ArteMovimientos artísticos y principales elementos de las Artes

Visuales

Índice general

1 Historia del Arte 11.1 Historia del arte . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1

1.1.1 Prehistoria . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 21.1.2 Arte antiguo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 41.1.3 Arte clásico . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 121.1.4 Arte medieval . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 141.1.5 Arte de la Edad Moderna . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 271.1.6 Arte contemporáneo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 401.1.7 Véase también . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 631.1.8 Notas . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 631.1.9 Referencias . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 651.1.10 Bibliografía . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 671.1.11 Enlaces externos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 67

2 Elementos de las Artes Visuales 682.1 Elementos del arte . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 68

2.1.1 Espacio . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 682.1.2 Color . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 682.1.3 Forma . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 682.1.4 Textura . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 682.1.5 Valor . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 692.1.6 Línea . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 692.1.7 Unidad . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 692.1.8 Notas . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 692.1.9 Enlaces externos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 69

2.2 Punto (geometría) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 692.2.1 Historia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 702.2.2 Representación gráfica . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 702.2.3 Determinación geométrica . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 702.2.4 Puntos, rectas y planos: posiciones relativas . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 702.2.5 Algunos postulados y teoremas relacionados con el punto . . . . . . . . . . . . . . . . . . 702.2.6 Véase también . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 712.2.7 Referencias . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 71

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ii ÍNDICE GENERAL

2.2.8 Enlaces externos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 712.3 Línea . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 71

2.3.1 Línea de Contorno . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 712.3.2 Referencias . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 712.3.3 Véase también . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 712.3.4 Enlaces externos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 71

2.4 Formato (arte) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 722.4.1 Fotografía, cine y televisión . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 722.4.2 Otros usos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 722.4.3 Véase también . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 732.4.4 Notas . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 73

2.5 Color . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 732.5.1 La percepción del color en la visión humana . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 732.5.2 La física del color . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 742.5.3 Síntesis del color: colores primarios . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 752.5.4 Colores elementales . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 782.5.5 Círculo cromático . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 782.5.6 Colores complementarios . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 782.5.7 Representación de los colores . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 782.5.8 Colores . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 792.5.9 Efecto de los colores en los estados de ánimo de las personas . . . . . . . . . . . . . . . . 792.5.10 Véase también . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 802.5.11 Notas y referencias . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 802.5.12 Bibliografía . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 802.5.13 Enlaces externos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 80

3 Texto e imágenes de origen, colaboradores y licencias 813.1 Texto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 813.2 Imágenes . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 823.3 Licencia de contenido . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 87

Capítulo 1

Historia del Arte

1.1 Historia del arte

La creación de Adán (1508-1512), de Miguel Ángel, en laCapilla Sixtina (Vaticano).

Cuarteto para flauta (1777), deWolfgang Amadeus Mozart, con-siderado como uno de los mejores compositores de música clásicade toda la historia.

La historia del arte es una disciplina de las ciencias so-ciales que estudia la evolución del arte a través del tiempo.Entendido como cualquier actividad o producto realizadopor el ser humano con finalidad estética o comunicativa, através del que expresa ideas, emociones o, en general, unavisión del mundo, el arte emplea diversos recursos, comolos plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. La historiadel arte, como disciplina académica y entorno institucio-nal (museos, mercado del arte, departamentos universi-tarios, producciones editoriales) se suele restringir a lasdenominadas artes visuales o plásticas (esencialmente a

Las mil y una noches ( , Alf layla wa-layla),título clásico de la literatura árabe.

