La memoria es un ejercicio que cuesta ejercer en estos tiempos de inmediatez, en donde las imágenes viajan tan rápido en nuestra retina que no es posible pararse a pensar sobre lo que está pasando, nos enfadamos y compartimos una noticia, pero el día de mañana una vez más no pasará nada en las calles.

La memoria es un ejercicio hermoso, es la melancolía que camina junto con nosotros, pero una melancolía hermosa que te abraza en el recuerdo, en ese recuerdo que te ilumina el camino.

Para nosotros y nosotras, la música es un arma que nos puede ayudar a buscar esos momentos que dimos por perdidos, abrazarlos para ahogarnos en ellos, para ser parte de ellos y escupir por momentos a esa historia lineal que avanza a trancos largos.

“Nadie está muerto compañero, nadie está olvidado compañero”... odiamos lo que simboliza Septiembre en nuestro pueblo, odiamos banderas y odiamos todo aquello que nos hacen tragar día a día.

Este número está dedicado a todos y todas los y las caídos y caídas, los que lucharon en esta vida alienada. Un fuerte abrazo a todos nuestros muertos.

Salvaje.

EDITORIAL { SALVAJE Revista Nº4 }PORTADA > Blind Mcmxc http://www.flickr.com/photos/mrblind EDITORES > Walo y Ofe

DISEÑO > Ofe

cOlumnISTAS > Juanito Trueno - El Loco - Felipe Arriagada - Wladimir Stepniak - Ricardo Vargas - MegaWimpy -Patricio Avendaño - Comite de gente desesperanzada

FOTógRAFOS/AS> Gary Go - Lita Lazo Coppa

EnTREvISTADORES > Ex Pectador - Cuervo - Lita Lazo Coppa - Salvaje

RESEÑAS > Andrés Infante - Roberto Carmona - Pablo Durán - Rogelio Krustie - Cristobal Moya - Simón Monserga - El Flakelismo

Visita las galerías de fotos en: www.salvajerevista.com Escríbenos a: salvajenoesrevista@gmail.com Conoce nuestro fanpage: facebook.com/noessalvajerevista

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“…sólo la convicción de que no hay ninguna otra salida para que podamos

sobrevivir puede liberar las fuerzas morales, intelectuales y creativas que exige esta empresa

humana sin precedentes”.

Los límites del crecimiento. Informe al Club de Roma sobre el

predicamento de la humanidad, 1972.

La convicción es cosa rara hace muchos años. Se confunde con fe dogmática y fanatismo, con la consagración irreflexiva a juicios escandalosos o consoladores. De esto se veía mucho en grupúsculos de aficionados a la música y a la moda punk a fines de los años ´80. La canción “No eres nada” de Los KK es significativamente reveladora de ese clima, un ejemplo de cómo la lógica decisionista del amigo – enemigo había colonizado nuestras conciencias.

Sin duda de que todos atravesamos una parte de nuestras vidas sin saber a qué atenernos. Enumerar los lugares y tipos de oferta más recurrentes es tarea que le queda a cada cual. Por lo pronto, tengo la impresión de que compañeros de curso o medios de comunicación son las fuentes primarias. Todos queremos ser reconocidos y pasar las horas y los días al amparo de alguna mitología urbana, en compañía de sus mejores ministros y devotos. Los problemas advienen cuando disociamos ese antiguo deseo, cuando imágenes, melodías y consignas nos arrastran hasta los lóbregos parajes del fanatismo, el hechizo que absorbe cada partícula de nuestras vidas. ¿Acaso no es preferible adherir a nada? Como diría el memorable Panait Istrati:

“Tú, hombre desnudo, hombre que no tienes más que tus pobres brazos o tu pobre cabeza, rechaza todo, absolutamente todo. Niégate a morir por nadie. ¡Cruza los brazos! Díselo a esos caballeros que irán a hacerse matar por todas esas patrias que inventan a cada siglo. Y si el antojo, sin embargo, te lleva a morir por alguien o por algo, muere por una cagada, por tu amigo fiel o por pereza. ¡Viva el hombre que no adhiere a nada!”. (“l’Homme qui n’adhère à rien”, 1933)

La impresión de encontrarme con una serie de precarias producciones sonoras, con títulos como Brigada do Odio, Sore Throat, 7 Minutes of Nausea, Ruido Mundial (compi), entre otros, podría describirlo como el arribo a algo así como la convicción de la no convicción. Como no teníamos computadoras (sólo los Atari 800XL), estas cosas nos llegaban en la dinámica de las redes de amigos, en persona o por correo postal, bajo la legalidad de los encuentros y la disposición a elaborarlos. Pero estas cosas salían del panorama tribal que habitaba los bajos fondos de la época. O era una simple ridiculez o, tal vez, el desprecio total por toda concesión al mundo de la música rock.

Algunos cumplían con un formato mínimo de banda de rock: ensayaban, estaban dispuestos a participar de tocatas o festivales (con tarimas y camarines), tenían un plantel de seguidores fieles, se fotografiaban con actitud, tenían ropa de gala, etc. Pero algo como Audición Irritable (Perú), Paresthesic Neurodeformities y Vux (Brasil) o B.E.S.M.E.T. (¿Holanda?) nada tenían que ver con ese formato. A los primeros y a los últimos los pude contactar. Los primeros se autoproclamaban como nihilistas y ¡misóginos!, mientras que los segundos parecían cercanos a cierto ecologismo radical. La verdad es que hablo en plural, pero siempre era una o dos personas tras cada denominación.

La experiencia de escuchar Noise Core tal como estos sujetos lo planteaban quedaba muy bien resumida en los términos “audición irritable”.

RIP OFFPor MegaWimpy

C · R · Ó · N · I · C · A

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A mí me sonaba enigmático, indescifrable por su misma propiedad de ser ruido, pero enigmático pues sabía que tras ese ruido había una performance, quien sabe motivada por qué pulsión. A veces imaginaba que eran desquiciados mentales atormentados por su recurrente descenso hasta lo abominable, condenados al único recurso catártico de transducir como paisaje sonoro la textura de aquellas profundidades imperceptibles.

Los tipos implicados en estas grabaciones denostaban participar de una tocata, acontecimientos casi institucionales de la música underground. Eran muy afectos a armar fanzines y volantes, a enviar cartas, grabar cassettes, sin atormentarse por entrar alguna vez en “estudios”. Aún recuerdo que un amigo de esa época, que formaba parte de una banda grind noise y editaba un fanzine – Francisco Brutality –, comentaba la idea de realizar “encuentros noise”. Un espacio pequeño, sin escenario, guitarra, bajo, batería, efectos, radios a todo volumen con la onda corta sin sintonizar, etc. El objetivo contemplaba desertar de los escenarios rockeros, armar bandas que se dieran en el momento, sin proyecciones pero con registro, experimentar un rato y trastornar los tiempos muertos.

Mentiría si dijera que algún seguidor del “Noise Core” sólo escuchaba eso. Algunos eran próximos al Metal, otros al Crust y al Punk, pero en Chile eran más comunes los primeros. El caso

es que esta corriente proliferó en direcciones que dejaron en las tinieblas su mejor época, con gran cantidad de propuestas que no pasaban del chiste de mal gusto, casi siempre en manos de aquellos que se reconocían en el espectro metalero. Por el lado Punk, se abrían las puertas hacia la tradición industrial, donde Einstürzende Neubauten, Throbbing Gristle o Sonic Youth (Confusion is sex, Kill yr idols) eran los nombres que más sonaban, mucho más interesantes que la estupidez metalizante.

La “navegación” por la red de redes me ha permitido acceder a registros visuales y sonoros de toda esta fauna Noise Core que he mencionado, después de más de 20 años. No es sorpresa haber encontrado el nombre de Miguel Tipacti, mi antiguo pen pal, animador simbólico de la “escena” Noise Core latinoamericana, editor del fanzine Bulla Extrema y miembro de Audición Irritable, Atrofia Cerebral, entre otros. Al parecer, algo alejado del discurso ideológico, más ocupado en su pasión por el cine llamado “Gore”.

Sin duda que la lección que más me marco de esa época dorada del Noise Core, fue esa actitud que calificaría como “cultura del rechazo”, aledaña a esa convicción de la no convicción que he mencionado más arriba. Seguro que la canción de Los KK nos dejaría en el espectro de esas “mierdas que no saben nada de la realidad”, pero por lo menos teníamos garantizado un mayor grado de intempestividad.

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http://armadahardcore.bandcamp.com/ · Entrevista por Cuervo · Fotografías por La Armada

ENTREVISTA República Dominicana / EEUU

La Armada (Roja) es una banda de HC-Punk nacida en República Dominicana y con residencia actual en Chicago, Illinois, EEUU. Esta banda tiene todos los componentes que siempre queremos escuchar: riffs rapidísimos, baterías explosivas, líricas con alto contenido político y social, enfocadas sobre todo en la

realidad latinoamericana. Su actual residencia en Chicago les ha abierto un nuevo camino en la importante escena local, de gran influencia latina. A 14 años de su nacimiento y tras 2 Split, 3 Ep’s y 4 Lp’s nos cuentan

un poco de ellos, sus experiencias en el caribe, Chicago y la realidad política en Latinoamérica.

> Primero que todo quiero agradecerles por darse el tiempo para respondernos nuestras preguntas. Bueno, cuéntennos un poco de ustedes ¿Cómo, cuándo y por qué formaron La Armada (Roja)?

La banda se forma en el área de “Los kilómetros”, Santo Domingo, República Dominicana, en el verano del año 2000. Crecimos durante los remanentes de más de veinte años de dictadura fascista con fachada democrática de Joaquín Balaguer y bajo el adoctrinamiento de una de las iglesias católicas con más poder e influencia de América Latina.

Éramos adolescentes desadaptados, montábamos skateboard y constantemente vivíamos bajo la amenaza de ser absorbidos por todo lo que representaba ser el estereotipo del “dominicano” promedio (el machismo,  el béisbol, el anti-

haitianismo, la homofobia) o la otra opción que era la de morir de aburrimiento.

Santo Domingo siempre tuvo buenas bandas de metal, pero el HC-punk era algo prácticamente inexistente en aquella época y no fue hasta que el Internet se volvió asequible que empezamos a descargar música y a investigar sobre las diferentes escenas  en Latinoamérica, España y EEUU.  Con la música también vino el aspecto contracultural del DIY y comprendimos que la única manera de tener una escena HC-punk en Santo Domingo era formando nuestra propia banda y organizando nuestros propios shows. Al principio haciendo covers de bandas como Minor Threat, No demuestra interés, Sin Dios, entre otros, hasta que eventualmente construimos nuestro propio sonido y aquí nos tienes hoy, casi 15 años después puedo decirte que hay Armada pa’ rato.

La armada

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> Recuerdo que yo los conocí por un Split con Tropiezo, “Mal Caribe del año 2005”. A los largo de sus discos hay una notoria mejoría en el sonido desde “Cuando los mudos hablaron”(2003, y “El privilegio de algunos...la miseria de otros”(2007) que es el último disco como “La armada Roja”. ¿Cómo se gestaron esos discos? ¿Fueron grabados de manera independiente, autogestionada?

Hemos recibido ayuda en algunas ocasiones para el proceso de edición, pero todo nuestro material ha sido grabado de manera autogestionada. 

“Cuando los mudos hablaron” fue un disco que  revolucionó la escena subterránea de Santo Domingo. En aquella época muy pocas bandas dominicanas editaban discos y las que lo hacían tenían un sonido y un concepto muy diferente al nuestro. Esta producción la grabó Ariel Sánchez con un micrófono de computadora y un colador de café delante.  Es increíble lo bien que suena considerando las precarias circunstancias en las que lo grabamos.  Recuerdo que ahorramos por un año para costear los gastos de la grabación y la tirada de los primeros 300 Cd’s, de los que casi todos se vendieron en el show de lanzamiento. El disco se regó como pólvora en el Internet, lo re-editamos varias veces en Santo Domingo y se editaron unas 500 copias bajo el sello DIY Komunika récords en Zaragoza, España. El éxito del primer disco nos llevó hasta Puerto Rico, gracias a los hermanos de la banda Tropiezo. Allí tuvimos la oportunidad de compartir con bandas como Cojoba, Golpe Justo, La experiencia, entre otras y  aprendimos

mucho de cómo funcionaban los distros D.I.Y. Todas estas conexiones ayudaron a gestar nuestra segunda producción “Mal Caribe”(2005), split con Tropiezo grabado en Santo Domingo por Kanky Lora y editado por el sello Puertorriqueño ‘Discos de hoy’ y el sello ‘Sorginkale banaketak’ de Euskadi, País Vasco. 

Luego de 2 años de muchos cambios en la banda lanzamos “El privilegio de algunos...la miseria de otros”(2007), nuestro primer trabajo gestado desde la ciudad de Chicago, grabado por Amador Castro de la banda No slogan y editado por  el sello local “Shaman Records”

> Ya como “La Armada” tienen tres producciones: “Negaciones”(2010), un EP, y del cual 4 de sus 5 tracks aparecen en su siguiente disco; “La Armada” (2012) un Lp y hace poco lanzaron “Crisis”(2014) otro EP. ¿Cómo ha sido el proceso de grabación de estos? ¿Fueron en Chicago? ¿Cómo han sentido ustedes la evolución de su sonido?

Los 2 discos anteriores fueron grabados en Chicago y han sido una especie de preparación para lograr el sonido de “Crisis”. En “La Armada” volvió a asistirnos Kanky, y fue editado por el sello Fat Sandwich Records de Birmingham AL.  Nuestro último trabajo “Crisis” fue grabado por Andy Nelson (Weekend Nachos) y editado bajo el sello Profane existence de Minneapolis MS. La composición de este disco ha sido un proceso  lento y minucioso. Antes de grabar estas canciones, las llevamos de gira varias veces, tocándolas en directo noche tras noche en los infames sótanos del

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7DIY estadounidense. Estamos convencidos que el hc punk es una expresión artística que solo se aprecia en su totalidad cuando se presencia en vivo; es música que tienes que tocar y sentir. Gran parte de la energía que intercambiamos con el público queda plasmada en la canción y eso es lo que buscamos emular a la hora de grabar, un sonido caótico y agresivo, pero a la vez natural. 

Sobre la evolución del sonido La Armada no es la banda ideal para puritanos del hc punk ni para retrogradas que viven del pasado. Somos una entidad de hardcore que está en un proceso de evolución constante y no nos interesan los clichés de géneros ni sonar como tal o cual banda de los 80s. Hay gente que trata de encasillarte y pretende que escribas el mismo disco una y otra vez, pero entendemos que no se puede complacer a todo el mundo. En “Crisis” buscamos un balance de nuestro coqueteo con el metal, el grind y el crust sobre nuestra plataforma fundamental que es el hc punk.  Canciones como “Ninguna idea” y “Obsolescencia planificada” tienen  amplias descargas de crust punk/d-beat, pero también hay temas como “Chiraq” y “Human filth” que trabajan el metal y los breakdowns. También tratamos de innovar un poco en la sección rítmica del disco con canciones como “Vincho leonelista” y “Outro” donde el bajo y la batería mezclan ritmos caribeños de “palos” y “gaga” con esa esencia de la armada que mencionaste.

> ¿Cómo ven la movida hc punk en República Dominicana, en el caribe y cómo se relacionan ustedes con la política local? Sus letras tienen mucho de protesta  y crítica al sistema, así que es de suponer que el hc punk fue una forma de canalizar su pensamiento, como en ‘Ha muerto ya’.

Durante casi 10 años desempeñamos una función crucial en el desarrollo de la escena en Sto. Domingo. Además de la banda, manejábamos ‘Guebonazo distro’, una distribuidora  DIY con material hc punk de todo el mundo que se mantenía a base de intercambios; publicábamos el Zine “Cara de Block”, una revista dedicada a la escena local y además organizábamos shows de bandas DIY internacionales como Cholgoz de Boston, Manolo kabezabolo de España, Tropiezo, Juventud Crasa, Un final Fatal y Los Espectros de Puerto Rico. Por otro lado, Republica Dominicana cuenta con buenas bandas que siempre se han mantenido trabajando y creando como es el caso de Los Perex y La Reforma. También hemos visto aparecer sangre nueva en la movida hc punk Dominicana con bandas como Sin fin de lucro y Trece. Estamos conscientes del esfuerzo que conlleva mantener una escena de hc punk en una sociedad tan conservadora como lo es  R. Dominicana y nos llena de satisfacción saber que la llama de hc punk

aún sigue encendida. En el 2012 tuvimos dos buenos shows en Santo Domingo, y  nos hemos mantenido en contacto visitando con frecuencia. 

La otra escena que conocemos bien en el caribe es la de Puerto Rico, que  siempre se mantiene activa y cuenta con bandas de gran calidad. Hemos tenido la oportunidad de visitar Puerto Rico varias veces y aún recuerdo el primer show que vi de Tropiezo en una barra de mala muerte en San Juan, un show que cambió mi vida para siempre. Si es cierto que  la condición neo-colonial de estado asociado en la que se encuentra Puerto Rico ante los Estados Unidos ha devastado la isla de muchas maneras, es incuestionable su contribución desde hace ya muchos años  a la presencia de sub-culturas como el hc punk, cosa que no teníamos en R. Dominicana.

Sobre las letras y la política puedo decirte que siempre han sido aspectos prioritarios en lo que hacemos. Al momento de descubrir el hc punk inmediatamente se despierta nuestro interés por la política y comenzamos a relacionar lo que escuchábamos en canciones de La Polla Récords o de Apatía No, con el entorno político que se vivía en Sto. Domingo. La corrupción estatal, la brutalidad policial, el colosal abismo de clases, y el adoctrinamiento cristiano son solo algunos de los males comunes entre los pueblos de Latinoamérica y siempre han sido la gasolina que nos mantiene avanzando. Con la música vino la acción y comenzamos a militar en protestas locales, primero junto a organizaciones estudiantiles de forma esporádica, pero luego de forma organizada bajo el colectivo Juventud Rebelde, una organización autónoma que durante la década del 2000 se dedicó a trabajar la contracultura en Santo Domingo a través de la poesía, el teatro callejero y la música de protesta. En la actualidad, miembros de esta organización se encuentran trabajando en la protección de Loma Miranda, un ecosistema único en el caribe que se encuentra bajo la amenaza de la transnacional minera canadiense Falcondo/ Xstrata Nickel. Para más información visiten http://lomamiranda.wordpress.com.

Sobre “Ha muerto ya” te cuento que la escribí cuando tenía apenas 18 años y es increíble el grado de relevancia que aún tiene en la situación política actual de R. Dominicana que se encuentra bajo un neo-balaguerismo que tiene una década en el poder y no muestra señales de desparecer. Todos los países de Latinoamérica han tenido que lidiar con su propio Balaguer (Perón, Pinochet, Somoza, etc.) y es por eso que tanta gente se identifica con la canción.

> ¿Por qué emigraron a Chicago? Esta es una ciudad con bandas importantísimas,  como Los Crudos, MK-Ultra, Charles Bronson, Pegboy, The Effigies, etc. 

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A mediados del 2006 la escena punk de R. Dominicana se estancó. Muchas bandas rompieron y la gente empezó a perder interés por el punk. A esto se le sumaba una de las peores crisis económicas en la isla. Con el tiempo se volvía más aparente el hecho de que si permanecíamos en R.D. se limitarían aún más las opciones y eventualmente desapareceríamos como banda. Emigrar representaba la única alternativa en ese momento y la tomamos.

