Bilbao Art Sacrum

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Antolatzailea:Organiza:

Babeslea:Patrocina:

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20 de marzoIglesia de la Encarnación – 20:30 hI Turchini di Antonio FlorioAntonio Florio, directorIl tesoro di San GennaroMúsica sacra en lasgrandes capillas napolitanas 21 de marzoIglesia de la Encarnación – 20:30 hAgrupación Coral JatorkiMarian Urkiola, direcciónCamerata HamaikaUn paseo por la música desde el Renacimiento al Barroco

22 de marzoIglesia de la Encarnación – 20:30 hMusica FloreaBarbora Sojková, soprano Stanislava Mihalcová, soprano Sylva Čmugrová, contralto Jan Ondrejka, tenor Roman Janál, bajo Marek Štryncl, direcciónLa Resurrezione de G. F. Handel 23 de marzoIglesia de la Encarnación – 20:30 hLachrimae ConsortIñaki Fresán, canto bajoPhilippe Foulon, direcciónCantate SpiritualeCantatas del Barroco europeopara voz e instrumentos de amor

25 de marzoIglesia de la Encarnación – 20:30 hCoro de Cámara Mozarteum de SalzburgoHerbert Böck, dirección 26 de marzoIglesia de la Encarnación – 20:30 hOrquesta de Cámara “Musica Viva” de MoscúIngartze Astuy, mezzo coloraturaAlexander Rudin, dirección

Martxoaren 20anGizakundearen Elizan – 20:30ean

I Turchini di Antonio FlorioAntonio Florio, zuzendaritza

Il tesoro di San GennaroKapera napolitar handietako

musika sakratua

Martxoaren 21eanGizakundearen Elizan – 20:30ean

Jatorki AbesbatzaMarian Urkiola, zuzendaritza

Hamaika KamerataBerpizkundetik Barrokorainoko txango

bat musikan barrena


Musica FloreaBarbora Sojková, sopranoa

Stanislava Mihalcová, sopranoa Sylva Čmugrová, kontraltoa

Jan Ondrejka, tenorra Roman Janál, baxua

Marek Štryncl, zuzendaritzaG. F. Handelen La Resurrezione

Martxoaren 23an

Gizakundearen Elizan – 20:30eanLachrimae Consort

Iñaki Fresán, kantu baxuaPhilippe Foulon, zuzendaritza

Cantate SpiritualeEuropako aro barrokoko kantatak

ahots eta amodiozko instrumentuentzat


Salzburgoko Mozarteum Ganbera AbesbatzaHerbert Böck, zuzendaritza

Martxoaren 26an

Gizakundearen Elizan – 20:30eanMoskuko “Musica Viva” Ganbera Orkestra

Ingartze Astuy, koloratura mezzoaAlexander Rudin, zuzendaritza

25. or.

5. or.

41. or.

65. or.

85. or.

101. or.

pág. 25

pág. 5

pág. 41

pág. 65

pág. 85

pág. 101

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I TURCHINI DI ANTONIO FLORIO

Antonio Florio, zuzendaria

Valentina Varriale eta Leslie Visco, sopranoakFilippo Mineccia, altoa

Rosario Totaro eta Giuseppe De Vittorio, tenorrakGiuseppe Naviglio, baxua

Alessandro Ciccolini, Marco Piantoni eta Patrizio Focardi, biolinakMassimo Percivaldi, biolina eta biola

Rosario Di Meglio, biolaAlberto Guerrero, biolontxeloaNicola Barbieri, kontrabaxua

Patrizia Varone, organoa

I Turchini di Antonio Florio

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Antonio Florio, director

Valentina Varriale y Leslie Visco, sopranosFilippo Mineccia, alto

Rosario Totaro y Giuseppe De Vittorio, tenoresGiuseppe Naviglio, bajo

Alessandro Ciccolini, Marco Piantoni y Patrizio Focardi, violinesMassimo Percivaldi, violín y viola

Rosario Di Meglio, violaAlberto Guerrero, violonchelo

Nicola Barbieri, contrabajoPatrizia Varone, órgano


8 I Turchini di Antonio Florio

Egitaraua

IL TESORO DI SAN GENNAROKapera napolitar handietako musika sakratua (1640-1720)

Jesu Corona Coelsior, 4 ahotsentzat, instrumentuekin,Giovanni Maria Sabinorena (1588-1649)

Canzona “per S. Gennaro”, 4 ahotsentzat, instrumentuekin,Cristofaro Caresanarena (1640-1709)

5 ahotsentzako sinfonia do maiorrean, Domenico Scarlattirena (1685-1757)Presto - Adagio e Staccato - Allegro Assai

Confitebor, 3 ahotsentzat, biolinekin, Nicola Fagorena (1677-1745)

Sinfonia sol maiorrean, Domenico ScarlattirenaAllegro Assai - Grave - Allegro Assai

Jam sol recedit, ahots bakarreko motetea, Gaetano Venezianorena (1656-1716)

Iste confessor, himnoa 2 ahots, 4 biolin eta kontinuoarentzat, Gaetano Venezianorena

Stabat Mater, 4 ahots eta instrumentuentzat, Nicola Fagorena

Sinfonia re maiorrean, Domenico ScarlattirenaGrave - Presto - Adagio - Allegro Assai

Antra Valles, motetea 5 ahots eta hariarentzat (1701), Domenico Scarlattirena

Iraupena gutxi gorabehera: 70 minutu (etenaldirik gabe)

9I Turchini di Antonio Florio

Programa

IL TESORO DI SAN GENNAROMúsica sacra en las grandes capillas napolitanas (1640-1720)

Jesu Corona Coelsior, a 4, con instrumentos,de Giovanni Maria Sabino (1588-1649)

Canzona “per S. Gennaro”, a 4, con instrumentos,de Cristofaro Caresana (1640-1709)

Sinfonía a 5 en do mayor de Domenico Scarlatti (1685-1757)Presto - Adagio e Staccato - Allegro Assai

Confitebor, a 3, con violines, de Nicola Fago (1677-1745)

Sinfonía en sol mayor de Domenico ScarlattiAllegro Assai - Grave - Allegro Assai

Jam sol recedit, motete a una sola voz, de Gaetano Veneziano (1656-1716)

Iste confessor, himno a 2 voces, 4 violines y continuo,de Gaetano Veneziano

Stabat Mater, a 4 voces e instrumentos, de Nicola Fago

Sinfonía en re mayor de Domenico ScarlattiGrave - Presto - Adagio - Allegro Assai

Antra Valles, motete a 5 voces y cuerda (1701), de Domenico Scarlatti

Duración aproximada: 70 minutos (sin pausa)

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MUSIKA ALTXORRAK SAN GENNARORENTZAT

Gogoratzen al duzue Dino Risiren 1966ko Operazione San Gennaro filma? Na-poliko San Gennaro jaia sekula ikusi ez duenari biziro gomendatzen diogu (ber)ikus dezala film hori, hobeto ulertzeko gaurko kontzertua. Napolitarrek San Gennarori dioten jaiera betidanik egon da lotuta ezbeharrekin eta hondamen-diekin. Izurrite lazgarri batek 1527an Napoliko populazioa sarraskiturik utzi ondoren, napolitarrek erabaki zuten kapera berri bat eraikitzea katedralean santu horren omenez. Lanak ordea handik urte askora hasi ziren, 1608an, eta ez ziren bukatu ia beste 40 urte igaro arte. Bien bitartean, hondamendi gehiago gertatu ziren: beste izurrite bat 1630ean eta, batez ere, 1631n Vesubio sumen-diaren erupzioa, zeinari esker San Gennaro Napoliko zaindari ofiziala bihurtu zen (gutxienez beste hogei bat santurekin batera). Kapera horrek San Gennaro-ren kapera du izena, Lanfranco eta Domenichino bezalako margolari handien freskoekin apainduta dago eta 1646an inauguratu zen. Urte horretan bertan sortu zen, halaber, kaperako musika taldea. Musika-kapera hori hasieratik ber-tatik gailendu zitzaien Napoliko beste eliza askotan ari zirenei, bere ahots tal-deen oparotasunagatik eta hainbat koral zituelako (horren lekuko dira kapera ikaragarri apaindu horretako lau kantoietan dauden lau koru txikiak, organoa eta kantariak kokatzeko beren txoko eta guzti).

San Gennaroren omenez urtean zehar egiten ziren hiru ospakizunetarako mu-sika hornitzea zen kaperako musika taldearen eginkizuna. Ospakizun horiek garai hartako jaiera eta atxikimendu berdinekin egiten dira gaur egun ere, zein bere egunean: bata, abenduan izaten da eta bere bitartez eskerrak ematen zaizkio San Gennarori hiria Vesubioren erasoetatik babesteko hartzen dituen nekeengatik; bigarrena, maiatzeko lehen igandean egiten da, santuaren gorpuz-kinak Napolira ekarri ziren egunaren oroimenez; eta hirugarrena —ospakizun handiena— irailaren 19an egiten da, San Gennaroren martiritza gogoratzeko. Napoli hiriko gobernua sei egoitzatan banatua zegoen eta maiatzeko jaia seien artean antolatzen zuten txandaka. Aldiz, gainerako bi ospakizunak antolatzea bi erakunderen ardura zen: Fedelissima Città eta Deputazione del Tesoro (San Gennaroren kapera aberatseko ondasunak kudeatzen dituen erakunde laikoa). Ospakizun handiena, esan bezala, irailekoa da, eta bertan, hiru gauez, “argiak” izaten ziren, hots, “aparailuak, musikak eta su artifizialak”. Ordea, gertakari garrantzitsuena beste bat zen (eta da oraindik): odolaren miraria (maiatzean ere egiten dena), hots, artzapezpikuak herritar guztiei erakustea Erdi Aroko bi anpoiletan bildutako santuaren odol likidotua. Kapera-maisuen zereginak ur-teko egun gutxi batzuetara mugatzen ziren, hiriko eliza-jai nagusietara hain zuzen (San Gennaroren ospakizunez gain), baina lan hori hain zen ohoragarria non Napoliko abeslari eta tresna-jole onenak norgehiagoka aritzen baitziren koruko kide bihurtzeko. Aipatua da Francesco Provenzaleren kasua: Seicentoko konpositore napolitar handienetakoa izan zen eta Fedelissima Città di Napo-


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TESOROS MUSICALES PARA SAN GENNARO

¿Recuerdan la película Operazione San Gennaro de Dino Risi (1966)? A quien no haya asistido nunca a la fiesta de San Gennaro en Nápoles le recomendamos (volver a) ver esta película para comprender mejor el concierto de hoy. La devo-ción de los napolitanos por San Gennaro ha estado desde siempre vinculada a desastres y calamidades. Tras la terrible epidemia que en 1527 diezmó la pobla-ción, los habitantes de Nápoles decidieron construir en la catedral una nueva capilla dedicada al santo. Sin embargo, las obras no se iniciarían hasta mucho más tarde, en 1608, y no concluyeron hasta casi cuarenta años después. En el ínterin tuvieron lugar una nueva peste (1630) y, sobre todo, la erupción del Ve-subio de 1631, que fue el acontecimiento que definitivamente elevó a San Gen-naro al rango de protector oficial de la ciudad, si bien en compañía de al menos otros veinte santos. La capilla, llamada del Tesoro de San Gennaro, embellecida con frescos de grandes pintores como Lanfranco y Domenichino, se inauguró en 1646, fundándose oficialmente también en el mismo año su agrupación musical. Ya desde los inicios, esta capilla musical se distinguió de las muchas otras acti-vas en las iglesias de la ciudad por el esplendor de su nómina vocal, articulada en varias corales, como así atestiguan los cuatro pequeños coros situados en las esquinas de la decoradísima capilla con sus correspondientes espacios para órganos y cantores.

Este elenco se encargaba de satisfacer las necesidades musicales de las tres fiestas anuales de San Gennaro que, a día de hoy, siguen todavía celebrándose con gran participación popular: en diciembre, venerándolo como protector de la ciudad de las erupciones del Vesubio; el primer domingo de mayo, en recuer-do del traslado de las reliquias del santo a Nápoles; y, principalmente, el 19 de septiembre, en conmemoración de su martirio. Las seis sedes en las que se sub-dividía el gobierno de la ciudad se ocupaban por turnos de la organización de la fiesta de mayo, mientras que en las otras dos fechas correspondía a la Fedelis-sima Città y a la Deputazione del Tesoro, el organismo laico que aún hoy admi-nistra los bienes de esta rica capilla. La más importante, la fiesta de septiembre, preveía tres noches de “luminarias” con “aparatos, músicas y fuegos artificia-les”, si bien el culmen del evento era (y sigue siendo) la repetición del milagro de la sangre, celebrado también en mayo, cuando el arzobispo mostraba a toda la población festejante las dos ampollas medievales con la sangre del santo li-cuada. Las obligaciones de los maestros de capilla se limitaban a unas pocas fechas al año en las principales fiestas litúrgicas de la ciudad, además de las de San Gennaro, pero el prestigio era tal que impulsaba a los mejores cantantes e instrumentistas napolitanos a competir por formar parte del elenco. Es notorio el caso de Francesco Provenzale, el más importante compositor napolitano del Seicento, quien, debido a la interdicción expresa del virrey español, se vio recha-zado repetidamente hasta 1686, cuando por fin, una vez muerto el maestro Gio-


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liko maisua, baina Espainiako erregeordeak espresuki debekatu zion kaperako kide izatea eta behin eta berriro saiatuagatik beti ukatu zioten kaperan sar-tzea. 1686an, baina, Giovanni Cesare Netti hil zen eta orduantxe lortu zuen Tesoroko maisu bihurtzea (hau ere San Gennaroren prozesio eta musikekin lotutako beste kargu bat, baina bakarrik katedraletik kanpoko ospakizunetan aritzekoa, inguruko kale eta plazetan alegia, eta batez ere Cosimo Fanzagoren “marmolezko piramide” harrigarriaren ondoan).

Provenzaleren irakaslea Giovanni Maria Sabino izan zen, maisu izana Santa Casa dell’Annunziatan —Napoliko musika ikastegi zaharrenetako bat, XVI. mendeaz geroztik ari zena lanean— eta Conservatorio dei Turchini kontser-batorioan. Sabinok konposatutako Jesu Corona Coelsior motetea egitarauan sartu dugu ikustera emateko nolako antza zuten elkarrekin Seicento hasierako Napoliko eliza-musikak eta Espainiako gabon kantek (Ameriketan barrena ere zabaldu zirenak), batez ere beren erritmo-egitura bero eta dantzagarriarenga-tik. Bizkitartean, Povenzaleren karrera luzean zehar Napoliko errepertorioa emeki-emeki urrunduz joan zen, kontrapuntu gero eta konplexu eta landuago batek gero eta trinkoago bihurtzen ari zuelako (eragin hori mende bukaerako konpositore napolitar guztiengana iritsiko zen). 1699an, 76 urte zituela, Pro-venzale Tesoroko karguaz gabetu zuten “bere ezintasun jakinagatik, ezaguna edozein musika motatako bere konposizio txit zaharretan, duela anitz urtetik hona etengabe errepikatzen dituenetan”. Bere tokian Cristofaro Caresana jarri zuten, bera baino apur bat gazteagoa, goitizenez Veneziano deitua (Venezian jaioa izaki 1640an) eta “bertute handiko gizona”. Tesoroko beste hainbat maisu bezala, Caresana ere luzaz izan zen erregeordearen Errege Kaperako organista, kargu horrek gaitzeko ospea baitzuen Napolin. 1702an Caresanak Canzona a 4 con strumenti idatzi zuen “San Gennarorentzat”, hots, santuaren omenez urte hartan egiteko ziren ospakizun baterako. Alta, “San Gennarorentzat” eskain-tza-hitzak beste konposizio askotan ere agertzen dira (guztira Caresanaren 130 eskuizkribu inguru iritsi zaizkigu, ia denak egileak berak eskuz idatziak eta de-nak ere Napoliko Girolaminitarren musika artxiboan gordeta daudenak), esate-rako, zazpi ahots eta tresnatarako kantata batean zeinetan San Gennaro bera ageri baitzaigu pertsonaia alegorikoen artean (Kolera, Ankerkeria, Iraupena, Azkartasuna, Erlijioa eta Idolatria).

Dokumentuetan esaten da nola 1709an, “hutsik zegoelarik gure Tesoroko Kape-ra Maisuaren postua zeren postu hori betetzen zuena, Cristofaro Caresana jau-na, zendua baitzen, eta haren tokia hartu behar zuenak nola izan behar zuen gizon bat bertute eta talentu handikoa […], eta jakinik halakoxea dela Nicola Fago magnifikoa, goitizenez Tarantino deitua eta Hiri honetako eliz goratue-netako Kapera maisua, erabaki da beraz bera aukeratzea […] gure Tesoroko Kapera Maisu.” Nicola Fago hori Provenzaleren ikaslea izana zen eta postu ho-rretarako aukeratu zutenean argi geratu zen deliberatuta zeudela tradizio ongi


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vanni Cesare Netti, se convirtió en maestro del Tesoro, tiempo después de ser ya maestro de la Fedelissima Città di Napoli, otro cargo ligado a las procesiones y músicas para San Gennaro, pero fuera de la catedral, en las plazas y calles de los alrededores y sobre todo en los aledaños de la extraordinaria “pirámide de mármol” de Cosimo Fanzago.

Provenzale había sido alumno de Giovan Maria Sabino, maestro de la Santa Casa dell’Annunziata —una de las primeras instituciones de educación musi-cal, activa en Nápoles desde el siglo XVI— y del Conservatorio dei Turchini. El motete de Sabino, Jesu Corona Coelsior, figura en el programa para evidenciar la similitud de la música sacra napolitana de principios del Seicento con el vi-llancico español (difundido también por todo el Nuevo Mundo), sobre todo por su estructura rítmica cálida y bailable. Empero, durante la larga carrera de Pro-venzale, el repertorio napolitano se fue distanciando poco a poco por la densi-ficación de un contrapunto cada vez más complejo y elaborado, cuya influencia se extendería a todos los compositores activos en la ciudad a finales de siglo. En 1699, a sus setenta y seis años, Provenzale fue eximido de su cargo en el Te-soro “a causa de su dicha incapacidad sabida claramente por sus antiquísimas composiciones de cualquier música siempre repetidas desde hace muchos años hasta la fecha”. Para ocupar su lugar fue elegido el poco más joven Cristofaro Caresana, llamado el Veneziano (nacido de hecho en Venecia en 1640), “sujeto de experimentada virtud”. En efecto, Caresana, como gran parte de los demás maestros del Tesoro, había sido largo tiempo organista de la Real Cappella del virrey, título de máximo prestigio en Nápoles. La Canzona a 4 con strumenti la escribió Caresana en 1702 “para San Gennaro”, por tanto para una de las fiestas del santo de aquel año. No obstante, muchas otras composiciones —entre las aproximadamente ciento treinta supervivientes en manuscritos, casi siempre autógrafos de este autor, conservados en el archivo musical de los Girolamini de Nápoles— también presentan la indicación “para San Gennaro”, por ejem-plo, una cantata para siete voces e instrumentos en la cual el santo aparece entre los protagonistas alegóricos (Furor, Crueldad, Constancia, Fortaleza, Re-ligión e Idolatría).

En 1709, tal y como nos refieren los documentos, “estando vacante la plaza de Maestro de Capilla de nuestro Tesoro por fallecimiento de Don Cristofaro Care-sana, que la ocupaba, y debiendo […] recaer la elección del sucesor en persona de muy experimentada virtud y talento […] y con conocimiento de que tales cir-cunstancias concurren completamente en la persona del Magnifico Nicola Fago llamado el Tarantino, Maestro de Capilla de las más conspicuas iglesias de esta Ciudad, han por lo tanto resuelto elegirlo […] como Maestro de Capilla de nues-tro Tesoro.” Fago había sido discípulo de Provenzale y su elección señalaba la voluntad de continuar una tradición definida en aquella que ya estaba conside-rada la más importante institución musical napolitana tras la Real Cappella. De


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finkatu bati tinko eustera Errege Kaperaren hurrena Napoliko musika instituzio garrantzitsuena zen hartan. Egitarauan Fagoren bi lan sartu ditugu: hiru ahots eta tresnetarako Confitebor bat eta Stabat Mater handios bat (konposizio ho-rren erreferentziazko eskuizkribu bat Londresko British Library-n gordeta dago eta hemeretzigarren mendeko kopia pusketa bat Milango Kontserbatorioko Noseda Funtsean. Bera dugu Napolin idatzitako Pergolesiren garaiko Stabat bakanetako bat soprano eta kontraltorako idatzi ez dena —formazio mota hori ohiko gauza bihurtu zen Alessandro Scarlattik eredua finkatuz geroztik).

Esan bezala, San Gennaroko Tesoroko musikariak askotan izaten ziren Errege Kaperako kide ere. Caresana Tesoroko maisua izan zen garaian baita ere izan zen erregeordearen kaperako lehen organista (Alessandro Scarlatti izan zen kaperako zuzendaria 1704ra arte eta maisuordea, berriz, Provenzale omni-presentea, urte horretantxe hilko zena). Kasu horretan ere bere ikasle bat ja-rri zuten bere tokia hartzeko: Gaetano Veneziano, Settecentoko hasierako ur-teetan Napoliko maisu estimatuenetako bat. Egitarau honetan Venezianoren bi himno entzungo ditugu: bi ahots eta lau biolinetarako Iste Confessor biziki arina (hari talde napolitar tipikoa) eta ahots bakarrerako himno xumeago eta sotilago bat: Iam Sol recedit (1702koa). Sasoi berean, 1701. urtean hain zuzen, Errege Kaperako beste kide ospetsu bat ere onartu zuten, hamasei urte baino ez zituen arren: Domenico Scarlatti. Bere aita Alessandro Scarlattik, erakun-dearen zuzendariak, eman zion sarrera. Bost ahots eta tresnatarako bere Antra valles, Divo plaudant motetea (1701) dugu teklatuko maisu bihurtuko zen Do-menicoren eliza-konposizio bakarra, eta seguru asko organista “supernumera-rio” postuko hautaketa frogetarako idatziko zuen. Uste izatekoa da konposizio hori Real Cappella di Napoli-ko musika artxibo gaur egun barreiatuan gordeko zela; XIX. mende hasieran Salvatore di Giacomok handik hartuko zuen aztertze-ko eta ondoren poeta-liburuzain horren dokumentuen artean geratu zen, harik eta orain dela urte gutxi berreskuratu duten arte. Lan hori idatzi eta lau urte geroago, 1705ean, Domenico gaztea Napolitik atera zen eta hasiera eman zion bere Europako karrera harrigarriari.

Napoli hiriko kultura konplexu bezain liluragarriaren arima ezberdinek —dor-pea eta izugarri fina, plebeioa eta aristokratikoa, zalapartatsua eta delika-tua— bere sintesi gorena erdietsi zuten 1700. urte inguruan San Gennaroren omenezko ospakizunetan, eta hemen proposatzen dugun ibilbide musikalaren bitartez berritu egingo dugu garai barrokoaren erdi-erdiko Napoliko eliza-mu-sika horren unibertsoa.

Dinko Fabris


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Fago el programa nos presenta un Confitebor para tres voces e instrumentos, junto con el imponente Stabat Mater, composición de la que se conservan un manuscrito de referencia en la British Library de Londres y una copia decimo-nónica incompleta en el Fondo Noseda del Conservatorio de Milán. Se trata de uno de los pocos Stabat napolitanos del tiempo de Pergolesi no escrito para la formación de soprano y contralto, que se había vuelto característica a partir del arquetipo establecido por Alessandro Scarlatti.

Como ya se ha dicho, los músicos del Tesoro de San Gennaro eran a menudo también miembros de la Real Cappella. En el periodo en el que Caresana era maestro del Tesoro ocupaba asimismo el cargo de primer organista de la capi-lla virreinal, dirigida por Alessandro Scarlatti hasta 1704, y de la que era vice-maestro el omnipresente Provenzale, fallecido precisamente ese año. También en este caso fue elegido como sustituto otro discípulo suyo, Gaetano Venezia-no, que en los primeros años del Settecento se convirtió en uno de los maes-tros más solicitados en Nápoles. Oiremos de él en este programa dos himnos: el vertiginoso Iste Confessor para dos voces y cuatro violines (típica formación de cuerda napolitana) y el más sencillo y sutil para una sola voz Iam Sol recedit (fechado en 1702). En los mismos años, encontramos a otro ilustre componente de la Real Cappella, Domenico Scarlatti, admitido excepcionalmente en 1701 a los dieciséis años por la institución, entonces dirigida por su padre Alessandro. Su motete para cinco voces e instrumentos, Antra valles, Divo plaudant, fecha-do justamente en 1701, es la más antigua composición sacra del futuro genio del teclado, probablemente utilizada como prueba de selección para el puesto de organista “supranumerario”. Esta pieza seguramente se conservó en el hoy disperso archivo musical de la Real Cappella di Napoli, del cual sería retirada a principios del XIX para su estudio por Salvatore Di Giacomo, quedando a conti-nuación entre los documentos del poeta-bibliotecario y siendo de allí recupera-da hace escasos años. Poco tiempo después, en 1705, el joven Domenico dejaría Nápoles para comenzar su extraordinaria carrera europea.

El itinerario musical que aquí se propone recrea el paisaje sonoro de la religiosi-dad popular napolitana en plena época barroca, que encontraba entre las fies-tas de San Gennaro en torno a 1700 la mejor síntesis entre las distintas almas de una cultura compleja que no deja de fascinarnos: a la vez tosca y extremamente refinada, plebeya y aristocrática, estridente y delicada.

Dinko Fabris


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Antonio Floriok 1987an fundatutako taldea da, zeina Cappella Della Pietà beza-la ezagutu izan baitzen 2010era arte. Talde horretara biltzen dira XVII eta XVIII. mendeko musika napolitarreko errepertorioaren interpretazioan eta ahaztu-tako konposatzaileen berreskuraketan espezializatutako instrumentista eta kantariak.

Egitarauen orijinaltasunak eta praxi interpretatibo barrokoarekiko errespetu zorrotzak Italiako eta Europako musikaren munduko talde nabarmenetako bat bihurtu dute I Turchini. Gonbidapen ugari jaso ditu eszenatoki garrantzitsuetan jarduteko (Accademia di Santa Cecilia di Roma, Napoliko San Carlo antzokia, Bartzelonako Palau de la Música, Berliner Philharmonie, Bruselako La Monnaie antzokia…) eta Europako antzinako musika jaialdi handienetan parte hartu du (Cremonako Monteverdi jaialdia, Versailleseko jaialdia, Madrileko Udazkeneko Jaialdia, BBC Early Music Festival…).

