Taller de fotografía

TALLER DE FOTOGRAFÍA Mtra. Claudia Castellanos Castro

Objetivos del taller

Proporcionar, a través de la teoría y la práctica, los conocimientos básicos para hacer fotografías, usar el equipo y manipular las imágenes en la computadora.

Explorar las funciones de la fotografía como herramienta educativa.

CCC!

Contenido del taller SESIÓN 1

Lo físico y lo tecnológico  Historia de la Fotografía  Los principios físicos de la fotografía: exposición, apertura, sensibilidad ISO  Las partes de la cámara  Los tipos de cámara  La cámara digital

CCC!

SESIÓN 2

Los elementos de la fotografía  Luz: tipos, brillo, contraste  Teoría del color: Círculo cromático  El encuadre y los tipos  Ángulos, profundidad de campo, enfoque, distancia focal, congelados, barridos, foco selectivo.

CCC!Contenido del taller


La composición fotográfica  Planos  Ley de tercios  Ley del horizonte  Ley de la mirada  Composiciones geométricas  Líneas maestras  Punto de fuga

 Patrón  Ritmo  Mosaico  Textura  El aire en las fotografías

CCC!

Contenido del taller PRÁCTICA

Ejercicios  Toma de acuerdos para la hora y el lugar

Exposición  Selección y preparación del material  Seleccionar las 2 fotografías por persona  Catálogo digital  Impresiones para exponer

CCC!


El histograma y la corrección; y el revelado y la impresión  Color  Brillo  Contraste  Puntos de luz  Sombras  Ruido  Recortar  Enderezar  Programas para editar fotografías  El proceso de revelado: el cuarto oscuro y la impresión

CCC!

¿Tomar o hacer fotografías? Sesión 1 CCC!

Del nombre…. Sesión 1

Fotografía

Del Griego: phōs = “luz”. Grafḗ = “conjunto de líneas, escritura”

Escribir con luz

CCC!

En 1839, John Eilliam Herschel da el nombre de “fotografías " a las imágenes fijas.

Un poco de historia… Sesión 1 CCC!

Nace en Francia En el siglo XXI en la transición a la era industrial, con el

auge de la Filosofía positivista

(comprobación empírica) y la

Burguesía (retrato).

Leonardo Da Vinci En el Siglo XVII se da cuenta que las

imágenes recibidas en el interior de la habitación son de tamaño más

reducido e invertido, conservando su propia forma y colores.

Thomas Wedgwood y Humphry Davy En el siglo XVIII experimentaron con la sensibilidad a la luz de ciertos

compuestos de plata, particularmente el nitrato y el cloruro de plata.

Consiguieron producir imágenes sin fijarlas permanentemente.


Joseph-Nicephore Niépce En 1816 obtiene el primer negativo con una cámara

oscura y un proceso fotoquímico. Los denomina

“Heliograbados”.

Louis Jaques Mandé Daguerre En 1839 obtiene el primer negativo en planchas recubiertas con yoduro de plata y sólo obtenía una imagen por cada exposición. Las revelaba

en positivo con vapores de mercurio, pero no son fijas. Patenta el

descubrimiento. Se le conoce como “Daguerrotipo”.

William Henry Fox Talbot En 1839 descubrió que con sal común se fijaba

la imagen porque las partículas no expuestas de yoduro de plata resultaran insensibles a la luz, con lo que se evitaba el ennegrecimiento total

de la plancha. Desarrolló un procedimiento fotográfico que consistía en utilizar un papel negativo a partir del cual podía obtener un número ilimitado de copias. Descubrió que el

papel recubierto con yoduro de plata resultaba más sensible a la luz si antes de su exposición se sumergía en una disolución de nitrato de plata y ácido gálico, misma que usaba para el revelado

de papel después de la exposición. Una vez finalizado el revelado, la imagen negativa se

sumergía en tiosulfato sódico o hiposulfito sódico para hacerla permanente. Su método requería

exposiciones de unos 30 segundos para conseguir una imagen adecuada en el negativo.

Fue llamado “Calotipo”.


Claude Félix Abel Niepce de Saint-Victor

George Eastman y la casa Kodak Patentaron una película que consistía en una larga tira de papel recubierta

con una emulsión sensible. En 1889 realizó la primera película flexible y transparente en forma de tiras de nitrato de celulosa y salió la primera

cámara en usarla.

Frederick Scott Archer

Joseph Wilson Swan Charles E. Bennett

James Clerk Maxwell Obtuvo la primera fotografía en color

mediante el procedimiento

aditivo de color.

Placas de cristal

Bromuro de potasio en suspensión de albúmina

Carromatos como cámara oscura

Papel seco con bromuro de plata

Negativos se exponían y revelaban húmedos


En el siglo XX

Se utilizaban polvos finos de magnesio como fuente de luz artificial. Pulverizados sobre un

soporte que se prendía con un detonador,

producían un destello de luz brillante y una nube

de humo cáustico.

Las fotografías a color se tomaban con cámaras de 3 exposiciones y ya se vendían películas a color.

La cámara de 35 mm, diseñada para el cine, se introdujo en Alemania en 1925.

A partir de 1930, la lámpara de flash sustituyó al polvo de magnesio como fuente de luz.

La película de color Kodachrome salió en 1935 y la de Agfacolor en 1936, con las que se conseguían trasparencias o diapositivas en color. Con esas se generalizó el uso de la película en color. La película Kodacolor, introducida en 1941, contribuyó a dar impulso a su popularización.


En el siglo XX Se elevó el nivel técnico de la fotografía por avances en sensibilidad de la película,

aditamentos, amplificadores de luz, aditamentos, procesos

químicos industriales.

Se desarrolló la óptica de las cámaras, con variedad de lentes.

Nacen los minilabs en 1970, procesadores de película, papel e impresoras.

En 1947 nace la cámara Polaroid Land, descubierta por Edwin Herbert Land, que conseguía fotos totalmente reveladas pocos minutos después de haberlas tomado.

En 1975 Kodak desarrolla la primera cámara digital que daba imágenes de 0.01 mp.


Siglo XXI: La fotografía digital

La Mavica (Magnetic Video Camera – Cámara Magnética de Video),

realizada por Sony Corporation a principios de los 80, era una cámara electrónica de video que producía imágenes fijas, grabadas en discos flexibles de 2 pulgadas. Usaba un

dispositivo de carga doble (charge-coupled device – CCD), sensor que convierte la luz en información útil.

En 1986, Kodak invento el primer sensor de megapixeles del mundo, con la capacidad de grabar 1.4 millones de pixeles que podían producir una impresión de calidad fotográfica de 5 x 7 pulgadas.

Las cámaras digitales usan sensores de imagen en vez de película para captar la luz.

En 30 años los avances han sido muy grandes y revolucionarios.


Desde la década de los 90: la era post-fotográfica

 Le quita a la fotografía su carácter objetivo y porque rompe la conexión física entre el referente y la impresión fotosensible.  Hay variables entre la experiencia perceptiva de la realidad por observación directa y la imagen mediada a través de una tecnología.  Se supera el paradigma fotográfico como modelo de realismo.  Lo real y lo virtual se mezclan dando lugar a un nuevo tipo de imagen híbrida para definir las nuevas creaciones pseudo-fotográficas.   Los programas de manipulación de la imagen son protagonistas en esta etapa, así como el retoque fotográfico, la fusión de imágenes, la la generación de tridimensionalidad, la holografía.

