Download pdf - Mendelssohn’s Violin ConCerto le ConCerto pour Violon …artsalive.ca/collections/nacmusicbox/chronologique-timeline/media/... · Mendelssohn’s Violin ConCerto le ConCerto pour

Peter A. Herrndorf President and Chief Executive Officer/Président et chef de la direction

Pinchas Zukerman Directeur musical/Music Director

Mario Bernardi, C.C. Chef d’orchestre lauréat/Conductor Laureate

Boris Brott, O.C. Premier chef des concerts jeunesse et famille/ Principal Youth and Family Conductor

Jack Everly Premier chef des concerts Pops/Principal Pops Conductor

PINCHAS ZUKERMAN conductor/chef d’orchestre

VIVIANE HAGNER violin/violon

Mendelssohn’s Violin ConCertole ConCerto pour Violon de Mendelssohn

February 1–2 février 2012 Salle Southam Hall

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2 Behind the scenes at the National Arts Centre: blog.nac-cna.ca Dans les coulisses du Centre national des Arts : blogue.cna-nac.ca 3

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AUDI, THE OFFICIAL CAR OF THE NATIONAL ARTS CENTRE ORCHESTRA


AUDI, THE OFFICIAL CAR OF THE NATIONAL ARTS CENTRE ORCHESTRA

/MarkMotorsAudi

PrograM/PrograMMe

WEBER Overture to Der Freischütz, Op. 77

10 minutes Ouverture de l’opéra Der Freischütz, opus 77

MENDELSSOHN Violin Concerto in E minor, Op. 64

27 minutes Concerto pour violon en mi mineur, opus 64

I. Allegro molto appassionato —

II. Andante —

III. Allegretto non troppo — Allegro molto vivace

(played without pause/enchaînement sans pause)

Viviane Hagner violin/violon

IntErMISS IOn/EntraCtE

SIBELIUS Symphony No. 2 in D major, Op. 43

44 minutes Symphonie no 2 en ré majeur, opus 43

I. Allegretto

II. Andante, ma rubato

III. Vivacissimo

IV. Finale: Allegro moderato

Viviane Hagner will greet the audience and sign CDs in the main foyer after the concert.

Viviane Hagner dédicacera des CD dans le Foyer principal après le concert.

4 Follow us on twitter: twitter.com/CanadasNAC Suivez-nous sur twitter : twitter.com/CNAduCanada 5

CArl MAriA Von WeBerBorn in Eutin (near Lübeck), Germany, November 18, 1786; died in London, June 5, 1826

Overture to Der Freischütz, Op. 77

Der Freischütz, the third of Weber’s five

complete, extant operas, marked the first

important instance of a national German

opera. In form, it descended from the Singspiel

tradition — stage works with passages of

spoken German dialogue alternating with

musical numbers — but in content, it set itself

apart from its illustrious predecessors like

Mozart’s Magic Flute and Beethoven’s Fidelio

through the use of specifically German subject

matter. In this respect, it set the example for

later operatic expressions of national feeling:

Smetana’s Bartered Bride, Mussorgsky’s

Boris Godounov, Britten’s Peter Grimes and

Copland’s Tender Land. One writer observed

that the Overture to Der Freischütz could easily

be the overture to one of the Grimm’s fairy

tales, for the heart and soul of German folklore

is embodied in this opera, involving as it does

a dark mysterious forest, huntsmen, a friendly

hermit, ghosts, evil spirits, a devil and a pair

of lovers.

Weber selected the story from a collection

of supernatural tales, the Gespensterbuch (Ghost

Stories) of Apel and Laun. Friedrich Kind fashioned

the libretto, working closely with Weber. The

complete opera had a highly successful premiere

in Berlin on June 18, 1821, but the overture

alone had first been heard nine months earlier

in Copenhagen, and was published separately

under its own opus number.

CArl MAriA Von WeBerEutin (près de Lübeck, en Allemagne), 18 novembre 1786; Londres, 5 juin 1826

Ouverture de l’opéra Der Freischütz, opus 77

Der Freischütz, le troisième des cinq opéras

complets et existants de Weber, est le premier

opéra national allemand d’envergure. Par

sa forme, il est apparenté à la tradition du

Singspiel — œuvre scénique dans laquelle

les dialogues parlés en allemand alternaient

avec les passages musicaux — mais, par

son contenu, il se distingue de ses illustres

prédécesseurs que furent La Flûte enchantée

de Mozart et Fidelio de Beethoven, puisque

l’intrigue est purement allemande. À ce titre,

Der Freischütz a tracé la voie à d’autres œuvres

lyriques d’inspiration nationale telles que La

Fiancée vendue de Smetana, Boris Godounov

de Moussorgski, Peter Grimes de Britten et

The Tender Land de Copland. Un auteur a

écrit que l’ouverture du Freischütz pourrait

servir d’introduction à un conte de fées des

frères Grimm, puisqu’on retrouve toute l’âme

du folklore allemand dans cet opéra dont le

décor est campé dans une forêt sombre et

mystérieuse où se côtoient des chasseurs, un

ermite bienveillant, des fantômes, des mauvais

esprits, un diable et un couple d’amoureux.