Siempre fuimos fanáticos del hc punk de Chicago, desde la isla mantuvimos una estrecha relación con bandas y sellos de esa ciudad. En el 2004 aparecimos en el compilado “Hardcore or Die” editado por el sello de Chicago ‘Southkore records’. No fue hasta el 2006 que visitamos la ciudad cuando formamos parte del  Southkore Fest, un festival de bandas de hc punk de todo EEUU y algunas partes de Latinoamérica. Allí compartimos con bandas de gran calibre como Los Eskeletos, Sin Orden, No Slogan, Tras de Nada y por supuesto Los Crudos. Chicago cuenta con una de las comunidades de inmigrantes latinoamericanos más grandes en los EEUU y la escena hc punk no es ajena a esta realidad.  Todos estos factores contribuyeron bastante  a la hora de asumir el compromiso de dejar nuestras familias y amistades detrás y comenzar de cero en Chicago. 

Aunque fue difícil al principio, sentimos que poco a poco vamos ganando terreno en esta ciudad. Somos miembros activos de la escena y trabajamos para su desarrollo ya sea organizando shows, tocando benéficos y apoyando las actividades contra-culturales.

> ¿Cuál es su visión del punk en EEUU y Sudamérica?

A excepción de un pequeño círculo de artistas comprometidos, los EEUU se encuentra en su punto más bajo tanto en lo musical como en lo cultural. Muchas de las bandas suenan igual, los mismos álbumes re-masterizados, etc.  La moda ahora son los shows de reunión de bandas que tienen 15 y 20 años sin tocar, no lo critico pero indudablemente esto limita las opciones para bandas DIY, pues te vas de gira y te enteras de que hay 2 Dead Kennedys, 2 Black Flags y 3 Misfits de gira tocando las mismas canciones. Estamos en víspera del 2015, el “revival” estadounidense está destinado a morir tarde o temprano y llegará el momento en el que las bandas que están innovando sean escuchadas.

Sobre Sudamérica no puedo comentar mucho pues nunca hemos visitado.  Siempre fuimos fanáticos de bandas como Fun people, Migra Violenta, Marcel Duchamp, Eterna Inocencia, etc. Nos encantaría tener la oportunidad de visitar en un futuro cercano.

Definitivamente una página oscura en la historia de nuestra América latina. 

> ¿Cómo viven el DIY? 

Pues como te comentaba, en la República Dominicana no existen disqueras ni promotores que se dediquen a trabajar con “rock” y mucho menos hc punk, así que en cierto sentido todas las bandas dominicanas son DIY. Sin embargo, el conocer lo que representaba esta ideología en otros países nos sirvió de inspiración para continuar con el proyecto y siempre tratar de llevarlo al próximo nivel. Actualmente estamos promediando más de 100 shows al año por EEUU, todos organizados por nosotros mismos. Además siempre estamos trabajando en shows locales para bandas que andan de gira y así ampliar aún más nuestros contactos. Aunque no tenemos el tiempo ni los recursos para encargarnos 100 % de todo lo que concierne a la banda siempre hay personas que nos apoyan y están dispuestos a colaborar en el arte, las impresiones y la distribución de nuestro material de manera DIY.

> ¿Cuáles son sus expectativas ahora como banda? ¿Se viene un nuevo LP? ¿Giras?

Giras y más giras. Tenemos planes de visitar México a fin de año a través del sello Puerchords, que co-editó nuestro último disco. Y para principios del 2015 tenemos una gira programada por todo los EEUU y Canadá. Todavía no hay nada concreto en términos de un disco nuevo, pero tenemos varios proyectos cocinándose. Además siempre ha sido un sueño o visitar Sudamérica pero hasta ahora no hemos conocido a nadie que nos extienda la invitación. ¿Quién se anima?

> Bueno, chicos, muchas gracias nuevamente por darse el tiempo de responder  nuestras preguntas. Esperamos tenerlos pronto por algún lugar de Sudamérica. ¿Quisieran agregar algunas palabras finales? Siéntanse libres de decir, opinar y criticar lo que sea. 

Gracias a revista Salvaje por la oportunidad de contarles un poco de nuestra historia. ¡Esperamos verlos pronto!  Reciban un fuerte abrazo solidario de la Armada . Hardcore  punk comprometido con la unidad, la lucha y la autodeterminación!

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Minutemen fue el fiel reflejo de que es posible hacer arte de calidad siendo un don nadie. Eran tipos normales que, para cuando debutaron, nadie entendía lo que hacían. Se movieron dentro de la escena punk rock y hardcore de California, siendo muy cercanos a Black Flag, pero sus influencias también bebían del jazz, el funk y del rock popular de Van Halen y Creedence.

Eran de clase obrera y no tenían ninguna intención de volverse ricos con una banda. Pero se las arreglaron para grabar doce discos (entre LP, Singles, E.P., etc) en cinco años. Y sólo en 1984 registraron 75 canciones.

Una de las principales características de Minutemen fue su conciencia política. Sus canciones eran más cerebrales que la mayoría de las letras de las bandas punk o hardcore de la época (bueno, y de ahora tmbién). Esto básicamente se debía a las personalidades de Boon y Watt, vocalista/guitarrista y bajista, respectivamente, que se la pasaban discutiendo sobre la Guerra Civil, el racismo y las dictaduras en Centro Amércia. Eran gente de un intelecto inquieto, crítico y con una gran capacidad de memoria.

Otro ingrediente era que Minutemen adoptaron la brevedad de sus canciones al escuchar el disco Pink Flag de Wire (21 canciones en 35 minutos) y los ritmos de The Pop Group y Gang of Four, joyitas del post

punk. Aunque como dijimos anteriormente el jazz y el funk eran elementos siempre presentes en sus temas.

‘Double Nickles on the Dime’ es un álbum doble de 45 canciones, inspiradas en ideas de izquierda y algunos guiños autobiográficos. Musicalmente debe ser el más variado de su carrera, explotando al máximo lo que ellos llamaban la ‘liberación musical’. D. Boon, en tanto, incapaz de sostener tonos vocales por mucho tiempo perfeccionó un estilo casi hablado, lo que le permitía ser más claro y armonioso al momento de cantar, dándoles un sello inconfundible.

Por otra parte, la variedad rítmica era tal que los punks de la época pensaban que les estaban tomando el pelo, y no lograban entender del todo las canciones creadas por la dupla de Watt y Boon. Pero la verdad es que sólo eran tres tipos que hacían la música que consideraban buena. Y no había más ciencia que esa.

Minutemen, y particularmente este disco, llevaron el punk a un nuevo nivel, alejándose de aspectos más primitivos en cuanto al sonido y la lírica, provocando un acercamiento inevitable al rock alternativo o indie. Algo parecido a lo que pasó con Hüsker Dü.

Probablemente todos hemos tenido la sensación de que damos vuelta en la misma música, hasta que de repente aparece una canción, un disco o un grupo que nos revienta la cabeza. A mi me pasó con Minutemen, aunque me demoré en valorar toda su inmensidad.

Si hace diez años escuchaste ‘Double Nickles on the Dime, y no te gustó, dale una nueva pasada (y lee las letras). Se de varios que se han llevado una buena sorpresa.

LOS DISCOS QUE HAN SALVADO MI VIDA

Por Juanito Trueno

https://www.facebook.com/RockyVinilos

MINUTEMEN Double Nickles on the Dime (1984)

Fragmento: CanCIÓn Corona

La gente va a sobrevivir / en su entorno. La siciedad, la escasez, el vacío / de nuestro Sur.

La injusticia de nuestra codicia / la práctica que heredamos.

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// ¿Podrían hablarnos un poco de la historia de la banda? Sabemos que ha pasado por varias etapas y que han habido algunos cambios de integrantes.

Tal vez esto no sea interesante para algunas personas así que hay una versión larga y una corta para elegir.

Versión larga: Tenemos una historia bastante larga y algo extraña porque técnicamente, no hay ni uno de los miembros originales de la banda en la formación actual. TTNG empezó el año 2003 en la ciudad de Oxford, Inglaterra. Yo (Tim) ingresé un poco después de conocer al bajita original de la banda, Ian, quien me había invitado a un ensayo para que tocara la guitarra, fui al ensayo y las cosas resultaron bien así que terminé uniéndome a la banda; me volví un gran amigo del

cantante, Stu y empezamos a componer canciones de manera más seria, compusimos lo suficiente como para tener un set para tocar en vivo. Durante los primeros años tocamos ocasionalmente en algunos shows en el condado (Oxfordhire) y después no las arreglamos para armar unos fuera de nuestra ciudad; tras unos cuantos tours decidimos realizar una grabación más profesional de nuestro trabajo. Grabamos un 7” titulado “Hippy Jam Fest” y salió editado por Big Scary Monsters Records, un sello de Oxford.

Hicimos otros registros y grabamos algunas canciones para un cd editado por pequeños sellos de Japón y Australia, una suerte de “catálogo de antigüedades” en el 2007, durante este periodo mi hermano cris ya estaba tocando la batería en la banda y se había unido un

Ttng (ex This Town Need Guns) es una banda cuyo sonido se enlaza al ‘math rock’, un estilo ‘matemático’ de tocar música que juega con simetrías y asimetrías. El año pasado estuvieron en Japón tocando con Toe, una

banda del mismo ‘género’. Converamos con Tim, guitarrista, sobre los cambios que ha tenido la banda, su último disco, su manera de componer y lo que planean para el futuro, además de otras cosas.

http://thistownneedsguns.bandcamp.com/ · Entrevista por Salvaje · Fotografías por TTNG

ENTREVISTA Inglaterra

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11nuevo bajista, Dan; decidimos trabajar todos juntos para componer un disco de larga duración, durante los años anteriores habíamos estado escuchando un montón de bandas de la escena de Chicago, principalmente los proyectos relacionados con Mike Kinella como ‘Owls’, ‘Make Believe’ o ‘Joan of Arc’, las que se convirtieron en una gran influencia. El sonido de la banda cambió en comparación a las guitarras pesadas de cuando empezamos.

La música se volvió más técnica a medida que escuchábamos y nos influenciaban bandas más técnicas, mejoramos la interpretación de nuestros instrumentos, explorando más con los ritmos, cambiando los énfasis en los tiempos y experimentando con las afinaciones de las guitarras

Tras la salida del álbum “Animals” en el 2008 (BSM RECORDS) se nos acercó Cathy Pellow de Sargent House (EEUU) quien nos comunicó su intención de editar el disco en Norteamérica; éramos fans de muchas bandas de su sello y nos gustaba la forma en la que Cathy trabajaba así que no fue una decisión muy difícil el decirle que si. Como consecuencia de esto, se nos hizo más fácil conseguir fechas para tocar lo que nos ayudó a conseguir una gran parte de nuestros seguidores después de que el disco salió, nuestro bajista Dan se convirtió en padre y dejó la banda para concentrarse en formar una familia. Nuestro buen amigo Jamie intervino y se hizo cargo del bajo desde el 2009 al 2011 y estuvimos bastante ocupados tocando en Australia, Japón, los EE.UU., Europa y el Reino Unido, después de este periodo Stu también se concentró en armar una familia y nos acercamos a Henry (tocamos muchas veces con su antigua banda Pennines) para preguntarle si quería cantar en la banda, una vez que aceptó empezamos a componer el siguiente álbum ’13.0.0.0.0’. Habíamos escrito algunas ideas y algunas canciones en bruto sin voces, así que fue un proceso difícil para Henry entrar en un punto intermedio entre escribir las voces y algunas partes de guitarra. Pero se las arregló para llevarlo a cabo y después de tres semanas en el estudio con Ed Rose de productor, tuvimos nuestro próximo álbum. Salió en 2013 por Sargent House y hemos seguido con giras por todo el mundo desde entonces.

Version corta: Unas cuantas personas se conocieron, hicieron música juntas, lanzaron algunos discos y están tocando música alrededor del mundo.

// La música que ustedes hacen parece ser muy ‘técnica’, muy metódica o estudiada ¿cómo es el proceso de creación de un nuevo tema?

En el pasado solíamos empezar con un par de riffs de guitarra, intentábamos improvisar entre todos y salir

con un tema desde la sala de ensayo; actualmente, como vivimos separados, yo grabo y le mando los riffs a Chris y a Henry para trabajar en el proyecto de manera separada.

// Cómo ha sido componer un álbum como ‘13.0.0.0.0’, que parece tener más de ‘math rock’ que los discos anteriores, en los cuales, por ejemplo, tenían baterías más jazzistas. ¿Han experimentado con más instrumentos en los últimos discos?

Sin duda fue una experiencia diferente a cualquiera de los otros discos que habíamos hecho. Tuvimos mucho tiempo en el estudio, lo que nos dio la libertad de experimentar con cualquier instrumentos que hubiese, nos divertimos tocando viejos pianos desafinados y vasos con agua, así como jugar con un montón de efectos para crear algunos sonidos muy interesantes. Fue un disco muy divertido de hacer.

// ¿Cuánto de lo que ustedes hacen o han hecho como banda, está dentro del DIY? ¿Mantienen alguna practica DIY ahora que son parte de un sello o hacen ellos todo el trabajo?

Pienso que aún somos DIY ya que estamos en contacto directo con la gente la mayoría del tiempo, nosotros organizamos nuestros propios shows y a veces incluso giras completas, para lugares más lejanos, por ejemplo los Estados Unidos, es más aconsejable que el sello o un agente se preocupe de la logística. Estamos también tremendamente agradecidos que el sello nos brinde ayuda en asuntos tales como la prensa para promocionar un nuevo lanzamiento, que es algo que no podríamos hacer nosotros sin su ayuda.

// Han viajado por muchas partes del mundo ¿Algún lugar que les haya gustado particularmente? ¿Podrían contarnos la que consideren la mejor anécdota de alguna de sus giras?

Creo que tiene que ser Japón, tocamos por allá hace poco y fue increíble. La gente es extremadamente respetuosa y están centrados en escuchar la música, los shows tuvieron una vibra diferente en comparación con otros lugares pero esto es súper positivo, el país en sí es hermoso - ¡pasar por el monte Fuji fue increíble!. Creo que uno de mis mejores recuerdos es el haber tocado en el Arabaki Rock Festival el 2010. Por alguna razón no pudimos entregar nuestro “merch” para que se vendiera en el local, así que nuestro bajista Jamie, las lanzo como una “bola de fuego” al público imitando un movimiento de “Street fighter 2” mientras gritaba “sho-ryu-ken”, la gente que recibió poleras gratis, lo amaron.

Eso o haber conocido al rey Joffrey de Games of Thrones en Nueva York.

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// El año pasado estuvieron tocando con Toe y este año se fuero de gira a Japón, donde es segunda vez que tocan ¿existe alguna conexión especial ahí?

Siento que se está gestando una conexión especial, sin lugar a dudas, estamos en un sello fantástico de allá llamado Stiffslack de Nagoya. Tak, el dueño, es una de las mejores personas que hemos conocido. Como Cathy de Sargent House, ha invertido el 100% en dar a conocer la música para que sea escuchada por nuevas personas, tiene un pasión contagiosa por lo que hace y pienso que tenemos una relación genial. Es un país hermoso con una buena comida, gente cariñosa y alguna de las mejores bandas de la actualidad y amamos ir para allá. Producto de su cultura los músicos que conocimos de Japón son increíblemente disciplinados y centrados tan putamente en su arte, son sin lugar a dudas algunos de los mejores que hemos conocido en nuestros viajes.

// Siempre hemos querido saber… ¿Por qué los nombres del álbum ‘Animals’? ¿Cuál fue la idea central en ese disco?

No hay ni una conexión entre la lírica de la canción y su título. Eran simplemente títulos provisorios mientras escribíamos las canciones para tener referencias mejores que “canción nueva 1”. Es algo tonto pero quedaron con

ese nombre al final.

// Realizaron un Split con ‘Cats and cats and cats’ al comienzo de su carrera. ¿Han colaborado con otros proyectos/discos o han tenido invitados en los suyos?

La verdad es que como TTNG fue el único split que hemos hecho, hemos hecho otros con proyecto ajenos a esta banda, pero aun son proyectos muy nuevos en este momento.

// ¿Qué se viene para TTNG? ¿Están planeando otro disco o gira pronto?

Actualmente estamos trabajando en algunos demos del año pasado – que puede que se conviertan en un disco o simplemente en un EP. Es difícil decir bien en este momento pero si todo se da vamos a lanzar algo para el otro año.

// ¿Algo más que quieran decir o contarnos? Acá pueden decir lo que gusten.

Gracias por invitarnos a responder esta entrevista y un agradecimiento aun mayor por habernos hecho las preguntas en inglés – debe haber llevado trabajo . Que tengan un buen día.

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saga de acción deprimente · parte 1

Robusta y con tenida deportiva, llevaba un peinado de futbolista noventero. Una especie de chasquilla de cuello o choco-panda que terminaba de consagrar un look canero sport.

La guatona Sonia, como le llamaban los otros detenidos, parecía asidua visitante de la comisaria. Y ese día, quizás por el licor, no tenía gana alguna de ingresar a la celda.

Estábamos en la 1ra comisaria de Santiago, luego de ser aprendidos panfleteando dentro de un patio de comidas en un mall cercano. Era el día internacional Anti-Mcdonalds y como siempre nos fuimos a cambiar el mundo o joderle el día a alguien. Subimos por las escaleras mecánicas gritando quien sabe que, enardecidos por una numerosa convocatoria. Para luego bajar punta y codo por las escaleras de emergencia los 8 o 10 desafortunados que pasamos a ser los detenidos.

Para quienes no conocen las virtudes del calabozo de esta comisaria les comento que es un gran espacio dividido en 2 (masculino - femenino) y una pequeña celda para acomodar a los mas particulares. Léase menores o cabros pintamonos que no comen carne.

La Sonia, por su parte, no quería entrar a ninguna así que se puso a insultar y sacudirse de sus captores quienes insistían hacerla ingresar mientras los otros detenidos la vitoreaban y comentaban que sus proesas eran recurrentes en ese lugar.

Estábamos cagados de la risa y hasta ese momento aliviados ya que nos habían comunicado que luego de constatar nuestros domicilios nos soltarían. Un trámite, por

mientras podíamos ver como la Sonia golpeaba con sus manos esposadas a carabineros y carabineras, oficiales y cabos, grandes, chicos, guatones. Todos claudicaban.

Mientras esto pasaba nosotros mirábamos desde la celda mas pequeña. Habían algunos que especulaban con los mas terribles escenarios insistiendo con que no nos iban a soltar. Otros, los más optimistas o experimentados en situaciones de desorden público, que ya salíamos. Otros, que la Sonia la llevaba. A esa altura eso era lo único claro ya que apesar de que de alguna forma ya la habían ingresado a la celda la Sonia agarró un basurero y se lo tiró a los pacos por la cabeza. Ahí se enojaron los del orden y la patria, entraron y la esposaron con los brazos por detrás.

El tiempo pasaba y nos dijeron que tras el cambio de guardia a la media noche nos liberaban y sería todo. Volveríamos a tener nuestro cordones y cinturones y llegaríamos a nuestras casas, a nuestras camas mientras la Sonia dormía de rodillas con la cara en el suelo y el trasero a la vista.

Nada de eso ocurrió, a las 7 de la mañana nos comunicaron que salíamos hacia la penitenciaria. Nos esposaron de manos, salimos y afuera nos esperaban para trasladarnos en ”El carnicero”. Mi madre lloraba mientras me puse a pensar en todas esas bandas superanarco que escupían puteadas los fines de semana en algún show. Seguramente ellos habían dormido en sus casas y a esa hora salían a trabajar.

Como me hubiera gustado ir a trabajar ese día.

Continuará...

/ El Loco

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La entrevista la responden: Andrés (voz), Emi (batería), Niki (guitarras) y Walter (bajo).

1.- Comencemos esta entrevista hablando de los inicios de Hogvera, cuando nació y quienes integran la banda.

W / Para mi arranca en febrero del 2012 cuando viene Marcel Duchamp a tocar a BsAs, especialmente el día en que tocaron en la sala, ese día fue bastante explosivo para todxs los que estábamos presente y lo que generaron despertó al menos en mi hacer una banda que generara algo parecido, en cuanto a eso de hacer reaccionar a la gente, despertarla de su estado zombi cotidiano. En otra época con Andrés compartíamos una banda que iba por ese lado, entonces con la venida de Jaime a estudiar acá a BsAs todo se empezó a dar, yo tengo una sala de ensayo en casa, Jaime trajo a Pipa y la verdad fluyó bastante

rápido todo, en un par de meses ya teníamos compuesto el primer disco.