Las tecnologías digitales convierten lo real e intervienen sobre el registro de la imagen, manipulando y distorsionado las imágenes sin perder el realismo fotográfico con el que fueron captadas.

Los principios físicos Sesión 1 CCC!

3 elementos controlan la exposición de una fotografía

Apertura del diafragma

Tiempo de exposición

o “velocidad de obturación”

Sensibilidad ISO


Apertura del diafragma: Números f

 La apertura del diafragma define el ancho del tubo por el que pasa la luz y se mide mediante una nomenclatura denominada números f .

 Cuanto más ancho, más luz entra a la vez, y menos tiempo necesitamos que el diafragma esté abierto para conseguir una misma exposición.

  Usar una mayor o menor abertura afecta a la zona nítida y borrosa que se apreciará en nuestras fotos: es lo que se denomina profundidad de campo.

stop 0 = f/1.00000 stop 1 = f/1.41421 stop 2 = f/2.00000 stop 3 = f/2.82842 stop 4 = f/4.00000 stop 5 = f/5.65685 stop 6 = f/8.00000 stop 7 = f/11.31370 stop 8 = f/16.00000 stop 9 = f/22.62741 stop 10 = f/32.00000


Apertura del diafragma: Números f

Más luz

Menos luz El número f es el indicador de la apertura de la lente.


Apertura del diafragma: Números f  Un número F menor significa una apertura mayor, y por tanto, más cantidad de luz. Se usa para que el objeto que esté enfocado salga perfectamente, y el resto desenfocado. Se recomienda usarlo para primeros planos en el retrato, ya que destaca mucho al sujeto.

 Un número f mayor significa una apertura menor, y por tanto, menos

cantidad de luz. Con éstos todo sale bien definido, por lo que es

recomendable para paisajes, en donde se pueden captar todos los

detalles de la escena.


La velocidad de la obturación

 La velocidad de obturación es uno de los tres elementos que nos permiten definir la cantidad de luz que vamos a dejar pasar al sensor.

 Una analogía es imaginar una llave de agua. La velocidad de obturación controla el tiempo que va a estar la llave abierta. Para un determinado grosor de la tubería por la que pasa el agua, con la velocidad de obturación determinaremos el tiempo que tendremos abierta la tubería y, por consiguiente, la cantidad de agua que pasará. En fotografía, ocurre exactamente lo mismo, pero con luz en lugar de agua.

 La velocidad de obturación determina el tiempo que tendremos abierto el diafragma, marcando la cantidad de luz que dejaremos pasar hasta el sensor.


La velocidad de la obturación

Las velocidades normalmente van de 2 seg. a 1/1000 de seg. Dependiendo del modelo de cámara. También la modalidad “B”, o bulbo, que se queda abierta y se controla de manera manual.

Congela la

imagen Barre la imagen


La sensibilidad ISO, ASA ó DIN

 La sensibilidad ISO, ASA ó DIN marca la cantidad de luz que necesita nuestra cámara para hacer una fotografía. Este aplica para cámara digital y cámara análoga.  Las películas fotográficas están formadas por haluros de plata, millones de cristales transparentes sensibles a la luz, agrupados. Una gelatina actuaba como soporte impidiendo que se agrumen haciendo las veces de vehículo de esa masa lechosa. Esta gelatina, una vez seca, mantiene los haluros suspendidos formando la película propiamente dicha y permite la entrada de líquidos sin necesidad de perder ninguno de los cristales.  El tamaño de estos cristales es lo que marca la sensibilidad de la película y el grano que se aprecia al obtener las copias reveladas.


La sensibilidad ISO, ASA ó DIN  El ISO nos indica la sensibilidad o “rapidez " de la película, cuanto más ISO utilicemos obtendremos una velocidad más alta, pero con una pérdida de calidad de la imagen provocado por el grano de la película.  Esto quiere decir que la película de 400 ISO, es el doble de rápida que la de 200 ISO y a su vez esta es el doble de rápida que la de 100 ISO.   El aumento de la sensibilidad de la película se consigue gracias a la fabricación de haluros de plata más grandes y esto conlleva una pérdida de calidad a la hora de hacer ampliaciones.  Las películas suelen tener un número ISO que va de 25 a 3200.

ASA Tipo de película Grano de la emulsión

64 o inferior lentas fino

100-400 normal normal

800 o superior alta grande

Las partes de la cámara Sesión 1 CCC!

Las partes de la cámara

La cámara fotográfica consta de una serie de mecanismos para concentrar la imagen reflejada por los objetos a fotografiar y permitir que la luz, que penetra en una cámara oscura a través de un pequeño orificio, produzca sobre la pared opuesta una imagen reflejada.



Obturador: Dispositivo mecánico por el que se controla el tiempo de exposición de la película a la luz. Es decir es el que permite decidir en el momento exacto en el que se hará la fotografía y el tiempo que estará expuesta a la luz.

Objetivo: Es un conjunto de lentes que concentran los rayos de luz emanados por el objeto en la cámara. El objetivo es alcanzado por la luz que se dispersa a partir del individuo y le hace converger de nuevo formando una imagen.

Diafragma: Es el dispositivo que controla la cantidad de luz que llega a la película. El diafragma o abertura siempre está situado cerca del objetivo y actúa como el iris del ojo humano, variando su diámetro podemos controlar la luz que entra en la cámara.

Plano focal: Definimos el plano focal cómo la superficie sobre la que se forma una imagen nítida del sujeto. Mientras se realiza una fotografía, la película está extendida a través del plano focal. Cuanto más cerca está la cámara del sujeto, más lejos está el plano focal del objetivo.


Las partes de la cámara Visor: Elemento a través del cual se puede ver anticipadamente la perspectiva y el campo visual que abarca la fotografía. Todas las cámaras portátiles, precisan de algún tipo de visor que permita encuadrar y componer una imagen. Las cámaras digitales tienen el visor LSD.

Plano focal: Definimos el plano focal cómo la superficie sobre la que se forma una imagen nítida del sujeto. Mientras se realiza una fotografía, la película está extendida a través del plano focal. Las cámaras digitales usan el CCD.



Dial de una cámara Canon EOS

Los tipos de cámara Sesión 1 CCC!

Los tipos de cámara Cámara miniatura:  Son cámaras de tamaño muy reducido, apenas son más grandes que un dedo.  En esta categoría sobresale la “Minox”, que se inventó hacia los años 30.  Miden 10 cm. de largo y no llegan a pesar 88 gr. Su negativo es de 8 mm.  Su campo de uso fue el espionaje.


Los tipos de cámara

Cámara Reflex SLR (telemétrica)  Las cámaras de pequeño formato, conocidas también como réflex SLR (Single Lents Reflex) de un solo objetivo.  Estas cámaras son unas de las más pequeñas en su categoría.  Llevan películas de 35 mm colocadas en la parte posterior que se hacen avanzar con una manivela de arrastre.


Los tipos de cámara Cámara Réflex automática  Estas cámaras de formato pequeño se encuentran dotadas de muchos elementos automáticos. La cámara réflex automática también tiene la posibilidad de accionar su sistema de fotografiado manual El avance de la película, exposición y enfoque son automáticos.

 Dispone de lentes, accesorios y flash.  Funcionan con todas las películas de 35 mm.

 Permite varias tomas fotográficas por segundo, gracias a su motor de arrastre o motor drive.  Llevan incorporados una serie de programas que miden la exposición de las zonas para calcular la media de los valores.  La exposición se puede realizar a través de la regulación automática del tiempo y de diafragma.


