AUGUST KLUGHARDT 1847–1902 Quintet in C Op.79 for flute, oboe, clarinet, horn and bassoon 1 I. Allegro non troppo 9.47 2 II. Allegro vivace 4.35 3 III. Andante grazioso 3.56 4 IV. Adagio – Allegro molto vivace – Più mosso – Tempo I 5.39

GEORGE ONSLOW 1784–1853 Quintet in F Op.81 for flute, oboe, clarinet, horn and bassoon 5 I. Allegro non troppo 7.31 6 II. Scherzo: Energico – Poco più lento – Tempo I 3.09 7 III. Andante sostenuto 5.38 8 IV. Finale: Allegro spirituoso 4.45

LOUIS SPOHR 1784–1859 Quintet in C minor Op.52 for piano, flute, clarinet, horn and bassoon 9 I. Allegro moderato 11.25 10 II. Larghetto con moto 6.08 11 III. Menuetto: Allegretto – Trio 5.09 12 IV. Finale: Allegro molto 7.43

75.28

Les Vents Français Emmanuel Pahud flute · François Leleux oboe · Paul Meyer clarinet Radovan Vlatkovic horn · Gilbert Audin bassoon

with Éric Le Sage piano

Romantique

Musique romantique pour instruments a ventOn a coutume de ne pas associer le XIXe siècle à un âge d’or pour les instruments à vent. Il faut bien reconnaître que même s’ils connurent individuellement des fortunes diverses – la clarinette et le cor furent mieux lotis si l’on considère la qualité du répertoire – leur place apparaît plus que réduite au regard des cordes ou du piano. En revanche, tous se retrouvent pourtant à l’aube du romantisme dans une remarquable littérature d’ensemble sous diverses formes. L’une dérive de la tradition classique du divertissement ou de la sérénade et groupe cette fois vents et cordes dans de grandes formations allant du sextuor au nonette. Une autre remonte elle aussi à la fin du XVIIIe siècle et associe les vents au piano, dans la lignée des deux célèbres pages de Mozart (K. 452)1 et de Beethoven (op. 16)2. Enfin le quintette à vent proprement dit, nouveauté brillamment illustrée par Anton Reicha et Franz Danzi jusqu’au milieu des années 1820, s’impose comme un genre à part entière avec une écriture savante et recherchée. À défaut de les avoir utilisés en tant que réels solistes, les romantiques ont ainsi eu plus souvent qu’on ne le pense recours aux vents pour leurs couleurs expressives, idéales afin de décrire toute une variété d’états d’âme dans une musique de chambre des plus raffinées. Le présent enregistrement nous en offre une démonstration saisissante.

Des trois œuvres présentées ici, la plus ancienne est celle de Louis Spohr (1784–1859), personnalité dont la musique demeure d’une facture très classique mais qui se montra pourtant maintes fois tournée vers l’avenir. Adepte de nouvelles combinaisons instrumentales, il est ainsi l’auteur de doubles quatuors à cordes, d’un concerto pour quatuor, d’une symphonie pour deux orchestres ou encore de l’un des tout premiers nonettes de l’histoire, pour quintette à vent, trio à cordes et contrebasse (op. 31, 1813). Actif dans la redécouverte de Bach et de la musique ancienne, il fut également un admirateur de Wagner et n’hésita pas à explorer le chromatisme… Après de brillants débuts en tant que violoniste virtuose, ses qualités de compositeur, professeur et chef d’orchestre qui le menèrent à Gotha, Vienne, Francfort puis finalement Kassel, lui apportèrent une exceptionnelle célébrité. Dans un style qui n’est pas sans similitudes avec celui de son ami Weber ou de Mendelssohn – les deux hommes avaient l’un pour l’autre une grande estime – son catalogue recouvre presque tous les genres depuis de scintillantes pages pour violon et une pléthorique musique de chambre jusqu’à l’opéra en passant par le lied et quantité de littérature concertante et symphonique.

Écrit en avril et juillet 1820, d’abord à Londres puis à Gandersheim, le Quintette op. 52 représente la première œuvre dans laquelle Spohr confie au piano un rôle prédominant, initiative qui trouve son origine dans le fait que son épouse, la harpiste Dorette Scheidler, devait renoncer à son instrument mais pouvait poursuivre une carrière de pianiste. Ses capacités en la matière devaient être remarquables car la pièce est d’une grande virtuosité… et d’une écriture guère adaptée à un instrument que le compositeur ne maîtrisait pas réellement. En 1830, Chopin en personne avait déclaré après l’avoir jouée qu’elle était certes magnifique, mais gauche pour le piano au point qu’il était parfois impossible de trouver de bons doigtés ! Le quintette fut malgré tout reconnu comme l’une des pages les plus réussies de son auteur, et joué par quelques autres fameux pianistes tels que Moscheles, Mendelssohn et Liszt. Publié dès 1821, une version pour piano et cordes en parut simultanément sous le numéro d’opus 53.

