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DADAÍSMO Y
SURREALISMO
Claves de la historia del arte
María Molina Ortega, Jesús Bajo Delgado y
Cristina Martínez Blesa
Dadaísmo y surrealismo Claves de la historia del arte
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ÍNDICE
1. INTRODUCCIÓN A LAS VANGUARDIAS
2. CONTEXTO HISTÓRICO
3. EL DADAÍSMO
3.1. ORIGEN DEL DADAÍSMO
3.2. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA
3.2.1. AUTORES MÁS DESTACADOS DEL DADAÍSMO
3.3. ESCULTURA DADAÍSTA
4. SURREALISMO
4.1. ORIGEN DEL SURREALISMO
4.2. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA
4.2.1. AUTORES MÁS DESTACADOS DEL SURREALISMO
4.3. ESCULTURA SURREALISTA
4.3.1. ESCULTURA SURREALISTA EN ESPAÑA
5. ANÁLISIS DE OBRAS
5.1. LA NOCHE ESPAÑOLA, FRANCIS PICABIA
5.2. DESNUDO BAJANDO UNA ESCALERA, MARCEL DUCHAMP
5.3. CONSTRUCCIÓN BLANDA CON JUDÍAS HERVIDAS, DALÍ
5.4. CARNAVAL DEL ARLEQUÍN, MIRO
5.5. FUENTE, MARCEL DUCHAMP
6. BIBLIOGRAFÍA
Dadaísmo y surrealismo Claves de la historia del arte
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1.-INTRODUCCIÓN A LAS VANGUARDIAS.
Entre las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del siglo XX, en casi todos los
países con un cierto grado de desarrollo industrial se puso de manifiesto un sentido del
presente y un ansia de romper con los estilos del pasado.
Fue un momento agitado y complejo, en el que la búsqueda de lo nuevo convivía
con la permanencia del pasado: rechazo de la máquina y aceptación de nuevas
tecnologías, que exploraban o anticipaban el futuro, agitación social y anarquismo a la
par que consolidación de los valores de la cultura burguesa, además la crisis arte-
sociedad se evidencia siendo la característica que conlleva la vanguardia.
Se conoce como vanguardias históricas a los estilos artísticos que aparecieron en
la primera mitad del siglo XX. Su propuesta rupturistas fue tan radical que más de un
siglo después siguen siendo el paradigma del arte de vanguardia, dado que en la época
se produce en el arte una auténtica revolución de las artes plástica. La escultura y
pintura, participan de los mismos supuestos. Los movimientos vanguardistas son más
una actitud ante el arte que una estética, que abandonará la imitación de la naturaleza
para centrase en el lenguaje de las formas y los colores. Es la hegemonía del
inconsciente, de la reconstrucción mental de la obra. Al espectador se le exige una
nueva actitud ante la obra de arte. Los estilos dejan de ser internacionales para ser
característicos de un grupo de artistas.
2-CONTEXTO HISTÓRICO.
Para entender las razones por las que las vanguardias artísticas se desarrollaron, es
necesario echar la vista atrás, al siglo XIX. Tres acontecimientos políticos, la
constitución de la segunda y la tercera República Francesa (1848 y 1871), el periodo de
entreguerras y la Primera Guerra Mundial (1914), provocaron una reacción intelectual
en contra de la sociedad de la época. Empieza así el estereotipo de artista
incomprendido, bohemio y comprometido con una serie de valores contrarios a todo ese
mundo convulso que provocaba situaciones miserables y desafortunadas. También, en
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el siglo XIX los sistemas democráticos (1)
perdieron popularidad en beneficio de dos
nuevas ideologías,
A estos tres acontecimientos políticos, se debe añadir uno artístico de obligado
nombramiento, el comienzo de los llamados Salones de París, unas muestras artísticas
anuales de elevado prestigio que contaba con un jurado tradicional y conservador, y de
donde fueron rechazados la mayoría de pintores impresionistas. Estos inauguraron, por
iniciativa propia, los llamados Salón de los Rechazados con la intención de que su
trabajo, aunque no fuera aceptado en la muestra principal, pudiera ser apreciado y
valorado por el público. Quizá fue este el primer gran desencuentro entre el mundo
artístico y el intelectual de la época, que no había hecho más que empezar.