Los tipos de cámara Cámara réflex de 35 mm  Las cámaras réflex de 35 mm, se consideran las cámaras más usadas por los aficionados y por los profesionales.  Es el tipo de cámaras más desarrollado y que ha alcanzado más aceptación para los trabajos mas avanzados.  La idea básica (un espejo en 45º) que refleja la imagen formada por un objetivo hacia una pantalla del visor, hasta el momento justo antes de la exposición.

 La principal ventaja de una cámara réflex de 35 mm. es que no presenta error de paralelaje. Puede verse exactamente la misma imagen que el objetivo formará sobre la película, la distancia de enfoque precisa y diafragmando (cerrando o abriendo el diafragma) la profundidad de campo.   Permite cambiar objetivos de acuerdo a las necesidades del profesional.


Los tipos de cámara Cámara réflex de 35 mm  La nueva tecnología ha conseguido incluir a estas cámaras fotómetros que miden la cantidad de luz que entra por el objetivo, zooms, motor, etc.   Su formato de 35 mm permite que el negativo se use para grandes ampliaciones y es usada universalmente por casi todos los fotógrafos.

 Tiene el sistema del pentaprisma: Los rayos luminosos son reflejados, pero el elemento que se quiere fotografiar atraviesa las lentes del objetivo alcanzando el espejo móvil dispuesto a unos 45º llegando hasta el visor.  El pentaprisma rectifica la imagen permitiendo una visión y encuadre perfectos.


Los tipos de cámara Cámara compacta  Las cámaras compactas se caracterizan por su ligereza y su poco volumen, respecto a las SLR.

 Están dotadas de un método de disparo rápido. Su calidad óptica es bastante aceptable.  Llevan el flash incorporado. Se pueden optar por los comandos manuales en lugar de los automáticos.

 Tienen un sistema de enfoque automático.  Algunas presentan error en paralelaje, la imagen que se ve a través del objetivo no corresponde a la imagen que se toma en realidad.


Los tipos de cámara Cámara Leica: De 35 mm se usó para cine

Cámara de formato medio: De 120 mm se usa en estudio

Cámara de gran formato: Se llaman también bancos ópticos. Imprimen en formato de 10x12 a 20x25 cm. Son manuales totalmente. Se usan para estudio.


Los tipos de cámara Cámara Polaroid: Captura y revela en sí misma de manera instantánea.

Cámara subacuáticas: Son herméticas de estructura fuerte para soportar la presión del agua.

Cámara panorámica: Las cámaras panorámicas tienen unos mecanismos de rotación de forma circular, tanto para el objetivo como para toda la cámara, alcanzando los 360º. Plasman la imagen entera sobre una larga tira de película de 24x224 milímetros, de formato universal.

La cámara digital Sesión 2 CCC!

Otros componentes de la cámara digital Almacenaje:

Define el tipo de archivo que nos permite generar la cámara (jpg. Tiff, raw) y el soportes donde

almacenará la información (Micro SD, Memory Stick, Compact Flash, SD, Smart Media, XD. ).

Relación de aspecto:

Es la medida de los lados de las imágenes. Un marco tradicional de película de 35 mm es de 36 mm x 24 mm aprox. Esto tiene una relación de aspecto de 36:24, que puede igualmente ser expresada como 3:2. Algunas cámaras digitales usan esa medida. Los monitores de vídeo utilizan una relación de aspecto 4:3. La mayoría de cámaras digitales utilizan esa misma proporción de 4:3 para sus imágenes. La panorámicas son 16:9.


Otros componentes de la cámara digital

Modos de disparo: Indica la secuencia y velocidad de disparos consecutivos (No es la velocidad de obturación). Se le conoce como “fps” Frames per second. Hay cámaras con el modo Single (S), uno solo. Otros disponen también de disparos continuos a alta y baja velocidad (C H y C L ), otros tienen múltiples exposiciones (sobre el mismo “fotograma”) y auto disparador (en algunos casos con posibilidad de definir el tiempo de retardo de disparo). L

Medición de la exposición: Es el tipo de fotómetro que utiliza

la cámara. Puede ser que la lectura de la luz la realice la

cámara mediante un fotómetro externo o a través de la lente

(TTL). Algunas cámaras reparten entre distintos fotómetros la

lectura de la luz del área de encuadre con lo que realizan determinados algoritmos que

mejoran el resultado.



Zoom digital y zoom óptico El zoom óptico cambia la distancia focal y ampliación,

porque se mueve el lente. La calidad de imagen se mantiene alta en todo el rango del zoom.

El zoom digital sólo recorta la imagen a un tamaño menor, entonces aumenta la parte recortada para llenar el cuadro de nuevo. Con este zoom se pierde la calidad de la imagen. Si esta modalidad no la tiene en la cámara, se puede hacer con cualquier programa de edición de imágenes.



Balance de blancos: Este parámetro permite corregir los “falsos” colores producidos por determinados tipos de iluminación (lámparas de tungsteno, neón, flash, determinadas sombras, etc). El ojo humano corrige de forma instintiva sin que lleguemos a percibirlo conscientemente. Las correcciones pueden programarse manualmente o definir que la cámara las realice de forma automática.

Salida de vídeo: Algunos modelos permiten la conexión

directa a un TV mediante interface RCA para poder visualizar las

imágenes a través de su pantalla. (Sistema PAL –europeo– o NTSC –

americano–).

Interface: Indica el tipo de conexión disponible para descargar los archivos de imagen a la computadora. La mayoría utiliza el puerto USB. También existen unidades lectoras de tarjetas que permiten la descarga directa.


La Tecnología digital Un componente común a todas ellas es el “ojo” con el que captan las imágenes: el CCD.

El CCD o Coupling Charge Device (Dispositivo de carga de acoplamiento) es un elemento de silicio semiconductor fotosensible que convierte la luz en señal eléctrica. Dicho sensor esta compuesto por miles o millones de células fotosensibles (cuadradas, rectangulares o pentagonales). Cada uno de estos minúsculos "condensadores" es un elemento de imagen ("picture element" o píxel), capaz de convertir y acumular electrones a medida que recibe fotones.


La Tecnología digital Como última fase del proceso, un programa residente en la propia cámara realizará la compresión del archivo según los parámetros definidos por el usuario.

Después de un determinado tiempo de exposición a la luz un circuito adecuado va "leyendo" los píxeles, uno a uno de manera ordenada y secuencial

Después, las cargas eléctricas se convierten en valores digitales de 0 a 16 millones, dependiendo de las prestaciones de número de bits que sea capaz de interpretar la cámara, a esto se le llama “profundidad de color”.

En función de la marca, modelo de cámara y elección del usuario esta información será almacenada en un formato gráfico determinado (jpeg, tiff, bmp, raw, etc.). El soporte donde se almacena dicha información varía: MicroSD, MemoryStick, SD Card, etc.


La Tecnología digital Estos números binarios (O,1), se representan como pequeños cuadraditos, llamados píxeles, que forman un mosaico. Como los píxeles suelen ser muy pequeños, el ojo y el cerebro del observador se encargan de formar una imagen continua, ignorando las diminutas piezas que la forman.

La luz que detectada pasa por el objetivo de la cámara, atraviesa algunos filtros (depende del modelo de cámara) y llega hasta el sensor de imagen, el CCD, formado por multitud de receptores fotosensibles, llamados "fotodiodos". La luz incidente genera una pequeña señal eléctrica en cada receptor. Esta señal es transformada en datos digitales por el conversor ADC, datos que se representan como una serie de cadenas de ceros y unos, denominados dígitos binarios.