1 CD : Les Vents Français. Winds & Piano. (2014 : Warner Classics 0825646231850)2 CD : Les Vents Français. Beethoven. (2016 : Warner Classics 0190295919566)

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Reflet de l’admiration qu’avait Spohr pour Mozart et le jeune Beethoven, l’op. 52 substitue cependant une flûte au hautbois, adopte une coupe en quatre mouvements et non plus trois, et présente un caractère plus passionné. Mais alors que sa tonalité d’ut mineur aurait pu servir ce goût du drame qui distingue les premiers romantiques, celui-ci s’efface rapidement dans l’Allegro moderato initial devant un lyrisme d’une infinie délicatesse, largement mené par les vents et ponctué de l’éclat virtuose du piano. Tandis que le Larghetto installe un dialogue des plus tendres interrompu par une section centrale mineure tourmentée – comment ne pas penser à Chopin ? – c’est peut-être le Menuetto qui offre le meilleur exemple de cette expression mélancolique si typique du compositeur. Son Trio contrasté en majeur ajoute une touche d’humour en laissant une première fois le piano seul soutenu par une unique discrète note de cor, et en introduisant les vents progressivement lors de sa reprise pour la coda. Quant au Finale, plus exalté, il séduit autant par son allure tempétueuse que par la fraîcheur enjouée qu’apporte le second thème. Comme les autres mouvements il s’achève en majeur, triomphant aisément des atmosphères sombres.

Presqu’exactement son contemporain, le français George Onslow (1784–1853) prolonge également un langage classique. Lui aussi connaîtra du reste une extraordinaire notoriété, comparable à celle de Berlioz ! Joué dans toute l’Europe, élu à l’Académie des Beaux-Arts puis à la direction de l’Institut de France, il faudra pourtant attendre un siècle après sa disparition pour qu’il soit progressivement redécouvert, en bonne partie grâce au prêtre et musicologue Carl de Nys à la tête du Centre Culturel de Valprivas : né à Clermont-Ferrand de père anglais et de mère française, Onslow avait en effet passé l’essentiel de sa vie en Auvergne, et repose d’ailleurs au cimetière des Carmes de sa ville natale. Son parcours apparaît peu commun car bien qu’ayant étudié le piano auprès de virtuoses tels que Jan Ladislav Dussek en Allemagne ou Johann Baptist Cramer à Londres, il n’envisage pas alors une carrière musicale et ce n’est qu’à l’âge de vingt-deux ans, après avoir écouté une musique de Méhul, qu’il se lance dans la composition. Ses opéras ne rencontrèrent guère de succès et si on lui doit quelques symphonies, il ne sacrifia pas au genre concertant. C’est dans le domaine de la musique de chambre qu’il va donner la pleine mesure de son talent et mériter son surnom de « Beethoven français ». Il suit en effet rapidement l’enseignement d’Anton Reicha et laissera soixante-dix quatuors ou quintettes à cordes ainsi qu’une dizaine de trios avec piano, des sonates pour violon, violoncelle, piano à quatre mains et quelques œuvres particulièrement attachantes pour les vents, presque toutes de sa dernière période. Trois sont rédigées pour sextuor, septuor et nonette, auxquelles s’ajoute le Quintette à vent en fa majeur op. 81 – une page qui marqua précisément la remise en lumière du compositeur lorsque le Quintette à Vent Français le joua et l’enregistra pour la première fois en 1953.

L’œuvre fut écrite fin 1850, imprimée dès l’année suivante et créée en avril 1852 à Paris dans le cadre des séances musicales qu’organisait le contrebassiste Achille Gouffé. Sans proposer d’innovations spectaculaires, elle dévoile malgré tout un bel usage du chromatisme et surtout un caractère délibérément romantique qui en fait tout son prix. En comparaison des pages de Reicha, on y trouve une autre dimension expressive, une vigueur rythmique hors du commun, et une magnifique élégance non seulement dans les phrases mais également dans les couleurset l’exploitation d’une virtuosité supérieure. Les dédicataires y sont peut-être pour quelquechose : le flûtiste Louis Dorus, le hautboïste Stanislas Verroust et son frère le bassoniste Charles Verroust, le clarinettiste Adolphe Leroy et le corniste Jean-Baptiste Mengal étaient tous des musiciens de grande réputation, membres de la Société des concerts, parfois également de l’Orchestre de l’Opéra et pour certains futurs professeurs au Conservatoire, où ils jouèrent un rôle important pour l’adoption des avancées réalisées dans la facture instrumentale. Le Quintette est également parcouru d’une fantaisie spirituelle du meilleur goût – il suffit d’écouter la finesse avec laquelle Onslow joue sur les sauts d’octaves, contretemps, syncopes et d’une façon générale les réponses et enchaînements Soli/Tutti dans les premier et dernier mouvements. Les déplacements d’accents associés à un brillant legato offrent un savoureux Scherzo (Energico),

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et quant à l’expression, elle gagne en intensité au travers d’élans plus animés et dans un grand raffinement de nuances et de sentiment. À cet égard, l’Andante sostenuto en la mineur est une petite merveille, ouvert par une splendide phrase du hautbois qui fait ensuite place à autant de passion que de délicatesse amoureuse.