El acorazado Potemkin (1925), de Sergéi Eisenstein, una de lasobras maestras de la historia del cine.

pintura, escultura y arquitectura), mientras que otras ar-tes son más específicamente objeto de estudio de otrasdisciplinas claramente delimitadas, como la historia dela literatura o la historia de la música, siendo todas ellasobjeto de atención por la denominada historia de la cul-tura o historia cultural, junto con las historias sectorialesenfocadas a otras manifestaciones del pensamiento, co-mo la historia de la ciencia, la historia de la filosofía ola historia de las religiones. Algunos campos de cono-cimiento estrechamente relacionados con la historia delarte son la estética y la teoría del arte.A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muydiversa manera, desde la distinción medieval entre artes

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2 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

liberales y artes vulgares (o «mecánicas»), pasando porla moderna distinción entre bellas artes y artes menoreso aplicadas, hasta la multiplicidad contemporánea, queentiende como arte casi cualquier manifestación de lacreatividad del ser humano. La sucesiva ampliación dellistado de las «artes principales» llegó en el siglo XXhasta el número de nueve: la arquitectura, la danza, laescultura, la música, la pintura, la poesía —entendida deforma amplia como literatura con intención estética, queincluye los distintos géneros del teatro y la narrativa—, lacinematografía, la fotografía y la historieta (o cómic). Alsolapamiento conceptual de términos entre artes plásticasy artes visuales se añadieron los de diseño y artes gráfi-cas. Además de antiquísimas formas de expresión artís-tica como la moda y la gastronomía, actualmente se sue-len considerar artes nuevos vehículos expresivos como lapublicidad, la animación, la televisión y los videojuegos.La historia del arte es una ciencia multidisciplinar, procu-rando un examen objetivo del arte a través de la historia,clasificando culturas, estableciendo periodizaciones y ob-servando sus características distintivas e influencias. Elestudio de la historia del Arte se desarrolló inicialmenteen el Renacimiento, con su objeto limitado a la produc-ción artística de la civilización occidental. No obstante,con el tiempo se ha impuesto una visión más amplia dela historia artística, intentando una descripción global delarte de todas las civilizaciones y el análisis de sus produc-ciones artísticas en términos de sus propios valores cultu-rales (relativismo cultural), y no sólo de los de la historiadel arte occidental.El arte goza hoy día de una amplia red de estudio, difu-sión y conservación de todo el legado artístico producidopor la humanidad a lo largo de su historia. Durante elsiglo XX han proliferado las instituciones, fundaciones,museos y galerías, de ámbito público y privado, dedica-dos al análisis y catalogación de las obras de arte, así co-mo su exposición a un público mayoritario. El auge delos medios de comunicación ha sido fundamental para elmejor estudio y divulgación del arte. Eventos y exposicio-nes internacionales, como las bienales de Venecia y SãoPaulo o la Documenta de Kassel han ayudado al fomentode nuevos estilos y tendencias. Premios como el Turnerde la Tate Gallery, el Premio de la Fundación Wolf delas Artes, la Medalla Picasso de la UNESCO, el PremioVelázquez de Artes Plásticas, el Premio Pritzker de arqui-tectura, el Premio Nobel de literatura, la Medalla Mozartde la Unesco de música clásica, el Pulitzer de fotografía ylos Óscar de cine también fomentan la obra de los mejo-res creadores a nivel internacional. Instituciones como laUNESCO con el establecimiento de un Patrimonio de laHumanidad ayudan igualmente a la conservación de losprincipales monumentos del planeta.[1]

1.1.1 Prehistoria

El arte prehistórico es el desarrollado por el ser humanoprimitivo desde la Edad de Piedra (paleolítico superior,

Venus de Willendorf, Museo de Historia Natural de Viena.

mesolítico y neolítico) hasta la Edad de los Metales, pe-riodos donde surgieron las primeras manifestaciones quese pueden considerar como artísticas por parte del ser hu-mano. En el paleolítico (25.000-8000 a. C.), el hombre sededicaba a la caza y vivía en cuevas, elaborando la llama-da pintura rupestre. Tras un periodo de transición (meso-lítico, 8000-6000 a. C.), en el neolítico (6000-3000 a. C.)se volvió sedentario y se dedicó a la agricultura, con so-ciedades cada vez más complejas donde va cobrando im-portancia la religión, y comienza la producción de piezasde artesanía. Por último, en la llamada Edad de los Meta-les (3000-1000 a. C.), surgen las primeras civilizacionesprotohistóricas.

