LE TRANSAVANGUARDIE

CURIOSANDO NELL'ARTE CONTEMPORANEA

DOCENTE GIAN PIERO NUCCIO

FRANCESCO CLEMENTE

Nasce a Napoli nel 1952, dove trascorre l’infanzia e l’adolescenza a stretto contatto con le immagini del Seicento pittorico.Dopo aver preso la maturità inizia a dipingere come autodidatta, scrive e pubblica poesie.Nel 1970 si trasferisce a Roma per frequentare la facoltà di Architettura ed entra in contatto con vari artisti tra cui Cy Twombly e Alighiero Boetti, che influenzano i suoi esordi artistici.

Nel 1971 si reca in India, dove apre uno studio nella città di Madras dove torna nel ‘77 insieme alla moglie Alba. Vive e lavora per due anni a Madras, creando illustrazioni a pastello.Nel 1979 si avvicina al movimento della Transavanguardia, teorizzato dal critico Achille Bonito Oliva, e ne diventa uno dei massimi esponenti insieme a Cucchi, Chia, De Maria e Paladino, con i quali tiene un’esposizione a Colonia.

Nel 1980 i suoi lavori vengono esposti alla Biennale di Venezia.A partire dagli anni ‘80 ottiene un grande successo internazionale, in un momento storico in cui gli artisti reagiscono al dominante movimento concettuale.

Realizza una serie ispirata alle stazioni della via Crucis, produce anche numerosi libri, una raccolta di fotografie di architettura ed un gruppo di miniature dipinte in collaborazione con gli artisti indiani di Madras.

Nel 1981 si trasferisce a New York, dove attualmente vive e lavora; le sue mostre personali in Europa e negli Stati Uniti sono molto frequenti. Durante la decade degli anni ottanta, Francesco espone a numerosissime retrospettive.

Inoltre realizza varie collaborazioni con Jean-Michel Basquiat e Andy Warhol.

Map of what is effortless

Self portrait in an Imperial Age

Nella sua produzione Clemente manifesta un eclettico interesse per numerose tecniche espressive, dalla pittura ad olio al mosaico, dall'affresco all'incisione, alla scultura, ma ha sempre avuto un rapporto privilegiato con il disegno.

A partire dagli anni ‘70 produce numerose opere su carta, dove si fondono simboli astratti, figure umane, accenni di graffiti e suggestioni decorative; il suo vocabolario visivo, infatti, è rappresentato da ideogrammi, che provengono alla tradizione orientale, dall'occidente classico e dalla cultura popolare del cinema e della televisione.

I suoi lavori sono strutturati come appunti di un diario di viaggio, che a volte non è semplicemente geografico ma anche interiore, per questo tra i temi ricorrenti nella sua opera emergono l'autoritratto e l'indagine sul corpo umano.

Napoli

Napoli

SANDRO CHIA

Scrive Fabio Migliorati in un originale testo che tratta della figura di Sandro Chia a partire dal paragone intravisto con la filosofia di F.W. Nietzsche.

Il passato, per Nietzsche come per Chia, non tende tanto alla rivalutazione, alla rivisitazione, alla citazione, quanto alla ri-vita. Il presente, per entrambi, va oltre la somma degli anni: libero di ritrovare e ritrovarsi. Si giunge più in là del divenire nel tempo; si sospende tale necessità e si è liberi di usare gli anni trascorsi. Sandro Chia in un eterno ritorno… alla pittura che ama e che vive perché deve!

La storia vuole servire il presente; è un momento della decisione creativa che intende anche far tornare il passato: lo permette, quale atto della prestazione umana libera e compiuta e cosciente.

Rough time - 2004

I valori si istituiscono, fino a rendere l'umanità creatrice di valori… L'artista è capace di "far essere" una sostanza, di realizzarla nel più ampio uso delle esperienze altre e altrui: l'originalità diventa istanza di volontà; diviene incanto, nel potere di creare e ricreare infinite possibilità espressive.

