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La moda femenina de lujo en el Renacimiento:
el vestido del Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa
de Jan van Eyck.
CUERPO B
Taller de reflexión artística III
Andrea Mardikian
2020 – 2do cuatrimestre
Proyecto integrador
Sofía Isabel González
Diseño textil e indumentaria
0099326
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La moda femenina de lujo en el Renacimiento:
el vestido del Retrato de Giovanni Arnolfini y
su esposa de Jan van Eyck.
Índice
Introducción ..................................................................................................................... 2
Desarrollo ..................................................................................................................... 5
Capítulo I:El Matrimonio de Arnolfini y el vestido de Cenami ....................................... 5
Capítulo II: la vestimenta como símbolo de Estatus social ............................................... 7
Bibliografía ........................................................................................................................... 9
Anexos ................................................................................................................................ 10
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Introducción
En el presente ensayo de proyecto integrador, perteneciente a la carrera de Diseño
de indumentaria, en la materia de taller de reflexión artística III de la universidad de
Palermo titulado “la moda femenina de lujo en el Renacimiento: Estudio del Retrato de
Giovanni Arnolfini y su esposa de Jan van Eyck” se hablará y analizará El Retrato de
Giovanni Arnolfini y su esposa de 1434 [fig. 1], realizada por el pintor flamenco Jan
van Eyck, es una obra que goza de una enorme popularidad en el arte por su belleza,
detalle y complejidad. En ella se representa a Giovanni Arnolfini y a su esposa,
Giovanna Cenami, en el momento de consagración de su matrimonio en la intimidad de
su hogar. Es una pintura que exhibe el gusto pictórico típico del renacimiento flamenco:
gusto por el detalle y la minuciosidad, una tendencia al naturalismo, una pincelada
escondida, además de la composición equilibrada y el uso de la perspectiva lineal con la
cual se suele asociar a las artes visuales de esta época (Tomassini, 2013). La célebre
pintura ha sido objeto de numerosos estudios y teorías en el arte gracias a su rica e
intrigante iconografía, desatando diversos interrogantes e hipótesis acerca de sus
posibles significados.
El Tema y recorte de campo en función de la consigna de este trabajo, se seleccionó
un tema relacionado al Renacimiento, nombre con el cual se refiere a un movimiento
artístico-cultural que se dio en el continente europeo durante los siglos XV y XVI. El
recorte temático que se eligió para el siguiente ensayo tiene como objeto de estudio la
obra Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa (1434) [fig. 1] o como comúnmente se
conoce, Matrimonio Arnolfini, realizada por el pintor flamenco Jan van Eyck (1390-
1441). Más específicamente, se llevará a cabo un análisis en torno al vestido que lleva
ataviado la figura femenina en la obra, conocida como Jeanne o Giovanna Cenami, y se
procederá a desarrollar sus características, algunas teorías sobre su simbología, el rol
que ocupó la vestimenta en las clases sociales adineradas y cómo se relaciona con el
contexto social del Renacimiento. El objetivo general de este siguiente trabajo es
desarrollar, a partir de la obra de van Eyck, el rol que ocupó la vestimenta como
símbolo de status en las clases sociales adineradas del Renacimiento como puntapié
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para vincular los contenidos vistos en el Taller de Reflexión Artística III con aquellos de
la carrera de Diseño de indumentaria. Se busca describir sus características formales y
analizar de qué forma esos trajes de lujo son un reflejo de los cambios sociales y
económicos que comenzaron a ocurrir desde el Renacimiento en la sociedad europea
occidental, y cómo a su vez la ropa funcionó como una herramienta para denotar un
status social elevado. Los objetivos específicos de este ensayo es exponer las
características técnicas y la significancia/simbología que se ha otorgado al vestido que
viste Cenami en la obra, analizar la función social que ocupaba la vestimenta dentro de
las clases sociales altas y relacionar las vestimentas con el contexto ideológico y social-
económico del Renacimiento. La hipótesis por ultimo de este trabajo de proyecto
integrador es que el vestido retratado por van Eyck es un ejemplo de los elementos, y
particularmente las vestimentas de lujo, a las que lograron acceder nuevos miembros de
la sociedad debido a la expansión de los circuitos comerciales por el mundo y la
aparición de una clase comerciante o “burguesa”. De esa forma, la vestimenta se
convirtió en una herramienta para denotar el elevado status social al que pertenecían
estas personas y las nuevas riquezas a las que tenían acceso, antes restringidos a las
clases aristocráticas y eclesiásticas.
