TEMA 13.- EL TRÁNSITO DEL SIGLO XVIII AL XIX.

EL NEOCLASICISMO: URBANISMO Y ARQUITECTURA. LAS ARTES FIGURATIVAS: CANOVA Y DAVID. LA PINTURA ROMÁNTICA. PANORAMA DEL ARTE ESPAÑOL. GOYA.

1.- EL NEOCLÁSICO.

PANORAMA HISTÓRICO CULTURALEn el siglo XVIII y, sobre todo, en Francia, el arte aristocrático fue asociado con el Rococó, por eso, a medida que transcurre el siglo, y cuando la clase media se dispone a arrebatar el poder a la nobleza y al rey (Revolución Francesa), no duda tampoco en acabar con un arte que simbolizaba el poder y el lujo de las clases privilegiadas.Por eso, ya desde mediados de siglo, Diderot atacaba este estilo y recomendaba la serenidad del arte antiguo. Pero además de la coyuntura social, otras circunstancias van a permitir esteredescubrimiento de la Antigüedad Clásica por segunda vez:• - En 1719 se descubría Herculano y en 1748 la ciudad perdida de Pompeya, sepultada por las cenizas del Vesubio. Estos descubrimientos van asociados a una fiebre investigadora y arqueológica que produce una abundante bibliografía.• - Por otra parte las Academias creadas a lo largo de este siglo subrayan el valor normativo de lo clásico y realizan campañas antibarrocas y en contra del Rococó en pos del "buen gusto".• - Además el Rococó se había agotado. Era un estilo que apenas había tenido transcendencia en los exteriores de los edificios. De esta manera surge el Neoclasicismo unido a una clase social, la burguesía, como su manifestación estética y como bandera de sus reivindicaciones. Este será el lenguaje plástico de los revolucionarios empeñados en suprimir todo resto de Antiguo Régimen, con sus manifestaciones estéticas incluidas. Los representantes de la revolución ven en el Neoclasicismo la derrota de la aristocracia y sus salones. El epicentro de este cambio es Francia pero sus consecuencias abarcan todo el mapa europeo y afecta a todas las artes.

ARQUITECTURA NEOCLÁSICA:

CARACTERÍSTICAS:- Vuelta al mundo clásico, en especial al griego, huyendo del decorativismo del arte barroco y de la ligereza del rococó.- Estilísticamente se vuelve a la simplicidad espacial y compositiva.- Uniformidad estilística como consecuencia de la formación de los artistas en academias.- Predominan los elementos arquitectónicos tomados del clasicismo: órdenes, frontones, cúpulas, pórticos con columnas, fachadas rectas.- Pocos elementos ornamentales superfluos.

URBANISMO:El conocimiento de la Antigüedad a través de excavaciones permitió no solo conocer obras sino también ciudades.

En esta época se modificaron zonas de las urbes con el fin de ampliar y mejorar el trazado. Se construye la Puerta de Brandeburgo en Alemania y en España, Carlos III hace construir el paseo del Prado y la puerta de Alcalá.

LA ARQUITECTURA NEOCLÁSICA EN EUROPARepresentativo de este estilo en Francia es la iglesia de la Madeleine en París. Se trata de un templo corintio y octástilo, ordenado construir por Napoleón como homenaje al gran ejército francés y terminada en 1842.Resulta fría y demasiado fiel a los cánones clásicos. En Alemania el monumento más representativo de este estilo es la puerta de Brandenburgo.

Puerta de Brandenburgo Puerta de Alcalá Museo del Prado

En España el arte Neoclásico tuvo que vencer un Barroco muy enraizado y por eso las mejores muestras del nuevo arte no se dan hasta el último cuarto de siglo XVIII. Fue Carlos III quien mandó a Sabatini construir la Puerta de Alcalá en 1778. Este estilo siguió vigente durante la primera mitad del siglo XIX conviviendo con los edificios románticos y neogóticos, todo ello englobado en la arquitectura historicista, como veremos más adelante.Otro edificio de estilo neoclásico es el Museo de Prado, de Juan de Villanueva.

ESCULTURA NEOCLÁSICA:

CARACTERÍSTICAS:El estilo neoclásico significó en la escultura la vuelta a la Antigüedad , no solo en los temas sino también en las formas:- Se generalizan las obras en mármol y bronce.- Belleza formal, sin expresión ni sentimiento.- Perfección técnica y formal.- Se prescinde de movimientos violentos, diagonales o escorzos propios del Barroco- Influencia clásica , alejándose del modelo natural.- Mayor variedad temática: desarrollo de estatuaria funeraria.

CANOVA: Italiano, estudiará las obras del clasicismo antiguo en Roma. Entre sus obras destaca el grupo Eros y Psique, cuya disposición enlaza las dos figuras en una compleja estructura en forma de aspa. Destaca la suavidad y perfección de su modelado. A partir de

1802 trabajó en París, donde realizó retratos de Napoleón y su familia representados como

personajes de la Antigüedad.

