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Pintura gótica
Maestro del Jardín del Paraíso escena: «María en el jardín con santos»
NaturalismoLa pintura gótica se aproxima a la imitación de la naturaleza, a veces se incluye la representación de paisajes.
Los temas son religiosos y empiezan los profanos, aunque con carácter alegórico.
Se representan los personajes religiosos en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones y sentimientos (placer, dolor, ternura, enojo), rompiendo el hieratismo románico.
Hay más detalles narrativos, color, luminosidad,...
TécnicasLa pintura mural o frescos se usa, especialmente en Italia (pintura realizada sobre una superficie cubierta con una delgada capa de yeso, en la cual se va aplicando cal apagada y cuando la última capa está todavía húmeda, se pinta sobre ella)
Pintura sobre tabla . Al temple que usaba como aglutinante el huevo o la cola obtenida de los huesos de animales. Es novedad de la última fase del gótico el cambiar ese aglutinante por aceite, dando así lugar al óleo
Ático
Calles en vertical
Cuerpos en horizontal
Banco o predela
Según el número de piezas: tríptico, díptico, políptico…
Retablos sobre tabla
Vidrieras
Los muros se liberan de su función y progresivamente se van
sustituyendo por ventanales con vitrales de color
Las miniaturas consistían en pequeñas composiciones de figuras enmarcadas en las letras
iniciales o en diversos compartimentos. Se llamaban miniaturas porque se realizaban con minio, u óxido
de hierro, mezclado con colorantes naturales.
Suelen tener un fondo plano, normalmente en dorado.
Hacia el siglo XV interesa el estudio de la perspectiva
Escuelas
La pintura subsistió en los muros, en los retablos y en las tablas pintadas que forman los frontales o los laterales de los altares.Se distinguen dos escuelas durante los siglos XIII y XIV: la de Florencia y la de Siena.
Pintura italiana del Trecento
Italia
Giotto di Bondone, pintura mural(Cristo resucitado y Mª Magdalena, (hacia 1304), Capilla de la Arena, Padua.
Simone Martini, La Anunciación. Témpera sobre tabla. (1333). Galleria degli Uffizi . Florencia
Siena
Las obras de esta escuela se caracterizan por: • Estilización y amaneramiento de las figuras. • Uso de los fondos dorados y de una gama de colores que proporcionan una notable expresividad a las composiciones. • Siena fue siempre una ciudad en contacto con las fuentes bizantinas del arte italiano, como con el estilo cortesano del otro lado de los Alpes, por eso su arte fusiona la influencia francesa con la bizantina.Siena tuvo su máximo esplendor entre finales del s. XIII y la primera mitad del s. XIV cuando constituyó una potencia política y económica que rivalizaba con Florencia.
Ambrogio Lorenzetti, La arquitectura detalle del
fresco Alegoría del buen y mal gobierno. Sala de los
Nueve del "Palazzo Pubblico" (ayuntamiento) de Siena.
(1337-1339).
Aparece el tema bizantino de la Madonna entronizada rodeada de ángeles y santos dispuestos, en este caso, en series paralelas, horizontales y simétricas. El estudio
individual de los rostros de cada personaje y el gusto refinado expresado en la vestimenta ribeteada por una línea dorada, constituyen los elementos destacables de este cuadro
Duccio di Buoninsegna. Maestá de la catedral de Siena
Duccio di Buoninsegna. Pasión de Cristo
Perspectiva
Arquitectura pintada
Paisaje de fondo
Organiza el espacio pictórico, mediante la disposición de los
elementos y detalles en su relación con el ambiente
Simone Martini
Lo más resaltante de su obra es el dominio del color, su gusto por la línea sinuosa, el uso del color dorado, que recuerda a lo bizantino, el naturalismo y la expresividad de sus figuras. Los colores ocres de Martini se han asociado siempre con Siena (ciudad donde nació y trabajó), porque recuerda la tonalidad de la tierra toscana; de allí que estos colores reciban el nombre de Siena natural y Siena tostado.
Pintura mural. Ayuntamiento. Siena. Retrato ecuestre del capitán Giudoriccio da Fogliano en la conquista de Montemassi. Lo más destacable es la minuciosidad en la descripción del
campamento militar con las barracas de paja y el castillo. El capitán y su caballo visten los colores distintivos de su heráldica. Pero el protagonista real del fresco es el paisaje del fondo, una extensión realizada únicamente con los colores "siena natural" y "siena tostado" que se
complementan armonizándose con el azul del cielo.