A / Actualmente la banda está formada por Niki, Emi, Walter y Andrés. Jaime se suma cuando viene a BsAs o cuando vayamos nosotros a Chile.

2.- ¿Por qué tocar punk?

A / No sé si pensamos en qué tipo de música íbamos a hacer. Simplemente nos juntamos e hicimos algo colectivamente, y bueno el punk es (entre otras miles de cosas) un poco eso, una actividad colectiva abierta a la deriva creativa y por ende plena de posibilidades en lo musical, literario y escénico. Diría que si tomamos esa característica que tiene que ver con la soltura a la hora de ensamblar la música y escribir las letras, lo que hacemos si está relacionado con el punk.

Hogvera es una banda de Argentina formada el 2012, donde convergen integrantes que han participado en Biófilo Panclasta, Marcel Duchamp, Escupen Serpientes y Clima Bajo Tierra. Tienen ya dos discos los

cuales pueden ser descargados desde su bandcamp. Estuvimos hablando con ellos y conversamos sobre sus proyectos, su música, el último disco y su pronta venida a Chile.

http://hoguera.bandcamp.com/ · Entrevista por Ex Pectador · Fotografías por Hogvera

ENTREVISTA Argentina

hogvera

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15W / Coincido en lo que dice Andrés y los que integrábamos la banda cuando arrancamos medio que nos llevó a hacer ese estilo musical.

3.- Cuéntennos un poco de los integrantes de Hogvera, sus otras bandas, proyectos paralelos, movidas.

W / Andrés y Emi eran parte de Biófilo Panclasta. Con ellos por un tiempo coincidimos en Clima Bajo Tierra, con Niki actualmente compartimos Escupen Serpientes; Jaime también sigue siendo integrante, pero volvió a vivir en Chile, seguramente tocaremos con él cuando vayamos para allá, y cuando vuelva a BsAs de vez en cuando. Participo también en otros proyectos musicales pero lo que más me gustaría destacar es que con un amigo tenemos un sello llamado Priusdiscos, que venimos editando discos de manera independiente desde el 2008, con bandas como Países Bajos/ Nebularia, Travesti, Las Cosas y próximamente Uno x Uno, Cuzcos, el 2do de Escupen serpientes, todo esto se puede escuchar o descargar desde nuestro bandcamp https://priusdiscos.bandcamp.com/

A / Yo participo en la librería “La Caldera”, en la editorial “Yegua” y en una imprenta autogestionaria, todos proyectos que se desarrollan dentro del CSO La Sala en la capital federal. También participo en gran parte de las actividades del mismo CSO. Hasta no hace mucho formaba parte junto con un bello grupo de humanoides (?) de la organización de los recitales y jornadas en KSA (en el barrio de Villa Santa Rita) donde tocaron bandas como Beatrice Kaleth, ZAT, Países Bajos, Disputa, Marcel Duchamp, Mapas, Punkora, Cuco, Árboles en Llamas, Escupen Serpientes, Travesti, Cuzcos, Tildaflippers, Odioso Dios, Nebularia, Honduras, Ártico, Stilte, Calma, Nacen Muertes, Epifanía, Altar, Desidia, Progrecidio y un montón de bandas increíbles.

4.- En su único disco hasta ahora se incluye una canción de Supersordo.  ¿Por qué un cover a esa banda? 

A / Para la primera vez que tocamos decidimos hacer un par de covers, hacíamos ese y uno de No Demuestra Interés el que ya abandonamos. Jaime nos mostró el tema, aunque los integrantes de Marcel siempre me dijeron que escuche Supersordo, nunca le había prestado particular atención. Fue después del cover que empecé a escucharlos y apreciar a esa buena banda.

5.- Cuéntennos del nuevo disco que se viene.

A / Lo grabamos el año pasado ya con Emi en la batería. Son 6 temas, creo yo que un poco más oscuros en lo musical y lírico. Fue registrado en la casa de Walter del mismo modo que el anterior. El disco lo acabamos de subir hace poco internet se llama “Celebramos la corrosión”.

W / Nos hubiese gustado que fueran más temas pero entre la transición del cambio de baterista, una lesión de Emi cuando apenas arrancamos y los viajes de Jaime a Chile, tuvimos mucho

menos tiempo para dedicarnos, lo fundamental para mí y que marca un rumbo tanto en el primer disco como en el segundo, es que lo hicimos nosotros mismos, desde los ensayos en casa, hasta la grabación del disco, posterior mezcla y edición, con los años corridos ya contamos con las herramientas y saberes para hacerlo nosotros mismos y lo estamos aplicando con la banda. De la misma manera que los recitales, por lo general los organizamos nosotros mismos, invitando a bandas amigas, lo cual nos lleva mucho esfuerzo pero es lo que nos gusta y no vemos mejor manera de hacerlo.

E / Tengo muy mala memoria generalmente y había olvidado mi lesión inclusive... pero si, una caída en longboard que me provocó un edema en la muñeca que me había quebrado el año anterior con la misma tabla pero en fin... más que sobre el disco nuevo yo podría agregar cosas más relacionadas a como fue mi ingreso a la banda... nuestros encuentros devenidos en amistad no son recientes, tenemos años viéndonos las caras...compartimos bandas, comidas, viajes, discos, libros.

Mi última participación en una banda fue en Clima Bajo Tierra, banda que al principio nos hizo coincidir a Andrés, Walter y a mí. En un momento dejé la banda porque se había transformado en algo que ya no disfrutaba, me angustiaban los ensayos y comida de por medio les dije a mis compañeros que me bajaba del proyecto, de modo sincero, lo que me permitió continuar sin tropiezos mi amistad con cada uno de ellos.

A Hogvera los vi por primera vez en una sala de ensayo donde se hacían recitales (el lugar se llamaba ‘Rechazando coimas’), invitado por Andrés... no veía bandas en vivo hacía mucho tiempo y me parecieron geniales... se los dije en aquel momento, tiempo más tarde Andrés me preguntó cómo me veía tocando con ellos puesto que Pipa, con quien lamentablemente nunca crucé palabras, se volvía a Chile y querían seguir tocando. “Probemos” dije... sabía de antemano que Pipa es terriblemente técnico tocando y que yo no, pero a fuerza de mucho ensayo fuimos puliendo los temas que ya tenían editados y haciendo los que hoy salen en la segunda entrega de la banda.

6.- Pronto van a hacer una gira por Chile, la primera gira de la banda fuera del país, cuéntennos un poco de eso.

A / Algunos hemos hecho varias amistades por allí en los últimos doce años y queremos visitarles, queremos tocar con las bandas amigas, recorrer un poco, ver con nuestros propios ojos que está sucediendo y ver qué podemos hacer suceder en un contexto diferente.

W / Lo mismo que dice Andrés, además yo no conozco mucho, solo estuve en ‘El Chaltén’ hace unos años y voy con expectativas de conocer gente y ver amigos de allá que fuimos haciendo con los años, tocar juntos, compartir experiencias con gente que está haciendo lo mismo que nosotros de alguna manera pero en Chile.

E / La idea de ir a tocar a Chile salió, como miles de otras

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cosas, de algo que antes de concretarse pasa por cierto grado de fantasía del: “estaría bueno”. Jaime ya se había vuelto a Chile y Niki empezó a tocar la guitarra. Los ensayos eran buenos, hicimos una fecha en Córdoba y nos gustó la idea de tocar fuera de BsAs. Ir a tocar a Chile implica varias cosas pero fundamentalmente es la excusa perfecta para viajar con amigos haciendo lo que nos gusta, muy probablemente nos pasemos nuestra estadía allí dando abrazos.

7.- El punk posee nuevos clientes constantemente, como todo engranaje capitalista del cual no podemos zafar, ¿Cuál es su táctica que aborrece ese simbolismo dentro del mismo punk? 

W / Medio que la respuesta es lo que te hablábamos anteriormente, hacer todo nosotros mismos sin levantar ninguna bandera, porque hoy por hoy todas las banderas al menos a mí me generan desconfianza.

A / Ser crítico con las contradicciones y ser pragmático a la hora de realizar proyectos. La misma táctica que con todas las otras esferas de la vida; es absurdo ver al punk como un ghetto donde todo es posible mientras la vida cotidiana es una miseria material y sensorial.

N / Los grupos de afinidad.

8.- ¿Cuál es tu rincón favorito de la ciudad dónde vives?

A / La ciudad es una mierda hermano. He aprendido a no auto flagelarme y disfrutar las cosas interesantes que suceden y uno puede hacer suceder en diferentes espacios. Pero no ignoro que esos puntos de fuga que se aparecen o nos inventamos siguen estando relacionados y delimitados por los lugares de trabajo, el control de las cámaras de seguridad, el tránsito saturado de cosas inanimadas, cosas humanas y el consumo obligatorio. Hay lugares más soportables que otros claro, pero vienen dentro de esta gran mierda que es la ciudad bajo el dominio de las mercancías. En definitiva diría que el lugar favorito de cualquier ciudad es aquel que vuela por los aires… y Genaro, la pizzería.

N / El baño de la Cate.

E / La ciudad de BsAs es gigante, ofrece miles de posibilidades. No tengo un rincón favorito en ella. Pero puedo decirte que he encontrado una buena cantidad de reductos.

9.- Recital que te haya marcado y por qué.

A / Catharsis en el 2001 en el teatro del plata. Los crudos en el ‘97 en Berazategui. Abuso sonoro en el ‘97 en Villa de mayo y todas las bandas DIY que he visto recorrer grandes distancias con convicción en la autogestión y con verdadera pasión por lo que hacen.

W / Por lo que significó para formar Hogvera el de Marcel

Duchamp en La Sala, febrero del 2012. Y en lo personal uno que hicimos con Climabajotierra en la FLA el 2007 junto a Ordinaria Hit, después por suerte hubo un montón buenísimos, pero este último lo tomo como un punto de partida.

E / ¡Marcel Duchamp en La Sala fue genial!, Shellac... no se... el año pasado vi a Television y me partieron la cabeza!!

n) Bob Dylan en el Teatro Gran Rex, Buenos Aires. Rakta en Palermo. Desidia en la KSA. Indio Solari en San Martin, Mendoza. Confronto en San Martin, Mendoza.

10. ¿Qué canción suena de fondo?:

A / Manteca de Dizzy Gullespie

E / The queen is dead

N / Nick Cave & The Bad Seeds - “Jubilee Street”

11.- estas últimas líneas son tuyas. 

E / Gracias

A / Totales

W / Cha na na na

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http://todoestemporal.bandcamp.com/ · Entrevista por Salvaje · Fotografías por Gary Go

ENTREVISTA Chile

Temporal es una banda compuesta por ex integrantes de La Miseria de Tu Rostro, Entrefuego, Distancia, Mofa e integrantes de Invierno y Asamblea Internacional del Fuego. Suena como en los 90tas, pero incorpora

nuevas sonoridades que le dan una frescura a lo que hacen. Conversamos con su vocalista sobre cómo es el proceso creativo con gente que ya tiene camino en la música, sobre lo que significa Punk para ellos, el seguir haciendo las cosas por uno mismo, de cómo lo político no solo pasa por letras que sean concretas y de cómo

la música sirve para revivir viejas experiencias y sanarlas…

TEMPORAL

1 >¿Cómo se conforma Temporal, por qué deciden comenzar a tocar?

Creo que todo surge por la necesidad de hacer música. Más allá de que sea o no punk, siempre ha existido la necesidad de hacer música, constantemente. Antes tenía un proyecto más crust punk, pero siempre escuché rock y música alternativa, y después de algunos intentos fallidos con Fernando teníamos ganas de tocar juntos y hacer canciones.

La relación de composición fue espontánea y natural. Salieron ideas que nos gustaron, cachamos que podíamos hacer una banda y comenzamos a buscar gente. Empezamos a conversar con Lucas en un recital de Alkaline Trío y Pennywise. Le hablamos del proyecto y lo invitamos a ensayar.

Luego Pablo, de Amendment Records nos recomendó un batero, lo probamos y hubo buena onda entre todos altiro. Nos acoplamos y comenzamos una búsqueda para hacer canciones. Así se formó.

2 >Cuando hay gente que ha tocado en bandas con ciertas repercusión como Asamblea Internacional del Fuego, Mofa, Entrefuegos o La Miseria de tu Rostro hay mañas, uno está más viejo y la forma de componer es distinta ¿o no?

Es súper complejo. Por lo general cuando haces canciones piensas en un riff e inconscientemente te niegas un poco a cambiarlos, pero en el ensayo las cosas pueden cambiar y pueden quedar mejor. Entonces cuesta transar. Es un arma de doble filo. Por un lado la ansiedad de llevar lo premeditado

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al ensayo y por el otro la experiencia de tus compañeros de banda para tomar lo que tu hiciste y mejorarlo. Darle una vuelta a las cosas para que queden mejor. Pero finamente es muy provechoso tocar con gente que tiene experiencia.

Lo que pasa es que es súper difícil desligarse de la estructura del hardcore y estamos en eso, dando rienda suelta a la creatividad. Ensayo y error.

3 >Temporal está reviviendo un sonido muy noventero ¿por qué deciden revivirlo?

Yo siento que es coincidencia. Por ejemplo a Fernando, desde que lo conozco, escucha discos de Jade Tree Records o bandas como Texas is the Reason, Sense Field, bandas más ligadas al sonido indie rock, pero con una actitud punk. Entonces después de tocar crust punk o cosas súper politizadas, me fui suavizando con la música. Con Fernando compartimos esos gustos, pero no hicimos Temporal con intención de revivir nada, fue lo que salió. Esas influencias se acoplaron en un resultado determinado. No fue forzado, lo forzado por lo general es poco sincero y la falta de sinceridad es decepcionante.

El objetivo de todo proyecto es tratar de generar una identidad. La música en Chile, en general, es súper depresiva y eso tiene relación con lo que pasó en Chile. Yo tenía cinco años y aquí seguía desapareciendo gente. Y el arte es el reflejo de todo eso; música de descontento incluso sin hablar de política, melodía nostálgica, melancólica, que reflejan un estado anímico intrínseco y archivado. Es un pueblo amargo por todo lo que ha pasado.

4 >Hay ciertos tópicos que se repiten en las letras de Temporal: la pérdida, volver a comenzar, desencuentro, todas tienen ese dejo de tristeza, ¿te parece que es así?

Sí, pero en ese plano el tema de la vocalización fue accidental. Pasaron algunos vocalistas, pero no resultaron

por diversas razones. Necesitabamos un vocalista y asumí ese rol, más que nada porque siempre me había gustado cantar y no lo había hecho nunca.

Para ser honesto las letras se armaron de historia ficticias y personales, pero si concuerdo que tiene ese dejo inconciente de lo que hablamos, pero no es premeditado. También tiene que ver donde te desenvuelves. En un ambiente punk, independiente de que hables de un buen vivir, se hace desde la vereda de la adversidad. Estás tan acostumbrado y está tan normalizada la adversidad en tu vida, que sin querer lo plasmas en diferentes aspectos de tu vida.

Yo venía de un discurso super radical, en la que compartía gran parte del contenido, pero hay otra parte, esas sensaciones de carga negativa super fuerte, que siento que es casi una glorificación de la adversidad y te impiden ver otras cosas positivas de la vida; tener hijos, realizarte, acordarte de una chiquilla que te gusta, de un abrazo de tu mamá, etc, y que el punk y la Idea los anulan. Al menos yo lo sentí así.

Las letras de Temporal no tienen esa carga. Son más personales. Hay una carga de adversidad ligada más que nada al entorno, y resultó así, fue espontáneo y todos lo aceptamos.

No se si en el futuro vaya a ser igual. Yo no siento la necesidad de que las historias sean ficticias, tengo la necesidad de decir otras cosas y creo que tiene que ver con la autosuperación, una búsqueda constante de contenidos, de ir avanzando. De decir otras cosas. Me sentiría conforme si las letras tuvieran un poco más de esa traducción de lo cotidiano, que es lo que a mí me para los pelos en una canción, lo que me conmueve.

Ha sido muy difícil. Súper difícil. Es algo que nunca había hecho. Nunca había escrito, jamás. Tengo un vocabulario limitado y una base ideológica dada por el punk y los fanzines, pero no la base sólida que yo veo en mis pares

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19y que me gustaría poder plasmar en las letras, pero desde lo personal. Ya no tengo la necesidad de abanderarme, lo encuentro una weá. Y creo que es una visión general de la banda. Tiene que ver con lo que cada uno interpreta como felicidad.

5 >¿Cómo definirías Temporal?

Me gusta que el nombre tenga doble sentido. Algunos lo ven como un tema de clima y nosotros como un tema de tiempo. Y siempre lo vimos así, pero nos gusta que se de la doble lectura.

No hemos intentado encasillarnos dentro de un circuito. Y no se si queremos que nos identifiquen con el mensaje. Se ha dado tocar en un contexto punk, pero no es lo que buscamos.

6 >¿Qué trata de comunicar Temporal?

Pienso que más que un mensaje específico, es ser honestos con nosotros a la hora de exponer una expresión artística. Si le llega a 10, 30 15 ó 1 persona, eso viene después. No es el eje principal por el que hacemos música. Y esa es la gran diferencia con las bandas de rock que están más en el mercado. Temporal es algo ligado a la sinceridad musical de los cuatro y que converge en un resultado final del cual nos sintamos conformes. Y eso lo vincula al punk, es una especie de respuesta a las mediciones del mercado de cuántos discos vas a vender, etc, es una respuesta a la industria de la música.

7 >¿Cómo se genera la idea de sacar el vinilo con Amendment Records?

Fue interés de Pablo. Sabíamos que por el sonido le podía interesar y para nosotros fue una tremenda oportunidad porque crecimos en una movida donde sacar un cd era casi impensado, era mucha plata, no existía esa posibilidad.

Era todo muy precario. Hubo un salto generacional y de infraestructura muy grande desde los 90’s hasta ahora.

Fue un proceso super largo. Se grabó el año pasado (2013). Yo nunca había cantado ni hecho letras. Fue casi traumático, lento y con mucha presión. No teníamos una percepción clara de cómo iba a salir. No fue aquí te las traigo Peter, ha habido mucho de aprendizaje. Tocar, armonizar. , etc.

Me di cuenta que quería tocar y tratar de hacer lo mejor posible. Sentirme cómodo y ver los frutos, que es una forma también de romper esa glorificación a la miseria, a estar pasándolo mal. Los años pasan, la energía se acaba y el cuerpo no aguanta. Yo quiero hacer esto por el mayor tiempo posible, hasta que me de artritis.

8 >¿Qué se viene?

Son varias cosas, pero principalmente hacer canciones nuevas y sacar el disco, moverlo, ponerlo en todos los sitios de música posible, que no esté casado con nadie, porque eso coarta tus libertades.

Vamos a tratar de difundir lo más posible. Ponerlo en blogs, moverlo de manera independiente, hacer una tocata de lanzamiento. Hay planes de split con bandas de Sudamérica, con canciones exclusivas, lo que nos gusta, porque da posibilidad de revivir la dinámica del punk de poder viajar, que es otras de las satisfacciones de hacer música. Mostrar lo que haces en otros lados. Y tocar lo más posible.

9 >¿Para terminar, tienes algo que agregar o decir?

Muchas gracias por hacer la primera entrevista de la banda. Es difícil generar ese grado de interés, que es lo que nos interesa. Y que sean todos felices. En este país han pasado cosas tan charchas que es necesario que la Idea y la felicidad vayan de la mano, de otra manera no habrá revolución. No habrá nada.