Los pixeles

La película de la fotografía tradicional está formada por pequeños granitos formados por haluros de plata sensibles a la luz, éstos al encontrarse muy juntos forman la imagen que vemos. Cada uno de estos granitos es la unidad más pequeña que hay en una fotografía tradicional.

En el caso de una pantalla o una fotografía digital, este granito pequeñito es substituido por el píxel. La imagen obtenida es un enorme mosaico lleno de millones de píxeles. Cada píxel (cuadrito) contiene la información del color de esa pequeña porción. Todos los píxeles juntos dan la impresión de continuidad respecto a la tonalidad del color, formando así la imagen. El tamaño de la imagen es por la cantidad de pixeles a lo alto y a lo ancho. Hay 3 tamaños: L, M, S, según la calidad que se requiera.

El rango empezó desde los 308.000 píxeles hasta los 25 Mega píxeles


El color de los pixeles El píxel, como una pequeña porción de una imagen, guarda en él una pequeña parte del tono de color de esa misma imagen.

La profundidad del BIT o profundidad del píxel o profundidad del color, estima los valores que puede llegar a tener cada píxel que forma la imagen. Si tiene más cantidad de bits por píxel más colores, mayor resolución de imagen y mayor tamaño del archivo.

Cada píxel sólo puede ser de un

color: R,G,B.

Antes se requerían 8 bits para captar una imagen de 256 tonos de un solo color, ahora para llegar a representar el tono adecuado de cada píxel en una fotografía a todo color, precisamos 8 bytes, es decir 24 bits: (1 bite es un conjunto de 1 y 0. Un Byte es un conjunto de 8 bites) 8 bits de color rojo. 8 bits de color verde. 8 bits de color azul.


El color de los pixeles Una imagen digital en color se crea con los parámetros en R G B, por la famosa síntesis aditiva de el color rojo (R), verde (G) y azul (B).

Una imagen de 24 bits de color, mostrará 16,7 millones de colores, los suficientes para mostrar cualquier matiz de color que se necesite. Los 16,7 millones de colores los traduciríamos a 256 tonos de color azul x 256 tonos de verde y 256 tonos de rojo, el resultado de esta operación es lo que da los 16,7 millones de colores.


Los pixeles


La resolución

La resolución total expresa el número de píxeles que forman una imagen de mapa de bits. La calidad de una imagen también depende de la resolución que tenga el dispositivo que la capta. En el caso de las cámaras, el número de píxeles que contenga una fotografía depende de la configuración y, como máximo, de cuántos píxeles utilice el sensor CCD de la cámara para captar la imagen.

La resolución de una imagen es la cantidad de píxeles.

La resolución de una imagen digital se calcula multiplicando su anchura por la altura en pantalla. Por ejemplo la imagen de 1200 x 1200 píxeles = 1.440.000 píxeles, expresado en Mp es igual a 1,4.

1 Megapíxel = 1 millón de píxeles.


La resolución para impresión La resolución, expresada en puntos por pulgada (ppp) o píxeles por pulgada (ppi), son los píxeles por unidad de longitud, es decir, los píxeles por pulgada. La pulgada mide 2,54 cm. La resolución define la cantidad de píxeles que contiene una imagen y la dimensión de estos píxeles expresan de qué forma se reparten en el espacio. La resolución es la relación entre las dimensiones digitales (los píxeles) y las físicas, las que tendrá una vez impresa sobre papel. Para calcular el tamaño en píxeles a tamaño en centímetros para la impresión podemos aplicar la siguiente fórmula: Tamaño de impresión = Número de píxeles / Resolución (PPI,

píxeles por pulgada).


La resolución para impresión Existen diferentes resoluciones depende para el trabajo o destino de la imagen. Las recomendaciones son las siguientes:

En imágenes para visualizar en la pantalla o para en Internet es

de: 72 o 75 ppp.

Las imágenes para impresión deben tener 150 ppp como mínimo, pero los resultados

óptimos se obtienen a partir de los 300 ppp.


La pixelación Si reproducimos una imagen con baja resolución, el píxel ocupa más espacio y deforma la imagen con el efecto de pixelación, (píxeles de gran tamaño) aportando poca definición a la imagen. En cambio si la resolución en ppp, es más alta, existe más detalle y más definición.

Las imágenes con una resolución más alta reproducen más detalle, que las imágenes con resolución más baja.


Los formatos de captura

Los formatos de archivos digitales almacenan la información codificando cada píxel de forma individual, esto ocasiona que el archivo pese mucho (ocupa mucho espacio en MB en el la computadora) pero, a cambio, no pierde ninguna clase de información.

Las cámaras digitales suelen realizar una forma de compresión del archivo para reducir el tamaño del mismo, eliminan lo que carece de valor, pero una vez se visualiza de nuevo la imagen, el proceso de compresión se invierte.

Existen diferentes clases de archivos digitales, unos sufren pérdida de calidad y otros no.

JPEG, GIF, PNG. RAW, TIFF, BMP, EPS, PSD y PDF.


Los formatos de captura y de salida

TIFF Siglas de Tagged Image File Format. Es un formato gráfico “universal”. Es un tipo de archivo estándar para guardar imágenes de alta calidad, compatible con los sistemas operativos Windows, Linux, Mac. No se usa en cámaras porque ocupa mucho espacio en la tarjeta de memoria. Se usa para imprimir, escanear o editar las imágenes con la máxima resolución posible.

RAW Este formato ofrece la máxima calidad porque contiene los píxeles en bruto tal y como se han adquirido, no tienen compresión. En el formato (JPEG) participa el sensor para transmitir la señal eléctrica y convertir los datos de analógicos a digitales. En cambio, en el caso del RAW, los píxeles no se procesan ni transforman, se mantiene brutos tal cual. A este proceso se le llama también negativo digital.


Los formatos de captura y de salida BMP El formato de archivo BMP (bitmap, mapa de bits) es propiedad de Microsoft y sólo se utiliza en el sistema operativo Windows, para guardar sus imágenes digitales. El uso más común de este formato es para generar imágenes de poco. Se utiliza mucho para crear fondos para el escritorio de Windows.

GIF GIF es un formato de archivo bastante antiguo. GIF es muy indicado para guardar imágenes no fotográficas, como logotipos o dibujos. La versión GIF89a añade dos nuevas características a la anterior: transparencia y animación. Ambos usados en las páginas web. Los GIF animados permiten un cierto movimiento, hoy superado por otras técnicas, como Flash.



PNG Portable Network Graphics. Es considerado el formato adecuado para sustituir al .GIF, debido a que el PNG utiliza sistemas de compresión estándares gratuitos, como el método ZIP, y permite al mismo tiempo mayor profundidad de color en las imágenes, llegando hasta los 24 bits de profundidad de color, mientras que el formato GIF sólo admite 8 Bits. La única diferencia que estriba entre GIF a PNG, es que en PNG, no permite archivos animados.

EPS Encapsulated Postscript. Este archivo lo ha desarrolló la compañía Adobe para realizar intercambio de archivos entre programas como Page Maker o Corel. En Photoshop los datos de la imagen y los gráficos vectoriales que pueda contener el encapsulado se convierten en píxeles. Los datos guardados se encuentran encapsulados, por lo que si se quieren modificar, se deben tratar con el programa que los creó.


