberes, Bélgica) Pabellón de Nestlé, Feria de París 1927 Proyecto para el Museo Mundial en Ginebra, o «Mundaneum» (1929) Edificio Chemin de Villiers (Poissy, Francia) Barcaza del Ejército de Salvación, Asile Flottant (París) Terraza del departamento de Carlos de Beístegui e Yturbe (París) Villa le Sextant (Maison aux Mathes, Maison L'Océan) 1935 Pabellón suizo , Ciudad Universitaria de París 1931 Inmueble Porte Molitor (París) 1931-1934 Edificio Clarté (Ginebra) Edificio de departamentos en la calle Nungesser et Coli (París) Ministerio de Educación Nacional (Río de Janeiro) (colab. de Oscar Niemeyer y

Lúcio Costa). Fábrica Duval (Saint-Dié-des-Vosges, Francia) Unidad de Habitación (Marsella)

Capilla de Nuestra Señora del Alto (Ronchamp, Francia) Pabellón Philips , Bruselas (1958) Edificio de la Asociación de Hilanderos (Ahmedabad, India) Villa Sarabhai (Ahmedabad, India) Museo de Ahmedabad (India) Edificio de la Alta Corte Judicial (Chandigarh, India) Museo y Galería de arte (Chandigarh, India) Convento Sainte Marie de la Tourette (Lyon) Casa del Brasil, Ciudad Universitaria (París) Casa de la Cultura de Firminy-Vert (Firminy, Francia) Unidad de Habitación de Firminy-Vert (Firminy, Francia) Estadio de Firminy-Vert (Firminy, Francia) Piscina de Firminy-Vert (Firminy, Francia) Iglesia Saint-Pierre Firminy-Vert , (Firminy, Francia) (1973-2006) (colab. de José

Oubrerie). Viviendas Heilsbergen Dreieck (Berlín)

Museo de Arte Occidental (Tokio) Centro de Artes Visuales Carpenter , Universidad Harvard (Massachusetts) Centro Le Corbusier (Zúrich) Casa Curutchet (La Plata, Argentina) Villa Shodan (Ahmedabad, India) 1951-1956

Publicaciones[editar]

Con el nombre de Charles-Édouard Jeanneret-Gris[editar]

1912 — Étude sur le mouvement d'art décoratif en Allemagne, La Chaux-de-Fonds, 1912.

1925 — La peinture moderne', con Amédée Ozenfant, París, 1925.

Con el nombre de Le Corbusier[editar]

1918 — Après le cubisme, con Amédée Ozenfant, París 1918. 1923 — Vers une architecture (Hacia una arquitectura), París 1923. 1924 — Urbanisme, París 1924. 1925 — L'art décoratif aujourd'hui, París 1925. 1925 — Almanach d'architecture moderne, París 1925. 1926 — Architecture d'époque machiniste, París 1926. 1928 — Requête adressée à la Société des Nations, con Pierre Jeanneret, París

1928. 1928 — Une maison, un palais, París 1928. 1930 — Précisions sur un état présent de l'architecture et de l'urbanisme, París

1930. 1931 — Clavier de couleur Salubra, Bâle 1931. 1931 — Requête à Monsieur le président du Conseil de la Société des Nations, con

Pierre Jeanneret, París 1931. 1933 — Croisade ou le crépuscule des académies, París 1933. 1935 — La ville radieuse, Boulogne, 1935. 1935 — Aircraft, Londres–Nueva York 1935. 1937 — Quand les cathédrales étaient blanches (Cuando las catedrales eran

blancas), París 1937. 1937 — Les tendances de l'architecture rationaliste en rapport avec la peinture et

la sculpture, Roma, 1937. 1938 — Îlot insalubre n° 6, con Pierre Jeanneret, París 1938. 1938 — Des canons, des munitions? Merci, des logis SVP, Boulogne 1938. 1941 — Destin de París, París–Clermont-Ferrand 1941. 1941 — Sur les quatre routes, París 1941. 1942 — La maison des hommes, con François de Pierrefeu, París 1942. 1942 — Les constructions murondins, París–Clermont-Ferrand 1942. 1943 — La Charte d'Athènes, París 1943 (adaptación para su publicación) (Carta de

Atenas). 1945 — Les trois établissements humains, París 1945.

1946 — Propos d'urbanisme, París 1946. 1946 — Manière de penser l'urbanisme, Boulogne, 1946 1947 — U.N. headquarters, Nueva York 1947 1948 — New world of space, Nueva York, 1948 1948 — Grille C.I.A.M. d'urbanisme: mise en application de la Charte d'Athènes,

Boulogne 1948 1950 — Le modulor, Boulogne 1950 1950 — Les problèmes de la normalisation: rapport présenté au Conseil

économique, in La charte de l'habitat, vol.1, París 1950 1950 — L'unité d'habitation de Marseille, Souillac–Mulhouse 1950 1950 — Poésie sur Alger, París 1950 1954 — Une petite maison, Zurich 1954.6

1955 — Le Modulor II (La parole est aux usagers), Boulogne 1955 1955 — Architecture du bonheur, l'urbanisme est une clef, París 1955 1955 — Le Poème de l'angle droit, París 1955.7

1956 — Les plans de París: 1956-1922, París 1956 1957 — Von der Poesie des Bauens, Zurich 1957 1958 — Entretien avec les étudiants des écoles d'architecture, París 1958 1959 — Second clavier des couleurs, Bâle 1959 1960 — L'atelier de la recherche patiente, París 1960 1961 — Orsay París 1961, París 1961 1966 — Le voyage d'Orient (El viaje de Oriente), París 1966 1966 — Mises au point, París 1966 1968 — Les maternelles vous parlent, París 1968 2006 — Conférences de Río (1936). Introducción, selección de textos y notas de

Yannis Tsiomis. París, Flammarion, 2006.

Obra pictórica[editar]

Monumento a Le Corbusier en Bietigheim-Bissingen (Alemania), obra de Jürgen Goertz.

Como escribe Daniel Gitalt Miracle, director del MACBA entre 1988 y 1994, en su texto 'El arte una praxis libre: ”a la hora de evaluarlo no podemos prescindir de su extensa obra plástica, que incluye pintura, dibujo, grabado, escultura, collage, etc., especialmente porque como repetía “es en el ejercicio de las artes plásticas donde he encontrado la savia intelectual de mi urbanismo y mi arquitectura”.8

Ya en 1911, al iniciar la carrera de arquitectura pinta acuarelas de temática intimista con influencias del cubismo, pero no será hasta que 1918, al conocer a Amédée Ozenfant, cuando se reafirma su vocación pictórica. Juntos sentarán las bases del purismo con manifiestos como “Après le cubisme” y la revista L’esperit noveau y participarán en exposiciones en galerías como L’Effort Moderne. En 1925 rompe con Ozenfant y coincide con uno de sus grandes amigos, Fernand Léger, con el que se influenciará mutuamente especialmente en las décadas de los 20 y 30.8

Su pintura continua evolucionando, a principios de los 30 la mujer se convertirá en su temática principal, como se comenta en el libro Le Corbusier dipinti e disegni: " aparecerán con formas vagamente inspiradas en Léger, en las que las sinuosidades de sus cuerpos recordarán a las de las naturalezas muertas[…] las representará de mil maneras, pero siempre con una visión mediterránea, solar, pánica, primigenia fuente creadora, de formas generosas y expresivas, una especia de diosa de la tierra.9 A finales de esa década realiza sus primeros collages. En 1938 el Kunsthaus de Zúrich le dedica su primera retrospectiva de obra plástica.

A mediados de los 40 se inicia en la escultura de la mano de Joseph Savina, que realizará en tres dimensiones sus proyectos como Ozon o Ubu.,8 en ese momento también aparecen en su obra los toros, como destaca Juan Calatrava: la imagen del toro ocupa un papel importante en el simbolismo cada vez más complejo de la obra plástica corbuseriana, representando al mismo tiempo la fuerza del la resurrección primaveral frente a la oscuridad invernal, la naturaleza en continuo cambio y movimiento y la masculinidad frente a los aspectos femeninos del cosmos.10 Ya en la década de los 50 su obra tiene un nuevo gran impulso a partir de los 50 ocupa un lugar fundamental un aspecto hasta entonces escasamente presente en su producción: la obra gráfica[…] obras individuales, o series de grabados en cobre, rodoides, litografías…, se aúnan su afán de experimentación técnica y el creciente éxito de sus producciones plásticas.10

En la década de los 50 aparece uno de sus temas de madurez, la mano. La representación de la mano abierta, marcada por su pensamiento “plain main j’ai reçu plain main je donne” (he recibido a manos llenas, doy a manos llenas). La mano es el punto de contacto ente el arquitecto y el mundo que le permite a éste dar y recibir.8 Antes de su muerte, expondrá en el Museo de Arte Moderno de París en 1953 y 1962.

Tras su muerte, su galerista y amiga Heidi Webber inauguró en 1967 el Heidi Webber Museum – Centre Le Corbusier en Zurich.11

Su obra ha sido expuesta en galerías de Madrid, Barcelona, París, museos como el MNCARS,10 el MOMA,12 el MAXXI o el Moderna Museet entre muchos otros.