A este precedente se debe añadir el panorama de principios del siglo siguiente,
lleno de cambios y aportaciones significativas que modificaron ciertas ideas y modos de
vida: la Segunda Revolución Industrial, con la aparición del motor de explosión, la
publicación de la Teoría de la Relatividad de Albert Einstein y la Interpretación de los
sueños de Sigmund Freud, la popularización de la fotografía, el nacimiento del Cine…
anunciaban a voces que algo en el mundo estaba cambiando.
3. DADAÍSMO
El dadaísmo es un movimiento artístico y literario nacido en 1916, basado en lo
absurdo, lo irracional y lo espontáneo, eliminando la relación entre el pensamiento y la
expresión.
3.1. INTRODUCCIÓN AL DADAÍSMO
El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas
establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y
antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta
como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda
tradición o esquema anterior. Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de
los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y
contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la
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espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al
orden y la imperfección frente a la perfección. Proclaman el anti-arte de protesta, del
shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-
satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus
escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje
de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.
El movimiento dada nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban
poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra
Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que
querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como
el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al
dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela
anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial.
Hugo Ball, director de teatro y su mujer, concibieron el proyecto de crear un café
literario que acogiera a todos estos artistas exiliados, el Cabaret Voltaire, que abrió sus
puertas el 1 de Febrero de 1916. Allí se congregaron Tristan Tzara (poeta, líder y
fundador del movimiento), Jean Arp, Marcel Janko, Hans Richter y Richard
Huelsenbeck entre otros. La difusión del dadaísmo se debió a la publicación de la
revista Dada, que gracias a ella, sus ideas se extendieron por Berlín, Colonia, París y
Nueva York. El movimiento finaliza en el 1919.
3.2. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA
Los dadaístas eran transgresores que buscaban una ruptura con el arte tradicional,
propósito que pretenden alcanzar mediante la aportación de nuevas técnicas y elementos
novedosos. Las técnicas que más destacan son las siguientes:
Ready-made: como su propio nombre indica es algo previamente hecho. La novedad
radica en que es algo sacado de su contexto para ser colocado en otro el que
habitualmente es bastante improbable encontrarlo. Marcel Duchamp recurrió
frecuentemente a él.
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Frottage: el término fue creado por Marx Ernst. Se refiere al acto de pasar un lápiz por
encima de un papel que está colocado sobre una superficie rugosa como la madera o un
tejido.
Automatismo: consiste en pintar de modo incontrolado sin pensar en lo que se está
haciendo, de tal modo que sea algo en lo que ha tenido parte decisiva el subconsciente.
Después el pintor lo retoca realizando un cuadro absolutamente personal.
3.2.1. Autores más destacados del dadaísmo
Francis Picabia: Artista vanguardista francés, de origen cubano. Trabajó en casi todos
los estilos contemporáneos más destacados, como el postimpresionismo, el cubismo,
el fauvismo, el dadaísmo, el surrealismo y el arte abstracto. Hizo también pintura
figurativa, dibujo y collage. Estudió en École des Beaux-Arts y en la Escuela de Artes
Decorativas de París. Recibió una fuerte influencia impresionista y fauve, en especial de
la obra de Pissarro y Sisley. La máquina es una parte fundamental de su obra que se
representa entendida como una amenaza y no de forma elogiosa. Cuando conoció a
Duchamp pintó Veo otra vez el recuerdo de mi queridoa Udnie. También tiene obras
como Árbol en flor (1).
(1) Árbol en flor
También pintó La noche española, que analizaremos en el punto siguiente.
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Marcel Duchamp: especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció
una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Abominó la
sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo,
y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Es uno de los
principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la
voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento. Realizó el cuadro
El desnudo bajando una escalera, que lo analizaremos más adelante. Prefirió el ready-
made. Se burló abiertamente de muchos aspectos del arte del pasado y lo puso en tela de
juicio como en su obra L.H.O.O.O.Q (2), es decir, la Gioconda con bigote.