Weber s’est servi pour son opéra d’une

histoire provenant du Gespensterbuch

(Histoires de fantômes), un recueil de contes

fantastiques d’Apel et Laun. Le livret est de

Friedrich Kind, qui avait travaillé en étroite

collaboration avec Weber. L’opéra connut un

grand succès lorsqu’il fut présenté pour la

The NAC Orchestra has played the Overture to Weber’s Der Freischütz many times. They first performed the work in 1970, under the direction of Franz-Paul Decker, and their most recent performance was in 2003, with Pinchas Zukerman at the podium.

L’Orchestre du CNA a interprété l’ouverture de l’opéra Der Freischütz de Weber à de nombreuses reprises, la première fois en 1973 sous la direction de Franz-Paul Decker et le plus récemment en 2003, avec Pinchas Zukerman au podium.

The overture is a synthesis of the opera

that follows. The slow introduction features

a horn quartet, softly and gently evoking

the peaceful, romantic forest. A dark shadow

crosses the sylvan setting — the evil Samiel

lurks about, portrayed by a string tremolo

and soft throbs from the timpani. The music

of the allegro section is at first stormy and

restless, representing the events of the wild,

and the macabre Wolf’s Glen scene, replete

with ghosts, goblins, eerie winds and a

host of supernatural occurrences. This leads

into a long solo for the clarinet, Weber’s

favourite instrument. Then comes the heroine

Agathe’s theme — a soaring, graceful melody

in the clarinet and strings. Throughout the

symphonic development, the forces of good

and evil engage in a dramatic conflict. But, as

in most fairy tales, good triumphs in the end.

Following a long, pregnant pause, fortissimo

chords for the full orchestra lead to a return

of Agathe’s theme, and the overture ends

joyously.

By Robert Markow

FeliX MendelssohnBorn in Hamburg, February 3, 1809; died in Leipzig, November 4, 1847

Violin Concerto in E minor, Op. 64

One of the first tasks to which Mendelssohn

applied himself after his unhappy sojourn in

Berlin (1842-44) was the completion of the

violin concerto he had begun six years earlier.

première fois dans son intégralité, à Berlin, le

18 juin 1821, mais l’ouverture avait déjà été

entendue neuf mois plus tôt à Copenhague

et fut publiée séparément sous son propre

numéro d’opus.

L’ouverture fait la synthèse de l’opéra qui

va suivre. La lente introduction fait appel à

un quatuor de cors qui évoque avec douceur

la forêt paisible et romantique. Une ombre

traverse le décor sylvestre lorsque le méchant

Samiel vient rôder, représenté par un trémolo

des cordes et de sourdes pulsations des

timbales. La musique de la section allegro est,

au départ, tumultueuse et agitée, illustrant

la scène débridée et macabre de la Vallée

du Loup, remplie de fantômes, de lutins, de

vents étranges et d’événements surnaturels.

Cette section mène à un long solo pour la

clarinette, l’instrument préféré de Weber.

Vient ensuite le thème de l’héroïne Agathe

— un air gracieux et éthéré interprété par

la clarinette et les cordes. Pendant tout le

développement symphonique, on assiste à

une lutte dramatique entre les forces du bien

et du mal. Mais, comme dans la plupart des

contes de fées, le bien finit par l’emporter.

Après une pause longue et éloquente, des

accords fortissimo de l’orchestre au complet

annoncent le retour du thème d’Agathe et

l’ouverture prend fin sur une note joyeuse.

Traduit d’après Robert Markow

FeliX MendelssohnHambourg, 3 février 1809; Leipzig, 4 novembre 1847

Concerto pour violon en mi mineur, opus 64

L’une des premières tâches auxquelles s’attela

Mendelssohn après son malheureux séjour à

Berlin (1842-1844) fut d’achever le concerto

pour violon qu’il avait entrepris d’écrire six


This was written for his friend Ferdinand David,

concertmaster of the Leipzig Gewandhaus

Orchestra, which Mendelssohn had conducted

before going to Berlin. Back in July of 1838,

Mendelssohn had written to David: “I’d like to

write a violin concerto for you next winter; one

in E minor sticks in my head, the beginning of

which will not leave me in peace.” One year

later Mendelssohn wrote again, saying that he

needed only “a few days in a good mood” to

write the concerto.

Mendelssohn finally completed the

concerto in September of 1844. The sense

of facility and effortless grace, its polish and

eternal freshness, and the amiable, genteel

mood it generates totally belie Mendelssohn’s

effort to compose it. This concerto, his last

major composition save the oratorio Elijah,

has become one of the half dozen or so most

popular of all violin concertos, and one of the

foundation stones of almost every violinist’s

repertoire.

David was of course the soloist at the

premiere, which took place at a Gewandhaus

concert in Leipzig on March 13, 1845.

Surprisingly though, Mendelssohn did not

conduct; this honour went to Niels Gade,

the Danish composer who had become the

orchestra’s conductor during Mendelssohn’s

Berlin sojourn.

Although trained in the classical manner,

Mendelssohn possessed a romantic streak as

well, which manifested itself in the air of poetic

fantasy that infuses his music, and in liberties

he took with regard to formal construction.