Paleolítico

El paleolítico tuvo sus primeras manifestaciones artísti-cas alrededor del 25.000 a. C., teniendo su apogeo en elperiodo magdaleniense (±15.000-8000 a. C.). Los pri-meros vestigios de objetos creados por el hombre apa-recen en el sur de África, el Mediterráneo occidental,Europa central y oriental (Mar Adriático), Siberia (LagoBaikal), la India y Australia. Estos primeros vestigiosson generalmente utensilios de piedra trabajada (sílex,obsidiana), o bien de hueso o madera. Para la pintura

1.1. HISTORIA DEL ARTE 3

utilizaban rojo de óxido de hierro, negro de óxido demanganeso y ocre de arcilla. Su principal medio expre-sivo era la pintura rupestre, desarrollada principalmen-te en la región franco-cantábrica: son pinturas de carác-ter mágico-religioso, en cuevas, de sentido naturalista,con representación de animales, destacando las cuevas deAltamira, Tito Bustillo, Trois Frères, Chauvet y Lascaux.En escultura, destacan las llamadas venus, representa-ciones femeninas que seguramente servían de culto a lafecundidad, destacando la Venus de Willendorf. Otrasobras representativas de esta época son el denominadoHombre de Brno, el Mamut de Vogelherd y la Venus deBrassempouy.[2]

En la prehistoria surgieron las primeras formas rudimen-tarias de música y danza: diversos fenómenos naturalesy la modulación de la propia voz humana hicieron veral hombre primitivo que existían sonidos que resultabanarmónicos y melodiosos, y que afectaban a las emociones,al estado anímico de las personas. Al tiempo, la danza,el movimiento rítmico, supuso una forma de comunica-ción corporal que servía para expresar sentimientos, o pa-ra ritualizar acontecimientos importantes (nacimientos,defunciones, bodas). En principio, música y danza te-nían un componente ritual, celebrados en ceremonias defecundidad, caza o guerra, o de diversa índole religiosa.Pronto el ser humano aprendió a valerse de objetos rudi-mentarios (huesos, cañas, troncos, conchas) para producirsonidos, mientras que la propia respiración y los latidosdel corazón sirvieron para otorgar una primera cadenciaa la danza.[3]

Neolítico

Pintura rupestre de la Roca de los Moros, en El Cogul.

Este periodo –iniciado alrededor del 8000 a. C.. en elPróximo Oriente– supuso una profunda transformaciónpara el antiguo ser humano, que se volvió sedentario yse dedicó a la agricultura y la ganadería, surgiendo nue-vas formas de convivencia social y desarrollándose lareligión. En la pintura levantina –datada entre el meso-lítico y el neolítico– se dio la figura humana, muy esque-matizada, con notables ejemplos en El Cogul, Valltorta,Alpera y Minateda. También se dio este tipo de pintura en

el norte de África (Atlas, Sáhara) y en la zona del actualZimbabue. La pintura neolítica solía ser esquemática, re-ducida a trazos básicos (el hombre en forma de cruz, lamujer en forma triangular). Son de destacar igualmentelas pinturas rupestres del Río Pinturas en Argentina, es-pecialmente la Cueva de las manos. En arte mobiliar seprodujo la llamada cerámica cardial, decorada con im-presiones de conchas (cardium), y apareció el arte tex-til. Se manufacturaron nuevos materiales como el ámbar,el cristal de roca, el cuarzo, el jaspe, etc. En esta épo-ca aparecieron los primeros vestigios de poblados conuna planimetría urbanística, destacando los restos halla-dos en Tell as-Sultan (Jericó), Jarmo (Irak) y Çatalhöyük(Anatolia).[4]

Edad de los Metales

Complejo megalítico de Stonehenge.