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Reflexión personal.
- durante la cursada, tuve la posibilidad personalmente de poder mirar mucho más
allá las obras, de poder analizar cada detalle en función de lo que me hacía sentir
cada obra y así poder relacionarla con mi carrera.
En cuanto al proyecto integrador, pude poner en práctica todo lo visto en clases
en lo que conlleva la reflexión sobre las obras, en especial en la obra de la cual
analicé estrictamente y así fusionarlo con la indumentaria. En cada detalle de la
obra de Van Eyck, en el matrimonio de Arnolfini y Cenami, pude contemplar e
investigar muchas otras cuestiones con respecto a mi carrera. Este proyecto me
llevo al descubrimiento y el abrir más la mente hacia pequeños detalles que antes
no tenía en cuenta. Durante el proceso de aprendizaje en este ensayo pude
formalizar y ejercitar más la visión, la mente y el poder analizar más con detalle
cada pequeño objeto en función, y no solo en la obra, sino en general con todo lo
que me rodea.
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Palabras claves
- renacimiento
- matrimonio
- indumentaria
- clases sociales
- textil
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Capitulo I.
El Matrimonio Arnolfini y el vestido de Cenami
El retrato de los Arnolfini es una de las obras más reconocibles de toda la
producción de Jan van Eyck. Más que un simple retrato, el matrimonio representado
celebran su unión en la intimidad de su habitación. En relación con esa temática,
muchos de los objetos y elementos que aparecen aluden a la felicidad conyugal: el perro
como símbolo de fidelidad, las cuentas colgadas en la pared aluden a la pureza de la
novia, el espejo como símbolo de Dios que todo lo ve (Tomassini, 2013).
La pareja representada en el cuadro de van Eyck pertenecieron a miembros de la
familia Arnolfini, originaria de Italia y dedicada al comercio de objetos de lujo y
particularmente al de telas, por lo cual las vestimentas con las que están ataviados son
un elemento importante ya que funcionan como significante de su profesión y de la
fuente de su riqueza.
En lo que respecta a las prendas que viste Cenami, ella usa una houppelanse u
hopalanda, conocida más adelante como gown, la cual fue una prenda característica
desde 1380 hasta 1450. Se caracterizaba por tener una anchura de mangas extrema,
hasta tal punto que a veces llegaban hasta el suelo como es este caso. La prenda más
importante era la túnica, la cual iba ajustada hasta la cintura y luego se acampanaba
formando pliegues. El vestido también presenta un escote, o décolletage, una
innovación que comenzó a ser incorporada durante la época en la parte superior de los
trajes para mostrar el pecho, contraponiéndose con los altos cuellos más conservadores
de período anterior. El tocado de cuernos que tiene la figura fue una moda que apareció
en torno a 1410 se realizaba con una estructura de alambre como los cuernos de una
vaca, sobre los cuales se cosía un velo. Estos novedosos peinados fueron cobrando
formas más exóticas conforme avanzó el siglo XV (Laver, 2006).
Desde un análisis técnico, el vestido verde que viste el personaje femenino fue
confeccionado con enormes cantidades de tela. En la pintura se puede percibir su
extensión y el peso que debía tener por la forma en que Cenami la levanta sobre su
vientre. Una de las teorías dominantes durante el siglo XIX afirmaba que ese gesto
indicaba que la retratada estaba embarazada, pero otras lecturas más modernas la han
desacreditado y sostienen que se trata más bien de un alarde de las riquezas a las que
tenían acceso. El largo y la extensión del vestido también reflejan sus status social ya se
trata de un vestido que no permite mucha movilidad, reflejando la vida de ocio de la que
gozaban.