Sandro Chia, come Nietzsche, esalta il ruolo dell'espressività ibrida; fra le sue mani sgorga un mondo che non teme di reinventarsi - figlio dell'antichità arcaica figurale, della mitologia, dell'italianità rinascimentale o bambocciate o barocca, della ripresa novecentesca più ordinata.

Melanconia

Quel mondo, energico e vitale, è vero per forma e colore, ma anche filmico e scenico: intrattenuto tra mimesi e idea, con la stabilità formata della massa e le placide certezze di colori elaborati.

Quel mondo ricorda e sorprende; descrive e ristora; aiuta e invita: a guardare, vedere, capire ancora, sempre di nuovo.

E appena lo si è gustato, dopo l'amplesso misterioso ma immediato di estasi e magia, ecco la voce di Zarathustra!

Ritratto di Enzo Cucchi 2001

ENZO CUCCHI

Enzo Cucchi nasce a Morro d'Alba, un paese contadino nella provincia di Ancona, il 14 novembre 1949.

Da ragazzo vive anche nel capoluogo, con gli zii, e trova lavoro come assistente presso restauratori di libri e di quadri. Si avvicina alla pittura da autodidatta, vincendo anche premi. Si disinteressa poi di questa attività, attirato piuttosto dalla poesia. Alla metà degli anni Settanta si reca frequentemente a Roma dove riprende il suo interesse per l'attività artistica.

Qui incontra gli artisti Sandro Chia e Francesco Clemente coi quali lavora a stretto contatto.

Fin dall'inizio il suo lavoro si impone per originalità rispetto alle tendenze predominanti alla fine degli anni Settanta.

Adottando lo sperimentalismo tipico di quelle tendenze, Cucchi recupera però anche i mezzi espressivi più tradizionali del fare arte.

Le sue sono installazioni dei più diversi materiali, dislocati liberamente nello spazio espositivo, ma utilizzati come supporto dell'immagine dipinta, scolpita o disegnata.

Espone presso molte gallerie italiane, in particolare presso Emilio Mazzoli a Modena (dal 1979), e GianEnzo Sperone a Roma e New York (dal 1981 al 1985).

La deriva del vaso - 1984/85

E' spesso presente con Sandro Chia, Francesco Clemente, Nicola De Maria e Mimmo Paladino, i protagonisti di quella nuova corrente italiana che il critico Achille Bonito Oliva denomina Transavanguardia, in mostre organizzate dai principali musei internazionali.

Dall'inizio degli anni Ottanta viene riconosciuto anche all'estero come un artista fra i più rappresentativi della nuova temperie culturale che fa del ritorno alla figurazione il tratto distintivo del decennio. La sua attività espositiva si fa intensa.

A mio avviso (di Cucchi n.d.c.) Cucchi è l'artista più visionario del movimento artistico italiano della Transavanguardia.

Stelle Nitriscono

MIMMO PALADINO

All’artista non bastano più i soli pennelli. Una sorta di arte totale è necessaria proprio alla luce di tutti i tentativi che sono stati già fatti”. (Mimmo Paladino, 1985)

Sono più di 35 anni che Domenico (Mimmo) Paladino (Paduli, in provincia di Benevento, 18 dicembre 1948) è nel cuore del sistema dell’arte: un poderoso catalogo, edito da Skira (2017), in una versione in italiano e una in inglese, lo racconta esaminandone la ricerca attraverso un sapiente percorso sia di analisi storico-critica della sua opera.

