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ARTE
LATINOAMERICANO
ARTE CONTEMPORÁNEO
Irene Piqueras Maria del Mar Moreno Carretero
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Sumario
Introducción………………………………………………….…..3
Arte latinoamericano……………………………………….…….4
México……………………………………………………….…...7
José Guadalupe Posadas…………………………………....8
Dr. Atl y JesúsVelasco...……………………………..…....9
El estridentismo…………………………………………..10
El Muralismo y Diego Rivera………………………….....11
David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco………...12
Frida Kahlo y el surrealismo……………………………...13
La fotografía y Tina Modotti……………………………..14
Uruguay y el Universalismo Constructivo.....…………….……15
Joaquín Torres-García y Rafael Barradas…………….......16
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INTRODUCCION
La historia latinoamericana del siglo XIX, considerando sus complicados
avatares y la situación de dependencia económica y política sorprende comprobar la
envergadura que asumió la actividad plástica y arquitectónica. En medio de las guerras
civiles, los problemas sociales y los múltiples malestares derivados del papel de
proveedora de materias primas que le asigna las grandes potencias del capitalismo
industrial, América Latina tuvo tiempo para formar a algunos jóvenes técnicos de la
plástica, hacerles realizar viajes de estudio a los más afortunados y aun recibir y
sostener, en el medio de sus élites urbanas, a muchos artistas foráneos.
El arte urbano, burgués y durante la colonia un arte de carácter provincial,
producido en la periferia de la cultura europea y dependiente de lo que ocurría en las
grandes capitales del Viejo Mundo.
El punto de partida formal es exactamente el mismo. La única diferencia
apreciable es el nivel temático, pero con ciertas características destacables. El retrato fue
el genero proporcionalmente mas importante, respuesta obligada al individualismo y a
la necesidad de boato y prestigio d ela burguesía que actuaba de comitente. El paisaje
también fue aceptado y su consumo responde a modo de alhajamiento de la casa
burguesa importada de Europa.
En el siglo XX se crean escuelas oficiales; en Uruguay “Circulo de Bellas Artes”
Haití y Guatemala “Escuela de Arte”. En toda América Latina se dio una notable
reactivación de la vida artística signada, en todas partes por una europeización cada vez
más acentuada, claramente paralela a la radicación de capitales, procedente del viejo
mundo. Fue el capital ingles el que mas radicalmente asentó sus baluartes en estas
latitudes pero con el no trajo el predominio de las formas artísticas de tradición
británica, sino que resulto transmisor de los contenidos y formas de la cultura francesa,
de gran prestigio en la Europa finisecular.
A finales del siglo anterior también comenzó el progresivo avance de la
influencia norteamericana que se daría a nivel económico y político e iría desplazando
la de las viejas metrópolis europeas. Nacen los primeros movimientos obreros y los
primeros partidos políticos que cuestionan, por primera vez, el papel de las elites
tradicionales.
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Imaginario Indígena en la América Latina
El arte latinoamericano comienza propiamente con la llegada a América de los
pueblos latinos procedentes de Europa (españoles, portugueses, italianos, franceses). Si
bien había previo a la llegada de los latinos un amplio desarrollo artístico de parte de las
distintas culturas indígenas que habitaron el continente antes de la invasión española en
el siglo XVI, y éstas influenciarían los desarrollos artísticos regionales, no se les puede
catalogar como 'latinoamericanas' ya que estos pueblos no hablaban una lengua latina.
El arte de estos pueblos se cataloga más bien como precolombino.
La autonomía dela producción
El arte Latinoamericano se divide en tres periodos: precolombino, colonial y
moderno (XIX-XX):
Arte precolombino se deriva del conocimiento de los estudios arqueológicos de
sus antiguas ciudades religiosas. Todos los pueblos del periodo precolombino
fueron valiosos artesanos como atestiguan los hallazgos de objetos en jade y oro,
mosaico en espina de pez, figuras en terracota, grupos de deidades en cerámica
y vasos ceremoniales.
Arte colonial se caracterizaba por la religión.
El arte moderno se dio durante el siglo XIX, con las guerras de independencia
y la reacción contra la iglesia católica, tuvo lugar un proceso de rechazo, en
particular por parte de los pintores, de la cultura de procedencia europea, y al
mismo tiempo, un despertar del interés por la cultura indígena; el rechazo
comprendía también la tradición de los pintores de caballete de la academia de
San Carlos, fundada en 1778 en Ciudad de México, de la que salieron artistas
como Echave y Orio y el paisajista formado en Italia José Velasco. De esta
reacción, cada vez más interesante reclamada por un encendido partidismo
político, arranca el llamado renacimiento mexicano del s.s. XX. Existe una
conexión directa en los orígenes, entre el arte grafico de Posada, la mentalidad
de las masas y el estilo cristalizado del arte precolombino. Los primeros tiempos
del naciente arte mexicano moderno se caracterizo por una pintura mural
representativa de la forma artística de la revolución, bajo la égida del ministro de
educación José Vasconcelos.