El verde seleccionado para teñir la tela no era aleatorio, ya que era un color que
estaba comúnmente asociado a la actividad financiera y bancaria. Era un hábito en Italia
que se colocara un paño verde al realizar un comercio en este periodo, por lo cual ese
color funciona como significante del oficio al que se dedicaban. Además, en el siglo
XV, si bien no era poco frecuente que personas de todo tipo de clase social tiñeran sus
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prendas, el verde no era tan común porque implicaba mezclar dos pigmentos (el azul y
el amarillo), lo cual implicaba un mayor costo de producción.
La tela verde de la cual está fabricado el vestido es una fina tela natural de
algodón conocida como doeskin en inglés, la cual tiene una apariencia suave y
aterciopelada. Aunque en la actualidad el algodón no sea considerado un elemento de
lujo, en esa época era uno de los objetos de importación en toda Europa de mayor costo.
Las enormes mangas colgantes están decoradas en la parte inferior con un
intricado y delicado decorado. Esto se realizó con una herramienta de clavado con la
cual se martillaba la tela y se creaban cortes sobre la tela para darle ese aspecto. Por otra
parte, la piel que recubre el perímetro de la manga y el borde inferior del vestido se
trataría de piel animal, aunque no se sabe con certeza de cuál, aunque podría ser de
zorro ártico. Al igual que la tela principal del vestido, esa piel era importada y
consideraba un elemento de vestir de lujo en la época (BBC Four, 2018).
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Capitulo II:
La vestimenta como símbolo de status social
Humanismo y primer renacimiento en Italia
(Stella sposito)
En plena revolución en la ciudad de Florencia la vestimenta como símbolo de status
social era un deseo de la sociedad. Esta ciudad Gobernada por la poderosa y esclarecida
familia de los Médici, banqueros y empresarios toscanos, empiezan con una gran
influencia en toda Europa, con un modelo de refinamiento en el que la magnanimidad
del mecenas, que se rodea de los mejores artistas de la época, desempeña un papel
fundamental en la modernización de las estructuras arquitectónicas de palacios, plazas,
iglesias y jardines de un núcleo urbano que con el tiempo se convirtió en una rica y
fecunda encrucijada internacional. Volviendo al deseo de belleza, junto con la evolución
tecnológica y la expansión productiva, se unen al buen gusto italiano y a la pericia de
los talentosos artesanos. (Stella Sposito 2016)
Los peinados femeninos, de inspiración botticelliana, alcanzan en la época un alto
nivel de elaboración y se enriquecen con largas hileras de perlas y refinadas joyas
sujetas con cintas, cofias y tiras de tejido. En algunos retratos de Piero della Francesca
y de Antonio del Pollaiolo se observa el uso de la perla, que alude a la castidad con la
blancura de su brillo. Otros adornos de piedras preciosas son collares, pendientes,
anillos, hebillas de hombro ( para enganchar el manto) y de cintura, piezas todas ellas
salidas de las orfebrerías más renombradas y que enriquecían prendas ya ricas de por sí.