Véase también[editar] Arquitectura moderna Constructivismo Estilo Internacional

Frank Lloyd Wright Hendrik Petrus Berlage Ludwig Mies van der Rohe Rogelio Salmona Gio Ponti Mario Pani Darqui Oscar Niemeyer Palacio de Los Soviets Purismo (arte) Plan Macià

Referencias[editar]1. ↑ Saltar a: a b (en inglés) Turner, P. V. Journal of the Society of Architectural Historians

Vol. 42, No. 4 (Dec., 1983), pp. 350-359 University of California Press Consultado el 27 de mayo de 2012

2. Volver arriba ↑ (en inglés) Biografía en la Fondation Le Corbusier Consultado el 27 de mayo de 2012

3. Volver arriba ↑ Willi Boesiger (bajo la dirección de), Le Corbusier Œuvre complète4. Volver arriba ↑ En español: Los cuatro libros de la Arquitectura.5. Volver arriba ↑ Marcelo Gardinetti, Le Corbusier casas Citrohän; Tecnne.6. Volver arriba ↑ Disponible en: Une petite maison7. Volver arriba ↑ Disponible en: Le Poème de l'angle droit8. ↑ Saltar a: a b c d VVAA (2008). Le Corbusier. La pintura:ce labeur secret” (en castellano y

catalán). Sala Dalmau. Consultado el 22 de enero de 2013.9. Volver arriba ↑ VVAA. Le Corbusier dipinti e disegni (en italiano). Milán: Electa. ISBN 978-

88-370-6038-1. 10. ↑ Saltar a: a b c VVAA (2007). Le Corbusier. Museo y colección Heidi Webber. Madrid:

Museo nacional centro de arte Reina Sofía. ISBN 978-84-8026-328-3. 11. Volver arriba ↑ «Heidi Weber Museum – Centre Le Corbusier» (en inglés). Consultado el

30 de enero de 2013.12. Volver arriba ↑ «Obra de Le Corbusier en el MOMA» (en inglés). Consultado el 20 de

enero de 2013.

Bibliografía[editar] BENEVOLO, Leonardo (1979). Barcelona: G.Gilia, ed. Historia de la Arquitectura

Moderna. ISBN 84-252-0797-5.

Enlaces externos[editar]

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Le Corbusier . Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Le Corbusier. Fondation Le Corbusier (en inglés y francés) Artículo sobre los muebles de Le Corbusier Proyecto Localizarq: Obras de Le Corbusier en el mapa

Firminy Vert Le Corbusier. Viaje al mundo de un creador a través de veinticinco arquitecturas Artículos sobre la pintura de Le Corbusier en Sala Dalmau (en castellano y catalán) Selección de obras de Le Corbusier en Sala Dalmau Heidi Webber Museum-Le Corbusier center (en inglés) Obras de Le Corbusier en Urbipedia Nudelman, Jorge (2013). Tres visitantes en París: los colaboradores uruguayos de

Le Corbusier. Tesis (Doctoral), E.T.S. Arquitectura (UPM). Archivo Digital UPM Maruri González de Mendoza, Nicolás (2006). La cabina de la máquina   : evolución

del espacio vertical en los proyectos domésticos de Le Corbusier. Tesis (Doctoral), E.T.S. Arquitectura (UPM). Archivo Digital UPM

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Nacidos en 1887 Fallecidos en 1965 Arquitectos de Suiza del siglo XX Arquitectos de Francia del siglo XX Urbanistas de Francia Arquitectos del Movimiento Moderno Ganadores de la Medalla de Oro del RIBA Ganadores de la Medalla de Oro del AIA Diseñadores industriales Teóricos de la arquitectura Oriundos del cantón de Neuchâtel Nacionalizados de Francia Fallecidos por accidentes Le Corbusier Miembros del Congreso Internacional de Arquitectura Moderna

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Escuela de la BauhausDe Wikipedia, la enciclopedia libreSaltar a: navegación, búsqueda «Bauhaus» redirige aquí. Para otras acepciones, véase Bauhaus (desambiguación).

Bauhaus Dessau.

La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal), o simplemente Bauhaus, fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas en manos del Partido Nazi.

Arquitectos, escultores, pintores, ... debemos regresar al trabajo manual ... Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a las clases sociales y que busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas

Walter Gropius

Índice [ocultar] 

1 Bauhaus 2 Ideología de fundación 3 Relación con el diseño 4 La Bauhaus y la nueva tipografía 5 Arquitectura 6 Fotografía 7 Contexto histórico-político 8 Cronología

o 8.1 Primera época (1919-1923) o 8.2 Segunda época (1923-1925) o 8.3 Tercera época (1925-1933)

9 La vida cotidiana y las fiestas de la Bauhaus 10 La Nueva Bauhaus 11 Principales exponentes de la Bauhaus 12 Composición 13 Plan de Estudios de 1919 14 Patrimonio de la Humanidad 15 Véase también 16 Notas y referencias 17 Enlaces externos

Bauhaus[editar]El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "construcción", y Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.

Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con el pensamiento socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más

racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.

Ideología de fundación[editar]Walter Adolph Georg Gropius, fundador de la Bauhaus, nació en Berlín el 18 de mayo de 1883. Fue hijo y nieto de arquitectos, estudió arquitectura en Múnich y en Berlín. Uno de los principales ideales de Gropius era representado mediante la siguiente frase: "La forma sigue a la función". Buscaba la unión entre el uso y la estética.

Su trayectoria es una circunstancia que hay que considerar determinante para la orientación ideológica de Gropius. Procedente de la burguesía inteligente, trabajó en Múnich de 1907 a 1910 con Peter Behrens, el primer arquitecto contratado por una gran empresa industrial como responsable artístico (AEG). A partir de entonces, Gropius siempre planteó el problema de la edificación en relación con el sistema industrial y con la producción en serie, llegando incluso hasta el extremo de considerar el edificio como un producto directo de la industria y fundando así en 1943, junto con Konrad Wachsmann, una empresa de edificaciones prefabricadas.

La fábrica Fagus, de arquitectura revolucionaria, le dio cierta fama en 1911 –que confirmó en Bolonia en 1914– al construir para la exposición del Werkbund un palacio para oficinas de atrevida concepción estructural, estética y técnica. La Gran Guerra interrumpió su actividad de constructor, reclamado al frente. Pero durante aquellos años fue madurando en su ánimo la conciencia de que tenía un deber humano muy elevado que cumplir: la arquitectura había de desempeñar un papel en el problema social que la posguerra plantearía con toda gravedad; y este problema social había de fundirse con la estética.

Relación con el diseño[editar]La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían como tales y fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia, las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1996.

Siendo director Ludwig Mies van der Rohe, la escuela sufrió por el acosante crecimiento del Nacional Socialismo. Debido a que la ideología Bauhaus era vista como socialista internacionalista y judía, los nazis cerraron la escuela.

Muchos de los integrantes de la misma, entre ellos el mismo Walter Gropius, refugiados, se instalaron finalmente en Estados Unidos para seguir con sus ideales.

La Bauhaus tuvo su sede en tres ciudades:

1919 – 1925: Weimar 1925 – 1932: Dessau 1932 – 1934: Berlín

Estuvo organizada por tres directores:

1919 – 1927: Walter Gropius 1927 – 1930: Hannes Meyer 1930 – 1933: Ludwig Mies van der Rohe

La Bauhaus y la nueva tipografía[editar]Según Philip B.Meggs, la Bauhaus generó un nuevo estilo tipográfico en su escuela de diseño (1919-1933). Se emplearon casi exclusivamente las fuentes de sans-serif y Bayer diseñó un tipo universal que redujo el alfabeto a formas limpias, simples y construidas en forma racional.

Arquitectura[editar]Uno de los principios establecidos por la Bauhaus desde su fundación es "La forma sigue a la función"

El edificio de la Bauhaus de Dessau (1925-1932) de Walter Gropius, es el más emblemático de entre sus escuelas. Se despliega en varios volúmenes, independientes entre ellos, y diseñados según la función para la que fueron concebidos. Tiene una configuración relacionada con las condiciones de la zona donde se ubica: limita con una calle, atraviesa otra perpendicular a la primera y dos de sus alas contornean un cercano campo deportivo, y se abre al ritmo de la vida urbana con sus grandes fachadas de luminosas cristaleras. Este proyecto es considerado como la obra maestra del racionalismo europeo.

La arquitectura salida de la Bauhaus se desarrolló después de la Primera Guerra Mundial. Se basa en formas simétricas de orígenes grecolatinos. También incluye aspectos del Renacimiento Clásico. Mark Lawliette comenzó esta revolución hacia la arquitectura. Él quiso expandir su arte a través de la prestigiosa escuela Bauhaus, siendo uno de los más importantes participantes de este maravilloso movimiento que cambió el modo de apreciación hacia la arquitectura.

Algunas de sus más famosas creaciones fueron: El Yvoliette, Le Pour Leyette, Jauquelyn, Açufrenchais, todos ellos situados en este momento en el museo Madame Tussaud. En su mayoría consta de formas triangulares y rectas que ayudaron a la apreciación de la rigidez del carácter que impuso Lawliette. Sus colores son opcionales, pero generalmente se utilizan tonos marrones y rojos oscuros, aunque hay excepciones como por ejemplo en el famoso Jauquelyn, en el cual se utilizaron colores fuertes en los que predominaba el azul

cielo y el magenta. Después de haber aportado tanto a este arte Lawliette, a sus 46 años de edad, murió de tuberculosis. En esa misma época se produjo un cambio drástico en la arquitectura, cambiando así de formas triangulares a ovaladas y rectangulares entre otros aspectos. Por ello hoy en día no es muy conocido el nombre de este gran artista que sin lugar a duda fue uno de los más importantes en este sector.

Tel Aviv es la ciudad con más arquitectura Bauhaus. Hay más edificios construidos al estilo Bauhaus que en cualquier otro lugar del mundo, incluyendo cualquier ciudad de Alemania. El estilo fue llevado en los 30 por arquitectos judíos europeos que huían del régimen nazi. Desde 2003, "La Ciudad Blanca" es considerada patrimonio de la humanidad, y son más de 1500 los edificios de estilo internacional contabilizados y sujetos a distintos planes de restauración y preservación.