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Búsqueda de la identidad y auge de los nacionalismos
El internacionalismo producido por los adelantos en los medios de
comunicación, así como el espectro del creciente poderío económico de los Estados
unidos, produjo una reacción nacionalista. Se introduce la idea de la raza como
elemento constitutivo de la nación.
En América Latina apenas se empezaban a construir espacios institucionales
para la práctica artística. La institucionalización del arte a través de las academias
regentadas por el estado le otorgó a la plástica una función pública, de proyección
oficial, que ayudó a impulsar el sentido nacionalista del arte en la región. Los artistas
servirán de intermediarios entre el estado y la colectividad. Frente a las exigencias
nacionalistas, las tradiciones artísticas locales se convirtieron en cantera para los
artistas. La autenticidad cultural se constituye entonces como el núcleo central de la
problemática indigenista en la plástica.
El indigenismo, serie de estrategias diseñadas para satisfacer la demanda de una
identidad basada en una cultura nacional autentica y orgánica. Los artistas indigenistas
procedían de una clase media urbana muy alejada social y culturalmente de los grupos
que intentaban representar. El indigenismo no representó tan sólo un redescubrimiento
de las creaciones populares y prehispánicas; significó su definitiva incorporación a la
categoría misma de arte. En el caso mexicano, la Revolución fue particularmente
importante en la definición de las funciones de y las formas de la pintura indigenista.
A partir de la Revolución, el indigenismo se promovió en gran medida desde el
muralismo. Son entonces, los espacios y las funciones de la pintura mural los que
definieron los aspectos distintivos del indigenismo mexicano.El éxito internacional
alcanzado por el muralismo mexicano, a partir de la década de 1930, hizo que México
se convirtiera en el prisma a través del cual la crítica internacional evaluaba el arte
latinoamericano.
El ejemplo de México tuvo particular importancia en Ecuador, donde el
indigenismo se desarrolló más tarde que en Perú, y donde pintores como Eduardo
Kingman ,Leonardo Tejada y Oswaldo Guayasamín que desarrollaron dentro del
realismo social, una pintura de reivindicación de las poblaciones indígenas
ecuatorianas.La crisis paralela del nacionalismo y las demandas del arte moderno
llevaron al indigenismo a su crisis definitiva y a la perdida de su hegemonía.
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Pintura independiente en Latinoamérica del siglo XIX y su revaluación
en el siglo XX
En el s.s. XIX el eurocentrismo artístico, basado en el clasicismo y el realismo
enseñado en las varias academias fundadas por las nuevos estados, continuó su
predominó tras la independencia. Entre los artistas de este período se puede mencionar a
los argentinos Eduardo Sívori, Prilidiano Pueyrredón, Ernesto de la Cárcova, los
brasileños Victor Meirelles y Manuel de Araújo Porto-alegre o los mexicanos Santiago
Rebull y José María Velasco, entre otros. Ya a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, el arte latinoamericano
comenzó a inspirarse en los distintos movimientos surgidos dentro del modernismo
europeo, como fueron el cubismo, el constructivismo o el surrealismo. El muralismo es
uno de los principales movimientos artísticos surgidos en Latinoamérica y es
representado por pintores como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente
Orozco, Rufino Tamayo en México, y Pedro Nel Gómez y Santiago Martínez Delgado
en Colombia. El uruguayo Joaquín Torres García fue un representante importante del
constructivismo. Dentro del surrealismo algunos de los principales representantes lo
fueron el cubano Wilfredo Lam, el chileno Roberto Matta, o la mexicana Frida Kahlo.
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México
País con una historia muy compleja, hay pruebas de los pueblos que habitaron la
región por más de 20.000 años. Durante la pre-Hispana, fue el apogeo de la civilización
olmeca, azteca teotihuan, Zapoteca y maya, que duró unos 4.000 años antes de
la habitantes nativos entrar en contacto con la civilización europea. La Los primeros
habitantes de la región que hoy conocemos como México, observatorios construidos,
elaboró un calendario con 365 días, acueductos construidos, que utilizaban jeroglíficos
para escribir, se los avances en las matemáticas y sabía álgebra. En 1519, el español
Hernán Cortés llegó a la isla de Cozumel y de allí tomó la actual invasión de territorio
mexicano. Tenochtitlán, la capital del imperio azteca fue destruido desde 1520,
sobre sus ruinas se construyó la actual capital de la Ciudad de México.
Los soldados españoles llegaron en 1524, también misioneros (Franciscanos)
que se convirtió a los nativos a la fe Católica.
La colonia no desea enviar más riqueza para España esta fue la principal razón
para la declaración de la independencia mexicana. Fueron los movimientos realizados y
levantamientos que se llevaron pronto a cabo.
La pintura es una de las artes más antiguas de México.
La pintura rupestre en territorio mexicano tiene unos 7500 años de antigüedad, y
se ha manifestado en las cuevas de la península de Baja California. En el México
prehispánico está presente en edificios y cuevas, en los códices mexicas, en la cerámica,
en los atuendos, etc.; ejemplo de ello son las pinturas murales mayas de Bonampak o las
de Teotihuacán, las de Cacaxtle y las de Monte Albán.