Historias de San Martín (1317) en la Iglesia Inferior
de San Francisco en AsísAsimilación del espacio pictórico al representan escenas con detalladas
anécdotas, llenas de color en sus figuras perfectamente delineadas, igual que los
elementos del fondo.Estos diez episodios de la vida del santo se realizan
como si fueran historias de caballería, por lo que tienen
un estilo muy cortesano.
En el Sueño de san Martín, los elementos
arquitectónicos y el ajuar de la habitación con la colcha de
cuadros tejido típico de Siena.
En la Renuncia a las armas, las figuras refinadas del santo y del emperador se
contraponen a los rudos soldados que desde detrás del cerro se preparan para el combate. Detalle en el personaje del pagador del sueldo
de la tropa, a la espalda del emperador.
Anunciación entre los santos Ansano y Margarita (patronos de Siena) es una pintura al temple sobre tabla (1333), realizada para la Catedral de Siena (actualmente en la Galería de los Uffizi de
Florencia). Destacan las formas delicadas, el aire lírico, la belleza de los vestidos y de los cuerpos delgados y de formas sinuosas, en especial la S de la Virgen.
En el fondo dorado entre el ángel y la Virgen se marca espacio por medio de la representación de la paloma, el Espíritu Santo que anuncia la concepción divina; el pavimento está tratado con
gran realismo. Representa las tres dimensiones en el banco y en el libro sostenido en sus manos, en el cual penetra la luz por sus páginas entreabiertas.
María se retira asustada, va vestida de azul, color que representa al
cielo. El ángel no sostiene el lirio, símbolo de la pureza, porque esta flor era el emblema de Florencia, rival de Siena y en su lugar porta
una rama de olivo. No obstante el lirio aparece en un florero al centro
de la obra. En los medallones superiores están los profetas. Las
palabras que según el evangelio de San Lucas recitó el arcángel Gabriel
aparecen escritas en latín "Ave María, llena de gracia, el Señor esta
contigo”
Maestà del Ayuntamiento de Siena pintura al fresco. Abandona la rigidez de la composición en líneas horizontales, los personajes en dos semicírculos rodean el trono de la Virgen,
acercándose o alejándose, dando movimiento a la obra y un efecto de gran naturalidad. El baldaquino de seda y cintas se mueve con el viento. La Virgen ha abandonado el hieratismo
bizantino mostrando una actitud pensativa y dulce.
Aparece el lenguaje
artístico de Simone Martini, en la suavidad de las figuras
que rodean a la Virgen. Elegancia
del manto ribeteado de la
Virgen o del baldaquino de
seda.
Cripta de la Catedral de Siena Sus paredes están cubiertas de frescos realizados en
el siglo XIII y son los ejemplos más antiguos de pintura mural de la escuela de Siena que se
conservan
FlorenciaGiotto
Su arte fue innovador y es considerado precursor del Renacimiento, al realizar una pintura más realista y humanista, de gran naturalismo.
Da volumen a sus figuras, las individualiza e inicia el espacio tridimensional, mediante la perspectiva.
Fue capaz de representar el espíritu, la emoción y los sentimientos del ser humano (gente bajo presión, personas en crisis y hombres en los que se percibe claramente que están
tomando gravísimas decisiones espirituales…) mediante la gesticulación de sus personajes.
Resurrección de Lázaro. Capilla de la Arena
Vida de San Joaquín. Capilla de la Arena
Historias franciscanas en la Iglesia Superior de San Francisco de Asís. Representación directa de las cosas, retratos.
Parece que trabajan discípulos del taller
«El homenaje de un hombre sencillo»
«La donación de la capa»
Frescos de la Capilla de la Arena o de los Scrovegni de Padua
Presenta los grandes temas del pensamiento medieval: Juicio Final y el fin del mundo, las virtudes y los vicios. La Redención (vida de María, de Cristo) y el Cristo en majestad.