There is no opening orchestral introduction,

for instance — the soloist enters with the

main theme almost immediately. All three

movements are joined, with no formal pauses

to break the flow. (Beethoven had written

concertos with two movements joined — the

Violin Concerto and the Fifth Piano Concerto —

but not all three.) A cadenza normally appears

ans plus tôt. Il destinait cette œuvre à son ami

Ferdinand David, violon solo de l’Orchestre

du Gewandhaus de Leipzig, qu’il avait dirigé

avant son départ pour Berlin. Dès juillet 1838,

Mendelssohn écrivait à David : « J’aimerais

écrire un concerto pour violon à ton intention

l’hiver prochain; j’en ai un en mi mineur qui

me trotte dans la tête, et dont le début ne

cesse de me hanter. » Un an plus tard, dans

une autre lettre, Mendelssohn confiait à David

avoir seulement besoin de « quelques jours

dans les bonnes dispositions » pour écrire ce

concerto.

Mendelssohn acheva finalement le

concerto en septembre 1844. L’impression

d’aisance et de grâce naturelle qui s’en

dégage, son poli, sa fraîcheur sans cesse

renouvelée, et le climat aimable et raffiné

qu’il installe ne laissent rien transparaître des

efforts considérables que Mendelssohn mit

à le composer. Ce concerto, dernière œuvre

majeure du compositeur hormis l’oratorio

Élias, est devenu l’un des cinq ou six concertos

pour violon les plus populaires, pierre d’assise

du répertoire de la plupart des violonistes.

David en fut bien entendu le soliste à

sa création, au Gewandhaus de Leipzig, le

13 mars 1845. Étonnamment, Mendelssohn

ne le dirigea pas lui-même; cet honneur revint

à Niels Gade, le compositeur danois qui était

devenu le chef attitré de l’orchestre pendant

le séjour de Mendelssohn à Berlin.

Musicien classique de formation,

Mendelssohn n’en possédait pas moins

une veine romantique certaine, qui se

manifeste dans l’atmosphère de fantaisie

poétique qui imprègne son œuvre et dans les

libertés qu’il prenait par rapport aux formes

conventionnelles. Par exemple, la pièce qui

nous occupe est dépourvue d’introduction

orchestrale — le soliste expose le thème

principal presque d’entrée de jeu. Les trois

mouvements s’enchaînent d’un trait, sans

Mendelssohn’s violin concerto was the first “serious, grown-up” concerto that I

was given the opportunity to perform with an orchestra. That by itself puts this

piece in a special place within my repertoire, and it is attached with many fond

memories. Back then, in my very early teens, I immediately fell in love with

the most beautiful tunes of the first and second movements. Drama and almost

exuberant passion are elegantly intertwined with lyrical and, at other times, very

light, almost fen-fire-like passages. Numerous performances later, I cannot claim

that I like any aspect of this masterwork any less. Rather the opposite, in fact.

I can only join the crowd of many of my colleagues cherishing Mendelssohn’s

violin concerto as probably “the perfect” concerto for our instrument.

Le concerto pour violon de Mendelssohn est le premier concerto

« sérieux, d’envergure » que j’ai joué avec orchestre. Cela suffit à expliquer la

place particulière qu’il occupe dans mon répertoire, et les nombreux doux souvenirs

qu’il évoque chez moi. Alors à ma tendre adolescence, je suis instantanément

tombée en amour avec les sublimes mélodies des premier et deuxième

mouvements de la pièce. Des passages tantôt lyriques, tantôt aériens, jaillissant

telles des étincelles, font s’entremêler le drame et une passion presque déchaînée.

De nombreuses prestations plus tard, il m’est impossible de trouver un seul

aspect de cette œuvre que j’affectionne moins qu’avant. Au contraire. Je ne peux

qu’ajouter ma voix à celle de nombre de mes collègues pour qui ce concerto chéri

pour violon de Mendelssohn constitue sans doute l’œuvre « par excellence » écrite

pour cet instrument.

— ViViAne hAgner


near the end of a concerto’s first movement,

halting the momentum of the music and

leaving the field open for the soloist to give

a virtuosic improvisation of his own design.

But in this concerto Mendelssohn places the

cadenza much earlier, at the juncture of the

development section and the recapitulation,

with the soloist continuing on as accompanist

after the orchestra reenters. Thus, the cadenza

assumes a more important dramatic and

structural role within the movement’s design.

The term “well-bred” is often invoked to

describe this concerto, and nowhere better

does it serve than for the quiet rapture and

poetic beauty of the second movement’s

principal theme. A moment of sweet

melancholy in A minor intrudes briefly, with

trumpets and timpani adding a touch of

agitation. The principal theme then returns

in varied repetition and a gently yearning

passage, again in A minor, leads to the finale.

Two brief fanfares from horns, trumpets and

timpani announce the final movement. As

in the two previous movements, the soloist

gives the first presentation of the principal

theme, one of elfin lightness and gaiety.

The mood of this movement has often been

compared to that of the fairyland world of

an earlier Mendelssohn score, his music for

A Midsummer Night’s Dream.