La última fase prehistórica es la llamada Edad de los Me-tales, pues la utilización de elementos como el cobre,el bronce y el hierro supuso una gran transformaciónmaterial para estas antiguas sociedades. En el llama-do calcolítico surgió el megalitismo, monumentos fune-rarios en piedra, destacando el dolmen y el menhir, oel cromlech inglés, como en el magnífico conjunto deStonehenge. En España se formó la cultura de Los Milla-res, caracterizada por la cerámica campaniforme y las re-presentaciones humanas de figuras esquemáticas de gran-des ojos. En Malta destacó el conjunto de templos deMudajdra, Tarxien y Ggantija. En las islas Baleares sedesarrolló una notable cultura megalítica, con diversastipologías de monumentos: la naveta, tumba en formade pirámide truncada, con cámara funeraria alargada; lataula, dos grandes piedra colocadas una vertical y otra en-cima horizontal; y el talayote, torre con una cámara cu-bierta de falsa cúpula.[5]

En la Edad del Hierro destacaron las culturas de Hallstatt(Austria) y La Tène (Suiza). La primera se dio entre lossiglos VIII y V a. C., caracterizada por las necrópolis contumbas de túmulo, con cámara mortuoria de madera enforma de casa, a menudo acompañada de un carro de cua-tro ruedas. La cerámica era polícroma, con decoraciones

4 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

geométricas y aplicaciones de adornos metálicos. La Tè-ne se desarrolló entre los siglos V y I a. C., ligada a lacultura celta. Destacó por sus objetos en hierro (espadas,lanzas, escudos, fíbulas), con diversas fases de evolución(La Tène I, II y III), que al final de esta era recibió lasinfluencias griega, etrusca y del arte de las estepas.[6]

• Venus de Brassempouy, Musée des Antiquités Na-tionales, Saint-Germain-en-Laye.

• Menhir de la zona de Bretaña (Francia).

• Talayote circular de la isla de Mallorca (España).

• Carro solar de Trundholm (Dinamarca).

1.1.2 Arte antiguo

Tablilla sobre el diluvio, del Poema de Gilgamesh, (c. siglo VIIa. C.), Museo Británico.

Puede llamarse así a las creaciones artísticas de la pri-mera etapa de la historia, iniciadas con la invención dela escritura, destacando las grandes civilizaciones delPróximo Oriente: Egipto y Mesopotamia. También en-globaría las primeras manifestaciones artísticas de la ma-yoría de pueblos y civilizaciones de todos los continentes.En esta época aparecieron las primeras grandes ciudades,principalmente en cuatro zonas delimitadas por grandesríos: el Nilo, el Tigris y el Éufrates, el Indo y el Río Ama-rillo.Uno de los grandes avances en esta época fue la invenciónde la escritura, generada en primer lugar por la necesidadde llevar registros de índole económica y comercial. Elprimer código escrito fue la escritura cuneiforme, sur-gida en Mesopotamia alrededor del 3500 a.C., practi-cada en tablillas de arcilla. Estaba basada en elementos

pictográficos e ideográficos, mientras que más adelantelos sumerios desarrollaron un anexo silábico para su es-critura, reflejando la fonología y la sintaxis del idiomasumerio hablado. En Egipto se desarrolló la escritura je-roglífica, con una primera muestra en la Paleta de Nar-mer (3100 a. C.). La lengua hebrea fue una de las pri-meras que utilizó como método de escritura el alfabeto(abyad, alrededor del 1800 a. C.), que relaciona un úni-co símbolo a cada fonema; de aquí derivan los alfabetosgriego y latino.[7]

Mesopotamia

Estatua sedente del príncipe Gudea, patesi de Lagash (2120 a.C.), Museo del Louvre, París.

El arte mesopotámico se desarrolló en la zona compren-dida entre los ríos Tigris y Éufrates (actuales Siria e Irak),donde desde el IV milenio a. C. se sucedieron diversasculturas como los sumerios, acadios, amorritas, asirios,caldeos, etc. La arquitectura se caracteriza por el empleodel ladrillo, con un sistema adintelado y la introducción deelementos constructivos como el arco y la bóveda. Des-tacan los zigurats, grandes templos de forma escalonadapiramidal, de los que prácticamente no nos han llegadovestigios, excepto algunos basamentos. La tumba solíaser de corredor, con cámara cubierta de falsa cúpula, co-mo algunos ejemplos hallados en Ur. También destacaronlos palacios, conjuntos amurallados con un sistema de te-rrazas a modo de zigurat, otorgando gran importancia a