Cet alliage d’une tradition classique avec une expression romantique reste de mise avec le Quintette op. 79 d’August Klughardt (1847–1902), l’une de ses rares œuvres à être entrées au répertoire. Bien moins connu de nos jours que Spohr et Onslow, il est pour sa part un représentant du romantisme tardif, un peu dans le même esprit qu’un Carl Reinecke. D’abord pianiste puis compositeur et chef d’orchestre, son principal poste fut celui de directeur de la musique à la cour de Dessau qu’il occupa durant les vingt dernières années de sa vie. Il avait également dirigé l’orchestre de Neustrelitz de 1873 à 1880, mais c’est surtout auparavant son séjour à Weimar et sa rencontre avec Franz Liszt qui furent importants pour lui. Il admire en effet cette « nouvelle école allemande » emmenée par les novateurs que sont le grand pianiste et Wagner, partisans de la musique à programme et par là-même d’un renouvellement des formes et de l’expression.

Sa musique se fait parfois l’écho de ces préoccupations, mais la plupart de ses œuvres sont d’un langage plus traditionnel. Disparu prématurément, il laisse quelques symphonies, pièces concertantes et ouvrages lyriques tandis que sa musique de chambre se consacre aux formations habituelles avec cordes, avec ou sans piano. Son Quintette à vent y fait figure d’exception et constitue l’une de ses dernières compositions puisqu’il est daté approximativement de 1898 – l’année où Klughardt fut élu à l’Académie des arts de Berlin. Publié en 1901, il s’ouvre sur un Allegro non troppo que l’on serait tenté de comparer à une sorte de poème symphonique pour vents, foisonnant d’idées parfois utilisées en astucieux contrepoints, et aux multiples atmosphères. Bruissements et passages dramatiques alternent avec des moments plus apaisés ou plus brillants. Pourvu d’un second motif marcato quelque peu ironique, le mouvement s’achève subtilement dans la nuance piano. L’Allegro vivace qui suit n’est autre qu’un scherzo dont les murmures du début évoquent de loin Smetana avant d’enchaîner sur une écriture pleine d’esprit et un trio en la mineur, agile et tendre, clin d’œil désinvolte tout en légèreté. L’Andante grazioso évoque un choral sur un air populaire, enrichi d’une variante en mineur embellie des arabesques de la clarinette. Une réduction des effectifs à deux, trois ou quatre instruments suivant les sections confère à la musique toute la simplicité et la transparence requises. Enfin, introduit par un Adagio contemplatif, un joyeux Allegro molto vivace conclut l’œuvre à la façon d’une promenade pleine de jeux et de tournures malicieuses sans prétention. Insouciant au-delà de quelques ombres fugitives, ce quintette préfigure ce que sera la littérature pour cette formation durant le XXe siècle : un répertoire essentiellement divertissant, naturel dans son éloquence mais empreint d’une classe et d’une distinction irremplaçables. Sensibilité, humour, brillance et par-dessus tout spiritualité : autant de qualités emblématiques du quintette à vent durant l’ère moderne, et que les romantiques avaient déjà bien perçues.

Denis VerroustAssociation Jean-Pierre Rampal

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Romantic Music for Wind InstrumentsWe tend not to think of the 19th century as a golden age for wind instruments. While the individual instruments themselves enjoyed varying fortunes – the clarinet and the horn fared best, going by the quality of the repertoire written for them – their standing was much less significant than that of string instruments or the piano. By dawn of Romanticism, however, all of the winds could be found in a remarkable new repertoire for various ensemble types. One such type grew out of the Classical tradition of the divertissement or serenade, bringing together winds and strings in sizeable ensembles ranging from the sextet to the nonet. Another also hailed back to the end of the 18th century and combined winds with piano in the vein of two celebrated works: by Mozart (his K452)1 and Beethoven (his Op.16)2. And then there was the wind quintet per se, a recent innovation brilliantly exemplified by Anton Reicha and Franz Danzi up until the mid-1820s, which had established itself as a separate genre, characterised by skilful and sophisticated writing. Despite not having widely used them in the guise of true soloists, Romantic composers nevertheless turned to wind instruments more frequently than we might think, delighting in their expressive colours which were found to be ideal for depicting a whole range of emotions in some of the most refined works of chamber music. This recording presents a striking sample from this repertoire.