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Alta FidelidadUnos cuantos apuntes sobre cine

por Felipe Arriagada

El cine misógino de los 80’s ( última parte )‘Una nación debajo de Dios’, frase repetida hasta el cansancio por quienes tienen el poder en el país del norte de América, país que ha logrado ser un ejemplo, muchas veces negativo, para el resto de los países del mundo. Post revolución industrial y con la creación del cine replicar el modelo ha sido mucho más fácil, así como también el crear un enemigo común según la época.

El cine de guerra post Vietnam dio héroes cinematográficos y colocó a la izquierda mundial como el gran enemigo que tenía que perecer para no perder el “Estilo de vida Americano”.

El cine salvaje o la sociedad actual a través de la pantalla

{ Parte III }

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21Grease: nuestros años rebeldes

Grease (Brillantina:1978) es para mí uno de los filmes musicales más importantes en la historia del cine, no tanto por su calidad si no por como se ha mantenido en la memoria colectiva. No es raro ver en que durante el aniversario de alguna institución educacional alumnos o profesores hagan su homenaje a esta obra, ya sea cantando sus canciones o imitando a sus personajes, pensándolo así a uno le resulta difícil hacer una crítica negativa sobre esta película pero hay que hacerla porque somos punks y no podemos encontrar que algo sea tan lindo. La película, protagonizada por John Travolta y Olivia Newton-John, cuenta la historia de dos adolescentes que se conocen durante unas vacaciones de verano, se enamoran y creen que no se verán nunca más pero el personaje de “Sandy” (Olivia), llega de intercambio a la escuela donde “Danny” (Travolta) estudia, el problema se produce cuando la “rebeldía” de los estudiantes de esta escuela choca directamente con los valores morales de la nueva estudiante.

La película en sí es un reflejo de la sociedad americana de los 50’s, con una banda sonora atractiva en cierto punto (una buena mezcla de rock and roll con baladas pop como las que acompañarían la carrera de la protagonista de la película), por ende es difícil pedirle que cuestione ciertas situaciones que en la época y que incluso hoy en día son catalogadas como normal, por ejemplo el hecho de que los hombres estén continuamente demostrando un poderío sobre la mujer, que la rebeldía no sea más que un acto de rabia adolescente, donde todos tienen claro que en algún momento se volverán funcionales al sistema capitalista y están bien con eso, mensaje que la película entrega constantemente, todos están pensando en que harán en su futuro, es ultimo año de escuela y después de eso no se ve bien ser rebelde.

Las mujeres en esta película son un tema aparte, desde mi punto de vista es una propaganda extensa sobre el rol social de la mujer, la más liberal es tratada de puta y la más “tradicional” es condenada por no ser lo suficientemente “rebelde” para satisfacer los deseos del protagonista, esto se puede ver claramente en la escena final, donde “Sandy” deja de lado toda su autonomía para pasar a ser lo que “Dany” quiere, una mujer trofeo, que puede ser observada como objeto tanto para él como para el resto, si bien en una primera lectura uno podría deducir que el personaje de Newton-John logró emanciparse, en una lectura más fina y a la vez personal (como lo ha sido en los números anteriores de esta revista) lo que hace la protagonista es entrar en un patrón aceptado por la sociedad americana. La rebeldía de los 50’s pasó por la mediación intelectual de los realizadores de la era Carter para conformar un imaginario “anti-sistémico” que no se alejara de el gran sueño americano.

Sixteen candles (Dieciséis velas:1984)

La época Reagan es a todas luces una época nefasta, esto lo tenemos más o menos claro los que somos cercanos a ciertas

tendencias dentro del hardcore punk; el nivel de vida del “sueño americano” y la administración Reagan generaron un importante movimiento de contracultura en las diferentes ciudades de Estados Unidos. Es durante estos años que nacen bandas como Black flag, Minor threat, MDC, Circle Jerks y el resto de bandas, me atrevo a sospechar, que más de una vez han sonado en nuestros reproductores musicales.

Una época donde los medios tradicionales de información y entretención fueron altamente censurados, se dice incluso que el tema “Mother” de Danzig iba dedicado a la esposa de Ronald Reagan, quien continuamente llamaba a “las mujeres de América” a alejar a sus hijos de la mala influencia que era el punk y el metal de esos años.

Es en este contexto que aparece ‘Sixteen candles’, primera película dirigida por el hasta entonces guionista John Hughes.

Samantha (Molly Ringwald), esta de cumpleaños, pero nadie se acuerda por el casamiento de su hermana, en el bus escolar es acosada por Geek (Anthony Hall), un denominado nerd que intenta conquistarla insistentemente. Una vez en la escuela su “amor secreto”, Mike (Justin Henry) descubre un papel donde ella confiesa que es virgen y que le gustaría perder la virginidad con él; en las configuraciones y estereotipos clásicos del cine americano se podría decir que Mike es el popular y Samantha es una chica más del montón, pero esta declaración la transforma en su objeto del deseo y durante el resto de la película intentará conquistarla con la ayuda de Geek, quien ha logrado establecer una cierta amistad después de que ella le regalara su ropa interior para que él se hiciera el importante con sus amigos )solo para que dejara de acosarla).

Durante el resto de la película se podrán ver diferentes escenas donde la figura de la mujer tanto de la protagonista como del resto de las participantes es reducida a un mero objeto al igual que en la película anterior. En la escena donde esto es más evidente es cuando el popular Mike le ofrece a Geek su auto y le dice que lleve a su Novia (completamente alcoholizada)de vuelta a su casa, que puede hacer con ella literalmente lo que quiera total ella no se dará cuenta, con tal de que él pueda estar más tiempo con Samantha, al finalizar la escena la Novia de Mike le comunica a Geek que fue la mejor noche de su vida, sin ni siquiera juzgar el hecho de que fue prácticamente una violación, pero claro está, el hombre puede hacerlo porque eso es lo que los machos hacen.

La música que acompaña el filme es un gran catálogo de la música de la época, destaca a mi gusto la participación de Wham!, Billy Idol, Bowie, Madness e increíblemente también hay un tema de Patty Smith.

Con esto se termina un breve pincelazo sobre una época, pero para ver más ejemplos los invito a revisar las películas románticas, comedias y sobre todo las películas de terror producidas en la época, para de esta forma entender el cine ‘mainstream’ desde una mirada crítica, una mirada salvaje.

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1 | Desde que tú partes tocando con “La Ira De Bonanno” a lo que se construye después como Ilustrador, ¿Cómo fue el proceso? ¿Cómo te influencia la ética del punk en tu trabajo?

La época de “La Ira De Bonanno” fue súper de adolescencia en la cual también estaba involucrado el diseño, en ese entonces los trabajos que hacia como dibujador, ilustrador o artista, estaban referidos a la temática del Punk, a los clichés del anarco punk, en donde estaba por sobre todo la autogestión. uego hay un proceso en el que Javi (el batero de la banda) se va de viaje y se termina la banda, el tomó un camino y yo tomé otro; me meto de lleno al diseño, me aleje de todo lo que era la movida del Punk, del HTM y me dediqué a ser un trabajólico del diseño, mi pasión ya no era la música sino el mismo diseño, fue un momento crítico en mi juventud, vendí mi guitarra eléctrica que fue un cambio muy fuerte, fue decir ‘ya no voy a tocar más’, ya no voy a escuchar más música, y además estaba en una relación sentimental con una chica que no entendía ese mundo mío y tampoco se lo mostré.

Luego de eso me fui liberando un poco y paso a paso voy creando una identidad propia que tenía que ver con diseño y con el punk, pero no el punk como cliché sino como la esencia de ser punk, que para mí es una cualidad que es distinto a la moda, en estos momentos yo escucho los discos clásicos y no seguí investigando porque ya no me gusta necesariamente ese tipo de música y estoy escuchando música más relajada, más tranquila, pero la esencia de ser punk va en el día a día en cómo te enfrentas a las diferentes situaciones de la vida, a decir basta a lo que no consideras que sea lo justo, que pasen a llevar a las personas, es como te enfrentas a eso, es más político aunque no me considero un militante, que haga acción directa o que

E N T R E V I S T A

Jko Sánchez http://www.jkosanchez.com/

Entrevista por Salvaje · Imágenes de Jko Sánchez

Hablamos de su participación en ‘La ira de Bonanno’, del arte, del diseño, de lo importante que es el ‘hazlo tú mismo’, llevar la vida con una actitud punk, la vida de bar y de lo inadaptados

que somos.

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23se yo, soy un individuo que básicamente se basa en la autogestión, desde lo que conocí en el punk y de lo que soy ahora, desde lo que soy como diseñador por oficio a lo que soy como artista que es mi vocación personal, que es lo que yo pienso, lo que siento y lo que soy como persona.

2. | ¿Qué es lo que te llama de continuar con el HTM?

Porque es bonito y tiene ese factor gratificante que te hace llegar a lugares que te sientes como en casa, me ha abierto puertas para llegar a lugares donde yo se que tendremos puntos en común, es una resistencia a un sistema convencional en el sentido de que somos personas que muchas veces son reprimidas por los estratos sociales altos, somos un grupo de personas medios desadaptados que están dando vuelta y que tiene aquí un punto en común, donde confluye el arte, la música, la literatura… y creo que somos tendencia, somos vanguardia y somos el underground que al final siempre ha sido así, somos la punta de lanza, no porque queramos sino porque somos así y porque el resto nos ve como los raros, el resto me refiero a los con plata, los que controlan, nos ven como el bichito raro, lo curioso, lo nuevo, y que rescatan lo mejor de nosotros para al final terminar vendiendo lo nuestro y convirtiendo lo que hacemos en mercancía.

3 | Sacaste un libro bajo esta misma lógica del HTM, ¿no es así?

El tema es que estaba un día tomando un shop con un amigo, porque todo esto nace cuando estamos tomando trago, cuando estamos borrachos, ahí siempre nacen todas las ideas, cuando estamos drogados, porque ahí nuestra mente se expande, se dilata y no estamos tan cuadrados, no estamos sacando cuentas, estamos relajados conversando, la idea si es que al otro día, cuando estamos sobrios, podamos concretarlas… el tema es que derrepente le digo que quiero hacer un fanzine para ir a un encuentro de diseñadores en Mar del Plata, y me pregunta por qué mejor no hacemos un libro, a mi me parecía que era muy complejo hacerlo y él me dice de que había trabajado en LOM editores y que sabia encuadernar, me propuso hacer una experimentación con el encuadernación, me puse a juntar material para el libro y fue un sinfín de ensayo y error con la construcción del libro, buscando papel, etc… la cosa es que yo no quería que fuera solo un catálogo de ilustraciones, quería que tuviera contenido, entonces escribí un ensayo sobre el comportamiento que tenemos las personas o de los elementos que constituyen un Universo, entendiendo al Universo como una casa, un planeta o un país, entonces como se relacionan entre ellos, como vamos desechando

algunas personas, actitudes, ropa, comida o basura y tomando cosas nuevas que volveremos a desechar para volver a un nuevo comienzo y dar vueltas en círculo en una especie de rotación constante que va tener un nuevo inicio otra vez, por eso el libro se llama Nada, porque es la mejor definición que tengo. Nada es lo que esta después de que lo hiciste todo, después de que trabajaste mucho para hacer algo y llegaste a un objetivo y te encontraste que estás en la nada de nuevo, y así avanzando en distintas plataformas intelectual y espiritual, lo que rescaté en mi aprendizaje empírico y ahí puedo continuar otra vez desde la nada, siempre estamos en la Nada, como La Polla Records (jajajaja).

4 | Estás metido también el renacimiento de Podrido.org. ¿Nos puedes hablar de eso?

Bueno lo que pasó, contándote desde mi punto de vista, cuando yo estaba en ese proceso medio perdido de que no quería nada con el punk, aparece Podrido.org, que es el blog de Germán de Chillán, él lo arma y varios colaboradores comienzan a escribir. Yo lo miraba desde afuera y decía “Siguen pegados en lo mismo”, con el tiempo en el mismo proceso volví al camino y comencé a darme cuenta de que Podrido estaba muy bueno, comencé a participar con ellos, la cosa es que al final el sitio terminó por morir, esto más que nada por algo súper común dentro de la autogestión que es súper difícil mantener: la constancia. Hace poco tiempo atrás se me ocurrió hacer un fanzine, luego se me ocurrió hacer un blog mejor, pero no sabía bien qué hacer y le dije a German “¿Qué pasa si revivimos Podrido?” y me dice que bueno pero que le cambiemos el nombre, a mi no me pareció porque creo que Podrido es un buen nombre, porque significa mucho, dejó una huella de lo que hizo antes y es una buena idea seguir con eso… a los dos días ya se había comprado el sitio y comenzamos a trabajar. Vamos de a poco armando el sitio, estamos retomando la situación de a poco, estamos juntando material para un podcast, tenemos guardadas algunas entrevistas, estamos armando un comic también, entonces se viene entretenido… estoy generando cosas con gente que quiero mucho.

5 | ¿Cuáles son los proyectos futuros?

Proyectos futuros, voy a estar en la feria Convite, que es de ropa, que me parece es un espacio que se puede ocupar porque ahí también hay varios amigos que están peleándola con el HTM o con pequeñas formas de ganar un poco de dinero sin tener que rendirle pleitesía a un patrón, que están luchando contra esos monstruos de la ropa que son las empresas grandes; bueno, aparte de eso con Podrido estoy trabajando lo más posible, porque es un proyecto que solo lo estamos haciendo por gusto.

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https://soundcloud.com/sigobrilllando

Entrevista y Fotografías por Lita Lazo Coppa

ENTREVISTA Chile

Guaro es una persona muy inquieta, pintor y músico, participa en diferentes bandas como Silencio

Absoluto, Syndie y Möreno. Esta última banda es la que da las bases para lo nuevo que esta tocando

en Sigobrilllando, un proyecto mas bien Indie, muy íntimo, donde sus letras giran en torno a su hija

recién nacida y lo que el siente por ella, lo cual lo hace muy honesto. Nos contó como seguir siendo

HTM, sobre Punk, ser Padre, la búsqueda de hacer lo que uno quiere, música y sus nuevos proyectos.

Sigobrilllando

1.- ¿Cómo nace y por qué nace Sigobrilllando?

Nace porque estaba aburrido de Moreno, básicamente porque el nombre era muy común, existían muchas bandas con el mismo nombre en internet. La primera vez que me comenzó a aburrir el nombre para poder identificarlo le puse dos puntitos arriba de la O así si alguien buscaba mis cosas podrían encontrarlas directamente, pero nada, ya habían muchas otras bandas con esos puntos, así que un día me aburrí y quise comenzar de nuevo, tenia temas que quería grabar y pensé como ponerle y como mi mail de toda la vida era Sigobrillando se me ocurrió ocuparlo y le puse tres L porque ya me quería asegurar de que nadie más se llamara así… en cuanto a estilo es como la continuidad de Moreno, quizás evolucione a otra cosa pero no va ir muy lejano de lo que ya venía haciendo con esa otra banda.

2.- ¿Existe algún cambio en cuanto a Moreno?

Compositivamente no, pero si en cuanto al sonido del disco porque es mucho mas producido… en general en Moreno componía yo solo, excepto en “Pandeiro” que ahí estaba con “Y La Mafia Canyengue” que era la banda que me acompañaba, en ese disco compusimos entre todos, pero en el resto eran solo ideas mías; esos discos eran más Garage. Este también lo compuse solo pero ahí está el salto, en la preocupación del sonido de producción con Sigobrilllando, que tampoco es una gran locura, solo fue que Pablo (NdT: que también toca con Guaro en Syndie) sabe como grabar bien y me dijo que él me grababa el disco, pero compositivamente es lo mismo, hay temas que ya tienen tres años y los metí igual al disco… y en cuanto la banda la estoy tratando de armar, por el momento será el Pablo, que tocó conmigo en Syndie y el Yerco, que toca bajo en Silencio Absoluto. La idea es tener una banda porque el disco está pensado en tocarlo así, tiene muchas baterías, ruidos electrónicos, entonces quiero probar tocarlo así por un tiempo a ver qué pasa. Igual la idea es que suene igual como el disco.

3.- Hace un año que fuiste Padre por primera vez, ¿cómo esto afecto en ti emocionalmente y en la composición del disco?

Este disco se llama “Arrrurrú” y está dedicado a mi hija, quizás hay temas que no hablen directamente de eso, pero en su génesis el disco es para ella. De hecho en la carátula salgo con ella y existen muchas referencias… quería hacerle un regalo de nacimiento, algo que para cuando ella tenga 20 años diga: “Que buena, mi viejo cuando nací hizo un disco”.

Existieron cambios positivos cuando nació mi hija, nacieron energías que no tenía antes, como otra aura, existió mucha más

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25motivación y eso se ve reflejado cuando comencé a componer el disco. En resumen este disco se ve reflejado en ese cambio positivo que existe al ser Padre a esta edad que me tocó, donde estoy más tranquilo, donde puedo dedicarme a las cosas que me gustan que es tocar, pintar, estar con mi hija y mi pareja.

Eres muy inquieto en cuanto a la creación. Tocas en Syndie, Silencio Absoluto y tocaste en otras bandas más, aparte de eso pintas.

Yo creo que, de manera super sincera, es que si no la vida es muy fome, no le encuentro sentido el tener que levantarme para trabajar, comer y pagar las cuentas; si bien ahora hay una razón más que es mi hija, el hacer cosas me parece que hace la vida menos aburrida.

Igual en un momento trate de ser como lo que se espera a mi edad. Cuando disolvimos Syndie por ahí por el 2005, comencé a trabajar como loco, estuve como 2 o 3 años sin tocar ni pintar y luego de esto comenzó a volver con rabia, no le encontraba sentido a seguir así, volví a componer y con mucha energía; con Moreno saqué tres discos en el año y me daba lo mismo que nadie los escuchara, reformamos Syndie, ahora reformamos Silencio Absoluto, volví a pintar, me volví a encantar de todo, paso de ser un Hobby a ser lo primario. El trabajo al final era para poder pagar las cuentas y que me diera posibilidades para poder hacer todo esto qué es lo que me gusta, que es lo que soy. Ahora hago lo que se me ocurre y me da lo mismo, ya no me da miedo y no tengo la idea de que tengo que triunfar, porque eso al final es relativo.

Si es que alguien no te conoce ¿Cómo definirías la música de Sigobrilllando?

Es simple, compositivamente en casi todo los temas una línea melódica hace todo o quizás dos, en cuanto a las letras también es algo sencillo; si las lees a la primera no dicen nada pero para mí dicen mucho, tampoco quiero dar un mensaje de que “esto está bien” o “esto está mal” y “¿hasta cuándo vas a ser una mierda?”, lo veo más como la pintura, onda “no cacho nada pero me gusta”, siento que no tengo que “vender la poma”, seria súper falso de mi parte. En cuento a música no creo que sea la banda que creó un sonido nuevo o la gran revelación y tampoco me importa mucho en realidad. Para mí lo más importante es hacer las cosas, con mucho cariño para que quede bien, pero ese ego de querer hacer una música que reinvente la forma de tocar o cosas así me da igual, me gusta el coro melódico, me gusta la misma guitarra y eso creo que se va a repetir una y otra vez.

Mi idea es expresar lo que ciento, así lo paso bien y creo que esto no hay que subestimarlo, me gusta tocar, más que pensar que esto es “el arte” o que tiene que ser algo serio, es tirarse y disfrutar de lo que haces, pasarlo bien.

¿Cómo llegaste a trabajar con la colaboración con Dadalú?

Quería que el disco tuviera algunas cosas algo diferentes a lo anterior, me estoy contradiciendo un poco pero tiene que ver con eso de hacer lo que me dan ganas, bueno la cosa es que ese tema me lo imaginaba con una parte más rapera y a mí no me sale, entonces pensé en la Dadalú, ella le gustaba Syndie y por ahí podía haber una buena onda, además que siento que de todos los raperos de por acá a ella siempre la vi más ligada como al punk, le encanta el rap pero siempre ha renegado de esa onda súper rapera de pose. La cosa es que le dije que tenía esta canción se la mande y después de un mes me mandó grabada su parte y me pareció súper buena. Fue como súper espontánea la cosa porque yo nunca le dije de que tenía que hablar, ella me mandó algo que sentía y quedó bueno, fue súper fluída la comunicación y la creación del tema.