(2) L.H.O.O.Q.
En Colonia, destaca Max Ernst: fue un artista alemán nacionalizado francés
considerado figura fundamental tanto en el movimiento dadá como en el surrealismo. A
lo largo de su variada carrera artística, Ernst se caracterizó por ser un experimentador
infatigable, utilizando una extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales. En
todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el
mundo extradimensional de los sueños y la imaginación. Empleo el collage y realizó
numerosas aportaciones tanto al surrealismo como al expresionismo abstracto. Realizó
cuadros como Mi amigo Pierrot (3).
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(3) Mi amigo Pierrot
3.3 ESCULTURA DADAÍSTA
Como el dadaísmo fue precursor del surrealismo, hay algunos artistas que se
pueden enmarcar en los dos estilos¸ esto sucede en concreto en la escultura, al
producirse en la escultura una especie de fusión dadaísta-surrealista, especialmente en
las modalidades no figurativas, que resaltara un modo de preabstración. Max Ernst y
Jean Arp, que fueron dadaístas y surrealistas, suponen un buen ejemplo de ello. La
importancia de estos artistas en la escultura es notable, sobre todo la obra de Arp, pues
con sus figuraciones apenas reconocibles, constituyó también lo que será la escultura
orgánica o morfológica, es el primer nivel o estado de la abstracción escultórica, idea
que se volverá a contemplar en el surrealismo.
Los artistas más importantes en la escultura dadaísta fueron Marcel Duchamp,
Man Ray y Kurt Schwitters, cuyas trayectorias se exponen detenidamente en la pintura
dadaísta
MARCEL DUCHAMP: Duchamp junto con Man Ray fueron los descubridores de la
escultura del objeto u “objetos encontrados”, como Kurt Schwitters lo fue, después, de
los materiales de desecho. Las esculturas más destacables de Duchamp son: El molinillo
de café (1911), La rueda de bicicleta sobre taburete de cocina (4)
(1913), El brazo roto
(5) (1915), La fuente o urinario
(6), obra que analizaremos más adelante,
(1917) y El
porta-botellas (7)
. Estas fueron las esculturas dadaístas que revolucionaron el mundo de
la escultura, trastocando las tradicionales materia y forma, el volumen y el modelado
escultórico, para introducir un objeto inusual como eje de la obra de arte, que tanta
resonancia tuvo a lo largo de la escultura del siglo XX. Es un estilo totalmente distinto,
Duchamp realizó El gran vidrio (8)
, llamado también la novia desnuda por sus solteros.
El gran vidrio es una construcción maquinista conformada como una inmersa caja de
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cristal, de complicada maquinaria, que podía ponerse en movimiento con elementos
metálicos alados y leves, rueda, poleas etc. Cubierto por un gran vidrio, cuya ejecución
duró diez años. (4) La rueda de bicicleta sobre taburete de cocina
(5) El brazo roto
(7) El porta-botellas
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(8) El gran vidrio
MAN RAY: Man Ray ejecutaría “ready-mades” (objetos industriales sin valor,
elevados a la categoría de obra de arte por el simple hecho de exponerlos en un museo
bajo una firma y una fecha). Estas esculturas fueron realizadas con gran sentido del
humor, como una jaula de pájaros en La pajarera (1917); una mano verde en la
Puericultura II; o una plancha con pinchos en su base denominada El regalo (9)
(1921).
Finalmente, dentro de sus obras más avanzadas, que se considera escultórica, se halla el
Objeto matemático (10)
. Esta escultura es una composición completa de conos
encontrados de diferentes tamaños.
(9) El regalo
(10) Objeto matemático
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KURT SCHWITTERS: es el artista dada alemán más relevante, con una obra
original y revolucionaria que crearía escuela y seguidores a lo largo del siglo, sobre todo
sus esculturas establecidas con objetos de desecho. El autor dadaísta realizó
construcciones semiescultoricas denominadas Merz y grandes esculturas denominadas
Merzbau, ambas abstractas, aunque en ciertos casos rozan la figuración. Los Merz son
cuadros compuestos por una serie de “assemblages” y collages, en los que se montan
toda clase de objetos, materiales y cosas varias, destacando los materiales de desecho.