El amor a la armonía de las formas sale del ámbito del arte e invade la indumentaria y la
artesanía de lujo, reservada a minorías selectas y que se convierte en un producto de
exportación que proporciona bienestar y prosperidad. (Stella Sposito 2016)
Leonardo da Vinci en pleno renacimiento, presintiendo de muchas acciones, acotó
que la ropa acabaría por “abrazar la forma del cuerpo con gracia y sencillez sin
aplastarlo con pliegues artificiales”. En esta ciudad se apreciaba el color. el empleo de
nuevos colorantes era reciente, ya que en teoría recién comenzaba el mercado textil a
hacer un auge en el comercio. En Florencia, se prefería el tejido rosado. Cosme de
Médicis gustaba decir que “dos varas de tela rosada” distinguían al hombre de bien y
convertían al burgués en engreído pero elegante. (Aparences- renacimiento y vida
privada. 15 de septiembre de 2013)
En esta época, la sociedad culminaba y hablaba de su vestimenta, a través de los
colores. Los dorados y las distintas telas representaban elementos taxonómicos que
permitían distinguir con precisión el estatus social y político de un individuo en el seno
de un grupo y de un grupo en la comunidad. Incluso la gente menos instruida sabía
“leer” el significado de los colores. (Aparences- renacimiento y vida privada. 15 de
septiembre de 2013)
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El lenguaje de los colores poseía una interpretación de intercambios, de
combinaciones y de asociaciones, en donde cualquier individuo era posicionado según
su vestimenta y color de atuendo. (Aparences- renacimiento y vida privada. 15 de
septiembre de 2013)
La industria del tinte había alcanzado un buen nivel y permitía beneficiar de una
amplia gama de matices, aunque el gusto de la época aconsejaba llevar, sobre todo en
las ceremonias, ropa de un solo color, limpio y brillante como el verde, el rojo y el
blanco. Anteriormente, en el capítulo I se había nombrado que el color verde, era el
lenguaje y señal de una familia de banqueros, entre otros colores que representaba a
familias adineradas. (Aparences- renacimiento y vida privada. 15 de septiembre de
2013)
A continuación nombramos en este capítulo, la importancia de algunas tipologías en
las prendas, en especial en las mangas, que es la parte más rica y la más importante para
determinar el valor total de la indumentaria.
En las descripciones de libros y testamentos, dan descripción de tejidos, tramados en
metales preciosos y botones con engastes de gemas. Las leyes suntuarias continuaba
regulando el lujo con normas que obligaban a determinados grupos sociales a llevar
únicamente los signos distintivos de pertenencia a la clase. (Stella Sposito 2016)
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Bibliografía
BBC Four. (2008). A Stitch in Time. Arnolfini. Londres: BBC. Disponible en
https://www.dailymotion.com/video/x6jlywn
PANOFSKY, E. (1999) Los primitivos flamencos. Cátedra, Madrid.
LAVER, J. (2006). Breve historia del traje y la moda. España: Varoprinter.
TOMASSINI, M. C. (2013). El renacimiento en Flandes. Disponible en
https://www.academia.edu/33638103/El_Renacimiento_en_Flandes.
VEBLEN, T. (1974). Teoría de la clase ociosa. México: Ed. Fondo de Cultura
Econón1ica.
STEFANELLA SPOSITO (2016). Historia de la moda desde la prehistoria hasta
nuestros días
APARENCES (2013). Renacimiento y vida privada.
https://www.aparences.net/es/arte-y-mecenazgo/renacimiento-y-vida-privada/la-moda-
en-el-siglo-xv/
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Anexo de imágenes
[fig. 1] Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa.1434. Jan van Eyck (1390-1441).
Oleo sobre tabla. 82 x 60 cm. National Gallery.
Declaración jurada de autoría
A: Facultad de Diseño y Comunicación. Universidad de Palermo.
Por la presente dejo constancia de ser el autor del Trabajo Práctico Final titulado
La moda femenina de lujo en el Renacimiento: el vestido del Retrato de Giovanni Arnolfini y
su esposa de Jan van Eyck.
que presento para la asignatura Taller de Reflexión artística III
dictada por el profesor Andrea Mardikiam
Dejo constancia que el uso de marcos, inclusión de opiniones, citas e imágenes es
de mi absoluta responsabilidad, quedando la UP exenta de toda obligación al respecto.
Autorizo, en forma gratuita, a la UP a utilizar este material para concursos, publicaciones y
aplicaciones didácticas dado que constituyen ejercicios académicos de uso interno sin fines
comerciales.
__30_ / _11__ / 2020 Sofía Isabel González
Fecha Firma y aclaración
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