By Robert Markow

aucunes pauses. (Beethoven avait déjà écrit

des concertos dans lesquels deux mouvements

s’enchaînaient ainsi — le Concerto pour

violon et le Concerto pour piano no 5 — mais

jamais les trois mouvements.) Une cadence

apparaît habituellement vers la fin du premier

mouvement d’un concerto, freinant l’élan du

flux musical et laissant le champ libre au soliste

pour offrir une interprétation virtuose de son

cru. Dans ce concerto, toutefois, Mendelssohn

fait intervenir la cadence beaucoup plus tôt, à

la charnière de la section de développement

et de la reprise, le soliste poursuivant ensuite

dans un rôle d’accompagnement après le

retour de l’orchestre. La cadence assume ainsi

une fonction beaucoup plus importante, sur les

plans dramatique et architectonique, dans la

conception même du mouvement.

On qualifie fréquemment ce concerto de «

bien élevé », et nulle part ce terme n’est mieux

choisi que pour décrire le calme ravissement

et la beauté lyrique du thème principal du

second mouvement. Un moment de douce

mélancolie en la mineur est introduit alors

que les trompettes et les timbales ajoutent

une touche d’agitation. Le thème principal

revient ensuite à plusieurs reprises avec de

légères variations, et un passage plein de

tendresse, à nouveau en la mineur, mène

au finale. Deux brèves fanfares des cors, des

trompettes et des timbales annoncent le

dernier mouvement. Comme dans les deux

mouvements précédents, le soliste donne la

première exposition du thème principal, d’une

Roland Leduc led the NAC Orchestra’s first performance of Mendelssohn’s E-minor Violin Concerto in 1969, with Steven Staryk as soloist, and the Orchestra played this work most recently in 2009, with Gil Shaham on violin and Pinchas Zukerman at the podium. Soloists who have performed this work with the Orchestra over the years include Sarah Chang, Walter Prystawski and Isaac Stern.

Roland Leduc dirigeait l’Orchestre du CNA à la première prestation qu’a donnée l’ensemble du Concerto pour violon en mi mineur de Mendelssohn en 1969, avec Steven Staryk comme soliste. La plus récente interprétation de cette œuvre par l’Orchestre a été offerte en 2009 avec Gil Shaham au violon et Pinchas Zukerman au podium. Au nombre des solistes qui ont joué ce concerto avec l’ensemble au fil des ans figurent Sarah Chang, Walter Prystawski et Isaac Stern.

JeAn siBeliusBorn in Hämeenlinna (formerly Tavastehus), Finland, December 8, 1865; died in Järvenpää, near Helsinki, September 20, 1957

Symphony No. 2 in D major, Op. 43

So many people have read so many things into

Sibelius’s Second Symphony that its purely

musical argument sometimes gets lost. To

Finns searching for nationalistic connotations

in anything their compatriots wrote, the

Second Symphony, with its broad scale and

heroic gestures, provided a perfect vehicle.

The composer’s own avowal that “I am a

poet of Nature. I love the mysterious sounds

of the fields and forests . . . ” has been used

to detect nature imagery in the Symphony,

but composition of the work preceded this

statement. Folk material? Some of Sibelius’s

themes may sound like popular tunes, but

the composer himself asserted that “I have

never used a theme that was not of my own

invention.” And what about geographical

implications — those darkly brooding Finnish

forests, silent lakes and wintery landscapes?

The Second Symphony was composed mostly

in warm, sunny Italy during the spring of 1901.

The first performance took place a year later in

Helsinki, with Sibelius conducting.

The success and popularity of this work

have not depended on the imaginative minds

that devised the foregoing theories. As a

structure in sound, the symphony stands on its

own as one of the most magnificent creations

in the orchestral repertoire. In the tensions

légèreté et d’une gaieté délicates. Le climat

de ce mouvement a souvent été comparé à

l’univers féerique d’une partition antérieure de

Mendelssohn, celle de la musique qu’il écrivit

pour Le Songe d’une nuit d’été.


JeAn siBeliusHämeenlinna (autrefois Tavastehus), Finlande, 8 décembre 1865; Järvenpää, près d’Helsinki, 20 septembre 1957

Symphonie no 2 en ré majeur, opus 43

On a cru lire tellement de messages dans la

Deuxième symphonie de Sibelius qu’on en

a oublié son intérêt purement musical. Pour

les Finlandais soucieux de rechercher des

connotations nationalistes dans toutes les

œuvres de leurs compatriotes, la Deuxième

symphonie offrait un terreau idéal, en raison

de ses grandes dimensions et de ses gestes

héroïques. « Je suis un poète de la nature. J’aime

les sonorités mystérieuses des champs et des

forêts... » Cette affirmation du compositeur a

encouragé certains à rechercher des images

de la nature dans la symphonie, même si

la composition de cette œuvre est antérieure

à ce commentaire du compositeur. Cette

symphonie contient-elle du matériau

folklorique? Certains thèmes de Sibelius ont

l’allure d’airs populaires, mais le compositeur

lui-même s’en défendait : « Je n’ai jamais

utilisé un thème qui n’était pas de ma

propre invention. » Et que dire de l’influence

géographique des ténébreuses forêts

finlandaises, des lacs silencieux et des paysages

hivernaux? La vérité est que Sibelius composa

sa deuxième symphonie en grande partie

sous le ciel chaud et ensoleillé de l’Italie, au

printemps 1901. La création eut lieu un an plus

tard à Helsinki, sous la direction du compositeur.