1.1. HISTORIA DEL ARTE 5

las zonas ajardinadas (los jardines colgantes de Babiloniason una de las siete maravillas del mundo antiguo).La escultura se desarrolló en talla exenta o relieve, en es-cenas religiosas o de caza y militares, con la presencia defiguras humanas y animales reales o mitológicos. En épo-ca sumeria se dieron pequeñas estatuas de formas angulo-sas, con piedra de color o pasta en los ojos, en figuras sincabello, con las manos en el pecho. En el periodo acadioson figuras con cabello y larga barba, destacando la estelade Naram-Sin. De la etapa amorrita (o neosumeria) des-tacan las representaciones del rey Gudea de Lagash, conmanto y turbante y las manos nuevamente sobre el pe-cho. En el dominio babilónico cabe mencionar la famosaestela de Hammurabi. De la escultura asiria destacan lasfiguras antropomórficas de toros o genios alados, que flan-queaban las puertas de los palacios, así como los relievescon escenas de guerra o caza, como el Obelisco negro deSalmanasar III.[8]

Con la aparición de la escritura surgió la literatura, co-mo medio de expresión de la creatividad del ser humano.En la literatura sumeria destaca el Poema de Gilgamesh,del siglo XVII a. C. Se escribieron una treintena de mi-tos sobre las divinidades sumerias y acadias más impor-tantes, entre los que destacan: el descenso de Inanna alos infiernos y los generados en torno a los dioses Enki yTammuz. Otra muestra de relevancia es el poema Lugalud melambi Nirpal (Los trabajos de Ninurta), cuyo conte-nido es de tipo didáctico y moral. En época acadia destacael Atrahasis, sobre el mito del diluvio. En la literatura ba-bilónica es de remarcar el poema Enûma Elish, sobre lacreación del mundo.[9]

La música se desarrolló en esta región entre el IV y el IIImilenio a. C., en rituales de los templos sumerios, dondese cantaban himnos o salmos (ersemma) a los dioses. Elcanto litúrgico estaba compuesto de responsorios –cantoalternado entre sacerdotes y coro– y antífonas –canto al-ternado entre dos coros–. Tenían varios instrumentos, co-mo el tigi (flauta), el balag (tambor), la lilis (precursordel timbal), el algar (lira), el zagsal (arpa) y la adapa(pandero).[10]

Egipto

En Egipto surgió una de las primeras grandes civilizacio-nes, con obras de arte elaboradas y complejas que supo-nen ya una especialización profesional por parte del artis-ta/artesano. Su arte era intensamente religioso y simbóli-co, con un poder político fuertemente centralizado y je-rarquizado, otorgando una gran relevancia al concepto re-ligioso de inmortalidad, principalmente del faraón,[nota 1]

para el que se construyen obras de gran monumentalidad.Iniciado alrededor del 3.000 a.C., el arte egipcio perduróhasta la conquista de Alejandro Magno, si bien su influen-cia persistió en el arte copto y bizantino.La arquitectura se caracteriza por su monumentalidadcon el empleo de la piedra, en grandes bloques, con siste-

Las pirámides de Gizeh.