El programa iconográfico didáctico del arte medieval se mantiene, pero sus formas ya no son esquemáticas, sino que están modeladas por las gradaciones tonales, creando volúmenes en los vestidos y paisajes. Destacan por el naturalismo de las figuras de hombres y animales, y de los rostros de los personajes.
Entrada en Jerusalén
Boda de la Virgen María
La desesperación
Resurrección
Beso de Judas
Su concepción de la figura humana, que representó con
líneas amplias y redondeadas indica una preocupación por el
naturalismo.
Se centra en lo humano y en lo real.
Una interpretación innovadora de los elementos del fondo, de las figuras, del
paisaje y de las arquitecturas. Toma como modelo la
realidad, dibujándolos en perspectiva, para crear un
espacio en tres dimensiones
Lamento sobre Cristo muerto
La figura de Cristo muerto se encuentra desnuda tendida en
el suelo. Un grupo de personajes acongojados y en
diferentes actitudes (agachados, de espaldas,
inclinados) cuida el cadáver; dos parejas de pie, a la
derecha y a la izquierda, cierran el grupo y se hallan
sumidos en el lamento. En el cielo los ángeles
participan del duelo con igual congoja y definen curvas
ascendentes. El fondo de la escena lo
componen una línea rocosa que atraviesa de forma oblicua la escena, un árbol deshojado
y el cielo oscurecido por un azul intenso.
Gran dramatismo expresado por los gestos de desolación ante el cadáver. Los volúmenes se forman
mediante sombreados. Logra la profundidad con las dos figuras colocadas de espaldas, las miradas de los
personajes hacia la escena principal y la roca sigue la misma dirección que la línea de las miradas
FlandesDurante el s. XV se darán unas circunstancias favorables que colaborarán en la creación de una importante escuela de pintura en esta zona de Europa. Las ciudades más destacadas de este territorio eran Gante, Brujas e Ypres, todas formaban nudos de enlace entre las redes comerciales que unían el norte europeo con el resto del Occidente. En ellas se desarrolló una burguesía comerciante que se convertirá en la nueva clientela del arte.
Brujas. Bélgica
Utilización del óleo. Los pigmentos se mezclan con aceite, lo que hace las tintas sean fluidas y se puedan obtener las luces, sombreados , los matices y detalles de los objetos...
Jan van Eyck. Detalle Políptico
del Cordero Místico
PerspectivaUtilizan el sistema de "con punto de distancia". La perspectiva se aproxima más a la
visión natural, el aire se palpa como un elemento más que está presente en el cuadro. Se apuesta así por el uso de la gradación de color hacia grises azulados para los objetos
lejanos, como haría Leonardo da Vinci en su "perspectiva aérea".
Jan van Eyck Virgen del Canciller
Rolin
Realismo al representar todos los detalles de los objetos, a los personajes
Jan van Eyck. Virgen del canónigo Van der Paele
TemasPredominio de la pintura sobre tabla
Religioso: recreación de pasajes bíblicos, vida de santos, vírgenes. Suelen realizarse trípticos, polípticos. Con las tablas pintadas por los dos lados. En el exterior se representan las figuras en grisalla.
Roger van der WeydenTríptico del calvario
Roger van der Weyden Políptico del Juicio Final
El Bosco o Brueghel el Viejo, pintan cuadros ejemplarizantes donde se describen los pecados y sus consecuencias o concepciones más bien filosóficas del mundo basadas en
creencias o dichos populares. Para ello se ayudan de una desbordante fantasía de elementos y composición, y de un lenguaje simbólico.
El Bosco. Tríptico del Carro de Heno
Pecado original
InfiernoVicios
Virtudes
El Bosco. Tríptico del Jardín de las DeliciasCon gran simbolismo se representa el pecado, el paraíso, el universo, la lujuria…
Pieter Brueghel el Viejo. Triunfo de la muerteReflexión sobre la muerte, la crueldad. No hay escapatoria posible.
El paisajeEn un cuadro flamenco encontraremos una escena que siempre remite al paisaje, bien sea a través de una ventana, bien porque se desarrolle efectivamente al aire libre. Los
personajes comparten protagonismo con el paisaje.
Hans Memling. Escenas de la vida de María
Retrato Retratos con penetración psicológica del modelo. El retrato típico flamenco es el que capta al
personaje de menos de medio cuerpo, ligeramente girado sobre sí mismo, sobre fondo neutro de color oscuro, e incluyendo el rostro y las manos con algún símbolo.