Cette œuvre ne doit pas son succès et sa


popularité aux hypothèses imaginatives des

théories évoquées plus haut. En tant que

structure sonore, la Symphonie no 2 s’impose

d’elle-même comme une des créations les plus

magnifiques du répertoire orchestral. L’œuvre

propose un véritable monde symphonique

d’une puissance majestueuse, caractérisé

par des tensions entre différents éléments

contraires de la partition, des atmosphères

contrastées, un contrôle continu du rythme,

une fusion des différentes composantes en

un tout organique et une trajectoire au vaste

parcours atteignant, après d’humbles débuts,

une apothéose irrésistible.

Le premier mouvement commence sur

les doux accords palpitants des cordes graves.

Ce motif et plusieurs autres présentés en

enchaînement rapide constituent le groupe

du premier thème. Sibelius cherche moins

à présenter de longs thèmes en arche

qu’à juxtaposer de petits fragments pour

constituer un tout cohérent à mesure que

le mouvement progresse. Un deuxième

groupe contrastant commence par un solo

de hautbois qui se présente sous la forme

d’une note soutenue ponctuée à la fin par une

fioriture. Les commentaires de nombreux et

distingués analystes varient énormément dans

l’interprétation de la forme de ce mouvement;

il vaut peut-être mieux laisser le propre

commentaire de Sibelius exercer son influence

subliminale. Voici en effet comment il décrivit

un jour le processus de création symphonique :

« C’est comme si le Tout-Puissant avait jeté sur

la Terre des morceaux de mosaïque provenant

du sol des cieux et m’avait demandé de les

remettre ensemble. » On pourra également

observer combien de fois le compositeur

arising from opposing elements of the score,

the contrasts of mood, the continuous control

of pace, the fusion of its component parts into

an organic whole, and the vast sweep of its

trajectory from humble beginnings to mighty

apotheosis, the Second Symphony embraces

a true symphonic world of towering strength.

The first movement opens with softly

throbbing chords in the lower strings. This and

several motifs heard in rapid succession make

up the first theme group. Sibelius is concerned

not so much with long, broadly-arched themes

as he is with arranging small fragments into a

coherent whole as the movement unfolds. A

second, contrasting group begins with an oboe

solo consisting of a sustained note followed

by a flourish at the end. The commentaries

of numerous distinguished musical analysts

differ widely in their interpretation of this

movement’s form; perhaps it is best simply

to let Sibelius’s own comment serve to work

on a subliminal level. He once described the

symphonic process as follows: “It is as if the

Almighty had thrown down pieces of a mosaic

from Heaven’s floor and asked me to put them

together.” The listener might also consider

how often the three-note rising figure of the

very opening motif is integrated, in both the

ascending and descending forms, into most of

the other motifs as well.

The second movement is drawn in

sombre colours. A chant-like theme given

initially to two bassoons in octaves over a

pizzicato bass accompaniment is answered

by a complementary theme for oboes and

clarinets. Among the many themes and

fragments Sibelius uses in this movement is a

highly characteristic effect consisting of a loud

The NAC Orchestra first performed Sibelius’s Symphony No. 2 in 1984 under the direction of Vladimir Ashkenazy, and Arild Remmereit led the Orchestra’s most recent performance of the work in 2006.

L’Orchestre du CNA a interprété pour la première fois la Symphonie no 2 de Sibelius en 1984 sous la baguette de Vladimir Ashkenazy, et la dernière fois en 2006 avec Arild Remmereit comme chef.

chord (often in the brass) which diminishes in

strength and ends with a mighty crescendo to

even greater volume than before.

The Scherzo might best be described as

a whirling blizzard of sound. The central Trio

section provides the greatest possible contrast

in its idyllic, pastoral melody sung by the

oboe. The furious Scherzo is then repeated

in modified form, followed by a return of

the Trio, now shortened, which acts as an

extended bridge passage to the Finale. As in

Beethoven’s Fifth, the two final movements

are directly connected; out of the transition

material arises the Finale’s noble, majestic

first theme. Sibelius covers much emotional

territory in this movement. In contrast to

the optimistic, affirmative opening, a distinct

mood of gloomy turbulence is created at

several points by darkly swirling ostinatos in

the lower strings. Resolution, triumph and

glory inform the massive final pages of the

symphony as the brass intone the magnificent

chorale theme for the last time.

By Robert Markow

intègre la figure ascendante de trois notes

du motif d’ouverture, à la fois sous forme

ascendante et descendante, dans la plupart des

autres motifs.

Le deuxième mouvement est paré de

couleurs sombres. À un thème semblable à une

mélopée, énoncé tout d’abord par deux bassons

jouant en octaves sur un accompagnement

pizzicato des basses, fait écho un thème

complémentaire pour les hautbois et les

clarinettes. Parmi les nombreux thèmes et

fragments qu’il utilise dans ce mouvement,

Sibelius a recours à un effet extrêmement

caractéristique, composé d’un accord puissant

(souvent entonné par les cuivres) qui diminue

en puissance avant de faire place à un

formidable crescendo qui atteint une intensité

sonore encore plus grande.