Los formatos de captura y de salida PSD El PSD es un formato nativo de Photoshop y permite guardar todas las presentaciones, retoques, nuevas creaciones realizadas con este programa. Guarda los archivos con 48 bits de color y permite almacenar todas las capas, canales etc. que exista en el archivo de imagen. PSD casi no tiene compatibilidad con otros programas, por lo que se recomienda tener dos archivos: uno en el propio formato nativo (.PSD), y otro en algún formato compatible con otros programas, como JPEG o TIFF.

PDF

Este formato lo creó Adobe para poder intercambiar archivos

entre diferentes sistemas operativos. Por ejemplo, un

archivo o documento creado con algún programa de Windows, puede verse en la plataforma Linux o Mac, con sólo tener el visualizador de PDF, (Acrobat Reader). Este formato guarda

con toda precisión el diseño del archivo incluyendo sus fuentes,

imágenes y demás gráficos.


Los formatos de captura y de salida JPEG Este formato lo creó The Joint Photographers Experts Group (JPEG, archivos .jpg). Es de los más conocidos para la compresión de fotografías. Es uno de los pocos formatos que se soporta en la Web. Las cámaras digitales y los escáneres almacenan las imágenes en formato JPEG. Como la compresión de este formato afecta a la calidad de imagen, se puede escoger diferentes niveles de compresión: a más baja compresión mayor calidad. A más alta compresión menor calidad.

No se deben guardar imágenes en formato JPEG, si se van a modificar. Cada vez que se edita, la imagen sufre una pérdida de calidad. Es

imprescindible, por tanto, tener una copia en formato BMP o TIFF, con la máxima profundidad de color y sin compresión, y guardar en formato

JPEG (.jpg) sólo las imágenes finales que se vayan a publicar.



Para manipular las imágenes según su tratamiento.

La luz Sesión 2 CCC!

La luz

La fotografía se hace a partir de la luz, que refleja el motivo y que impresiona la emulsión de la película o el sensor digital. Con ausencia de luz, no podemos captar una imagen con la cámara. La luz adecuada para componer la intención creativa de un fotógrafo es el punto clave de una buena imagen.

El ojo humano percibe la luz como una pequeña porción del espectro

electromagnético. La luz blanca se encuentra formada por todas las longitudes de onda de los colores. Los objetos absorben una parte de los colores del espectro y estos reflejan otros,

que son los que perciben nuestro ojo y nuestra cámara. El ojo no ve las ondas ultravioleta ni

las infrarojas..


Tipos de luz Luz continua: Es la luz que se tiene dentro de un estudio además de la utilización de la luz de flash. Se pueden lograr unos efectos y colores imposibles de plasmar con la fuente de luz natural. Luz de flash: La luz que produce el efecto de un flash se acerca mucho a la temperatura del sol. La rapidez en la emisión del destello de la luz de flash, hace que pueda superar los (1/50.000 de segundo), permitiendo inmovilizar el movimiento del motivo de la cámara obteniendo unas imágenes con una nitidez extraordinaria. Luz mixta: Con la luz de día y la luz artificial se obtienen efectos distintos a los naturales. Luz de día: La temperatura de color de la luz durante el día va cambiando según el momento del y las condiciones atmosféricas.


Tipos de luz

Antes de las 12:oo del día la luz es cálida y suave.

En la tarde, después de las 16:00 hrs. pm la luz es fría y suave.

Entre las 12:00 y 16:00 hors la luz es dura.


Tipos de luz

Luz blanda: La luz blanda es un tipo de luz que apenas produce sombras, consiguiendo tonos suaves y difuminados. Son muy indicadas para el retrato y en bodegones.

Luz dura: Es luz intensa que arroja fuertes y profundas sombras sobre los sujetos/

objetos. Se usa para efectos dramáticos o fotografías

para resaltar formas.


Tipos de luz Luz silueta: Para lograr el efecto silueta, es preciso tener una silueta oscura sobre un fondo luminoso, fotografiando con un contraluz directo. Cuando el motivo que queremos captar en la fotografía, se encuentra en un fondo oscuro, es posible realizar una silueta luminosa, iluminando sus contornos por detrás.

Nocturna: Para realizarlas el tiempo de exposición es mas

largo. Muchas fotos se realizan al atardecer

para aprovechar un poco de luz natural y capturar detalles del motivo entre la luces que se empiezan a

encender.


Tipos de luz Luz rasante: Es muy angulada y lateral, transmite mucha nitidez y relieve a la imagen. El momento ideal para realizar fotos con luz rasante, son el alba y el ocaso, cuando los rayos solares están casi horizontales.

Contraluz: La fuente luminosa se encuentra detrás del

motivo. Uno de los mejores motivos para

realizar una fotografía a contraluz, son las hojas, las flores, el

agua. Su finura hace que se filtre la luz con

facilidad.

El color Sesión 2 CCC!

La temperatura de color

Colores cálidos: Su temperatura es baja (3200 a 3600 ºK). Es la temperatura de la luz de los focos, las velas.

Colores fríos: Su temperatura es alta (5600 ºK). Es la temperatura de la luz de las lámparas de tungsteno.

Los colores vecinos son aditivos y generan la luz blanca

Los colores contrarios son sustractivos y generan el negro


La luz y el color

El efecto cromático que emite la luz a través de la fuente luminosa depende de su temperatura.

El color luz: La luz se descompone en tres colores primarios: el azul, rojo y

verde. Los demás colores complementarios, los opuestos a los

primarios, son el magenta, el cyan y el amarillo.

El color pigmento: Los colores que utilizamos

normalmente son pinturas. Este fenómeno lo definimos como color pigmento, no es color

luz. Son los pigmentos que inyectamos en las superficies para sustraer la luz blanca, parte

del componente de espectro. Todas las moléculas denominadas pigmentos, tienen la facultad de absorber ondas del espectro y

reflejar otras. .


El círculo cromático

Colores primarios: 1. Grupo: Amarillo, rojo y azul. Mezclando

pigmentos de éstos colores se obtienen todos los demás colores.

2. Grupo: Amarillo, verde y rojo. Si se mezclan en diferentes porcentajes, forman otros colores y si lo hacen en cantidades iguales producen la

luz blanca. (R G B). 3. Grupo: Magenta, amarillo y cyan. Los

utilizados para la impresión, más el negro. (CMYK).

El ojo humano distingue unos 10.000 colores. Se emplean, también sus tres dimensiones físicas: saturación, brillantez y tono, para experimentar la percepción.

Colores secundarios: Se obtienen de la mezcla en una misma proporción de los colores primarios.

Colores terciarios: surgen de la combinación en una misma proporción

de un color primario y otro secundario.

El encuadre Sesión 3 CCC!

El encuadre

Las imágenes se construyen

El ojo aprende a mirar de manera selectiva

El ojo humano observa un espacio sin límites, pero en la cámara el encuadre está limitado por cuatro lados. Por lo tanto es necesario elegir lo que se quiere incluir y lo que vamos a excluir desde nuestro marco fotográfico, es decir dentro de nuestro fotograma, y tomar la posición respecto de los demás.


Tipos de encuadre

Encuadre simple: En la fotografía, la imagen está en un solo plano.


Tipos de encuadre

Encuadre compuesto: Se compone de una imagen dentro de otra. Se perciben 2 o 3 planos. En la misma composición un elemento se encuadra con otro dentro de la misma fotografía, para destacarlo.


Tipos de encuadre

Encuadre horizontal: También el formato de la foto condiciona la imagen. Un encuadre horizontal, resalta el espacio.