El hecho de que el personaje aparezca levemente girado permite involucrarle en el espacio, el cual no se representa mediante mobiliario o fondo arquitectónico. Tan sólo la presencia de la
figura insinúa la existencia del volumen y el espacio que ocupa.
Retrato de Felipe el Bueno (van der Weyden)
Margarita Van Eyck El hombre del turbante rojo. Van
Eyck
Roger van der Weyden
Se distingue tanto por la interpretación de temas religiosos (patéticos y marianos) como por sus notables retratos. Pinta al óleo sobre madera, en panel único, dípticos o polípticos. En su
estilo destacan las líneas sinuosas en cuerpos y drapeados. Sus personajes presentan un marcado realismo.
Piedad. Museo del Prado Carlos el Temerario
Descendimiento. Museo del Prado. Pintura al temple sobre madera
Es la tabla central de un tríptico.
Tiene forma rectangular, con un saliente en el
centro de la parte superior,
en el que se encuentra la cruz
y un joven encaramado en la escalera, que ha ayudado a bajar
el cadáver.El tema es
religioso: Cristo bajado de la
cruz
El fondo de oro, típico del
gótico; así, las figuras parecen
esculturas policromadas
El fondo de oro tiene un sentido simbólico: simboliza la eternidad y es
propio de lo divino
Abajo, hay unas pequeñas plantas, un hueso alargado
y una calavera junto a la mano de María desmayada. Podría aludir a la
vida después de la muerte.
El fondo neutro centra toda la
atención en las figuras, que se
alojan en un espacio reducido.
José de Arimatea y Nicodemo (barba blanca) sostienen el cuerpo muerto
de Cristo con expresión de
consternación
María Magdalena y Juan en los extremos englobando el grupo en una especie de paréntesis, y la Virgen María y su hijo Jesucristo
en el centro, siguiendo la misma diagonal.
Las figuras expresan su dolor. El mayor dramatismo está en las figuras de María Magdalena, que se dobla de dolor, y la Virgen
María representada sufriendo un desfallecimiento y doblándose.
Muestra del preciosismo de la pintura flamenca, gracias al avance del óleo, se muestra en las calidades de los objetos.
Los ropajes y el claroscuro proporcionan los efectos lumínicos. Los colores fríos caracterizan a los personajes más patéticos: las mujeres y el joven subido a la
escalera; los demás personajes visten colores cálidos.
Jan van Eyck Se caracteriza por el naturalismo de vívidos colores al óleo, la meticulosidad de los detalles, la precisión de las texturas y la representación del espacio tridimensional. Logra dar impresión de tridimensionalidad mediante las «veladuras» o tenues capas de óleo aplicadas unas sobre otras y todas sobre una tabla de madera pulida y pintada de blanco, con lo que se logra una reflexión de la luz con el consecuente brillo de la pintura y una sugestión de profundidad.
Virgen en la iglesia
Retrato del matrimonio ArnolfiniRepresenta al rico mercader Giovanni
Arnolfini y a su esposa Jeanne Cenami, que se
establecieron y prosperaron en la ciudad de Brujas
La pareja aparece de pie, en su
alcoba; el esposo bendice a su mujer,
que le ofrece su mano derecha,
mientras apoya la izquierda en su
vientre. La pose de los personajes
resulta teatral y ceremoniosa, prácticamente
hierática
La obra es un fiel reflejo de las
características estilísticas de la
escuela flamenca y, sobre todo, es un compendio del estilo de su
autor. En su composición sobresalen:
La minuciosidad, sólo posible
gracias al empleo del óleo y de
plumillas especiales.
El naturalismo.
La preocupación por la luz y la perspectiva
Minuciosidad
Los detalles se plasman con una escrupulosidad
microscópica, en el espejo del fondo:
• en el marco están representadas diez escenas de
la Pasión de Cristo
• se refleja toda la habitación vista desde atrás, incluyendo
todo el mobiliario, el matrimonio, otras dos personas
y el ventanal con una vista de Brujas
Deleite en la reproducción de objetos; los flamencos se enorgullecen de sus posesiones, y las representan en sus obras: la lámpara, los muebles finamente labrados, la ropa… y a su
vez tienen un sentido simbólico. El naturalismo; van Eyck se preocupaba mucho por representar la realidad con la mayor
exactitud posible.