Of the three works presented here, the earliest is the one by Louis Spohr (1784–1859), a composer whose music retains a very Classical stamp while often looking toward the future. Skilled at turning his hand to new instrumental combinations, his works include double string quartets, a concerto for string quartet, a symphony for two orchestras and one of the first nonets in musical history, for wind quintet and string trio plus double bass (Op.31, 1813). An active participant in the rediscovery of Bach and of early music, he was equally an admirer of Wagner and not at all shy of exploring chromaticism. After a brilliant debut as a virtuoso violinist, his gifts as a composer, teacher and conductor – which took him to Gotha, Vienna, Frankfurt and finally Kassel – brought him an extraordinary degree of fame. In a style not dissimilar to that of his friend Weber or of Mendelssohn – the two composers enjoyed a relationship of great mutual respect – his compositions encompass almost all genres, from brilliant pieces for violin and a plethora of chamber works to operas and songs as well as a large number of concertos and other symphonic pieces.

Written in April and July 1820, first in London then in Gandersheim, the Quintet Op.52 is the first work in which Spohr gives the piano the dominant role, stemming from the fact that his wife, the harpist Dorette Scheidler, had been obliged to give up her instrument but was then able to pursue a career as a pianist. Her skills must have been remarkable as the piece is extremely virtuosic, despite the writing being poorly tailored to an instrument the composer was never really proficient at playing. In 1830, Chopin no less, after performing the piece, declared it to be magnificent but awkwardly written for the piano, to the extent that in places it was impossible to contrive fingerings that worked! Notwithstanding, the quintet was hailed as one of the composer’s most accomplished works and performed by several other famous pianists, including Moscheles, Mendelssohn and Liszt. Published in 1821, a version for piano and strings appeared simultaneously, bearing the opus number 53.

1 CD: Les Vents Français. Winds & Piano. (2014: Warner Classics 0825646231850)2 CD: Les Vents Français. Beethoven. (2016: Warner Classics 0190295919566)

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A reflection of Spohr’s admiration for Mozart and the young Beethoven, his Op.52 nonetheless substitutes a flute for the oboe, adopts a four-movement format rather than their three, and is generally of a more impassioned nature. While its C minor tonality certainly suits the early Romantics’ penchant for drama, the stormy mood of the opening Allegro moderato quickly gives way to passages of lyricism and extreme delicacy, largely delivered by the winds and punctuated by virtuosic interjections from the piano. The Larghetto con moto establishes the most tender of exchanges, which is interrupted by a turbulent central section in the minor key – impossible not to think of Chopin here – but it is perhaps the Menuetto that offers the best example of the melancholy expression so typical of this composer. Its contrasting Trio in the major injects a touch of humour by featuring the piano on its own at the outset, underpinned by a single discreet note from the horn, and bringing in the other winds one by one from the reprise in readiness for the coda. The more hotheaded Finale delights as much for its tempestuous speed as the playful sparkle of the second subject. As with the other movements, it ends in the major, triumphing with ease over its darker episodes.

His almost exact contemporary, the Frenchman George Onslow (1784–1853) also continued in the Classical style, and he too would enjoy extraordinary fame, comparable to that of Berlioz even! Performed all over Europe, elected to the Académie des Beaux-Arts and then to the directorship of the Institut de France, it would nevertheless take a century after his death for him to be gradually rediscovered, in large part thanks to the priest and musicologist Carl de Nys and his Centre Culturel de Valprivas. Born in Clermont-Ferrand to an English father and French mother, Onslow lived in the Auvergne for most of his life and is buried in the Cimetière des Carmes in his native city. His career was unusual in that, although he studied piano with virtuosi such as Jan Ladislav Dussek in Germany and Johann Baptist Cramer in London, he was not considering a musical career at that time, and it was not until the age of 22, after hearing a piece by Méhul, that he decided to become a composer. His operas did not enjoy much success and, while he wrote several symphonies, he produced nothing in the concerto form. It was in the realm of chamber music that he would deploy his talent to the fullest extent, acquiring the epithet of “the French Beethoven”. After an intense period of study with Anton Reicha, his output would eventually include 70 string quartets and quintets as well as ten piano trios, sonatas for violin, cello, and piano four hands and several particularly captivating works for wind instruments, almost all from his final period. Three of these are for sextet, septet and nonet, in addition to which there is the Wind Quintet in F Op.81, which was in fact the piece that heralded the composer’s rediscovery when the French Wind Quintet performed it and recorded it for the first time in 1953.

The work, composed at the end of 1850 and published the following year, was first performed in Paris in April 1852 as part of the musical gatherings organised by the double bassist Achille Gouffé. Without being spectacularly innovative in any way, it nevertheless exemplifies a felicitous use of chromaticism and an overtly Romantic character that constitutes its overriding charm. In comparison with works by his teacher Reicha, Onslow’s Quintet inhabits a wholly different expressive world, characterised by an unusual rhythmic vigour and a wonderful elegance, not only in the melodies but also in the instrumental palette and advanced virtuosity he deploys. This is surely connected to the work’s dedicatees, the flautist Louis Dorus, oboist Stanislas Verroust and his brother the bassoonist Charles Verroust, clarinettist Adolphe Leroy and horn player Jean-Baptiste Mengal, all of whom were highly regarded musicians, members of the Société des Concerts and also, at different times, of the Paris Opéra Orchestra, and some would go on to be professors at the Paris Conservatoire where they would play an important role in the adoption of improvements in instrument making. The Quintet is also suffused with an imagination and wit of the most tasteful kind – one only has to listen to the skill with which Onslow plays with octave leaps, offbeat

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rhythms and syncopations in the first and last movements as well as the interaction between solo and tutti passages. Accented phrases combine with brilliant legato passages to create a delightful Scherzo (Energico), whose expressivity gains in intensity by way of more animated outbursts and highly sophisticated nuances of feeling. The latter continue in the Andante sostenuto in A minor, a miniature marvel that opens with a splendid melody on the oboe, which then gives way to passion and amorous delicacy in equal measure.