Los Merzbau son grandes construcciones arquitectónico-escultóricas realizadas a modo
de habitación (hizo tres), a las que él iba añadiendo objetos y ampliaciones
estructurales. De su obra escultórica destacan las siguientes esculturas: Pequeña
columna (1922), Cícero (11)
(1924) y Azafrán de otoño.
(11) Cícero
4. SURREALISMO
4.1. ORIGEN DEL SURREALISMO
La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton,
precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud
y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vache y a Guillaume Apollinaire. Durante
los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, movimiento artístico
precedido por Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos.
Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción
romántica (surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su
desarrollo. En el año 1924 Breton escribe el primer Manifiesto Surrealista. Tal fue la
definición del término dada por los propios Breton y Soupault en el primer Manifiesto
Surrealista fechado en 1924. Surgió por tanto como un movimiento poético, en el que
pintura y escultura se conciben como consecuencias plásticas de la poesía.
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4.2. CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA SURREALISTA.
-El Surrealismo creía en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre.
-Plasmó un mundo absurdo, ilógico, donde la razón no puede dominar al subconsciente.
-Tomó del Dadaísmo, la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazó su carácter
negativo y destructivo.
-Posteriormente buscó inspiración en el inconsciente, la imaginación, el método de la
escritura automática y el estudio de las teorías del psicoanálisis de Freud.
-La consideración social del artista contemporáneo es la de un ser independiente y
comprometido con su época, la crítica y se solidariza con sus problemas.
-El mercado del arte actual es mediante las Galerías, Exposiciones, Museos,
Colecciones privadas, Ferias (ARCO). Hoy es una inversión que se revaloriza.
- Lo mismo que sucedía en el caso del Dadaísmo, el germen del Surrealismo está en un
cierto inconformismo, una insatisfacción que, en este caso, se orienta a la creación de un
mundo onírico en el que se desprecia el dominio de la razón y las leyes de la lógica y se
invita a la liberación del subconsciente.
-El surrealismo aportó ciertas novedades técnicas como el frottage, el collage y el
automatismo.
4.2.1. Autores más destacados del surrealismo.
Dentro del Surrealismo es posible distinguir dos grupos diferentes. Por un lado,
encontramos a los pintores abstractos que cran sus propios universos iconográficos
tomando como punto de partida el subconsciente. Dentro de este grupo se encuentran
Miró, André Masson, Max Ernst e Ives Tanguy.
Por otro lado, están aquellos que realizan una pintura figurativa basada en la
asociación extraña e inusual de imágenes. En este caso se encuentran Dalí, Magritte,
Paul Delvaus y Óscar Domínguez.
Joan miró: Es el que mejor representa la escritura automática. Su primera etapa acusa
la influencia del cubismo y fauvismo. Pinta bodegones y paisajes de Horta Cambrils y
Montroig. Viaja a París y conoce a Picasso. En 1922 pinta La masia (12) último de la
época de paisaje detallista e intenso dibujismo. Luego en 1923 pinta ya Tierra labrada y
cazador (13) que le lleva al surrealismo. En 1924 conoce a los poetas surrealistas y
colabora con ellos. Pinta Mano apuntando a un pájaro y Carnaval de Arlequín, obra
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que analizaremos más tarde. La Guerra Civil le afecta y realiza El segador un mural de
la EXPO de Paris en 1937. Pintará Naturaleza muerta con zapato viejo (14)
. Después de
la II GM pinta un mural en la universidad de Harvard y en la sede de la UNESCO.
Establecido en Mallorca pinta Constelaciones.
(12) La Masia
(13) Tierra labrada y cazador
(14) Naturaleza muerta con zapato viejo
André Masson: pintor, escultor y grabador francés. Finalizada la contienda se traslada
a París durante los años veinte, donde entra en contacto con Joan Miró, André Breton o
Max Gabo, adhiriéndose a la escuela surrealista. A finales de la década rompe sus
relaciones con Breton, y comienza a publicar ilustraciones en revistas como, Revolución
Surrealista. Exiliado en EE UU durante la II Guerra Mundial, se convierte en el pionero
del expresionismo abstracto, siendo determinante para la culminación de la pintura de
acción de Jackson Pollock. Una de sus obras es Espejo cóptico (15)
.