La meilleure façon de décrire le scherzo

serait de le qualifier de tourbillon de sonorités.

Avec sa mélodie idyllique et pastorale chantée

par le hautbois, la section centrale en trio offre

le plus grand contraste possible. Le furieux

scherzo est ensuite repris sous forme modifiée

et suivi par un retour du trio, cette fois abrégé,

qui sert de long passage de transition vers le

finale. Comme dans la Cinquième symphonie de

Beethoven, les deux derniers mouvements sont

directement reliés. Le matériau de transition

donne naissance au premier thème noble et

majestueux du finale. Dans ce mouvement,

Sibelius explore à peu près toutes les émotions.

En contraste avec l’atmosphère optimiste et

positive du début, les volutes sombres des

ostinatos produits par les cordes graves créent,

à plusieurs endroits, une atmosphère distincte

de turbulence lugubre. Les puissantes dernières

pages de la symphonie apportent la résolution,

le triomphe et la gloire, tandis que les cuivres

entonnent pour la dernière fois le magnifique

thème choral.



Pinchas Zukerman — equally respected as

violinist, violist, conductor, pedagogue and

chamber musician and known for prodigious

technique and unwavering artistic standards

— has remained a music phenomenon for four

decades.

Maestro Zukerman is in his 13th season as

Music Director of the NAC Orchestra, where he

has heightened the calibre and reputation of

the ensemble and developed the prestigious

NAC Summer Music Institute. In 2009 he

was appointed Principal Guest Conductor

of London’s Royal Philharmonic Orchestra,

and he also guest conducts the world’s top

ensembles. This season Mr. Zukerman will

perform over 100 concerts in 17 different

countries.

An innovative pedagogue, Zukerman

chairs the Pinchas Zukerman Performance

Program at the Manhattan School of Music.

His discography contains over 100 titles —

earning 21 GRAMMY® nominations and two

GRAMMY® awards — including five recordings

with the NAC Orchestra. In 2003 he formed the

Zukerman ChamberPlayers, which performs in

the world’s most prestigious concert halls to

international critical acclaim.

Born in Tel Aviv, Pinchas Zukerman came

to America in 1962, where he studied at

The Juilliard School. He has been awarded a

Medal of Arts and the Isaac Stern Award for

Artistic Excellence, and was appointed as the

Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative’s first

instrumentalist mentor.

Phénomène de la musique depuis 40 ans,

Pinchas Zukerman est renommé autant

comme violoniste que comme altiste, chef

d’orchestre, pédagogue et chambriste, et

reconnu pour sa technique prodigieuse et son

inébranlable rigueur artistique.

Il en est à sa 13e saison comme directeur

musical de l’Orchestre du CNA, ensemble dont

il a su élever le calibre et la réputation, en

plus de fonder le prestigieux Institut estival de

musique du CNA. Nommé premier chef invité

du Royal Philharmonic Orchestra de Londres

en 2009, M. Zukerman est aussi invité à

diriger les meilleurs ensembles du monde. À

son calendrier pour la présente saison figurent

plus de 100 représentations dans 17 pays.

Pédagogue novateur, il dirige le Pinchas

Zukerman Performance Program de la

Manhattan School of Music. Sa discographie

comprend plus de 100 titres qui lui ont valu

21 nominations et deux prix aux GRAMMYMD.

Il a gravé cinq albums avec l’Orchestre du

CNA. En 2003, il a formé l’ensemble Zukerman

ChamberPlayers, dont les prestations dans les

salles les plus prestigieuses du monde sont

chaudement saluées par la critique.

Né à Tel Aviv, Pinchas Zukerman est

arrivé en 1962 en Amérique pour étudier à

la Juilliard School. Il a reçu la Medal of Arts

et le Isaac Stern Award for Artistic Excellence,

et a été choisi comme premier mentor

d’instrumentistes dans le cadre du Programme

Rolex de mentorat artistique.

pinChAs ZuKerMAnconductor/chef d’orchestre

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Pau

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elle

Born in Munich, violinist Viviane Hagner has

won exceptional praise for her highly intelligent

musicality and passionate artistry. She has

appeared with the world’s great orchestras,

including the Berlin Philharmonic, New York

Philharmonic and Leipzig Gewandhaus,

in partnership with conductors such as

Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy and

Daniel Barenboim.

Highlights of Ms. Hagner’s 2011-2012

season include her debut with the Cleveland

Orchestra, performances with the Orpheus

Chamber Orchestra in Carnegie Hall, and

a re-invitation to Gürzenich-Orchester

Köln. She appears at prestigious festivals

including Edinburgh, Festspiele Mecklenburg-

Vorpommern and Lucerne, and performs

chamber music at venues such as Amsterdam’s

Concertgebouw and London’s Queen Elizabeth

Hall. She made her debut at the NAC in 2002,

and her most recent appearance was in 2009

as soloist in Chausson’s Concerto in D, for

violin, piano and string quartet.

Viviane Hagner is an ardent advocate of

new, neglected and undiscovered music. The

Hyperion label has recorded her performances

of the Vieuxtemps Violin Concerti 4 & 5 and

Analekta has recently released her recording

of Unsuk Chin’s Violin Concerto.