Molto interessante la scelta di puntellare l’insieme iconografico con le dichiarazioni poetiche dello stesso Paladino, che permettono di entrare in sintonia quasi empatica con il suo lavoro e ciò che lo sostanzia, divulgandone, quindi, forma, concettualità e pure le emozioni dell’artista: tutto di prima mano.Questo volume è allo stesso tempo compendio e ampio approfondimento del procedere dell’autore campano: della sua ricerca e della sua resa della bellezza, quest’ultima così intesa:

Silenzioso mi ritiro a dipingere un quadro - 1977

“Credo che il concetto di bellezza si possa costruire architettonicamente attorno alla Storia, ma, indubbiamente, muove dai sentimenti più

profondi che ogni uomo possiede. Non sparendo l’uomo come entità biologica, né come entità immaginativa non può sparire neanche l’idea di bellezza”

(Storia e post-storia. Conversazione tra Mimmo Paladino, Arthur C. Danto e Demetrio Paparoni, in “Tema Celeste”, Siracusa, a. XIII, n. 52,

estate, 1995)

Germano Celant puntualizza tutti questi avvenimenti ma è stato anche spesso ivi presente; lo è stato molto e con ufficializzazione storica Achille Bonito Oliva, deus ex machina della Transavanguardia; proprio quest’anno, in questi mesi, il movimento compie 38 anni (dalla pubblicazione de La Trans-avanguardia italiana, “Flash Art” 92-93, ottobre-novembre 1979), che questo volume celebra andando, però, ben oltre: non è un caso, infatti, che non lo firmi Bonito Oliva ma Celant – entrambi i critici, allora, l’un contro l’altro (dis)armati – a sua volta deus ex machina dell’Arte Povera, che considerava proprio il PostModern e la Transavanguardia una sorta di “ritorno all’ordine”, come se significassero, cioè, la fine del moderno e quasi della Storia; eppure, Celant di Paladino – e non solo di lui – si è poi occupato… e qui torna, infatti, a farlo.

Questo suo volume non celebra la Transavanguardia, si diceva: solo perché questo tomo è centrato su tutto-Paladino. O su Paladino-tutto.

Senza Titolo

Calce - 1995

Se la Transavanguardia fu, come è stata,

“[…] veramente un vento di spiazzamento” (M. Paladino in: Alessandro Valeri, Da un’intuizione teorica. La

Transavanguardia italiana, video, colore, 27’ 16’’, 2011),

che mai volle contrapporsi all’avanguardia, semmai “attraversarla” (Achille Bonito Oliva, cit.), riacquistando una libertà dalla storia e dall’etica per recuperare, con un atto post-moderno e tanta pittura, immagini e altri riferimenti dal passato, adottati in modo autonomo, a-cronologico, eterogeneo, l’arte di Paladino, scultura compresa, è a maggior ragione frutto di stratificazione.

I Dormienti - scultura collocata a Villa Pisani

Vi si trovano composizioni con immagini sia figurative sia non figurative, una densità immaginifica che si fa via via più puntuta, rarefatta, che accoglie stilizzazioni e un certo decorativismo dentro; e poi un’enigmaticità piena di allusioni;

“qualcosa di magicamente alchemico” (come scrive Arthur C. Danto a proposito della sua Montagna di sale allestita a Milano nel 2011, dopo piazza del Plebiscito a Napoli nel 1995 e, prima ancora, nella distrutta Gibellina nel 1990, come scenografia teatrale di uno spettacolo di Elio De Capitani alle Orestiadi); identifichiamo qualche aderenza alla realtà, molto Sud, cromatismi vitalissimi. La Storia (non solo dell’Arte), nella produzione di Paladino è parcellizzata, analizzata – anche emotivamente, sembrerebbe – e ricomposta in una nuova, più ricca narrazione sempre, prima o poi, il filo legato all’originario.

La Montagna di Sale

La Montagna di Sale

Se è vero che “[…] ogni disegno è un’illusione, qualcosa di antichissimo, di primordiale”

(Salvatore Basile, Misticismo arcaico di Mimmo Paladino, in “Messaggio d’oggi”, Benevento, 19 marzo 1970),

la recettività di Paladino verso la robustezza e la validità dell’arcaico è da lui portata a suo modo nella sua opera.