En aquel tiempo se creía que pisar el suelo descalzo aseguraba la
fertilidad.
La cama tiene relación con la continuidad del linaje y del
apellido. Representa el lugar donde se nace y se muere.
Los zuecos esparcidos por el suelo (ellos van descalzos)
representan el vínculo con el hogar y también son señal
de que se estaba celebrando una ceremonia religiosa.La posición también es
significativa: los de Giovanna están cerca de
la cama simbolizando que era la encargada del hogar; los de su marido, más próximos al mundo exterior, simbolizan que
es él el encargado de trabajar para llevar la
prosperidad económica a la casa
El perro pone una nota de gracia y desenfado en un cuadro que es todo solemnidad. El detallismo del pelo es
toda una proeza técnica.En los retratos, los perros suelen
simbolizar, como aquí, la fidelidad y el amor terrenal.
La lámpara sólo tiene una vela, que simboliza la llama del amor (era costumbre flamenca
encender una vela el primer día de la boda).Pero también recuerda la candela que luce
siempre en el sagrario de la iglesia , permanente presencia de Cristo.
Actitud hierática de los retratados e incluso del perro.
El movimiento es nulo.
Las formas tienen una solidez escultórica.
La escena es rígida, teatral y
poco espontánea.
Preocupación por la luz y la
perspectiva: la luz que penetra
por la ventana es suave y envuelve
las formas delicadamente, la
claridad se disuelve, poco a
poco, en una atmósfera
tangible; el marco arquitectónico y
el recurso del espejo del fondo
dan una sensación de
profundidad muy verosímil.
Simbolismo
El experto en Historia del Arte, Erwin Panofsky, interpreta el cuadro como una alegoría del matrimonio y de la maternidad
él es severo, bendice o, quizá, jura, en cualquier caso, ostenta el poder moral de la casa y sostiene con autoridad la mano de su esposa, que agacha la cabeza en
actitud sumisa y posa su mano izquierda en su abultado vientre, señal inequívoca de su embarazo (que no es real), que sería su culminación como mujer
El espejo es uno de los mejores ejemplos de la minuciosidad microscópica conseguida (mide 5’5 centímetros y cada una de las escenas de la pasión que le rodean mide 1’5 centímetros). En torno al espejo se muestran 10 de las estaciones del Vía Crucis. Su presencia sugiere que la
interpretación del cuadro debe ser cristiana y espiritual en igual medida que legal y recuerda el sacrificio que tienen que soportar los esposos.
Estos espejos convexos (brujas) se usaban para espantar la mala suerte. Se colocaban junto a ventanas y puertas, para buscar efectos lumínicos en las estancias.
El sacerdote y el testigo aparecen reflejados en el espejo, junto a la pareja.
El propio pintor, actúa como testigo, y que, con su firma, no
sólo reclama la autoría del cuadro, sino que testifica la celebración del matrimonio
Políptico de la Adoración del Cordero místico o Políptico de Gante o también el Altar de Gante es un conjunto de tablas pintadas al óleo por los hemanos Hubert y Jan van Eyck, para el altar
mayor de la Catedral de San Bavón en Gante (Bélgica).
Adán
ángeles cantores
la Deesis
ángeles músicos
Eva
Los Jueces Justos
Caballeros de Cristo
Ermitaños
Peregrinos
Adoración del Cordero
Representa al Hijo de Dios y su Eucarística. La sangre de Jesús es recogida en la copa, l(Santo Grial). En el cielo surge la paloma(Espíritu Santo), que ilumina la escena. El Cordero está rodeado por catorce ángeles, algunos de ellos con los símbolos de la Pasión (la cruz, la columna, la corona de espinas, la lanza, la esponja). Delante, la fuente de la vida de la que nace un arroyo, cubierto
de joyas.
Judíos y paganos
Mártires
Mártires
Iglesia Católica
En la escena contemplamos una campiña con la ciudad de Gante al fondo.
Triunfo del naturalismo y del detallismo en las telas y joyas, el paisaje, las iglesias y las colinas, montañas. Enorme riqueza de vegetación, en ocasiones con especies no
europeas. Alberga un despliegue de figuras, sombreros, ropajes y detalles
prodigiosamente concretos.