1998an Belgikako telebistarentzako dokumental baten errealizazioan eta ARTE irrati kate frantses-alemanarentzako Opera Buffa generoari buruzko pelikula batean parte hartu zuten. Disko asko grabatu dituzte; 7 CDtan bildu dituzte le-henago inork argitaratu gabeko errepertorio napolitarreko barrokoko obrak, nazioarteko kritikaren sari garrantzitsuak eman dizkiotenak. 1996tik aurrera, taldeak Tesoros de Nápoles izeneko 15 diskoko bilduma grabatu zuen. Hauek dira 2005etik aurrera eginiko lanak: Pergolesi-ren Stabat Mater, Provenzale-ren Missa Defunctorum eta Le cantante napolitane del ‘700, Cristofaro Caresana-ren L’Adoratione de’ Maggi, 2011ko apirilean kaleratutako Tenebrae eta duela gutxi Biolontxeloarentzako kontzertu napolitarrak, Giovanni Sollima bakarla-riarekin (bera da gainera erregistratutako obra baten egilea, I Turchini taldea-rentzat beraizik konposatua).

Sari ugari jaso dituzte, besteak beste, hauek: Le Monde egunkari frantsesaren saria (1996); Veneziako Fondazione Cini-k emandako “Vivaldi” saria, Associazio-ne Nazionale Critici Musicali erakundearen “Franco Abbiati” saria, 3 Diapason d’Or, Accademie du Disque erakundearen “Charles Cros” saria (1999) eta “Tim-bre de Platine”.

Azkenaldian burututako proiektu eta biren artean aipatzekoak dira hauek: L’Ottavia restituita al trono (D. Scarlatti) obra, zeinari esker Antonio Florio-k musika zuzendaritza onenaren Teatro Campoamor (Oviedo) saria jaso baitzuen; La Passione (Antonio Caldara), Chaise Dieu (Frantzia) eta Ravello jaialdietan eskaini zena; Estatu Batuetan barrenako bira bat; L’Alidoro (Leonardo Leo); La Salustia (G. B. Pergolesi); eta Acis, Galatea eta Polifemo (Händel, Teatro dell’Arte di Milano).


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Agrupación fundada en 1987 por Antonio Florio, conocida hasta 2010 como Cap-pella Della Pietà de’ Turchini, está integrada por instrumentistas y cantantes especializados en la interpretación del repertorio musical napolitano de los si-glos XVII y XVIII y en la recuperación de compositores olvidados.

La originalidad de sus programas y el riguroso respeto por la praxis interpreta-tiva barroca hacen de I Turchini una de las formaciones más destacadas de la vida musical italiana y europea. La agrupación ha recibido invitaciones para ac-tuar en importantes escenarios (Accademia di Santa Cecilia di Roma, el Teatro San Carlo de Nápoles, el Palau de la Música de Barcelona, Berliner Philharmo-nie, Teatro La Monnaie de Bruselas…) y ha tomado parte en los mayores festiva-les europeos de música antigua (Festival Monteverdi de Cremona, Festival de Versalles, Festival de Otoño de Madrid, BBC Early Music Festival…).

En 1998 I Turchini participó en la realización de un documental para la televi-sión belga y en una película dedicada a la Opera Buffa para la emisora franco-alemana ARTE. Particularmente intensa es su actividad discográfica, con la pro-ducción de 7 CD dedicados a inéditos del repertorio barroco napolitano, que le han valido importantes premios de la crítica internacional. A partir de 1996, el conjunto grabó 15 títulos de la colección Tesoros de Nápoles. Desde 2005, ha grabado el Stabat Mater de Pergolesi, la Missa Defunctorum de Provenzale y Le cantate napoletane del ‘700. También ha grabado L’Adoratione de’ Maggi de Cristofaro Caresana, Tenebrae, publicado en abril de 2011 y, recientemente, Con-ciertos napolitanos para violonchelo con Giovanni Sollima como solista y autor de una de las obras registradas, compuesta especialmente para I Turchini.

Entre los numerosos reconocimientos podemos señalar: el Premio del diario francés Le Monde (1996), el Premio “Vivaldi” de la Fondazione Cini de Venecia, el Premio “Franco Abbiati” de la Associazione Nazionale Critici Musicali, 3 Diapa-son d’Or, el Premio “Charles Cros” de la Accademie du Disque (1999) y el “Timbre de Platine”, entre otros.

De sus recientes proyectos y giras sobresalen: L’Ottavia restituita al trono de D. Scarlatti, que le valió a Antonio Florio el prestigioso Premio Teatro Campoamor de Oviedo a la mejor dirección musical; La Passione de Antonio Caldara en el Festival de la Chaise Dieu en Francia y en el Festival di Ravello y una gira por los Estados Unidos; L’Alidoro de Leonardo Leo; La Salustia de G. B. Pergolesi; Acis, Galatea y Polifemo de Händel en el Teatro dell’Arte di Milano, entre otros.

A lo largo de 2009 se centró en la preparación de la ópera La Partenope de Vinci en coproducción con el INAEM español y en una larga gira italiana con el Stabat


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2009an zehar Vinci-ren La Partenope obraren prestaketa lanak egin zituzten Es-painiako INAEMekin batera eta bira luze bat egin zuten Italian Pergolesi-ren Stabat Mater eskainiz. 2010ean orkestrak J. J. Fux-en Orfeo y Eurídice obraren garai modernoko interpretazioa eskaini zuen. 2012an zehar I Turchini di Anto-nio Florio taldeak emanaldiak eskaini ditu Vienako Konzerthaus aretoan, Va-lladolideko Calderon antzokian L’incoronazione di Poppea (Monteverdi) obra-rekin, Hanburgoko Laeiszhalle aretoan, Koloniako Philharmonie jaialdian eta Cuencako auditorioan Musika Erlijiosoaren Astearen barruan.


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Mater de Pergolesi. En 2010, la orquesta interpretó el estreno en tiempos moder-nos de Orfeo y Eurídice de J. J. Fux. A lo largo de 2012, I Turchini di Antonio Florio ha actuado en la Konzerthaus de Viena, en el teatro Calderón de Valladolid con L’incoronazione di Poppea de Monteverdi, en la Laeiszhalle de Hamburgo, en la Philharmonie de Colonia y en el Auditorio de Cuenca para la Semana de Música Religiosa.


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ANTONIO FLORIO, zuzendaritza

Barin jaio zen eta prestakuntza klasikoa jaso zuen; biolontxelo, piano eta konposaketa diplomaturak lortu zituen bere jaioterriko kontserbatorioan Nino Rotaren zuzendari-tzapean. Antzinako instrumentuen ikaske-tak eta barrokoko interpretazio praktikak egin zituen. 1987an I Turchini taldea fundatu zuenetik, buru belarri aritzen da kontzertuak eskaintzen nahiz ikerketa musikologikoa egiten, batez ere XVII eta XVIII. mendeetako musika napolitarraren errepertorioa azter-tu duelarik; sekula entzun gabeko benetako opera artelanak berreskuratu ditu Europa eta Italiako antzoki ospetsuenetan aurkez-teko. Floriok berreskuratutako obra ugarien

artean aipatzekoak dira Francesco Provenzale maisuaren La colomba ferita (1670), Il Schiavo di sua moglie (1671) eta La Stellidaura vendicante (1674); Fran-cesco Boerioren Il disperato innocente (1673), Gaetano Latillaren La finta came-riana (1767), Leonardo Vinciren Li Zite’n galera (1722), Giovanni Paisielloren Il Pulcinella vendicato (1767), Francesco Cavalliren La Statira eta Francesco De Majoren Motezuma (1765).

1999 eta 2000. urteen artean Galiziako Real Filharmonía (Santiago de Composte-la) taldea zuzendu zuen, eta Giovan Battista Pergolesiren La serva padrona eta Stabat Mater aurkeztu zituen.

Bere jarduera didaktikoa ere konprometitua da oso: Floriok mintegiak eta maisu-eskolak eman ditu barrokoko alderdi bokalei eta ganbera musikari buruz Versailleseko Centre de Musique Baroque eskolan, Royaumont Fundazioan eta Toulouseko Kontserbatorioan. Gainera, Ganbera Musika arloko katedraduna da Napoliko San Pietro a Majella Kontserbatorioan, non estilo eta errepertorio barrokoari buruzko unibertsitate ikastaro bat ematen baitu. Horrez gain, Napoliko Scarlatti Elkartean musika barrokoa aztertzen duen Scarlatti Lab laborategiko zuzendari artistikoa da.

Duela gutxi egin dituen proiektuen artean azpimarratzekoak dira Leonardo Vinciren La Partenope opera serioa berreskuratu eta berrikusi izana, zeina 2004an editatu zen, bertsio eszenikoa 2009an estreinatu zelarik Ponferradan eta Leonen. Aurrerago, 2010 eta 2011n Napolin (San Carlo antzokia), Santande-rren, A Coruñan, Sevillan (Maestranza antzokia) eta Murtzian eskaini zen eta 2010ean antzerki produkzio onenaren Oviedo Saria jaso zuen.


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ANTONIO FLORIO, dirección

Nacido en Bari, recibió una formación clásica, diplomándose en violonchelo, piano y composición en el conservatorio de su ciudad natal bajo la dirección de Nino Rota. Profundiza a continuación en el estudio de los instrumentos anti-guos y de la práctica interpretativa barroca. Tras fundar en 1987 la agrupación I Turchini, se dedica con igual empeño tanto a la actividad concertística como a una intensa investigación musicológica, explorando sobre todo el repertorio de la música napolitana de los siglos XVII y XVIII y recuperando en este ámbito ver-daderas obras maestras de la ópera absolutamente inéditas en nuestros días con el fin de presentarlas en los más prestigiosos teatros europeos e italianos. Entre los numerosos títulos redescubiertos por Florio podemos citar La colom-ba ferita (1670), Il Schiavo di sua moglie (1671) y La Stellidaura vendicante (1674) de Francesco Provenzale, Il disperato innocente de Francesco Boerio (1673), La finta cameriera de Gaetano Latilla (1767), Li Zite’n galera de Leonardo Vinci (1722), Il Pulcinella vendicato de Giovanni Paisiello (1767), La Statira de Frances-co Cavalli y Motezuma de Francesco De Majo (1765).

En 1999 y 2000, dirigió la Real Filharmonía de Galicia con sede en Santiago de Compostela, presentando La serva padrona y el Stabat Mater de Giovan Battis-ta Pergolesi.

No menos comprometida es su actividad didáctica: Florio ha impartido seminarios y clases magistrales sobre los aspectos vocales barrocos y la música de cámara en el Centre de Musique Baroque de Versalles, en la Fundación Royaumont y en el Conservatorio de Toulouse. Es, además, titular de la cátedra de Música de Cámara en el Conservatorio San Pietro a Majella de Nápoles, donde desarrolla un curso universitario sobre el estilo y el repertorio barrocos. También es director artístico del Scarlatti Lab, laboratorio para el estudio de la música barroca de la Asociación Scarlatti de Nápoles.

Entre sus proyectos más recientes, puede destacarse la recuperación y revisión de la ópera seria de Leonardo Vinci La Partenope, cuya edición fue realizada en 2004, estrenada en 2009 en versión escénica en Ponferrada y León y, posterior-mente (2010 y 2011), representada en Nápoles (Teatro San Carlo), Santander, La Coruña, Sevilla (Teatro de la Maestranza) y Murcia, alzándose en 2010 con el Premio Oviedo a la mejor producción teatral.

En 2005, se dedicó al redescubrimiento y revisión de la ópera La finta giardi-niera de Pasquale Anfossi, representada junto a la composición mozartiana del mismo título en la Fundación Royaumont, primero en versión de concierto, sucesivamente en versión escénica y complementada con un seminario inter-nacional. En 2006, dirigió a I Turchini en el marco del prestigioso festival Anima


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2005ean Pasquale Anfossiren La finta giardiniera opera berreskuratu eta be-rrikusi zuen, zeina izen bereko Mozarten konposaketarekin batera eskaini baitzen Royaumont Fundazioan, lehenik kontzertu bertsioan, gero bertsio es-zenikoan eta, azkenik, nazioarteko mintegi batean. 2006an I Turchini taldea zuzendu zuen Pisako Anima Mundi jaialdi ospetsuan, Festa Napoletana ikuski-zuna Txinara eraman baino lehen. Urte berean Musika Mediterraneoaren Heda-penari emandako Lehen Saria irabazi zuen Bariko Mousiké Mediterraneoko Antzinako Musika Jaialdian. 2007an Sienako Chigiana Akademiaren, Ravenna eta Ravello jaialdien, Napoliko Scarlatti elkartearen eta Clermont Ferrandeko Centre Lyrique D’Auvergne eskolaren gonbidapena jaso zuen. 2008an hainbat obra zuzendu zituen, besteak beste, Emilia eta Napoliko Merkataria (Reggioko Valli antzokian) eta Leoren Alidoro opera. Azken honen eszenaratzeak, DVD ba-tean jaso zenak, Diapasón D’Or ospetsua eta Accademie du Disque Lyrique-Pa-ris eskolak emandako Orphèe d’or saria irabazi zituen. Urte berean Luis García Iberni saria eman zioten Oviedon Musika Zuzendaritza onenagatik Domenico Scarlattiren Ottavia restituita al trono operaren aro modernoko lehen inter-pretazioaren karietara, zeina Donostian aurkeztu baitzen 2007ko abuztuan. 2008an ere, I Turchini taldearekin batera, Napoli saria jaso zuen hiriko “Bikain-tasun Ezkutuak” atalean. 2009an Händelen Acis, Galatea eta Polifemo zuzen-du zuen MITO jaialdian (Teatro dell’Arte, Milan), Turineko Regio antzokian eta Napoliko Teatrino di Corte di Palazzo Reale zaharberrituan. Gainera, Vinciren La Partenope obra estreinatu eta hainbat funtzio eskaini zituen eta Italia osoa zeharkatu zuen Pergolesiren Stabat Mater obrarekin. 2010ean Fuxen Orfeo eta Euridice opera zuzendu zuen Vienako Konzerthaus aretoan, hainbat aldiz zu-zendu zuen baita ere Oportoko Casa da Musica orkestra barrokoa eta 2011n Ga-liziako Sinfonikoa A Coruñan. 2012an Vienako Konzerthaus aretora itzuliko da Francesco Contiren Dorimena e Tuberone obra zuzentzera eta Monteverdiren L’incoronazione di Poppea ere zuzenduko du Emilio Sagiren eszena zuzendari-tzapean Valladolideko Calderón antzokian.


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Mundi de Pisa, antes de llevar a China el espectáculo Festa Napoletana. Tam-bién en 2006, recibió el Primer Premio a la Difusión de la Música Mediterránea en el Festival de Música Antigua del Mediterráneo Mousiké de Bari. En 2007, fue invitado por la Accademia Chigiana de Siena, por los festivales de Ravenna y Ravello, la Associazione Scarlatti de Nápoles y el Centre Lyrique D’Auvergne de Clermont Ferrand. En 2008, dirigió en el Teatro Valli de Reggio Emilia y en el Mer-cadante de Nápoles la ópera Alidoro de Leo, cuya puesta en escena, recogida en un DVD, fue merecedora del prestigioso Diapasón D’Or, así como el Orphèe d’or de la Accademie du Disque Lyrique-Paris. En el mismo año le fue entregado en Oviedo el premio Luis García Iberni a la Mejor Dirección Musical con ocasión de la primera interpretación en tiempos modernos de la ópera Ottavia restituita al trono de Domenico Scarlatti, presentada en San Sebastián en agosto de 2007. Y también en 2008, recibió, junto a I Turchini, el Premio Napoli, en la sección ‘Exce-lencias Ocultas’ de la ciudad. En 2009, dirigió Acis, Galatea y Polifemo de Händel en el festival MITO (Teatro dell’Arte de Milán), en el Teatro Regio de Turín y en el restaurado Teatrino di Corte di Palazzo Reale en Nápoles, además del estreno y diversas funciones de La Partenope de Vinci y una larga gira italiana con el Stabat Mater de Pergolesi. En 2010, dirigió la ópera Orfeo y Eurídice de Fux en la sala Konzerthaus de Viena, la orquesta barroca Casa da Musica de Oporto en varias ocasiones y la Sinfónica de Galicia en La Coruña en 2011. En 2012 ha vuelto a la Konzerthaus de Viena para dirigir Dorimena e Tuberone de Frances-co Conti y también ha dirigido L’incoronazione di Poppea de Monteverdi, con dirección escénica de Emilio Sagi, en el Teatro Calderón de Valladolid.


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JATORKI ABESBATZA

MARIAN URKIOLA, zuzendaritza

HAMAIKA KAMERATA

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AGRUPACIÓN CORAL JATORKI

MARIAN URKIOLA, dirección

CAMERATA HAMAIKA

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EGITARAUA

Alfontso X.a Jakitunaren Andre Mariaren kantigak (XIII. mendea),Kodize Kalixtinoa (XII. mendea) eta Llibre Vermell de Montserrat (XIV. mendea)

Quen a omagen (Hamaika kamerata)Canto de UltreyaSancta Maria Strella do dia Non sofre Santa Maria (Hamaika kamerata)Mia Yrmana fremosaNon e gran cosaPeregrinuakYançu janto (Jatorki)Cutegón e singuel (Jatorki)

JatorkiUppsalako kantutegia (XVI. mendea):

Cómo puedo yo vivir Que todos se pasen en flores Un dolor tengo en el alma

JatorkiJuan del Enzina (1468- 1529):

Hoy comamos y bebamosSoy contento y vos servidaMás vale trocar

JatorkiJuan de Antxieta (1462-1523):

Virgo et materCon amores, la mi madreDos ánades madre

Hamaika kamerataGeorg Friedrich Haendel (1685-1759):

Sarabande

Hamaika kamerataJohann Hermann Schein (1586-1630):

Suite Sol minorrean 13.a “Banchetto musicale”Padouana, Gagliarda, Courente, Allemande. Tripla.

JatorkiHanacpachap Cussicuinin, anonimo amerikarra (XVI. mendea)

Hamaika kamerata / JatorkiHenry Purcell (1659-1695):

Lord, not to usAlleluia, de Declares his honourCome, ye, sons of arts


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PROGRAMA

Cantigas de Santa María de Alfonso X el Sabio (siglo XIII),Códice Calixtino (siglo XII) y Llibre Vermell de Montserrat (siglo XIV):

Quen a omagen (Camerata Hamaika)Canto de UltreyaSancta Maria Strella do dia Non sofre Santa Maria (Camerata Hamaika)Mia Yrmana fremosaNon e gran cosaPeregrinuakYançu janto (Jatorki)Cutegón e singuel (Jatorki)

JatorkiCancionero de Uppsala (siglo XVI):

Cómo puedo yo vivir Que todos se pasen en flores Un dolor tengo en el alma

JatorkiJuan del Enzina (1468- 1529):

Hoy comamos y bebamosSoy contento y vos servidaMás vale trocar

JatorkiJuan de Antxieta (1462-1523):

Virgo et materCon amores, la mi madreDos ánades madre

Camerata HamaikaGeorg Friedrich Haendel (1685-1759):

Sarabande

Camerata HamaikaJohann Hermann Schein (1586-1630):

Suite en Sol menor núm. 13 de “Banchetto musicale”Padouana, Gagliarda, Courente, Allemande. Tripla.

JatorkiHanacpachap Cussicuinin, anónimo americano (siglo XVI)

Camerata Hamaika / JatorkiHenry Purcell (1659-1695):

Lord, not to usAlleluia, de Declares his honourCome, ye, sons of arts


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BERPIZKUNDETIK BARROKORAINOKO TXANGO BAT MUSIKAN BARRENA:erromes eta beilarien kantuetatik Henry Purcelleraino

Musikaren historian barrena ibilaldi bat egiteko asmoz prestatutako egitarau hau Donejakue Bideko erromes eta beilarien kantu monodikoekin hasiko da, ondoren Gaztelako polifoniara igaroko da Uppsalako Kantutegian barrena (bere adierazle gorenak diren Juan de la Encina eta Juan de Antxietaren lanak entzunez), eta azkenean Ingalaterrako barrokoan amaituko da Haendel eta Henry Purcell handien lanekin.

Poesia erromanikoa entzun nahi duenak irudika beza bere burua mundu la-tinoaren batasuna eraiki zuten estratetan barrena, santutegi berrietarantz oinez abiatutako erromes eta beilari multzoen erdian. Donejakue Bideak funtsezko papera jokatu zuen Erdi Aroko poesiaren sorrera eta garapenean. Beilan joatea otoitz-bidaia egitea zen edo, bestela esanda, kantuz bidaiatzea. Horrek ez du esan nahi Donejakue Bidearekin lotutako kantu guztiak eliz kan-tuak zirenik, funtsean denetarik baitzegoen euren artean, eliz kantuetatik hasi eta profanoetaraino. Baziren Donejakue Apostoluaren laudoriozko kantuak, Ama Birjinaren mirarien kontakizunak, Bideko ibilia nola egin azaltzen zuten gida-kantuak, juglareen poesia narratiboa eta edozertaz mintzo ziren kantuak (adibidez, beilarien pasaeraz herri eta herrixketan barrena); halakoa da, hain zuzen ere, Peregrinuak kantua, gaurko egitarauan sartuta dagoen Donejakue Bideko euskarazko kantua.

Uppsalako Kantutegia Berpizkunde garaiko Gabon-kantu bilduma bat da. Lan horren ale bakarra Rafael Mitjana musikologo eta diplomatikoak aurkitu zuen 1907. urte inguruan Suediako Uppsala unibertsitatean. Liburuan 70 lan daude: 54 Gabon-kanta eta 16 pieza (kantu lauko 8 tonu eta organo kantuko 8). Pieza gehienak anonimoak dira. Liburu osoan argitasun bat baino ez dator, eta bera-ri esker dakigu Dezilde al cavallero izeneko Gabon-kanta Nicolas Gombert-ek konposatu zuela. Piezen anonimatoa gorabehera, ziurtasun handirekin identi-fikatu da konpositore zenbaiten eskua: Juan del Enzina, Mateo Flecha zaharra, Juan Vázquez edo Bartomeu Carceres, garaiko beste musikari batzuen artean. Kantu guztiak gazteleraz daude, lau salbu (bi katalanez daude, bat latinez eta bat galegoz).

Juan del Enzina (1468-1529), Errege Katolikoen garaiko poeta, musikari eta antzerkigile espainiarra, Espainia guztiko garrantzitsuenetakotzat jo ohi den Gaztelako eskola polifonikoa deitutako mugimenduaren lehen garaiko gizona da, eta Espainiako antzerkiaren aitagoietako bat. Juan del Enzinak egindako lanetatik 72 heldu dira guganaino, mota guztietakoak: kantuak, Gabon-kantak, erromantzak, kantatak, abestiak eta vegadak.

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UN PASEO POR LA MÚSICA DESDE EL RENACIMIENTO AL BARROCO:desde las canciones de romeros y peregrinos hasta Henry Purcell

El presente programa recorre la historia de la música, iniciando su peregrinaje desde las canciones monódicas del repertorio de romeros y peregrinos del Ca-mino de Santiago, pasando por la polifonía castellana, a través del Cancionero de Uppsala con Juan de la Encina y Juan de Antxieta como dos de sus máximos exponentes, para desembocar en el periodo barroco inglés, en las figuras de Haendel y Henry Purcell.

Quien pretenda escuchar la poesía románica ha de imaginarse entre los rome-ros y peregrinos que marchaban hacia los nuevos santuarios por las estradas que habían trabado la cohesión imperial del mundo latino. El Camino de Santia-go desempeñó un papel decisivo para la formación y el desarrollo de la poesía del medievo. Peregrinar era viajar en oración, que es tanto como decir viajar cantando. Esto no quiere decir que todos los cánticos relacionados con el Cami-no de Santiago tuvieran carácter religioso. La gama de cánticos va desde lo pu-ramente litúrgico hasta lo profano. Entre estos cánticos hay alabanzas al Após-tol Santiago, relatos de los milagros de la Virgen, cantos–guía sobre el modo de emprender el Camino, poesía narrativa de juglares o meros cantos ocasionales (cantos de paso de los peregrinos por las diferentes aldeas), como es el caso del canto Peregrinuak, canción de la ruta jacobea que está recogida en euskera, incluida en el programa de hoy.

El Cancionero de Uppsala contiene villancicos españoles de la época renacen-tista. El único ejemplar conocido de la edición fue encontrado, hacia 1907, por el musicólogo y diplomático Rafael Mitjana en la biblioteca de la Universidad de Uppsala, Suecia. El libro contiene 70 obras: 54 villancicos y 16 piezas (8 tonos de canto llano y 8 de canto de órgano). La mayor parte de las piezas son anóni-mas. El libro solo indica que el villancico Dezilde al cavallero fue compuesto por Nicolas Gombert. Sin embargo, se ha podido identificar, con bastante certeza, a compositores como Juan del Enzina, Mateo Flecha el viejo, Juan Vázquez o Bartomeu Carceres, entre otros músicos de la época. Todas las obras son en cas-tellano, excepto cuatro, dos en catalán, una en latín y otra en gallego.

Juan del Enzina (1468- 1529) fue un poeta, músico y autor teatral español de la épo-ca de los Reyes Católicos. Perteneció a la primera época de la llamada escuela poli-fónica castellana, una de las más importantes de España, siendo considerado uno de los patriarcas del teatro español. De Juan del Enzina se han recopilado 72 piezas musicales entre canciones, villancicos, romanzas, cantatas, canciones y vegadas.

Juan de Anchieta (1462-1523), sacerdote y compositor español del Renacimiento, fue uno de los mayores exponentes de la polifonía religiosa y profana en Espa-

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Juan de Anchieta (1462-1523), Berpizkunde garaiko apaiz eta konpositore espai-niarra, XV. mende bukaeratik XVI. mende hasierara bitarteko Espainiako polifo-nia erlijiotsu eta profanoko sortzaile handienetako bat izan zen. Bere apaindu-ra gutxiko melodiek eta polifoniaren eta gregorianoaren artean egiten zituen alternantziek eragin handia izan zuten Espainiako musikagintzan eta bere esti-loak bizirik jarraitu zuen are Barrokoaren garaian ere. Guztira 16 pieza baino ez zaizkigu iritsi idazpuruan Anchieta izena ageri duten eskuizkribuetan.