Fotografía[editar]La Bauhaus no tenía una sección fotográfica, pero en 1923 se le encargó el taller de metales al maestro húngaro László Moholy-Nagy , que introdujo entonces la fotografía como un nuevo medio de expresión artística. Enseñó técnicas como el fotomontaje, el montaje lumínico, la foto escultura y el collage abriendo vías en este campo. Alentó, en el marco de la expresión fotográfica, la exploración de nuevas formas más que nuevos temas. Una de las innovaciones esenciales de esta escuela fue sin duda la de haber asociado de manera sistemática el arte con sus posibles aplicaciones, ya fueran documentales, decorativas o publicitarias. Grandes fotógrafos estudiaron en la Bauhaus como Herbert Bayer, Lázlo Moholy-Nagy, Lucía Molí-Nagy, Walter Peterhans, Horacio Coppola, Florence Henry, Grete Stern y Ellen Auerbach, entre otros.

Contexto histórico-político[editar]La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en las dos primeras décadas del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo.

La modernización conservadora del Imperio alemán durante la década de 1870 mantuvo el poder en manos de la aristocracia. Esto exigía también, del militarismo y el imperialismo para mantener la estabilidad. Para 1912 el auge de los izquierdistas del SPD había galvanizado las posiciones políticas con conceptos de la solidaridad internacional y de establecer el socialismo contra el nacionalismo imperialista. Sectores del proletariado demostraron una creciente capacidad de organización, cuestión que fue forzosamente potenciada por la hiperinflación alemana y la cada vez más evidente crisis económica. Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, la Bauhaus no se marginó de los procesos políticos-sociales, manteniendo un alto grado de contenido crítico y compromiso de izquierda. La Bauhaus -como demuestran los problemas que tuvo con políticos que no la veían con simpatía- adquirió la reputación de ser profundamente subversiva.1

Cronología[editar]

Primera época (1919-1923)[editar]

En el momento de su fundación los objetivos de la escuela, caracterizados por Gropius en un manifiesto, fueron: "La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público" ya que una de sus metas era la de independizarse y comenzar a vender los productos elaborados en la Escuela, para dejar de depender del Estado que hasta ese momento era quien los subsidiaba.

Se formó cuando Gropius une la Escuela de Bellas Artes con la Escuela de Artes Aplicadas o Escuela de Artes y Oficios, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo.

En ésta fase se implantó en la escuela el llamado "vorkurs" o curso preliminar, creado por Johannes Itten. Como su nombre lo indica, el curso preliminar, antepuesto a los estudios propiamente dichos, tenía por misión liberar de convenciones al futuro miembro de la institución, despertar sus dotes personales y orientarle espiritualmente para la ulterior formación. Entre los primeros estudiantes se encontraban Marcel Lajos Breuer y Joost Schmidt, que alcanzaron cierto éxito. Los estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos a hacer todo tipo de trabajos, por tanto salían de la escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles. La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, tejido, encuadernación, metalurgia, vidriería. Pero no de pintura y escultura en el sentido tradicional.

El taller de teatro, dirigido por Oskar Schlemmer, era considerado muy importante dentro del programa de la escuela por su naturaleza de actividad social que combinaba diversos medios de expresión. Decorados, vestuario, etc. formaban parte de las prácticas de los alumnos. Fueron famosas las obras de Schlemmer, sobre todo el Ballet Triádico, obra estrenada en el teatro de Stuttgart.

Paul Klee llegó a la escuela en 1920. Persona muy culta (además de ser un violinista y pintor notable) muy interesado por los problemas teóricos del arte. Desarrolló su actividad en el taller de tejidos, dando clases de composición. Su enseñanza se basaba en las formas elementales, de las que, según él, se derivaban todas las demás. El arte debía descubrir esas formas, desvelarlas, hacerlas visibles. Preparaba concienzudamente las clases escribiendo en unos cuadernos que, posteriormente fueron publicados en forma de libro.

En 1922 Kandinsky se incorporó al proyecto. Había participado en las reformas educativas en la época de la revolución rusa, fundando en la Unión Soviética varias escuelas. Durante ese tiempo mantuvo correspondencia con Gropius. Cuando la revolución rusa empezó a sufrir dificultades y comenzaron las disputas y purgas políticas, Kandinsky decidió trasladarse a la Bauhaus. Su prestigio, tras la publicación de De lo espiritual en el arte en 1911 y sus primeras obras abstractas de 1910, era por entonces ya muy grande. Sustituyó a Schlemmer en el taller de pintura mural y dio clases con Klee en el curso de diseño básico.

Su mente teórica fue decisiva para iniciar el camino hacia un arte más intelectual y razonado, donde utilizaban el alma del objeto para esculpirla en la tela con rasgos abstractos.

Klee se retiró en el año 1931.

Esta primera etapa culmina con la inminente necesidad del cambio de sede de la escuela propiciado por la gran depresión. En 1925 se estrena la sede de Dessau; la primera etapa de la Bauhaus se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, productos y diseños y, por lo tanto, también de educadores del diseño.

Segunda época (1923-1925)[editar]

En 1923 Theo van Doesburg, fundador en los Países Bajos del neoplasticismo, pintor, arquitecto y teórico, creó en Holanda la revista y el movimiento De Stijl y al llegar después a Weimar, ejerció una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo.

A partir de 1923 se sustituye la anterior tendencia expresionista por la Nueva Objetividad, un estilo también expresionista de pintura aunque mucho más sobrio que se estaba imponiendo en toda Alemania. La incorporación a la Bauhaus de László Moholy-Nagy, un artista muy cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso de El Lissitzky y Tatlin, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración.

De esta época datan algunos de los más importantes escritos teóricos de la Bauhaus en el ámbito de la pintura. Así, Klee escribe «Vías del estudio de la naturaleza» (Wege des Naturstudiums, 1923) y «Cuaderno de bocetos pedagógicos» (Pädagogisches Skizzenbuch, 1925); e imparte en la Asociación del Arte de Jena la conferencia El arte moderno (Über die moderne Kunst). Por su parte, Kandinsky publica «Punto y línea sobre el plano» (Punkt und Linie zu Fläche, 1926) como el n.º 9 de la serie de la Bauhaus.2

Tercera época (1925-1933)[editar]

En 1925 László Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus. Decisión tomada ante la creciente presión que ejerce el grupo de docentes y alumnos de tendencia comunista.

En 1933 el partido nazi decide cerrar la escuela por lo que Ludwig Mies van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos. La escuela, situada esta vez en un antiguo edificio de telefonía, sobreviviría solo hasta abril de ese mismo año. Fueron inútiles las protestas de Van der Rohe, que insistía en presentarse como patriota y veterano de guerra y defendía que su trabajo no tenía implicaciones políticas.

La vida cotidiana y las fiestas de la Bauhaus[editar]

La Bauhaus fue también un gran experimento vital de una pequeña comunidad de jóvenes (1.400 aproximadamente) que, tras la quiebra del viejo orden y la traumática experiencia de la recién acabada Primera Guerra Mundial, se lanzó llena de entusiasmo a la construcción de una utopía social, de nuevas formas de convivencia. Se llevaron a cabo legendarias fiestas en la Bauhaus, generalmente temáticas (fiesta blanca, fiesta del metal, fiesta de los cometas) y casi siempre de disfraces, en cuya organización y diseño se trabajaba durante semanas. Las fiestas tenían una doble intención: por un lado fomentar el contacto entre la escuela y la población para aplacar los recelos que generaba la institución en la población y, por otro, propiciar el trabajo en equipo y de cooperación y servir de catarsis ante las tensiones y conflictos que se originaban en la Bauhaus como resultado de la estrecha vinculación entre trabajo y vida privada. Además de estas fiestas «oficiales», cualquier acontecimiento era igualmente susceptible de desembocar en una celebración: la finalización de un tapiz, la adquisición de la nacionalidad del matrimonio Kandinsky, o el nacimiento de un niño.

La Nueva Bauhaus[editar]Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría. László Moholy-Nagy fundó en Chicago en 1937 la New Bauhaus. De las nuevas encarnaciones de la escuela, esta sería la que respetaría más fielmente el plan de estudios original. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal Alemana) la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación), que recupera pronto la denominación de Bauhaus o, para diferenciarla de la inicial, Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual fue director entre 1954–1966 el pintor y diseñador argentino Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con el carácter científico y racionalista aplicado en las artes.

Principales exponentes de la Bauhaus[editar] Lyonel Feininger (1871 - 1956) Pintor Josef Albers (1888 - 1976) Pintor y docente de arte Alfred Arndt (1898 - 1976) Arquitecto Herbert Bayer (1900 - 1985) Diseñador gráfico y pintor Walter Gropius (1883 - 1969) Arquitecto Ludwig Hilberseimer (1885 - 1967) Arquitecto y urbanista Marianne Brandt (1893 - 1983) Diseñadora en Metal Johannes Itten (1888 - 1967) Pintor y profesor de arte Marcel Breuer (1902 - 1981) Arquitecto Wassily Kandinsky (1866 - 1944) Pintor Paul Klee (1879 - 1940) Pintor George Muche (1895 - 1987) Pintor y grafista Gerhard Marcks (1889 - 1940)Pinto y Escultor Walter Peterhans (1897 - 1960) Fotógrafo Hannes Meyer (1889 - 1954) Arquitecto Lilly Reich (1885 - 1947) Arquitecta de interiores

Ludwig Mies Van der Rohe (1886 - 1969) Arquitecto Hinnerk Scheper (1897 - 1957) Colorista, pintor y conservador de monumentos Lászlo Moholy-Nagy (1895 - 1946) Diseñador visual Oskar Schlemmer (1888 - 1943) Pintor Joost Schmidt (1893 - 1948) Tipógrafo y escultor Lothar Shreyer (1886 - 1966) Escritor, dramaturgo y pintor Günta Stölzl (1897 - 1983) Tejedora

Composición[editar]

Año Ciudad Director Titular del curso preliminar1919 Weimar Walter Gropius Johannes Itten1923 Weimar Walter Gropius László Moholy-Nagy1925 Weimar Walter Gropius László Moholy-Nagy1925 Dessau Walter Gropius László Moholy-Nagy1928 Dessau Hannes Meyer Josef Albers1930 Dessau Ludwig Mies van der Rohe Josef Albers1932 Dessau Ludwig Mies van der Rohe Josef Albers1932 Berlín Ludwig Mies van der Rohe Josef Albers1933 Berlín Ludwig Mies van der Rohe Josef Albers

Clausura

Plan de Estudios de 1919[editar]-Un curso preliminar (6 meses): Enseñanza formal

Elemental mediante el estudio de las materias en t. didáctico

-Enseñanza basada en talleres (3 años)

El artista se encargaba de la enseñanza técnica (cursos de teoría del color, materiales y utensilios, composición, espacio)

El artesano de la enseñanza formal. 7 talleres: piedra, madera, metal, arcilla, vidrio, colores y tejidos. (Diploma de artesano)

-Un curso de perfeccionamiento

Realización de un proyecto arquitectónico. Trabajo práctico en los talleres de la escuela.(Diploma de maestro de arte)

-3 Pilares: Formación artesanal; Formación gráfico-pictórica; Formación científica.