PINTURA NEOCLÁSICA :

CARACTERÍSTICAS:

- La pintura se encuentra con la dificultad de que apenas hay modelos grecorromanos de pintura. Por ello, se influirán de los grandes maestros renacentistas (Rafael, Corregio)- Perfección formal, serenidad y dulzura de los temas.- Predominio del dibujo sobre el color. - Temática del mundo clásico o hechos heroicos.

Jackes-Louis DAVID (1748-1828) Francés. Fue el pintor que mejor representó el Neoclasicismo. Se formó con modelos clásicos en Roma. Domina perfectamente el dibujo y de Caravaggio tomará el sentido del volumen.Sus obras más importantes son El juramento de los Horacios, El juramento del Juego de pelota y La muerte de Marat.

Se convierte con ellas en el pintor de la Revolución Francesa. Tras la proclamación del imperio de Napoleón fue pintor oficial (Consagración del emperador).

2.- ROMANTICISMO:

A finales del siglo XVIII, el movimiento romántico supuso la ruptura con el racionalismo de la Ilustración y el clasicismo, en nombre de la libertad del genio del artista. Rompe con lo racional para dar paso ahora al sentimiento.Fue un movimiento de subjetividad, rebeldía y triunfo de las pasiones. En cualquier caso plasma unos sentimientos exaltados.El Romanticismo se considera un movimiento precursor del nacionalismo, pues no solo se defendía la individualidad de la persona, sino también de cada pueblo.

PINTURA ROMÁNTICA EN FRANCIA:Lejos de ser un movimiento que nace como reacción frente al clasicismo, se debe entender que ambas fórmulas , la clásica y la romántica, convivieron desde finales del siglo XVIII.

DELACROIX (1798-1863)El gran pintor del romanticismo francés fue Delacroix. Pretendió mostrar un sentimiento melancólico a través del color.

En su pintura reflejó las pasiones del Romanticismo. Con su obra La libertad guiando al pueblo se convierte de un intérprete del liberalismo revolucionario.También destaca Gèricault con su obra La balsa de la Medusa (1819). Muestra la desesperación y la muerte de un hecho real: el naufragio de una fragata francesa.

PINTURA ROMÁNTICA EN ESPAÑA

PANORAMA HISTÓRICO-CULTURAL: A finales del siglo XVIII, España vive anclada en el Antiguo Régimen. La corriente Ilustrada ha calado poco a pesar del esfuerzo de Carlos III, déspota Ilustrado, por modernizar el país y, más concretamente, la capital.La Revolución francesa y la invasión de España por parte de Napoleón (1808) van a despertar a España de ese letargo. Se elaborará la Constitución de 1812 durante la guerra de la Independencia, período que vive y refleja uno de los mayores genios de la pintura española y mundial: Francisco de Goya.

GOYA (Francisco de Goya y Lucientes)

Es uno de los grandes maestros de la pintura universalNació en 1746 en Fuendetodos (Zaragoza). Sintió, ya de niño la afición por el dibujo y aprendió en el taller del pintor José Luzán., Se casó con la hermana del pintor Francisco Bayeu y fue discípulo suyo.En su juventud viajó a Italia y pronto se traslada a Madrid como pintor de cartones para la Real Fábrica de Tapices. De ahí ascendió hasta el triunfo total: ser pintor real y miembro

de la Academia de San Fernando y retratista de la nobleza. Después, la Guerra de la Independencia marcó su obra.Una enfermedad le deja sordo, acusado de afrancesado y perseguido; se desterró voluntariamente a Burdeos y allí murió en 1828.

Evolución artísticaPrimer periodo:.Goya llega a Madrid donde cuenta con los académicos de San Fernando, especialmente con Mengs y Bayéu, cuya influencia se dejó notar en su obra, de gusto clasicista y académico de pincelada viva y densa. Tras su viaje a Italia muestra una temprana tendencia hacia el realismo popular y caricaturesco: Bóveda de l Basílica del Pilar de Zaragoza

Segundo periodo: Vuelve a Madrid y empieza a trabajar en la Real Fábrica de Tapices a las órdenes de Mengs. Allí no pudo desarrollar su propia personalidad porque la temática de carácter costumbrista le venía impuesta.. Refleja una visión fresca, agradable y sonriente de la vida popular: El quitasol, La gallina ciega o El columpio, todos ellos resueltos con una gran ligereza en la ejecución y un vivo colorido. En 1781 rompe con Bayeu y empieza su larga lista de retratos cortesanos: reyes, aristócratas, intelectuales, artistas, etc.

Tercer periodo: Empieza ahora su sordera progresiva y que le marcará siempre su vida interior convirtiéndole en un ser fantástico y visionario. De esta época son los Caprichos (1799) serie de grabados donde refleja lacras sociales y una personalidad atormentada. Pero continúa a la vez su faceta oficial, retratos de cortesanos. Es en esta época cuando pinta la Familia de Carlos IV donde revela de modo realista e irónico las dudosas cualidades morales y la vulgaridad humana de los retratados.

En 1801 pinta las dos Majas.

Cuarto periodo: 1808-1828.