The same union of Classical tradition with Romantic expression characterises the Wind Quintet Op.79 by August Klughardt (1847–1902), one of the few works by him to have secured a foothold in the repertoire. A much less known figure today than Spohr and Onslow, he is a representative of late romanticism, rather in the manner of a composer such as Carl Reinecke. A pianist at first then a composer and conductor, his principal position was as kapellmeister at the Court of Dessau, which he held during the last 20 years of his life. He was also chief conductor of the Neustrelitz orchestra from 1873 until 1880, but it was his earlier stay in Weimar and his meeting with Franz Liszt that were of most importance for him. He was very much an admirer of the “New German School”, spearheaded by those two innovators, the great pianist Liszt and Wagner, both proponents of programme music and consequently of a modernisation of forms and expression.

Klughardt’s music sometimes echoes these preoccupations, but most of his works are written in a more traditional style. At his early death he left behind a number of symphonies, concertos and operas, while his chamber music was conceived for standard ensembles for strings, with or without piano. His Wind Quintet is the exception in this regard and is one of his last compositions, dating from around 1898 – the year Klughardt was elected to the Academy of Arts in Berlin. Published in 1901, it opens with an Allegro non troppo that could be described as a kind of symphonic poem for winds, brimming with melodies which are sometimes used in ingenious counterpoint and which inhabit a whole host of different moods, from peacefully rustling passages to more brilliant and dramatic episodes. The second subject, marked marcato, has a somewhat ironic character, and the movement ends delicately and softly. The Allegro vivace that follows is a scherzo in all but name, its opening murmurs reminiscent of Smetana before leading into a highly spirited passage and an agile and tender trio section in A minor, whose character, nonchalant and cheeky, is light as a feather. The Andante grazioso, sounding rather like a chorale on a popular tune, is followed by a minor-key variation embellished by arabesques from the clarinet. A reduction of the forces to two, three or four instruments in the following passages lends the music a sense of simplicity and transparency. Introduced by a contemplative Adagio, the final movement is a joyful Allegro molto vivace that concludes the work in the manner of an unpretentious excursion full of games and mischievous twists and turns. With its carefree spirit, aside from a few fleeting shadows, the piece anticipates the repertoire for wind quintet in the 20th century: entertaining at heart, naturally eloquent and etched with matchless style and distinction. Sensibility, humour, brilliance and, most of all, high spirits: these are the emblematic characteristics of the modern wind quintet, ones that the Romantics had already acutely perceived.

Denis VerroustAssociation Jean-Pierre RampalTranslation: Robert Sargant

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Romantische Musik fu.. r BlasinstrumenteGemeinhin gilt das 19. Jahrhundert nicht gerade als „goldenes Zeitalter“ der Blasinstrumente. Es ist offenkundig, dass sie, auch wenn ihnen als Einzelinstrumente eine durchaus bevorzugte Behandlung widerfuhr – so waren etwa Klarinette und Horn besser gestellt in Anbetracht der Qualität des Repertoires –, im Vergleich mit den Streichinstrumenten oder dem Klavier eher selten besetzt wurden. Andererseits sind aber all diese Instrumente zu Beginn der Romantik in einer bemerkenswerten Ensemble-Literatur für unterschiedliche Besetzungen vertreten, so etwa in der sich aus der klassischen Tradition des Divertissements oder der Serenade herleitenden Literatur, bei der Bläser und Streicher in großen Besetzungen vom Sextett bis zum Nonett erscheinen. Ein anderes, ebenfalls vom Ende des 18. Jahrhunderts stammendes Repertoire kombiniert Blasinstrumente mit dem Klavier, in der Tradition der beiden berühmten Kompositionen von Mozart (KV 452)1 und Beethoven (op. 16)2. Und schließlich gibt es dann noch das eigentliche Bläserquintett, eine von Anton Reicha und Franz Danzi bis Mitte der 1820er Jahre brillant illustrierte neuartige Besetzung, welches sich als eigenständige Gattung mit einem kunstvoll-elaborierten Tonsatz etablieren konnte. Obwohl die Romantiker die Blasinstrumente nicht als echte Soloinstrumente einsetzten, verwendeten sie sie wegen ihrer ausdrucksstarken Klangfarben öfter, als man vermeint; letztere eigneten sich nämlich hervorragend dazu, einer Vielzahl von Stimmungen in kunstvollster Kammermusik musikalischen Ausdruck zu verleihen. Die vorliegende Einspielung belegt dies höchst eindrucksvoll.