Georg Friedrich Haendel (1685-1759) konpositore alemana —gero ingeles bihur-tuko zen— Barrokoko gailur gorenetako bat da eta Mendebaldeko nola mundu osoko musikan eragin izugarria izan duen konpositorea. Ezagun dira bere es-tiloan musika alemanaren sendotasuna eta kontrapuntua, musika italiarreko bel cantoaren melodia eta ahotsen moldaera, eskola frantsesaren dotorezia eta solemnitatea, eta eskola ingelesaren ausardia, soiltasuna eta indarra.

Johann Hermann Schein (1586-1630) barroko goiztiarreko konpositore alema-niarra izan zen. 1617ko Banchetto Musicale (oturuntza musikala) izango da beharbada bere lan ezagunena, hots, hogei suite instrumentalez osatutako bilduma bat ezin ederragoa eta zenbaiten ustez musika instrumentaleko ale zaharrenetakoa. Itxura guztien arabera, Weimarko Weissenfelstarren gorteko afariak alaitzeko musika zen, hari tresnekin jotzeko pentsatua. Banchettoko suite bakoitza molde eta motibo berberaren inguruan eraikia dago.

Hanaqpachap Cussicuinin, berriz, ketxueraz idatzitako a cappellako himno po-lifoniko anonimoa da. Peruko Lima hirian 1631n inprimatutako Ritual Formu-lario e Institución de Curas liburuan argitaratu zen lehen aldiz. Perun ez eze, Amerika osoan ere ezagutzen den polifoniako lan zaharrena da.

Henry Purcellek (1659-1695) elkarrekin uztartu zituen Ingalaterrako tradizio zaharrak eta Europako eragin modernoenak, lehenengo eta behin Gorterako idatzi zituen himno eta odetan eta ondoren garaiko maisu italiar famatuenen ereduari jarraituz 1683an argitaratu zuen hirukoterako sonata sortarekin. Kon-posatzen zuenean Purcellek kontrapuntu magistral bat eta sistema harmoniko propioa erabiltzen zituen, italiarrak ez ziren estilo gehienen disonantziaren trataera mantentzen zuena eta, hortaz, bere sonatak imitazio hutsak izateko arriskutik libratzen zituena.

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ña desde finales del siglo XV hasta principios del XVI. Sus austeras melodías y la alternancia entre polifonía y gregoriano tendrá gran influencia en la música española y su estilo perdurará incluso bajo la influencia del Barroco. Sólo han sobrevivido 16 piezas en los manuscritos en los que figura el nombre de Anchie-ta a la cabeza.

Georg Friedrich Haendel (1685-1759) fue un compositor alemán, posteriormen-te nacionalizado inglés, considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal. Su estilo tiene la solidez y el contrapunto de la música alemana, la melodía y el enfoque vocal del bel canto de la italiana, la elegancia y solemnidad de la escuela fran-cesa y la audacia, sencillez y fuerza de la inglesa.

Johann Hermann Schein (1586-1630) fue un compositor alemán del período barroco temprano. Posiblemente, su colección más famosa sea la de música instrumental, Banchetto Musicale (banquete musical) (1617), que contiene 20 suites instrumentales que se consideran entre las primeras y más bellas repre-sentativas de esta forma musical. Probablemente fueron compuestas como música para la cena de la corte de los Weissenfels en Weimar y pensadas para ser interpretadas con cuerdas. Cada suite del Banchetto está unificada por un mismo modo y motivos.

Hanaqpachap Cussicuinin es un himno polifónico a cappella escrito en lengua quechua y de autor desconocido. Esta obra apareció por publicada primera vez en el libro Ritual Formulario e Institución de Curas publicado en Lima, Perú, en 1631. Se considera la obra polifónica más antigua que se conoce en el Perú y en el Nuevo Mundo.

Henry Purcell (1659-1695) fusionó las tradiciones inglesas heredadas con las in-fluencias europeas más modernas, primero en sus himnos y odas para la corte y luego, al publicar una serie de sonatas a trío en 1683, imitando justamente a los más afamados maestros italianos. De hecho, Purcell componía en base a un contrapunto magistral y un sistema armónico propio, que mantenía el trata-miento de la disonancia de la mayoría de los estilos no italianos, que alejaba a sus sonatas de ser meras imitaciones.

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JATORKI ABESBATZA

Gaur egun 17 ahots misto dituen Jatorki Abesbatza 1973an sortu zen, euskal musika nahiz polifonia, eta abesbatzaren ezauga-rriei ondo egokitzen zaiz-kien nazioarteko autoreen obrak interpretatzeko. Ha-rrezkero, lan eskerga egin du, eta horri esker Bizkaiko Abesbatzen Elkarteko (BAE) goi-mailako katego-rian kokatu da.

Fundatu zenetik 1998ko ekainera arte, Andoni Arregi izan zen abesbatzako zuzendaria, zeina ongi eza-guna baita euskal musikaren munduan. Arregik hainbat konposaketa egin zi-tuen Jatorkiren errepertoriorako. Gaur egun abesbatzak Marian Urkiola bilbo-tarraren zuzendaritzapean kantatzen du.

Jatorki Abesbatza amateurra da, baina, bere lan filosofiak bultzatuta, kalitate handiko eta prestakuntza tekniko serioan oinarritutako errezitaldiak eskain-tzen ditu. Hala, bere helburua da oreka, afinazioa eta piezak beren testuinguru historikoan interpretatzea, betiere sentimendua transmititzen duten espre-sioa eta komunikazioa baztertu gabe.

Jatorki Abesbatzak hainbat ekitalditan parte hartu du, hala nola Bizkaiko Abes-batzen Aste guztietan, BBKren (gaur Kutxabank) Euskal Musika Koraleko konpo-saketa lehiaketetako obra sarituen aurkezpenetan, Tomás Garbizuren Babilon beltza eta Andoni Arregiren Gure Erri obren estreinaldietan eta La Caixa Funda-zioak 2011n eta 2012an Bilboko Euskalduna Jauregian antolatutako Kontzertu Parte-hartzaileetan, non Mozarten Requiema eta Haendelen Mesias interpre-tatu baitituzte beste sei abesbatzarekin eta Bilboko Orkestra Sinfonikoarekin batera.

Grabaketei dagokienez, Danborjole Txikia CDan (2011) eta AusArt Record etxeak editatutako Jesús Guridiren omenaldi diskoan (2011) parte hartu du.

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AGRUPACIÓN CORAL JATORKI

Contando actualmente con 17 voces mixtas, la Agrupación Coral Jatorki nació en 1973 con el objetivo principal de interpretar música vasca y polifonía, así como obras de autores internacionales que fueran adecuadas a las característi-cas del coro. Desde entonces, no ha dejado de realizar un intenso trabajo, cuyos resultados la han hecho ocupar la máxima categoría dentro de la Federación de Coros de Bizkaia (BAE).

Desde su fundación hasta junio de 1998, la Agrupación fue dirigida por Ando-ni Arregi, ampliamente conocido en el mundo musical vasco, al que contribuyó con numerosas composiciones, incluidas en el repertorio de Jatorki. Actualmen-te, el coro canta bajo la dirección de la bilbaína Marian Urkiola.

La filosofía de trabajo de Jatorki, desde su personalidad como coro amateur, le impulsa a ofrecer recitales de alta calidad, basados en una seria preparación técnica que busca el equilibrio, la afinación y la interpretación musical dentro del contexto histórico de las piezas, sin dejar de lado la expresión y la comuni-cación que permitan trasmitir sentimiento.

Jatorki ha participado, entre otros eventos, en todas las Semanas Corales Viz-caínas, en la presentación de las obras premiadas en los concursos de compo-sición de Música Coral Vasca de BBK (hoy Kutxabank), en el estreno de Babilon beltza de Tomás Garbizu y Gure Erri de Andoni Arregi y en los Conciertos Par-ticipativos organizados por La Caixa en 2011 y 2012 en el Palacio Euskalduna de Bilbao, interpretando el Requiem de Mozart y El Mesías de Haendel junto a otras seis agrupaciones corales y la Orquesta Sinfónica de Bilbao.

Jatorki Abesbatza ha participado en la grabación del CD Danborjole Txikia (2011) y el disco homenaje a Jesús Guridi, editado por AusArt Records (2011).

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MARIAN URKIOLA, zuzendaritza

Marian Urkiolak zuzentzen du Jatorki Abesbatza 1998az geroztik. Bilboko Juan Crisóstomo de Arriaga Kontserbatorioan eskuratu zituen Solfeo eta Piano tituluak. Medikuntzan doktoratu zen Euskal Herriko Unibertsitatean eta Musikoterapiako gradu-ondoko Unibertsitate Diploma dauka.

Bere prestakuntza osatzeko, bi urtez jardun zuen biolontxeloa ikasten Bilboko Musika Kontserbatorioan eta, horrez gain, Kantu, Errepertorio eta Abesbatzen Zuzendaritza ikastaroak egin ditu hainbat irakaslerekin: Alberto Blancafort, Fina Folco, María Folco, Daniel Carranza, Itziar Fernandez de Unda, Julio Lanu-za, Basilio Astúlez, Enrique Azurza…

Dena den, abesbatza munduko prestakuntza handiena Andoni Arregi Lizarraga maisuari zor dio, Jatorki abesbatzaren fundatzaile eta zuzendari izan zenari, bere batutapean jardun baitzuen 1980tik 1997ra, azken urteetan zuzendariorde lanetan.

1998tik, Andoni Arregi zendu zenez geroztik, Jatorki Abesbatzaren ildo musikal tradizionalari eutsi dio: euskal musikaz gain, estilo anitzetako polifonia eta na-zioarteko konposatzaileen obrak interpretatzen dituzte, Euskal Herriko eta he-mendik kanpoko hainbat txokotara eramanaz gure herriko kulturaren alderdi aberatsenetako baten lekukotza.

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MARIAN URKIOLA, dirección

Marian Urkiola dirige Jatorki Abesbatza desde 1998.

Obtiene el título de Solfeo y Piano en el Conservatorio de Música de Bilbao Juan Crisóstomo de Arriaga. Es doctora en Medicina por la Universidad del País Vasco y posee el Diploma Universitario de postgrado en Musi-coterapia.

Refuerza su formación musical con dos años de Violon-chelo en el Conservatorio de Música de Bilbao, cursos de Canto, Repertorio y Dirección Coral con diversos pro-

fesores/as: Alberto Blancafort, Fina Folco, María Folco, Daniel Carranza, Itziar Fernandez de Unda, Julio Lanuza, Basilio Astúlez, Enrique Azurza…

Pero la mayor parte de su equipaje musical coral procede del maestro Andoni Arregi Lizarraga, fundador y director del coro Jatorki, bajo cuya batuta estuvo desde 1980 a 1997, cuando desempeñó, durante los últimos años, labores de sub-dirección.

Desde 1998, año en el que fallece Andoni Arregi, ha continuado con la línea mu-sical tradicional de Jatorki: la interpretación, además de música vasca, de poli-fonía y obras de compositores internacionales y de diversos estilos, llevando a numerosos lugares, ya sean de nuestro territorio o fuera de él, el testimonio de una de las ricas facetas de la cultura de nuestro pueblo.

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HAMAIKA KAMERATA

Hamaika Kamerata 1987an sortu zen, Getxoko Kontserbatorioko Mario Clavell txirula irakaslearen gelan. Harrezkero, behin baino gehiagotan aldatu dira bai taldeko kideak, eta bai funtzionamendua, bereziki zentroa gaur egungo Ge-txoko “Andres Isasi” Musika Eskola bihurtu arteko trantsizio denboran. Urte horietan zehar, ordea, bere horretan iraun du sortu zeneko espirituak, taldea funtzionamendu akademiko hutsetik haratago jendaurrean aritzera eraman duenak.

Sortu zenetik dozenaka kontzertu eskaini ditu Getxon nahiz Euskadiko beste hainbat hiritan. Saio horien guztien artean oso garrantzitsuak izan dira kolekti-bo kaltetuei eskainitako kontzertu sozialak.

Errepertorio zabal eta anitza du taldeak, erdi-aroko lehen polifoniatik hasi eta gaur egungo konposaketetaraino. Taldea oso eroso sentitzen da, besteak bes-te, folklore, jazz edo rock musika estiloekin muga egiten duen errepertorioan. Txirulen familiako kide guztiak erabiltzen ditu (esaterako, piccolo-a, do txirula, txirula altua eta txirula baxua). Sarri kolaboratzen du beste espezialitate ba-tzuetako musikariekin, hala nola piano-jole, perkusio-jole eta gitarra-joleekin.

Hamaika Kameratak hiru diskoren grabazioan parte hartu du. Sarri kolaboratzen du Jatorki Abesbatzarekin, Agiña Memorialaren XII, XIV eta XV. edizioetan aritu da eta Santo Domingo de la Calzadako Gabon-kanta Lehiaketan ere bai 2010ean.

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CAMERATA HAMAIKA

La Camerata Hamaika fue fundada en 1987, en la clase de flauta del profesor Mario Clavell en el Conservatorio de Getxo. A lo largo de todos estos años, ha renovado varias veces su composición y funcionamiento, especialmente en la transición del centro a la actual “Andrés Isasi” Musika Eskola de Getxo. A lo lar-go de estos años, ha mantenido intacto el espíritu con el que fue creada y que mueve a la agrupación a trascender su funcionamiento académico para presen-tarse en público constantemente.

Desde su creación, ha actuado en decenas de conciertos ofrecidos tanto en Getxo como en otros municipios de Euskadi. En este campo, los conciertos de carácter social ofrecidos a colectivos desfavorecidos suponen un capítulo im-portante.

Su repertorio abarca desde la primera polifonía medieval a las composiciones actuales. El grupo se muestra especialmente cómodo en repertorios fronteri-zos con músicas como el folclore, el jazz o el rock. Para ello se vale de todos los miembros de la familia de las flautas (piccolo, flauta en do, flauta alto y flauta bajo). Colabora frecuentemente con músicos de otras especialidades, como el piano, percusión, guitarra…

La Camerata Hamaika ha participado en la grabación de tres discos. Colabora habitualmente con Jatorki Abesbatza y lo ha hecho en el XII, XIV y XV Memorial Agiña, así como en el Concurso de Villancicos de Santo Domingo de la Calzada, en diciembre de 2010.

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MUSICA FLOREA

Barbora Sojková, sopranoa - Angelo Stanislava Mihalcová, sopranoa - Maddalena

Sylva Čmugrová, kontraltoa - Cleofe Jan Ondrejka, tenorra - S. Giovanni

Roman Janál, baxua - Lucifero

flauta Marek Špelina

oboeak Eduard Wesly, Tereza Pavelková

fagota Petr Budín

tronpetak

Jaroslav Rouček, Karel Mňuk

organoa Iva Štrynclová

lehen biolinak

Adéla Štajnochrová, Martin Kalista, Vojtěch Semerád

bigarren biolinak

Martina Kuncl Štillerová, Jiřina Štrynclová, Markéta Langová

biolak Lýdie Cillerová, Michal Dušek

viola da gamba Jakub Michl

biolontxeloa eta zuzendaria

Marek Štryncl

kontrabaxua

Ondřej Štajnochr

Musica Florea

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MUSICA FLOREA

Barbora Sojková, soprano - Angelo Stanislava Mihalcová, soprano - Maddalena

Sylva Čmugrová, contralto - Cleofe Jan Ondrejka, tenor - S. Giovanni

Roman Janál, bajo - Lucifero

flauta Marek Špelina

oboes Eduard Wesly, Tereza Pavelková

fagot Petr Budín

trompetas

Jaroslav Rouček, Karel Mňuk

órgano Iva Štrynclová

violines primeros

Adéla Štajnochrová, Martin Kalista, Vojtěch Semerád

violines segundos

Martina Kuncl Štillerová, Jiřina Štrynclová, Markéta Langová

violas Lýdie Cillerová, Michal Dušek

viola da gamba Jakub Michl

violonchelo y dirección

Marek Štryncl

contrabajo

Ondřej Štajnochr

Musica Florea

44 Musica Florea

G. F. HANDELEN (1685–1759) LA RESURREZIONE (HWV 47)Carlo Sigismondo Capeceren (1652–1728) libretoa

Lehen zatia

SonataA dispetto de’ Cieli hò vinto - Errezitatiboa (Lucifero)Caddi, è ver, ma nel cadere - Aria (Lucifero) Mà che insolita luce – Errezitatibo lagundua (Lucifero)Disserratevi, o porte d’Averno! - Aria (Angelo)Chi sei? Chi è questo Re? – Errezitatiboa (Lucifero, Angelo)D’amor fù consiglio - Aria (Angelo) E ben, questo tuo Nume - Errezitatiboa (Lucifero, Angelo)O voi dell’Erebo - Aria (Lucifero)Notte, notte funesta – Errezitatibo lagundua (Maddalena)Ferma l’ali, e sù miei lumi - Aria (Maddalena)Dolci chiodi, amate spine – Duetoa (Maddalena, Cleofe)Ma dimmi, e sarà vero – Errezitatiboa (Cleofe, S. Giovanni, Maddalena)Naufragando và per l’onde – Aria (Cleofe)Itene pure, oh fide amiche donne - Errezitatiboa (S. Giovanni, Maddalena)Così la tortorella talor piange - Aria (S. Giovanni)Uscite pur, uscite dall’oscura prigione - Errezitatiboa (Angelo)Il Nume vincitor trionfi, regni e viva! - Abesbatza

Bigarren zatia

SarreraDi quai nuovi portenti - Errezitatiboa (S. Giovanni)Ecco il sol, ch‘esce del mare - Aria (S. Giovanni)Mà ove Maria dimora - Errezitatiboa (S. Giovanni)Risorga il mondo lieto e giocondo - Aria (Angelo)Di rabbia indarno freme – Errezitatibo lagundua (Angelo)Misero! hò pure udito? - Errezitatiboa (Lucifero, Angelo)Per celare il nuovo scorno - Aria (Lucifero)Oh come cieco il tuo furor delira! - Errezitatiboa (Angelo)Impedirlo saprò - Ariosoa (Lucifero, Angelo) Amica, troppo tardo fù il nostro pie – Errezitatiboa (Maddalena, Cleofe)Per me già di morire - Aria (Maddalena)Ahi, abborrito nome - Errezitatiboa (Lucifero)Vedo il ciel che più sereno - Aria (Cleofe)Dove si frettolosi – Errezitatiboa (S. Giovanni, Cleofe)Caro figlio! – Aria (S. Giovanni)Cleofe, Giovanni, udite - Errezitatiboa (Maddalena, S. Giovanni, Cleofe)Se impassibile immortale - Aria (Maddalena)Sì, sì, col Redentore – Errezitatiboa (S. Giovanni)Dia si lode in cielo, in terra - Abesbatza


45Musica Florea

LA RESURREZIONE (HWV 47) DE G. F. HANDEL (1685–1759)Libreto de Carlo Sigismondo Capece (1652–1728)

Primera Parte

SonataA dispetto de’ Cieli hò vinto - Recitativo (Lucifero)Caddi, è ver, ma nel cadere - Aria (Lucifero) Mà che insolita luce – Recitativo acompañado (Lucifero)Disserratevi, o porte d’Averno! - Aria (Angelo)Chi sei? Chi è questo Re? – Recitativo (Lucifero, Angelo)D’amor fù consiglio - Aria (Angelo) E ben, questo tuo Nume - Recitativo (Lucifero, Angelo)O voi dell’Erebo - Aria (Lucifero)Notte, notte funesta - Recitativo acompañado (Maddalena)Ferma l’ali, e sù miei lumi - Aria (Maddalena)Dolci chiodi, amate spine – Dueto (Maddalena, Cleofe)Ma dimmi, e sarà vero – Recitativo (Cleofe, S. Giovanni, Maddalena)Naufragando và per l’onde – Aria (Cleofe)Itene pure, oh fide amiche donne - Recitativo (S. Giovanni, Maddalena)Così la tortorella talor piange - Aria (S. Giovanni)Uscite pur, uscite dall’oscura prigione - Recitativo (Angelo)Il Nume vincitor trionfi, regni e viva! - Coro

Segunda Parte

IntroducciónDi quai nuovi portenti - Recitativo (S. Giovanni)Ecco il sol, ch‘esce del mare - Aria (S. Giovanni)Mà ove Maria dimora - Recitativo (S. Giovanni)Risorga il mondo lieto e giocondo - Aria (Angelo)Di rabbia indarno freme – Recitativo acompañado (Angelo)Misero! hò pure udito? - Recitativo (Lucifero, Angelo)Per celare il nuovo scorno - Aria (Lucifero)Oh come cieco il tuo furor delira! - Recitativo (Angelo)Impedirlo saprò - Arioso (Lucifero, Angelo) Amica, troppo tardo fù il nostro pie – Recitativo (Maddalena, Cleofe)Per me già di morire - Aria (Maddalena)Ahi, abborrito nome - Recitativo (Lucifero)Vedo il ciel che più sereno - Aria (Cleofe)Dove si frettolosi – Recitativo (S. Giovanni, Cleofe)Caro figlio! – Aria (S. Giovanni)Cleofe, Giovanni, udite - Recitativo (Maddalena, S. Giovanni, Cleofe)Se impassibile immortale - Aria (Maddalena)Sì, sì, col Redentore - Recitativo (S. Giovanni)Dia si lode in cielo, in terra - Coro


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LA RESURREZIONE

1706tik 1710era bitartean Italian egindako egonaldia oso garrantzitsua gertatu zitzaion Haendeli prestakuntza eta sormenaren aldetik, batez ere opera kon-positore bezala. Rodrigo eta Agripina izeneko operek (hura Florentzian idatzia eta hau Venezian) zubi lana egiten dute Hanburgoko bere hasierako operen eta Londreseko bere aurreneko 30 urteetan konposatuko zituen Barrokoko maisu-lanen artean. Halere, Italian egon zen bitartean operak idaztea bere sorkuntza-lanaren zati txiki bat baino ez zen izan. Italiako musika-gune guztien artean ba-dirudi Erroman egon zela luzaroen, baina nola Aita Santuak debekatuta zituen operak Erroman, ez zen batere genero usaiakoa hiri horretan. Hori gorabehera, baina, Haendelek Erroman babesle, konpositore eta interprete sare estimula-garri bat aurkitu zuen eta horien eraginez beste genero batzuk landu zituen, hala nola eliza-musika, kantatak eta oratorioak.

Badirudi, baita ere, Erromako 1707ko egonaldi hartan hartu zuela Haendelen musika estiloak bere helduaroko lanen bereizgarria izango zen indar hura. Urte horretako udaberrian Haendelek konposatutako bi lan bere aurreneko maisulantzat jo daitezke, ondoren konposatuko zuen guztiaren oinarria. Dixit Dominus salmoak bizitasun melodiko handia du, egitura harmoniko sendoa, eta egileak segurtasun handia erakusten du ahotsak erabiltzerakoan, trebezia hori oso garrantzitsua gertatuko baitzitzaion gero Ingalaterran konposatuko zituen oratorioetan. Italian konposatutako bere lehen oratorioa —Il Trionfo del Tempo e del Disinganno—, pertsonaia alegorikoz osatutako kantata dramatiko luze bat da. Bertan, Tempo, Piacere eta Disinganno (“Denbora”, “Plazera” eta “Desengainua/Egia”) indar moralen ordezkariak dira eta elkarrekin norgehia-goka ari dira eragin handiena izan beharrez Bellezza-Edertasunaren gainean. Oratorio horretako gauza gogoangarriena ez da Haendelek egiten duen antzez-pen dramatikoa baizik eta arietan —istorioa kontatzeko eta pertsonaiak aur-kezteko baliatzen dituen piezetan— ageri duen maisutasun teknikoa.

Il Trionfo del Tempo oratorioaren libretoa Pamphili kardinalak idatzi zuen. Me-zenas handi bat zen gizon hori, eta bere hor-hemenkak egingo zituen lan hori oholtzara eraman beharrez. Halere, Pamphili kardinala ez zen izan Haendelek Erroman izan zuen patroi bakarra, zeren badirudi Ruspoli markesarekin (geroago printzea izango zenarekin) izan zuela harreman estuena. Ruspoliren enkarguz ida-tzi zuen Haendelek bere bigarren oratorioa, La Resurrezione, Erroman estreinatu zuena markesaren etxean, 1708ko Pizkunde-igandean (biharamunean bigarren al-diz eman zen). Baina aurreko asteazkenean Erromako patroi handienetako baten etxean, Ottoboni kardinalarenean, Alesandro Scarlattik konposatutako Pasioaren oratorioa estreinatu zen, eta pentsatzekoa da Haendelen lana Scarlattiren orato-rioaren haurride (eta, dudarik gabe, lehiakide) bezala aurkeztuko zela. Scarlatti-ren oratorioko testua Ottoboni kardinalak idatzi zuen, eta La Resurrezione-ren li-bretoa aldiz Carlo Sigismondo Capece-k (1652-1728), hots, Erroman deserriratutako Poloniako Maria Casimiraren gorteko poeta batek. Libretoan oratorioaren izen-buru osoa ageri da: Oratorio per la Risurrettione di Nostro Signor Giesó. Ruspolik testu horren 1.500 kopia inprimarazi zituen emankizunetan erabiliak izateko.

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LA RESURREZIONE

La estancia de Haendel en Italia, entre 1706 y 1710, tuvo una importante in-fluencia en su formación y creatividad, sobre todo en lo que respecta a su fi-gura como compositor operístico. Rodrigo y Agripina, óperas compuestas en Florencia y Venecia respectivamente, forman el enlace de transición entre sus primeras óperas hamburguesas y las obras maestras del Barroco que compuso más tarde, en sus primeros treinta años en Londres. Pero la ópera fue, relativa-mente, una pequeña parte de su actividad creativa en Italia. De entre los cen-tros musicales italianos, Haendel permaneció, probablemente, más tiempo en Roma, donde, a consecuencia de la prohibición papal, la ópera no era un género habitual. A pesar de ello, Haendel encontró aquí una estimulante red de mece-nas, compositores e intérpretes que le impulsaron hacia otros géneros, como la música sacra, las cantatas y los oratorios.

Parece que fue también en Roma donde, en 1707, el estilo musical de Haendel adquiriría la fuerza que sería característica de su creatividad durante la madu-rez. Fue en la primavera de ese mismo año cuando Haendel compuso dos obras que pueden considerarse como sus primeras obras maestras y que asientan las bases de sus trabajos posteriores. El salmo Dixit Dominus muestra no sólo una gran vivacidad melódica y una sólida estructura armónica sino que manifiesta una importante seguridad en el manejo de las voces, una característica que se-ría de suma importancia en los oratorios que compondría en Inglaterra. Su pri-mer oratorio italiano, Il Trionfo del Tempo e del Disinganno, puede describirse como una extensa cantata dramática con caracteres alegóricos: Tempo, Piace-re y Disinganno, que representan las fuerzas morales del “Tiempo”, el “Placer” y la “Verdad” (“Desengaño”), compiten por su influencia en la Bellezza (“Belleza”). La significación del oratorio recae no tanto en la presentación del drama por parte de Haendel sino en la maestría de su técnica musical empleada en las arias, a través de las que se narra la historia y se presenta a los personajes.