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(15) Espejo cóptico
Marx Ernst: fue un artista alemán nacionalizado francés considerado figura
fundamental tanto en el movimiento dadá como en el surrealismo. A lo largo de su
variada carrera artística, Ernst se caracterizó por ser un experimentador infatigable,
utilizando una extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales. En todas sus
obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo
extradimensional de los sueños y la imaginación. Una de sus obras es La ninfa de Eco
(16).
(16) La ninfa de Eco
Yves Tanguy: se caracteriza por los paisajes imaginarios y desolados, plagados de
formas óseas que proyectan en los suelos grandes y horizontales lejanos detrás de los
que le gustaba imaginar qué podría existir. Tanguy es un gran improvisador. Una de sus
obras más famosas es Mañana (17) .
(17) Mañana
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Salvador Dalí: Es quien personifica mejor al Surrealismo siendo el más popular. Nace
en Figueras e inicia sus estudios en la Escuela de San Fernando de la que fue expulsado.
Viaja a París y conoce a Picasso y Paul Elouard quedando atrapado por el Surrealismo.
Sus primeras obras están influenciadas por la pintura metafísica de Chirico. Dalí será el
gran maestro de lo fantástico, extraño perturbador. En su obra El juego lúgubre
introduce excrementos humanos. Colabora en películas de Buñuel El perro andaluz y
La edad de oro. Contrae matrimonio con Galla. De 1931 es La persistencia de la
memoria (18)
. En 1936 realiza Construcción blanca con judías cocidas (premonición de
la Guerra Civil), obra que analizaremos en más adelante. Tras la guerra se establece en
N. York no ocultando su adhesión al franquismo y catolicismo. El éxito le llevó a
adoptar posturas reaccionarias y rompe con el movimiento surrealista. Aportó al
Surrealismo el método paranóico-critico, con el que pretendió sustituir la pasividad del
automatismo por el dinamismo del delirio de interpretación sistemática. El origen de sus
temas y obsesiones no procede de sueños reales sino imaginados y en estado de vigilia.
Cultiva una técnica rigurosamente realista con un dibujo minucioso y de rico colorido.
El define sus cuadros como “fotografía pintadas a mano” Su estilo académico denota su
admiración por Vermeer y de influencia del Renacimiento está presente en sus
ambientaciones. Repite en sus cuadros insectos, pianos, teléfonos, grabados, fotografías
antiguas, formas óseas, relojes blandos… Desde 1950 sus obras se encuadran en la
temática religiosa Crucifixión del Museo de Glasgow, Madonna de Port Lliga, La cena
(19).
(18) La persistencia de la memoria
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(19) La cena
René Magritte fue quién descubrió su concepto pictórico al contemplar la obra de
De Chirico. Sus cuadros están repletos de metáforas visuales cuyas claves
interpretativas suelen esconderse tras el título de las obras. En ellas resulta muy difícil
definir los límites entre la realidad y la ficción. Son muy características de sus cuadros
las nubes algodonosas que se repiten hasta la saciedad. Una de sus obras más
importantes es Los amantes (20).
(20) Los amantes
Paul Delvaux: es otro representante de la pintura surrealista belga. Los temas más
frecuentes de sus grandes lienzos son los desnudos femeninos de canon clásico. Una de
sus obras es Mujeres de vida galante (21).
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(21) Mujeres de vida galante
Óscar Domínguez: las figuras y objetos que componen sus obras surrealistas
contienen referencias mágicas, mecanicistas y sexuales, situándose muchas de ellas en
el paisaje canario a pesar de residir la mayor parte de su vida en París. La aportación
más importante que Óscar Domínguez hizo al surrealismo fue es uso, no el invento, de
la decalcomanía o calcomanía, técnica en la que el automatismo psíquico tenía un
protagonismo absoluto. Su precedente son las dentrites de la escritora romántica
francesa George Sand. La utilizó por primera vez en 1934 y para la cubierta de la
monografía de Westerdahl sobre Baumeister. Una de sus obras es Madamme (22).