En el disco igual aparecen otras colaboraciones, como la voz de Intime Stranger que canta en unos temas; la idea era que quedara más entretenido el disco.

El video del primer single está muy bueno y producido, ¿Por qué decidiste hacer algo así?

El video de ‘Pandeiro’ que salió del disco de Moreno lo hizo un amigo que se llama Daniel Molina, y yo siempre le pido que haga mis videos, siempre le ha gustado lo que hago, entonces le dije que había sacado un disco nuevo y si quería hacerme el video, así gratis porque obvio que si le pago me sale plata que no tengo, la cosa es que me dice que bueno después de cómo un año de molestarlo; se consiguió las maquilladoras y me dice, bueno se me ocurrió esto y me presentó la idea del video.

Para mí mientras más gente lo escuche mejor, no con la idea de que “este es mi año” y esas tonteras Rockstar que en realidad me da lo mismo, pero igual es bueno que la gente lo vea y le guste.

En realidad estos videos nunca los podría haber sacado si es que no fuera como un favor, por la cantidad del dinero que sale. Es que así tiene que ser, no te puedes quedar sentado a que llegue alguien para ofrecerte las cosas, uno se tiene que mover no más y llegar y hacerlo, sin pensarlo mucho, sin esperar mucho tampoco.

¿Cuándo sale el disco?

El disco está listo hace rato, pero voy de a poco, la idea es sacarlo en CD en una cajita, algo bonito igual y lo otro es que un amigo en EEUU quiere sacar unos 7” en vinilo pero muy artesanales unas pocas copias, más que nada porque no tiene sentido sacar 500 copias del disco, así que mejor hacer algo más piola y lanzarlo luego, espero que antes de fin de año.

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1.- Siento que tenemos explosivos tiene una cierta conexión con el fuego, ya sea como un símbolo de conocimiento, de destrucción y/o construcción. ¿Esta es una idea que comparten conmigo? Y si es así ¿esto fue una construcción que fueron creando de manera consciente y colectiva?.

Eduardo: No hay ninguna novedad en decir que el fuego es un elemento mítico, práctico y de ordenamiento: permitió la supervivencia del hombre ante el clima, sedimentó el avance de la sociedad ante los oscuros inviernos y formó su carácter como elemento alquímico. Como fenómeno, el fuego es el saber, la rabia, el

misticismo y la ciencia. En las letras, el fuego (o el acto de incendiar) atraviesa estas configuraciones y atributos. Se presenta en diferentes perspectivas y escorzos.

Juanjo: Yo creo que el fuego tiene que ver también con ese candor que existe en la persona, como el fuego interior hace que prenda la llamita del otro y esto haga llevarte cada vez más arriba.

René: Nosotros como banda somos cinco entes independientes cada uno, es decir cada cual va creando desde su parcela, en cuanto a guitarras, voz o batería, si bien puede existir algo que no nos parece y es ahí donde hacemos la sugerencia. Existían momentos que quizás

Tenemos Explosivos es una banda, que si bien puede ser incluída dentro del post hardcore, suena a eso y mucho más. Editaron dos discos para luego desaparecer cuando su vocalista se fue a Alemania, y aún cuando todos dieron a la banda por muerta ellos siguieron trabajando, ensayando, creando temas, no

cambiaron su formación y lograron destruir todos los obstáculos que se les fueron presentando; ahora están a punto de sacar un nuevo disco. Hablamos sobre todo esto, sobre la amistad, la música, sobre el

fuego, la tragedia y la creación de las letras como un collage...

http://tenemosexplosivosoficial.bandcamp.com/ · Entrevista por Salvaje · Fotografías por Tenemos

ENTREVISTA Chile

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27alguno de nosotros le dijo a Eduardo: “estas medio perdido, podrías hablar de esto” y él lo desarrollaba con su forma de escribir.

En el primer ensayo que tuvimos como banda, habíamos estado escuchando mucho a LACK, en una parte de un tema se cita un párrafo de Nietzsche que dice algo así como “cuando peleas con monstruos existe el riesgo de convertirse en uno”, Eduardo le pareció muy interesante esto, como para poder ir anexando este tipo de ideas a la banda. Él lee muchos autores griegos, desde ahí la tragedia y el fuego. Desde como los sabios se juntaban a hablar en torno al fuego, de la dualidad vida/muerte. Entonces el fuego es mucho más que ir y quemar un auto.

Claro, Tenemos Explosivos es esta comunidad de entes que cada uno por separado cumplen una función y así mismo en conjunto funcionaban como una comunión.

2.- Existe, también, una cierta cercanía a la tragedia…

Eduardo: La conexión con las tragedias es personal y emana desde ahí: su diferencia con el drama reside en que éstas corresponden a un castigo desmedido ante una culpa anterior, lo cual me parece un telón de fondo interesante para establecer vínculos con la historia actual. Las sociedades viajan por puentes de opresiones y castigos, y todo acto humano en torno a objetivos ligados a lo pasional ya ha sido realizado antes al punto de tener historias que lo narran. El interés es quitarle el marco de “único” a los eventos trágicos de hoy y reflejarlos hacia atrás. La miseria gusta de tener compañía.

René: En ‘Antígona’ existe una referencia clara a esto, es la tragedia de no poder darle sepultura a un hermano. Incluso si es que no tuviera, en la letra de Tenemos Explosivos, una referencia con tirar los cuerpos al mar, tú podrías poner esa letra en cualquier lado donde existía o existe una dictadura y la letra funciona.

Siempre hay una reticencia a explicar las letras, ya que estas están ahí para el que las pueda leer e interpretar, pero obvio que si se pregunta uno explica. Cuando en las letras se logra romper la individualidad del que las canta o escribe y pasa al conjunto de creación, se logra ser empático con el entorno. Se logra hacer entender la idea a la gente más joven ya que se genera en un momento histórico importante, las letras estaban presentándose en un momento de mucha exaltación social, con Piñera y claro era una mierda, pero ojo, las revoluciones culturales se van generando cuando estamos en momentos políticos álgidos.

Juanjo: Yo creo que funcionan bien estas letras ya que al tomar esas tragedias griegas en cierta medida se asegura lo que se dice, porque estas tragedias fueron escritas hace mucho y aun así siguen funcionando.

Más que planear las letras entre todos, discutíamos mucho sobre diferentes temas y fuimos viendo que todos íbamos para el mismo lado. No podía haber otra temática que no fuera las que se cantaban… además, si te llamas Tenemos Explosivos, no puedes estar cantando del amor. Ahí está la relación directa con el fuego.

3.- Las letras y la música tienen un dejo de una expresión de Collage en ellas, siento que pueden estar influenciadas en esa forma de creación automática/inconsciente que fue creada por el Dadaísmo, ¿Qué opinan de esto?

Eduardo: Más que un dadaísmo, en la construcción de letras hay una interacción de materiales donde el hilo conductor no siempre está dibujado en su totalidad (pero ello no implica que no exista). No es una búsqueda del inconsciente, sino del discurso desde áreas dispares: cuando múltiples elementos verdaderos colisionan en un discurso, tendemos a aceptarlo como verdadero. El juego en las letras es presentar materiales diversos e intentar generar una pequeña verdad, que solo resulta verosímil dentro del mundo de esa canción. Es un humilde ejercicio molecular.

Juanjo: En cuanto a lo musical hay harto de improvisación, dejar que las cosas fluyan, en donde las ideas las toma uno y la modifica, la daba vuelta. Cada uno empuja para distintas partes y la transforma en una especie de “orden en el caos”.

Creo que por sobre todo no tenemos pretensiones, no queremos sonar como tal o cual banda, es al final: tu experiencia, mi experiencia y hagamos de eso un todo.

Matías: La creación de la música es libre, cada uno llega con sus ideas y por algún motivo todas estas ideas locas de cada integrante llegan a un fin en común.

Cada instrumento, cada cosa suena por sí solo, con una identidad súper marcada y todos sonamos como nosotros mismos pero juntos, es una mezcla que en su conjunto hace un todo.

4.- Me cuesta catalogar a Tenemos Explosivos en un estilo determinado de música. ¿Cómo definirían musicalmente la banda?

Matías: Si piensas eso de los discos pasados con el disco nuevo será mucho peor, es más extraño aun, ¡más collage aun!

René: En el disco nuevo, que ya está listo, con toda la música grabada, existen más ideas aun mezclándose, es más ecléctico que los anteriores. Existe una temática que le da una cierta unión a todo.

5.- Hay una cierta oscuridad o tristeza, musicalmente hablando, en la banda…

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Juanjo: Claro, tiene que ver con las experiencias personales de cada cual, pero ninguno ha vivido en un mundo feliz, yo no puedo tocar la guitarra de una forma feliz, aunque intento no me sale, no me siento cómodo. Esto creo que ocurre con todos los integrantes.

René: Como te decía en referencia a lo empático, cualquier persona con un mínimo de empatía en esta ciudad no es feliz. Yo creo no me llena la música feliz.

Juanjo: Claro, porque la Historia que tenemos como país no nos permite hacer una música feliz, no puedes, no es parte de lo que eres.

6.- En un momento existe un receso de Tenemos Explosivos, pese a que estaban tocando mucho y se para, ¿qué paso?.

René: Eduardo… en un momento nos llama y nos dice: - Me voy a Alemania a estudiar y es la oportunidad de cumplir el sueño de mi vida - por eso paramos de golpe.

Matías: O sea eso de parar fue para el resto, nosotros no hemos parado… seguimos componiendo.

7.- Y con un integrante menos, ¿Cómo se suple esto? ¿Cómo trabajar el disco sin la voz?

Matías: yo creo que inconscientemente buscamos la solución, hay mucha más melodía de la guitarra, pero no fue a propósito porque nosotros siempre pensamos que la voz tenía que estar pero en los ensayos no estaba, así que existe mucha más melodía metida en este disco.

René: Nosotros no nos dimos cuenta de esa melodía para suplir la voz, hasta que la gente que escuchó el disco grabado sin la voz nos dice: “Oye, esta banda es instrumental” y claro puede funcionar así, pero nunca lo pensamos de esa forma.

8.- ¿Pensaron en algún momento buscar un nuevo integrante que cantara?

Juanjo: Sí, en algún momento lo pensamos. Teníamos la idea de que Eduardo siguiera escribiendo las letras y que otra persona cantara esas letras, pero en el fondo no funcionó, ya que con esa formación ya no es Tenemos Explosivos y yo no me voy a parar en un escenario a decir o hacer algo que no siento.

Matías: Llegamos al punto de decir: “Bueno, hagamos otra banda, con otro nombre y listo”. Pero no pudimos porque sentimos que era injusto esto. Ya que era injusto para nosotros y para Eduardo hacer eso ya que él formo parte del proceso de creación de este disco. Existe entre nosotros un espíritu de hermandad que está por sobre todo y él es el instrumento principal de la banda.

René: Yo creo que esta respuesta tan visceral tiene que

ver con como es la banda, ya que siempre hemos actuado de esa forma. Claro hay decisiones que son más rígidas, como el planear hacer un disco, pero el resto de las decisiones están más enmarcadas en lo emocional, en el acuerdo y en el respeto.

Juanjo: Para el resto de la gente nosotros paramos, pero en realidad seguimos ahí trabajando, solo que no tocamos en vivo

Matías: Yo creo que seguimos trabajando mucho más que antes, este año y medio nos sacamos la chucha ensayando. Fue difícil este proceso ya que estábamos llenos de contradicciones y el no tocar en vivo igual se extraña.

René: Claro todo fue más difícil, desde la composición del disco, el estar acá y Eduardo estar a un mar de distancia, en cómo le mandábamos los temas y el los devolvía, grabando sus ideas encerrado en un armario con una linterna, como podíamos ir de esa manera encajando y dándole vida a el disco, pero pese a todo ha sido una experiencia muy linda.

El disco lo terminara gradando Eduardo en Alemania con un productor de allá, entonces en realidad no sabemos cómo quedará, que es lo que pasará o como irán al final las voces, estamos experimentando en cómo hacer un disco de esta manera.

9.- ¿Cómo vuelve Tenemos Explosivos?

Juanjo: Vuelve con un disco, estamos viendo como tocar en vivo, no sabemos cómo o cuando pero queremos tocar el disco, quizás tratar de que Eduardo pueda venir a tocar a fin de año o principios del otro, para que en el fondo no sea un disco que quedo ahí como póstumo, darle vida al disco, lo otro es tratar de nosotros viajar donde Eduardo. En el fondo así, un amor de lejos.

René: Yo creo que es súper importante lo que nos pasó, ya que nos vimos obligados, debido al contexto, a dejar que los temas maduraran, a darles tiempo, eso fue súper bueno porque le dio otro sonido a lo que veníamos creando. No sé lo que viene ahora, quizás hacer esta mini gira de un mes a Europa, quizás tocar poco, pero lo que si la banda continúa menos activa, pero seguirá la banda, nos negamos a que muera.

Matías: Yo creo que todo lo que ha pasado ha generado que no queramos matar la banda, sería pésimo que se acabara después de todo lo que hemos pasado, sería súper triste.

10.- ¿En qué formato saldrá el disco?

René: En Cd ya está conversado para que salga y esperamos que en vinilo también salga pero eso está en conversaciones…

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Javier, alias el Negro Miguel, era un adolescente de unos 24 años, alto, delgado, con unos parches excelentemente puestos, algunos decían consignas políticas, otros tenían algún animal que simbolizaba la libertad que él quería recuperar. Miguel vivió con sus Padres hasta los 22 años, era de Maipú y en realidad venía de una familia modesta, pero en la que nunca faltó la comida. Su Padre era comerciante y el fundo, que era la población donde vivían, fue una toma en la época de la UP y luego de mucho esfuerzo lograron cómprale el terreno al dueño y por fin pudieron parcelar bien, conseguir agua y luz, lo del alcantarillado y el pavimento vino mucho después. Javier ya no vivía en la población, había ocupado una casona vieja en Independencia, amplia, donde vivían 6 perros con serios problemas de sarna y cuatro gatos algo desnutridos.

El Centro Social Okupado “La Cholita” (de ahora en adelante CSO La Cholita), era un lugar abierto a la comunidad, donde se impartían talleres de permacultura, ciclos de cine libertarios, charlas sobre la educación de mercado. El CSO La Cholita era bien movido, pero hay que decirlo, bien poco participaba la comunidad. Menos aun cuando hacían sus tocatas, en donde tocaban bandas que no eran muy del gusto de sus vecinos, es más, cada vez que habían estos eventos dejaban todo la calle con meado y botellas de cerveza, condones y uno que otro vómito.

Una vez al mes había una reunión general, una asamblea donde participaban todos y todas los que vivían o estaban relacionados con la Casa; comúnmente cuando se hablaba en ella se solía sacar las baterías de los celulares, había que estar precavidos.. podían estar espiándolos, nadie sabía muy bien cómo, pero alguien había dicho una vez algo sobre equipos “especiales” de los pacos que podían escuchar las conversaciones vía satélite, incluso cambiaban sus nombres a veces para así tener un alias y no ser descubiertos, otras veces se juntaban por ahí a “conspirar”, hablaban en voz baja

No hay palomas blancas en mi barrio o en este lugar nadie es inocente.

There are no spectators. You participate whether you like it or not. There are no spectators. You are responsible whether you like it or not. There is no neutral. No one is innocent and no one will be forgiven. Escapism is not freedom. Voyeurs of the armageddon / There are no spectators · The pop group

Por Wladimir Stepniak {aka Alvaro González}

como si alguien pudiera escucharlos, escondidos en rincones ya que no podían confiar en todos sus amigos y amigas; algunas veces daba la sensación de que todas estas precauciones eran por que necesitaban sentirse importantes, llegar a las alturas de sus héroes, hacer cosas gigantes para así poder enfrentarse a sus enemigos, quienes estaban preocupados de ellos las 24 hrs del día.

Ellos y ellas tenían un mundo nuevo en sus corazones, las canciones de sus bandas favoritas hablaban de alguna forma sobre ellos o lo harían, contarían sus hazañas, dejarían de ser unos “Don Nadie” y serían reconocidos por sus pares. Tenían el poder de cambiar el mundo, un mundo a su medida, que en realidad era bastante excluyente ya que era solo para sus amigos; no todos podían entrar.

Tenían una Biblioteca libertaria, que en realidad poco la usaban ellos y menos aún sus vecinos, en general uno o dos de ellos se daban el trabajo de leer algún texto que citaban una y otra vez, recordaba mucho lo que hacían los alienados de la iglesia evangélica de la esquina a los que tenían aburridos de tanto escribirles “La única iglesia que ilumina es la que arde”.

En las Reuniones Javier era uno de los respetados, solía tener las ideas más radicales, hablaba de sabotear al Capitalismo y de tomar las armas, pero en realidad Javier no tenía mucha idea de tácticas subversivas y menos guerrilleras, nunca había tomado un revolver en serio, solo algunas veces, como cuando,ww con algunos amigos de la población de sus viejos, habían asaltado una farmacia y disparado a unos guarenes (de lo que ahora no se sentía muy orgulloso y solía no contar este episodio ya que no estaba acorde a sus postulados de la liberación animal, ni de su polera del Animal Liberation Front).

/ continuará...

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1 | ¿Cómo se crea, conforma y genera una gira por Sudamérica?

René: Siempre había sido un sueño por parte de nosotros el irnos de gira por Latinoamérica, ya teníamos amigos que lo habían hecho y nos habían hablado muy bien de la experiencia. Erick, él había viajado a Venezuela y Colombia, conocimos entonces una banda de Venezuela que se llama Zeta y la gira originalmente sería con ellos por Venezuela, Colombia y Ecuador, pero con todo lo que estaba pasando en Venezuela se hizo imposible salir de gira con ellos; luego Erick me dio la brillante idea de nos fuéramos más al sur, estaba la idea de ir a Europa pero a todos nos pareció mejor idea algo más cercano a nuestro corazón, entonces Sudamérica sonaba mucho mejor.

Yo pensé que Erick tenía contactos y al final no tenía nada

(jajajaja), así que tuve que construir la gira desde cero. Pues, creo que a Cristían de “Hermanxs De La Mente Furiosa” fue al primero que contacté y él me comenzó a entregar datos; así pues, es una red esto de la escena del HTM y conocimos muchas personas que nos han estado ayudando.

2 | ¿Cómo ha sido el viaje en la gira?, ¿presentarse en distintos países? ¿qué similitudes y diferencias han encontrado?

Raúl: Pues, cada país tiene su cultura diferente, a pesar de que son un poco similares ya que todos pertenecen a Latinoamérica, y si existen ciertas diferencias creo que éstas son circunstanciales debido a las historias propias de cada país. Pero al final de cuentas siempre te sientes como en casa.

Víctor: Si, creo que existe una cierta hermandad entre países

http://walle.bandcamp.com · Entrevista por Salvaje · Fotografías por Gary Go

ENTREVISTA México

Walle es una banda de Tijuana, México, que toca desde el 2008. Han grabado 3 discos, un slip y durante este año se lanzaron a una gira por Latinoamérica que los trajo a Chile, Perú y Argentina, la cual desarrollaron a pulso y en base al DIY. Su música es cercana al ‘math rock’, con improvisaciones, asimetría y una batería bien

cargada. Estuvimos conversando con ellos sobre la música y las cosas lindas que vienen con ella, además de la importancia de viajar y generar lazos con personas de distintas partes del mundo como una estrategia

para romper las fronteras.

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31Latinoamericanos, se siente la hermandad de los pueblos oprimidos como cultura y sociedad que tenemos como Historia. Es un estado mental general de cómo hemos sido conquistados, oprimidos, liberados y luego otra vez han tomado nuestra libertad.