Este periodo marcará la obra de Goya definitivamente. Fernando VII renuncia al trono español en favor de José de Bonaparte de quien también será pintor de cámara. Ahora pinta cuadros históricos, verdaderos fotogramas de una contienda como La carga de los mamelucos y los Fusilamientos de la Moncloa, los dos pertenecientes a los Desastres de la guerra.

En los Fusilamientos predomina la sencillez técnica, la concepción formal y el patetismo en las expresiones (su progresivo expresionismo se hará patente en la serie de "Pinturas negras”). A partir de 1819 se retiró a la Quinta del Sordo, una casa a orillas del Manzanares que decoró con sus propios cuadros: todos Pinturas Negras como Saturno devorando a su hijo, El aquelarre, Lucha a garrotazos o El coloso del miedo, pinturas que son verdaderos precedentes del expresionismo y del surrealismo.

Saturno devorando a sus hijos Lucha a garrotazos

TEMA 14. LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XIX.

URBANISMO Y ARQUITECTURA. LOS NUEVOS MATERIALES. LAS ARTES FIGURATIVAS: COURBET Y EL REALISMO. LA PINTURA IMPRESIONISTA Y POSTIMPRESIONISTA. RODIN Y LA ESCULTURA: EL ART NOUVEAU O MODERNISMO. EL ARTE ESPAÑOL DE LA ÉPOCA.

1.- EL PANORAMA ARTÍSTICO EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XIX: EL URBANISMO.

Las grandes reformas urbanas:

La Revolución Industrial jugó un papel decisivo en la transformación de las ciudades en la segunda mitad del siglo XIX. El creciente éxodo rural hacia las ciudades desembocó en un hacinamiento con fuertes consecuencias negativas. Frente a esta masa está la burguesía, grupo social que sale beneficiado de la Revolución industrial y que reclama espacios propios dentro de las ciudades.Las ciudades llevaron a cabo planes de expansión mediante los ensanches de las ciudades.Se crearon, así, las primeras zonas suburbiales en las que se instalaban el proletariado, en la periferia de las grandes ciudades. Apareciendo, igualmente, barrios residenciales para la burguesía.

Reforma de la ciudad de ParísSe desarrollaron en dos etapas: - Durante el reinado de Luis Felipe de Orleáns (primera mitad del XIX). Tras una epidemia de cólera se construyen hospitales, se pavimentan las calles. También se urbanizaron nuevos espacios.- En el Segundo Imperio de Napoleón III (segunda mitad del XIX): Se llevó a cabo una reforma mucho más importante. Se basaba en amplias y rectas avenidas con bulevares. El dominio de la línea recta en el tratado recuerda el primitivo urbanismo romano. Se expropian barrios populares del centro y se crean nuevas viviendas burguesas y barrios de infravivienda en la periferia.

El plan Cerdá en BarcelonaEl ensanche de Barcelona lo realizó Ildefonso Cerdá, quien trató de solucionar los problemas de higiene y tráfico.El trazado adopta una forma de cuadrícula con dos grandes vías diagonales.También dio gran importancia a los jardines y trató de distribuir los servicios urbanos.

Proyecto de ensanche de MadridSe debe al arquitecto Arturo Soria que en 1882 proyectó La Ciudad Lineal, construcción de un ensanche para Madrid que solucionara los problemas de la ciudad industrial. El proyecto consistía en la parcelación regular de la zona con viviendas unifamiliares de diferentes precios y tamaños para todos los sectores sociales. Estas viviendas se establecían a través de un eje transversal por el que circulaban los tranvías que unían la zona con la capital. Este eje se completaba con zonas verdes.

LA NUEVA ARQUITECTURA: EL HIERRO Y EL CRISTAL

Nuevos materiales urbanosLa aparición del hierro fundido o colado, de gran dureza, permitió su uso para la fabricación del ferrocarril pero también en arquitectura. Con él se harán vigas de gran tamaño. Poco tiempo después se empezó a combinar con el acero, cuya gran elasticidad mejoró al hierro.El hierro y el acero empezaron a utilizarse en los edificios en la llamada arquitectura del hierro (mercados, puentes, pabellones para exposiciones…) que buscaba, fundamentalmente, la funcionalidad.

Los espacios más significativos fueron las Exposiciones Universales. En Londres (1851) Joseph Pastón levantó el Palacio de Cristal, de hierro forjado y cristal. En París (1889) se construyeron dos de los edificios más significativos de este material: La torre Eiffel, obra de Gustave Eiffel. La obra de hierro más emblemática, de trescientos metros de altura. Las estaciones de ferrocarril fueron otra de las tipologías características el hierro.En 1871 fue destruida por un incendio la ciudad norteamericana de Chicago y tuvo que ser reconstruida. La falta de espacio y la especulación del suelo obligaron a levantar edificios muy altos, rascacielos, lo cual fue posible gracias a las nuevas estructuras metálicas. Louis Sullivan fue la figura más destacada del grupo de arquitectos que integraron la llamada Escuela de Chicago. Este grupo fue la semilla del funcionalismo.