(22) Madamme
En España el surrealismo aparece en torno a los años veinte no en su vertiente
puramente vanguardista sino mezclado con acentos simbolistas y de la pintura popular.
Además de Joan Miró y Salvador Dalí, el surrealismo español lo componen Maruja
Mallo, Gregorio Prieto, José Moreno Villa, Benjamín Palencia y José Caballero, además
de los neocubistas que se pasan al surrealismo (Alberto Sánchez y Ángel Ferrant).
Hubo un importante núcleo surrealista en las Islas Canarias, agrupado en torno a la
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Gaceta de Arte de Eduardo Westerdahl, del que un grupo de poetas invitaron a André
Bretón a venir en 1935; allí compuso este el poema Le chateau etoilé y otras obras. Los
máximos representantes de la pintura surrealista en el archipiélago fueron Óscar
Domínguez, Juan Ismael y el propio Westerdahl.
4.3. ESCULTURA SURREALISTA
La escultura surrealista no poseyó la misma rapidez y facilidad de lenguaje para
describir las constantes del surrealismo, aunque esto no supone que no exista escultura
surrealista.
La escultura surrealista se conformó como un complemento del surrealismo
pictórico, en unos casos, y, en otros, como un modo de abstracción morfológica lo que
induce a considerar que la escultura surrealista acontece más en el surrealismo abstracto
que en el figurativo. Por lo tanto, la importancia de la escultura surrealista radica
mayormente en la modalidad abstracta del estilo. Dalí, que fue el pintor surrealista
figurativo por excelencia, hizo escultura surrealista, pero su importancia queda en
segundo lugar en comparación con su pintura. También, resalto el escultor suizo
Alberto Giacometti, con una obra surrealista figurativa que aporto gran riqueza a este
estilo. Aparte de Giacometti, hay que destacar a la escultora Meret Oppenheim con una
obra escultórica coherente con los principios del surrealismo figurativo, como se
muestra en su obra Desayuno en piel (23) (1936), en la que presenta una simple taza de
café con leche, con un plato y cucharilla, con la novedad de estar recubierto con la
áspera piel de un animal. Max Ernst, además de participar en el movimiento dadá, en el
surrealismo fue uno de los innovadores y fundadores. Las obras escultóricas de Max
oscilan entre la figuración primitivista, que nunca pierde su condición figurativa, y la
abstracción, que nunca llegó a ser completa y definida. De su obra escultórica destaca:
El imbécil y Espárragos lunares.
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(23) Desayuno en piel
4.3.1. La escultura surrealista en españa
En España uno de los máximos representantes de la escultura surrealista es el
canario Óscar Domínguez; en su obra, que adoptó la figura femenina como tema
principal, se puede apreciar la influencia de otra de las grandes figuras de este
movimiento, Salvador Dalí. En 1938, este artista catalán sembró el desconcierto entre el
público asistente a la inauguración de la Exposición Internacional del Surrealismo en
París con su Taxi lluvioso (24)
. Se trataba de un viejo automóvil en cuyo interior había
situado dos maniquíes: uno de ellos era un chófer con cabeza de cocodrilo y el otro,
situado en la parte posterior, era una mujer rubia en traje de noche sentada sobre un
lecho de verduras sobre la que caía constantemente un copioso aguacero. A todo esto se
añadían numerosas plantas y 200 caracoles vivos. También son de inspiración
surrealista las formas fantásticas de las esculturas del madrileño Alberto Sánchez.
(24) Taxi lluvioso
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5. ANÁLISIS DE OBRAS
5.1. LA NOCHE ESPAÑOLA, FRANCIS PICABIA
Este cuadro es un ripolín sobre tela. El autor
en esta obra utiliza pocos colores, exactamente
cinco, el negro y el blanco son el 80% de toda
la pintura. La imaginación y creatividad hacen
que sea una obra que se puede interpretar de
varias maneras, dependiendo de la percepción
de cada persona. Plasma dos siluetas
contrastadas en blanco y negro, un hombre y
una mujer, con dos círculos pintados de
colores como puntos estratégicos de algo.