Tipos de encuadre

Encuadre vertical Este encuadre resalta la magnificencia, permite detallar la imagen por ser una toma más cerrada. .


Angulación del encuadre o punto de vista

La posición de la cámara con respecto al objeto fotografiado genera diferentes composiciones.

 El sujeto principal de la escena debe mostrar hacia la cámara el lado que nos interesa tomar según la intención que se quiere resaltar.  Debemos buscar el ángulo de incidencia de la luz más pertinente para el concepto que deseamos comunicar.  La imagen debe estar limpia de cualquier otro elemento sobrante que interfiera en su visualización o que opaquen el objeto principal.  Los planos más lejanos del encuadre, deben de ser concordantes, o por lo menos, neutros, con relación a la idea que queremos expresar.



Toma a nivel Es cuando la fotografía se realiza desde el mismo nivel del objeto tomado, ni por encima ni por debajo de él. Sirve para mostrar o describir algo de manera "natural" u "objetiva".


Angulación del encuadre o punto de vista Toma picada Es cuando la imagen se toma desde una posición más alta que el objeto fotografiado, de arriba hacia abajo. Debido a la perspectiva que se produce el motivo, se ve disminuido en tamaño cuando se utilice sobre personas puede connotar en algunos casos poca importancia, debilidad o humillación.



Toma contrapicada Es cuando la fotografía se realiza desde un lugar más bajo que el motivo tomado, quedando este más alto que la cámara. Debido a la perspectiva que se genera, el objeto se aprecia engrandecido visualmente, puede en algunos casos connotar enaltecimiento, importancia o poder.



Toma cenital Es cuando la imagen se toma en un ángulo totalmente de arriba hacia abajo, en posición perpendicular con respecto al suelo, es decir, lo más extremo posible de una toma en picado.



Ángulo Nadir Es cuando la imagen se toma en contrapicada extrema. La cámara se ubica abajo del sujeto en una línea perpendicular.



Ángulo Aberrante La cámara muestra el encuadre desequilibrado. Se toma con la cámara inclinada de manera lateral. Muestra inquietud, desasosiego o creatividad.



Ángulo Imposible La cámara ofrece un punto de vista imposible por inaccesible. Por ejemplo, cuando la cámara se sitúa dentro de sacapuntas, el cuello de una botella, etc.

El campo Sesión 3 CCC!

El Campo: su profundidad y el enfoque El campo y su profundidad: Es campo es el espacio que abarca nuestro objetivo. La profundidad de campo es el área de una fotografía que aparecerá bien definida y con detalle. Esta área puede ser de escasos milímetros cuando tomamos una fotografía de un insecto o puede cubrir de 1 metro hasta el infinito cuando tomamos un paisaje. La profundidad de campo que tendrá una fotografía la dictan varios factores:

El encuadre, el lente (macro, telefoto, gran angular), la apertura del diafragma.


El Campo: la distancia focal

La distancia focal La distancia focal de una lente es la distancia entre el centro óptico de la lente y el foco (o punto focal). El foco es el punto donde se concentran los rayos de luz. En un lente la distancia focal es la distancia entre el diafragma de éste y el foco. Los lentes de las cámaras tienen una distancia focal fija o variable, dependiendo del tipo de objetivo. Al variar la distancia focal conseguimos un menor o mayor acercamiento. Es lo que comúnmente llamamos zoom. Al aumentar la distancia focal aumentamos también el acercamiento.


El Campo: la distancia focal y la perspectiva

La distancia focal y la perspectiva Al modificar la distancia focal, modificamos el campo de visión. Así, al aumentar la distancia focal nos acercamos y al reducirla nos alejamos. Así se modifica la proporción que los objetos ocupan en la foto. Igualmente ocurrirá con el fondo. De este modo, cuando nos acercamos con el zoom a un objeto, también estamos acercándonos al fondo. Este efecto modifica la perspectiva de los objetos y podemos verlo perfectamente.


El Campo: la distancia focal y la perspectiva

Zoom

Distancia focal y perspectiva

Los planos Sesión 3 CCC!

Los planos

Primer plano La imagen ocupa todo el campo visual. No hay profundidad. Para atraer la atención sobre algún elemento en primer plano, sólo hay que desenfocar el fondo, cuando aparece.

Los planos fotográficos se dividen en profundidad en relación con la distancia del objeto o motivo principal.


Los planos Segundo plano La imagen se compone de un primer plano, un segundo plano y un fondo. La separación de diversos planos se realiza considerando las diferencias tonales.


Los planos Gran plano general Muestra una mayor cobertura de la escena. Lo importante es el conjunto no el detalle. Es un plano descriptivo con muchos elementos informativos del contexto.


Los planos

Plano General En retrato, éste es el plano en el que aparece todo el cuerpo. Por tanto, tendremos un plano entero desde los pies a la cabeza, sin secciones. Este es el plano más lejano que podemos tomar. A partir de aquí, veremos como nos podemos acercar en nuestros retratos.


Los planos

Plano Americano/Tres Cuartos El plano americano corta al protagonista aproximadamente a la altura de la rodilla o por el muslo. Si el protagonista está recostado o sentado, el corte baja llegando hasta un poco por debajo de las rodillas. Es ideal para encuadrar en la fotografía a varias personas interactuando.


Los planos Plano Medio El plano medio cubre hasta la cintura, recogiendo la línea de corte entre el ombligo hasta casi la entrepierna. En caso de estar sentado el protagonista, la tolerancia baja hasta aproximadamente la mitad del muslo. Este tipo de encuadre se suele utilizar para resaltar la belleza del cuerpo humano, por lo que es un tipo de plano muy utilizado en fotografía de moda.


Los planos

Plano Medio Corto El plano medio corto, también conocido como plano de busto o primer plano mayor, recoge el cuerpo desde la cabeza hasta la mitad del pecho. Este plano nos permite aislar en la fotografía una sola figura dentro de un recuadro, descontextualizándola de su entorno para concentrar en ella la máxima atención.


Los planos

Primer Plano El Primer plano, también llamado primer plano menor o de retrato, recoge el rostro y los hombros. Este tipo de plano, al igual que el plano detalle y el primerísimo primer plano, corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al personaje.


Los planos

Primerísimo Primer Plano El Primerísimo primer plano capta el rostro desde la base del mentón hasta la punta de su cabeza. Con este tipo de encuadre, el primerísimo primer plano consigue también dotar de gran significado a la imagen.


Los planos

Plano detalle El Plano detalle en el retrato recoge una pequeña parte del cuerpo. En esta parte se concentra la máxima capacidad expresiva, y los gestos se intensifican por la distancia mínima que existe entre la cámara y el protagonista, permitiendo enfatizar el detalle que deseamos resaltar.

La composición fotográfica Sesión 3 CCC!

La composición fotográfica

La composición es la forma en la que se ordenan los objetos vistos dentro del encuadre, dentro de lo que efectivamente queda en cuadro. La perspectiva, el horizonte, la diagonal, la imagen horizontal, la imagen vertical, el centro de interés, el fondo, el frente, el contraste, el equilibrio, los elementos repetidos, los grupos de tres, la dirección de los objetos, el color, las líneas rectas y curvas, son elementos a tener en cuenta a la hora de componer el cuadro, estos conceptos vienen originalmente de la pintura.