Von den drei hier vorgestellten Werken stammt das früheste aus der Feder von Louis Spohr (1784–1859), einem Komponisten, dessen Werke zwar von streng klassischer Faktur sind, sich aber dennoch vielfach der Zukunft zugewandt zeigen. Als Verfechter neuer Instrumentalkombinationen schrieb er etwa Doppelstreichquartette, ein Konzert für Streichquartett, eine Sinfonie für zwei Orchester und eines der allerersten Nonette der Musikgeschichte überhaupt für Bläserquintett, Streichtrio und Kontrabass (op. 31, 1813). Spohr trug sehr zur Wiederentdeckung Johann Sebastian Bachs und der Alten Musik bei, aber er war zugleich ein Bewunderer Wagners und schreckte auch nicht vor der Beschäftigung mit Chromatik zurück. Nach einem fulminanten Debüt als Geigenvirtuose trugen ihm seine Fähigkeiten als Komponist, Lehrer und Dirigent, die ihn nach Gotha, Wien, Frankfurt und schließlich Kassel führten, außergewöhnlichen Ruhm ein. In einem Stil, der dem seines Freundes Carl Maria von Weber oder Felix Mendelssohns nicht unähnlich ist – die beiden Komponisten schätzten sich gegenseitig sehr –, deckt sein Schaffen fast alle Gattungen ab, von glänzenden Violinkompositionen und einer Fülle von Kammermusik bis hin zur Oper sowie Kunstliedern und einer Fülle konzertanter und sinfonischer Werke.

1 CD: Les Vents Français. Winds & Piano. (2014: Warner Classics 0825646231850)2 CD: Les Vents Français. Beethoven. (2016: Warner Classics 0190295919566)

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Das im April und Juli 1820 zunächst in London und dann in Gandersheim entstandene Quintett in c-Moll op. 52 stellt das erste Werk dar, in dem Spohr dem Klavier eine dominierende Rolle einräumte; eine Tatsache, die darauf zurückzuführen ist, dass seine Frau, die Harfenistin Dorette Scheidler, das Harfenspiel aufgeben musste, aber weiter eine Karriere als Pianistin verfolgen konnte. Ihre diesbezüglichen Fähigkeiten müssen bemerkenswert gewesen sein, denn das Stück ist höchst virtuos; der Tonsatz ist allerdings diesem Instrument kaum gemäß, welches der Komponist nicht wirklich beherrschte. Chopin selbst hatte 1830, nachdem er es gespielt hatte, erklärt, dass das Werk zwar großartig, aber so „unpraktisch“ sei für das Klavier, dass es manchmal unmöglich sei, passende Fingersätze zu finden! Das Quintett wurde dennoch eines der erfolgreichsten Werke seines Verfassers und von einigen anderen berühmten Pianisten wie etwa Ignaz Moscheles, Felix Mendelssohn Bartholdy und Franz Liszt gespielt. Bereits 1821 erschien zugleich eine Fassung für Klavier und Streichinstrumente unter der Opuszahl 53.

Im statt drei Sätze umfassenden viersätzigen op. 52, das Spohrs Bewunderung für Mozart und den jungen Beethoven widerspiegelt, tauschte der Komponist jedoch die Oboe gegen eine Flöte ein; das Werk zeichnet sich auch durch seinen leidenschaftlicheren Charakter aus. Aber während die Tonart c-Moll dem für die Frühromantiker charakteristischen Gefallen an Dramatik hätte entgegenkommen können, verblasst diese im anfänglichen Allegro moderato schnell angesichts einer Lyrik von unendlicher Zartheit, die weitgehend von den Bläsern vorangetrieben sowie von der virtuosen Brillanz des Klaviers durchsetzt wird. Während das Larghetto einen höchst zärtlichen Dialog etabliert, der durch einen aufgewühlten, unweigerlich auf Chopin verweisenden Moll-Mittelteil unterbrochen wird, bietet das Menuett vielleicht das beste Beispiel für diese für den Komponisten so charakteristische Melancholie. Sein kontrastierendes Trio in Dur fügt eine Prise Humor hinzu, so wird das Solo-Klavier beim ersten Mal von einem einzigen, zurückhaltenden Hornton unterstützt und die Blasinstrumente werden während der Reprise bei der Coda allmählich eingeführt. Das extrovertiertere Finale besticht sowohl durch sein stürmisches Tempo als auch durch die fröhliche Frische des Seitenthemas. Wie die anderen Sätze schließt auch dieser in Dur und triumphiert so mühelos über die düsteren Stimmungen.