El libreto de Il Trionfo del Tempo es del Cardenal Pamphili, reconocido mecenas que, con toda probabilidad, promovería las representaciones del oratorio. Pero fue sólo uno de los patronos de Haendel en Roma ya que parece ser que fue con el marqués (más tarde, príncipe) Ruspoli con quien tuvo la conexión más rele-vante. Ruspoli le encargó su segundo oratorio, La Resurrezione, que fue estrena-do en el palacio del marqués, en Roma, el Domingo de Resurrección de 1708, con una segunda representación al día siguiente. El oratorio fue presentado como compañero (y, sin duda, en competición con) del oratorio de la Pasión de Ales-sandro Scarlatti, ofrecido el miércoles anterior en el palacio de otro de los más importantes patronos romanos, el cardenal Ottoboni. El cardenal escribió el texto de la obra de Scarlatti mientras que el de La Resurrezione fue escrito por Carlo Sigismondo Capece (1652-1728), poeta de la corte de la reina Maria Casimi-ra de Polonia, que vivía exiliada en Roma. El título completo, tal y como aparece en el libreto, es Oratorio per la Risurrettione di Nostro Signor Giesó. Ruspoli hizo imprimir 1.500 copias del texto para las representaciones.

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Inprimatutako programen kopuru handiari erreparatuz aisa antzematen da proiektu horren tamaina. Oratorioa taularatu zenean oholtzaren barruko al-dean oihal margotu bat jarri zen, oratorioko gertaldi batzuk marraztuta zitue-na. Oratorioan arituko ziren bost solistei laguntzeko orkestra handi bat bildu zen, Ruspoliren gastu-liburuen arabera 35 hari, Corellik zuzenduak, eta zazpi haize-tresna zituena. Haendelek berak zuzenduko zuen seguruenik orkestra hori bere teklatutik. Orkestraren elementuak era askotan eta irudimen handiz erabili zituen, etekin ona atereaz hala tresna solistei nola orkestra osoari. Sortu zituen efektu harrigarrien artean aipagarriak dira Luziferren “O voi dell’Erebo” ariako harien unisono indartsua, eta Maria Magdalenaren “Per me già di mo-rire” arian sordinako oboea errepikatzen duten txirulen tinbre lutoa. Orato-rioaren lehenbiziko emanaldian Margherita Durastani sopranoak egin zuen abeslari lana, baina Aita Santuari ez zitzaion batere gustatu emakume batek oratorioan parte hartzea eta bigarren emanaldian castrato batek jokatu zuen papera. Castrato berak abestu zituen Kleofaseko Andre Maria eta Aingeruaren paperak ere.

Antzezkizunetan emakumezkoen paperak castratien esku uztea usaiako artifi-zioa zen Erroman, non emakumeek galarazita zeukaten agertoki publikoetan aritzea, baita Aita Santuak opera emankizunak debekatu gabe zituen garaietan ere. Halere, garai hartako publikoarentzat castratiak erabiltzeak ez zion ken-tzen emankizun bati antzerki-balio bihirik; izan ere, pertsonaiak eta egoerak irudimen teatralez interpretatu behar ziren, oholtzan ez baitzen ikusten ekin-tzarik. Eta nola Haendelen oratorian solistek benetako pertsonaiak antzezten zituzten eta pertsonaia horietako gehienak gizakiak ziren, zilegi da esatea La Resurrezione teatralagoa dela Il Trionfo del Tempo baino. Beste abantaila bat ere badu La Resurrezionek aurreko oratorioaren aldean: Haendelen estiloa ga-ratuagoa da, hain zuzen ere estiloa lantzeko astia izan zuelako oratorio bien ar-tean igarotako bi urteko epean eta, gainera, aldean zeukalako bere aurreneko opera italiarra —Rodrigo— idaztean hartutako esperientzia, gero oratorioan baliatuko zuena. Halere, handik hogeita hamar urtera Mesias oratorioarekin gertatuko zen bezala, oratorio baten gaia antzerki tankeran ematea erronka handia zen edonorentzat. Jesukristo oholtzan agertzea bera ere aisa jo zite-keen blasfemiatzat. Bestalde, nola libreto-egilearen asmoa ez baitzen bakar-bakarrik Berpizkundearen istorioa berriro kontatzea, baizik eta Berpizkunde hori antzerki itxuran ematea naturaz gaindiko gatazka baten koroadura beza-la, neke izango zen abeslari soil baten bidez irudikatzea Jesukristo, oholtzara bildutako gizataldeko beste ale bat baino ez baitzen izango funtsean. Beraz, pertsonaia nagusia sekula ez da agertzen oholtzan. Horren ordez, Capecek konponbide burutsu eta ikuspegi dramatikotik oso eraginkor bat aurkitu zuen: istorio guztia gizakien mailara ekarri zuen eta Berpizkundeko gertakarietan parte hartutako pertsonen ekintzen bitartez azaldu zuen kontakizuna, Luzife-rren bidez istorioaren naturaz gaindiko dimentsioa irudikatu zuen eta Aingerua bi munduen arteko bitartekari bezala erabili zuen.

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La cantidad de programas impresos refleja la espléndida magnitud del proyec-to. El oratorio fue interpretado ante un elaborado telón de fondo pintado, que mostraba escenas del oratorio. Los cinco solistas fueron acompañados por una considerable orquesta, como consta en las cuentas de gastos de Ruspoli: trein-ta y cinco cuerdas, dirigidas por Corelli, y siete instrumentistas de viento. La orquesta sería dirigida presumiblemente por Haendel desde su teclado. Utilizó sus fuerzas orquestales de forma variada e imaginativa, haciendo buen uso de los instrumentos solistas y de la orquesta completa. Entre los sorprendentes efectos destaca el poderoso unísono de las cuerdas en el aria de Lucifer “O voi dell’Erebo” y el espectral timbre de las flautas doblando al oboe en sordina en el aria “Per me già di moririe” de María Magdalena. En la primera representación, el papel fue cantado por la soprano Margherita Durastani, cuya presencia en el oratorio causó las quejas del Papa. Para la segunda representación, el papel fue interpretado por un castrato, quien también asumió los papeles de Santa María de Cleofás y del Ángel.

La interpretación de papeles femeninos por parte de castrati fue un artificio teatral plenamente aceptado en Roma donde, incluso en las épocas en que la ópera no sufrió la desaprobación papal, las mujeres tenían prohibido aparecer en los escenarios públicos. Así pues, para el público de la época, el empleo de castrati no implicaba una interpretación falta de teatralidad: los personajes y situaciones podían ser interpretados con imaginación teatral ya que no ha-bía acción sobre el escenario. Como en esta ocasión los solistas representan a personajes reales y, la mayoría de ellos, personajes humanos, La Resurrezione puede considerarse un trabajo más teatral que Il Trionfo del Tempo. También se ve beneficiado por el estilo más evolucionado de Haendel, desarrollado durante el año que medió entre los dos oratorios y fruto de su experiencia con Rodri-go, su primera ópera italiana. Sin embargo, como sucedería treinta años más tarde con su Mesías, la temática del oratorio presenta un reto para cualquier tratamiento teatral. La representación de Cristo en sí misma podía haber sido considerada como blasfema. Es más, ya que el libretista no quería simplemente volver a contar la historia de la Resurrección sino interpretarla como la resolu-ción de un conflicto sobrenatural, habría sido difícil representar a Cristo con el suficiente poder mediante un cantante que sería, al fin y al cabo, un miembro del reparto humano. Así pues, el personaje principal no aparece nunca en esce-na. En lugar de ello, Capece encontró una solución inteligente y dramáticamen-te efectiva presentando la historia a un nivel humano mediante las acciones de los seguidores de Jesús que participaron en los acontecimientos de la Resurrec-ción, usando el personaje de Lucifer para representar la dimensión sobrenatu-ral y usando un Ángel como intermediario entre los dos mundos.

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BARBORA SOJKOVÁ, sopranoa

Barbora Sojková oso gaztetan hasi zen musika ikasten, ze-hazki pianoa eta kantua, eta Pragako Filarmonikako Haur Abesbatzako kide izan zen 1995etik. Hirurehun kontzertu baino gehiago eman ditu abesbatza horrekin, opera uga-ritan parte hartu du Pragako Antzoki Nazionalean eta Estatu Operan, CD grabaketak egin ditu eta nazioarteko eszenatoki asko kurritu ditu, besteak beste New Yorkeko Carnegie Hall eta Kuala Lumpurreko Antzoki Nazionala.

Bigarren hezkuntzako ikasketak amaitu ondoren, abesba-tza zuzendaritzako eta musika sakratuko ikasketak egin

zituen Pragako Carolina Unibertsitateko Hezkuntza Fakultatean. Musikologia ikasi zuen Unibertsitate berean eta Kantu Gregorianoan espezializatu zen Da-vid Eben-ekin. 2009tik espezialitate hori erakusten du Carolina Unibertsitatean.

Kantu ikasketak egin zituen I. Kusnjer, J. Jonášová eta E. Toperczerová maisue-kin. Antzinako musikaren interpretazioa interesatzen zaio, batez ere kantu gregorianoa eta polifonikoa, eta Marius van Altena, Peter Kooij, Julie Hassler, Howard Crook eta, besteak beste, Joel Frederiksen-en maisu eskolak hartu ditu.

Barbora Sojková-k antzinako musika egiten duten hainbat talderekin kolabo-ratzen du, hala nola Collegium 1704, Collegium Marianum, Musica Florea, Colle-gium Vocale Gent, Doulce Memoire, Capella Mariana edo Ensemble Inégal eta musika garaikideko taldeekin ere bai, adibidez Berg Orchestra eta Ostravská bandarekin. Txekiar Errepublikako nahiz Europako jaialdi garrantzitsuenetan parte hartu du: Pragako Udaberria, Resonanzen Wien, Festival de Sablé, Fes-tival de la Chaise-Dieu, Festival Baroque de Pontoise, Festival van Vlaanderen Brugge, Festival d’Ambronay, e.a.

2007an Monteverdiren Orfeo operan parte hartu zuen Pragako Antzoki Naziona-lean. 2008an, Vivaldiren Argippo obra berreskuratuaren eszenaratzean abestu zuen. Hurrengo urtean, Julius Zeyer-ek idatzitako Radúz y Mahulena melodra-man parte hartu zuen, Pragako Antzoki Nazionalean. 2011/2012 denboraldian Louis Andriessen Dances taldearen produkzio eszenikoan kantatu zuen.

Sojková Tiburtina emakumezko talde bokalaren zuzendari artistikoa da. 2011tik Erdi-aroko musika kontzertuak eskaintzen ditu Hana Blažíková-rekin batera, zeinak harpa gotikoa eta salterioa jotzen baititu.

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BARBORA SOJKOVÁ, soprano

Barbora Sojková empezó a estudiar música desde muy joven, piano y canto, siendo miembro desde 1995 del Coro Infantil de la Filarmónica de Praga. Con este coro, ha participado en más de trescientos conciertos, numerosas óperas en el Teatro Nacional y en la Ópera Estatal de Praga, ha realizado grabaciones de CD y ha recorrido numerosos escenarios internacionales, como el Carnegie Hall de Nueva York y el Teatro Nacional de Kuala Lumpur.

Después de completar sus estudios secundarios, estudió dirección coral y de música sacra en la Facultad de Educación de la Universidad Carolina de Praga. Estudió Musicología en la misma Universidad, especializándose en Canto Gre-goriano con David Eben. Desde 2009 enseña esa especialidad en la Universidad Carolina.

Ha ampliado sus estudios de canto con I. Kusnjer, J. Jonášová y E. Toperczerová. Está interesada en la interpretación de música antigua, en especial en el canto gregoriano y polifónico y ha recibido clases magistrales de Marius van Altena, Peter Kooij, Julie Hassler, Howard Crook y Joel Frederiksen.

Barbora Sojková colabora con grupos de música antigua como Collegium 1704, Collegium Marianum, Musica Florea, Collegium Vocale Gent, Doulce Memoire, Capella Mariana, Ensemble Inégal, y también con conjuntos de música contem-poránea como la Berg Orchestra y Ostravská banda, entre otros. Ha participado en los principales festivales checos y europeos, como La Primavera de Praga, Resonanzen Wien, Festival de Sablé, Festival de la Chaise-Dieu, Festival Baro-que de Pontoise, Festival van Vlaanderen Brugge, Festival d’Ambronay, etc.

En 2007, participó en Orfeo de Monteverdi en el Teatro Nacional de Praga. En 2008, tomó parte en la puesta en escena de la ópera redescubierta Argippo de Vivaldi. Al año siguiente participó en el melodrama de Julius Zeyer Radúz y Ma-hulena en el Teatro Nacional de Praga. En 2011/2012 participó en la producción escénica de Louis Andriessen Dances.

Sojková es directora artística del grupo vocal femenino Tiburtina. Desde 2011, ofrece conciertos de música medieval en dúo con Hana Blažíková, tocando el arpa gótica I el salterio.

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STANISLAVA MIHALCOVÁ, sopranoa

Stanislava Mihalcová oso gaztetan hasi zen kantatzen, artean La Tortorella nesken haur abesbatzako kide zela. Žilina Kontserbatorioan (Eslovakia) eta Pra-gako Arte Eszenikoen Akademian ikasi zuen Magdaléna Hajossyová-rekin. Inter-pretazio ikastaroak egin zituen Baden-eko Udako Akademian eta interpretazio barrokoa ere ikasi zuen Marius van Altena eta Julie Hassler-ekin. Azkenik, Gro-ningen-eko Kontserbatorioan ikasi zuen Jan van Zelm eta Gerda Van Zelm-ekin.

Oraindik ikasten ari zela Susanaren (Figaroren ezteiak) papera egin zuen Pragako Ganbera Opera proiektuaren barnean, Pragako Arte Eszenikoen Akademian.

2011n Karlovy Vary Nazioarteko Kantu Lehiaketako lehen saria irabazi zuen.

Kontzertu ugari eskaintzen ditu nagusiki musika barrokoan zentratzen diren hainbat ganbera talde instrumentalekin: Musica Florea, Ensemble Inégal, Co-llegium 1704… Talde horiekin sarri parte hartzen du Txekiako zein nazioarteko jaialdietan, besteak beste, Frantzian, Alemanian, Espainian eta Belgikan.

Gluck-en Le Cinesi operan parte hartu zuen Cesky Krumlov hirian (Txekiar Erre-publikan) eta Sirenaren papera egin zuen Handelen Rinaldo obran Pragako Antzoki Nazionalean, Luxenburgoko Antzoki Handian, Rennes-eko Operan eta Versailleseko Errege Operan.

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STANISLAVA MIHALCOVÁ, soprano

Stanislava Mihalcová empezó a cantar desde muy tem-prana edad, siendo miembro del coro infantil de niñas La Tortorella. Estudió en el Conservatorio Žilina en Eslovaquia y en la Academia de Artes Escénicas de Praga, con Magda-léna Hajossyová. Participó en cursos de interpretación en la Academia de Verano de Baden e interpretación barroca con Marius van Altena y Julie Hassler. Estudió también en el Conservatorio de Groningen con Jan van Zelm y Gerda van Zelm.

Durante sus estudios, interpretó el papel de Susana (Las bodas de Figaro) dentro del proyecto de la Ópera de Cámara de Praga y la Aca-demia de Artes Escénicas de Praga.

En 2011, Mihalcová ganó el primer premio en el Concurso Internacional de Can-to de Karlovy Vary.

Realiza una intensa actividad concertística en colaboración con varios grupos de cámara instrumentales dedicados principalmente a la música barroca, como Musica Florea, Ensemble Inégal y Collegium 1704, con los que participa frecuen-temente tanto en festivales nacionales como internacionales, en Francia, Ale-mania, España y Bélgica.

Ha participado en la ópera de Gluck Le Cinesi, en Cesky Krumlov (República Che-ca) y en Rinaldo de Handel, en el papel de Sirena, para el Teatro Nacional de Praga, el Gran Teatro de Luxemburgo, la Ópera de Rennes y la Opéra Royal de Versalles.

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SYLVA ČMUGROVÁ, kontraltoa

Sylva Čmugrová Pragako Antzoki Nazionaleko bakarla-ria da. Pragako Kontserbatorioan eta Arte Eszenikoen Akademian graduatu zen. Maisu-eskolak jaso zituen Sie-nan eta Vaduz-en (Liechtenstein). Nazioarteko hainbat lehiaketatan saritu dute, esaterako, Ema Destinnová kantu lehiaketan (České Budějovice) eta Antonín Dvořák lehiaketan (Karlovy Vary). Finalista geratu zen Genevan eta Milanen. 1996az geroztik, bakarlaria da Pragako Es-tatu Operan eta gonbidatu gisa kantatu du Pilsen, Libe-rec eta, besteak beste, Karlineko eszenatokietan.

Hainbat paper interpretatzen ditu bere opera errepertorioan: Varvara (Kat-ya Kabanova, Janáček); Dorabella (Così fan tutte, Mozart); Niklas (Les contes d‘Hoffmann, Offenbach); Siebel (Faust, Gounod); Lola (Cavalleria rusticana, Mascagni); Olga (Eugene Onegin, Tchaikovsky); Fiodor (Boris Godunov, Musorgs-ky); Orflowsky (Das Fledermaus, J. Strauss), e.a.

Sylva Čmugrová-k kontzertu ugari eskaintzen ditu. Kanadan, Japonian, Italian, Suitzan, Alemanian, Polonian, Espainian eta, besteak beste, Lituanian kantatu du. Txekiako Orkestra Filarmonikoarekin, Pardubice-ko Ganbera Orkestra Filar-monikoarekin, Hradec Králové Filarmonikoarekin, Musica Florea taldearekin eta Txekiako Irratiarekin kolaboratu du.

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SYLVA ČMUGROVÁ, contralto

Sylva Čmugrová es solista del Teatro Nacional de Praga. Se graduó en el Con-servatorio de Praga y en la Academia de Artes Escénicas. Ha asistido a clases magistrales en Siena y en Vaduz (Liechtenstein). Ha sido laureada en concursos internacionales de canto como el Ema Destinnová en České Budějovice y el An-tonín Dvořák en Karlovy Vary, y ha sido finalista en concursos en Ginebra y Mi-lán. Desde 1996, ha sido solista en la Ópera Estatal de Praga y ha sido cantante invitada en los escenarios de Pilsen, Liberec y Karlín, entre otros.

Su repertorio operístico incluye papeles como Varvara (Katya Kabanova de Janáček), Dorabella (Così fan tutte de Mozart), Niklas (Les contes d‘Hoffmann de Offenbach), Siebel (Faust de Gounod), Lola (Cavalleria rusticana de Mascagni), Olga (Eugene Onegin de Tchaikovsky), Fiodor (Boris Godunov de Musorgsky), Or-flowsky (Das Fledermaus de J. Strauss), entre otros.

Sylva Čmugrová lleva a cabo una intensa actividad concertística. Ha actuado en Canadá, Japón, Italia, Suiza, Alemania, Polonia, España y Lituania. Ha cola-borado con la Orquesta Filarmónica Checa, la Filarmónica de Cámara de Pardu-bice, la Filarmónica Hradec Králové, Musica Florea y la Radio Checa.

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JAN ONDREJKA, tenorra

Brno hiriko Arte Eszenikoen Janáček Akademian (Txekiar Errepublika) ikasi zuen eta 2008an Jarmila Hladíková irakaslearen agindupean graduatu zen. Evelyb Tubb, Jutta Schlegel, Peter Dvorský eta beste hainbaten maisu-eskoletan parte hartu du. Brno hiriko Leoš Janáček Lehiaketan saritu zuten 2005ean. Hiri bereko Antzoki Nazionalean eta Olomouc-eko (Txekiar Errepublika) Moravo antzokian abestu du.

Arrakasta handia lortu zuen Janáček-en Jenufa Števa-ren papera interpretatu zuenean, 2008ko Janáček jaialdian (Brno). Beste pertsonaia batzuk ere eszenara-tu ditu, hala nola Errektorea Leoš Janáček-en La zorrita astuta-n; Ceco Haydn-en Il mondo della Luna-n; Camille de Rosillon Lehár-en La viuda alegre-n; Richard Dauntless, A. Sullivan-en Ruddigore-n; Erromatarra eta Artzaina H. Purcell-en Diocleciano-n; Minos, Tomáš Hanzlík-en Laberinto de pasión-en (2009), e.a.

Ensemble Serpens cantat eta Ensemble Damian talde barrokoetako kide da eta eskuarki kolaboratzen du Musica Florea-rekin, Pardubice-ko Ganbera Filarmo-nikarekin, Frankfurteko Brandenburg Estatu Orkestrarekin, Zlineko Bohuslav Martinů Orkestra Filarmonikoarekin eta beste hainbat talderekin. Kontzertuak eta operak eskaintzen ditu Txekiar Errepublikako eszenatokietan eta atzerrian.

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JAN ONDREJKA, tenor

Estudió en la Academia Janáček de Artes Escénicas de Brno (República Checa), donde se graduó en 2008 bajo la supervisión de la profesora Jarmila Hladíková. Ha participado en clases magistrales con Evelyb Tubb, Jutta Schlegel, Peter Dvorský, etc. Fue laureado en el Concurso Leoš Janáček de Brno en 2005. Ha cantado en el Teatro Nacional de Brno y en el Teatro Moravo de Olomouc (República Checa).

Interpretó con gran éxito el papel de Števa en la ópe-ra Jenufa de Janáček en el Festival Janáček de Brno

en 2008. Ha llevado al escenario otros personajes, como el Rector, en La zorri-ta astuta de Leoš Janáček; Ceco, en Il mondo della Luna de Haydn; Camille de Rosillon, en La viuda alegre de Lehár; Richard Dauntless, en Ruddigore de A. Sullivan; Romano y Pastor en Diocleciano de H. Purcell; Minos, en Laberinto de pasión (2009) de Tomáš Hanzlík, entre otros.

Es miembro de los conjuntos barrocos Ensemble Serpens cantat y Ensemble Da-mian, y coopera habitualmente con Musica Florea, la Filarmónica de Cámara Pardubice, la Orquesta Estatal Brandenburg de Frankfurt, la Orquesta Filarmó-nica Bohuslav Martinů de Zlín, etc. Actúa en conciertos y óperas en escenarios de la República Checa y en el extranjero.

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ROMAN JANÁL, baxua

Pilsen-eko Kontserbatorioan biolin-jole gisa graduatu ondoren, Roman Janálek kantua ikasi zuen Sofiako Mu-sika Akademian, Bulgarian. Urte horietan zehar, Sofiako Estatu operako abeslari gonbidatua izan zen, eta Don Giovanni, Eugen Onegin edo, besteak beste, Tarquinius Printzearen (The Rape of Lucretia, Britten) paperak in-terpretatu zituen. Horrez gain, tokiko ganbera musika jaialdietan parte hartu zuen. 1994an Pilsen-eko Operako kantari gonbidatua izan zen eta beste paper batzuk interpretatu zituen, hala nola

Tomski Kondea (La dama de picas), Valentin (Fausto eta Margarita), Don Gio-vanni, Don Pizarro (Fidelio)… Pragako Estatu operan arrakastaz debutatu zuen Guglielmo (Così fan tutte) eta Figaro (Sevillako bizargina) interpretatuz, eta on-doren, 1995ean, Pragako Estatu Operan sartu zen bakarlari aritzeko. Urte be-reko azaroan Karlovy Vary-ko Antonín Dvořák Nazioarteko Kantu Lehiaketako erabateko irabazle izendatu zuten.

1997az geroztik, Pragako Antzoki Nazionaleko bakarlaria izaki, hainbat papere-tan jardun du: Gregorio (Romeo eta Julieta) Figaro (Sevillako bizargina), Escami-llo (Carmen), Pollux (Castor et Pollux), Don Giovanni, Onegin (Yevgeny Onegin), Marcel (La Bohème), Silvio (Cavalleria Rusticana), Almaviva kondea (Figaroren ezteiak) eta, besteak beste, Germont (La Traviata); beste hainbat pertsonaia ere interpretatu ditu Martinů, Smetana, Janáček edota Dvořák-en operetan. Janálek orkestra zuzendari ospetsuen esanetara abestu du, hala nola Jiří Bělohlávek, Christopher Hogwood, Jiří Kout, Serge Baudo, John Fiore edo Tomáš Hanus-ekin, eta orkestra ezagunekin parte hartu du, esaterako, Prague Phil-harmoniarekin, BBCko Orkestra Sinfonikoarekin, Txekiako Orkestra Filarmo-nikoarekin, Pragako Orkestra Sinfonikoarekin edo Irrati Txekiarreko Orkestra Sinfonikoarekin.

2007an Janacek-en Las excursiones del señor Broucek a la Luna y al siglo XV ope-ra grabatu zuen BBCko Orkestra Sinfonikoarekin. 1984az geroztik, grabaketa ugari egin ditu Txekiako Irratiarentzat, errepertorio anitza interpretatu duela-rik: aria operistikoak, Txekiako kantu garaikideen zikloak…

Roman Janálek Thalia sari ospetsua irabazi zuen 1999an, Pragako Antzoki Nazio-nalean, Rameau-ren Castor et Pollux obran Pollux pertsonaia interpretatzeagatik.

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ROMAN JANÁL, bajo

Después de graduarse como violinista en el Conservatorio de Pilsen, Roman Ja-nál estudió canto en la Academia de Música de Sofía, Bulgaria. Durante estos años, fue cantante invitado en la Ópera Estatal de Sofía, interpretando papeles como Don Giovanni, Eugen Onegin o Prince Tarquinius (The Rape of Lucretia de Britten) e intervino en festivales locales de música de cámara. En 1994, es cantante invitado en la Ópera de Pilsen, interpretando papeles como el Conde Tomski (La dama de picas), Valentin (Fausto y Margarita), Don Giovan-ni, Don Pizarro (Fidelio). Después de su exitoso debut en la Ópera Estatal de Pra-ga interpretando a Guglielmo (Così fan tutte) y Figaro (El barbero de Sevilla), se incorpora como solista en la Ópera Estatal de Praga en 1995. En noviembre de ese mismo año, es proclamado vencedor absoluto del Concurso Internacional de Canto Antonín Dvořák de Karlovy Vary.