3 | ¿Por qué eligen seguir en el HTM?

Raúl: A modo personal, yo creo que es la manera de mantener un poco más honesto lo que creas, cualquiera sea tu forma de expresión, tratar de que sea lo más cercano y lo más real posible. Más tangible también, ya que terceras personas estén involucradas en cosas tan íntimas, que se quieran apropian de ellas, no me va, me parece que de esta forma uno puede mantener lo que crea más cerca de uno.

Víctor: Y además porque es difícil que alguna empresa de la música te quiera hacer una gira, porque ellos lo primero que quieren es el dinero. Quieren que tu proyecto sea rentable. Se basa en el dinero y no en lo de poder llevar tu música y poder conocer a la gente de distintos lados, es menos humano. Además que llenas más el corazón, todo lo que haces y que al final del día te sientes más satisfecho de hacerlo todo uno mismo. La libertad de hacerlo como uno quiera, claro siempre existen más riesgos, pero tiene que ver también con el espíritu aventurero.

René: Algo que hablamos con Raúl hace poco, es la honestidad al crear; cuando tú creas algo, lo haces inconscientemente pese a que estás consciente de que alguien lo va a escuchar, ahí nubla un poco el proceso y al hacerlo uno mismo es una manera de que se haga un poco más cerca de uno, que no se escape de lo que estas creando y de lo que quieres con ello.

4 | ¿Cuéntennos como se conocieron y cómo se va creando la banda? ¿Cómo ha sido el estar tanto tiempo juntos en la gira?

Víctor: De hecho es muy curioso, yo a Erick no lo conocí hasta que llegué a su casa, él es de otra ciudad, nosotros somos de Tijuana y él es de Guadalajara, son como treinta horas de diferencia. Como decía, yo lo conocí cuando llegué a su casa y partimos la gira. Lo más curioso es que no tuvimos la posibilidad de ensayar hasta el primer show (jajajaja).

5 | ¿Comenzaron hace poco a tocar juntos?

Erick: Ha sido una etapa en donde han habido muchos cambios en Walle, donde no había bajista. Bueno, yo apoye más que nada en una gira por México y luego otra por EEUU, por la costa Oeste, y justo antes de que yo saliera del país fue que surge la idea de comenzar la gira por Sudamérica entonces pues otra vez así nos vamos reencontrando.

Raúl: Es el integrante de giras (jajajaja)

6 | ¿Cómo van conformando los temas de Walle?

René: Bueno todos los temas los hacemos entre Raúl y yo, antes teníamos otro guitarrista que fue de los primeros miembros, pero él se decidió salir por motivos personales, pero lo queremos mucho y sigue siendo parte activa de la banda, hace el diseño de los discos… ya hace un año que Raúl y yo estamos componiendo… nos conocemos desde niños y

tenemos buena química, así que yo llego con una idea y la vamos transformando entre los dos.

Raúl: Muchas veces no nos tenemos que decir nada, yo comienzo a hacer ritmos con la batería y él me entiende más o menos lo que busco.

René: Yo estudie música, entonces tengo cierta idea de cómo hacer una orquestación, una orquestación entre comillas, unos de los últimos temas que compusimos tienen tres chelos y tres guitarras, todo conformado en mi mente de alguna manera, no lo escuchamos hasta que lo grabamos y quedó bien, creo yo. Bueno a Erick se lo mandamos por video y él los va sacando en su casa. Víctor es el integrante más nuevo de la banda y de hecho entró a la banda y comenzó la gira.

Víctor: Fue súper curioso, con Raúl nosotros tocábamos en otra banda y él ya tocaba en Walle, ya había existido la idea de tocar juntos en la banda pero no se había concretado. Raúl me decía: “Pues, es que siempre estás borracho y no me dices de forma formal, no sabemos si hablas en serio o no” (jajajajaja). Hasta que un día René me escribe directamente para preguntarme y le digo que si, que les he dicho una infinidad de veces que si tocaría (jajajajajaja) y me dice a Ok; pasan 3 semana y me dice, “Bueno hay un detalle… es que nos vamos a ir de gira por Sudamérica” (jajajaja).

Raúl: … Así que vas a tener que renunciar a tu trabajo, ahorrar dinero, dejar a tu novia (jajajajaja).

Víctor: Yo automáticamente lo pensé en dos minutos, si digo que “no” toda mi vida es una mentira, todo lo que digo sobre como entiendo la música y que lo que hago es para poder viajar y conocer gente. Pues fue automático, sin dinero, sin saber dónde ir e inclusive sin saberme las canciones (jajaja) compré mi boleto, entonces yo llevo con Walle muy poco tiempo, desde Abril, pero ha sido un curso de Walle intensivo (jajajaja). Porque en Tijuana yo toco bajo, es que existe otro guitarrista que no pudo venir entonces me tuve que aprender las canciones en guitarra y en bajo (jajajaja), entonces fue trabajar mucho durante unas semanas para poder estar preparado para la gira.

René: Yo creo que ha funcionado bien, nos hemos llevado bastante bien… algunas veces me estreso, porque todos ellos se emborrachan (yo no bebo) y me pregunto ¿Dónde vamos a dormir hoy? O que mañana nos levantamos temprano y son las 7 de la mañana y estos están aún bebiendo…

Raúl: Retomando la pregunta original sobre el proceso creativo, creo que en Walle siempre nos hemos caracterizado por componer más que tocar o hacer gira, siempre estamos haciendo música. Tenemos mucha música ya compuesta que aun ni siquiera hemos grabado.

7 | Ustedes tienen tres discos ya, ¿no?

René: Si, tenemos tres discos ya, este último salió en vinilo ahora justo para la gira, un día antes de la salida de Tijuana… nos están ayudando varios sellos, son dos sellos de EEUU y uno de Francia. El primero salió para descarga y el segundo en Cd-r, lo traíamos pero se nos olvidaron en el bus (jajajaja).

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Víctor: Si, si ayer y fue una perdida muy grande, porque no era una caja, era un pez y todo cortado a mano, de horas y horas de estar recortando… bueno pues ¡ni modo!.

8 | ¿Qué es lo que quiere transmitir Walle como banda?

Raúl: Yo creo que al momento de hacer la música no estamos tratando de decir algo, más bien tratamos de experimentarlo, es algo mas introvertido, no estamos pensando en que alguien más la escuche, pero esta súper bueno de que alguien venga y te diga “este tema me pego bien duro” y está “muy suave” conocer a gente que está pasando algo parecido a lo que estás viviendo tu al momento de crearlo.

René: Pues como letras, yo antes de Walle tocaba en bandas más bien políticas y no sé, al menos durante este tiempo de mi vida me han salido letras mas introspectivas y algo que nunca antes había hecho es hacer letras de amor o desamor. Pues es bueno conocer otras facetas, porque creo que una persona o una banda es multifacética y cuando tocamos tratamos de dejar todo lo que tenemos, no es por sonar emo ni nada (jajajaja) pero a veces lloramos y eso.

Víctor: Yo que puedo hablar más de lejos, porque soy el más nuevo, puedo decir que con Walle se puede ver reflejada la música en la personalidad de cada integrante, es una banda

muy transparente que no pretende entregar un mensaje tan directo sino más bien muy personal, muy honesto. Yo trato de hacer lo mismo, trato de desbordar todo lo que tengo.

René: Claro, pero eso no quiere decir que seamos apolíticos, todos somos gente que está muy involucrado en lo político.

Víctor: Claro, porque al final todo de alguna forma es política, desde como uno se relaciona con el otro, se manifiesta lo que piensas, somos animales políticos… yo creo que se expresa en todo, en el arte, en todo.

9 | ¿Qué se viene para Walle?

Raúl: Componer más música (jajaja).

René: Queremos seguir viajando, queremos seguir conociendo más personas, seguir escuchando mas bandas o cosas relacionadas con la música.

Erick: Y ese vinculo que muchas veces está perdido entre México y los países que están más al sur, pues con este tipo de giras fortaleces ese vínculo y quizás más bandas de México se animen a venir o viceversa.

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La costumbre de abstraerse y ver en otros lo que pueden hacer o no. Desde ese momento ya nos separamos del movimiento y empezamos a operar con un recelo de consumidor de supermercado. Quizá un análisis así no tenga mayores vueltas, es más una sensación que una certeza, pero vaya que hace eco y sobre todo cuando sucede en los espacios que nos vinculan. Lo que mencionamos, a todo esto, es sobre nuestro tan vilipendiado punk, nuestro viejo gusto visceral que nos acompaña a todas. A su vez confirmamos con buenos conocidos que no son parte de la dinámica autogestiva que esto mismo debe estar pasando en el Ghetto Folklorico, en el Ghetto Raper y Etc (las tensiones no son propias de lo “nuestro”, quitémosnos de encima ese flagelo existencial de que nos tocó vivir lo peor).

La lógica clientelar dentro de un movimiento que pueda o no tener características no afines con el capital (no quiero decir que seamos todos anticapitalistas por el hecho de escuchar bandas autogestionadas) es algo que corroe el ánimo, pero a su vez lo mantiene en alza. Desde cierta perspectiva mientras se suma gente y se baja otra, y a su vez uno le pone o le baja las ganas para que la vinculación personal siga en pie , se empiezan a notar los matices (y que esto no se tome como un dedo inquisidor o que lo vivido anteriormente fue la panacea y el esplendor romántico del punk y su circuito). El factor sorpresa ya no es clave en la organización, todo se mediatizo y todo se esparce con una seguridad bastante dudosa en las redes sociales, ya no hay búsqueda de espacios físicos en donde dejar el mensaje. Todo es instantáneo y el consumidor con sus derechos hace acto de gala. La información es un consumo degradado según el espacio en donde se esparce. ¿Será acaso que el capitalismo en su avanzada tan posmoderna nos figuró en una primera etapa como un grupo identificable y en la segunda nos envolvió con sus códigos culturales?. Si esto fuese así, sería muy poco Punk (ojo con el humor). No es nuestra intención hacer una sociología del consumo “cultural”, ni mucho menos. El tema tampoco necesita de ciertos “parámetros intelectuales” para poder comparar procesos o no. Y en realidad no deberíamos estar comparando, no deberíamos dividir lo que fue de lo que es. Pero eso es harina de otro costal.

Es mejor despertar con respuestas que con preguntas y en ese caso la opción es seguir divirtiéndonos haciendo lo que nos gusta. Un poco volátil la frase, pero ya está. Tampoco hay que hacer un bosque de algo concreto y simple. Llegamos a divertirnos, terminamos puteando y seguimos en el vaivén de saber que aún queda más por hacer. De eso trata cualquier vinculación en un movimiento (entendiendo movimiento como algo que no es para sí mismo ni mucho menos una cuadratura estética con la cual enfrentar al mundo). Eso por un lado, por otro si perdiésemos las ganas de blasfemar y poder articularnos con el resto de la forma que nos nasca y plazca estaríamos solo reproduciendo y armando un espectáculo bastante inerte, fome y poco claro. No somos un club, no somos una congregación, no somos legión. Intentamos escapar hacia adelante haciendo coincidir nuestras expectativas en términos de gustos respecto de la Música, del Cine y por qué no de la existencia misma si es que da para verlo así.

Ahora el espacio al error. Quizá ese egregor que emana el punk no busca ningún articulación emocional, ni política ni nada. Nos imaginamos un elefante y muchos agarrados a él. Cada quien estipula que lo que toca es en esencia “Lo Punk” y el resto otra cosa (y el elefante sigue siendo elefante). No sabemos que parte tocamos y preferimos no graficar ni dar por sentado lo que debió, debe y pudo haber sido. Pese a todas las perdidas (que tampoco nos han desangrado) está presente en cada momento la sensación de generar la válvula de escape armando la fecha y vislumbrando lo que pueda pasar. La imaginación no se rinde ante el consumo, menos cuando está atesorada como la pistola contra la desazón cotidiana. Por ahora el buen esplendor se avecina, quizá mas descafeinado solamente.

Bueno no sabemos si es una columna en lo que respecta, más bien fue una descarga quizá no muy ordenada, pedimos las disculpas. Saludos desde el tempestuoso Sur. El Nogal.

El punk, el -show-, lo nuestro.Por Il Nogal

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1 · ¿Cómo? ¿Cuándo? O ¿Por qué nace Viveg?

Anamias: Fue por pasatiempo, para ganar plata, fue una idea mía y el nombre fue porque en realidad no se me ocurrió nada mejor. Empecé vendiendo chocolates y alfajores en el colegio… porcnecesidad, para hacer dinero para el colegio, para tener dinero para las colaciones, entonces partió así, después lo dejé tirado hasta que conocí a Charly, ahí nos empezamos a motivar eso ya fue el 2009, cuando comenzamos a hacer algo mas decente, con catálogo y todo.

2 · ¿Cómo se acercan a hacer comida vegana? y ¿Por qué comida vegana?

Charly: Primero porque no existía y porque los dos éramos veganos de hace mucho años y antes no existían muchos lugares donde ir a comprar y la gente siempre tenía ese

problema pero además era como un pasatiempo también…

Anamias: A mí me pasaba que quería hacer cosas y no sabía muy bien cómo hacerlas, comencé con cosas chicas pero después fue como tratar de tener algo independiente. Desde chica que yo quería tener un negocio y no tener jefe, la idea es que pudiera tener mis tiempos, y si quería trabajar lo hacía y si quería no, pero igual siempre lo vimos como nuestro trabajo… es como para agarrarse de algún lado que nos diera dinero, porque todos lo necesitamos, pero acomodado a lo que creíamos, en el fondo fue Vegano porque fue lo único que se nos ocurrió en el momento y porque nos gustaba hacer cosas ricas, fuimos agarrando el ritmo.

Charly: Yo me acuerdo que la primera vez que me puse a cocinar fue porque tenía que pagar un parte y no lo quería pagar, entonces un amigo me dijo que vendiera empanadas

https://www.facebook.com/vivegvegan · Entrevista por Salvaje · Fotografías por Viveg y Gabriela Penela

ENTREVISTA

Estuvimos hablando con los integrantes de Viveg y mientras conversábamos, concluíamos que tanto la música como la comida generan lazos humanos que enriquecen nuestras vidas, y nos convencimos una vez

más de la importancia de ‘hacer las cosas una/o misma/o’. Nos contaron sobre sus inicios y su presente, sobre sus ideas y sobre la comida que preparan.

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35porque cocinaba bien, entonces fui a vender a una tocata y vendí en 15 minutos unas 50 empanadas, luego me fui a otra tocata y lleve 80 empanadas y las vendí en 20 minutos, ahí entendí que era una posibilidad el poder sustentarse cocinando.

3 · Entonces existe alguna conexión con la música…

Anamias: Si poh, la música es para nosotros muy importante, tiene un lugar primordial, ligado al ambiente hc punk, de verdad siento que el HTM tiene un papel importante porque es increíble el poder llevarlo a algunos lugares de tu vida… nosotros cocinamos con música, desde Minor Treath a Millencolin o Flema, dependiendo del estado de ánimo… con las tocatas, antes íbamos caleta a vender, pero ahora ya no tanto, más que nada por tiempo, pero siempre vamos a tocatas, es como el momento de desahogo.

Charly: Lo que si, el veganismo, de mi parte, no estuvo necesariamente ligado a la música, porque yo siempre lo vi como algo mas político y claro, comenzar a conocer gente a través de la música y darse cuenta de que con mucha gente se confluye a muchos puntos en común, ahí comienzo a darme cuenta de los nexos…

Anamias: Claro y tenemos súper buenos amigos que tienen bandas y que están relacionados con la música, al final derivamos todos en un punto en común, pero nunca fue como intencional, pero siempre está la música.

4 · Viveg está fuertemente relacionado con el HTM, desde como componen sus gráficas, hacen sus talleres, cocinan, ¿Qué es para ustedes el HTM?

Charly: Para mí es todo, de partida desde chico siempre he tenido la visión de que si uno no puede hacer las cosas, eres como una mierda de persona, creo que todo está aquí y uno puede tomar lo que sea, usarlo dentro de los medios que uno tenga y hacerlo bien. Creo que eso le falta a mucha gente; para mi Viveg es la base de todo eso, los amigos que tenemos todos tienen proyectos que son propios y están ligados al HTM, yo siempre digo que Viveg es como lo máximo HTM que tengo en mi vida porque me trato de desligar de todo, ya que todo lo hago yo mismo, todo lo creo yo mismo salvo comprar el material.

Anamias: Para mí es importante, bonito y un orgullo grande el ver cómo ha crecido Viveg, al principio me costaba creer que esto podía ser más importante en mi vida, no me creía tanto el cuento, pero ahora sigo para adelante no más… estoy haciendo clases de cocina, de lleno en Viveg y ya no me interesa el pensar tener problemas con creerme o no el cuento.

Por otro lado para mi autogestión no es hacer las cosas como te salgan, es hacerlas bien… como ir agregándole cosas para que se diferencie, para que tenga un poco mas de peso, creo que eso es súper importante… con lo de la gráfica incluso, estuve como un mes sin dormir sacando la página, sin saber nada de códigos, el hacerlo fue un proceso lindo al final, ver como logras hacer las cosas que te propones y son tuyas… ahora igual pedimos ayuda porque es difícil abarcarlo todo, pero es linda la experiencia… Viveg para mi es un abrazo

eterno, porque es como un hijo y creo que es el único que tendré (jajaja)

Charly: Aparte confundir que si uno hace las cosas uno mismo es como un orgullo pobre, pero no es eso, es un orgullo de hacerlo tú mismo, que es bonito ver que algo que es tuyo va creciendo y lo vas moldeando para el lado que tú quieres, sin perder el objetivo.

5 · ¿Cómo ha ido creciendo Viveg durante todos estos años? ¿Cuáles han sido los cambios?

Charly: El cuerpo, el cansancio (jajajaja)

Anamias: Yo creo que exteriormente no se debe notar nada o muy poco, pero nosotros lo notamos, desde cosas básicas. Ayer nos reímos mucho porque nos acordábamos de cómo cocinábamos antes en una mesa chica, plegable que dejábamos todo cochino, acarreando mil cosas con manos que no teníamos, ahora igual poder ir en taxi a la feria ya es un logro super grande para nosotros…

Charly: Claro, antes íbamos en bicicleta a comprar mil cosas, con mochila de campamento, diciendo: ¡no, si no importa, tengo que llegar!, era una ridiculéz, tenía pase escolar, podía haber ido en micro (jajajaja) y no llegar después muerto de cansado a cocinar…

Anamias: Cocinando hasta las 2 de la mañana… pero claro ahora ya agarramos el ritmo con lo de entregar a los locales y sé lo que puedo o no hacer durante horas determinadas, y así es más fácil organizarlo todo.

Hasta en lo estético, me importa mucho como la presentación o en los sabores y texturas, hemos avanzado mucho en el producto y eso es bueno porque me gusta el resultado, me deja contenta.

Charly: El definir que esto es lo que quiero hacer también ha tenido que ver con eso, porque mientras yo trabajaba en Viveg estudiaba para profesor de Historia, entonces en un minuto me titulé y quedé en esa disyuntiva, entre trabajar de profesor o seguir con Viveg, hasta que un día me di cuenta de que no quería trabajar de profesor y si ponerme las pilas con Viveg.

Ya tomar como una opción de vida Viveg, que esto es mi trabajo, donde me saco la mierda pero quedo feliz, eso igual cambió porque la gente comenzó a ver que esto era algo más serio.

Anamias: Claro aparte que para mí fue tema que antes me importaban más esos comentarios como: “Estas lucrando con el veganismo”, ahora me da lo mismo porque ¿Lucrar con qué?, ¿Qué prefieres? ¿Estar trabajando en un call center?, ¿acaso eso te hace más vegano? Porque al final es un servicio, es comida y punto, no te estoy vendiendo una filosofía política, es solo eso.