La ley de los tercios La denominada regla de los tercios divide la escena en tres partes, tanto horizontal como verticalmente. Las líneas que determinan estos tercios se cortan en puntos estéticamente adecuados para situar el centro de interés, con lo que evitamos que éste, al estar situado en el centro de la imagen resulte estático. En alguno de los cuatro puntos donde se cruzan las cuatro líneas, ese en donde debe colocarse el motivo que deseamos resaltar dentro de la composición. El área central de la imagen queda ocupada por elementos secundarios. Según la división por tercios de una escena, la confluencia de los tercios marcan unos puntos donde se hacen llamativos los objetos, llamados puntos fuertes. El centro es un punto fuerte. Es recomendable hacer coincidir los objetos con estos puntos.


La ley de los tercios


La ley del horizonte

Se indica, que en el recuadro fotográfico deben trazarse, imaginariamente y con una afinidad, tres líneas horizontales de igual anchura, tanto si se esta trabajando en posición horizontal o vertical, y en la gran mayoría de las ocasiones, darle alrededor de dos bandas a la zona donde se encuentra el motivo principal, y más o menos una banda a la zona secundaria. Es importante destacar, que esta regla no solo se aplica cuando esta presente el horizonte, sino en toda imagen que tenga una línea más o menos horizontal que divida a la composición en dos espacios significativamente diferenciados.


La ley del horizonte


La ley de la mirada

Toda persona, animal o cosa, dentro del recuadro fotográfico debe de tener más espacio libre hacia su parte frontal que lo que ocupa su parte trasera, independientemente de la amplitud de lo abarcado en el encuadre de la toma. Siguiendo la pauta de estas leyes, concederemos mas o menos espacio a nuestro objetivo principal, (el individuo, personaje o plano) según la importancia del campo que tengamos delante, siempre que sea directamente proporcional entre el valor de lo mostrado y el espacio que nos ocupa.


La ley de la mirada


El aire en las fotografías

La teoría de esta regla nos dice que el espacio vacío situado por delante de la persona o animal que constituye el tema de la fotografía debe ser mayor que el espacio situado por detrás. Es lo que se llama, en argot fotográfico "aire". Se considera que el personaje en cuestión debe poder "respirar", para ello se debe dejar "aire" por la parte de la fotografía hacia donde va dirigida su mirada. Por otra parte, esto no implica que la parte posterior del sujeto debe tener obligatoriamente un espacio vacío. En caso que lo tenga, este debe ser menor que el delantero. También se puede componer la fotografía de manera que no exista "aire" por detrás del personaje.


Las líneas maestras: rectas y curvas

El punto de fuga es el lugar donde convergen todas líneas "paralelas" de color verde, y la línea del horizonte es la recta horizontal de color azul.

Una de las normas más populares de la composición se basa en la repetición de las líneas y objetos, especialmente cuando el tema es una estructura. Las líneas pueden ser, horizontales, verticales, curvas u oblicuas. Las líneas horizontales, expresan armonía, profundidad, paz, tranquilidad. Las verticales limitan la profundidad y actúan como barreras entre la fotografía y la vista, es decir subrayan la grandiosidad del motivo. Las líneas curvas y amplias dan una sensación de belleza y gracia, aportando movimiento a la composición. La vista recorre la línea de manera pausada y natural. Las curvas en S, son otra forma de composición bella y armónica, y también una de las más comunes. La vista sigue suavemente la curva hasta alcanzar el principal centro de interés, centro que debemos asegurarnos que exista.


Las líneas maestras: rectas y curvas


Las formas

Las formas resaltan el volumen. La imagen fotográfica, es bidimensional, pero la iluminación, el contraste tonal y cromático resaltan los volúmenes. La luz puede aplanar o crear fuertes sombras, llegando a fundir formas entre sí. La forma viene también modificada por el punto de la toma. Un fondo monocromático contrastante, resalta la forma del motivo. Los objetos que se reflejan en el agua, duplican su volumen llegando a formar imágenes espectaculares. Las formas pueden utilizarse para marcar un encuadre dentro de otro.


Las formas


El mosaico

El mosaico se encuentra compuesto por la sucesión de líneas y formas. Para evitar que nos cause monotonía, hay que incluir elementos secundarios. Debemos jugar con los tonos, luces y sombras para resaltar la composición del conjunto fotográfico. Si el mosaico ocupa todo el encuadre, el impacto se acentúa. Los mosaicos se encuentran en todo nuestro alrededor, entre las personas, observando paisajes, sombras, etc.


El mosaico


La textura En conceptos fotográficos, la palabra textura nos define la estructura de una superficie. Áspera e irregular o suave y brillante. La textura revelada por una fotografía, nos dice lo que se sentiría si la superficie se pudiese tocar. El motivo debe transmitir una sensación táctil y de profundidad, como por ejemplo la rugosidad de una corteza o la suavidad del terciopelo. La luz, es la clave para fotografiar la textura. La mejor suele ser oblicua, dependiendo de la calidad de textura. Las superficies compuestas de muchos detalles se iluminan con luz direccional y difusa. La luz dura en cambio destaca las superficies irregulares. El momento idóneo para realizar fotografías con texturas interesantes, es al amanecer o al anochecer.


La textura


El patrón

El denominado efecto “pattern”, consiste en la repetición de elementos gráficos que a través de un conjunto y juego de volúmenes, conforman una imagen armoniosa. Para realizar este tipo de toma, es preciso tener mucha atención y visualizar atentamente, tanto el encuadre como a la iluminación. Las repeticiones de formas se encuentran en la propia naturaleza, animales, árboles, objetos, etc. Donde se encuentra una repetición de elementos “pattern”, es en el campo de la arquitectura, en ventanas, tejados, ladrillos.


El patrón

v

v


El ritmo

El ritmo consiste en la repetición rítmica de líneas y formas. Por lo general, dichas repeticiones producen una sensación agradable para el ojo humano. Las imágenes estructuradas con el ritmo, deben retomar mínimo tres elementos iguales. El ritmo puede llegar a convertirse en el tema principal de la fotografía pero hay que utilizarlo con moderación. Su abuso genera monotonía y aburrimiento. Para resolver este problema es válido introducir un elemento que rompa la monotonía de la fotografía y aporte interés a nuestra imagen. El uso del ritmo como elemento secundario es muy recomendable.


El ritmo

v


El congelado


El barrido

Tips para hacer fotografías Sesión 4 CCC!

Tips para hacer fotografías

1. Revisar la configuración de la cámara Es importante revisar cómo está la configuración de la cámara, las pilas, la capacidad de la memoria. Revisar: El modo de escena, el ISO, el tamaño, etc. Sirve una disciplina de revisión de los controles de la cámara para minimizar el número de problemas debidos a una incorrecta configuración a la hora de hacer las fotos.


Tips para hacer fotografías 2. Cuidar el fondo Cuando se hacen fotos, muchas veces nos centramos en el elemento principal de la foto y olvidamos comprobar si en el fondo de mi fotografía aparece algún elemento indeseado. El cerebro aisla el detalle principal del resto de elementos dentro del encuadre en el momento de hacer las fotos, pero al revisar el trabajo en la computadora, me doy cuenta del error: en muchas fotos aparecen elementos que, lejos de resultar interesantes, se convierten en molestos elementos de distracción que arruinan el trabajo. Por eso, es una buena práctica el comprobar bien el fondo más allá del centro de interés de la foto para asegurarte de que no sale nada que no deba salir en la foto.