Der Franzose George Onslow (1784–1853), um ein Haar Spohrs genauer Altersgenosse, bedient sich ebenfalls einer klassischen Tonsprache. Auch dieser Komponist sollte sich später eines außerordentlichen Ruhmes erfreuen, vergleichbar mit dem von Berlioz. Seine Werke wurden in ganz Europa aufgeführt, er selbst wurde in die Pariser Académie des Beaux-Arts (Akademie der Schönen Künste) gewählt und dann zum Leiter des Institut de France bestimmt, doch erst ein Jahrhundert nach seinem Tod wurde er nach und nach wiederentdeckt, vor allem aufgrund der Bemühungen des Geistlichen und Musikwissenschaftlers Carl de Nys, des Leiters des Kulturzentrums in Valprivas. Onslow, der in Clermont-Ferrand als Sohn eines englischen Vaters und einer französischen Mutter geboren wurde, verbrachte den größten Teil seines Lebens in der Auvergne und wurde auf dem Karmeliter-Friedhof seiner Heimatstadt zur letzten Ruhe gebettet. Sein Werdegang erscheint ungewöhnlich, denn obwohl er bei Klaviervirtuosen wie Johann Ladislaus Dussek in Deutschland oder Johann Baptist Cramer in London Unterricht genommen hatte, lag ihm zunächst nichts an einer musikalischen Laufbahn, und er begann erst im Alter von 22 Jahren mit dem Komponieren, nachdem er Werke von Étienne-Nicolas Méhul gehört hatte. Onslows Opern war kein großer Erfolg beschieden, und obwohl ihm einige Sinfonien zugeschrieben werden, hat er sich nicht dem konzertanten Genre zugewandt.

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Sein Talent gelangte hingegen im Bereich der Kammermusik zur vollen Entfaltung; dies trug ihm auch seinen Beinamen als „französischer Beethoven“ ein. Onslow erhielt früh Unterweisungen in Kompositionstechnik bei Anton Reicha und hinterließ 70 Streichquartette und -quintette sowie zehn Klaviertrios, Sonaten für Violine, Cello, Klavier zu vier Händen und einige besonders schöne Werke für Blasinstrumente, diese stammen fast alle aus seiner letzten Schaffensperiode. Darunter befinden sich auch drei Kompositionen für Sextett, Septett und Nonett, zu welchen sich das Bläserquintett in F-Dur op. 81 hinzugesellte; die Aufführung und erstmalige Einspielung dieses Werkes 1953 durch das Französische Bläserquintett führte zur Wiederentdeckung dieses Komponisten.

Das Werk stammt aus dem Jahr 1850; es ging im darauffolgenden Jahr in Druck und wurde im April 1852 in Paris bei einem der vom Kontrabassisten Achille Gouffé veranstalteten Hauskonzerte uraufgeführt. Ohne bewusst spektakuläre Neuerungen offenbart es dennoch einen schönen Einsatz der Chromatik und vor allem einen dezidiert romantischen Charakter, der den eigentlichen Wert dieser Komposition ausmacht. Im Vergleich mit den Kompositionen von Reicha, Onslows Lehrer, erweisen sich hier eine andere Dimension des Ausdrucks, eine außerordentliche rhythmische Kraft sowie eine großartige Eleganz nicht nur in den musikalischen Phrasen, sondern auch bei den Klangfarben und dem Einsatz einer überlegenen Virtuosität. Das mag auch an den Widmungsträgern gelegen haben, als da wären der Flötist Louis Dorus, der Oboist Stanislas Verroust und sein Bruder, der Fagottist Charles Verroust, der Klarinettist Adolphe Leroy sowie der Hornist Jean-Baptiste Mengal, allesamt höchst renommierte Musiker und Mitglieder der Société des concerts, einige spielten auch im Orchester der Pariser Oper. Manche unterrichteten später am Pariser Konservatorium, wo sie eine wichtige Rolle bei der Einführung der Fortschritte im Instrumentenbau spielten. Das Bläserquintett ist auch von bester spiritueller Fantasie durchdrungen – man bemerke nur die Finesse, mit der Onslow mit Oktavsprüngen, unbetonten Taktzeiten, Synkopen und ganz allgemein dem Dialog und den Überleitungen zwischen Soli und Tutti im ersten und letzten Satz spielt. Die Akzentverschiebungen, kombiniert mit einem brillanten Legato, ergeben ein hinreißendes Scherzo (Energico). Der musikalische Ausdruck gewinnt an Intensität durch lebhaftere Bewegung und durch eine starke Verfeinerung der Nuancen und des Gefühls. In dieser Hinsicht ist das Andante sostenuto in a-Moll ein kleines Wunderwerk, das von einer prächtigen Oboenphrase eingeleitet wird, welche dann einer ebenso leidenschaftlichen wie liebevollen Zartheit weicht.