2.- EL MODERNISMO 1. Es un estilo internacional pero con variantes nacionales: Art Nouveau en Francia, Secesión en Austria, Modern Stile en Inglaterra y Modernismo en España. Se desarrollará en la segunda mitad del siglo XIX

2. Es un intento de englobar las dos vertientes que se venían dando en el siglo XIX: tecnología y avances de los nuevos materiales (fruto de la Revolución Industrial) y por otro lado la tradición artística con decoración estética propia del pasado. Trata de romper con la tradición y aprovechar las ventajas que ofrecen la tecnología y la industria.

3.- No solo se diseña el edificio sino los interiores y mobiliario. Supone una unificación de las artes: pintura, escultura, arquitectura y artes aplicadas.

4. Recupera el sentido estético de carácter naturalista (inspirado en la naturaleza), decoración natural, con líneas curvas, dinámicas y llenas de vida, sinuosas, copiando elementos naturales.

5. Es el istmo de la burguesía de fin de siglo.

ARQUITECTURA MODERNISTA EN ESPAÑA:

En España va a destacar sobre todo el “modernismo catalán”. Cataluña es la región española más desarrollada industrialmente, con una burguesía dinámica y culta que va a encargar obras para distinguirse socialmente. Los arquitectos más significativos de este foco son:

DOMÉNECH I MONTANER (1850-1923. Su obra más significativa el e Palau de la Música.

PUIG Y CADAFALCH: Con obras como la Casa Martí y Moncada o el Palacio de Cuadras.

ANTONIO GAUDÍ (1852-1926):

Es la figura más importante del modernismo en todo el mundo y uno de los mejores arquitectos españoles de todos los tiempos.

Características generales de su estilo:- Influencias iniciales de estilos medievales, especialmente gótico. De la arquitectura islámica toma el manejo de la luz y decoración de azulejos. Inspiración de la naturaleza (plantas, flores y tallos) dotando al edificio de flexibilidad y dinamismo.-Preocupación por el color, la luz y la armonía de proporciones. Su estilo estará fundamentado en un conocimiento de los nuevos materiales y en la libertad y expansión decorativas.. En algunos casos utiliza materiales de desecho (cerámica) para revestimiento de edificios.

Las obras más importantes del genio del modernismo español fueron:

1er. período de 1878 – 1900: Casa Vicens, Palacio Güell. Corresponden a un período de formación, ecléctico. Reproduce las formas naturales superficialmente.

2º período 1900 – 1914: El color empieza a ser protagonista de la obra: Casa Batlló, La Pedrera y el Parque Güell.

3er. período 1914 -1926: Gaudí se centra en el templo de la Sagrada Familia, rechazando otros encargos. Trabajará en ella hasta su muerte.

Templo de la Sagrada Familia: El arquitecto concibe un enorme edificio con tres fachadas, cripta y tres naves de inspiración gótica. Solo le dio tiempo a terminar la fachada de La Natividad, realizada sobre tres portales abiertos y con fantástica decoración escultórica. Se levantan cuatro torres circulares con vértices recubiertos por mosaicos brillantes.La Sagrada Familia es el genial resultado de unas soluciones estructurales novedosas y exuberancia e imaginación decorativa.

Palacio Güell Casa Batlló

Casa Milá o La Pedrera Sagrada Familia

LA PINTURA EN LA SEGUNDA MITAD DEL XIX:

1.- LA PINTURA REALISTA (mediados del s. XIX)En 1840 el Romanticismo daba en Francia muestras de cansancio. Frente a la evasión imaginativa y subjetiva va a aparecer una nueva tendencia de observación objetiva de la realidad presente e inmediata.Este cambio de mentalidad se dio en Francia después de 1848 y se extendió al continente.Las actitudes humanas se consideraban ahora con gran dignidad, buscando temas entre las clases más pobres.Pintores del realismo francés:

MILLET : El Ángelus.

COURBET : La sobremesa en OrnansCourbet fue el maestro de una escena de costumbres y del realismo. Se formó copiando y estudiando en el Louvre.

El ángelus La sobremesa en Ornans

2.- LA PINTURA IMPRESIONISTA (segunda mitad del siglo XIX)Cansados de ser excluidos de los salones oficiales, algunos pintores parisinos se constituyeron en grupo y expusieron su obra en la antigua vivienda del fotógrafo Nadar en junio de 1874. Esta exposición supuso un gran escándalo y el arranque histórico del impresionismo.Características del impresionismo:- Ley del contraste cromático: todo color es relativo según los colores que le rodean. Los artistas del impresionismo conocerán las teorías del color. En especial la basada en la presencia de colores primarios y colores complementarios. - La luz es el autentico motivo de las obras impresionistas. Llegan a decir que el color no existe, solo la luz filtrada a través del aire con los objetos sobre los que se refleja es real. -El pintor plasma el color tal y como lo ve y no como son las cosas.- Este estilo tendrá como novedad la negación del claroscuro. Así las sombras de los objetos se representan con graduación de colores, no con el negro.- Pincelada gestaltica: partes inconexas dan lugar a un todo unitario. La técnica impresionista se basa en pinceladas sueltas (cortas y yuxtapuestas) de diferentes colores.- La pintura al aire libre será otra de sus señas de identidad. Reproducirán las diferentes fases del día y las diferentes luces que se producen sobre un mismo paisaje u objeto.- La visión del mundo que ofrecen los impresionistas es optimista, los aspectos que retratan son gratos y alegres.