La pintura mural tuvo un importante florecimiento durante el siglo XVI, lo
mismo en construcciones religiosas como en casas de linaje; tal es el caso de los
conventos de Acolan, Actopan, Huejotzingo, Tecamachalco y Zinacantepec. Se dice que
fueron principalmente pintores indígenas dirigidos por frailes los que las realizaron.
Éstos se manifestaron también en manuscritos ilustrados como el Códice
Mendocino.Por un tiempo se creyó que el primer pintor europeo radicado en la Nueva
España fue Rodrigo de Cifuentes, artista apócrifo a quien incluso llegó a atribuírsele
obras como El bautizo de los caciques de Tlaxcala, pintura del retablo mayor del ex
convento de San Francisco en Tlaxcala.
Entre los pintores nativos estuvo Marcos Aquino. La religiosidad de los
novohispanos hizo que la pintura fuera importante para la evangelización de la
sociedad, los frailes se dieron cuenta de las habilidades gráficas de los indígenas,
quienes enriquecieron el estilo barroco y manierista.
En el siglo XX, el Dr. Atl, Orozco, Rivera, Siqueiros y muchos otros ,
pertenecientes a los sindicatos de los Trabajadores Técnicos, de los Pintores y de los
Escultores de México, trabajaron intensamente para expresar su mensaje social,
logrando al final influir incluso en el llamado Arte Regional de E.E.U.U.Agotado el
fermento inicial, algunos de los artistas mexicanos orientaron sus energías hacia
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direcciones con objetivos menos sociales, como Tamayo, pintor refinado e intensamente
lírico que participa íntegramente de las experiencias artísticas europeas. A mitad del
siglo nombrado la pintura mexicana, casi en su totalidad, concibió las huellas del
Expresionismo abstracto.
José Guadalupe Posada
Posada fue el prototipo de artista popular. Popular por la motivación profunda
que tenia para realizar su obra referente al pueblo del cual forma parte, al cual se
expresa y porque es el destinatario directo de su trabajo. Entre otras cosas por que la
técnica del grabado en la cual era experto, abarata la producción del artista y la hace
accesible a la clase popular.
Dibujante e ilustrador mexicano tenía un estilo satírico y político. Olvidado en
gran parte por el final de su vida, los grabados de Posada fueron llevados a un público
más amplio en la década de 1920 por el artista francés Jean Charlot, quien los encontró
durante su visita a Diego Rivera.
Las críticas imágenes, evidencia de la desigualdad e injusticia social existente en
la sociedad porfiriana, cuestionaban su moralidad y su culto por la modernidad.
Describió con originalidad el espíritu del pueblo mexicano desde los asuntos políticos,
la vida cotidiana, su terror por el fin de siglo y por el fin del mundo, además de los
desastres naturales, las creencias religiosas y la magia.
Originario de la ciudad de Aguascalientes donde comenzó a su veintena a
trabajar la litografía de Trinidad Pedroso. En la ciudad de Leon se inicia en el grabado y
en 1887 se traslado a la capital mexicana. Mientras Posada murió en la pobreza, sus
imágenes son bien conocidas hoy como ejemplos de Arte Popular.
El artista trabajo para el editor Venegas Arroyo quien llego a sacar una “Gaceta
callejera” con material ilustrado que pronto agotaría sus ediciones.
Sus estampas en las que el artista presentaba el verdadero rostro de la realidad
mexicana (caótica, pasionaria, llena de muerte, aunque al mismo tiempo llena de vida),
chocaban de frente con la corriente de pensamiento que vivía el país a fines del siglo
XIX, en la que la ciencia y la razón, lo llevarían al progreso y a las buenas costumbres.
Fue considerado por Diego Rivera como el prototipo del artista del pueblo y su
defensor más aguerrido, incluso se autoproclamó como hijo de Posada y de la Catrina
en su mural Sueño de una tarde de domingo en la Alameda. También es considerado
precursor del movimiento nacionalista mexicano de artes plásticas. Célebre por sus
dibujos y grabados sobre la muerte. Apasionado de dibujar caricatura política.
Desarrolló nuevas técnicas de impresión. Consolidó la fiesta del día de los muertos, por
sus interpretaciones de la vida cotidiana y actitudes del mexicano por medio de
calaveras actuando como gente común.
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Dr. Atl
En 1911, la revolución se puede considerar triunfante y se firma la cesación de
hostilidades. Comienza entonces el proceso que oscila de las vacilaciones de la
burguesía liberal que había encabezado el movimiento, a las exigencias reformistas de
los jefes y las vastas masas campesinas.El asesinato de Zapata hacia el 1919, es el signo
que marco el destino del movimiento revolucionario, revolución burguesa que tuvo
como fin el entronizar en el poder a una burguesía nativa, remplazante de la aristocracia
feudal de la época porfiriana y el romper con la dependencia del imperialismo que se
había constituido durante el mismo régimen. Un grupo de intelectuales y artistas se
sumo al movimiento. Entre otros Gerardo Murillo que utilizaba como seudónimo Dr.