Llama la atención los dos círculos de colores
que están de la mujer, el uno se encuentra en la
parte superior, en el corazón, y el otro en la
parte inferior, en el vientre. Realmente es
difícil interpretar lo que el autor trató de plasmar con los círculos, pensaría que a partir
de los colores, estos círculos son parte esencial de todas las personas y en especial de las
mujeres, el corazón equivale a la ida y el vientre a la reproducción. Por otra parte,
también tenemos que hablar de la silueta del hombre que parece ser una posición de
baila, puesto que está con el brazo izquierdo levantado, podríamos pensar que está
haciendo un movimiento, un paso de baile tradicional español. También podemos darle
otra interpretación a las dos siluetas y es la del que el hombre sea un escultor creando a
una mujer, sus hábiles manos y creatividad logran una silueta perfecta a la misma.
Asimismo, parece que el hombre o escultor esté pintado a esta mujer en la pared, pero
que la esté retocando y todavía no haya concluido su obra.
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5.2. DESNUDO BAJANDO UNA ESCALERA, MARCEL DUCHAMP
El cuadro ya nos indica que en esta obra debemos
buscar un cuerpo dinámico. Sin embargo no vemos
tal desnudo, en el sentido estricto del término, sino
una abstracción de éste, y tampoco es evidente la
presencia de la escalera. Pero la sucesión de pasos
que requirió ese cuerpo para descender por la
escalera se aprecia más claramente. Entre otras cosas
el artista nos muestra un fragmento específico de
tiempo, algo que también hizo la fotografía
científica: en la búsqueda de un análisis meticuloso
del movimiento de un cuerpo en el espacio,
descompone las imágenes de su trayectoria. Es decir,
representa en términos plásticos el tiempo como
fenómeno físico. La fragmentación y multiplicación
de las formas de la obra, se tomó en su momento
como signo evidente de la ruptura de la pintura
vanguardista con la tradición artística. Este cuadro se inscribe en la época en que Duchamp
exploraba con el cubismo. No hay duda que tuvo que inspirarse en las cronofotografías de
Marey para la ejecución de esta obra. La obra fue creada para ser expuesta en el Salón de los
Independientes, pero la crítica lo rechazo. Para él fue un gran varapalo que no se expusiese la
obra. En el 1912 fue expuesta en la Galería Dalmau de Barcelona. En 1913 la obra fue expuesta
en Nueva York: aun así no fue muy bien acogida aquí tampoco la obra. De hecho se puso en
marcha un concurso para que se pudiese explicar el cuadro. Duchamp, que dejó infinidad de
notas, dejó escrito que su deseo era crear una representación estática del movimiento.
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5.3. CONSTRUCCIÓN BLANDA CON JUDÍAS HERVIDAS, DALÍ
Este cuadro es un óleo sobre lienzo.
La figura está constituida por una
pierna y una extremidad de la que
surge otra. Estas dos partes se
intentan despedazar. Debajo del
monstruo amorfo hay un pie, el cual
tiene un dedo de gran tamaño.
Arriba se encuentra una cabeza
sonriente inclinada hacia arriba,
pareciendo ser cegada por el Sol.
Esta cabeza recuerda mucho la
pintura de Goya Saturno devorando
a sus hijos, de carácter sombrío y terrorífico. Así Dalí, define el cuadro como una obra
bélica, dado que Saturno es además el Dios de la Guerra.