MANET (1832-1883) fue el precursor del impresionismo. Artista muy culto y enamorado de la literatura y de la música que le proporcionó un amplísimo horizonte estético.Obras representativas: El almuerzo sobre la hierba o El bar de Folies Bergère.

El almuerzo sobre la hierba fue expuesto en el Salón de los Rechazados en 1863, ocasionándole burlas y discusiones, pero supuso un enorme estímulo para el resto de futuros impresionistas.

CLAUDE MONET (1840-1926):Fue el pintor impresionista por excelencia. Su obra es una permanente glorificación de la luz en su infinita variedad. En los años setenta tras un viaje a Londres, fascinado por los efectos de la bruma sobre el Támesis y la obra de Turner, incorporó a su pintura la perspectiva aérea . En la exposición que hicieron en el local del fotógrafo Nadar, Monet presentó la obra Impresión, sol naciente, que provocó a etiqueta despectiva de la crística y dio nombre al grupo.

Parlamento de Londres Impresión, sol naciente. Estación de Saint-Lazare

DEGAS (1834-1917):De familia acomodada. Viajó a Italia donde quedó marcado por el Renacimiento al que intentó conciliarlo con el color.En 1886 participa en las exposiciones de los impresionistas sin perder su independencia. No obstante, no renuncia a su perfección en su técnica.En los últimos años y luchando contra suna incipiente ceguera pintó al pastel varias obras con temas que le fascinaban: las bailarinas y los desnudos.

RENOIR (1841-1919)Debido a su formación inicial como decorador de porcelanas, Renoir supuso una excepción en el grupo impresionista al mantener a lo largo de su carrera un marcado carácter decorativo.Obras : El baile de Moulin de Galette o Almuerzo de remeros

3.- EL POSTIMPRESIONISMO:El periodo comprendido entre 1886, año de la última exposición de los impresionistas, y el nacimiento del cubismo en los primeros años del siglo XX, se denomina genéricamente postimpresionismo. Dentro de él nacen una serie de actitudes y tendencias que constituyeron el fundamento de las vanguardias.

Paul CEZANNE (1839-1906)Se propuso superar la fugacidad y provisionalidad de la pintura impresionista con una pintura concreta, sólida y definida, recuperando la forma y el volumen. Así en sus pinturas luz, color y formas se cohesionan.Obras: Los jugadores de cartas y La montaña de Saint-Victoire.

VICENT VAN GOGH (1853-1890)

Fue un artista rechazado por la sociedad. Su carrera artística apenas duró diez años. En París conoció la obra de los impresionistas hecho que provocó que su paleta se hiciese más clara y ligera y que decidiese pintar al aire libre. En “La habitación de Arlés” aparece una perspectiva en movimiento como símbolo de su desequilibrio mental y de su impotencia frente a la sociedad que le rodea. Van Gogh expresaba estos sentimientos con el color. En 1890 se suicida disparándose un tiro. En sus obras anunció lo que sería el expresionismo.

Otras obras: Luces y sombras, La iglesia de Auvers-sur-Oise

La habitación de Arlés Luces y sombras La iglesia de Auvers-sur-Oise

Paul GAUGAIN (1848-1903)Se evadía de la sociedad de su época buscando una naturaleza extraña, lejana y exótica, con gentes no adulteradas por el progreso, en condiciones de autenticidad e ingenuidad primitivas. Obras : Las mujeres de Tahití, serenas, colocadas en un decorado simple, casi místico.

TOULOUSE-LAUTREC.Nacido en 1864, fue el artista más joven de los que vivieron el postimpresionismo.

Un antecedente de su obra fue Degas. Su tema favorito es el mundo efímero y brillante de los espectáculos parisinos. Sus pasteles sirven de enlace del impresionismo con el art nouveau y el cartel contemporáneo.

Cartel del Moulin Rouge y El baño

4.- PINTURA EN ESPAÑA:

En España brillaron grandes obras de temática histórica de estilo romántico con pintores como Rosales, Gisbert o Pradilla.

Rosales: testamento de Isabel la Católica (1864) Gisbert: Fusilamiento de Torrijos (1888)

También cabe destacar otras de estilo realista como La Carga (1899) de Ramón Casas.

LA ESCULTURA DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XIX

1.- ESCULTURA ROMÁNTICA EN ESPAÑAComo en pintura, trata de reflejar las ideas románticas de lo grandioso, lo sublime, ensalzando además los altos valores humanos y el poder desenfrenado de las pasiones y los sentimientos. Los escultores románticos tratan de captar el movimiento y la acción.En España destacan Bellver y Benlliure.

Bellver: Angel caído (estatua de El Retiro de Madrid)

1.2. ESCULTURA IMPRESIONISTA

El impresionismo repercutirá también en el terreno escultórico (interés por la luz y los juegos lumínicos, los efectos de lo inacabado, renovación de técnicas…). Los escultores impresionistas tratan de alejarse de los modelos clásicos y de la mera copia de la Naturaleza.Un pintor impresionista que también será escultor fue Degás.