La Bauhaus aspira a formar artistas creadores.

Patrimonio de la Humanidad[editar]

La Bauhaus y sus sitios en Weimar y Dessau

Nombre descrito en la Lista del Patrimonio de la Humanidad.

Vista de las casas de

los Maestros.

Coordenadas

51°50′36″N 12°13′18″E 51.843361111111, 12.221527777778 Coordenadas : 51°50′36″N 12°13′18″E 51.843361111111,

12.221527777778 (mapa)

País Alemania

Tipo Cultural

Criterios ii, iv, vi

N.° identificación

729

Región Europa y América del Norte

Año de inscripción

1996 (XX sesión)

[editar datos en Wikidata]

La Bauhaus y sus sitios en Weimar y Dessau es el conjunto de las edificaciones de la Bauhaus declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1996.3 Está compuesto por los siguientes monumentos:

Código Nombre Ubicación Coordenadas

729-001

Edificio principal de la Academia de Weimar para la arquitectura y las Artes Constructivas

Universidad de Weimar

50°58′29.2″N 11°19′46.2″E 50.974778, 11.329500

729-002

Edificio Van de Velde de la Academia para la Arquitectura y las Artes Constructivas

Universidad de Weimar

50°58′29″N 11°19′45.7″E 50.97472, 11.329361

729-003

Haus am Horn Weimar

50°58′24.3″N 11°20′20.9″E 50.973417, 11.339139

729-004

Edificio de la Bauhaus Dessau

51°50′18.4″N 12°13′38.2″E 51.838444, 12.227278

729-005

Casas de los Maestros Dessau

51°50′36.1″N 12°13′17.5″E 51.843361, 12.221528

Véase también[editar] Pintura de la Bauhaus Arte abstracto Frank Lloyd Wright

Movimiento Moderno Estilo Internacional Racionalismo arquitectónico Vkhutemas HfG

Notas y referencias[editar]1. Volver arriba ↑ Hobsbawm, Eric, Historia del Siglo XX, editorial Crítica, Buenos Aires,

19952. Volver arriba ↑ Essers, V., «La modernidad clásica. La pintura durante la primera mitad del

siglo XX», en Los maestros de la pintura occidental, volumen II, Taschen, 2005. ISBN 3-8228-4744-5, pág. 555

3. Volver arriba ↑ Gema Casadeval (1 de septiembre de 1997). «Unesco declara la Bauhaus Patrimonio de la Humanidad». El Mundo. Consultado el 21 de octubre de 2008.

Bibliografía

Gropius, Walter. La nueva arquitectura y La Bauhaus. Editorial Lumen 1966, ISBN 84-264-1005-7

Kandinsky, Vasili Vasilevich. Cursos de la Bauhaus. Madrid, Alianza Editorial, 2003. ISBN 84-206-7011-1

Klee, Paul. Diarios 1898-1918. Madrid, Alianza Editorial, 1993.ISBN 84-206-7061-8

UNIVERSIDAD DE PALERMO. La Bauhaus abre sus puertas a la fotografía [en línea]. [Consulta: 29 de abril de 2014]. Disponible en web: <http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/blog/docentes/trabajos/5637_14140.pdf>

Varios. Utopías de la Bauhaus. Edición del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía 1988. ISBN 84-505-7550-8

Whitford, Frank. La Bauhaus. Barcelona, Destino, 1991.ISBN 84-233-1985-7 Wick, Rainer. Pedagogía de la Bauhaus. Madrid, Alianza Editorial, 1993. ISBN 84-

206-7054-5 Wingler, Hans Maria. La Bauhaus : Weimar, Dessau, Berlín, 1919-1933.

Barcelona, Gustavo Gili, 1980. ISBN 84-252-0841-6 Wolfe, Tom. La palabra pintada. Editorial Anagrama, 1999. ISBN 84-339-2320-X.

Ref. en es.humanidades.arte Wolfe, Tom. ¿Quién teme al Bauhaus feroz?. Editorial Anagrama 1999 ISBN 84-

339-0436-1 Droste, Magdalena. Bauhaus [castellano]. Editorial Taschen 2006 ISBN 3-8228-

5000-4 Hervás y Heras, Josenia (2014). El camino hacia la arquitectura: las mujeres de la

Bauhaus. Tesis (Doctoral), E.T.S. Arquitectura (UPM). Archivo Digital UPM

Enlaces externos[editar]

José Villagrán GarcíaDe Wikipedia, la enciclopedia libreSaltar a: navegación, búsqueda

José Villagrán García

Información personal

Nacimiento 22 de septiembre de 1901México, D. F., México

Defunción 10 de junio de 1982México, D. F., México

Nacionalidad Mexicano

[editar datos en Wikidata]

José Villagrán García (México, D. F., 22 de septiembre de 1901 - ibídem, 10 de junio de 1982) fue un arquitecto mexicano. Es reconocido por el desarrollo de una teoría de la Arquitectura y es considerado como uno de los maestros de la nueva arquitectura mexicana del siglo XX, participó en el plan maestro de la Ciudad Universitaria de la UNAM.

Índice [ocultar] 

1 Biografía 2 Premios y distinciones 3 Síntesis de los Valores del Libro de la Teoría de la Arquitectura de Jóse Villagran 4 Véase también 5 Referencias 6 Bibliografía

Biografía[editar]Realiza sus estudios profesionales en la Escuela de Arquitectura de San Carlos entre 1918 y 1922. Se recibe de arquitecto el 1 de octubre de 1923. Profesor de composición, de 1924 a 1935, de teoría arquitectónica, de 1926 a 1935 y de 1936 a 1957, y director de la Escuela

Nacional de Arquitectura (hoy Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México), de 1933 a 1935.

Formó parte del grupo de arquitectos del departamento de Salud estatal, de la SSA, de 1924 a 1935; Práctica privada desde 1935; Consejero del Comité Nacional de la Campaña contra la Tuberculosis, de 1939 a 1947; consejero del Departamento de Hospitales, de la SSA, de 1943 a 1945, y encargado del Hemisferio Occidental, en la Organización Mundial de la Salud, Washington, D.C., en 1951. Estuvo a cargo del diseño y construcción del Centro Universitario México, C.U.M. (1944)

Fue miembro de la SAM, presidente de ésta en 1926, y académico emérito en 1979; miembro del CAM en 1955; miembro de la junta de Gobierno de la UNAM, de 1953 a 1970; miembro fundador de la Academia de Artes, en 1968; miembro fundador de ICOMOS Mexicano, y presidente de este organismo en 1981.

Premios y distinciones[editar] Premio de la Bienal de Arquitectura de São Paulo, Brasil; 1955. Miembro de El Colegio Nacional desde 1960.1

Premio Nacional de de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes, por el gobierno de México; 1968.2

Premio Nacional de Arquitectura, de la Sociedad Mexicana de Ingenieros y Arquitectos, México, D. F.; 1981.

Síntesis de los Valores del Libro de la Teoría de la Arquitectura de Jóse Villagran[editar]Los Valores

Útil Lógico Estético Social

Otros puntos que trata el libro:

Proporción Estilo Carácter

Puntos Sintetizados por Eduardo Velázquez Gutiérrez

Véase también[editar]

Ciudad Universitaria Domingo García Ramos Enrique Del Moral Facultad de Arquitectura (Universidad Nacional Autónoma de México) Mario Pani Darqui Universidad Nacional Autónoma de México

Referencias[editar]1. Volver arriba ↑ «Miembros. Villagrán García, José». El Colegio Nacional. Consultado el 6

de mayo de 2012. 2. Volver arriba ↑ Consejo Nacional para la Cultura y las Artes. «Premio Nacional de Ciencias

y Artes». Secretaría de Educación Pública. Consultado el 1 de diciembre de 2009.

Bibliografía[editar] Noelle, Louise (1989). México: Ed. Trillas, ed. Arquitectos Contemporáneos de

México. ISBN 968-24-2784-3. Vargas Salguero, Ramón (2005). México: UNAM, Facultad de Arquitectura, ed.

José Villagrán García / Vida Y Obra. ISBN 970-32-1252-2.

1

1. Volver arriba ↑ Teoria de la arquitectura / Jose villagran García Idioma: Spanish Autores: Villagrán García, José, autor Información de la publicación: México : Inba, direccion de arquitectura y conservacion del patrimonio artistico nacional, 1983 Edición: 3 Fecha de publicación: 1983 Descripción física: 148 páginas Serie: Cuadernos de arquitectura y conservacion del patrimonio artistico, issn 0185-3562; numero extraordinario Tipo de publicación: Book Tipo de documento: Non-fiction Descriptores: Arquitectura Notas: compra 2013/10/09 547.31 Otros autores: Instituto Nacional De Bellas Artes (mexico). Direccion De Arquitectura Y Conservacion Del Patrimonio Artistico ISBN: 968-80-1318-8 Número de acceso: lib.MX001000441007 Base de datos: LIBRUNAM

José Villagrán García, fue un arquitecto y maestro notable, quien con sus clases y planteamientos teóricos transformó la visión academicista de la arquitectura del siglo XIX, en la que él mismo se había formado, en nuevas posturas que cambiaron la perspectiva de los estudiantes y profesores que posteriormente generaron la Arquitectura del siglo XX en México.