Atl, como plástico y todo el grupo del muralismo mexicano que se iría agregando
sucesivamente al movimiento. Cuando se inició la guerra cristera en 1926, el Doctor Atl
simpatizó con al movimiento anticlerical
Gerardo Murillo fue un aficionado por los volcanes, lo que le llevó a escalar
frecuentemente el Popocatépetl y el Iztaccíhuatl. Contemploel nacimiento del Paricutín
en 1942, registró el fenómeno y elaboró apuntes y pinturas escribiendo el libroCómo
nace y crece un volcán: el Paricutín.
Tras la amputación de su pierna derecha, el Doctor Atl se vio impedido de seguir
escalando volcanes y montañas, actividad que venía realizando desde 1909. Se dedicó
entonces a sobrevolar los cielos, lo que le permitió alcanzar una visión más amplia de
los paisajes, a raíz de lo cual creó el "aeropaisaje".Sus restos están depositados en la
Rotonda de los Hombres Ilustres del Panteón de Dolores en México.
A partir de 1927 publicó artículos en El Universal y Excélsior. Su obra alcanzó
su estabilidad a partir de la década de los años treinta, cuando se dedicó a la producción
de retratos y paisajes. Entre sus obras más importantes destacan los retratos de la
pintora, poetisa y modelo mexicana Carmen Mondragón, con quien sostuvo un sonado
romance.
Otra de sus creaciones fueron los "atl-colors", una pasta dura compuesta de
cera, resina y petróleo con los que se podía pintar sobre papel, tela o roca.Como maestro
de la Academia de San Carlos, hacia 1910 el Dr. Atl alentaba a los jóvenes estudiantes,
como José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, a romper con las pautas
tradicionales y aventurarse a crear con mayor audacia y libertad.
Jesús Velasco Gómez Obregón
Pintor mexicano, considerado como uno de los más grandes paisajistas del siglo
XIX.En el año de 1855 terminó sus estudios primarios y en ese año ingresa a la Real
Academia de Bellas Artes de San Carlos de México para estudiar.Velasco percibe el
paisaje de México con sus ojos de mexicano apartándose poco a poco de las
características académicas del arte que se hacía en la segundo mitad del siglo XIX, logra
con personalidad propia y bien formada, crear obras maestras que le valieron su
consagración tanto en América como en Europa.Haber dedicado la mayor parte de sus
obras a la representación de la naturaleza, lo coloca como un innovador de la pintura y
la ecología de su época.
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El Estridentismo
Movimiento artístico interdisciplinario que se inició en 1921 en la ciudad de
México, tras el lanzamiento del manifiesto Actual Nº1 por el poeta Manuel Maples
Arce. A él se sumaron Arqueles Vela,Salvador Gallardo, Germán Cueto, Fernando Leal,
Fermín Revueltas, Ramón Alva de la Canal y Leopoldo Méndez, quienes constituirían
el grupo estridentista, propiamente dicho.
En 1925, la mayoría de ellos se establece en Xalapa (que será rebautizada y
proyectada en sus obras como Estridentópolis), donde realizan una gran labor editorial,
cultural y educativa, colaborando en la fundación de la Universidad Veracruzana, bajo
los auspicios del gobernador de Veracruz Heriberto Jara, hasta que éste fue depuesto,
por el gobierno federal, debido a su apoyo a la defensa de los derechos de los obreros
frente a las compañías petroleras estadounidenses y británicas, en la cuestión de la
explotación petrolera. Así, al verse privado de su protector, el grupo estridentista se
disolvió, en 1927. Cada uno continuó produciendo obras por separado, y es así como
encontramos autores produciendo aún en los años 1980 y años 1990.
Los estridentistas dan cabida a las expresiones de la cultura popular y de masas
del México de los años 1920, lo mismo que asimilan influencias de otras vanguardias
como el futurismo, el cubismo y el dadaísmo. Su eclecticismo los llevó a procurar una
simbiosis original entre todas las tendencias de la vanguardia, además de desarrollar una
dimensión actualista y social, derivada de la Revolución mexicana. Junto con los
Contemporáneos, representan el impulso de renovación estética y cultural hacia una
literatura moderna y cosmopolita.Hubo movimientos locales adheridos al estridentismo.
Artistas multidisciplinarios: Germán Cueto, Luis Quintanilla, Jean Charlot
Poetas: Manuel Maples Arce, Germán List Arzubide, Salvador Gallardo,
Prosistas y periodistas: Arqueles Vela, Carlos Noriega Hope, Luis Marín Loya.
Artistas visuales: Ramón Alva de la Canal, Leopoldo Méndez, Fermín Revueltas, Jean
Charlot, Fernando Leal, Guillermo Ruiz, Emilio Amero.
Fotógrafos: Tina Modotti, Edward Weston.
Músicos: Silvestre Revueltas, Ángel Salas.
El grupo estridentista de la ciudad de México, que contaba al iniciador Manuel
Maples Arce y a Arqueles Vela, atrajo desde Puebla , Miguel Aguillón Guzmán y
Salvador Gallardo, donde editaban las revistas, Ser, Vincit y Azulejos.El de Veracruz:
es prácticamente el anterior emigrado, con algunas adiciones como, Enrique Barreiro
Tablada y José Luis Díaz Castillas, editaron la revista Horizonte, Germán List
Arzubide y Leopoldo Méndez lanzarían la revista Norte, en Guatemala se publico la
revista Etcétera.