LA ESCULTURA IMPRESIONISTA

RODIN (1840-1917):

Nacido en Francia, es considerado el mejor escultor del siglo XIX a pesar de que tuvo muchos detractores.La genialidad de Rodin estriba en trasladar a tres dimensiones las innovaciones de los impresionistas, pero además las llena de expresión y sentimiento. Para ello utiliza diferentes texturas y superficies, dejando algunas partes de la obra prácticamente sin acabar. Aspecto que tendrá gran influencia en la escultura moderna.Su obra más conocida es El pensador: un hombre desnudo sentado en una roca y con el torso inclinado hacia delante. En actitud de profunda reflexión. Presenta una clara composición centrípeta (hacia dentro), un modelado en tensión de todos los músculos de su cuerpo que acompañan a la reflexión. Contrasta partes muy acabadas (los dedos de las manos) con otras por acabar. Sin duda, la incorporación de partes inacabadas tiene su influencia de Miguel Angel. Otra obra muy conocida de Rodin fue El beso

El pensador El beso

15 -EL SIGLO XX.

LA NUEVA ARQUITECTURA. LAS ARTES PLÁSTICAS Y SU EVOLUCIÓN: LAS VANGUARDIAS HISTÓRICAS. SU REFLEJO EN ESPAÑA.

1.- LA ARQUITECTURA DEL SIGLO XX CONTEXTO HISTÓRICO:El bajo coste y la facilidad técnica serán condiciones necesarias para el triunfo de los nuevos estilos, en un contexto de sociedad de consumo. Así la utilidad va a ser la base que va a definir la arquitectura del siglo XX.Dos van a ser las influencias de mayor peso en la arquitectura del siglo XX: Una, las experiencias de la escuela de Chicago y la segunda, el sello que dejará el modernismo.El siglo XX asistirá a una rica variedad de ensayos e investigaciones arquitectónicas que aportaron una variedad de propuestas diferentes y nuevas a pesar de que se terminó imponiendo el racionalismo.

FUNCIONALISMO:

Entre 1920 y 1930 surge un movimiento arquitectónico nuevo, el funcionalismo, es una corriente arquitectónica que tiene como lema: “la forma sigue a la función”, acuñado por la escuela de Chicago que se preocupó más por las necesidades y la comodidad de los propietarios del edificio que por su belleza estética.

El funcionalismo está muy ligado al proceso industrial y pretende dar soluciones a la necesidad de viviendas baratas y a planteamientos higienicistas.La propuesta funcionalista llegó a Europa y se enfrentó al Modernismo.

LE CORBUSIER . Este movimiento nació de un Congreso Internacional de Arquitectura Moderna

(C.I.A.M.) comandado por uno de los arquitectos más importantes del mundo: Le Corbusier. Este Congreso se celebró en 1928 a bordo de un barco que realizaba un crucero hacia Atenas. Por eso lo que ese Congreso elaboró se denominó La Carta de Atenas: el gran documento de urbanismo del siglo XX. En esta carta se encuentra el modelo de ciudad funcional: 1. Debe ser habitable: diseñar la vivienda 2. Debe ser un lugar de trabajo: hay que situar el lugar donde se asienta cada uno de los tres

sectores económicos. 3. Debe ser un lugar de recreo, ciudad del ocio, con unos servicios. 4. Debe ser una ciudad de fácil y rápida circulación.

De este modelo surge la ciudad moderna que acaba con la ciudad burguesa del siglo anterior y la influencia de la Carta de Atenas en el urbanismo actual es total.

WALTER GROPIUS. Mientras en Francia y buena parte de Europa se mantenía la dicotomía arquitectónica entre técnica y Arte, en Alemania se habían dado pasos gigantescos para aunar lo uno y lo otro. Gropius creó en Weimar la primera Bauhaus con esta intención. Él diseña el propio edificio de la Bauhaus y ésta será su obra maestra. Gropius plantea la Bauhaus para ofrecer multitud de puntos de vista, coincidiendo así con el espíritu cubista picassiano. La transparencia de sus grandes ventanales pone a la vista la estructura interna, dando así una imagen simultánea de diversas partes del edificio.

2.- LAS VANGUARDIAS:

REFERENTES HISTÓRICOS: La primera Guerra Mundial (1914-18) conllevó grandes cambios a nivel político, económico y social. Aparecen nuevas modas, nuevo papel de la mujer. Los comunistas llegan al poder en Rusia y EEUU se convierte en una potencia política y militar.Europa y EEUU se convierten en centros artísticos. Las Primeras Vanguardias se iniciaron en 1905 , fecha en la que aparecieron los dos primeros movimientos artísticos, el Fauvismo y el Expresionismo. Estos nuevos lenguajes desafiaban las leyes de representación tradicional. Tras ellos, se sucedieron el Cubismo (1907), el Futurismo (1909), la Abstracción (1910), el Dadaísmo (1916) y el Surrealismo (1924).

El estallidos de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) supuso la dispersión de muchos artistas europeos hacia Norteamérica y marcó el final del proceso de cambio y experimentación.