Desde su creación al mudarse la entonces Escuela Nacional de Arquitectura de la antigua Academia de San Carlos, del Centro Histórico a la Ciudad Universitaria en 1954, el "Taller" ha transitado por diversas etapas y planes de estudio. Al inicio se le denominó como el Taller 5, nombre que perduró hasta los años 70' en que cambió a "Taller D" cuando la Escuela se dividió en Talleres de Letra y Talleres de Número (Autogobierno) con dos planes de estudio distintos. Finalmente al reunificarse la ya Facultad de Arquitectura con el Plan de Estudios 92 el Taller tomó nombre definitivo Arquitecto José Villagrán García.

http://arquitectura.unam.mx/taller-arquitecto-jose-villagran-garcia.html

Información de Héctor Esrawe

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Héctor Esrawe Héctor Esrawe estudió Diseño Industrial en la Universidad Iberoamericana. Creó la marca DIMO y desde 2004 ha sido director de la firma de diseño de muebles, objetos e interiores, Esrawe Diseño. Fue el primer director de la carrera de Diseño Industrial en Centro de Diseño, Cine y Televisión, la cual también creó. Actualmente forma parte del Consejo Académico de dicha institución. Es fundador y miembro del Colectivo Nel y pertenece al Consejo Editorial de la revista Arquine.

Esrawe ha sido conferencista y tallerista invitado en México, Nueva York, Praga (Brno), Helsinki y Londres. Ha recibido diversos reconocimientos como el Premio Quórum en la categoría de mobiliario (1999), así como una mención de plata (2004) y una de bronce (2005) en el mismo concurso. Fue reconocido por el IIDA México por 15 años de excelencia en su trayectoria, y recibió la Medalla de Plata en la Bienal de Diseño por el Proyecto Corporativo Lar (México 2008). Ha diseñado productos en vidrio para Nouvel Studio con presencia en tiendas como Barneys, Saks y Moss, y en el Walker Art Center.

Esrawe ha formado parte de exposiciones colectivas en el Museo Franz Mayer, en el Palacio de Bellas Artes y en la Galería Mexicana de Diseño (México DF), además de participar en la Exposición Europalia (Bélgica) en 1993. Además su trabajo ha sido publicado en Surface, Metropolis, Architectural Record, Interior Design Magazine, Frame, Damn, Monocle, Wallpaper, Diseño México y Vida y diseño en México siglo XX.

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Leon Battista AlbertiDe Wikipedia, la enciclopedia libreSaltar a: navegación, búsqueda

Supuesto retrato de Alberti en una plaqueta.

Leon Battista Alberti (Génova, Italia, 18 de febrero de 1404 - Roma, 25 de abril de 1472) fue un sacerdote, secretario personal (abreviador apostólico) de tres Papas —Eugenio IV, Nicolás V y Pío II—, humanista, arquitecto, tratadista, matemático y poeta italiano. Además de estas actividades principales, también fue criptógrafo, lingüista, filósofo, músico y arqueólogo. Es uno de los humanistas más polifacéticos e importantes del Renacimiento.

Alberti fue el primer teórico artístico del Renacimiento, una figura emblemática, por su dedicación a las más variadas disciplinas. Se mostró constantemente interesado por la búsqueda de reglas, tanto teóricas como prácticas, capaces de orientar el trabajo de los artistas; en sus obras menciona algunos cánones. Por ejemplo, en De statua expone las proporciones del cuerpo humano, en De pictura proporciona la primera definición de la

perspectiva científica y por último en De re ædificatoria (obra que termina en 1450) describe toda la casuística relativa a la arquitectura moderna, subrayando la importancia del proyecto, los diversos tipos de edificios siguiendo las funciones que deben desempeñar.

El aspecto más innovador de sus propuestas consiste en mezclar lo antiguo y lo moderno propugnando de ese modo la praxis antigua y la moderna, que había iniciado Filippo Brunelleschi. Además, según Alberti: "...el artista en este contexto social no debe ser un simple artesano, sino un intelectual preparado en todas las disciplinas y en todos los terrenos". Una idea heredera del enciclopedismo medieval de los doctos, pero adaptada a la vanguardia humanista.

La clase social con la que Alberti se relacionará es la alta burguesía culta florentina. Trabajó al servicio de los mecenas más importantes de su época: el papado, los Este en Ferrara, los Gonzaga en Mantua, los Malatesta en Rímini.

Índice [ocultar] 

1 Biografía o 1.1 La formación humanística o 1.2 La actividad como arquitecto o 1.3 Alberti en Fiesole o 1.4 Arquitectura fuera de Florencia

2 Alberti teórico o 2.1 De Pictura (1436) o 2.2 De re ædificatoria (1452) o 2.3 De statua (1464)

3 Escritos 4 Bibliografía 5 Referencias 6 Enlaces externos

Biografía[editar]

Estatua de Alberti en la Galleria degli Uffizi.

La formación humanística[editar]

Alberti nació en Génova. Era hijo natural de Lorenzo Alberti, miembro de una rica familia de comerciantes y banqueros florentinos, desterrados de la ciudad toscana en 1401 por motivos políticos. De hecho, Alberti no conocerá la ciudad de la que su familia era originaria hasta 1434.

Sus primeros estudios los dedicó a las Letras, primero en Venecia y luego en Padua, pero los abandonó al trasladarse a la Universidad de Bolonia, donde empezó a estudiar Derecho (y tal vez griego), a la vez que desarrollaba otras disciplinas artísticas, entre las que hay que señalar la música, la pintura, la escultura, las ciencias físicas y matemáticas, y la filosofía.

Alberti se dedicó a la literatura desde muy joven, incluso antes de inicar sus estudios. En Bolonia escribió una comedia autobiográfica en latín, una lengua que dominaba con gran maestría, la Philodoxeos fabula (Amante de la Gloria), con la que consiguió engañar a todos los expertos de su época, que la consideraron original y la atribuyeron a Lépido, el nombre que usó para firmar Alberti. También en latín compuso diálogos, los Intercœnales, que algunos atribuyeron a Luciano de Samosata a causa de su circulación anónima y su carácter satírico, y en 1428, una obra titulada Deifira, en la que explicaba el modo de escapar de un amor que se hubiera iniciado con mal pie, inspirado con toda probabilidad en vivencias personales.

Tras la muerte de su padre en 1421, Alberti tuvo fuertes diferencias con la familia, a lo que se unieron problemas de tipo económico. En esta época Alberti fue ordenado sacerdote, y comenzó una exitosa carrera eclesiástica en la diplomacia vaticana. En 1431 se convirtió en secretario del patriarca de Grado, en 1432 se trasladó a Roma, en donde fue nombrado

"abreviador apostólico" (su cargo eclesiástico era el de rubricar los "breves apostólicos", las disposiciones papales enviadas a los obispos). Durante 34 años trabajó como abreviador, viviendo entre Roma, Ferrara, Bolonia, Florencia, Mantua y Rímini.

En 1433 Alberti empieza a redactar cuatro libros en lengua vulgar, en el dialecto italiano de la época hablado en la región toscana, una importante elección, los Libros de la Familia, que están considerados como su obra maestra, y que finaliza en 1441. Se trata también en esta ocasión de un tratado que "reproduce" un diálogo apócrifo desarrollado en Padua, en 1421. En el debate participan varios componentes de la familia Alberti, personajes reales. En el diálogo se enfrentan dos visiones opuestas: por una parte aparece la mentalidad emergente, burguesa y moderna, por otra la tradición, una mentalidad clásica unida al pasado. El análisis del libro es una visión de los principales aspectos de la vida social de la época, el matrimonio, la familia, la educación, la gestión económica de la familia, las relaciones sociales.

A pesar de haber escrito numerosos textos en latín, lengua a la que reconocía un gran valor cultural y unas cualidades expresivas superiores, Alberti fue un ferviente preconizador de la lengua vulgar, a la que consideraba más adecuada a las exigencias de una sociedad naciente en permanente transformación. La experiencia del Certame coronario, una competición de poesía dedicada al tema de la amistad, desarrollada en Florencia en 1441, sirvió como afirmación de la importancia y valor de la lengua vulgar. A la idea de este concurso hay que atribuir las pruebas de diversas líricas desarrolladas por Alberti, recogidas y publicadas sucesivamente con el título de Rimas, casi todas de tema amoroso, pero muy originales e innovadoras tanto en su estilo como en la métrica. Se trata de uno de los primeros ejemplos en la literatura italiana del recurso a una métrica "bárbara".

La actividad como arquitecto[editar]

Palacio Rucellai, Florencia.

Santa María Novella, Florencia.

Trabajó como arquitecto sobre todo para Giovanni di Paolo Rucellai, comerciante y humanista, amigo íntimo suyo y de su familia.

Por encargo de Rucellai en 1456 proyecta la finalización de la fachada de la iglesia de Santa Maria Novella, que había quedado inconclusa en 1365 en el primer nivel de arcadas. Alberti se encontró con el problema de tener que integrar elementos de épocas anteriores: debajo estaban las tumbas flanqueadas por arcos apuntados y las portadas laterales, también apuntadas, en cambio en la parte superior ya estaba establecida la altura del rosetón en el que, en la parte inferior insertó en el centro una portada clásica, y colocó una serie de arquitos, con una franja de mármol para separar y enmascarar las contradicciones entre los dos niveles. El factor de unificación más poderoso entre ambas partes fue completar la composición con incrustaciones de mármol inspiradas en el románico florentino, como en la fachada de la iglesia florentina de San Miniato.

De hecho, la fachada se inscribe perfectamente en un cuadrado cuyo lado coincide con la línea de base de la iglesia. Dividiendo en cuatro, dicho cuadrado, se obtienen cuatro cuadrados menores equivalentes a las partes fundamentales de la fachada: dos de ellos comprenden la zona inferior; mientras uno comprende la parte superior.