“Si può dipingere l’antico in una sola immagine? L’antico scivola rapido sulla superficie pura delle cattedrali. Ciò che abbaglia resiste all’ingiustizia che

misura e regola le tessere del realismo” (Mimmo Paladino. Cacciatore di ombre, in Jean Le Grac, Mimmo Paladino. Archeologie, catalogo della mostra – Bologna, Museo Civico Archeologico,

27 novembre 1994-10 gennaio 1995, Danilo Montanari edit., Ravenna, 1994)

In questo cono di luce Mimmo Paladino è artista che è nel suo tempo ma intento a superarlo perché convinto che “[…]

comunque l’arte debba andare oltre”.Germano Celant, Mimmo Paladino, Skira, Milano, 2017

Senza Titolo - 1998

Senza Titolo - 1999

NICOLA DE MARIA

Nato a Foglianise (Benevento) il 6 dicembre 1954, Nicola De Maria vive fin da ragazzo a Torino, dove abita ancora oggi. Si iscrive alla Facoltà di Medicina proseguendo gli studi di specializzazione in Neurologia, professione che non eserciterà mai, preferendo dedicarsi all'arte. Dopo essere passato da una breve esperienza fotografica, dal 1975 inizia una prolifica produzione di disegni su pagine di quaderno, prima in matita e poi a pastello, olio e acquerello. Questi primi successi lo spingono a dipingere direttamente sulle pareti e a realizzare le prime piccole tele ad olio. Proprio nella pittura De Maria trova il linguaggio più appropriato per esprimersi, mescolandosi così alla vivacità artistica di quella città, Torino, che vedeva l'Arte Concettuale come protagonista ed elemento trascinante.

Grazie all'influenza di questa corrente artistica, unita ad una vasta cultura classica e moderna, Nicola De Maria inizia a svelare quel suo caratteristico linguaggio altamente spirituale e lirico.

Ogni sua opera dipinta è colore puro, è pensiero dell'anima, è poetica.

Nel 1977 realizza il primo dipinto murale a Milano, al quale ne segue un altro per la Biennale di Parigi dello stesso anno.

De Maria continua a trascendere dai confini della tela pervadendo lo spazio espositivo utilizzando le tecniche del colore proprie degli antichi maestri che affrescavano le chiese in Italia.

Negli anni '80, l'artista dipinge vari spazi espositivi e gli vengono dedicate alcune retrospettive sui suoi lavori ad olio.

Per tutti questi anni, il lavoro di De Maria ha sempre un ruolo fondamentale in tutte le numerose mostre collettive organizzate da Achille Bonito Oliva sulla Transavanguardia. Il pittore, che viene inizialmente incluso in questo contesto, ben presto si separa sviluppando un corpo di lavori non figurativi e in piccola scala. La sua opera è astratta ma carica di segnali figurativi non solo poetici (Regno dei Fiori 1983/85), ma soprattutto spirituali (La Testa Allegra Di Un Angelo Bello 1986/87).

Infatti l'artista sembra trasformare la poesia e la lirica in pittura, ogni sua opera è confine magico, paesaggio fiabesco nel quale è necessario concentrare lo sguardo per capire il suo stato d'animo. Emblematica a questo proposito la frase di Nicola De Maria che in un'intervista si definisce:

"Uno che scrive poesie con le mani piene di colori".

È proprio la spiritualità che lo porta nel corso degli anni '90 a concentrare il suo lavoro sull'astrazione pura trasformando le opere in una sorta di preghiera che può essere raffigurata solo con un gesto pittorico intenso. Nel corso di questo periodo non vengono mai trascurati gli elementi fondamentali che hanno sempre caratterizzato il suo lavoro come, ad esempio, il brillante cromatismo. L'uso del colore di De Maria rispecchia l'attaccamento alla sua terra, alla "mediterraneità" che continuamente rappresenta con paesaggi popolati da personaggi coraggiosi, sapienti, splendenti di potere naturale. Ma questi soggetti vengono solo citati ed è proprio non raffigurandoli che obbliga l'osservatore ad immergersi in quel mondo fantastico, spirituale e poetico come il suo creatore.