1.- FAUVISMO:La palabra fauve significa “fiera” y alude a aquellos artistas que expresan sus sentimientos a través del color. Con influencias del impresionismo en cuento al color y la luz.Son sucesores directos de los postimpresionistas (Van Gogh y Gauguin). Características: - La fundamental es manifestar la independencia del color del objeto respecto al entorno.Colores brillantes, puros (sin mezclas). Autonomía del color respecto a la forma. Contrastan colores, delimitan los contornos de las figuras.Pinceladas rápidas y llenas de matices.Renuncian a la profundidad y las obras tienen un aspecto abocetado (sin acabar).Autores: Matisse, Vlamicnck.. Dufy.

2.- EXPRESIONISMO:Nace en Alemania relacionado con los cambios sociales de principios del siglo XX.Características: - Los expresionistas relacionan la pintura con la sociedad y su angustia vital, sus desequilibrios. Considera la civilización industrial como una amenaza.- Estéticamente predomina la subjetividad. La expresión del sentimiento del artista. Hay un claro interés en mostrar el mundo interior y los estados de ánimo.Para ello utilizan líneas curvas, sinuosas o zigzagueantes.- Antinaturalismo exacerbado. Deformación de objetos y rostros en pro de la expresión.Autores: Como precursor cabe destacar a Munch con su obra El grito.Se pueden dividir en dos grupos: El puente (“Die Brücke”) al que pertenece Kirsner y Heckel y El Jinete Azul (“Der blaue Reiter”) al que pertence Kandinsky y Marc

3.- CUBISMOEsta corriente artística nace en París. Se vincula directamente a la realización de la obra Las señoritas de Aviñón, de Pablo Picasso en 1907. Características: La principal es la fragmentación geométrica del espacio y la configuración de la figura en planos interrelacionados. Así, la composición permite diferentes visiones simultáneas de un mismo objeto y desaparece el punto de vista único tradicional.Autores: Pablo Picasso, Juan Gris.

En la historia de este movimiento se distinguen dos etapas: - Fase analítica (1907-1911) caracterizada por uso de colores cálidos y frías tonalidades- Fase sintética (1911-1914) en la que aparece el collage: técnica en la que se utilizan diversos materiales cotidianos (recortes de periódicos, maderas… ) pegados a la pintura.

PABLO RUIZ PICASSO (1881-1973) significa la personalidad más vigorosa del arte contemporáneo. Tras unos años de residencia en Málaga , La Coruña y más tarde en Barcelona. Con sus viajes a París a comienzos de siglo recibió el influjo de Toulouse-Lautrec, Degas y otros. Entre 1901 y 1904 desarrolló una pintura extraordinariamente humana que, por tener como dominantes los tonos fríos azulados, es conocida como Periodo Azul . Más tarde, dulcificó temas y colores, entrando en el Periodo Rosa en el que el estilo resulta más clásico. El dibujo es más blando y el modelado más sencillo.Desde 1906 se inicia su ruptura con la tradición pictórica imitativa de la realidad y essustituida por un arte más conceptual despreciando la realidad aparente. Es la llamada Época Negra, que culmina con las Señoritas de Avignon, su primera obra cubista. En dicha obra aparecen las formas geométricas, como talladas a cuchillo y con diferentes puntos de vista simultáneos. La capacidad de renovación picassiana se desbordará con el estallido de la Gran Guerra (1914-1918) alternando las más variadas orientaciones (cubista, realista, clásica, expresionista), más tarde se entregó a interpretaciones de un expresionismo subreal con particular inclinación hacia lo monstruoso y lo simbólico para culminar en su espectacular Guernica (1937), obra que recogiendo el eco de los desastres de la guerra de Goya, en visión apocalíptica, pretende ser un grito desgarrador de denuncia contra la barbarie bélica. En1937 la República le encargó un mural para el Pabellón Español en la Feria Mundial de París. Pero poco antes se supo el bombardeo de la Legión Cóndor sobre el mercado a rebosar de gente en la plaza de Guernica. Picasso empezó sus esbozos. Las figuras aparecen unidas entre sí en un esquema triangular que evoca el frontón de un templo griego. Allí se integran el alarido de un caballo mortalmente herido, el pánico de la mujer en la casa que arde, la agonía del guerrero y la mujer que llora con su hijo. La paleta, al temple, es muy austera y casi se ha suprimido el color: blanco, negro y matices de gris para acentuar el terror. Hoy en día se ha convertido en una obra pacifista contra los horrores de la guerra.Tras la Segunda Guerra Mundial se acentuó el gusto de Picasso por lo monstruoso que combinó con una alegría vital y lúdica, al tiempo que investigaba en distintos materiales, cerámica.

Época azul Época Rosa Cubismo: Señoritas de Avignon

Guernica

4.- EL FUTURISMO

Aunque el Futurismo italiano posee una fuerte carga cubista .Su extensión cronológica es breve: desde 1909, cuando se produce el manifiesto de Marinetti en Le Figaro (Manifiesto funcional del futurismo) hasta1916, año en que muere Boccioni, su principal impulsor.Será la suya una reacción contra el rigorismo cubista al que acusan de estático y potencian los elementos dinámico s , reflejo de los estados de ánimo. Umberto Boccioni fue el verdadero teórico del futurismo pictórico. Convierte el Cubismo en algo dinámico y transformador.