Desde 1997, ha sido solista del Teatro Nacional de Praga, donde ha interpre-tado numerosos papeles, como Gregorio (Romeo y Julieta), Figaro (El barbero de Sevilla), Escamillo (Carmen), Pollux (Castor et Pollux), Don Giovanni, Onegin (Yevgeny Onegin), Marcel (La Bohème), Silvio (Cavalleria Rusticana), Conde Al-maviva (Las bodas de Figaro), Germont (La Traviata), personajes en óperas de Martinů, Smetana, Janáček y Dvořák, etc. Janál ha trabajado con aclamados directores de orquesta como Jiří Bělohlávek, Christopher Hogwood, Jiří Kout, Serge Baudo, John Fiore o Tomáš Hanus, y con orquestas como Prague Philharmonia, la Orquesta Sinfónica de la BBC, la Or-questa Filarmónica Checa, la Orquesta Sinfónica de Praga o la Orquesta Sinfó-nica de la Radio Checa.

En 2007, participó en la grabación de la ópera Las excursiones del señor Broucek a la Luna y al siglo XV de Janacek con la Orquesta Sinfónica de la BBC. Desde 1984, ha realizado numerosas grabaciones para la Radio Checa, interpretando un amplio repertorio, desde arias operísticas a ciclos de canciones contemporá-neas checas.

Roman Janál fue galardonado con el prestigioso premio Thalia en 1999 por la interpretación de Pollux en la ópera de Rameau Castor et Pollux en el Teatro Nacional de Praga.

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MUSICA FLOREA

Marek Štryncl biolontxelo-jole eta zuzendariak 1992an fundatu zuen Musica Florea taldea, Txekiar Errepublikan interpretazio historizistaren esparruan egin zen lehen ekimen serioetako bat. Taldearen funtsak eta bere ospearen ber-meak oinarritzat dute jatorrizko instrumentuekin edo horien kopiekin eginiko interpretazioa. Musica Florea taldeak ikerketa historiko zorrotzak egiten ditu, garaiko iturrietan eta estetikan oinarrituak, eta lan horri esker ahaztutako in-terpretazio estilo eta metodoak berpizten ditu.

Taldearen errepertorioan ondoko hauek biltzen dira: ganbera musika instru-mentala, musika instrumental eta bokal sakroa nahiz profanoa, orkestra kon-tzertuak eta obra sinfoniko handiak, operak eta oratorioak, Barrokotik XX. menderaino doazenak.

Musica Florea taldeak nazioarteko jaialdi garrantzitsuetan parte hartzen du bakarlari eta talde ospetsuekin batera, hala nola Magdaléna Kožená, Phillipe Jaroussky, Nancy Argenta, Veronique Gens, Paul Badura-Skoda, Susanne Rydén, Orlando Consort, Les Pages et les Chantres (Versailles Musika Barrokoaren Zen-trokoa) Le Poème Harmonique eta Boni Pueri-rekin.

Sari ugari jaso ditu, besteak beste, Diapason aldizkari frantsesaren lehen saria J. D. Zelenka-ren Missa Sanctissimae Trinitatis CDagatik, Zlatá Harmonie saria (Urrezko Armonia) 1997an urteko grabaketa txekiar onenagatik eta Cannes Clas-sical Award (MIDEM 2003) Zelenka-ren Sub olea pacis et palma virtutis – Melodrama de Sancto Wenceslao obra alegorikoagatik. 2009an Musi-ca Florea taldeak Kroaziako Varazdin Jaialdiko saria jaso zuen J. S. Bach-en obren interpretazio onenagatik.

2002az geroztik, Musica Florea taldeak kontzer-tu multzo propioak aurkezten ditu, non bereziki lantzen baititu berriro deskubritutako konpo-saketak, hots, interpretazio historizistak me-rezi dituztenak.

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MUSICA FLOREA

El grupo Musica Florea fue fundado en 1992 por el violonchelista y director Ma-rek Štryncl, siendo una de las primeras iniciativas serias en el campo de la inter-pretación historicista de la República Checa. La fundación del grupo y la garan-tía de su reputación se basan en la interpretación con instrumentos originales o copias de los mismos. Musica Florea lleva a cabo una rigurosa investigación histórica fundamentada en estudios de las fuentes de la época y en su estética, llevando a cabo un resurgimiento creativo de estilos y métodos interpretativos olvidados.

El repertorio del grupo incluye música de cámara instrumental, música instru-mental y vocal sacra y profana, conciertos orquestales y grandes obras sinfóni-cas, óperas y oratorios, desde el Barroco al siglo XX.

Musica Florea participa en importantes festivales internacionales y colabora con prestigiosos solistas y grupos como Magdaléna Kožená, Phillipe Jaroussky, Nancy Argenta, Veronique Gens, Paul Badura-Skoda, Susanne Rydén, Orlando Consort, Les Pages et les Chantres del Centro de Música Barroca de Versalles, Le Poème Harmonique y Boni Pueri.

Ha recibido numerosos premios, incluyendo el primer premio de la revista fran-cesa Diapason por el CD de la Missa Sanctissimae Trinitatis de J. D. Zelenka, el premio Zlatá Harmonie (Armonía de Oro) 1997 por la mejor grabación checa del

año, y el Cannes Classical Award (MIDEM 2003) por la obra alegórica Sub olea pacis et palma virtutis - Melodrama de Sancto Wenceslao de Zelenka. En 2009, Musica Florea recibió un premio en el Festival Varazdin, en Croacia, por la mejor interpretación de obras de J. S. Bach.

Desde 2002, Musica Florea presenta sus propias se-ries de conciertos, en los que hace énfasis en com-posiciones redescubiertas, merecedoras de inter-pretaciones historicistas.

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MAREK ŠTRYNCL, biolontxeloa eta zuzendaria

Marek Štryncl orkestra zuzendaria, biolontxelo-jolea, abesbatzako zuzenda-ria eta konposatzailea da (1974an jaio zen Jablonec nad Nisou hirian, Txekiar Errepublikan). Teplice hiriko Kontserbatorioko ikasle zelarik, hiri bereko Iparral-deko Bohemia Filarmonikako biolontxelo-jole nagusia izan zen. Pragako Arte Eszenikoen Akademian Orkestra Zuzendaritzako gradua atera zuen 2002an eta biolontxelo ikasketak egin zituen Dresdner Akademie für alte Musik eskolan. Era berean, interpretazio historizistari buruzko ikastaro ugaritan parte hartu du Chinon, Mainz, Basel eta Valtice bezalako hirietan.

Orkestrako eta abesbatzako zuzendari gisa, ganbera orkestra, orkestra sin-foniko, abesbatza, talde eta bakarlari ospetsuekin kolaboratu du, esaterako, hauekin: Magdaléna Kožená, Phillipe Jaroussky, The New Israeli Vocal Ensem-ble, Boni Pueri, Orlando Consort, Prague Chamber Choir, Les Musiciens du Para-dis eta Prague Philharmonia. Barrokotik Erromantizismorainoko obrak nahiz konposaketa garaikideak biltzen dira bere errepertoriora.

1992an, interpretazio historizistarekiko interesak bultzatuta, Musica Florea taldea fundatu zuen. Taldearekin batera, ahaztutako konposatzaileen obrak erreskatatu ditu, bereziki Txekiar Errepublikakoak eta aro klasikokoak. Berak programatzen ditu taldeak Pragan eta herrialdeko beste eskualde batzuetan eskaintzen dituen kontzertuak, eta orain Florea Theatrum proiektu bereziari ekin dio: eszenatoki barroko eramangarri bat.

Dozenaka CD grabaketa egin ditu, horietako batzuk sari ospetsuak jaso dituz-tenak: Diapason 1994an, Zlatá Harmonie 1997an eta Cannes Classical Award 2003an. Era berean, proiektu alternatiboetan parte hartzen du, esaterako, Eslo-vakiako konposaketak grabatu zituen Iva Bittová abeslariarekin eta garaiko ins-trumentuekin interpretatutako musika sinfoniko erromantikoa ere grabatu du.

Une honetan, Štryncl irakaslea da Pragako Carolina Unibertsitatean eta hainbat ikasgai irakasten ditu: orkestra zuzendaritza, musika sakroaren zuzen-daritza korala eta biolontxelo barrokoa. Horrez gain, ikastaroak eta tailerrak ematen ditu Valtice-ko Antzinako Musikaren Udako Nazioarteko Eskolan, Bohe-mia Cantat jaialdian (Liberec), Convivium, Pragako Arte Eszenikoen Akademian eta Brno hiriko Janáček Arte Eszenikoen Akademian.

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MAREK ŠTRYNCL, violonchelo y dirección

Director de orquesta, violonchelista, director coral y compositor, Marek Štryncl (nacido en 1974 en Jablonec nad Nisou, República Che-ca) ya ejercía de violonchelista principal en la Filarmónica de Bohemia del Norte de Teplice mientras era estudiante en el conservatorio de la misma ciudad. Se graduó en Dirección Orquestal en la Academia de Artes Escénicas de Praga en 2002 y estudió Violonchelo en la Dresdner Akademie für alte Musik. Asimismo, ha participado en numerosos cursos de inter-pretación historicista en Chinon, Mainz, Basel y Valtice, entre otros.

Como director orquestal y coral, Štryncl ha colaborado con prestigiosas orquestas de cá-mara y sinfónicas, coros, conjuntos y solistas como Magdaléna Kožená, Phillipe Jaroussky,

The New Israeli Vocal Ensemble, Boni Pueri, Orlando Consort, Prague Chamber Choir, Les Musiciens du Paradis y Prague Philharmonia. Su repertorio incluye obras que van desde el Barroco al Romanticismo, así como composiciones con-temporáneas.

En 1992, su interés por la interpretación historicista le llevó a fundar el grupo Musica Florea. Con el grupo ha rescatado obras de compositores olvidados, es-pecialmente de la República Checa y del periodo clásico. Lleva a cabo la progra-mación de los conciertos regulares que la formación ofrece en Praga y en otras regiones del país y ha iniciado un proyecto único, Florea Theatrum, un escena-rio barroco transportable.

Ha realizado docenas de grabaciones en CD, algunos de los cuales han recibido prestigiosos premios: Diapason en 1994, Zlatá Harmonie en 1997 y un Cannes Classical Award en 2003. También participa en proyectos alternativos, como la grabación de composiciones eslovacas con la cantante Iva Bittová y música sin-fónica romántica interpretada con instrumentos de la época.

Actualmente, Štryncl imparte clases de dirección orquestal, dirección coral de música sacra y violonchelo barroco en la Universidad Carolina de Praga, así como cursos y talleres en la Escuela Internacional de Verano de Música Antigua de Valtice, Bohemia Cantat en Liberec, Convivium, la Academia de Artes Escéni-cas de Praga y en la Academia Janáček de Artes Escénicas de Brno.

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LACHRIMAE CONSORTPHILIPPE FOULON, zuzendaritza

“Aamodiozko instrumentuekin”

Iñaki Fresán: kantu baxua

Jean-Christophe Lamacque, amodiozko biolina

Agnès Lamacque, amodiozko biolina

Frédéric Gondot, biolina eta biola

Philippe Foulon, amodiozko biolontxeloa

Sergio Barcellona, bioloia, zango biola

Mauricio Buraglia, tiorba

Emer Buckley, klabezina

Marie Abdoun Gondot, fagot barrokoa

Lachrimae Consort

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LACHRIMAE CONSORTPHILIPPE FOULON, dirección“Con instrumentos de amor”

Iñaki Fresán: canto bajo

Jean-Christophe Lamacque, violín de amor

Agnès Lamacque, violín de amor

Frédéric Gondot, violín y viola

Philippe Foulon, violonchelo de amor

Sergio Barcellona, violone, viola de gamba

Mauricio Buraglia, tiorba

Emer Buckley, clavecín

Marie Abdoun Gondot, fagot barroco

Lachrimae Consort

68 Lachrimae Consort

CANTATE SPIRITUALEEuropako aro barrokoko kantatak ahots eta amodiozko instrumentuentzat

Johann Pachelbel (1653-1706)Hiru biolin eta baxu kontinuoarentzako kanona

(biolontxeloa, bioloia, tiorba, klabezina)

Heinrich Schütz (1585-1672)18. salmoa - Herzlicht lieb hab ich dich, o herr

Ahots, soka eta baxu kontinuoarentzat

Dietrich Buxtehude (1637-1707)Mein herz ist bereit

Baxu, 1, 2 eta 3 biolin, biolontxelo eta baxu kontinuoarentzat(fagota, bioloia, tiorba, klabezina)

Joseph Bodin de Boismortier (1689-1755)Fagot edo biolontxelo, soka eta baxu kontinuoarentzako kontzertua re maiorrean

Allegro – Largo - Allegro

André Campra (1660-1744)Exaltabote, deus meus, rex, kantata sakratu frantsesa

Ahots eta baxu kontinuoarentzat (zango biola, biolontxeloa, fagota, tiorba, klabezina)

Antonio Vivaldi (1678-1741)Follia, bi biolin, cello obligato eta baxu kontinuoarentzat

Leonardo Leo (1694-1744)Cantata spirituale Sono piene di serene

Baxu ahotsa eta baxu kontinuoarentzat (fagota, bioloia, tiorba, klabezina)

Georg Friedrich Händel (1685-1759)Lauko kontzertua re minorrean biolin, cello obligato eta baxu kontinuoarentzat

Adagio - Allegro

Georg Friedrich HändelSpande ancor a mio dispetto

Ahots, bi biolin eta baxu kontinuoarentzat(fagota, biolontxeloa, bioloia, bioloia, tiorba, klabezina)

1. Aria: Spande ancor a mio dispetto2. Accompagnato: Oh! Che da fiere pene

3. Aria: Da balza in balza (andante)


69Lachrimae Consort

CANTATE SPIRITUALECantatas del Barroco europeo para voz e instrumentos de amor

Johann Pachelbel (1653-1706)Canon a tres violines y bajo continuo

(violonchelo, violone, tiorba, clave)

Heinrich Schütz (1585-1672)Salmo 18 - Herzlicht lieb hab ich dich, o herr

para voz, cuerdas y bajo continuo

Dietrich Buxtehude (1637-1707)Mein herz ist bereit

para bajo, violines 1, 2, 3, violonchelo y bajo continuo (fagot, violone, tiorba, clave)

Joseph Bodin de Boismortier (1689-1755)Concerto para fagot o violonchelo, cuerdas y bajo continuo en re mayor

Allegro – Largo - Allegro

André Campra (1660-1744)Cantata sagrada francesa Exaltabote, deus meus, rex,

para voz y bajo continuo (viola de gamba, violonchelo, fagot, tiorba, clave)

Antonio Vivaldi (1678-1741)Follia para dos violines, cello obligato y bajo continuo

Leonardo Leo (1694-1744)Cantata spirituale Sono piene di serene

para voz bajo y bajo continuo (fagot, violonchelo, tiorba, clave)

Georg Friedrich Händel (1685-1759)Concerto a quatro en re menor para violines, cello obligato y bajo continuo

Adagio - Allegro

Georg Friedrich HändelSpande ancor a mio dispetto

para voz con dos violines y bajo continuo (fagot, violonchelo, viola, violone, tiorba, clave)

1. Aria: Spande ancor a mio dispetto2. Accompagnato: Oh! Che da fiere pene

3. Aria: Da balza in balza (andante)


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KANTATA ESPIRITUALAK

Cantate spirituale izeneko egitarau honen barruan Barroko garaiko konpositore europar handienek konposatutako ahots baxu solistarako kantata zenbait aur-keztuko ditugu, eta baita ere kantata horiekin tartekaturik eskaintzen ziren pieza instrumental enblematiko batzuk. Eskaintza hau ederragoa egiteko, ohi ez beza-lako instrumentarium bat erabiliko da, hots, “amodiozko tresnak” edo “all’inglese” tresnak: hari sinpatikoekiko biolinak eta biolontxeloak, sortzen duten doinu-halo aingerutiarrarekin izaera espiritual bat eratxekitzen diotenak musikari.

Egitarauari hasiera ematen dion lana Alemaniako Barroko garaiko konposizio ospetsuenetako bat da: Johann Pachelbelen (1653-1706) Canon re maiorrean hiru biolin eta baxu jarraiturako. Aurreneko konpasak baxuak jotzen ditu, egi-tarau honetako ardatz eta ahots protagonistak alegia. Martxa harmoniko edo ostinato bat da, ad infinitum errepikatua, eternitate aire bat sortzen duena eta itxaropen eta ongizate sentimenduak ematen dizkiona entzuleari. “Hondo” ho-rren gainean gai melodiko oso xume bat adierazten da, biolin solistek konpas birik batean ematen dutena; biolin solistak solasean sartzen dira elkarrekin eta birtuosismo handiko erritmoak eta kiribilak egiten dituzte. Formazioak baxu ja-rraitu sendo bat dauka, tiorba, klabea, violone eta “d’amore” biolontxeloz osa-tua eta akorde handiak egiten dituena lira erraldoi bat balitz bezala.

Herzlicht lieb hab ich dich, Heinrich Schütz-ena (1585-1672)Daviden 18. Salmotik:Maite zaitut, Jauna. Zeu zara nire indarra, nire harkaitza, nire gotorlekua, Nire askatzailea, ene Jainkoa, Zeu nire geriza,Nire ezkutua, nire indar salbatzailea, nire gotorlekua.Aintza Zuri! Dei egin nion Jaunari, eta etsaiengandik salbatu ninduen.Herio-lokarriek tinkatu baininduten eta uholde gaiztoek ikaratu.

Larrialdian hots egin nion Jaunari eta aditu zuen bere tenplutik nire oihua.

Heinrich Schütz (beste izenez Henricus Sagittarius) Alemaniako Barrokoak eman duen konpositore handienetako bat izan zen, askoren ustez J. S. Bachen aitzinda-ria. Venezian ikasi zuen Giovanni Gabriellirekin eta ondoren Claudio Monteverdi-rekin. Bera izan zen, itxuren arabera, opera bat —Dafne— idatzi zuen lehen kon-positore alemana. Damurik, opera horren partitura galduta dago, Schützen lan instrumental gehienak bezala. Veneziako eskolako polikoralitateak oso eragin handia du bere obran. Bere konposizio ezagunenak eliza-musikaren esparruan kokatzen dira eta hauek dira esanguratsuenak: Sinfonia Sakratuak izeneko sai-laren hiru liburuak, Daviden Salmoak, Jesus Gurutziltzatuaren Zazpi Hitzak eta, azkenik, Pasioak izeneko hiru serieak Alemaniako organo-jole handienetako bat izan zen eta berebiziko eragina izan zuen Alemania iparraldeko organo esko-laren estiloan, baita Jan Pieterszoon Sweelinck organista famatuarengan ere. Mende bat geroago bere estiloak gailurra joko zuen J. S. Bach handiarekin.

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CANTATAS ESPIRITUALES

El programa Cantate spirituale presenta una serie de cantatas para voz baja solista de los más grandes compositores europeos del Barroco, así como piezas instrumentales emblemáticas, que se interpretan intercaladas con las anterio-res. Para embellecer la propuesta, el programa utiliza un instrumentarium ex-traordinario, compuesto por “instrumentos de amor” o “all’inglese”: violines y violonchelos con cuerdas simpáticas que crean un halo sonoro angelical que dota al sonido de un carácter espiritual.

El programa se inicia con una de las obras más famosas del barroco alemán, el Canon en re mayor para tres violines y bajo continuo de Johann Pachelbel (1653-1706). Los primeros compases están tocados por el bajo, voz protagonista y vertebradora del programa. Se trata de una marcha armónica “ostinato” que se repite ad infinitum dando un sentimiento de eternidad que confiere esperan-za y bienestar. Este “fondo” permite desplegar un tema melódico muy sencillo que se desarrolla cada dos compases para los violines solistas, que se mezclan y dialogan realizando dibujos y ritmos de gran virtuosidad. La formación dispone de un amplio bajo continuo, formado por tiorba, clave, violone y violonchelo “d’amore”, que produce grandes acordes como si se tratara de una lira gigante.

Herzlicht lieb hab ich dich de Heinrich Schütz (1585-1672)Del Salmo 18 de David:Oh Señor, yo te amo. Tú eres mi fuerza, mi roca, mi baluarte,mi libertador, Dios mío, mi amparo en quien confío.Mi escudo, mi alabanza, mi protector.Yo quiero cantar al Señor, llamarlo, así seré liberado de mis enemigos,pues me han rodeado los lazos de la muerte y los torrentes de Belial me aterraban.

En el peligro invoqué al Señor y Él escuchó mi grito desde el templo.

Heinrich Schütz (también conocido como Henricus Sagittarius) fue uno de los mayores compositores del Barroco alemán, considerado precursor de J. S. Bach. Estudió en Venecia con Giovanni Gabrielli y, posteriormente, con Claudio Mon-teverdi. Se le atribuye la composición de la primera ópera hecha por un autor alemán, Dafne, cuya partitura no se conserva. También se ha perdido la mayo-ría de sus composiciones puramente instrumentales. Su música está influencia-da profundamente por la policoralidad de la escuela veneciana. Su obra más conocida se encuentra en el ámbito de la música sacra, siendo sus trabajos más representativos los tres libros de Sinfonías Sacras, los Salmos de David, las Sie-te palabras de Jesucristo en la cruz y sus tres series de Pasiones. Fue uno de los grandes organistas alemanes y su obra influenció el estilo de la escuela de órga-no del norte alemán, así como al famoso organista Jan Pieterszoon Sweelinck. Un siglo después, su legado culminaría en la obra de J. S. Bach.

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Mein Herz ist bereit, Dietrich Buxtehude-rena (1637-1707)Daviden 57. salmotik ateratako eskerronezko testuaAdoretsu nago, ene Jauna, adoretsu, kantatu eta soinua joko dizut.Esna zaitez, ene arima! Esna bitez harpa eta zitara, iratzar dezadan egunsentia!Herrien artean laudatuko zaitut, Jauna, nazioen artean kantatuko.Zure errukia zerua bezain altua baita eta zure leialtasuna hodeietarainokoa.

Altxa zaitez, Jauna, zeruaren gainetik! Zure aintzak estal beza lurbira osoa!

Dietrich Buxtehude bere garaiko konpositore aleman handiena bezala hartu ohi da, Schütz eta J. S. Bachen artean. Jatorri daniarreko alemana zen, organo-jole birtuosoa, konpositorea eta zango-biola jolea. Bere bizitzako urte gehienak Lübeck hirian eman zituen, bertako Andre Maria elizako organo-jole, eta kargu horretatik Abendmusiken (arratseko musikak) izeneko musika saioak bultzatu zituen, XIX. mendera arte luzatu zen kontzertu ohitura bat alegia. Konpositore gisa ahots-musika landu zuen eta batez ere eliza-musikako piezak idatzi zituen, estilo askotan. Orobat konposatu zituen organorako lanak, gehienak koral sortak eta neurri handiko beste konposizio batzuk. Lagun handia izan zen bere garaiko beste konpositore famatu batzuekin (Reinken, Nicolas Bruhns eta J. S. Bach).

Joseph Bodin de Boismortier-en Kontzertua estilo italiarrean idatzita dago tresna baxu baterako —biolontxeloa, fagot barrokoa edo zango-biola—, hari eta baxu jarraituaren akonpainamenduarekin. Gure egitarauak aurrera egi-ten du, beraz, tresna baxuetarako piezak erakutsiz. Darabilen tonalitatea —re maior—, Charpentier eta Rameauren “joyeux eta très guerrier” (alaia eta oso gerraria) tonalitatea da, konpositore bi horien tonalitate-sailkapenaren arabe-ra. Kontzertua italiar erako unisono batekin hasten da Vivaldiren estiloan, eta ondoren lehenbiziko soloa dator. Soloak eta tutti-ak txandaka datoz eta horre-la jarraitzen dute lehen mugimenduko azkenera arte. Ondoko largoak frantses tankerako oso erritmo punteatua darabil eta harridura kutsu bat sortzen du, halako giro malenkoniatsu batean sartzen gaituela. Amaierako allegroa oso birtuosoa da eta konpas hirukoitza darabil. Tresna solista orkestrarekin lehian sartzen da eta kortxea bikoitz asko jotzen ditu eskala edo arpegioen gainean, bukaera triunfal bat eginez.

Boismortier-en lana oso garrantzitsua da eta bere katalogoan badira bilduak 130 konposizio inguru. Horietako batzuk oso ospetsuak izan ziren, esaterako opus 31 izenekoa (omenaldi bat Marin Marais handiari). Boismortier hau izan zen aurreneko konpositore frantsesa kontzertu italiarraren moldea erabili zue-na Sei kontzertu bost txirulatarako, op. 15 lanean (1727). Frantzian aitzindari izan zen, baita ere, lehena izan zelako biolontxeloa, biola edo fagota bezalako tresna solistetarako kontzertuak konposatzen (1729). Beste tresna batzue-tarako ere (zeharkako txirula, oboea, biolina, zango-biola, gurpil-biola, gaita, fagota, pardessus de viole…) era guztietako lanak konposatu zituen, hala nola

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Mein Herz ist bereit de Dietrich Buxtehude (1637-1707)Texto de acción de gracias sacado del salmo 57 de DavidMi corazón está listo, Dios mío, mi corazón está listo, voy a cantar al son de los instrumentos. ¡Despierta, alma mía! ¡Despierten arpa y cítara, para que yo des-pierte a la aurora! Te alabaré en medio de los pueblos, Señor, te cantaré entre las naciones, porque tu misericordia se eleva hasta el cieloy tu fidelidad hasta las nubes.

¡Levántate, Dios, por encima del cielo! ¡Que tu gloria cubra toda la tierra!

Dietrich Buxtehude está considerado el más destacado compositor germano de su tiempo, entre Schütz y J. S. Bach. Fue organista virtuoso, compositor y gam-bista alemán de origen danés. Durante la mayor parte de su vida fue organista en la Iglesia de Santa María de Lübeck, en donde potenció las Abendmusiken (músicas de tarde), tradición concertística que se prolongó hasta el siglo XIX. Su trabajo compositivo se centró en la música vocal, mayoritariamente sacra y con una amplia variedad de estilos, y en las piezas para órgano, consistentes bási-camente en series de corales y otras formas variadas de gran tamaño. Fue muy amigo de otros compositores famosos, como Reinken, Nicolas Bruhns y J. S. Bach.