En 1447 se le encarga la construcción del Palacio de la familia Rucellai. Su intervención en él se centra en la fachada, sobre una base que imita el opus reticulatum romano, realizada entre 1450 y 1460, y formada por tres planos superpuestos, separados horizontalmente por cornisas; la superposición de filas de columnas con distintos órdenes tiene origen clásico, y se basa en el Coliseo: en el piso inferior dóricas, jónicas en el piso noble y corintias en el segundo piso. El palacio pasará a ser modelo para todas las siguientes construcciones de residencias señoriales.

En Mantua construyó la iglesia San Andrés.[1]

Alberti en Fiesole[editar]

Estudios recientes1 creen que la Villa Médicis de Fiesole (edificada entre 1451 y 1457), es fruto de un proyecto ideado por Leon Battista Alberti, y rechazan la anterior atribución a Michelozzo (derivadas de Vasari).

Comparando la villa fiesolana con los edificios descritos en el libro V del De re ædificatoria (que termina de redactar en 1450), haciendo especial mención a la villa campestre y al jardín suburbano, la villa tiene una serie de requisitos que parecen estar inspirados de (o haber inspirado) la obra de Alberti:

La posición de cercanía a la residencia urbana; La visibilidad "nada más salir de la ciudad"; Contar con un magnífico panorama; "Vistas sobre la ciudad, la fortaleza, el mar o una amplia llanura"; La existencia de una sala central, el ‘sinus’ de Alberti, en lugar del patio que utiliza

Michelozzo; La proyección al exterior, por medio de la terraza y el soportal que filtra la luz del

jardín.

Además de la belleza del edificio no se basa en la decoración de tipo medieval, sino en la sencillez de la estructura que le confiere economía, necesidad y belleza y, sobre todo, en la armonía de las proporciones. La villa resulta proporcionada en todas sus partes, tanto internas como externas, según los conceptos de Alberti que remiten a los números, a la música y a la geometría.

La Villa Médicis de Fiésole tenía numerosos elementos innovadores que hacen de ella probablemente el primer modelo de residencia suburbana y de jardín totalmente renacentista.

Arquitectura fuera de Florencia[editar]

Entrada de la Iglesia de San Francisco de Rímini, también llamado el Templo Malatestiano.

En 1450, Segismundo Malatesta lo llama y le solicita que vaya a Rímini. El objetivo es transformar la iglesia de San Francisco en un templo cristiano (el llamado Templo Malatestiano) a mayor gloria suya y de su familia. A la muerte del señor el templo

permaneció inacabado en la parte superior de la portada, en la parte izquierda y en la tribuna. Se sabe del proyecto de Alberti por una medalla acuñada por Matteo de Pasti. Alberti creó, para integrar la antigua iglesia, para no estropearla, un muro inspirado en modelos romanos, pero también en parte tomando modelos gótico-venecianos, elevándolo sobre una tarima, siguiendo el modelo de los templos griegos. Para la fachada utilizó la forma de un arco de triunfo que encuadraba la puerta central, que había tomado del arco de Rímini, situando en los lados dos arcos menores que tendrían que haber enmarcado los sepulcros de Segismundo e Isotta, su mujer; en la parte superior de la fachada, la parte central debía realzarse y acabarse en forma semicircular, junto a dos volutas semicirculares. En los lados estaba prevista teóricamente una columnata, inspirada en los acueductos romanos. En el debían haberse alojado las tumbas de los hombres ilustres de Rímini. Para el ábside quería desarrollar una gran rotonda cubierta de una bóveda hemisférica, solución tomada del Panteón. Una particularidad de esta obra era que el revestimiento no tiene en cuenta las anteriores oberturas góticas, de hecho, los arcos laterales no tienen la misma medida que las ventanas ojivales.

San Sebastián, en Mantua.

En 1459 es requerido en Mantua a instancias de Ludovico Gonzaga. Su primera intervención en dicha ciudad es la iglesia de San Sebastián, que empieza en 1460. Esta iglesia era privada para los Gonzaga; tiene planta de cruz griega, dividida en dos pisos, uno de ellos enterrado, con tres brazos absidiados alrededor de un cuerpo cúbico. El brazo anterior tiene delante un pórtico con cinco aberturas. En la fachada el arquitrabe con tímpano dividido sobrevolado por un arco siriaco, inspirado en el arco de Orange.

Su segunda intervención, también por encargo de los Gonzaga, es la iglesia de San Andrés, erigida para reemplazar una capilla anterior en la que se veneraba una reliquia de la sangre de Cristo. Alberti presentó su proyecto, inspirado en un modelo etrusco que toma de Vitruvio, en oposición al anterior, de Antonio Manetti. La iglesia, que se empieza a construir en 1472, tiene planta de cruz latina y una nave única, con capillas laterales rectangulares, inspirándose en el arco de triunfo clásico como el arco de Trajano en

Ancona. La fachada se puede inscribir en un cuadrado, y todas las medidas de la nave, tanto en su planta como en su alzado, tienen un preciso módulo métrico. La tribuna y la cúpula se completaron siguiendo un diseño diferente del de Alberti.

De 1467 data otra de las obras que lleva a cabo para los Rucellai: se trata del templete del Santo Sepulcro en la iglesia de San Pancracio de Florencia, construido siguiendo un paralelepípedo corintio, decorado con mármol, con figuras geométricas en proporción áurea, decoraciones geométricas, al igual que en la fachada de Santa Maria Novella, y que según Alberti, llevan a meditar acerca de los misterios de la fe.

Alberti también trabajó en Ferrara, en donde crea la parte trasera del Palacio Municipal, por aquella época sede de los Este y el campanario de la catedral con su característica bicromía de mármoles rosa y blanco.

Alberti trabajó para la curia romana hasta 1464, cuando se suprimió el colegio de los abreviadores, pero permaneció en la capital hasta su muerte, sucedida el 25 de abril de 1472, a los 68 años, Tras una intensa vida en la que había destacado en múltiples disciplinas. En el momento en que muere, ya hay un relevo: Leonardo Da Vinci tiene 20 años.

Alberti teórico[editar]Una de las facetas más importantes en Alberti son sus tratados teóricos, por los que hoy conocemos su pensamiento artístico. Es curioso el concepto que tiene del arte y definición de la idea. La función del arquitecto es matemática, crear, dar proporciones. La labor de aparejador la hacen sus discípulos, que son los que resuelven los problemas a pie de obra. El arquitecto es el que la inventa.

De Pictura (1436)[editar]

De regreso a Florencia en 1434 Leon Battista Alberti, se acercó a la obra de los innovadores florentinos (Filippo Brunelleschi, Donatello y Masaccio). De 1436 data De Pictura , que el propio Alberti tradujo a toscano con el título "Della pittura", obra que dedica a Brunelleschi. En este tratado trata de dar reglas sistemáticas a las artes figurativas. El tratado se basa principalmente en Euclides. En su introducción marca la distinción entre la forma presente, la palpable y la forma aparente, es decir, la que aparece ante la vista, que varía según la luz y el lugar, a la que se unió la teoría de los rayos visivos. Luego trata de los colores: el rojo, el azul, el verde y el amarillo (en correspondencia con los cuatro elementos) que Alberti define como colores fundamentales. El blanco y el negro no los define como colores, sino como modificación de la luz. Sigue la descripción del método prospectivo siguiendo principios geométricos.

El II libro habla de teoría artística. Alberti divide la pintura en tres partes:

1. Circumscriptione, es decir, contorno de los cuerpos, en donde trata del llamado velo, del sistema para trazar contornos precisos.

2. Compositione, es decir, composición de los planos, en donde trata de la teoría de las proporciones basándola en la anatomía.

3. Receptione di lumi, que trata de tonos y tintas, se habla fundamentalmente del relieve, y en este apartado reprueba también el uso excesivo del oro puro para los fondos.

El libro III trata de la formación y del modo de vida del artista, que ya no es artesano como antes, en tanto en cuanto su arte se basaba en la técnica, sino intelectual puesto que su arte se basa en las matemáticas y la geometría. En este tratado Alberti diferencia entre copia y variedad, diferencia que se expresará durante todo el Renacimiento. Mientras la copia es la abundancia de temas presentes en una composición, la variedad, en cambio, es la diversidad, tanto en la decoración como en los colores, de los temas. A este principio de variedad se adaptarán artistas diversos como Fra Filippo Lippi y Donatello.

En 1437 escribe, en latín, los Apologi, una especie de breviario de su filosofía vital. De 1450 es el Momus, sive De principe, una sátira alegórica construida según el modelo de Luciano de Samosata, que trata con bastante amargura las relaciones entre literatura y política.

De re ædificatoria (1452)[editar]

De re ædificatoria es un completo tratado de arquitectura en todos los aspectos teóricos y prácticos relativos a la profesión. La obra no fue publicada hasta unos años después de su muerte en 1485.

En Roma, durante el papado de Nicolás V, restauró las iglesias de Santa María la Mayor y Santo Stefano Rotondo. En dicha ciudad escribió De re ædificatoria en latín. Se trata de una obra no dirigida a especialistas, sino al gran público con formación humanística, tomando como modelo los diez libros de arquitectura de Vitruvio, que en aquel momento circulaba en copias manuscritas sin corregir filológicamente. La obra también está dividida en diez libros.