5.- DADAISMO

Surge en Zurich en 1914, acogiéndose a la neutralidad bélica.Los dadaístas tratan de acabar y destruir todo el arte y la cultura anterior, una cultura que había llevado al mundo a los horrores de la Primera Guerra Mundial. Por ese motivo son también tremendamente críticos con la sociedad de su tiempo, especialmente la burguesa.Su intención artística es contradictoria, por un lado pretenden la destrucción del arte y de los museos, y por otro crean sus objetos artísticos y montan sus propias exposiciones. Ahí radica su originalidad, la idiosincrasia dadaísta, el gusto por lo contradictorio, lo polémico.Con estos artistas el arte toca terrenos inexplorados, llevando la subjetividad hasta las últimas consecuencias (“si crees que una cosa es arte, es arte”).Así pues, dadá sería lo irracional, lo absurdo, lo escandaloso, lo provocador e incoherente.

Los dadaístas más que crear obras fabrican objetos de significado polémico. Utilizarán como medios el fotomontaje, el collage, “ready made” (objetos cotidianos que con una mínima intervención del artista se convierten en una obra de arte)En Zurich destaca Jean Arp que, tras fundar Dadá, destruye todas sus obras anteriores

6.- ARTE ABSTRACTO:

En este arte el artista rechaza el concepto tradicional del arte como imitación de la realidad.Este abandono de la figuración se inició hacia 1910 con KANDINSKY . Buscaba despertar determinadas emociones por medio de la armonía de las líneas y los colores.Para hacerlo el artista utiliza tres vías: el Constructivismo, que pretendía plasmar la tecnología moderna a partir de líneas y formas puras; el Suprematismo, que utiliza formas geométricas simples (cuadrado, círculo…) y una gama cromática reducida para depurar el lenguaje artístico; y el Neoplasticismo, que buscaba la depuración formal eliminando lo superfluo y quedándose con la estructura. Autores importantes de esta vanguardia serán Mondrián, Van Doesburg.

7.- SURREALISMO

En 1924 el poeta André Breton, sacaba a la luz el Manifiesto del Surrealismo, junto con la revista La Revolution Surrealiste. El nuevo movimiento planteaba la profunda convicción de que la razón no era más que un molesto corsé, otro límite artístico que impedía el desarrollo libre de la imaginación. Esta imaginación surrealista era la alternativa de recambio para los falsos valores establecidos. André Breton, por el contrario, tomando como punto de partida la obra clave de Sigmund Freud La interpretación de los sueños, publicada en 1900, había llegado a la conclusión de que la única forma de romper las ataduras de la razón era tener acceso al subconsciente.Su temática se centrará en el material relacionado directamente con el subconsciente, como los sueños o las visiones oníricas de los deficientes mentales, drogadictos y alcohólicos.El surrealismo se deshizo como movimiento en 1944, debido a la Segunda Guerra Mundial,pero la tendencia surrealizante se extendió por todo el mundo y aún hoy sobrevive. En España los grandes pintores de nuestro siglo: Picasso, Dalí y Miró, han participado del surrealismo.Dentro del surrealismo existen dos modalidades distintas de representación:• Línea objetiva de la que participan las obras que imitan formas de la realidad mediante una técnica casi fotográfica.• Línea antiobjetiva que son realizaciones más o menos abstractas y que no reproducen las formas naturales.

Línea objetiva.

SALVADOR DALÍ (1904-1989) Quizá el alma del grupo, y sin duda el símbolo del surrealismo en la memoria común. Él mismo llega a decir “surrealismo soy yo”. Viaje por primera vez a París en 1926, coincidiendo con el máximo apogeo surrealista y se une al movimiento. Fue uno de los artistas más activos del grupo. Fascinado por el subconsciente y los mecanismos de la locura aportó al movimiento surrealista el método paranoico-crítico, que consiste en asociar imágenes arbitrarias con la voluntad de plasmar sobre el lienzo el mundo irreal: el sueño.Con este método, Dalí realizó obras tan conocidas como Persistencia de la memoria, El gran masturbador… obras que fueron definidas por el propio artista como “fotografías oníricas pintadas a mano”. Es decir, composiciones irracionales ejecutadas con una excelente técnica de dibujo. Otra característica de su pintura fue el uso recurrente de algunas imágenes tales como sus relojes blandos, la figura humana (especialmente su pareja, Gala) con cajones abiertos, hormigas…En 1940, Dalí se trasladó a Estados Unidos donde adquiere la imagen de personaje extravagante y original. En 1955 regresó a España.

El gran masturbador Persistencia de la memoria Mujer asomada a la ventana Línea antiobjetiva

JOAN MIRÓ (1893-1983): Artista catalán que en 1920 viaja a París y quedó impresionado por los movimientos de vanguardia. Se adhirió al movimiento surrealista y su pintura adquirió un lenguaje de signos propios (mujer, pájaro, estrella, luna, sol).

Interior holandés I El carnaval del arlequín