Como en otras obras de Dalí, el elemento principal del título del cuadro (las judías o
frijoles) se encuentran en una parte minúscula del mismo, solo como un elemento
secundario, recordando a La jirafa ardiendo donde la jirafa sale en un tercer plano muy
alejado. Las judías cocidas son una de las frecuentes alusiones de Dalí a la comida en
sus obras. Reflejan el carácter nutritivo que él otorga incluso a la arquitectura. Un
biombo se encuentra en el centro y, a la izquierda, un hombre, copia de otra pintura de
Dalí, El farmacéutico del Ampurdán que no busca absolutamente nada. El fondo es un
paisaje rocoso, semidesértico y montañoso. El cielo, pintado de una forma
extraordinaria, muestra algunas nubes de color verde claro y azul oscuro. La escena se
desarrolla en el Ampurdán, la región de Cadaqués, Figueras, Port Lligat, los lugares más
cercanos a Dalí. Dalí ya había tenido una breve experiencia de guerra civil cuando, en
1934, se proclamó la República de Cataluña y el artista huyó a Francia debido a los
desórdenes producidos. Esta obra es una de las más agresivas pintadas en toda la
historia. Muestra el horror de la Guerra Civil Española que se inició en el año en que fue
pintada. En realidad, Dalí terminó la obra seis meses antes del estallido de la guerra y,
hasta que ocurrió este acontecimiento, la pintura no tuvo el subtítulo "Premonición de la
Guerra Civil". Aun así, Dalí parece ya saber que la posibilidad de una guerra era
inminente, y pinta un monstruo amorfo de carnes que se estrangulan unas con otras.
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5.4. CARNAVAL DEL ARLEQUÍN, MIRO
Esta una de las telas más célebres de
Joan Miró. La autómata que está
tocando la guitarra y un arlequín con
bigotes tienen los papeles principales.
A su alrededor aparecen gatos
jugando con unas bolas de lanas, unos
pájaros ponen huevos de donde salen
mariposas o unos peces voladores se
van a la búsqueda de los cometas.
También se ve como un insecto se escapa de un dado o un mapamundi espera sobre la
mesa, así como una escalera que tiene una oreja humana enorme proyecta un ojo
minúsculo entre los barrotes.
El ojo, adoptado como emblema para señalar la presencia del hombre, será una
constante en la producción artística de Miró y aquí aparece por toda la tela, pues se
abren unos ojos sobre los cubos, los cilindros y los conos.
A través de una ventana que se abre al exterior se advierte un azul del cielo con una
pirámide de color negro, que Miró dijo ser la Torre Eiffel, una especie de llama roja, de
compleja identificación, y un sol. En la obra se aprecia una clara tendencia por parte del
pintor a llenar toda la superficie del cuadro con muchos elementos, con juguetes
fabulosos, curiosos animales o criaturas semihumanas. Esta composición abigarrada,
según el autor, se debe a las alucinaciones causadas por el hambre. Él mismo comentaba
que en esta pintura "intentaba plasmar las alucinaciones que me producía el hambre que
pasaba.
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5.5.FUENTE, MARCEL DUCHAMP
Duchamp envió a la primera de esas
exposiciones un urinario masculino. Iba
firmado por una tal R.Mutt y llevaba el
título de Fuente. Algunos de sus
compañeros "vanguardistas" vieron
aquello como una provocación, y la obra,
contraviniendo los estatutos, no fue
admitida. Duchamp, que estaba en el comité organizador, presentó su dimisión.
Este incidente fue bien aprovechado por la facción dadaísta neoyorquina, la cual
aireó las virtudes de la obra de R.Mutt, la estrechez de miras de algunos sectores
artísticos de la ciudad, y dio las claves para entender el sentido
que Duchamp otorgaba inicialmente a este ready-made. El urinario se
presentaba intacto, pero al girarlo cuarenta y cinco grados, y al darle un título,
adquiría valores completamente inesperados. Veían en él una limpia belleza,
además de curiosas alusiones figurativas, como un buda o una Madonna. Pero
también era un objeto conectado con la temática amorosa de El Gran Vidrio.
Todo el mundo admite hoy que esta 'Fuente' fue uno de los gestos más radicales
de la historia del arte universal. Nada, después de esto, volvió a ser lo mismo.
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6. BIBLIOGRAFÍA
Gallego, RAQUEL. Historia del arte, Editex. Madrid, 2009
Cantera Montenegro, JESÚS; Arias de Cossío, ANA MARÍA. Historia del arte 2, SM.
Madrid, 2009.
Coma-Cros, DANIEL; Tello, ANTONIO. Las vanguardias: Expresionismo y
abstracción, Salvat. Madrid, 2005.
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