Viviane Hagner plays the Sasserno

Stradivarius built in 1717, generously loaned

to her by the Nippon Music Foundation. In

2004 Ms. Hagner was awarded the Borletti-

Buitoni Trust Award.

Née à Munich, la violoniste Viviane Hagner a

reçu les plus grands éloges pour l’intelligence

et la passion qui animent son talent artistique.

Elle s’est produite avec les plus grands

orchestres du monde, notamment l’Orchestre

philharmonique de Berlin, l’Orchestre

philharmonique de New York et l’Orchestre

du Gewandhaus de Leipzig, aux côtés de chefs

tels que Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy

et Daniel Barenboïm.

Parmi les faits saillants de son calendrier

2011-2012 figurent des débuts avec l’Orchestre

de Cleveland, des prestations avec l’Orchestre

de chambre Orpheus au Carnegie Hall et un

retour au Gürzenich-Orchester de Cologne.

Elle se produit dans de prestigieux festivals

comme ceux d’Édimbourg, de Lucerne, ainsi

qu’au Festspiele Mecklenburg-Vorpommern,

et donne des prestations de musique de

chambre notamment au Concertgebouw

d’Amsterdam et au Queen Elizabeth Hall de

Londres. C’est en 2002 qu’elle a effectué ses

débuts au CNA, où sa plus récente prestation

remonte à 2009; elle était alors soliste dans le

Concert pour violon, piano et quatuor à cordes

de Chausson.

Viviane Hagner est une ardente défenseure

de la musique nouvelle, non connue ou tenue

dans l’ombre. Elle a gravé les concertos

nos 4 et 5 de Vieuxtemps sous étiquette

Hyperion et, tout récemment, le Concerto

pour violon d’Unsuk Chin chez Analekta.

Elle joue sur le violon Stradivarius

« Sasserno » de 1717 que lui a généreusement

prêté la Nippon Music Foundation. En 2004,

elle a reçu le prix du Borletti-Buitoni Trust.

ViViAne hAgner violin/violon

Phot

o ©

C. S

tein

er


the nAtionAl Arts Centre orChestrA orChestre du Centre nAtionAl des Arts

Pinchas Zukerman Music Director/Directeur musical

Mario Bernardi, C.C. Conductor Laureate/Chef d’orchestre lauréat

Boris Brott, O.C. Principal Youth and Family Conductor/Premier chef des concerts jeunesse et famille

Jack Everly Principal Pops Conductor/Premier chef des concerts Pops

FIrSt VIOLInS/PrEMIErS VIOLOnSYosuke Kawasaki(concertmaster/violon solo)Jessica Linnebach(associate concertmaster/violon solo associée)Noémi Racine Gaudreault§ Sally BensonElaine KlimaskoLeah RosemanManuela MilaniKaroly Sziladi**Lynne Hammond*Martine Dubé*Andréa Armijo Fortin*Annie Guénette*Paule Préfontaine‡ Emily Nenniger

SECOnD VIOLInS/SECOnDS VIOLOnS**Donnie Deacon(principal/solo)*Ramsey Husser(guest principal/solo invité)Winston Webber(assistant principal/ assistant solo)Susan RuppMark FriedmanEdvard SkerjancLev Berenshteyn§Richard GreenJean-Hee LeeBrian Boychuk*Lauren DeRoller‡ Teodora Dimova

VIOLaS/aLtOS Jethro Marks (principal/solo) David Goldblatt (assistant principal/ assistant solo) § David Thies-Thompson Nancy SturdevantPeter Webster*Guylaine Lemaire‡ Chensi Tang CELLOS/VIOLOnCELLES Amanda Forsyth (principal/solo) David Hutchenreuther (assistant principal/ assistant solo) Leah WyberTimothy McCoy§Carole Sirois*Wolf Tormann*Thaddeus Morden‡ MinJee Yoon DOubLE baSSES/ COntrEbaSSES Joel Quarrington (principal/solo) § Marjolaine Fournier (assistant principal/assistante solo) Vincent GendronMurielle BruneauHilda Cowie‡ Travis Harrison FLutES/FLûtESJoanna G’froerer(principal/solo)Emily Marks

ObOES/HautbOISCharles Hamann(principal/solo)**Francine Schutzman*Anna Hendrickson

CLarInEtS/CLarInEttESKimball Sykes(principal/solo)Sean Rice

baSSOOnS/baSSOnSChristopher Millard(principal/solo)Vincent Parizeau

HOrnS/COrSLawrence Vine(principal/solo)Julie Fauteux(associate principal/ solo associée)Elizabeth SimpsonJill Kirwan*Lauren Robinson*Louis-Pierre Bergeron

truMPEtS/trOMPEttESKaren Donnelly(principal/solo)Steven van Gulik*John Ellis

trOMbOnESDonald Renshaw(principal/solo)Colin Traquair

baSS trOMbOnE/trOMbOnE baSSEDouglas Burden

tubaNicholas Atkinson(principal/solo)

tIMPanI/tIMbaLESFeza Zweifel

PErCuSSIOnSJonathan WadeKenneth Simpson

HarP/HarPEManon Le Comte(principal/solo)