El Concierto de Joseph Bodin de Boismortier fue escrito en estilo italiano para un instrumento bajo —violonchelo, fagot barroco o viola da gamba— con acompañamiento de cuerdas y bajo continuo. Sigue así el programa con la te-mática dedicada a la voz baja en música. La tonalidad, re mayor, es la tonalidad “joyeux et très guerrier” (alegre y muy guerrera) de Charpentier y Rameau, se-gún su clasificación de las tonalidades. El concierto empieza con un unísono a la italiana, al estilo vivaldiano, que enlaza con un primer solo. Se sucede solos y tutti hasta el último del primer movimiento. El largo siguiente emplea un ritmo punteado muy francés que introduce una impresión de sorpresa, con ambiente de cierta melancolía. El allegro final es muy virtuoso y utiliza un compás ter-nario. El instrumento solista rivaliza con la orquesta, tocando muchas dobles corcheas sobre escalas o arpegios, acabando triunfalmente.

La obra de Boismortier es muy importante, recogiendo su catálogo unas 130 obras. Se hizo famoso por ciertas obras como el opus 31, verdadero homenaje a la obra del gran Marin Marais. Boismortier fue el primer compositor francés que utilizó la forma de concierto italiano en sus Seis conciertos para cinco flautas, op. 15 (1727). También fue pionero dentro de la música francesa en escribir con-ciertos para instrumentos solistas como el violonchelo, la viola o el fagot (1729). Escribió muchas obras para flauta travesera, oboe, violín, viola da gamba, viola de rueda, gaita, fagot, pardessus de viole,… obras como conciertos, suites, so-natas, dúos, tríos, cuartetos, quintetos, cantatas francesas, óperas y motetes.

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kontzertuak, suiteak, sonatak, duoak, trioak, kuartetoak, kintetoak, kantata frantsesak, operak eta moteteak.

Exaltabote, deus meus rex, André Campra-rena (1660-1774)Sortzailea laudatzeko beste testu bat, oraingoan latinez:Laudatuko zaitut Jauna, Errege nirea, eta zure izena bedeinkatuko dut betiko.Egunero bedeinkatuko zaitut eta laudatuko dut zure izena betiko.Jaun handia, ezinago laudagarria, zure handitasunak ez du mugarik.Belaunaldiz belaunaldi laudatuko dira zure lanak eta indarra.Laudatuko da zure aintzaren handia, kontatuko dira zure miresgarriak

Eta goraki esango da zure indar izugarria.

André Campra Aix-en-Provencen bataiatu zen 1660ko abenduaren 4an eta Ver-sallesen hil 1744an. Frantziako operaren berritzaileetariko bat izan zen. Bere aita, Jean-François Campra, Italiako Piamonte eskualdetik heldutako zirujau eta biolin-jole bat izan zen eta berarekin hasi zen musika ikasten. Gero, ikaske-tak egin zituen Frantzia hegoaldeko hainbat hiritan —Toulon, Arles, Tolosa eta Montpellierren—, eta 1694an Pariseko Notre-Dame katedraleko musika maisu izendatu zuten. Eliz musika konposatu zuen eta oso ospetsua egin zen bere mo-teteekin. Guk entzungo dugunak daukan berezitasuna da baxu jarraitu bakarra darabilela. Ez bedi ahaztu, ordea, Campraren garaian Frantzian baxu jarraitu bat oso gauza garrantzitsua zela eta erabiltzen zenean orkestra bat ezartzen zitzaiola lagungarri, espresuki orkestratua eta tresnatua indar gehiago emate-ko abesten zen testuari, esaterako, apaizen sermoiei.

Antonio Vivaldiren Follia-k Europako doinu mota zahar eta erabilienetako bat du oinarritzat: folia, gai bat errepikatu ahala aldatuz doana. Folia hori Portu-galen sortu zen XVI. mendean eta gero lau hegaletara zabaldu zen. Konposi-tore askok erabili dituzte foliak euren lanetan, hasi Ortiz, Corelli, Pasquini, d’Anglebert, Marais eta Vivaldirengandik eta Manuel Ponce edo Vangeliserai-no. Vivaldiren bertsioa bi biolin eta kontinuorako lana da. Hemen biolin solista biak lehian sartzen dira baxu kontzertatuarekin eta baxu jarraituarekin. Ba-dirudi Vivaldi handiak ezin izan zuela egon Espainiako folien bertsio bat egin gabe eta erakutsi gabe bere jeinu eta birtuosismo harrigarriak.

Leonardo Leoren “Sono piene di serene” izeneko Cantata Spirituale txiki hone-tan serenitatea da nagusi, izenburuak iradokitzen duen bezala. Irudizko zent-zu batean gure bizitza itsasketa bat bezalakoa da, gaizkia garaitu eta ongia egin: “Uhinetatik libraturik portu onera eramango nauen pilotuari beste inori ez diot fio ene bizia; Jainkoa da gure ongi bakarra, gure poz emailea eta gure oinazeen eztitzailea”.

Leonardo Ortensio Salvatore de Leo, Leonardo Leo izenez ezagutua, XVIII. men-deko eskola napolitarreko konpositore eta maisu ospetsu bat izan zen. Napo-

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Exaltabote, deus meus rex de André Campra (1660-1774)Otro texto de alabanza al Creador, esta vez en latín:Te ensalzaré Dios mío, mi Rey y bendeciré tu nombre para siempre.Cada día te bendeciré y alabaré tu nombre para siempre.Gran Señor, digno de toda alabanza, tu grandeza no tiene fin.De generación en generación alabarán tus obras y tu poder.Alabarán la grandeza de tu gloria, narrarán tus maravillas

y proclamarán tu terrible poder.

André Campra fue bautizado en Aix-en-Provence el 4 de diciembre de 1660 y mu-rió en Versalles en 1744. Participó en la renovación de la ópera francesa. Hijo de Jean-François Campra, originario del Piamonte, Italia, cirujano y violinista, quien enseño música a su hijo. Campra hizo sus estudios en varias ciudades de sur de Francia: Toulon, Arles, Toulouse, Montpellier. En 1694, fue nombrado maestro de música en la catedral de Notre-Dame de París. Compone música sa-grada y consigue gran fama con sus motetes. Oiremos uno de ellos cuya particu-laridad es la de tener sólo un bajo continuo. Pero, en su época, un bajo continuo en Francia era algo muy importante y era tratado con una masa orquestal que se instrumentaba y orquestaba para dar más convicción y fuerza al texto em-pleado como, por ejemplo, los sermones de los clérigos.

La Follia de Antonio Vivaldi, está basada en uno de los temas musicales europeos más antiguos y recurrentes: la folía, que es un motivo que se repite modificándose. Apare-ce en el siglo XVI en Portugal antes de conocer una fama universal. Numerosos com-positores han utilizado la folía en sus obras, desde Ortiz, Corelli, Pasquini, d’Anglebert, Marais, Vivaldi hasta Manuel Ponce o Vangelis. La versión de Vivaldi es para dos violi-nes y continuo. Aquí rivalizan los dos violines solistas con el bajo concertato además del continuo. El gran Vivaldi no hubiera podido quedarse sin hacer su versión de las folías de España para mostrar su genialidad y su virtuosismo prodigioso.

Esta pequeña Cantata Spirituale “Sono piene di serene”, de Leonardo Leo, refle-ja, como su título indica, una total serenidad. De manera figurada, nuestra vida es como un viaje por mar. Apagar el mal y realizar el bien: “Sólo pongo mi vida en manos del piloto que pueda guiarme a buen puerto sin ser absorbido por las olas; sólo Dios es el bien que da alegría y torna suaves las penas.”

Leonardo Ortensio Salvatore de Leo, conocido bajo el nombre de Leonardo Leo, fue un célebre compositor y maestro de la escuela napolitana del siglo XVIII. Hizo sus estudios en el Conservatorio della Pièta dei Turchini en Nápoles, alum-no de Francesco Provenzale, Nicola Fago y, quizá, de Alessandro Scarlatti. En 1714, compuso la ópera Pisistrato, que fue muy apreciada por el público. Leo fue el primer compositor en utilizar el arte del contrapunto armónico moderno. Oiremos una cantata que tiene la particularidad de estar acompañada por el bajo continuo pero con todo su rico registro.

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liko Conservatorio della Pièta dei Turchini kontserbatorioan ikasi zuen eta han irakasle izan zituen Francesco Provenzale, Nicola Fago eta beharbada Alessan-dro Scarlatti. 1714an Pisistrato opera konposatu zuen, publikoak oso ongi hartu zuena. Leonardo Leo izan zen kontrapuntu harmoniko modernoa erabili zuen lehen konpositorea. Entzungo dugun kantataren berezitasuna da baxu jarraitu bat ari dela akonpainamendua egiten, baina bere erregistro aberats guztiarekin.

G.F. Haendelen Concerto a quatro eta Spande ancor a mio dispetto, HWV 165. Egitarau honi amaiera emateko, hona hemen Ingalaterran luzaz bizi izandako alemaniar batek idatzitako musika italiarra. Aldi honetan concerto italiano en re menor xarmagarri bat entzungo dugu, operako obertura baten antzera hasten dena, erritmo punteatuko largo bat, Haendel handiak bestek egin ez ze-zakeen bezalako melodia sakon eta dramatiko batez jantzia. Piezaren amaie-ran, berriz, allegro virtuoso concertato zirraragarri bat.

Haendel aurkeztu beharrik ez dago, noski, baina gogora dezagun behintzat bera dela, J. S. Bachekin batera, musika barrokoa gailurrera eraman zuen kon-positorea. Kantatak leialki islatzen ditu Haendelek Italian egon zen garaian konposatu zituen lanak eta garai hartan nagusi zen estiloa.

1. Aria: Spande ancor a mio dispettoNik nahi gabetanik zabaltzen ari zara oraino hodei lodi ilun eta arre bat, eguz-ki suharraren aurpegia itsutzen duena. Bihotza histen zait bularrean eta bere zorte gogorrarekin minez nago, gero eta gehiago.2. Accompagnato: Oh! Che da fiere peneOi! Zeinen nahigabe krudelak, zauri lazgarrien antzekoak, dauden nire bihotz urratu honetan. Orroaz ari da itsaso irakina. Ez da gehiago brisa gozorik, bai-na bai haize koleratu bat zeruetako bideetan kurri dabilena eta lotsagabeki erauzten duena pinu eta pagoaren hostaje berdea. Ibaia badoa beheiti jauzika eta altuera gehieneko tokietan uhaitza hazten da eta artzainei ebasten die ze-lai lilitu errugabe umila. Karraskaz lehertzen da airea, tximistaz agertzen da Zeus haserrearen airea eta belo ilunez tinkatutako zeru beldurgarriak izu etsi-garriz estaltzen ditu bazterrak.3. Aria: Da balza in balza (andante)Jauziz jauzi badoa beheiti ibaia, penaz pena bihotza. Inoiz ez da altxatzen bes-teen oinazea baratzen duen amodioaren lumen gainetik.

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Concerto a quatro y Spande ancor a mio dispetto, HWV 165, de G. F Haendel. Para acabar este programa, música italiana escrita por un alemán, que vivió una parte importante de su vida en Inglaterra. Oiremos un precioso concerto italiano en re menor que empieza como una obertura de ópera, un largo con ritmo punteado con una melodía profunda y dramática como sólo sabía hacer el gran sajón. Sigue, y concluye la pieza, un allegro virtuoso concertato que pro-duce escalofríos.

Es evidente que Haendel no necesita presentación, pero se puede decir que per-sonifica el apogeo de la música barroca al lado del otro gran genio, J. S Bach. La cantata es fiel reflejo de la labor compositiva de Haendel en la época en la que estuvo en Italia y muestra igualmente el estilo imperante en dicha época.

1. Aria: Spande ancor a mio dispettoExtiendes todavía, sin yo quererlo, una densa nube oscura y parda que deslum-bra la cara del sol fiero. Mi corazón languidece en mi pecho y con el rigor de su

suerte más y más se duele.2. Accompagnato: Oh! Che da fiere pene¡Oh! Qué penas tan crueles, como llagas horrendas, llevo en mi corazón lace-rado. Brama el mar agitado. Ya no están presentes las suaves brisas sino un viento rabioso que recorre los caminos del cielo y quita con ultraje el verde fo-llaje del pino y el haya. El río cae de salto en salto y dónde más altura hay, allí el torrente crece y el campo inocente y humilde de flores, quita a los pastores. Truena el aire y relampaguea y brilla el aire de Zeus airado y el cielo tenebroso ceñido de oscuro velo cubre todo con desesperado horror.3. Aria: Da balza in balza (andante)De salto en salto cae el río, de pena en pena el corazón. Jamás se alza sobre las plumas del amor que detiene el dolor de los demás.

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IÑAKI FRESÁN, baritonoa

Iñaki Fresán Iruñean jaio zen eta Pablo Sarasate Kontserbatorioan hasi zituen musika ikasketak Edur-ne Aguerriren zuzendaritzapean. Nafarroako Gober-nuaren beka bati esker Bartzelonan jarraitu zuen ikasten Victoria de los Ángelesekin. Irmgard Seefried eta Gérard Souzay handiek emandako interpretazio ikastaroak jaso ditu.

Nazioarteko hainbat lehiaketa irabazi ditu eta, gai-nera, Salzburgoko probintziako Artea, Zientzia eta Li-teratura Garatzeko Fundazioak Kantuaren Sustapen

Saria eman zion Mozarteum jaialdiko Sommerakademie ikastaroan.

Orkestra eta zuzendari ezagunekin kolaboratzen du, besteak beste, hauekin: Spi-vakov, López Cobos, Gómez Martínez, Comissiona, Marriner, Pons, Savall, Maag, Mund, Varga, Fournet, Armilliato, Vasary, Encinar, Vanska, Víctor Pablo, García Asensio, Groba, Sutej, Mandeal, Carella, Brower, Herreweghe, Pommer, Remar-tínez, Colomer, Griffiths, Valdés, Talmi, Ceccato, Guidarini, Robert King, Casas, Rickenbacher, Martínez Izquierdo, Valdivieso, Ericson, Soustrot eta Pickett.

Hainbat jaialditan parte hartu du, esaterako, Santander, Granada, Peralada, Cadaqués eta Nafarroako jaialdietan, Bartzelonako Grec-en, Cuencako Aste Erlijiosoan, Donostiako Musika Hamabostaldian, Leoneko Katedraleko Orga-noan, Torroella de Montgrí-n, Paris, Tours, Saintes eta Mozart-en jaialdietan, Madrileko Arte Sakroan eta Udazkeneko Jaialdian, Musique an Morvan-en eta, besteak beste, Lizarrako Antzinako Musikaren Astean.

Claves, Melodía, Harmonia Mundi, Auvidis eta Elkar zigiluentzat grabatu du eta horietatik bik Musikaren Saria jaso zuten Frantzian.

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IÑAKI FRESÁN, barítono

Iñaki Fresán, nacido en Pamplona, inicia sus estudios musicales en el Conserva-torio Pablo Sarasate bajo la dirección de Edurne Aguerri. Becado por el Gobier-no de Navarra, continúa sus estudios en Barcelona con Victoria de los Ángeles. Asiste a cursos de interpretación con Irmgard Seefried y Gérard Souzay.

Premiado en distintos concursos internacionales, la Fundación para el Desa-rrollo del Arte, la Ciencia y la Literatura de la provincia de Salzburgo le conce-de el Premio para el Fomento del Canto en el marco de la Sommerakademie del Mozarteum.

Colabora con destacadas orquestas y directores, entre ellos: Spivakov, López Cobos, Gómez Martínez, Comissiona, Marriner, Pons, Savall, Maag, Mund, Var-ga, Fournet, Armilliato, Vasary, Encinar, Vanska, Víctor Pablo, García Asensio, Groba, Sutej, Mandeal, Carella, Brower, Herreweghe, Pommer, Remartínez, Co-lomer, Griffiths, Valdés, Talmi, Ceccato, Guidarini, Robert King, Casas, Rickenba-cher, Martínez Izquierdo, Valdivieso, Ericson, Soustrot y Pickett.

Ha participado en los festivales de Santander, Granada, Peralada, Cadaqués, Navarra, Grec de Barcelona, Semana Religiosa de Cuenca, Quincena Musical de San Sebastián, Órgano de la Catedral de León, Torroella de Montgrí, París, Tours, Saintes, Mozart, Arte Sacro y Festival de Otoño de Madrid, Musique an Morvan, Semana de Música Antigua de Estella, entre otros.

Ha grabado para los sellos Claves, Melodía, Harmonia Mundi, Auvidis y Elkar, dos de estas grabaciones obtienen el Premio de la Música en Francia.

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LACHRIMAE CONSORT Lachrimae Consort 1994an sortu zuen Philippe Foulon-ek, Bertrand Tavernier zinemagile frantsesaren eta Jim McBride amerikarraren zenbait pelikula an-tzinako instrumentuekin grabatzeko (La Fille de d’Artagnan, La Tabla de Flan-des...). Musikari bakarlariz osatuta dago, zeintzuek sentsibilitate berbera par-tekatzen baitute XVI, XVII eta XVIII. mendeetako Europako musika interpreta-tzeko orduan.

Lachrimae Consort taldeak jarduera artistiko garrantzitsua garatzen du, sarri gonbidatzen dutelarik Europako nazioarteko jaialdi handietara: Amsterdame-ko Antzinako Musika Jaialdia, Londresko Santa Zezilia Jaialdia, Italiako Maga-no Jaialdia, Huescako Santiago Bideko Nazioar-teko Jaialdia, Madrileko Andres Segovia Jaialdia, Conde Duque, Ambronay, Sablé, Paris, Brusela, Mosku, San Petersburgo, Amsterdamse Cello Biën-nale 2008, e.a.

2011tik lehenago sekula entzun gabeko egitaraua eskaintzen du, non amodiozko instrumentuak be-rreskuratzen baititu, esaterako, viole d’Orphée (Frantziako Ondarearen Lehen Saria irabazi du), “all’inglese” biolontxelo vivaldiarra, amodiozko biolinak, lyra biolak, “all’inglese” biolak… denak hari sinpatikoekin fabrikatuak eta soinu oso be-rezia egiten dutenak.

Lachrimae Consort taldeak mundu osoan bakarra den instrumentariuma du: zango biola multzoa, biolin, biola eta txelo multzoa, “all’inglese” biola multzoa, “all’inglese” biolin multzoa, kontinuo bat (klabezina, tiorba, artxibiolata, gitarra barrokoa, organoa) eta, abagunearen arabera, abesbatzak edo bakarlariak eta haizezko instrumentuak ere bai (korneta, txirulak, oboeak, txirimiak, tronpak).

Lachrimae Consort taldeak disko ugari grabatu ditu mundu mailako estreinal-diak egin dituelarik amodiozko instrumentuekin: Karl Friedrich Abel-en sonatak harizko baryton-arekin (2 CD Lyrinx); Les Délices de la Solitude Michel Corrette-ren sonatak, viole d’Orphée tresna erabiliz (Ligia Digital); Vivaldiren violonchelo “all’inglese” instrumentuarentzako sonata guztiak (Natives); Cristopher Simp-son-en Geensleeves to a ground eta Division Viol paridon viol instrumentuare-kin; Marin Marais-en Couplets de Folies (Natives), Frantzian erreferentziatzat hartzen dena; Michel Corrette-n Concerti con órgano cuerdas de amor (Ligia Digital); Gerardo Jerez de Le Cam konposatzaile argentinarraren Barok Tango, piano, klabezin, bandoneoi eta amodiozko hari laukotearentzat idatzia (2009).

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LACHRIMAE CONSORT El Lachrimae Consort fue creado en 1994 por Philippe Foulon para la grabación de varias películas de los cineastas francés y americano Bertrand Tavernier y Jim McBride con instrumentos antiguos (La Fille de d’Artagnan, La Tabla de Flan-des...). Está formado por músicos solistas que comparten la misma sensibilidad para interpretar repertorios de música europea de los siglos XVI, XVII y XVIII.

El Lachrimae Consort desarrolla una actividad artística muy importante y es invitado por grandes festivales internacionales en Europa: Festival de Música Antigua de Ámsterdam, Santa Cecilia de Londres, Magano en Italia, Festival Internacional en el Camino de Santiago de Huesca, Andrés Segovia de Madrid,

Conde Duque, Ambronay, Sablé, París, Bruselas, Moscú, San Petersburgo, Amsterdamse Cello Biën-nale 2008.

Desde 2001, desarrolla un programa inédito de recuperación de instrumentos de amor como la viole d’Orphée (ha ganando el Primer Premio del Patrimonio en Francia), el violonchelo “all’inglese” vivaldiano, violines de amor, lyra violas, violas “all’inglese”, todos ellos fabricados con cuerdas simpáticas, que generan un sonido muy especial.

La formación Lachrimae Consort consta de un ins-trumentarium único en el mundo: conjunto de vio-las de gamba, conjunto de violines, violas, chelos,

conjunto de violas “all’inglese”, conjunto de violines “all’inglese”, de un conti-nuo (clave, tiorba, archiviolata, guitarra barroca, órgano) a los cuales se aña-den, cuando cabe, coros vocales o solistas vocales, e instrumentos de viento (corneta, flautas, oboes, chirimías, trompas).

El Lachrimae Consort ha grabado varios discos en estreno mundial con instru-mentos de amor: Sonatas de Karl Friedrich Abel con baryton de cuerdas (2 CD Lyrinx); Sonatas de Michel Corrette Les Délices de la Solitude, con viole d’Orphée (Ligia Digital); integral de las sonatas de Vivaldi para violonchelo “all’inglese” (Natives); Geensleeves to a ground y Division Viol de Christopher Simpson con paridon viol; Couplets de Folies de Marin Marais (Natives), considerado en Fran-cia como referencia; Concerti con órgano cuerdas de amor de Michel Corrette (Ligia Digital); Barok Tango del compositor argentino Gerardo Jerez Le Cam, para piano, clave, bandoneón y cuarteto de cuerdas de amor (2009).

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PHILIPPE FOULON, biola- eta biolontxelo-jolea Guztiz desagertuta zeuden aro barrokoko instrumentuen berreskuratze-la-netan aitzindaria den Philippe Foulon-ek etengabe harritzen gaitu bere des-kubrimenduekin. 2001ean berreskuratu zuen Viola d’Orphée, Michel Correte-k Orfeoren Biola, altu eta kontrabaxuaren metodo batean deskribatutako instru-mentua. Bere taldeak, Lachrimae Consort-ek, Ondarearen Saria jaso zuen urte hartan, Jean-Charles Léon musikologoak eta hainbat lutierek osatutako lantal-deari esker lortutako mundu mailako primiziagatik.

Vivaldiren esku-izkribuak aztertuz beste instrumentu desagertu batzuk ere ba-zirela deskubritu zuen: “alla’inglese” deiturikoak. “Alla’inglese” biolak dira, hari sinpatikodunak. Philippe Foulon-ek arriskua hartu eta XVIII. mendeko biolon-txelo bat berreraikitzeko agindua eman zuen, Vivaldik biolontxelo hartarako konposatu baitzuen. Biolontxelo hori 2003an estreinatu zuen, Frantziako Kultu-ra eta Komunikazio Ministerioak babesturik.

Philippe Foulon-ek Bruselako Nazioarteko Jaialdian debutatu zuen bakarlari gisa 1983an. Bruselako Errege Kontserbatorioko lehen saria lortu zuen Wieland Kuijken-ekin batera eta sarri ematen dituzte biola duoen kontzertuak. Bakarla-ri jarduten du Frantzia eta Europako jaialdi garrantzitsuenetan.

Disko-etxeentzako eta telebistentzako ehun bat grabaketatan parte hartu du, bai bakarlari bezala, baita ere taldeka, eta prentsaren nahiz erakundeen sari ugari jaso ditu: Urrezko Diapasoia, Télérama-ren HP, Grand Prix International du Disque de la Académie Charles Cros, Espainiako Kultura Ministerioaren Sa-ria, Crescendo aldizkariaren Jokerra eta Cini Fundazioaren (Italia) Nazioarteko Vivaldi Saria, besteak beste.

Philippe Foulon-ek bere interpretazioak eskaintzen ditu Europako jaialdi ga-rrantzitsuenetan artista handiekin batera, hala nola James Bowman, Charles Brett, Rachel Yakar, Nathalie Stutzman, Howard Crook, Robert Expert, Jean-Mi-chel Fumas. Instrumentista ugarirekin jotzen du, besteak beste, Jaap Schröder, Christophe Coin, Wouter Möller, Emilio Moreno, Ruth Hesseling, Monica Hug-gett, John Holoway, Brigitte Haudebourg Olivier Vernet edo Stephen Preston; eta Ton Koopman, Reinhart Goebel, William Christie, Marc Minkovski, J. C. Mal-goire, Bob Van Asperen bezalako zuzendarien aginduetara aritzen da.

1994an Lachrimae Consort taldea sortu zuen eta Europako hainbat jaialditan jotzen dute. 2000. urtean Philippe Foulon-ek Versailleseko Musika Barrokoaren Zentroko Jean-Charles Léon musikologoa gonbidatu zuen, taldea berarekin ba-tera artistikoki zuzendu zezan eta nazioartean desagertutako instrumentuak berreskuratzeko proiektu batean parte har zezan.

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PHILIPPE FOULON, violista y violonchelista

Pionero en la recuperación de instrumentos comple-tamente desaparecidos del período barroco, Philippe Foulon no para de sorprendernos con sus descubri-mientos. En el año 2001, recupera la Viola d’Orphée, instrumento descrito por Michel Correte en un méto-do de Viola de Orfeo, alto y contrabajo. Su ensemble, Lachrimae Consort, obtiene el Premio de Patrimonio 2001 por esta realización en primicia mundial, gracias a un equipo formado por el musicólogo Jean-Charles Léon y varios lutieres.

Descubre en manuscritos de Vivaldi la existencia de otros instrumentos des-aparecidos llamados “alla’inglese”. Se trata de violas “alla’inglese”, provistas con cuerdas simpáticas. Philippe Foulon se arriesga a hacer reconstruir un vio-lonchelo existente del siglo XVIII para el que compuso Vivaldi. Este violonchelo hará su debut mundial en 2003, patrocinado por el Ministerio de Cultura y Co-municación Francés.

Philippe Foulon hace su debut como solista en el Festival Internacional de Bruse-las de 1983. Obtiene el primer premio del Conservatorio Royal de Bruselas junto a Wieland Kuijken, con quien se prodiga regularmente en conciertos de dúo de vio-las. Toca como solista en los más importantes festivales franceses y europeos.

Ha participado en un centenar de grabaciones discográficas y televisivas, tanto como solista como en diferentes formaciones, recibiendo numerosos premios de la prensa e instituciones diversas: Diapasón de Oro, HP de Télérama, Grand Prix International du Disque de la Académie Charles Cros, Premio del Ministerio de Cultura Español, Joker de la revista Crescendo, Premio Internacional Vivaldi de la Fundación Cini (Italia).