6 · ¿Qué es lo que más les gusta de Viveg?

Charly: Para mí son los lazos que he ido creando con más gente, eso es muy bonito

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Anamias: Si fue bonito, antes viajábamos a cocinar a distintas partes, pedíamos un lugar para dormir y llegábamos a cocinar donde nos invitaban.

Charly: De hecho ahora estamos invitados para lo de Furia, en Talca.

7 · ¿Dónde se puede encontrar a Viveg?

Charly: Estamos repartiendo en “Puro Verde”, “Herbívoro”, “VeganBunker” y en “Emporio Vegano”.

Anamias: Bueno aparte el Charly está trabajando algunos días en el Bunker y yo una vez al mes más o menos estoy haciendo talleres en mi casa de clases personalizadas.

También estamos yendo a la Feria Veguormet una vez al mes, a algunas tocatas y eventos que van saliendo de vez en cuando y bueno tratando de que salga el proyecto que siempre hemos querido, que es tener un local, que ahora por dinero no ha salido pero que es lo que estamos planificando a larga plazo.

8 · ¿Algo que les quede por decir?

Anamias: Gracias a los amigos que siempre nos acompañan a las ferias que se nos hacen eternas, al Blopa, al Nico, al Andres, a los Chiquillos… porque los lazos han sido súper importantes, quizás en el momento mismo uno los valora, pero viendo para atrás llega hasta emocionar que nos ayuden con un montón de cosas, así que gracias a los amigos y a la gente que nos ha dado la confianza porque, es un acto de confianza encargarle comida a alguien, sin conocerlo.

Charly: Claro, más como para la gente más adulta que cree que le va llevar la comida un señor vestido de blanco con un gorrito de cocinero como para el lado y ven que llega un tipo igual al hijo de ellos (jajajaja) y quedan como temerosas, después prueban y quedan contentas… es como hacerles que se den cuenta de los que pueden parecer diferentes pueden hacer las cosas bien.

Y que lo intente todos, que todos cocinen en la casa y si no les sale es porque no lo han intentado lo suficiente.

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Hace unas semanas, el 19 de Julio para ser exacto, se cumplieron 20 años de uno de los discos fundamentales para mí, para algunos de mis amigos y que hizo que la banda conquistara el mundo desde una vitrina poco prometedora como es la del Punk Rock.

Me refiero al ‘Punk in Drublic’ de NoFX. Últimamente en las redes sociales se puede observar que todo el mundo está celebrando ‘los 10 años de…’, ‘los 15 años de…’, ‘los 30’, ‘los 40’, etc., pero ninguno había significado tanto para mí como este, con plena década dorada del Punk Rock californiano a su favor, Ryan Greene* y Michael Burkett (más conocido como ‘Fat Mike’), fueron los encargados de producir esta gema dentro de la historia discográfica del nuestro querido y amado Punk Rock. / *Productor detrás de este y de muchos discos cruciales en la historia del Punk Rock.

Uno de los méritos más absolutos de esta producción es que se venderían más de un millón de copias (disco de oro le dicen los periodistas), sin sonar en la radio ni en la televisión y venidos de un sello independiente que veía como con este álbum (junto a varios otros títulos) el negocio ya comenzaba a dar sus primeras caricias de rentabilidad, me refiero a Epitaph.

El disco no solo hizo explotar alrededor del mundo a la banda y a Epitaph, sino que se convirtió inmediatamente en uno de los referentes más potentes del género en la década de los 90 y una de las principales influencias para todas las bandas que vinieron después, redefiniendo el status y la calidad de grabación de un disco de Punk.

NoFX estaba haciendo (sin saberlo quizás) muchos cambios en el Punk de la década y ‘Punk in Drublic’ terminó de redefinirlo, deja claro que el Punk Rock con melodías puede ser divertido y descarado y dejando atrás definitivamente la escuela de los 80’s.

RECORD SPECIAL REVIEW

20 años del ‘Punk in Drublic’Andrés Infante | infme.org | mixtapelovers.com

‘He should’ve been on the cover. He should’ve been on the cover. He should’ve been on the cover

of Punk and Disorderly’

NoFX ‘Punk Guy’ – Epitaph Records 1994

¿Qué cambió en el punk después de Punk in Drublic? Personalmente creo que este es un disco que revolucionó el género con la mezcla de ritmos, con la melodía sátira y la calidad de los temas, sintetiza la evolución del Punk hasta ese momento e influye en miles de bandas que después siguieron esa estética musical.

Entrando de lleno en lo que es el disco, creo que hay algunas injusticias dentro que me es necesario mencionar. El disco está lleno de 17 buenas canciones, la 2da es ‘Leave it Alone’, pero viene después de ‘Linoleum’ que debe ser uno de los himnos de guerra más coreados en la historia del Punk, entonces uno llega demasiado excitado a la segunda, en donde disfrutas el cigarrillo (injusticia #1), pasa algo similar con ‘The Brews’ que por muchos años fue la canción junto a ‘Kill All The White Man’ de The Longest Line (1992) que cerraban sus shows, entonces eso le da una importancia especial, pero previo a que aparezca la canción en el disco, hay que pasar por un desenfreno de emociones con ‘Don’t Call Me White’ (otro clásico sin duda alguna), la tranquilita ‘My Heart is Yearning’ y la velocidad de ‘Perfect Government’, entonces como que uno llega cansado a ‘The Brews’ (injusticia #2), ‘Jeff Wears Birkenstocks’ tiene la mala suerte de estar entre ‘Lori Meyers’ y ‘Punk Guy’, pero bueno, son cosas de la vida (injusticia #3).

Con los años a la banda le ha ido genial, la única manera de mantener vigente tu banda es trabajando en ella, sacando todos los discos que puedas, llegando a lugares desconocidos, viajando y portándose como el culo en todo el mundo, y todo de manera independiente, creo que ese es el mayor mérito de la banda, su trabajo, por algo llevan más de 30 años tocando, teniendo a varias generaciones de fans en el cuerpo, y más encima, les va bien, increíble.

Pasaron 20 años de que 17 canciones reunidas en

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‘La primera vez que supe de NOFX fue un mini-libro de Green Day que compré en alguna tienda en el Portal Lyon el año ´97. Tenía unas páginas dedicadas a las dos grandes disqueras de Punk (según los autores) de ese tiempo: Lookout

y Epitaph. Por supuesto escribían sobre NOFX y con la descripción supe de inmediato que era una banda que debía escuchar. Es así como llegué al ‘Punk

in Drublic’ a través de un tape pirata comprado a mis amigos del persa Bio-Bio. No sé bien si es porque fue el primer disco de NOFX que escuché, que es mi álbum más querido, o simplemente porque cada una de las canciones son

genialidades y pegajosas. ‘Punk in Drublic’ a mi gusto es a NOFX lo que es ‘Dookie’ a Green Day, ‘Smash’ a The Offspring, ‘Suffer’ a Bad Religion o ‘Step

Back Step’ a New Kids on the Block.’ – Matías Muñoz (Lili Champ)

‘No sé si es la edad, pero últimamente cuando escucho un disco pienso en que momentos o circunstancias ese disco me ha acompañado, cuando hago ese ejercicio con el ‘Punk in Drublic’ se me pone la piel de gallina, cada vez que

escucho el primer riff de ‘Linoleum’, siento que todo vale la pena, aunque solo sea por un momento.’

– Armando Torrealba (Germenterror, Mantra Bikes)

‘’Punk in Drublic’ fue un disco que en su momento nos voló la cabeza a todos, la energía y esa extraña mezcla de webeo y nostalgia son inolvidables.’

– Carlos Kretschmer (BBs Paranoicos)

‘Antes de ‘Punk in Drublic’ yo creía que el Punk melódico empezaba en The Offspring y terminaba en Green Day, y de repente escuché este disco y descubrí

todo el universo que había allí. Lo más bacán era que me lo prestaron con el ‘Punk in Drublic’ en un lado del Cassette y el ‘Full Circle’ de Pennywise en el

otro’ – Volodio

‘Fue ese tipo de disco que no dejaba indiferente, lo odiabas o lo amabas, lo tenías en Tape pirateado o comprabas el CD importado a precio de oro, fue un disco que en el persa vendíamos por Kilo, el ‘Punk in Drublic’ entre otras cosas

me permitió comprar el boleto de avión para venirme a Europa, todavía guardo una copia del Cassette con la tapa en fotocopia a color’

– Carlos Gálvez (Inhumano Discos)

‘Me dan ganas de salir corriendo sin rumbo fijo, pero totalmente feliz y lleno de energía’

– Piojo

‘Debe ser, junto al ‘Dookie’ de Green Day, uno de los pocos discos que tengo en todos los formatos y que he comprado más de una vez porque una copia

termina pidiendo fidelidad con las repetidas escuchas que le di. De hecho, tipo el 2005 lo renové en CD y el vendedor de la tienda me hizo el mismo alcance:

‘Uh, este es un LP la raja!, lo tuve cuando chico y ahora lo compré hace poco de nuevo porque mi CD andaba a los saltos’. Cuando me metí en el Punk Rock el

94, casi todas las bandas clásicas me parecían bien pajeras y faltas de energía si las comparaba con el Trash/Death Metal que escuchaba al mismo tiempo…

por suerte llegó alguien con Descendents, Circle Jerks y unos pocos meses después obviamente este disco copiado en un TDK de 90’ con Youth Brigade al otro lado. Apretar Play fue la zorra… la intro de Linoleum debe ser una de las más reconocibles en la historia del Punk. Tengo un montón de anécdotas para

contar con NoFX, falta espacio bro.’ – Felipe Sancy (Detective, The Devil Is Taking Names ‘Zine & TV)

un solo lugar hicieran algo importante dentro de la música independiente, no solo la manera de sonar, sino que como se hicieron las cosas, pasaron 20 años y las cosas cambiaron, nos comunicamos a través de redes sociales, hicieron una especie de reality para la TV (Backstage Passport 2009) en donde mostraron al mundo la intimidad de la banda en su gira por el mundo el 2006, cuando lo íbamos a pensar, en 1997 con mis amigos decíamos ‘que pena nunca poder ver a NoFX en vivo’ porque en esos tiempos para nosotros sí que todo era ‘independiente’ entonces ese tipo de bandas no venían, esas cosas no nos pasaban a nosotros y mira, ya los hemos visto 2 veces (2006 y 2012, pudieron haber sido 3, terremoto conchetumadre), pasaron 20 años, hace poco en la última versión del Groezrock tocaron el ‘Punk in Drublic’ completo, de principio a fin. Ahora ellos tienen hijos, vidas familiares y usan la tecnología a su favor para seguir mostrándole el dedo del medio al mundo, todos sabemos que el Punk es más que un tipo de música en particular, es la vida misma, depende de cada uno como la enfrente.

Lo he dicho miles de veces, NoFX para mi es una banda que la relaciono inmediatamente con mis amigos, por lo mismo quise invitar a algunos que comentaran brevemente que significa para ellos el ‘Punk in Drublic’:

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Replacements fueron una pandilla de cuatro gamberros, entusiasmados con el espíritu e inmediatez del punk. Formados por Paul Westerberg (en guitarra y voz) más los hermanos Stinson: un imberbe Tommy en el bajo, Bob en guitarra y completaba el cuadro Chris Mars en batería.  En un principio ungidos como Dogbreath y luego como  The impediments, se vieron forzados a cambiar este último nombre debido a que en los locales de Minneapolis comenzaron a ganarse fama de problemáticos bebedores de cerveza y amigos del puñetazo fácil. Esto más escandalosos en directo, les hizo ganarse a unos pocos pero fieles seguidores.

Ya como Replacements grabaron su debut para la discográfica independiente Twin / Tone: Sorry Ma, Forgot to Take Out the Trash, fue el nombre dado a la primera colección de 18 ponzoñosas e irónicas canciones, orgullosas de su descuido y falta de disciplina. Replacemets, no encajaban del todo en la etiqueta Punk y ese era parte de su encanto. Podían ser el rudo matón del barrio que al llegar a su pieza le escribía poemas a la chica que no se atrevía declararse.

Replacements siempre estuvieron más por la pilsen que por la fama, más por la farra que por agradar. El descuido fue siempre su divisa. Su segunda entrega fue Stink un  E.P. de ocho canciones y quizás su último esfuerzo de Punk Rock,

Por Ricardo VargasTHE REPLACEMENTS: GUSTO EN CONOCERTE, NUEVAMENTE

Lo que en un principio se dibujaba como una corta reunión para grabar, durante el 2012, un E.P. En solidaridad con Slim Dunlop (ex guitarrista de la banda afectado por una parálisis). Se fue transformando con la confirmación de unas fechas en vivo (como cabezas de cartel) en los Festivales Riot Fest (versión 2013) de Toronto, Chicago y Denver del año pasado, en algo más serio que se ratifica con fechas para el Coachella del presente 2014. Será algo definitivo. Los fans de los “Mats”  (como cariñosamente se les conoce) saben que son impredecibles.

a diferencia del Sorry Ma aquí las canciones se notan un poco más cohesionadas. El disco abre con una grabación en directo de un policía dirigiéndose a una multitud  Go home…  this the Minneapolis Police the party´s   over   advierte el representante de la ley, orden y el aburrimiento. Continúa amenazando con llevarlos a prisión (nada novedoso de su parte) luego Replacements atacan con sus instrumentos y Westerberg aclara las cosas después del clásico  one, two, trhee, four… kids won´t listen to what you´re sayin.  Imposible no esbozar una sonrisa.

La banda giraba accidentadamente y se hicieron la leyenda de directos inciertos dónde podían ser la banda más gloriosa en directo a pasar a ser cuatro borrachos haciendo sonar sus instrumentos (el bootleg Live & Drunk da testimonio de eso). Junto al litro, sus caprichosos en vivo incluían alteraciones de sus canciones y hasta incluir con más de la mitad del set covers de disimiles bandas: Black Sabbath, R.E.M., Led Zeppelin, Sex Pistols (ver When The Shit Hit The Fan). Todas esas excentricidades estaban 100% hechas con honestidad.

Hootenanny (nombre que hace referencia a una impro grupal de folk) inicia el cambio, solo estilístico, de la banda. Se atreven con el folk, country,   y hay tímidas aproximaciones al pop. El fanatismo por Big Star y T-rex comienza a

asomarse, sin dejar del lado las canciones a la vena. El cinismo lo pone la parodia a los Beatles Mr. Whirly.

El siguiente paso resultará ser el disco más exitoso – por lo menos en crítica – de la banda.   Let It Be. Bautizado así en parte en referencia a los Beatles y por lanzar un rumor de disolución. Si Hootenanny fue el tanteo a nuevas rutas   Let it Be fue el paso definitivo y la autoafirmación de Westerberg como un multifacético y talentoso compositor. El disco patea con la saltarina I Will Dare, que incluye la guitarra de Peter Buck de R.E.M. con quienes ya acostumbraban a girar.

Let It Be incluye la punzante Unsatisfied y la composición en solitario de Westerberg Androgynous. El humor desfachatado de su primera era aún subsiste entre el desgarro o madures de las composiciones Gary´s Got a Booner y Tommy Gets His Tonsils Out tratan acerca de ereccion y operación a las amígdalas. Y se dan el gusto de hacer un cover de Kiss God Of Thunders. El que según la mitología no fue del agrado de Gene Simmons.

Todo eso no hizo más que decidir a la multinacional Sire a ficharlos. Tim es la amarga y cínica respuesta de Replacements al mainstream. Además de realizar ese anti video clip que es Bastard of Young, el disco contiene grandes canciones como

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Left of the Dial, I`ll Buy y el amargo retrato de un alcohólico Here Comes a Regular.

Por aquel entonces la banda aparecería, promocionando el disco, en el programa Saturday Night Live. Cómo de costumbre el estado “alegre” producto del alcohol era más que notorio, pese a eso la performance de Bastards Of Young y Kiss Me On The Bus fueron intensas, solo que Westerberg olvidó una que otra frase de esta última. El estado etílico más una maldición al aire del cantante hizo que los prohibieran de volver actuar en dicho programa.

El cambio de rumbo tomado por la banda, más los excesos de alcohol y drogas hicieron que Bob Stinson fuera expulsado de la banda. Con él se marchaba parte del espíritu inconformista y excéntrico de la banda. A su muerte (el 18 febrero

de 1995) sus amigos sentenciaron que el nació y murió siendo un Replacements.

Con Slim Dunlop, como remplazo de Bob Stinson, la banda se enmarca en la gira promocional de Pleased To Meet Me, un disco parejo que sigue la línea de Tim y que contiene el homenaje a Alex Chilton. Pese a justificar el despido de Bob Stinson por su errática conducta y adicción. La banda seguía manifestando los efectos de los excesos.

Para aumentar su fama de conflictivos en la gira con Tom Petty, al parecer Replacements no se hallaban muy a gusto con el ambiente. Buscando que Petty los sacara del Tour se metieron a revisar las maletas de su esposa, y subieron a hacer el show disfrazados con los vestidos y ropa interior da Jane Petty.

Lamentablemente para sus intenciones, Tom Petty pese a no agradarle la broma, no caducó el contrato y la afectada tomó con humor la broma llegando a decirle a Westerberg y pandilla que  sus vestidos les quedaban mejor que a ella.

En otra ocasión para manifestar su descontento con el manejo de su sello le enviaron a un importante ejecutivo de la empresa una bandeja con heces.

Ya los siguientes discos estaban directamente orientados a un sonido más mainstream hasta llegar al colapso y disolución en 1991.

Las circunstancias, en este caso aciagas, la parálisis de la mitad del cuerpo de Slim Dunlop y el usurero sistema de salud que nos brinda el libre mercado alrededor de casi todo el orbe los ha traído de vuelta.

DISCOS RECOMENDADOS:‘Sorry ma, forgot to take out the trash’ (1981)‘Let it be’ (1984) ‘Tim’ (1985) CANCIóN DESTACADA:· Bastards of young / Left of the dial - Tim

Tim fue el primer disco que facturaron por una multinacional y por ende los cuatro de Minneapolis se las vieron con mierdas como marketing y video clips. Bastards Of Young fue el primer video clip de la banda. La canción empieza con un ácido riff de guitarra que da pie a un ¿alarido – aullido? La canción es un rock a medio tiempo que contiene una diatriba al conformismo de la juventud crecida bajo el alero de la era Reagan y finaliza simulando un disco que se queda pegado, repitiendo el mismo ritmo. Si la canción no era la optima para “venderse” el vídeo tampoco lo fue… No por ser obviamente provocador. Replacements fueron bruscos pero astutos. El vídeo es una sola toma en blanco y negro de un altavoz que late al ritmo de la música. Luego se ve la espalda de un hombre, que se sienta a escuchar la canción, prende un cigarro y al llegar a la “raya del disco” patea el parlante y se retira. Llamadle autoboicot.

Left  of the  dial, es quizás la más emblemática de sus composiciones. La que por años fue y sigue siendo considerada un himno a las radios college, no es más que una camuflada declaración de amor ¿La destinataria? Angie Carlson, guitarrista de Lets Active quienes abrieron

unos shows en la gira promocional de Let it be. La canción es el epitome perfecto de la formula del ahora cliché loud/quiet/loud. La composición se sostiene siempre en un aire nostálgico. El solo de Bob Stimson a la mitad de ésta y que da pie a la voz de Westerberg para que cante Pretty girl keep  growin´ up, playin´ make up, wearin´guitar no hace más que terminar de erizar los pelos. Épico.

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AlEvOSíA iNfeccióN por Simón Monserga

Alevosía es una banda que viene trabajando hace ya bastante tiempo y sus integrantes han tocado en bandas con una historia dentro del hc punk. En esta oportunidad nos presentan un disco muy oscuro, que me recuerda estéticamente y musicalmente a las bandas de neo crust o de hc a lo Catharsis. Las letras si bien tienen un gran carácter político mantienen esta oscuridad.