3. Rellenar el encuadre Queremos sacar demasiadas cosas en nuestras fotos, y al final sacamos tanto que no se ve nada. Muchos expertos dicen que una fotografía debería tener un único centro de interés. Si al mirar una foto no puedes identificar claramente cual es el centro de interés, probablemente la foto sea mejorable. Por ello, si dudas entre incluir o no algo en una foto, la mayoría de las veces lo mejor será no incluirlo. Y para hacerlo, puedes acercarte más a lo que realmente quieres fotografiar, bien tu mismo o usando el zoom.



4. Los elementos interesantes pueden hacer fotos interesantes Suele pasar muchas veces que vas con tu cámara y no hay nada que te anime a hacer una foto, y otras en las que de repente ves algo y desearías llevar tu cámara encima para poder retratarlo. Sin duda, hay situaciones y elementos que merecen ser fotografiados. Con el tiempo sabrás reconocerlos. Y fotografiarlos. Y seguro que se convertirán en potentes imanes de atracción en tus fotos.



5. Entender la luz El tamaño de la fuente de luz, su ángulo, cómo incide en la escena, son elementos que determinan completamente el aspecto final de tu foto. Prueba hacer fotos en una misma ubicación para ver cómo varía el resultado en función de la hora del día o la climatología. Un mismo escenario al aire libre a distintas horas del día puede adquirir aspectos completamente diferentes y unos ser mucho más interesantes que otros, y lo mismo ocurre con la iluminación artificial. Entender los principios básicos de la luz te ayudarán a elegir mejor el momento para hacer las mejores fotos.



6. Conseguir sensación de profundidad Vivimos en un mundo tridimensional que reducimos a dos dimensiones en el momento que hacemos una foto. Pero disponemos de elementos que nos pueden ayudar a trasladar esa sensación de profundidad en nuestras fotos y devolverle la información de esa tercera dimensión. La perspectiva, el uso de elementos en primer plano y las líneas dentro de una composición son elementos de mucha ayuda a la hora de conseguir esa sensación de profundidad.



7. Probar distintos puntos de vista Estamos acostumbrados a hacer fotos siempre en la misma posición: de pie, con la cámara apuntando hacia delante, formando un plano paralelo al suelo, tal y como vemos el mundo. Prueba cambiar el punto de vista. Hacer fotos mirando hacia arriba o hacia abajo, desde puntos elevados o desde el suelo, pueden dar una nueva perspectiva a tus fotos más interesante que desde la posición convencional.



8. Probar distintas ubicaciones Hay veces que llegas a un sitio o ves algo que quieres fotografiar y sin más, preparas tu cámara y te pones a hacer fotos. No hay nada de malo en ello, pero puede que te estés dejando mejores encuadres por no analizar la escena y tu entorno. Al llegar a un sitio que ayuda darse una vuelta buscando distintas ubicaciones para ver desde cuál de ellas existe una mejor visión de lo que se quiere plasmar en las fotos.



10. Contar historias Cuando miramos la portada de un periódico, la foto principal, ¿Es adecuada para la noticia que acompaña? ¿Transmite información? Cuando se hacen fotos tenemos la oportunidad de contar una historia con ella. Antes de hacerla, vale la pensar qué historia representa, cuáles son sus características más notables, y de qué forma se puede potenciar en la fotografía para subrayar el mensaje.

El histograma y la corrección Sesión 5 CCC!

El histograma

El histograma es una representación gráfica de la distribución de los distintos tonos de una imagen. Puede ayudarnos para controlar la exposición en nuestras fotos, así como para corregir los colores.


El histograma El histograma te muestra la cantidad que existe de cada tonalidad en la foto . Para entenderlo veamos un ejemplo simple que he creado para explicarlo. Si observas el mosaico aquí abajo veras que tiene 40 cuadrados algunos rojos, otros amarillos, azules y blancos. Ellos representan los tonos de la foto. Si ahora agrupamos los cuadros por colores tendremos 12 azules, 8 rojos, 10 blancos y 10 amarillos. Si los colocamos un cuadro sobre el otro obtendríamos una representación gráfica como la de aquí abajo.


El histograma Ahora hagamos el análisis con una foto real. La foto de la playa a la izquierda tiene un histograma como el que se muestra a su derecha. Cada columna sobre cada tono es la cantidad que existe de este en la foto (recuerda que la cámara solo ve tonos grises, no a colores). Pues de la misma manera el histograma de una foto viene a ser la representación gráfica de las tonalidades de una fotografía. Los tonos desde el puro negro hasta el puro blanco son divididos en 256. El tono cero (0) representa el puro negro y el tono 255 representa el puro blanco.


El histograma

El histograma nos ayudará a hacernos una idea de cómo es de correcta la exposición de una imagen. Así, en una fotografía subexpuesta la gráfica tenderá a desplazarse a la izquierda y en una fotografía sobreexpuesta tenderá a desplazarse a la derecha. Una imagen que contenga todos los tonos de grises tendrá un histograma más o menos uniforme a lo largo de todo el eje horizontal. Que el histograma tenga una forma determinada no tiene porqué significar que la imagen esté incorrectamente expuesta. Dependerá de lo que busque el fotógrafo en el momento de hacer una foto. Sin embargo hay ciertos marcadores que nos ayudarán a detectar ciertas situaciones fácilmente corregibles con un editor de imágenes o incluso en el momento de hacer la foto.


El histograma

Tonos apagados En el histograma puede observarse que la imagen está oscura. La gráfica tiene a desplazarse a la izquierda y en la parte derecha no hay información (no hay puntos blancos). Si hubiera muchas zonas totalmente negras se representarían como un pico en el extremo izquierdo de la imagen.


El histograma Sombras o zonas oscuras El histograma de una foto con muchas zonas en sombra o gran parte de la foto en negro se caracteriza por tener un pico en el extremo izquierdo del histograma. En el ejemplo podemos ver cómo toda la zona negra de la foto queda reflejada en dicho pico en el histograma.


El histograma

Sobreexposición y zonas quemadas Éste es el histograma característico de imágenes sobreexpuestas o que tienen zonas quemadas. En él la gráfica tiende a desplazarse a la derecha y se produce un pico en el extremo derecho de la gráfica, que representa las zonas quemadas.


El histograma Sombras pálidas Éste es el histograma característico de imágenes pálidas, sin zonas oscuras. No hay zonas quemadas porque no hay un pico en la zona derecha. Sin embargo observamos que en la zona izquierda de la gráfica no hay información alguna. Esto es porque no hay zonas negras.


El histograma Contraluz El histograma característico de los contraluces tiene forma de U. Cada “pata” de la U representa las zonas oscuras y las claras de la imagen. La gráfica se abulta en la parte izquierda por las zonas oscuras y en la derecha por las zonas claras, habiendo pocas zonas grises (zonas intermedias).


El histograma Distribución homogénea El histograma de una foto homogénea se distribuye a lo largo de todo el eje horizontal. Al no haber zonas quemadas ni excesivamente oscuras no encontraremos picos ni grandes “montañas” en la gráfica. Es importante saber que el hecho de una distribución sea homogénea no siempre significa que la imagen está correctamente expuesta. Dependerá estrictamente de las características tonales de la imagen.


La corrección Exposición: Ajusta la luminosidad general de la imagen. Contraste: Ajusta la Diferencia entre tonos claros y oscuros. Saturación: Ajusta a intensidad de los colores. Definición: Aclara los detalles y mejora el contraste localmente. Puntos de luz: Aumenta el nivel de detalle oscureciendo los puntos de luz. Sombras: Aumenta el nivel de detalle aclarando las sombras. Nitidez: Agudiza el foco. Ruido: Suaviza la textura granulada.

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