Philippe Foulon ofrece sus interpretaciones en los festivales europeos más impor-tantes con artistas como James Bowman, Charles Brett, Rachel Yakar, Nathalie Stutzman, Howard Crook, Robert Expert, Jean-Michel Fumas, e instrumentistas como Jaap Schröder, Christophe Coin, Wouter Möller, Emilio Moreno, Ruth Hesse-ling, Monica Huggett, John Holoway, Brigitte Haudebourg Olivier Vernet, Stephen Preston, y bajo la dirección de directores como Ton Koopman, Reinhart Goebel, Wi-lliam Christie, Marc Minkovski, J. C. Malgoire, Bob Van Asperen.

En 1994, funda Lachrimae Consort con quien se presenta en numerosos festiva-les europeos. En 2000, Philippe Foulon invita a Jean-Charles Léon, musicólogo asociado al Centro de Música Barroca de Versalles a unirse a Lachrimae Consort y a codirigir artísticamente el ensemble, así como a desarrollar un proyecto de recuperación de instrumentos desaparecidos a nivel internacional.

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SALZBURGOKO MOZARTEUM UNIBERTSITATEKO GANBERA ABESBATZAHERBERT BÖCK, zuzendaritza

Egitaraua

Jauchzet dem Herrn, 100. salmoa, Felix Mendelssohn-Bartholdyrena (1809-1847)

Drei liturgische Stücke für Doppelchor, Felix Mendelssohn-BartholdyrenaKyrie

Ehre sei GottHeilig

Denn er hat seinen Engeln befohlen, 91. salmoa,Felix Mendelssohn-Bartholdyrena

Tota pulchra es Maria, Anton Brucknerrena (1824-1896)Christian Giglmayr, tenorra - Barbara Schmelz - organoa

Sechs Geistliche Lieder nach Gedichten von Joseph v. Eichendorff,Hugo Wolfena (1860-1903):

Einkehr

Resignation

Ich bin der Welt abhanden gekommen, Gustav Mahlerrena (1860-1911)

Pater noster, Giuseppe Verdirena (1813-1901)

Stabat Mater, Javier Bustorena (Hondarribia, 1949)

Die sieben Worte Jesu am Kreuz, Knut Nystedtena (Oslo, 1915)


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CORO DE CÁMARA DE LA UNIVERSIDAD MOZARTEUM DE SALZBURGOHERBERT BÖCK, dirección

Programa

Jauchzet dem Herrn, Salmo 100, de Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809-1847)

Drei liturgische Stücke für Doppelchor de Felix Mendelssohn-BartholdyKyrie

Ehre sei Gott

Heilig

Denn er hat seinen Engeln befohlen, Salmo 91,de Felix Mendelssohn-Bartholdy

Tota pulchra es Maria de Anton Bruckner (1824-1896)Christian Giglmayr, tenor - Barbara Schmelz - órgano

Sechs Geistliche Lieder nach Gedichten von Joseph v. Eichendorffde Hugo Wolf (1860-1903):

Einkehr

Resignation

Ich bin der Welt abhanden gekommen de Gustav Mahler (1860-1911)

Pater noster de Giuseppe Verdi (1813-1901)

Stabat Mater de Javier Busto (Hondarribia, 1949)

Die sieben Worte Jesu am Kreuz de Knut Nystedt (Oslo, 1915)


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OHARRAK PROGRAMARI

Anton Bruckner, Hugo Wolf eta Gustav Mahler konpositore austriarrek halako talde alternatibo bat eratu zuten XIX. mende hondarreko Vienan nagusi zebi-len musika korrontearen aurka ekiteko, eta talde horren a cappellako lan ga-rrantzitsuenetako batzuk eskainiko dizkigu egitarau honetan Salzburgoko Mozarteum Ganbera Abesbatzak.

Hasteko, Felix Mendelssohn-Bartholdyren salmo famatuenak entzungo ditugu. Mendelssohn hamar urterekin sartu zen Berliner Singakademie-n, han har-tu zion tamaina maila handiko abesbatza baten soinuari, eta aurrerantzean, abeslarientzat ezer idatzi zuen bakoitzean, abesbatza horretan hartutako es-perientzian oinarriturik konposatu zuen. Konposatu zuen eliza-musika guztia bere kabuz konposatu zuen, libertate osoz eta inongo elizkizunetan interpre-tatua izateko asmorik gabe, eta horrek arazoak sortu zizkion elizako aginta-riekin. Bere gutunetan Mendelssohn kar handirekin mintzatzen da bere eliza-konposizioei buruz: “Eliza-musika konposatzea nahikari handi baten ondorioa da, liburu bat —Biblia nahiz beste edozein— irakurtzeko gogoa izaten dugu-nean bezala. Eta kolpez hain ongi sentiarazten zaitu. Sebastian Bachekin ba-tere antzik balego ez litzateke nire erruz, barrutik atera zaidan bezala idatzi baitut eta, labur esanda, Bach zaharrak sentitu zuena sentitu badut nik ere, ez daukat batere arazorik horrekin. Ez duzu pentsatuko haren musika-formak zentzurik gabe kopiatzen nabilenik; hala balitz, hutsik egongo nintzateke eta ezingo nuke bukatu inongo lanik.”

Kontzertuarekin hasteko, Jauchzet dem Herrn triunfala entzungo dugu la maio-rrean (tonalitate horrek beti alaitasuna eta bozkarioa adierazten du Mendels-sohnen Salmoetan). Ehre sei dem Vater himno gloriosoak maiestate handirekin amaiera ematen dio.

Bigarren konposizioa Drei liturgische Stücke für Doppelchor (Hiru eliza-pieza koru bikoitzerako) deitzen da eta bertan “Kyrie”ren lehenbiziko bost konpasek lau ahotsetako kanon perfektu bat osatzen dute: bigarren koruak zehazki erre-pikatzen ditu lehenaren notak. Ehre sei Gott izeneko piezan, Mendelssohnek txandaka ematen ditu polifonia imitatzailea eta homofonia jarraitua “have mercy“ hitzei musika jartzerakoan. Heilig nota batekin hasten da eta ondoren beheranzko hirudunak datoz efektu harmoniko gogoangarri bat sortuz, “Hei-lig“ hitzarekiko zortzi ahotseko koru indartsu batera heldu arte.

Denn er hat seinen Engeln befohlen über Dir izan omen zen Mendelssohnen salmo begikoenetako bat. Antza, hainbeste gustatzen zitzaion, non bi aldiz konposatu baitzuen: aurrena, koruko pieza bezala eta handik bi urtera, so-

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NOTAS AL PROGRAMA

El Coro de Cámara Mozarteum de Salzburgo presenta un programa centrado en algunas de las obras más importantes a cappella compuestas por los composi-tores austriacos Anton Bruckner, Hugo Wolf y Gustav Mahler, tres prominentes figuras que formaron una especie de grupo musical alternativo en contra de la corriente principal establecida a finales del siglo XIX en Viena.

El programa se abre con los salmos más famosos de Felix Mendelssohn-Barthol-dy, quien empezó como cantante en la Berliner Singakademie a los diez años, donde aprendió por experiencia cómo debería sonar un coro de alto nivel y, des-de entonces, compuso como cantante para cantantes. Toda su música sacra fue escrita libremente por impulso personal y sin el objeto de ser interpretada en la liturgia propia de la Iglesia, circunstancia que le llevó a tener algunos conflic-tos con las autoridades eclesiásticas. En sus cartas, Mendelssohn hablaba con entusiasmo de sus composiciones sacras: “El hecho de componer música sacra surge de un gran deseo, comparable a cuando se siente la necesidad de leer cier-to libro, ya sea la Biblia o cualquier otro. Y te hace sentir súbitamente tan bien. Si hay similitudes con Sebastian Bach no es culpa mía porque he escrito tal y como lo he sentido y, en pocas palabras, si he sentido lo mismo que el viejo Bach entonces no tengo ningún problema con ello. No creerás que copio sus formas musicales sin ningún sentido; si fuera así estaría lleno de resistencia y vacío y ya no podría finalizar ninguna otra obra.”

El concierto se inicia con el triunfante Jauchzet dem Herrn en la mayor, tonali-dad que expresa siempre alegría y júbilo en los Salmos de Mendelssohn. El glo-rioso Ehre sei dem Vater conforma un majestuoso himno final.

En la segunda pieza, Drei liturgische Stücke für Doppelchor (Tres piezas litúr-gicas para doble coro), los cinco primeros compases del “Kyrie“ muestran un canon perfecto a cuatro voces: el segundo coro repite exactamente las notas del primero. En Ehre sei Gott, Mendelssohn cambia constantemente entre una polifonía imitativa y una insistente homofonía, cuando pone música a las pa-labras “have mercy“. Heilig se inicia con una nota, seguida consecutivamente por terceras descendentes, en un efecto armónico remarcable, hasta formar un enfático coro a ocho voces con la palabra “Heilig“.

Denn er hat seinen Engeln befohlen über Dir parece ser uno de los sal-mos preferidos de Mendelssohn. Aparentemente le gustaba tanto que decidió componerlo en dos ocasiones: primero, como pieza coral y, dos años más tarde, como un doble cuarteto con solistas en su oratorio Elias. El texto expresa algo muy especial: “Porque Él te encomendó a sus ánge-

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listekiko kuarteto bikoitza bezala Elias oratorioan. Hitzek oso gauza berezia adierazten dute: “Ezen Hark bere aingeruen gomendio jarri zintuen, begira zaitzaten egiten dituzun urrats guztietan. Haiek eramanen zaituzte eskutik, ez zaitezen behaztopa inongo harritan“

1877ko abenduan Anton Brucknerek batere arrakastarik gabe estreinatu zuen Hirugarren Sinfonia, eta hurrengo urtean ezer gutxi konposatu zuen. 1878an konposatutako lan apur horien artean dago tenor, koru eta organorako Tota pulchra es Maria motetea. Pieza hori konposatu zuen Linzeko apezpikuaren apezpikutzaren 25. urteurrena ospatzeko, zeina inor baino lehen ohartu bai-tzen Bruckneren talentuaz. Tenorrak sarrerako doinu sinplea abesten du eta koru osoak erantzuten dio, antzinako denboretako oihartzun bat bezala. Mu-sikaren purutasuna arrunt egokitzen zaio testuaren edukiari.

Anton Bruckner Hugo Wolfen maisua izan zen eta honen idolo handienetako bat. Bere lehen amodioak, Valentine Franck-ek, azkena eman zion lau urteko harremanari 1881en, eta Wolf ez zen gauza izan galera hura jasateko. Bere sa-mina sublimatzeko bezala, Wolfek bere Sei Kantu Sakratuak (Sechs Geistliche Lieder) konposatu zituen. Ez dago dudarik sei kantu horietan adierazten dela bereizketa haren oinazea. Hori bereziki nabarmena da hirugarren kantuan (Re-signation), non esaten den: “Urteak badoaz hodeien antzera eta hemen uzten naute ni, bakardadean sufritzen: munduak ahantzi nau“. Wolf 1903an hil zen eta bere hiletan kantu sarkor horiek abestu ziren.

Hurrengo konposizioa, Ich bin der Welt abhanden gekommen (Baztertu naiz mundutik), dugu Gustav Mahlerek konposatutakoen arteko hunkigarriena, eta bertan Friedrich Rückert-en poema bat erabiltzen du bere sentipenak adieraz-teko. Zalantzarik gabe, kantu honek badu ikustekorik garai berean konposatu-tako bere Bosgarren Sinfoniako harako Adagietto famatuarekin, bere bihotze-ko Almari postaz bidali ziona, trukean batere erantzunik ez jasotzeko. Kantua-ren bukaeran hala dio: “Hilda nago mundu zalapartatsurako eta pausuan nago toki baketsu batean! Bakardadean bizi naiz neure zeruan, neure maitasunean eta neure kantuan!” Eta, hizpide harturik izenburua (Baztertu naiz mundutik), hala esan zuen: “Horixe naiz ni”.

Verdiren Pater Noster-a 1880an estreinatu zen Milanen eta bel canto italiarra-ren adibide txundigarrienetako bat da. Melodiak aldatuz doaz modulazio an-tzatsuen bitartez: are azken zortzi konpasetan ere Verdik hunkitu egiten gaitu sorpresa harmoniko ausart bat emanez daitekeen pianissimo handienarekin.

Javier Busto 1949an jaio zen Hondarribian eta, medikuntza ikasketak egiteaz gain, koru zuzendaritza ikasi zuen Erwin List-ekin. 1996an, Bustok bere koru kon-

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les para que te cuiden en todos tus caminos. Ellos te llevarán en sus manos para que no tropieces contra ninguna piedra“

Después del desastroso estreno de su Tercera Sinfonía en diciembre de 1877, Anton Bruckner compuso muy poco durante el año siguiente. Entre estas pocas obras compuestas en 1878, encontramos el motete Tota pulchra es Maria para tenor, coro y órgano. Fue compuesto para celebrar el vigésimo quinto aniversa-rio de obispado del obispo de Linz, quien había reconocido el talento de Bruck-ner tempranamente. La melodía simple de introducción, cantada por el tenor, es respondida por todo el coro como un eco de épocas remotas. La pureza de la música es completamente apropiada al texto.

Anton Bruckner fue maestro de Hugo Wolf y uno de sus grandes ídolos. Cuan-do Valentine Franck, su primer amor, finalizó una relación de cuatro años en 1881, Wolf no fue capaz de superar la pérdida. En una especie de sublimación, Wolf escribió sus Sechs Geistliche Lieder. No hay ninguna duda que estas seis canciones corresponden al dolor de sus separación, especialmente la tercera, Resignation, que dice: “Los años pasan como las nubes y me dejan aquí sufrien-do en soledad: el mundo me ha olvidado“. En la muerte de Wolf en 1903, estas emotivas canciones fueron interpretadas durante su funeral.

La siguiente pieza, Ich bin der Welt abhanden gekommen (Me he retirado del mundo), es una de las más emotivas de Gustav Mahler, en donde expresa sus propios sentimientos a través del poema de Friedrich Rückert. No hay duda de que esta canción está relacionada con el famoso Adagietto de su Quinta Sinfo-nía, que compuso en la misma época y que envió a su querida Alma por correo, sin recibir respuesta alguna. El final de la canción dice: “¡Estoy muerto para el bullicioso mundo y reposo en un lugar tranquilo! ¡Vivo solo en mi cielo, en mi amor, en mi canción!” Y refiriéndose al título, Me he retirado del mundo, remar-có: “Ese soy yo”.

El Pater Noster de Verdi fue estrenado en 1880 en Milán y es uno de los ejemplos más impresionantes del bel canto italiano. Las melodías se transforman me-diante sagaces modulaciones: incluso en los últimos ocho compases, Verdi nos sobrecoge con una valiente sorpresa armónica en el mayor pianissimo posible.

Javier Busto nació en 1949 en Hondarribia y, además de medicina, estudió direc-ción coral con Erwin List. Busto presentó su composiciones corales en el World Symposium for Choral Music de Sidney en 1996. Sus obras corales han ganado primeros premios en varios concursos europeos. Regularmente, Busto forma parte de los jurados en concursos de España, Francia, Italia y Japón.

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posizioak aurkeztu zituen Sidneyko World Symposium for Choral Music-en. Euro-pako hainbat sari irabazi ditu bere koru lanekin. Askotan parte hartzen du Espai-nia, Frantzia, Italia eta Japonian antolatzen diren lehiaketetako epaimahaietan.

Knut Nystedt Oslon jaio zen 1915ean. Konposizio ikasketak egin zituen Estatu Batuetan Bjarne Brustadt eta Aaron Coplandekin. 1964tik 1985era bitartean koru zuzendaritza irakatsi zuen Osloko Unibertsitatean. Det Norske Solistkor korua sortu zuen eta bere zuzendaria izan zen 1950etik 1990era bitartean. 1980an Norvegiako Kultura Ministerioko Musika Saria jaso zuen. 1991n Argenti-nako Mendoza hiriko Unibertsitateko ohorezko irakasle izendatu zuten. 2004an Oslo Hiriko Arte Saria jaso zuen. Nystedt jaiera handiko familia batean jaio zen eta eliza-musikak oso paper handia jokatu zuen beren etxean. Ez da harritze-koa, beraz, bere koru lan gehienak Biblian oinarrituak badaude. Palestrina eta Bach bezalako konpositoreek eta kantu gregoriarrak eragin handia izan dute bere koru konposizioetan.

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Knut Nystedt nació en Oslo en 1915. Estudió composición con Bjarne Brustadt y Aaron Copland en Estados Unidos. De 1964 a 1985, enseñó dirección coral en la Universidad de Oslo. Fundó Det Norske Solistkor y dirigió el coro desde 1950 a 1990. En 1980, recibió el Premio de Música del Ministerio de Cultura noruego. En 1991, fue nombrado profesor honorario de la Universidad de Mendoza, Ar-gentina. En 2004, recibió el Premio Artístico de la Ciudad de Oslo. Nystedt creció en una familia religiosa en la que la música sacra tenía un importante papel. Sus piezas corales están, por consiguiente, basadas principalmente en la Biblia. Compositores como Palestrina y Bach, así como el canto gregoriano, han ejerci-do una gran influencia en sus composiciones corales.

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SALZBURGOKO MOZARTEUM GANBERA ABESBATZA

2007an sortu zen hainbat musika ikasleren ekimenez, a capella musikaren erre-pertorioa entseatu eta interpretatzeko ahalik eta kalitate handienez. Koro eta orkestra zuzendaritzako irakasle Herbert Böck da koroko zuzendaria, eta au-dizioetan aukeratutako Mozarteum Unibertsitateko departamendu guztietako ikasleak biltzen ditu.

Abesbatzak ospe handia lortu zuen lehenengo urteetatik, unibertsitate abesba-tza garrantzitsuenetakotzat jo izan zelarik. Hona hemen bere emanaldi txalo-tuenetako batzuk: Purcellen Dido and Aeneas produkzio eszenikoa eta Weber-nen Entflieht auf leichten Kähnen obra zailaren estreinaldia Austrian, Hagen-Quartett laukote ospetsuarekin batera “Webern pur” jaialdian (2008). 2009ko martxoan abesbatzak Felix Mendelssohn-Bartholdy (Mendelssohn-Nacht”) kon-posatzaileari eskainitako egitaraua interpretatu zuen eta Henry Purcelli eskai-nitako beste kontzertu bat ere bai musikariaren 350. urteurrenaren karietara.

2010ean egin zuen ganbera koroak lehen nazioarteko bira eta kontzertu harri-garria eskaini zuen Slovenj Gradec hirian (Eslovenia), Hugo Wolfen jaioterrian, konposatzailearen 150. urteurrena ospatzeko. Egitarauan Wolfen Joseph von Eichendorff-en poemetan oinarritutako sei kantu sakro eskaini zituzten eta Es-loveniako telebistak erretransmititu zuen.

2011n koroak a cappella musikako bi programa eskaini zituen Mozarteum Uni-bertsitateko Solitär Concert Hall aretoan. Programa horien barruan interpre-tatu zituzten Frank Martinen A cappella meza lau ahotseko bi kororentzat eta Gustav Mahler, Zoltan Kodaly, Javier Busto edo Sven David Sandström konpo-satzaileen obrak.

2012ko abenduan abesbatzak kontzertu bat eskaini zuen bere bosgarren ur-teurrena ospatzeko eta harrera bikaina izan zuen prentsaren nahiz entzuleen artean.

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CORO DE CÁMARA MOZARTEUM DE SALZBURGO

Fue fundado en 2007 por iniciativa de estudiantes de música que querían tener la oportunidad de ensayar e interpretar el repertorio musical a cappella con el máximo nivel de calidad posible. El coro está dirigido por Herbert Böck, profesor de dirección coral y de orquesta, y reúne a estudiantes de todos los departa-mentos de la Universidad Mozarteum, escogidos mediante audiciones.

El coro, ya durante los primeros años, obtuvo una gran reputación como una de las agrupaciones corales universitarias más prominentes. Algunas de sus ac-tuaciones más aclamadas fueron la producción escénica de Dido and Aeneas de Purcell y el estreno austriaco de la difícil obra de Webern Entflieht auf lei-chten Kähnen, junto al prestigioso Hagen-Quartett en el Festival “Webern pur” en 2008. En marzo de 2009, el coro ofreció un programa dedicado a Felix Men-delssohn-Bartholdy (“Mendelssohn-Nacht”) y otro concierto dedicado a Henry Purcell en ocasión de su 350 aniversario.

En 2010, el coro de cámara realizó su primera gira internacional, ofreciendo un asombroso concierto en Slovenj Gradec (Eslovenia), ciudad natal de Hugo Wolf, en conmemoración del 150 aniversario del compositor. El programa incluyó Seis canciones sacras basadas en poemas de Joseph von Eichendorff de Wolf y fue televisado por la televisión Eslovena.

En 2011, el coro ofreció dos programas a cappella en el Solitär Concert Hall de la Universidad Mozarteum que incluyeron la Misa a cappella para dos coros a cuatro voces de Frank Martin y obras de Gustav Mahler, Zoltan Kodaly, Javier Busto y Sven David Sandström.

En diciembre de 2012, el coro ofreció un concierto para su quinto aniversario, recibido con gran entusiasmo tanto por la prensa como por el público.

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HERBERT BÖCK, zuzendaritza

Herbert Böck-ek Vienako Haur Kantarien Koruan hasi zuen bere musika pres-takuntza, Großmann eta Gillesberger irakasleekin. Soprano bakarlaria izan zen Bach-en Kantatak biltzen dituzten grabaketa famatuetan, Concentus Musicus taldearekin eta Nikolaus Harnoncourt-en zuzendaritzapean. Oboea, orkestra zuzendaritza, konposaketa eta hezkuntza musikala ikasi zituen Vienako Mu-sika Akademian. 1985etik 1990era Vienako Irratiko Orkestra Sinfonikoko lehen oboe-jolea izan zen.

Concentus Vocalis taldeko zuzendari titularra zela, berehala lortu zuen na-zioarteko ospea eta sari ugari irabazi zituen, besteak beste, Walther von der Vogelweide Nazioarteko Abesbatza Lehiaketako Lehen Saria (Innsbruck, 1982), ganbera abesbatzaren kategoriako Lehen Saria eta Lehen Sari globala (Hel-sinki, 1987) Europako Irrati-hedapeneko Batasuneko lehiaketan, BBCren Silver Rose Bowl Saria eta Ferdinand Großmann Saria ere bai 1991n musika munduan izandako lorpen bikainengatik.

1989tik 1998ra, Wiener Singakademie taldeko musika zuzendaria izan zen. 1989an Vienna Jeunesse Orchester taldeko zuzendari titular izendatu zuten. 1995ean abesbatzako eta orkestra zuzendaritzako irakasle izendatu zuten Salzburgoko “Mozarteum” Musika Unibertsitatean.

Zuzendari bezala, hainbat orkestrarekin lan egin du, hala nola, Vienako Fi-larmonikako Haizezko Taldearekin, Vienako Ganbera Orkestrarekin, Vienako Akademie St. Michael taldearekin, Wiener Akademie-rekin, Salzburgoko Mo-zarteum Orkestrarekin eta Niederösterreichisches Tonkünstlerorchester tal-dearekin ere bai. Vienna Konzerthaus aretoan koro eta orkestrarentzako obra garrantzitsuak zuzendu ditu, hala nola Honegger-en Le Roi David oratorioa, Orff-en Carmina Burana, Bach-en Pasioa San Juanen arabera eta Meza Handia si minorrean eta Kagel-en St. Bach-Passion, eta baita ere Handelen oratorioak biltzen dituzten kontzertu-serieak.

Duela gutxi, birak egin ditu Europan, Errusian, Israelen, Turkian eta Estatu Ba-tuetan. Zuzendari-lanak egin ditu Osloko Orkestra Filarmonikoan, Norvegiako Operako Koroan eta Koro Nazionalean, Erromako Santa Cecilia Orkestran, Radio France Orkestra Filarmonikoan, Lituaniako Orkestra Sinfoniko Naziona-lean, Budapesteko RSOn, Göteborg-eko Orkestra Sinfonikoan eta Milaneko Or-kestra Sinfonikoan.

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HERBERT BÖCK, dirección

Herbert Böck empezó su educación musical siendo miembro del Coro de Niños Cantores de Viena, con los profesores Großmann y Gillesberger, cantando como soprano solista en las famosas grabaciones de las Cantatas de Bach, dirigidas por Nikolaus Harnon-court con Concentus Musicus. Estudió oboe, direc-ción de orquesta, composición y educación musical en la Academia de Música de Viena. De 1985 a 1990, fue oboista principal en la Orquesta Sinfónica de Ra-dio Viena.

Siendo director titular de Concentus Vocalis, logró un rápido reconocimiento internacional y numerosos premios, incluyendo el primer puesto en el Concurso

Internacional Coral Walther von der Vogelweide de Innsbruck en 1982, el primer premio en la categoría de coro de cámara y el primer premio global en el concur-so de la Unión de Radiodifusión Europea en 1987 en Helsinki (ganador del Silver Rose Bowl de la BBC) y el Premio Ferdinand Großmann por sus extraordinarios logros en música coral en 1991.

De 1989 a 1998, Böck fue director musical de la Wiener Singakademie. En 1989, fue nombrado director titular de la Vienna Jeunesse Orchester. En 1995, fue nombrado profesor de dirección coral y de orquesta en la Universidad de Músi-ca de Salzburgo “Mozarteum”.

Como director, ha trabajado con el Conjunto de Viento de la Filarmónica de Vie-na, la Orquesta de Cámara de Viena, la Akademie St. Michael de Viena, la Wie-ner Akademie, la Orquesta Mozarteum de Salzburgo y la Niederösterreichisches Tonkünstlerorchester. En la Vienna Konzerthaus, ha dirigido importantes obras para coro y orquesta, como el oratorio Le Roi David de Honegger, Carmina Bura-na de Orff, la Pasión según San Juan y la Gran Misa en si menor de Bach y la St. Bach-Passion de Kagel, y series de conciertos con los oratorios de Handel.

Recientemente, ha realizado giras por Europa, Rusia, Israel, Turquía y Estados Unidos. Ha dirigido la Orquesta Filarmónica de Oslo, Orquesta y Coro de la Ópe-ra y Coro Nacional de Noruega, la Orquesta Santa Cecilia de Roma, la Orques-ta Filarmónica de Radio France, la Orquesta Sinfónica Nacional de Lituania, la RSO Budapest, la Orquesta Sinfónica de Göteborg y Orquesta Sinfónica de Mi-lán, entre otras.