El disco parte con fuerza y esto se mantendrá durante todo el EP, los juegos de la voz y la música no bajan en intensidad a lo largo de todas sus canciones, muy buenos cambios y cortes, lo que hace que al escucharlo de inmediato te den ganas de mover la cabeza o imaginarte bailando en el mosh. El disco tiene un sonido muy cuidado y esto se agradece mucho.

Infección es un disco totalmente recomendado.

bOSquE historias soBre la distaNcia por Simón Monserga

Bosque nos presenta su EP debut, son 20 copias numeradas a mano, con un diseño que me recuerda mucho a la de bandas emo francesas de los 90tas, las letras vienen a parte en un sobre fuera del cd, que es lo único que me molesta ya que se me pierden constantemente.

El disco comienza con fuerza, me sorprendió para bien ya que esperaba esas largas introducciones que son típicas en bandas como Bosque, partimos con un punto a favor. Musicalmente es una banda que combina unas guitarras que me recuerdan mucho a la banda japonesa Mono, con el post hardcore de bandas más nuevas, excelente combinación y debo de decir que Bosque es de esas bandas que me agrada ver en vivo, porque suenan impecables y por la fuerza que dan en sus shows, eso se rescata a la perfección en este EP. Las letras de bosque son personales, hablan de derrotas, recuerdos y dudas existenciales. Es un disco muy bueno y creo que hay que ponerle mucho ojo a lo que viene de ellos.

SÉPTImO InFERnO s/tpor Simón Monserga

Un disco oscuro es lo que encontramos en este demo de Séptimo Inferno. Lo que se suele llamar ‘Holy terror’, algunos se preguntarán ¿Qué cresta es eso? La referencia rápida es Integrity, pero en este caso yo incluiría a Corrupted, que si bien no es una banda que este dentro de este género, si se cuela por todos lados en esta banda. Sus letras giran en torno a la crítica a la iglesia y una misantropía que se mantiene en estos temas llenos de humo y rituales satánicos. Un disco redondito, con un muy buen sonido, bajos potentes, profundos y una voz que va muy bien puesta, el grito justo que va dando la atmósfera. En resumidas cuentas una banda precisa para caminar por el centro de cualquier ciudad odiando a todo lo que se ha construido sobre la base de la miseria humana y la falsa paz impuesta por los poderes fácticos.

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FAnTASTIc DAmAgE el p (defiNitive Jux, 2002) por El Flakelismo

Después de que el caos del año 2000 no fuese tal, y la golden era del rap fuese quedando atrás aparece el año 2002 un disco que se hace cargo de vaticinar el apocalíptico futuro próximo, Factastic Damage el primer disco en solitario de El P (James Moline).

Fantastic Damage es un disco con un propuesta clara, con una visión, en el que forma y fondo van de la mano y hacen que el disco funcione, letras que describen la actualidad, que la ironizan, que no desentrañan ningún misterio si no que se hacen cargo de escupir lo que lo que pasa en el Brooklin, en el mundo del año 2002, todo esto acompañado con instrumentales llenas de sintes, guitarras distorsionadas, ritmos afilados que le dan el carácter apocalíptico a este disco, claro signo de esto son los tracks Deep Space 9MM y Stepfather Factory, solo por mencionar dos de un disco lleno de buenos tracks.

La visión que el El P tiene del rap, la forma de abordarlo y construirlo se asoma ya en el álbum de Company Flow (Rawkus Records 1997) trabajo en conjunto con Bigg Jus y Mr. Len elegido como uno de los discos del genero mas importantes de la década, dicha visión logra continuidad y se desarrolla en la fundación de su sello (Definitive Jux) y los posteriores álbumes de Moline.

Te puede desesperar, poner ansioso o volarte los oidos, lo que esta claro es que este album no podra, en ningún caso, dejarte indiferente.

wIlDER gOnzAlEz AgREADA liMa Norte MetaMusica por Simón Monserga

Wilder Gonzalez hace varios años que viene experimentado con la música, buscando sonoridades y reivindicando el ruidismo, perteneciente en los 90tas a la ya mítica agrupación peruana “Crisálida Sónica”.

En esta ocasión nos presenta su nuevo material, llamado “Lima Norte Metamúsica”, un obra creada con la participación del artista Anthony Ausang, el cual es reconocido por su participación en diferentes trabajos relacionados con la psicodelia, masterizado por Aaron Snow (de la banda Landing), cuya edición física salió por el sello de Wilder llamado SuperSpace Records, que ya lleva tiempo sacando muy buen material.

El trabajo musical es una mezcla deliciosa de ruidos y texturas que van generando una atmosfera particular que va encajando con la voz perfectamente mezclada entre este mar de sonoridades que por momentos me recuerdan a ciertas bandas de DUB y de psicodelia.

Son 7 temas en total que van adentrándote a un viaje por sensaciones recluídas en espacios recónditos de la mente.

Un muy buen disco que te puede acompañar en viajes extremos de autoconocimiento.

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mInDlESS http://MiNdless.BaNdcaMp.coM por Rogelio (krustie!)

Mindless es una banda oriunda de Austin (TX) que cuenta entre sus componentes a ex integrantes de Hatred Surged; a su haber cuentan con un demo tape y dos 7” pulgadas Human Conditioning (2010) y Planet of Pestilence (2013), este último editado por To Live Alive Records (http://tolivealive.com). Los parámetros de sus grabaciones difieren unos de otros aunque mantienen un sonido ligado al sludge (metal) mezclado con algo grindnoise dando como resultado una sólida mezcla de sonidos y estructuras que no dejan indiferentes; uno podría pensar que suenan a los Hatred Surge pero nada se aleja más de la realidad, con sonidos complejos, llenos de coloraturas y una vocalización bastante harsh.

La descarga de la base rítmica es similar a lo que hacen bandas fastcores pero en este caso como usan bastante blast beat se acerca mucho más al powerviolence, que se ve reflejado absolutamente en el primer 7 pulgadas, diría que en la vena de Apartment 213, porque se posiciona más sobre los sonidos graves de las composiciones a diferencia de los clásicos que apuestan más a los tonos agudos en lo que a cuerdas se refiere; ahora bien, si comparamos el primer y el último trabajo de la banda obviamente se notan las distancias (ojo, no diferencias) tanto armónicas como interpretativas, haciendo que el trabajo de Mindless se transforme en un golpe preciso con una dinámica que no aburre y que se escapa de los convencionalismos del hardcore más visceral, ese que te hace cortar las camisetas y llenar de parches tus chaquetas. ¡Gratamente Recomendable!

KEn bOOTHE Mr. rocksteady / lp alBuM / studio 1 #so 3101 / 1968 por Radio Chimba Sound

Recién estoy perdonándome por haber dejado pasar tantos años sin haberlo escuchado. Siempre pensé que era una simple compilación, quizá me resultaba muy obvio el título “Mr Rocksteady” como para hacerle el click de descarga y es que tropezarse con un Lp de este jovenzuelo no es tarea fácil. Pero el destino se encargó de hacer justicia y traer a Ken Boothe al sur del mundo, a los oídos inquietos de los jóvenes amantes del rocksteady de manos de la Radio Chimba ya no sólo con sus mejores éxitos, sino que también con sus raíces en éste reciente ritmo rocksteady (que técnicamente partió en 1966), puesto que “Mr rocksteady” no es una simple compilación de temas grabados por Ken Boothe para Coxsone Dodd de Studio 1 (en realidad eso ya lo hace grandioso), sino que es la “primera” compilación de Ken Boothe desde Studio 1, son las composiciones que lo llevaron al éxito, desde su comienzo del contrato dos años con tan mítico sello, canciones con las cuales alcanzó fama y gloria en Jamaica y en Reino Unido que servirían como base en su inmortalización. Y es que realmente es un placer oír tocar a los Sound Dimension* con Jackie Mittoo incluido, al ritmo del Señor Rocksteady. Sin duda un álbum memorable que muestra la versatilidad vocal, rítmica y sensacional, que nos deja clara la relación Rocksteady-Soul y por qué los jóvenes skinhead lo llamarían “El jefe”.

*(Banda soporte o de base para Studio 1 en ese momento, recordemos que los sellos Jamaiquinos tenían bandas soporte en sus dependencias, las cuales debían acompañar y grabar en directo a los jóvenes soñadores del canto)

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cHERRY glAzERR haxel priNcess (Burger records - 2014) por Cristobal Moya

Juventud divino tesoro. Con apenas 17 años, Clementine Creevy (guitarra, vocales, teclado) y compañía, entregan un segundo álbum que logra esperanzar nuestros oídos y corazones y nos hace sentir que las nuevas generaciones no están tan perdidas después de todo. Quizás poniendo todo en perspectiva quienes nos anteceden también podrían haber pensado que terminaríamos ahogados en nuestro propio vómito después de una tocata tributo a La Renga con El Club de la Comedia pasando por la tele.

El trío californiano (Hannah Uribe de 16 años en batería y Sean Redman de 22 en bajo completan el grupo) se hacen cargo de una tradición que comienza en Europa con bandas como Blumchen o Kleenex y que fuese luego continuada por Throwing Muses o unas primeras Hole y más recientemente por Vivian Girls o Dum Dum Girls. Ah y The Shaggs, por supuesto, que no queden fuera las Shaggs. Y es que la relación con estas últimas (guardando las distancias claramente) parece cósmica y más esotérica que racional, ya que por más que algunas resonancias y la edad de los integrantes puedan evocar al trío de hermanas, hay algo de candidez y perversidad al mismo tiempo en ambos actos que logran calar hasta el alma más dura y escéptica. Recalco, guardando las distancias y no porque me desagraden las hermanas Wiggs, todo lo contrario. Sino porque muchos salen huyendo y con ganas de tirarse de lo más alto del Costanera Center tras escuchar Philosophy of the World, mientras que tras este Haxel Princess las ganas de agarrar una guitarra o una batería (real o imaginaria) en los temas más ágiles y el deseo de un pastel de chocolate y estar en posición horizontal (probablemente influenciado por el magnífico video promocional de la canción White is not my color this evening) en las pistas más pausadas son inevitables.

Si bien algunos escenarios pueden evocar a una Scout Niblett o una Cat Power de los 90’s por su melancolía (y creo que he citado demasiadas bandas), Cherry Glazerr se sostienen por si mismos (mucho más que varios de sus contemporáneos) posiblemente y gracias a la soltura de la composición e interpretación de sus temas, simples, sinceros, malévolamente pop. Punk? Psicodelia? Garage? Todo eso y más. Simplemente un disco que me robó el alma.

DETEcTIvE ep por Simón Monserga

Detective es una banda de Pop Punk, sonidos pegajosos con letras que hablan en su mayoría de amor, cortes punk rock que hacen recordar musicalmente a las bandas de este tipo de los 90tas, ese tiempo donde aun era bien mirado decir que escuchabas Emotional Punk o Emo.

Este Ep consta de 5 temas con letras que no tienen absolutamente nada que ver con sus nombres y esto muestra el humor de la banda (“Pusimos Fuegos Artificiales En Tu Casillero”, “Corazones Service”), pese a que sus letras en general son bastante tristes, lo cual me parece un juego muy entretenido.

Los temas en cuanto a lo musical me recuerdan a Lifetime, Get Up kids, esa parte más melódica de lo que fueron los 90tas en el hc. Suena muy bien este Ep y te deja con ganas de seguir escuchando más temas, sacar la patineta, ponerse la mochila y llorar por los rincones de la ciudad por algún amor perdido.

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cRISTóbAl EmE verdad aBsoluta por Simón Monserga

Es difícil seguirles los pasos a Cristóbal, muta constantemente de proyecto en proyecto, su última reencarnación es Cristóbal Eme y nos presenta esta vez un álbum extraño (como es ya costumbre en sus trabajos) que va girando desde el postpunk español, con sintetizadores de los 80tas, a experimentaciones con tambores tribales, todo esto adornado con una voz desganada, oscura, que va cantado letras crípticas.

“Verdad absoluta” es un viaje en alguna droga psicodélica y que te hizo pasar un pésimo rato, que te atrapó y no puedes dejar de vivirlo porque existe un cierto terror morboso en estar en ella; te dejas llevar de principio a fin en ese camino al purgatorio.

A veces Cristóbal te deja pensar que puedes bailar pero ese baile tiene un dejo extraño, podrido, bizarro que da la sensación de estar disfrutando en una película de terror de serie B y tus pies los puedes ver rozando interiores humanos.

Son 11 temas grabados, tocados y editados por Cristóbal, esto nos da las pistas de la intimidad de este disco. Totalmente recomendado pero con una salvedad, yo lo pensaría dos veces en ponerle play si estás con tus percepciones alteradas.

uPSET she’s goNe (doN giovaNNi, 2013) por Cristobal Moya

Ali Koehler puede ser recordada como la divertida baterista de las Vivian Girls, aquella a la que le tiraban pasteles en la cara y le explotaban globos en el video de Moped Girls, o como la tierna percusionista de la primera formación de Best Coast. Hasta hace poco. She’s Gone es el debut de Upset, banda liderada por la ex Vivian Girl, y para la cual cuenta con la ayuda de su ex colega Katy “Kickball” Goodman en bajo, Jenn Prince en guitarra y voz y la participación de la protagonista del documental “Hit so hard” Patty Schemel, también conocida como la ex baterista de Hole. Sí, podríamos decir que éste es un supergrupo, aquellas bandas formadas por un dream team, como lo han sido Snow Pony, The Last Hard Men o Neurotic Outsiders por nombrar algunos.

Ali tira toda la carne a la parrilla (como en todo buen debut) y a lo largo de 13 canciones demuestra su encanto tanto en las dulces vocalizaciones como en las crudas guitarras y se luce como una excelente compositora de punk pop, heredera de los sonidos de grupos como Fastbacks o The Muffs e incluso de las niponas Shonen Knife (el tema Game Over sirve de prueba), alejándola de lo que podría haber sido el paso más obvio, emparentarse con el sonido sonico y lo fi de sus anteriores proyectos. En verdad esto no es del todo cierto, puedes sacar a una chica de las Vivian Girls, pero no le puedes sacar las Vivian girls a una chica; las voces suenan dulces y a ratos espectrales y las letras continúan la tradición naive. Queen Frosteen es un llanto pop sobre envidia entre bandos rivales de chicas, que parece salirse de los parlantes para ponernos de parte de Ali. El primer single es el tema que cierra el disco, You & I, que cuenta con un hilarante video sobre el punk hoy en día (ojo, que pasa lo mismo acá en Chile para bien o para mal), una acelerada canción de desamor, que en menos de dos minutos sirve de carta de presentación para un disco que revive y refresca las aguas del pink punk y para una banda que nos introduce a una líder astuta y carismática y que ojalá siga activa más allá de su formación.

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bbS PARAnOIcOS capital lp ( iNhuMaNo) por Pablo Durán

Para ser sincero, a BBS los dejé de seguir luego de ‘Algo no anda’, que es el disco anterior a este y el cual considero como mi favorito de la banda. Raro el hecho de que les perdí el rastro justo después de aquel disco, pero me imagino que fue por haber estado escuchando otras movidas. Conozco bastante a BBS eso sí, fue una de las bandas con las que crecí escuchando y yendo a ver en vivo en mis primeros tiempos en el punk, como muchos otros que de seguro también BBS resultó ser una puerta de entrada en el hardcore punk.

Antes de ir a lo estrictamente musical, me gustaría hacer hincapié en la edición misma del disco, que es de una calidad espectacular. Tapa e insert gigante a todo color y vinilo púrpura transparente! Una edición extraordinariamente bien cuidada que no tiene nada que envidiarle a los discos que sacan los sellos gringos hoy en día. A ver si la gente se pone las pilas y apoya un poco más estas producciones locales, sea en el formato que sea, así se genera incentivo para emprender proyectos totalmente DIY como estos.

La verdad, escuché este disco por primera vez cuando lo recibí en vinilo hace un par de semanas. Es un disco que al parecer marcaría un cambio significativo en el sonido de BBS después de ‘Algo no anda’, que era un disco más de la escuela tradicional del punk melódico de los 90s. La verdad hay muchos nuevos elementos en este disco, como algunos arreglos de guitarra que a veces me pueden recordar incluso a Foo Fighters o ese tipo de bandas, que quedan muy bien tengo que decir. Es un disco mucho más rockero que cualquiera de sus antecesores y que marcaría pauta para lo que se vendría después con el álbum ‘Antidoto’.

La distintiva voz de Omar esta vez es protagonista en casi todas las canciones que, personalmente, considero es un punto en contra, ya que tiendo a tener afinidad por las voces más toscas como la de Carlos en este tipo de bandas. Nada que impida disfrutar del disco en absoluto debo decir, solo un pequeño detalle que me tomo la libertad de señalar, jaja. Las letras son verdaderos relatos sobre la ciudad en sí y todo lo que esconde entre sus calles, historias y vivencias de gente común.

En definitiva, un disco que me sorprendió mucho y de forma grata. Se va directo a mi colección y espero que a la tuya también.

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47PArOxiMiA y COsMOVisión (Comité de Gente Desesperanzada)

Entumidxs estamos. En la geografía de la música.

Hay razones para todo supongo, pero una bastante compleja para mí de entender es el por qué hablamos tantos idiomas distintos pero por sobre todo distantes... es tan raro como todo lo demás y sigo acá sin más que suponer cosas.

De lo supuesto pasamos a lo intrínseco en un abrir y cerrar de ojos, convertimos en verdad una pequeña sombra y nos aferramos sin más a ella. Puesto el sol sofoca tanto como los supuestos y no hablo de probabilizar las cosas sino de lo que algunxs suponen, lo que suponen debe ser de una u otra forma.

Sea como sea están los idiomas, y a pesar de nuestro rechazo hay distancias entre nosotrxs, algunas más menguantes que otras pero dejan de estar. Sin embargo nos sobra el mar, y carecemos de islas, sin embargo nos sobra desierto y carecemos de oasis, sin embargo carecemos ¡pero ahí están!. Solo para quienes quieran realmente verlos, cuando cruzamos las fronteras que nos impone el ejército, cuando jugamos a ser ciudadanxs que pagan su pasaje, cuando nos atrevamos, vamos a encontrarnos con alguien tan entumidx como tú o como yo, oirás su voz en otro idioma, oirás su fonética un tanto más alterada quizás, pero la oirás de todos modos. Oír una canción se parece tanto a escuchar otros idiomas cuando viajas, otra gente.

Escuchar una canción es romper con lo irracional. La oigo acá en mi casa, oigo un alarido y unos bajos que no fueron grabados en mi casa, ni cerca sino a kilómetros, a miles de ellos y ver que a esos miles de kilómetros de distancia alguien está sufriendo igual, alguien está amando igual, alguien se siente tan pequeñx o tan grande; escuchar una canción es viajar y abrazar a personas que quizás nunca en tu vida vas a ver. Viajar es escuchar una canción, es conocer personas que quizás no entiendas ni un poco lo que están hablando pero ahí los gestos, las miradas cómplices; no siempre es necesario entender del todo para comprender que podemos querernos con solo escucharnos. Escuchar canciones es eso, una geografía

palpable que me llevará al lugar que ella elija para mí, es un lugar donde no existen los países. Escuchar una canción es derogar los supuestos y abrazar las posibilidades. Es tomar lo necesario para decirle hola a alguien que dice ‘HI’, es tomar lo necesario para entumirle el pecho a una compañera en algún rincón; es la música hasta ahora todo lo que tenemos lxs más micro fisuradxs por esta lógica de vida que tenemos que vivir.

Oír una canción es un instante de reunión, donde nadie queda fuera, sea el pop o sea el punk, cada melodía está inscrita por y para alguien, cada canción inscrita en la pequeña posibilidad de salvar la vida de alguien aunque sea por míseros 3 minutos, sin importar absolutamente nada; cuando escucho una canción siento que la utopía es un estigma de lo más escabroso porque siento tan real el mundo, cuando lo hago...