Desde los años 20 se pueden encontrar múltiples artistas, grupos y movimientos
influidos por el estridentismo. En los años 30 diversas generaciones de escritores y
poetas que con un acento más social se ven imbuidos de los experimentos estridentistas,
marcas que continuarán hasta hoy en día, vía la influencia de las actitudes estridentistas,
por su estética, o por las posturas políticas. En la última parte de los años 80s del siglo
XX existió un grupo de rock de la Ciudad de México llamado “Café de Nadie”, que
combinaba textos estridentistas y música rock.
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El muralismo mexicano
Es el primer movimiento plástico del siglo XX que comenzó a hacer consciente
el carácter de enajenación que detentaba el quehacer artistico dentro de la sociedad
capitalista burguesa. El muralismo es un ataque frontal al carácter privado de las
realizaciones plásticas y del consumo que de ellas detentan las clases privilegiadas.
Plantea la posibilidad de un arte al servicio de todos, que solo puede darse en una
sociedad netamente igualitaria. Desligado de los avatares de la revolución que le dio
origen, ante los ojos de los plásticos de América y del mundo, el muralismo mexicano
fue vivido como un llamado a concretar un arte americano que debía estar
necesariamente fundado en el carácter de justicia de la sociedad que lo sustentara.
Muchos plásticos de Latinoamérica se sintieron enrolados en esa gesta y una vasta
producción, responde en todos los países, al espíritu, a la tematica y a las pautas
formales de la gran pintura mexicana. Los murales fueron la reafirmación de lo que
significa llegar a las masas, el espacio del que nadie podía ser dueño, todos podían
poseerlo, el muralismo quiso hacer accesible el arte a través de los murales. Su
importancia se dirige al aporte en engrandecer su pasado precolombino, su identidad
nacional, un nuevo México debía valorar su pasado para propiciar un encuentro con su
identidad nacional, la que debe tener un sentido universal, que sus ideas se inserten en el
mundo.
Algunos de los temas eran la conquista, la Revolución Mexicana, la
industrialización, los personajes principales de la cultura popular, las tradiciones
populares, los caudillos mexicanos, la sociedad civil, los militares, el socialismo, el
capitalismo, etc. Estos temas cambian de acuerdo al contexto en que vivían los
muralistas. Sus obras muestran colores vivos, que rememoran la revolución del pueblo,
y la incorporación de su historia indígena en el desarrollo de su historia y su futuro
histórico. Además de la búsqueda de la identidad humana y la trascendencia a la
divinidad.
Diego Rivera
Destacado muralista mexicano de ideología comunista, famoso por plasmar
obras de alto contenido social en edificios públicos, creador de diversos murales en
distintos puntos del centro histórico de la Ciudad de México, así como en la Escuela
Nacional de Agricultura de Chapingoy en otras ciudades mexicanas como Cuernavaca y
Acapulco, así también algunas otras del extranjero como San Francisco, Detroit y
Nueva York.Tomo clases nocturnas en la Academia de San Carlos de la capital
mexicana, donde conoció al célebre paisajista José María Velasco.
Experimentó con óleos, pasteles, acuarelas, fresco, encáustica y temple sobre
tela, cartón, papel y corcho prensado.Su primer mural, La Creación, pintado en 1922,
fue para el anfiteatro Simón Bolívar de la Escuela Nacional Preparatoria.La pintura de
Rivera comienza a convertirse en un factor considerable y de influencia para el
Movimiento Muralista Mexicano y Latinoamericano. En 1946, pintó una de sus obras
más importantes, Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central en el
entonces recién construido Hotel del Prado de la Ciudad de México. También integra
junto con José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, la comisión de Pintura
Mural del Instituto Nacional de Bellas Artes.
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David Alfaro Siqueiros
Pintor, de entre los muralistas mexicanos, que más se comprometió con la causa
revolucionaria.Estudió en el Colegio Franco Inglés; sus estudios en la Escuela Nacional
Preparatoria y en la Academia de San Carlos en la ciudad de México fueron
interrumpidos en 1913 a causa del golpe de estado de Victoriano Huerta contra
Francisco I. Madero. Ese mismo año fue invitado por el Dr. Atl a contribuir en el
periódico La Vanguardia, órgano oficial de las fuerzas carrancistas. Siqueiros se unió al
ejército constitucionalista y en 1914 perteneció al grupo del general Manuel D. Diéguez. En 1932 impartió un curso de pintura mural en Los Ángeles, CA. Inició una
serie de innovaciones técnicas en el uso de materiales e instrumentos para pintar, así
como en la composición que a la fecha distinguen su trabajo como artista plástico.En
1938, organizó un taller experimental en Nueva York, donde investigó las posibilidades
de un "accidente pictórico". Su estudiante, Jackson Pollock, fue quien desarrolló las
posibilidades accidentales de la pintura e inició la escuela de “pintura en acción”.