I- Lineamenta. (Regio (zona), Área (parcela), Partitio (ordenación), Paries (muros), Tectum (cubiertas) y Aperitio (huecos)II- MateriaIII- Opus (técnica constructiva)IV- Universorum opus (obras generales)V- Singuiorum opus (obras específicas)VI- OrnamentumVII- Sacrorum ornamentumVIII- Publici profani ornamentumIX- Privati ornamentumX- Operitium instauratio (por primera vez un arquitecto se ocupa de la restauración, antes si alguien intervenía en una obra era para destruirla)

En los tres primeros, trata de la elección del terreno, de los materiales que deben utilizar y de los cimientos (lo que Vitrubio llama firmitas). Los libros IV y V se centran en diversos tipos de edificios (utilitas). El libro VI sobre la belleza arquitectónica (venustas), y en él habla de la belleza como una armonía que se puede expresar matemáticamente gracias a la ciencia de las proporciones. Este libro incluye, además un tratado acerca de la construcción de máquinas. Los libros VII, VIII y IX tratan de la construcción de iglesias, edificios públicos y privados. El libro X trata de restauración. En el tratado parte siempre del estudio de la antigüedad, un estudio basado sobre medidas de los monumentos antiguos, para proponer nuevos tipos de edificios modernos, y también edificios nuevos por la diferencia cronológica pero inspirados en el estilo antiguo, entre los que se incluían las prisiones, que trata de hacer más humanas, los hospitales y otros lugares de utilidad pública.

El tratado fue una obra imprescindibile para muchos hombres cultos: Pellegrino Prisciani escribió su Spectacula (que dedicó a Ercole I de Este) entre 1486 y 1502, tratando de explicar mejor las partes de texto de Alberti que tratan sumariamente del teatro antiguo, uniéndolo a fragmentos de Vitruvio que éste había omitido.

El término usado en el libro "concinnitas" se puede traducir como la justa medida, cuando no sobra ni falta nada. Es el concepto que hace que veamos algo bello y no sepamos porqué.

De statua (1464)[editar]

Enrique NortenDe Wikipedia, la enciclopedia libre

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Enrique Norten

Información personal

Nacimiento 27 de febrero de 1954México, D. F., México

Nacionalidad Mexicano

Carrera profesional

Estudio TEN Arquitectos

Alma máter Universidad Iberoamericana

Premios Premio Mundial de Artes Leonardo da Vinci (2005)

Cónyuge Leticia Norten

[http://www.ten-arquitectos.com Sitio web oficial]

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Enrique Norten, Hon. FAIA nació en la ciudad de México donde se graduó en la Universidad Iberoamericana con una licenciatura en arquitectura en 1978. Obtuvo un Master en Arquitectura por la Universidad de Cornell en 1980.

En 1986 fundó TEN Arquitectos [Taller de Enrique Norten] en la ciudad de México, iniciando un compromiso de por vida con la Arquitectura y el Diseño. TEN Arquitectos ha participado en proyectos de diversa escala y tipología, incluyendo el diseño de muebles, casas unifamiliares, edificios residenciales, culturales e institucionales, así como paisajismo y planes urbanos.

En 2013, Enrique Norten fue reconocido con una Mención Honorífica en la Bienal de Arquitectura de la Ciudad de México por el edificio de uso mixto Mercedes House y por el Parque Conmemorativo del 150 Aniversario de la Batalla de Puebla. En 2012, fue reconocido con una Mención Honorífica en la Bienal de Arquitectura Mexicana por

Musevi, un museo elevado en Villahermosa, Tabasco. En 2011 obtuvo el "International Award" por la Sociedad Americana de Arquitectos Registrados [SARA], por su destacada labor en el ámbito institucional, académico y/o campo profesional. También fue nombrado "Cultural Ambassador" por la Secretaría de Turismo del Gobierno Federal por sus cualidades personales y profesionales, el compromiso, el amor y el orgullo para México. En 2010 fue reconocido con el "Calli de cristal" otorgado por la Asociación de Arquitectos de Nuevo León por su extensa experiencia profesional. En febrero de 2008, fue galardonado con el "Excellence in Architecture and Design Award" por PODER - Boston Consulting Group Business Awards. En 2007, Enrique Norten fue honrado con el “Legacy Award” del Smithsonian Institution por sus contribuciones a las artes y la cultura de EE.UU.. En 2005 recibió el Premio Mundial de Artes Leonardo da Vinci del Consejo Cultural Mundial y fue el primer ganador del premio Mies van der Rohe de Arquitectura Latinoamericana en 1998.

Enrique Norten ha dado conferencias por todo el mundo y ha participado en numerosos jurados internacionales y comités de adjudicación, tales como el de la World Trade Center Site en Nueva York y los Premios Holcim Foundation for Sustainable Construction. Es miembro del consejo de la Sociedad de Estados Unidos y fue nombrado recientemente miembro de la Junta de Síndicos de la Sociedad Alfred Herrhausen, el Foro Internacional de Deutsche Bank, y se desempeñó como miembro del jurado para el premio Urban Age en 2010.

Enrique Norten es titular de la Cátedra Miller en la Universidad de Pennsylvania, en Filadelfia desde 1998. Ha ocupado la Cátedra O’Neal Ford en Arquitectura en la Universidad de Texas en Austin, la Cátedra Profesor Lorch de Arquitectura de la Universidad de Michigan, y ha sido Eliot Noyes Visiting Design Critic en la Universidad de Harvard. Fue profesor de Arquitectura en la Universidad Iberoamericana en la ciudad de México (1980- 1990) y ha sido profesor invitado en la Universidad de Cornell, Parsons School of Design, Pratt Institute, Sci Arc-, la Universidad de Rice, la Universidad de Columbia y profesor visitante de la Cátedra Eero Saarinen de Diseño Arquitectónico en la Escuela de Arquitectura de Yale.

Entre los proyectos en proceso se encuentran el desarrollo BAM, academia de música [Brooklyn, NY]; un edificio de uso mixto que incluye la biblioteca pública de West End [Washington, DC]; el desarrollo residencial frente al mar 321 Ocean Drive [Miami, Florida] y el plan maestro para el complejo cultural urbano del Paseo Bravo [Puebla, Pue].

Actualmente en construcción se encuentra una extensión de la Biblioteca pública de Nueva York ubicada en la calle 53 [Nueva York, NY] One Ocean, un edificio de uso mixto [Miami, Florida]; el Centro de atención ciudadana del gobierno de Acapulco [Acapulco, Gro]; el edificio de Juzgados [San Bartolo Coyotepec, Oax]; la nueva escuela de diseño, cine y televisión para CENTRO [México, DF]; las nuevas aulas, talleres y un auditorio para las Facultades de Ingeniería, Comunicación y el ESDAI de la Universidad Panamericana [México, DF]. Dentro de los proyectos recientemente completados está la Escuela de negocios de la Universidad de Rutgers del Campus Livingston [Piscataway, NJ], el edificio de uso mixto Eurocenter [México, DF], Nuevo Sur; un edificio residencial [Monterrey, NL], el plan maestro para la plaza principal de la delegación Iztapalapa [México, DF]; la restauración del Museo Amparo [Puebla, Pue.], el edificio de uso mixto Mercedes House

[Nueva York, NY], el Hotel Americano [Nueva York, NY], el edificio residencial One York [New York, NY], el Museo Universitario del Chopo [México, DF], el Laboratorio Nacional de Genómica para la Biodiversidad [Irapuato, Guanajuato], el Museo Elevado de Villahermosa MUSEVI [Villahermosa, Tab.], el edificio residencial Carroll Street [Brooklyn, NY] y el Parque de la Concordia- conmemorativo del 150 aniversario de la Batalla de Puebla [Puebla, Pue].

En las últimas dos décadas, los proyectos de Enrique Norten han sido reconocidos con numerosos premios, como el 2009 Institute Merit Design Award del American Institute of Architects New York Chapter para el Plan Maestro de Xochimilco y CIEAX y el National 2009 Institute Honor Award For Regional And Urban Design del American Institute of Architects (AIA) para el Orange County Great Park.

A lo largo de su carrera, Enrique Norten ha equilibrado la práctica de la arquitectura con una constante participación en diversos jurados y comités internacionales, tales como la World Trade Center Site Memorial Competition in New York City and the Holcim Foundation Awards for Sustainable Construction. En 2006 fue nombrado miembro del Deutsche Bank’s Board of Trustees y en 2010 fungió como jurado. En años sucesivos se ha convertido en un miembro de la junta del Mexican Cultural Institute of New York y el Americas Society/Council of the Americas.

La obra de Enrique Norten / TEN Arquitectos ha sido presentado en varias exposiciones internacionales como "inTENnciones: Proceso y variaciones" en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, México; "Old city – New Architecture" en el XI St. Petersburg World Economic Forum en St. Petersburgo, Rusia: "La Rue Est A Nous Tous Rue est a Nous Tous" en la “Val de Seine National School of Architecture” en París, Francia, "The Guggenheim Architecture" en Bonn, Alemania 2006, la “Venice Biennal” en 1996, 2002, 2004 y 2006, y la reciente "Los límites de la forma" en el Museo Amparo en 2012. Además de numerosos artículos sobre publicaciones nacionales e internacionales, el trabajo de la firma ha sido publicado en varias monografías. Entre los más significativos son: "Woking: Enrique Norten/TEN arquitectos", publicado por The Monacelli Press en 2007, "Enrique Norten: Temas y Variaciones" por Landucci Editores en 2004 y reimpreso en 2005; "TEN Arquitectos", por el Monacelli Press Nueva York impreso en 1998 y reimpreso en 2002, y el último "Los límites de la forma", publicado por Arquine en el año 2012.

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Francisco González-PulidoDe Wikipedia, la enciclopedia libre

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Francisco González Pulido

Arq. Francisco González Pulido

Información personal

Nacimiento 13 de febrero de 1970 (45 años)Ciudad de México

Nacionalidad mexicano

Carrera profesional

Estudio JAHN

Alma máter Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey Universidad de Harvard

Obras representativas[mostrar]

Premios National Firm Award del American Institute of Architects

Sitio web oficial

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Francisco González Pulido (febrero de 1970) es un arquitecto, diseñador y proyectista mexicano conocido por lo expresivo y racional en su aproximación al diseño; las Torres Veer en Las Vegas son un buen ejemplo. En el inicio de su carrera trabajó individualmente, se integró al afamado estudio Murphy/Jahn (actualmente conocido como JAHN) en Chicago en 1999. Ha trabajado en el diseño de edificios de tipologías diversas: casas, aeropuertos y rascacielos ubicados en América, Europa, Asía y en el Medio Oriente. 1 Empezó a trabajar con Helmut Jahn en 1999, en 2009 se convirtió en su primer socio y desde 2012 es presidente de la firma.