Se representa la tercera dimensión: el tamaño de los personajes, los edificios y
los objetos, está en función de la distancia, intentando mantener entre ellos
una proporción que coincida con la realidad
El paisaje representa el Paraíso.
Sibilas
Profetas
Predijeron el nacimiento de
Cristo
AnunciaciónEl ángel lleva un lirio (virginidad) y le dice
"Dios te salve, María, llena eres de gracia", María responde "He aquí la esclava del
Señor"; la inscripción está en latín, en letras
doradas.El techo parece
demasiado bajo en comparación con las dimensiones de los
personajes.
Una ventana con arcos geminados (la vista de Gante desde el estudio
de los Van Eyck). Un nicho con una
palangana, un jarro metálico y un paño, todo ello alusivo a la virginidad de María.
Aparecen retratados los donantes y entre
ellos sus santos protectores, san Juan
Bautista y san Juan Evangelista, en
grisalla.
Detalles
EspañaDiferentes períodos
Estilo gótico linealSe inicia en el s. XIII y predomina hasta mediados del siglo XIV.
Marcado dibujo de líneas que se rellenan con color. Los personajes adquieren movimiento, pero están tratados de una manera un poco ingenua
Miniatura de las Cantigas a Santa María de Alfonso X el Sabio
Estilo internacionalEn la primera mitad del siglo XV. Recibe este nombre pues tiene unas características
comunes en toda Europa: valoración de la expresión, las figuras se estilizan, predomina la línea curva, especialmente en los ropajes, que presentan numerosos plegados,
movimientos sinuosos y atención a los detalles y a lo anecdótico.
La Crucifixión rodeada del bautismo de Cristo y de la conversión de San Pablo.Colores delicados: dorado, rosa, el gris…Los ropajes describen numerosas curvas.Presta atención a detalles naturalistas como rocas, plantas, agua…Obra de Gerardo di Jacopo Starnina, pintor florentino que se le considera introductor del estilo internacional. Trabajó en Valencia donde realizó este retablo de Fray Bonifacio Ferrer
Pintura hispanoflamencaLa pintura flamenca llega gracias al comercio (importación de obras, algunos pintores van a
Flandes a estudiar)Tiene todas las características desarrolladas por los flamencos, pero con rasgos propios.
Virgen de los Consejeros. Lluís Dalmau. 1445
Fue el encargado de introducir el estilo que aprendió directamente de Van Eyck.
Estancia con arquitectura gótica, con ventanas abiertas al exterior. En el centro la virgen rodeada de los donantes arrodillados a sus pies. Detrás un coro de ángeles que recuerdan a los de la Adoración del Cordero Místico de Van Eyck.
Retratos de los donantes, ricos ropajes, con multitud de pliegues.
No tiene el mismo nivel de detallismo que las obras flamencas
Bartolomé BermejoSanto Domingo de Silos. 1474
Representa a Santo Domingo de Silos, fundador del monasterio homónimo, sentado en su silla de abad. Era la tabla central del
retablo de la iglesia de Santo Domingo.
La figura del santo ocupa casi en su totalidad la escena, mirando fijamente al espectador. Destaca su rostro que está tratado con gran realismo.
La capa, la mitra y el báculo nos informan de su poder, pues es el abad.
Las representaciones de las siete virtudes rodean al santo (fe, esperanza, caridad, justicia, fortaleza, prudencia y templanza)
En sus ropajes predomina el dorado, en ellos se representan escenas con gran detallismo. También es minuciosa la decoración del trono y la orfebrería que aparece en la mitra del abab.
Reixach
Retablo de Santa Ana
La tabla central Santa Ana sobre un fondo dorado. La
perspectiva está marcada por los azulejos del suelo. Las
escenas de las tablas menores se representan en interiores de detalladas arquitecturas.
Los ropajes de ricos tejidos producen pliegues quebrados
y angulosos.
Las tablas son las originales pintadas por Reick, pero la estructura del retablo se
recompuso en 1924.
Valencia fue uno de los centros en los que la pintura hispanoflamenca recibió un
fuerte impulso, ya que durante el siglo XV vivió un
período de esplendor cultural y económico