En 1936 fue a España a tomar parte en la guerra civil, tomó parte en la lucha
política contra Trotsky.Después de un periodo de intensa actividad artística
Vuelve a México en 1944 y establece el Centro de Arte Realista con la intención
de realizar nuevos experimentos en el campo de la pintura y las artes gráficasRealizo
murales en la escuela Nacional Preparatoria y mucho mas tarde en el Sindicato
Mexicano de Electricistas.
Sus frescos en exteriores se dedicaron a temas revolucionarios y sociales, para
inspirar a las clases bajas. Su forma de pintar es esquemática. Siqueiros intentaba
encontrar un dinamismo en la figura para crear movimiento. Siempre buscaba teorías
para experimentar en ellas. Una de las formas en las que Siqueiros creaba movimiento
era pintar con diversas líneas, a modo de boceto. Normalmente, estos trazos son negros
y gruesos.
José Clemente Orozco
En 1923 empezó a trabajar en la escuela preparatoria, allí desplego con un estilo
expresionista donde primabauna visión gigantesca, una serie de frescos donde, con
unamanera algo alegórica, se trataban los temas de la revolución. Asi surgieron “La
Trinidad” ”Campesino, obrero y soldado” y otros temas simbólicos algunos de los
cuales destruyo luego por no considerarlos de acuerdo con los ideales revolucionarios,
expresados por el Sindicato de pintores.
Para él, el muralismo es la forma más desinteresada de hacer arte, porque no
puede hacerse de ella un uso particular, sino que tiene una trascendencia social. Es, por
lo tanto, el arte más puro y derecho para que el pueblo lo vea y lo confronte.Su estilo
heroico está fundado en un realismo de carácter expresionista, conscientemente ligado a
las viejas tradiciones artísticas mexicanas, de violento dinamismo y amplísima factura.
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Frida Kahlo y el surrealismo
André Bretónpublicó en 1924 el Primer Manifiesto Surrealista que acompañó
la fundación de esta vanguardia y tuvo un fuerte impacto sobre el desarrollo estético
contemporáneo. En 1930 publicó el Segundo Manifiesto del Surrealismo consolidando
su influencia en Europa Occidental y llegando a Estados Unidos y Latinoamérica,
tocando de esta forma a México. A México llega la primera noticia del Surrealismo en un documento titulado La
revolución supra-realista, de la autoría de Don Genaro Estrada, meses antes de que
llegara André Bretón al país en 1938. La segunda noticia fue dada por el francés Francis
de Miomandre en un artículo titulado La última moda literaria, el surrealismo y sus
teorías.
Existe una división de la influencia surrealista en México en tres etapas. La
primera comprende la pintura fantástica presurrealista de anales del siglo pasado y
principios del siglo XX. La segunda etapa incluye el momento que verdaderamente
ingresó el surrealismo a nuestro país donde aparecen pintores extranjeros y mexicanos
que actuaron bajo este movimiento: La tercera etapa es el fracaso del pensamiento
ortodoxo surrealista y el gran incremento de la pintura fantástica y decorativa.
André Breton en su libro El surrealismo en la pintura, incluye un capítulo de
Frida Kahlo como la primera surrealista mexicana.
En 1925, sufre un terrible accidente, cuando viajando en un autobús. Este
incidente marcó su vida para siempre, ya que le dejó lesiones permanentes y desde su
recuperación empezó a pintar. Desde entonces los autorretratos se convirtieron en el
tema más recurrente dentro de su producción artística.En 1925 tomó clases de dibujo en
el taller de grabado de Fernando Fernández Domínguez copiando grabados de Anders
Zorn. En 1929 se convirtió en la tercera esposa del pintor Diego Rivera, Frida Kahlo es
reconocida hoy en día como una de las pintoras más importantes en la historia del arte
universal
Su pintura gira alrededor de su vida y de una introspección cautelada. 1“Me
retrato a mi misma porque paso mucho tiempo sola”. Su pintura fue calificada por
André Bretón como surrealista. Sobre 1920 se incorporó a las juventudes comunistas.
En 1922 entró en la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México, la más
prestigiosa institución educativa de México, que recientemente había empezado a
admitir chicas como alumnas. En esta escuela conoce a futuros intelectuales y artistas
mexicanos, como Salvador Novo, y formó parte de un grupo de alumnos conocidos
como Los Cachuchas.
Ensu obra más surrealista, comparte una vivencia cotidiana de alto simbolismo
y voluntad de trascendencia.
1Comentario que hacia ella misma de sí misma
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Fotografía y Tina Modotti
Como estudiantes o simples aficionadas, la mujer entra en contacto con la
fotografía, desde sus inicios tomándola dejando un gran legado a través de los años.
Mujeres pioneras, modernas, vanguardistas y humanistas, han registrado sus
conocimientos a través de autorretratos, retratos de familia, paisajes y objetos, entre
muchas otras imágenes capturadas por su lente.