LIbrarIanS/MuSICOtHéCaIrESNancy Elbeck (principal librarian/musicothécaire principale)Corey Rempel(assistant Librarian/musicothécaire adjoint)

PErSOnnEL ManagEr/CHEF Du PErSOnnELNelson McDougall

aSSIStant PErSOnnEL ManagEr/ CHEF aDjOIntE Du PErSOnnELMeiko Lydall

* additional musicians/Musiciens surnuméraires ** On Leave/En congé § naC Institute for Orchestral Studies mentors/Mentors pour l’Institut de musique orchestrale du Cna‡ apprentices of the Institute for Orchestral Studies/apprentis de l’Institut de musique orchestrale

the national arts Centre Orchestra is a proud member of Orchestras Canada, the national association for Canadian orchestras./L’Orchestre du Centre national des arts est un fier membre d’Orchestres Canada, l’association nationale des orchestres canadiens.

The NAC Institute for Orchestral Studies (IOS) is

in its fifth year. Established under the guidance

of NAC Music Director Pinchas Zukerman, the

IOS is an apprenticeship program designed to

prepare highly talented young musicians for

successful orchestral careers, and is funded by

the National Arts Centre Foundation through

the National Youth and Education Trust. During

selected main series weeks of the 2011-2012

season, IOS apprentices rehearse and perform

with the NAC Orchestra.

L’Institut de musique orchestrale (IMO) du CNA en

est à sa cinquième saison. Créé sous l’impulsion

du directeur musical du CNA Pinchas Zukerman,

l’IMO est un programme de formation qui vise à

préparer de jeunes interprètes très talentueux à

une brillante carrière de musiciens d’orchestre. Il

est financé par la Fondation du Centre national

des Arts par l’entremise de la Fiducie nationale

pour la jeunesse et l’éducation. Durant des

semaines prédéterminées des séries principales

de la saison 2011-2012, les participants répètent

et se produisent avec l’Orchestre du CNA.

nAC institute For orChestrAl studiesinstitut de MusiQue orChestrAle du CnA

Astral Radio is proud to support the young artists performing in these concerts.

Astral Radio est fière d’appuyer les jeunes artistes qui se joignent à nos musiciens ce soir.

nac-cna.ca/wintersalecna-nac.ca/soldehivernal*Tickets are limited to certain dates and sections of the hall and are subject to availability. Some service charges may apply. *Billets limités à certaines dates et sections de la salle, et sous réserve des disponibilités. Des frais de service peuvent s’appliquer.

NAC WINTER SALESOLDE HIVERNAL DU CNA

JANUARY 31–FEBRUARY 2131 JANVIER–21 FÉVRIER

tickets forbillets pour 39$2 on select NAC

performancessur certains spectacles du CNA

*

16 Follow us on twitter: twitter.com/CanadasNAC

MusiC depArtMent/dépArteMent de MusiQue

Christopher Deacon Managing Director/Directeur administratif

Daphne Burt Manager of Artistic Planning/Gestionnaire de la planification artistique

Louise Rowe Manager of Finance and Administration/Gestionnaire des finances et de l’administration

Shannon Whidden Orchestra Manager/Gestionnaire de l’Orchestre

Stefani Truant Associate Artistic Administrator/Administratrice artistique associée

Meiko Lydall Orchestra Operations Associate/Associée des opérations de l’Orchestre

Renée Villemaire Artistic Coordinator/Coordonnatrice artistique

Geneviève Cimon Director, Music Education and Community Engagement/

Directrice, Éducation musicale et rayonnement dans la collectivité

Douglas Sturdevant Manager, Artist Training and Outreach/

Gestionnaire, Formation des artistes et médiation culturelle

Ryan Purchase Music Education Coordinator, Artist Training and Showcasing/

Coordonnateur de l’Éducation musicale, Formation et présentation des artistes

Christy Harris Manager, Summer Music Institute/Gestionnaire, Institut estival de musique

Kelly Abercrombie Education Associate, Schools and Community/

Associée, Services aux écoles et à la collectivité

Natasha Harwood Coordinator, Music Alive Program/Coordonnatrice, Programme Vive la musique

Diane Landry Director of Marketing/Directrice du Marketing

Natalie Rumscheidt Senior Marketing Manager/Gestionnaire principale du marketing

Christian Bisson Senior Marketing Professional/Professionnel principal en marketing

Gerald Morris Communications Officer/Agent de communication

Melynda Szabototh Associate Marketing Officer/Agente associée de marketing

Camille Dubois Crôteau Associate Marketing Officer/Agente associée de marketing

Odette Laurin Communications Coordinator/Coordonnatrice des communications

Alex Gazalé Production Director/Directeur de production

Pasquale Cornacchia Technical Director/Directeur technique

Jean-Guy Dumoulin President, Friends of the NAC Orchestra/Président des Amis de l’Orchestre du CNA

Join the Friends of the NAC Orchestrain supporting music education.

Telephone: 613-947-7000 x590FriendsOfNACO.ca

Joignez-vous aux Amis de l’Orchestre du CNApour une bonne cause : l’éducation musicale. Téléphone : 613-947-7000 x590 AmisDOCNA.ca

Audi, the official car of the National Arts Centre Orchestra / Audi, la voiture officielle de l’Orchestre du Centre national des Arts