Índice [ocultar] 

1 Vida y educación 2 Carrera 3 Influencia y estilo 4 Proyectos 5 Publicaciones 6 Reconocimiento 7 Referencias 8 Enlaces externos

Vida y educación[editar]González Pulido es un arquitecto mexicano, nacido el 13 de febrero de 1970 en la Ciudad de México. A la edad de seis años se mudó con sus padres al norte de México; 2 3 4 actualmente reside en Chicago.5

Desde su infancia ha mantenido interés por el arte y por la tecnología, inclusive tenía como meta ser un músico en su adolescencia.3 4 Hoy en día sigue cerca del arte ya que toca la guitarra, compone y graba por su cuenta. Es coleccionista de guitarras clásicas y antiguas y de amplificadores3 4 También es un corredor de maratones y medios maratones.3

A los 17 años decidió inscribirse en la carrera de arquitectura 3 4 en el Tec de Monterrey, Campus Monterrey donde estudió de 1987 a 1991 y de donde obtuvo el grado de arquitecto.1 6

Después de completar sus estudios universitarios trabajó individualmente en la Ciudad de México desarrollando proyectos en distintos lugares de México y Estados Unidos. Posteriormente, regresó a los estudios con la intención de profundizar en el diseño de tipologías más grandes. Se matriculó en la Escuela de Diseño de Harvard donde cursó entre 1998 y 1999 una maestría en diseño.3 6 7

A González Pulido se le ha descrito como un hombre de "gran personalidad" y de "ideas grandiosas”.2 5 y él mismo refiere que de no haber sido arquitecto, hubiera sido un compositor o un director de cine.5

Carrera[editar]Después de graduarse como arquitecto en el Tec de Monterrey y a los 22 años de edad, fue contratado para construir una casa de veraneo; el proyecto le dio experiencia en diseño así como en el campo de la construcción. Consecuentemente participó en varios concursos y ganó el Price Waterhouse aunque dicho proyecto no llegó a concretarse dado que se dieron cuenta que no tenía una oficina establecida.3

A los veintiseis años fundó la oficina 2MX3,6 8 donde trabajó desde 1992 y hasta 1997 mayormente en México y en los Estados Unidos. Proyectos importantes de ese periodo son el U2 Studio en Dublín, the Casa Zárate, el Museo M+M ambos en Oaxaca, la Casa Palmas en Tamaulipas, el Centro Técnico S XXI de General Motors en la Ciudad de México.7 Siguió trabajando por su cuenta aún después de haber ingresado a la Universidad de Harvard, periodo durante el cual ganó un reconomiento por parte del entonces futuro presidente de México Vicente Fox por su proyecto "La Casa Sintética", una vivienda social, modular y prefabricada.8

Más allá de sus éxitos personales, González Pulido deseaba involucrarse en proyectos más ambiciosos como aeropuertos y rascacielos con una visión vanguardista.3 Una vez graduado de la Universidad de Harvard, González Pulido se integró a la firma Murphy/Jahn.8 La firma Murphy/Jahn se había distinguido por ser una de las oficinas más influyentes en el ámbito del diseño y la construcción no sólo en Chicago sino internacionalmente.2 9 González Pulido había oído hablar del concepto interdisciplinario de Jahn conocido como “Archi-Neering” el cual está basado en una colaboración entre la ingeniería y la arquitectura y se caracteriza por asumir el edificio como una máquina. Su idea en un principio era trabajar junto a Jahn por un corto tiempo para aprender 3 6 todo aquello que su experiencia le pudiera proporcionar. Por lo tanto, se integró al despacho en 1999 en 2009 se hizo socio y en 2012 presidente de JAHN. 2 Los proyectos en los que se ha visto mayormente involucrado incluyen diversas tipologías como la Terminal B3 en Beijing, las llamadas Canary Wharf Offices 3 en Londres, el centro de convenciones en Doha, Qatar, las llamadas Highlight Towers en Múnich, la "Post Tower" en Tokio. De igual forma participó en la creación de la Biblioteca Joe and Rika Mansueto en Chicago, el Aeropuerto Suvarnabhumi en Bangkok, la Torre de la oficina Postal en Bonn, la torre Hagau y Hafen en Dusseldorf y la expansión de las tres terminales del aeropuerto internacional O´Hare de Chicago, el rascacielo súper alto Leatop Plaza en Guangzhou, China 6 7 9

En 2003, es decir a cuatro años de haber sido contratado, se convirtió en vice presidente ejecutivo de Murphy/Jahn y en 2006 fue nombrado vice presidente de diseño, posición que ocupó hasta 2012.6 8 El haber ganado tres importantes concursos de diseño para la firma lo puso en una posición favorable para ser el primer socio en 2009.2 3 6 Como concecuencia de su mismo trabajo, en 2012 vinieron cambios en la firma, dentro de los cuales estuvo la

adecuación del nombre de la oficina de arquitectos y su ascenso como presindente; así tomó control de los procesos cotidianos y líder de diseño de proyectos.2 8

González Pulido señala su gusto por trabajar de manera semejante en todos los niveles: con la obra y constructores, con proveedores de materiales y con clientes al resolver problemas.8 Adicionalmente del desarrollo de mega proyectos trabaja en el diseño de mobiliario que define la arquitectura del espacio en que se ubicarán. Un elemento común en su propuesta arquitectónica es la transparencia que representa un puente entre el edificio y el medio ambiente. Ejemplo de lo anterior es el mobiliario usado en el hotel ecológico de Hong Kong, la torre en Qatar y el jardín etnobotánico de Oaxaca.9

Influencia y estilo[editar]

Las Torres Veer en Las Vegas.

González Pulido menciona que ha admirado el trabajo de Jahn desde que era un estudiante en Monterrey y que tenían varias similitudes y admite que sus ideas han diferido en varias ocasiones.3

González-Pulido no cree en el estilo, la tendencia o en el intento de conformidad por cualquier idea preconcebida, independientemente de si es proveniente de fórmulas o culturas.3 4 Para él, tratar de seguir o iniciar una tendencia lleva a un mal diseño.4 En cambio trabaja para encontrar una solución a un problema o situación a través de la tecnología y sus propias ideas, aspirando por la belleza como resultado de una armoniosa combinación de tecnología, técnicas, funcionalidad y la practicidad.10 González-Pulido piensa en términos de secuencia y escenarios, creando así planes para cada construcción como si fuera residente o trabajador del mismo.3

Un elemento en común que le ha permitido diseñar mejores técnicas de construcción es el peso debido a que le permite crear edificios a gran escala con la visión de crear "ciudades

verticales". Consecuentemente el espacio es un factor muy importante a considerar ya que tiende a designar la forma de un edificio. 9 En consideración del medio ambiente, González-Pulido ha diseñado construcciones que permiten ser desmanteladas y reutilizadas. Por otra parte ha utilizado la brisa natural del aire para enfriar espacios o la luz solar para calentarlos. 9 En la fase inicial del diseño lee y escribe intensamente, y sólo se encarga de dibujar únicamente cuando tiene una idea clara de lo que quiere hacer.7

Las Veer Towers en Las Vegas, fueron el primer proyecto que dirigió por completo en la entonces todavía llamada firma Murphy/Jahn, las cuales destacan por su diseño poco convencional. 2 8 Él mismo las refiere como una mezcla "de utopía, surrealismo y gran ambición".5

Proyectos[editar]

Deutche Post, Oficinas centrales. Bonn, Alemania

Selección de proyectos terminados entre 2000 to 2012

1999 K Street, Oficinas, Washington DC, EUA 600 Fairbanks , Residencial, Chicago, EUA Bayer, Oficinas centrales, Leverkusen, Alemania Deutche Post, Post Tower Oficinas centrales, Bonn, Alemania Aeropuerto de Colonia/Bonn Aeropuerto, Colonia, Alemania Focus Media Group, Usos múltiples, Rostock, Alemania Hegau Tower, Oficinas, Singen, Alemania Highlight Towers , Usos múltiples, Múnich, Alemania Japan Post, Oficinas, Tokio, Japón Joe And Rika Mansueto, Biblioteca, Chicago, EUA

Leatop Plaza , Oficinas, Cantón, China Merck, Oficinas centrales, Ginebra, Suiza Shure, Oficinas centrales, Chicago, EUA Sign, Oficinas centrales, Dusseldorf, Alemania Skyline Tower, oficinas, Múnich, Alemania State State Village, Residencial, Chicago, EUA Aeropuerto Internacional Suvarnabhumi Aeropuerto, Bangkok, Tailandia UIC Planta generadora, Chicago, EUA Yaesu, Estación, Tokio, Japón

Selección de proyectos realizados entre 2012 y 2014

Cosmopolitan. Varsovia, Polonia

Cosmopolitan, Residencial, Varsovia, Polonia Wesser Tower, Oficinas, Bremen, Alemania

Proyectos en construcción

Estadio de Béisbol de los Diablos Rojos del México. Ciudad de México.

Doha Convention Center, Centro de convenciones, Doha, Catar Qiantan 14, Usos mixtos, Shanghái, China SIFC, Oficinas centrales, Shanghái, China Estadio del Club de Béisbol «Diablos Rojos del México», Ciudad de México,

México

Publicaciones[editar] The Bilbao Guggenheim Museum and other case studies in project's management

para Harvard Graduate School of Design. (Como contribuidor) Helmut Jahn, Architecture-Engineering- Birkhauser. Helmut Jahn, Process and Progress- Birkhauser. Portfolio Design: Second and Third Edition- Norton. Murphy Jahn Six Works- Imagenes publicitarias. Bayer Headquarters- Birkhauser. Post Tower-Bonn.-Birkhauser. State Street Village.-Birkhauser.