Diese Verbindung von klassischer Tradition und romantischem Ausdruck ist auch heute noch in August Klughardts (1847–1902) Bläserquintett in C-Dur op. 79, einem seiner wenigen Werke, die in das Repertoire aufgenommen wurden, erkennbar. Klughardt, ein Vertreter der Spätromantik, hierin einem Carl Reinecke geistesverwandt, ist heute viel weniger bekannt als Spohr und Onslow. Er war zunächst Pianist, dann Komponist und Dirigent; in den letzten 20 Jahren seines Lebens wirkte er als Hofkapellmeister am Dessauer Hofe. Von 1873 bis 1880 bekleidete er die Stelle des Chefdirigenten am Stadttheater Neustrelitz, aber besonders bedeutend waren für ihn zuvor seine Tätigkeit am Hoftheater in Weimar sowie seine dortige Begegnung mit Franz Liszt. Er bewunderte die „Neudeutsche Schule“, die von den Erneuerern Liszt und Wagner, als Verfechtern der Programmmusik und damit einer Erneuerung von Form und Ausdruck, angeführt wurde.

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In seiner Musik findet sich die Beschäftigung mit diesen Ideen hie und da wieder, aber die meisten seiner Werke sind in einer eher traditionellen Tonsprache verfasst. Klughardt verstarb vorzeitig und hinterließ einige Sinfonien, Konzertstücke und lyrische Werke; seine Kammermusik ist für die üblichen Besetzungen mit Streichern, mit oder ohne Klavier, geschrieben. Eine Ausnahme bildet eine seiner letzten Kompositionen, sein Bläserquintett, das wohl um 1898 – in diesem Jahr wurde Klughardt Mitglied der Berliner Akademie der Künste – entstanden ist. Das Quintett wurde 1901 veröffentlicht und beginnt mit einem Allegro non troppo, bei dem man versucht sein könnte, es mit einer Art sinfonischer Dichtung mit den unterschiedlichsten Stimmungen für Bläser zu vergleichen, in welcher es von Ideen nur so wimmelt, und die manchmal als kluge Kontrapunkte eingesetzt werden. Säuselnde und dramatische Passagen wechseln sich mit ruhigeren oder lichteren Momenten ab. Mit einem zweiten, etwas ironischen Marcato-Motiv endet der Satz zart in einem Piano. Das anschließende Allegro vivace ist nichts anderes als ein Scherzo, dessen einleitendes Geraune aus der Ferne Bedřich Smetana heraufbeschwört, bevor es mit einem geistreichen Tonsatz und einem agil-zarten Trio in a-Moll weitergeht, sozusagen ein ungeniertes Augenzwinkern voller Leichtigkeit. Das Andante grazioso evoziert einen auf einer volkstümlichen Melodie basierenden Choral, der durch eine mit Klarinettenarabesken verzierte Moll-Variante bereichert wird. Eine Reduzierung der Besetzung auf zwei, drei oder vier Instrumente je nach Abschnitt verleiht der Musik die nötige Einfachheit und Transparenz. Nach der Einleitung durch ein besinnliches Adagio beschließt ein fröhliches Allegro molto vivace das Werk wie eine verspielte Promenade mit unprätentiösen, schelmischen Wendungen. Von ein paar flüchtigen düstereren Passagen abgesehen bietet dieses unbekümmert daherkommende Bläserquintett schon einen Vorgeschmack auf die Literatur für diese Besetzung im 20. Jahrhundert, nämlich ein im Wesentlichen unterhaltsames Repertoire, das in seiner Beredsamkeit natürlich, jedoch auch von einzigartiger Klasse und Distinktion durchdrungen ist. Einfühlsamkeit, Humor, Brillanz und vor allem Spiritualität: Das alles sind charakteristische, schon von den Romantikern wohl erkannte Eigenschaften für ein Bläserquintett der Moderne.

Denis VerroustAssociation Jean-Pierre RampalÜbersetzung: Hilla Maria Heintz

August Klughardt

George Onslow

Dans tout cela r ien ne m'a frapp e comme l'Enthous iasme de M. Onslow. Vous savez que depui s la mort de Beethoven i l t i ent le

sceptre de la mus ique ins trumentale

Louis Spohr

Lettre d’Hector Berlioz à Humbert Ferrand, Paris, 3 juin 1829

Recorded: 4.IV.2016, Bavaria Studio, Munich (5–8); 6. (1–4) & 7. (9–12) I.2017, Bayerischer Rundfunk, Studio 2, Munich

Executive producers: Falk Häfner (BR), Les Vents FrançaisRecording producers: Torsten Schreier (1–4, 9–12); Dagmar Birwe (5–8)

Recording engineers: Michael Krogmann (1–4, 9–12); Anton Billmayer (5–8)Piano tuner (9–12): Christian Fischer

Photography: C Wolfgang LienbacherSpecial thanks to Baudime Jam (George Onslow. Vichy: Les Éditions du Mélophile, 2003.)

Design: Paul Marc Mitchell for WLP Ltd P 2020 Les Vents Français, under exclusive licence to Parlophone Records Limited

C 2020 Parlophone Records Limited, a Warner Music Group Companywarnerclassics.com

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