Hasta la llegada de le era de la época contemporánea las mujeres vanguardistas
como Tina Modotti, Katty Horna, Josefina Niggli, entre otras, empezaran a dejar el
simple retrato para mejorar la productividad y composición de los registros del instante
cautivado. El cuadro compuesto por objetos inanimados dotados de sentido, dio como
resultado una perspectiva artística en la fotografía.
Modotti, creadora visual, fue pieza fundamental en la historia de esta nueva
producción fotográfica en México.Conmovida por la explotación en la que vivía la clase
trabajadora de la posrevolución mexicana, se convierte en activista revolucionaria desde
principios de los años veinte desarrollando fuertes lazos con miembros del grupo de la
Unión Mexicana de Artistas, entre los que se encuentran Manuel Álvarez Bravo, Diego
Rivera, Charlot, Orozco y Siqueiros.
Mujer que se adelanto a su tiempos fue una de las mujeres que se adelantaron a
su tiempo: luchó por los derechos de la clase desposeída en un país que no era el suyo
pero que acabó siendo su patria, con su lente capturó la maravilla de una nación
floreciente: son famosas las cananas y mazorcas mexicanas que simbolizan la guerra y
la libertad. Tina nació en 1896 en Udine, una pequeña ciudad de fábricas textiles en el
norte de Italia, cercana a Trieste, el puerto del Mar Adriático .Se educó en escuelas
italianas y austriacas, pero debido a los bajos recursos económicos con los que contaba
su familia, a los 12 años se vio precisada a trabajar en una de las fábricas textiles de su
ciudad natal; no obstante, la situación monetaria familiar no mejoró
En 1921 conoció a Edward Weston, excelente fotógrafo norteamericano trabaja
como su modelo y eso hace que ella se interese por la fotografía, por lo que comienza a
estudiarla con él, quien fue el que le enseñó a usar la cámara, y todo lo que ella sabía de
fotografía. En este tiempo, Weston ya había renunciado al Pictorialismo y comenzaba su
época de transición.
Un año más tarde, en 1922, llegó a México donde conoció a Diego Rivera y a
David Alfaro Siqueiros, con quienes tuvo una gran amistad.En 1927 se afilió al Partido
Comunista Mexicano y desde ese año hasta 1940 trabajó como editora, colaboradora y
fotógrafa de la revista Folklor Mexicano, fotógrafa italiana, supo penetrar muy a fondo
México. Sus fotografías ofrecen un espejo de grandeza a las cosas simples de cada día y
a las sencillas gentes que allí trabajaban con las manos. Mujer en lucha y activista,
participó en la campaña Manos fuera de Nicaragua en apoyo a la lucha de Augusto C.
Sandino y ayudó a fundar el primer comité antifascista italiano.
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Uruguay
Se denomina universalismo constructivo a una corriente estética creada por el
artista plástico uruguayo Joaquín Torres García, y desarrollada en el extenso libro del
mismo nombre, a lo largo de mil páginas y que fuera publicado en 1944. En ella se
destacan los aspectos metafísicos del arte. Según expresara el maestro, se trataría de
expresar con su arte la comunión del hombre con el orden cósmico. Prueba de esto es
que una de sus obras preferidas, realizada en esta misma época, es el Monumento
Cósmico, 1938, que dibuja en la piedra con la simbología del universalismo
constructivo, su concepción de la vida a través del arte. A pesar de su naturalidad nunca
quiso perder en su obra en contacto con lo real visible que, aunque fuera reducido a sus
perfiles mínimos era un puente de comunicación con los más, con aquellos que, carentes
de sensibilidad desarrollada, no podían abarcar la exquisitez de su construcción
cromática. En su obra se sintetizo la oposición abstracción –realidad en la teoría del
nuevo realismo- un realismo donde todo se represente a si mismo.
2“Queremos además (pues nuestra mentalidad ha cambiado) un arte mas
concreto. Entrar en la geometría y el Ritmo (la medida armónica) y –para tal logro lo
primero que tenemos que hacer – es barrer con lo subjetivo-. Construir objetivamente:
tal como un albañil construye un muro y que pone un ladrillo, después cal y siempre
con el nivel y l aplomada.
Lo mismo el pintor: rojo puro, un ángulo, después azul, una forma, blanco-
negro, amarillo y siempre con el compas de proporciones en la mano y la escuadra
para poner a todo en ritmo ortogonal.Pone pintura tal como lo haría un obrero sobre
una maquina, un mueble o una pared. Color puro sin mezcla, y entonces lo que se
obtenía mezclando a paleta, ahora se obtiene por equilibrio.
Además excluida la tercera dimensión ahora todo plano de color y toda forma
pueden entrar correctamente en la medida armónica. Es decir: todo será concreto. Por
consiguiente: medida real-color real: forma real.
Barrido lo aparente para que todo se represente a si mismo. Un nuevo realismo
y de acuerdo con la época presente. Y esto todo es lo que se propondría como
programa máximo ya que América tendría que dar un arte inédito. En si mismo, todo
artista americano tendría que librar la gran batalla que de continuo se libra entre el
hombre universal y el hombre individuo. Barrido lo subjetivo, como antes e dijo, ya no
existen los artistas en particular sino el Arte.