Mozarteum Salzburg

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INGARTZE ASTUY, koloratura mezzoaMOSKUKO “MUSICA VIVA” GANBERA ORKESTRA

ALEXANDER RUDIN, zuzendaritza

Egitaraua

Abesbatzarentzako 3 preludio (haria),J. S. Bachenak (1685-1750) - Max Reger (1873-1916)

“O Mensch, bewein dein’ Sunde groß““Herzlich thut mich verlangen“

“Nun danket alle Gott“

Stabat Mater G.532 (1go bertsioa, 1781, soprano eta harirako),Luigi Boccherinirena (1743-1805)

Bakarlaria: Ingartze Astuy1. Stabat mater

2. Cujus animam3. Quae moerebat4. Quis est homo

5. Pro peccatis6. Eja mater

7. Tui nati8. Virgo virginum9. Fac ut portem10. Fac me plagis

11. Quando corpus

Salve Regina, la maiorrean, op. 153, F. Schubertena (1797-1828)Bakarlaria: Ingartze Astuy

Biolontxeloarentzako 6. kontzertua, re maiorrean, G.479, Luigi BoccherinirenaBakarlaria: Alexander Rudin

Allegro - Adagio - Allegro

Ave Maria, J. S. Bachena - Ch. F. Gounod (1818-1893)Biolontxelo eta orkestrarentzako bertsioa (2004), Andrei Golovinena (1950-)

Bakarlaria: Alexander Rudin


103Musica Viva

INGARTZE ASTUY, mezzo coloraturaORQUESTA DE CÁMARA “MUSICA VIVA” DE MOSCÚ

ALEXANDER RUDIN, dirección

Programa

3 Preludios para Coral (cuerda) de J. S. Bach (1685-1750) - Max Reger (1873-1916)“O Mensch, bewein dein’ Sunde groß“

“Herzlich thut mich verlangen“

“Nun danket alle Gott“

Stabat Mater G.532 (1ª versión, 1781, para soprano y cuerda)de Luigi Boccherini (1743-1805)

Solista: Ingartze Astuy1. Stabat mater

2. Cujus animam3. Quae moerebat4. Quis est homo

5. Pro peccatis6. Eja mater

7. Tui nati8. Virgo virginum9. Fac ut portem10. Fac me plagis

11. Quando corpus

Salve Regina, en la mayor, op. 153, de F. Schubert (1797-1828) Solista: Ingartze Astuy

Concierto para violonchelo núm. 6, en re mayor, G.479, de Luigi BoccheriniSolista: Alexander Rudin

Allegro - Adagio - Allegro

Ave Maria de J. S. Bach – Ch. F. Gounod (1818-1893)Versión parar violonchelo y orquesta (2004) de Andrei Golovin (1950-)

Solista: Alexander Rudin


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OHARRAK PROGRAMARI

Musica Vivaren egitarauak Barrokoko funtsezko konpositore bi elkartzen ditu: Johann Sebastian Bach eta Luigi Boccherini.

J. S. Bachek —“bosgarren ebanjelaria” goitizenez— hauxe esan zuen behin: “Eliza-musika interpretatzen denean, Jainkoa beti presente dago bere opari eskuzabalekin”. Bere koral eta preludioak lan formalak dira funtsean, baina testu luteranoen interpretazio harrigarri sakonak ere bai. Ukitu jeinutsu apur batzuekin, Bachek gain-gaineko sentikortasunez apaintzen du koral baten melodia, melodia hori gizatiartuz eta gugana hurbilduz. Batzuetan, Bachen koru-preludioak “miniaturako poema sinfonikoak bihurtzen dira”, Max Reger konpositore eta organistaren hitzetan. Reger-ek Bachen ideia garatu zuen bere koru-moldaketetan hasiera lirikoak azpimarratuz eta ahots gehiago txirikor-datuz egitura polifonikoan. Hari tresnetarako moldaketa honetan zati koralek adierazkortasun berezia hartzen dute eta soinu kalitate ezinago sarkorra.

Bachen lan instrumental asko, bereziki Ongi Tenperatutako Klabea-ren I. Li-buruko Do maiorreko Preludioa, kontenplaziozko espirituz gaindiak daude. Horretaz ongi ohartu zen XIX. mendean Charles Gounod konpositorea, eta pre-ludio horri ahots lerro bat gehitu zion Ave Mariako predikatzailearen testuan. Geroztik, Bach-Gounoden lan hau munduko pieza ospetsuenetako bat bihurtu da eta moldaketa mordo bat egin zaizkio.

2004an Andrei Golovinek (Alexander Rudinen laguna zen konpositore errusiar famatu batek), gure egitarauan gaur entzungo dugun Ave Maria–ren bertsio hau aurkeztu zion. Biolontxelorako eta ganbera orkestrarako moldatutako pie-za honek ederki laburbiltzen du Rudin eta Musica Vivaren interpretazio estiloa.

Luigi Boccheriniren eliza-musikako konposizioak oraindik ezezagun samarrak dira ganbera eta orkestrako musikaren munduan. Bere garaikideek ziotenez, Boccherini poeta eta biolontxeloko birtuoso paregabea zen. Bera izan zen bio-lontxeloari solista izaera eman zion aurrenetako bat.

Hari boskotea izan zen Boccheriniren formazio begikoena, eta ehundik gora lan idatzi zituen boskoterako. Bere Stabat Mater kantataren hasierako bertsioa 1781n konposatu zuen soprano solorako eta hari boskoterako, Luis de Borbon infanteak (Carlos IV.a Erregearen anaiak) enkargatuta —hamasei urtez izan zuen Boccherini bere Gorteko musikari—. Lan hori Arenas de San Pedroko eliza nagusirako konposatu zuen, oinarritzat harturik Jacopone da Todi frantzisko-tarrak XIII. mendean idatzitako testu bat.

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NOTAS AL PROGRAMA

El programa de Musica Viva enlaza a dos compositores vitales del Barroco: Jo-hann Sebastián Bach y Luigi Boccherini.

J. S. Bach, conocido como “el quinto evangelista”, declaró en una ocasión: “Cuan-do se interpreta música sacra, Dios está siempre presente con sus generosas dá-divas”. Sus corales y preludios son esencialmente formales, pero son interpreta-ciones de los textos luteranos sorprendentemente profundas. Con unos pocos toques geniales, el compositor adorna la melodía de un coral, sentida con viva emoción, humanizándola y acercándola a nosotros. A veces un preludio coral de Bach, en palabras del compositor y organista Max Reger, “se convierte en un poema sinfónico en miniatura”. Reger desarrolló la idea de Bach subrayando los comienzos líricos en sus arreglos para coro, entrelazando nuevas voces en su estructura polifónica. En este arreglo para instrumentos de cuerda, los co-rales adquieren una expresividad especial y una penetrante calidad de sonido.

Muchos trabajos instrumentales de Bach, en particular el Preludio en do mayor del Libro I de El clave bien temperado, están bañados de un espíritu contem-plativo. Esto fue observado por el compositor del siglo XIX Charles Gounod, que añadió a este preludio una línea vocal al texto del predicador del Ave María. Desde entonces, este trabajo de Bach-Gounod se convertiría en una de las pie-zas más populares del mundo, por lo que se pueden encontrar numerosos arre-glos de la misma.

En 2004, Andrei Golovin, un conocido compositor ruso amigo de Alexander Ru-din, le presentó esta versión del Ave María que hoy presentamos en el progra-ma. Esta pieza, con arreglo para violonchelo y orquesta de cámara, resume la manera de tocar en el estilo de Rudin y Musica Viva.

Los trabajos de música sacra de Luigi Boccherini todavía hoy son poco conoci-dos en la música de cámara y orquesta. Boccherini, según sus contemporáneos, era insuperable como poeta y virtuoso del violonchelo. Fue uno de los primeros en establecer el chelo como instrumento solista.

El quinteto de cuerda fue la formación favorita de Boccherini para la que escri-bió más de cien composiciones. La versión inicial de su cantata Stabat Mater fue compuesta en 1781 para solo de soprano y quinteto de cuerda por un encar-go del infante D. Luís de Borbón (hermano del rey Carlos IV) para el que fue mú-sico de la Corte durante dieciseis años. La obra fue escrita para la Iglesia mayor de Arenas de San Pedro en base al texto escrito por el franciscano Jacopone da Todi en el siglo XIII.

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Egitarau honetan baita ere entzungo dugu Franz Schuberten Salve Regina ize-neko ofertorioa. Schubert elizako koru batean hazi zen, nolabait esateko, eta beretzat eliza-musika beti izan zen gauza hurbila eta maitagarria. Konposatu zituen kantu miresgarriak bezain aiseki eta argitasunez beterik sortu zitzaiz-kion eliza-lanak ere, eta bere konposizio lirikoen berotasun eta kalitate berbe-ra eratxeki zien eliza-musikako lanei.

Eta orain goza ezazue aukera bikain hau eta entzun Europako Barrokoa mu-sikari errusiar handi batzuek interpretatuta.

Juan Martín-Montalvo

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Este programa también incluye el ofertorio Salve Regina de Franz Schubert. Para un compositor que creció literalmente en el coro de la iglesia, la música sa-cra siempre fue algo querido y cercano. Sus trabajos en música sacra nacieron con la misma luz y naturalidad que las maravillosas canciones que escribió. De su pluma las melodías litúrgicas adquirieron el calor y la calidad de su sonido lírico.

Disfruten de esta ocasión única oyendo el Barroco europeo interpretado por los grandes músicos rusos.

Juan Martín-Montalvo

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INGARTZE ASTUY, koloratura mezzoa

Bilbon, bere jaioterrian, kantua eta pianoa ikasi ondoren, Ingartze Astuy Madri-lera joan zen eta hango Goi-mailako Errege Musika Kontserbatorioan eskuratu zuen Goi-mailako Kantu Irakasle Titulua, lortu zitzakeen kalifikazio altuenekin. Geroztik, ikastaro eta maisu-eskola ugaritara joan da, Thomas Quasthoff, Jane Manning, Miguel Zanetti edo Germán Torrellas bezalako maisuekin ikastera, eta “Música en Compostela” ikastaroko “Andrés Segovia - J. M. Ruiz-Morales” beka irabazi zuen. Gero, Josefina Arregui sopranoarekin hobetu zuen bere teknika.

Musika eszenikoaren arloan arrakasta handiz debutatu zuen Almagroko Ant-zokiko Nazioarteko Jaialdian; Rosinaren papera interpretatu zuen Scarlatti-ren El triunfo del amor operan eta kritika apartak jaso zituen. Madrid Goyesco Konpainia Lirikoan sartu zen, zeina XVIII. mendeko musika espainiarrean es-pezializatuta baitago, eta konpainiak 1998tik egin dituen muntaia garrantzitsu guztietan parte hartu du.

B Quadro Ópera konpainiako kide ere bada, non obra ugari interpretatu baititu: El triunfo del honor, Bastián eta Bastiana (Mozart), Pimpinone (Telemann) eta Lothar Siemens-en El encargo político operaren mundu mailako estreinaldia, Kanariar Irletako Musika Jaialdian. Interpretatu dituen pertsonaien artean ai-patzekoak dira Cherubino, Mozarten Figaroren ezteiak obran; Carmen, Bizeten Carmen operan eta Rosina, Rossiniren Sevillako bizargina obran.

Ingartze Astuyk ganbera musikaren arloan garatu du bere ibilbidearen zati handi bat. Espainiako talde ospetsuenetako bateko kide da, alegia, Neocantes taldekoa, eta Espainiako antzinako musikari nahiz Urrezko Mendekoari eskai-nitako berrehun kontzertu baino gehiago eman dituzte elkarrekin. Gainera, Es-painiako Camerata Clásica taldeko bakarlari nagusia da.

Hainbat disko grabatu ditu, horien artean garrantzitsuenak direlarik La discreta enamorada, Canciones antiguas españolas eta Música humana, divinas palabras.

Hemendik aurrerako konpromisoei dagokienez, bira bat egingo du Neocantes taldearekin, Haendel: las voces prodigiosas egitaraua estreinatuko du Angélica Mansilla mezzoarekin, Aranjuezko Arte Sakro Jaialdian parte hartuko du eta El en-cargo político eszenaratuko du berriro Madrileko Musika Auditorio Nazionalean.

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INGARTZE ASTUY, mezzo coloratura

Tras estudiar canto y piano en Bilbao, su ciudad natal, Ingartze Astuy se traslada a Madrid, donde obtiene el título de Profesora Superior de Canto en el Real Con-servatorio Superior de Música de dicha ciudad con las más altas calificaciones. Asiste igualmente a diversos cursos y clases magistrales, con maestros de la talla de Thomas Quasthoff, Jane Manning, Miguel Zanetti o Germán Torrellas; siendo premiada con una beca “An-drés Segovia - J. M. Ruiz-Morales” del curso “Música en Compostela”. Posteriormente, perfecciona su técnica con la soprano Josefina Arregui.

En el campo de la música escénica, debutó con gran éxito en el Festival Internacional de Teatro de Almagro interpretando a Rosina de la ópera El triunfo del honor de Scarlatti, recibiendo excelentes críticas. En-tra a formar parte de la Compañía Lírica Madrid Goyesco, especializada en mú-sica española del siglo XVIII, con la cual ha interpretado los papeles principales de todos sus montajes desde 1998.

También forma parte del elenco de la compañía B Quadro Ópera, con la que ha interpretado, además de El triunfo del honor, Bastián y Bastiana de Mozart, Pimpinone de Telemann y el estreno mundial de la ópera de Lothar Siemens El encargo político, dentro de la programación del Festival de Música de Canarias. Asimismo, ha interpretado en concierto los roles de Cherubino de Las bodas de Fígaro de Mozart, Carmen de la ópera Carmen de Bizet y Rosina de El barbero de Sevilla de Rossini.

Ingartze Astuy ha dedicado también gran parte de su carrera a la música de cá-mara. Forma parte de una de las más prestigiosas formaciones de nuestro país: el grupo Neocantes, con quien ha realizado hasta la fecha más de doscientos conciertos dedicados a la música española antigua y del Siglo de Oro; y es la solista principal de la Camerata Clásica Española.

Ha realizado varias grabaciones discográficas, destacando La discreta enamo-rada, Canciones antiguas españolas y Música humana, divinas palabras.

Sus próximos compromisos incluyen una gira con el grupo Neocantes; el estreno del programa Haendel: las voces prodigiosas, junto a la mezzo Angélica Mansi-lla; su participación en el Festival de Arte Sacro en Aranjuez; y una nueva puesta en escena de El encargo político en el Auditorio Nacional de Música de Madrid.

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MOSKUKO “MUSICA VIVA” GANBERA ORKESTRAAlexander Rudin, biolontxelo bakarlaria eta zuzendaria

Musica Viva Errusiako hiriburuko ganbera orkestra ezagun eta maitatuene-tako bat da. Egitarau fin eta ez-ohikoak aurkeztea da bere ezaugarri nagusia, non maisu obrak eta bitxikeria musikalak konbinatzen baitituzte. Orkestraren bereizgarria da bere kideen profesionaltasun eta ilusio handia eta baita ere obrak nahiz bakarlari gonbidatuak aukeratzeko duten gustu fina.

Taldeak 2008an bete zituen hogeita hamar urte eta azken hogeietan Alexander Rudin izan du zuzendari, Moskuko Kontserbatorioko zuzendaria eta mundu osoan ezaguna den musikaria.

Musica Viva orkestra unibertsala da eta tipologia nahiz estilo askotako musika biltzen duen errepertorio izugarria da bere aktibo nagusia. Eskuarki aurkezten ditu oso ezagunak ez diren edo guztiz ezezagunak diren konposaketak. Erru-sian J. Christian eta F. Enmanuel Bach, A. Salieri, I. Pleyel, J. Dusseck, K. Ditters-dorf edo O. Koslovsky-k idatzitako obra ugari aurkeztu ditu. “Bitxikeriak” bilatu eta interpretatzeko ikerketa lan hori ez diete musika munduko aditu handiei zuzentzen, orkestrak bere errepertorioan sartzen baititu egindako aurkikunt-zak eta publiko orokorrari helarazten baitizkio, denek txalotu ditzaten eta be-ren balio artistikoa berretsi dezaten.

Musica Viva taldearen nazioarteko ospe handia are gehiago hazten da nazioar-teko musikari garrantzitsuekin kolaboratzen duenean, horien artean aipatze-koak dira Andras Adorian txirula-jole alemana eta Joyce DiDonato, Annik Mas-sis edo Vivica Genaux opera kantariak. Londresko Orkestra Filarmonikoaren zuzendari titular Vladimir Jurowski-k eta interpretazio historizistaren maisu Sir Roger Norrington-ek zuzendu dute orkestra. Eliso Virsaladze, Denis Matsuev, Boris Berezovsky eta Alexei Lyubimov piano-joleek, Sergei Stadler eta Isabelle Faust biolin-joleek eta Nataliya Gutman biolontxelo-joleak ere kolaboratu izan dute Musica Viva taldearekin.

Orkestrak nazioarteko jaialdietan parte hartzen du eta birak egiten ditu hainbat herrialdetan, bai Europan eta baita ere Europatik kanpo. Taldearent-zat oso garrantzitsua izan zen 2012an Nantesen, Bilbon eta Japoniako hainbat hiritan antolatuko La Folle Journée jaialdi frantsesean parte hartzea.

Orkestrak hogei CD baino gehiago grabatu ditu Russian Season, Olympia, Hy-perion, Tudor eta Melodiya zigiluentzat. Azken diskoetan, Alyabyev, Beethoven eta Glinkaren obrak grabatu ditu Fuga Libera zigilu belgikarrarentzat.

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ORQUESTA DE CÁMARA “MUSICA VIVA” DE MOSCÚAlexander Rudin, violonchelo solista y director

Musica Viva es una de las orquestas de cámara más populares y queridas de la capital rusa, caracterizada por presentar programas refinados y no convencio-nales, en los que las obras maestras coexisten con rarezas musicales. El sello especial de la orquesta viene dado por el alto nivel de profesionalidad y entu-siasmo de sus miembros y el delicado gusto en la elección de las obras y los solistas invitados.

La orquesta cumplió treinta años en 2008 y durante los últimos veinte años, ha sido dirigida por Alexander Rudin, profesor del Conservatorio de Moscú y músi-co de renombre mundial.

Musica Viva es una orquesta universal y tiene como activo un enorme reperto-rio que abarca música de muy diferente tipología y estilo. Presenta regularmen-te composiciones poco conocidas, o desconocidas por completo, por el público: Musica Viva ha estrenado en Rusia muchas obras de J. Christian y F. Enmanuel Bach, A. Salieri, I. Pleyel, J. Dusseck, K. Dittersdorf, O. Koslovsky, entre otros com-positores. Este trabajo de investigación, relacionado con la búsqueda e inter-pretación de “rarezas”, no está dedicado a los grandes entendidos sino que la orquesta integra sus hallazgos en sus repertorios, logrando que el público gene-ral los aplauda con entusiasmo, lo que confirma su valor artístico.

La gran reputación internacional de Musica Viva se ve acrecentada por la cola-boración con importantes músicos internacionales, como el flautista alemán Andras Adorian y cantantes de ópera como Joyce DiDonato, Annik Massis y Vi-vica Genaux. La orquesta ha sido dirigida por el maestro Vladimir Jurowski, di-rector titular de la Orquesta Filarmónica de Londres y por el maestro de la inter-pretación historicista Sir Roger Norrington. Musica Viva colabora con músicos de la talla de los pianistas Eliso Virsaladze, Denis Matsuev, Boris Berezovsky y Alexei Lyubimov, los violinistas Sergei Stadler e Isabelle Faust y la violonchelis-ta Nataliya Gutman.

La orquesta participa en festivales internacionales y realiza giras por numero-sos países, tanto europeos como del resto del mundo. Un acontecimiento parti-cularmente especial para la orquesta fue su participación en 2012 en el festival francés La Folle Journée, que tuvo lugar en Nantes y en Bilbao, así como en va-rias ciudades japonesas.

La orquesta ha grabado más de veinte CD para sellos como Russian Season, Olympia, Hyperion, Tudor y Melodiya. Las últimas grabaciones han consistido en obras de Alyabyev, Beethoven y Glinka para el sello belga Fuga Libera.

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ALEXANDER RUDIN, zuzendaria eta biolontxelo-jolea

Alexander Rudin gaur egungo musika eszena erru-siarreko artista distiratsuenetako bat da. Biolon-txelo-jole bezala, Alexander Rudin musika inter-pretazioaren eskola errusiarraren figura garran-tzitsuenetako bat da. Interpretatzeko duen era natural, paregabe eta liluragarria da bere artearen ezaugarri nagusia. Bakarlari karrerarekin batera, Musica Viva ganbera orkestrako zuzendari artistikoa izan da 1988tik eta azken hamar urteotan Moskuko “Dedication” Na-zioarteko Jaialdikoa ere bai.

Alexander Rudin-en begirada artistikoa musikaren testuarekiko harreman zain-du eta sentikorrean oinarritzen da. Prestakuntza akademikoa duen arren, beti erakarri izan du antzinako musikaren interpretazio historizistak, eta hala lortu du azkenean bi munduen arteko sintesi naturala. Bere kontzertuetan Rudin-ek biolontxelo modernoak nahiz zango biolak erabiltzen ditu, musika erroman-tikoa modu tradizionalean interpretatzen du eta estilo “historikoki zuzena” aplikatzen du obra barroko zein klasikoak interpretatzeko.

Alexander Rudin-ek musika garaikidea ere interpretatzen du, eta Errusian zein mundu osoan estreinatu ditu Valentin Silvestrov, Vyacheslav Artyomov, Andrei Go-lovin, Edison Denisov, Arvo Pärt eta Aulis Sallinen bezalako konposatzaileen obrak.

Moskuko Kontserbatorioko irakasle honek nahiago du ganberako musika esko-lak ematea biolontxeloa irakastea baino, uste baitu esparru horretan hobeto komunikatu ditzakeela bere ezagutzak. Maisu eskola ugari ematen ditu mundu osoan eta zuzendari jarduten du hainbat ikasle orkestratan.

Rudin-ek disko asko grabatu ditu Russian Season, Olympia, Hyperion, Tudor, Melodia eta Fuga libera zigiluentzat.

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ALEXANDER RUDIN, director y violonchelista

Alexander Rudin es uno de los más brillantes artistas de la escena musical rusa actual. Como violonchelista, Alexander Rudin es hoy una de las principales figu-ras de la escuela rusa de interpretación musical. Su arte está marcado por una forma de interpretación natural, única y fascinante. Paralelamente a su carrera como solista, Alexander Rudin ha sido director ar-tístico de la orquesta de cámara Musica Viva desde 1988 y, durante los últimos diez años, del Festival Internacional “Dedication” de Moscú. La mirada artística de Alexander Rudin se basa en una relación cuidadosa y sen-sible con el texto musical. Aunque su formación musical es académica, Rudin se ha sentido atraído por la interpretación historicista de la música antigua, lo-grando finalmente una síntesis natural entre los dos mundos. En sus conciertos, Rudin utiliza tanto un violonchelo moderno como una viola da gamba, inter-pretando la música romántica de una manera tradicional y aplicando un estilo “históricamente correcto” para la interpretación de obras barrocas y clásicas.

Alexander Rudin dedica también su atención a la interpretación de música con-temporánea y ha participado en estrenos a nivel ruso y mundial de obras de compositores como Valentin Silvestrov, Vyacheslav Artyomov, Andrei Golovin, Edison Denisov, Arvo Pärt y Aulis Sallinen.

Como profesor del Conservatorio de Moscú, prefiere impartir clases de música de cámara antes que de violonchelo porque siente que puede comunicar mejor en ese ámbito sus conocimientos a los estudiantes. También imparte numero-sas clases magistrales por todo el globo y colabora como director en diferentes orquesta de estudiantes.

Rudin ha grabado numerosos discos compactos para los sellos Russian Season, Olympia, Hyperion, Tudor, Melodia y Fuga libera.

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20 de marzoIglesia de la Encarnación – 20:30 hI Turchini di Antonio FlorioAntonio Florio, directorIl tesoro di San GennaroMúsica sacra en lasgrandes capillas napolitanas 21 de marzoIglesia de la Encarnación – 20:30 hAgrupación Coral JatorkiMarian Urkiola, direcciónCamerata HamaikaUn paseo por la música desde el Renacimiento al Barroco

22 de marzoIglesia de la Encarnación – 20:30 hMusica FloreaBarbora Sojková, soprano Stanislava Mihalcová, soprano Sylva Čmugrová, contralto Jan Ondrejka, tenor Roman Janál, bajo Marek Štryncl, direcciónLa Resurrezione de G. F. Handel 23 de marzoIglesia de la Encarnación – 20:30 hLachrimae ConsortIñaki Fresán, canto bajoPhilippe Foulon, direcciónCantate SpiritualeCantatas del Barroco europeopara voz e instrumentos de amor

25 de marzoIglesia de la Encarnación – 20:30 hCoro de Cámara Mozarteum de SalzburgoHerbert Böck, dirección 26 de marzoIglesia de la Encarnación – 20:30 hOrquesta de Cámara “Musica Viva” de MoscúIngartze Astuy, mezzo coloraturaAlexander Rudin, dirección


I Turchini di Antonio FlorioAntonio Florio, zuzendaritza

Il tesoro di San GennaroKapera napolitar handietako

musika sakratua


Jatorki AbesbatzaMarian Urkiola, zuzendaritza

Hamaika KamerataBerpizkundetik Barrokorainoko txango

bat musikan barrena


Musica FloreaBarbora Sojková, sopranoa

Stanislava Mihalcová, sopranoa Sylva Čmugrová, kontraltoa

Jan Ondrejka, tenorra Roman Janál, baxua

Marek Štryncl, zuzendaritzaG. F. Handelen La Resurrezione

Martxoaren 23an

Gizakundearen Elizan – 20:30eanLachrimae Consort

Iñaki Fresán, kantu baxuaPhilippe Foulon, zuzendaritza

Cantate SpiritualeEuropako aro barrokoko kantatak

ahots eta amodiozko instrumentuentzat


Salzburgoko Mozarteum Ganbera AbesbatzaHerbert Böck, zuzendaritza

Martxoaren 26an

Gizakundearen Elizan – 20:30eanMoskuko “Musica Viva” Ganbera Orkestra

Ingartze Astuy, koloratura mezzoaAlexander Rudin, zuzendaritza

BASbilbao ars sacrumBilboko Eliz Musikako JaialdiaFestival de Música Sacra de Bilbao2 0 1 3

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