Tendrá cada uno, que volverse un primitivo y trabajar en lo elemental. Y aquí
primitivo no quiere decir prehistórico sino el que esta en el comienzo de un gran ciclo
de arte. Es consecuencia de sacrificar lo personal, en cierto modo pues lo personal no
puede perderse ni aun dentro del hieratismo más ortodoxo y poner a contribución de
este nuevo ideal toda su fe. Podemos entonces en estas tierras de América levantar el
nuevo clasicismo.
2TORRES GARCIA, J .Nueva Escuela de Arte del Uruguay. La regla abstracta, Montevideo,1946
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Torres García
Se encontraba abocado a la búsqueda de una forma de expresar en conceptos, en
formas simplificadas de la realidad, a esta realidad misma. Buscaba transmitir un
mensaje a través de signos que admitieran lecturas libres de subjetividad. Dicho en sus
propias palabras "o bien el nombre escrito de la cosa, o una imagen esquemática lo
menos aparentemente real posible: tal como un signo". Seguramente, este fue el
resultado de todas las experiencias anteriores del maestro, reuniendo elementos del
neoplasticismo, el cubismo, el surrealismo, el primitivismo, el arte precolombino y de la
famosa regla o proporción áurea, rescatada de la cultura árabe.
Fue este el resultado de la búsqueda de un lenguaje universal, una unificación de
todas las formas de expresión que había percibido y practicado en su peregrinar por
Europa y en sus contactos con los otros grandes maestros de la época.
Rafael Barradas
Su padre era pintor, lo que hizo que desde joven se familiarizara con el lenguaje
plástico. No recibió una formación académica, pero participó en las tertulias que tenían
lugar en Montevideo junto a otros intelectuales y colaboró como ilustrador en
periódicos y revistas de Montevideo y Buenos Aires.
Su carrera artística comenzó como caricaturista, fundó "El Monigote", que era
una publicación satírica sobre el ambiente cultural. Realizo viajes a Milán, Suecia y
Paris permitiéndole conocer las primeras vanguardias cubismo y futurismo, al final se
estableció en Barcelona, amigo de J.Torres.
En estos momentos se interesa por el futurismo italiano y desarrolló una
particular forma de expresión pictórica que él mismo denominó vibracionismo. A
Barradas no le atraía ni el maquinismo, ni la modernolatría del futurismo, sino el
vitalismo.
Sus visiones son movedizas, fragmentadas y simultáneas, son testigo de la vida
moderna. Las dota de una gran fuerza expresiva y de un excelente cromatismo. En
todas sus obras hay un dinamismo vertiginoso y unos colores muy vivos. Su estilo
vibracionista da paso a una nueva modalidad que el pintor llama cubismo y que perdura
hasta 1921. No supone un fuerte cambio radical, sino una paulatina evolución .La
diferencia entre el vibracionismo y el cubismo está en que Barradas pasa del uso de
colores puros al estudio tonal, de la fragmentación del objeto a su reconsideración
figurativa y de los temas urbanos al predominio de lo íntimo y personal.
En 1922, su obra da un giro decisivo. Practica un nuevo modo de hacer
denominado planismo, que implicaba el retorno al orden, una pintura más cercana al
realismo y con una paleta sombría. Prueba de ello son los dibujos que realizó en Luco
de Jiloca entre 1923 y 1924, tomando como modelos a los campesinos del lugar con un
tono melancólico más grave y severo. Surgió así la serie de Los Magníficos, en la que
mostraba la castigada y poderosa fisonomía de los tipos populares del entorno agrario.
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RECURSOS UTILIZADOS
Webgrafía:
http://www.la-pala.com/articulos/item/154-raquel-tibol-una-vida-para-el-
arte.html
http://www.arteespana.com/rafaelbarradas.htm
http://www.buenosaires.gov.ar/areas/cultura/arteargentino/02dossiers/informalis
mo/03destructivo_i.php
http://www.aceroarte.com/coleccion/Leopoldo_Mendez_venganzapueblos.htm
http://www.arts-history.mx/pieza_semana/anteriores.php?id_pieza=63
http://www.museoblaisten.com/v2008/indexESP.asp?myURL=artistDetailSpani
sh&artistId=19
http://www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia_ic/index.cfm?fuseacti
on=termos_texto_esp&cd_verbete=9457
http://www.museomuraldiegorivera.bellasartes.gob.mx/
http://info.nodo50.org/Tina-Modotti-fotografa.html
http://www.buenastareas.com/ensayos/El-Surrealismo-En-
M%C3%A9xico/119412.html
Bibliografía:
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BEDOYA. JORGE, GIL. NOEMI. El arte en América latina. Centro Editor de
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SOUTER, GUERRY. Frida Kahlo y Diego Rivera. Edimat libros, 2010
TORRES-GARCIA, JOAQUIN. Universalismo constructivo. Parsifal, 2001.
Barcelona
ANGEL DE LA CALLE. .Modotti, una mujer del siglo XX. Sinsentido, vol. I
.2003.Madrid
JOSE SWARCH. Las Vanguardias Latinoamericanas. Textos programáticos y
críticos. Catedra D.L. 1991, Madrid