ma constructivo adintelado y sólidas columnas. Destacanlos monumentos funerarios, con tres tipologías principa-les: la mastaba, tumba de forma rectangular; la pirámide,que puede ser escalonada (Saqqarah) o de lados lisos(Gizeh); y los hipogeos, tumbas excavadas en el suelo o enparedes de precipicios (Valle de los Reyes). La otra granedificación es el templo, conjuntos monumentales prece-didos de una avenida de esfinges y dos obeliscos, un acce-so con dos pilonos o muros trapeciales, un patio hípetro,una sala hipóstila y el santuario. Destacan los templos deKarnak, Luxor, Filae y Edfú. Otro tipo de templo es elspeos, en forma de hipogeo, como en Abu Simbel y Deirel-Bahari.La escultura y la pintura muestran la figura humana deforma realista, aunque con gran rigidez y esquematiza-ción. En la escultura egipcia comenzó a representarse afaraones y dioses ya en las primeras dinastías, alcanzán-dose durante la IV Dinastía el dominio absoluto de latécnica en elegantes representaciones de porte majestuo-so con acabados pulidos en materiales tan duros como elgranito o la diorita. Predominaba la ley de la frontalidad yel hieratismo, con formas tendentes a la geometrización,dado su carácter simbólico como manifestaciones de lavida ultraterrena. También destacan los ushebti, peque-ñas figurillas de tierra cocida o madera, de mayor rea-lismo que la escultura funeraria, representando escenascotidianas.La pintura se caracteriza principalmente por presentar fi-guras yuxtapuestas en planos superpuestos. Las imágenesse representaban con criterio jerárquico, por ejemplo: elfaraón tiene un tamaño más grande que los súbditos o losenemigos que están a su lado. Predominaba el canon deperfil, que consistía en representar la cabeza y las extre-midades de perfil pero los hombros y los ojos de frente.En Egipto se desarrollaron notablemente las artes aplica-das, especialmente la ebanistería y la orfebrería, con mag-níficos ejemplos como los muebles de cedro con taraceasde ébano y marfil de las tumbas de Ju'e y Tu'e (MuseoEgipcio de El Cairo), o las piezas halladas en la tumba deTutankamon, de gran calidad artística.[11]

La literatura egipcia fue la primera en desarrollar unformato literario tal y como lo conocemos hoy en día:

6 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

el libro.[12] Una de sus mejores manifestaciones es laHistoria de Sinuhé, un servidor de Sesostris I, cuyo relatodata de mediados del siglo XX a. C. Posteriormente des-taca el Libro de los muertos, escrito en el Papiro de Ani,datado hacia el siglo XIII a. C. La música egipcia era prin-cipalmente de signo religioso, con un gran protagonismodel canto vocal, desarrollando un ciclo anual de festivida-des cada una de las cuales tenía su música correspondien-te –hecho que pasó a la liturgia judía y cristiana–. Entresus instrumentos figuraban el sistro, el ser (pandero), elben (arpa), la seba (flauta), el sneb (trompeta) y el met(clarinete). Al parecer, tenían también un tipo de órganohidráulico, y en la tumba de Tutankamon se encontrarondos trompetas de plata.[13]

• Speos de Ramsés II en Abu Simbel.

• El escriba sentado, Imperio Antiguo, Museo delLouvre (París).

• Pintura mural de la cámara funeraria de Amenem-het, Imperio Nuevo, dinastía XVIII (s. XV a. C.).

• Máscara funeraria de Tutankamon, Museo Egipciode El Cairo).

América

Templo en la ciudad de Monte Albán, Oaxaca, México.

En una evolución paralela a la de los pueblos neolíti-cos europeos, los antiguos cazadores-recolectores se ini-ciaron en la agricultura en torno al VII milenio a.C. –especialmente el maíz–, surgiendo las primeras socieda-des en las tierras altas de México, donde se observa elpredominio de una casta sacerdotal, con grandes conoci-mientos en matemáticas y astronomía. Los primeros ha-llazgos artísticos son de alrededor del 1300 a.C. en Xo-chipala (estado de Guerrero), donde se hallaron unas es-tatuillas de arcilla de gran vivacidad. La primera gran ci-vilización mesoamericana fue la olmeca, situada en lasprovincias de Veracruz y Tabasco, donde destacan las es-culturas de piedra, de gran naturalismo (Luchador, halla-do en Santa María Uxpanapán), o las colosales cabezas

monolíticas de hasta 3,5 metros de altura. Los zapotecas,establecidos en Oaxaca, construyeron el magnífico con-junto de la Ciudad de los Templos, en el Monte Albán.En América del Norte destacaron las culturas Hohokam,Mogollón y Anasazi.En Perú está documentada la construcción de grandestemplos antes incluso de la invención de la cerámica, enel III milenio a. C. (Sechín Alto, Kuntur Wasi). DestacaChavín de Huántar (900 a. C.), complejo religioso cons-truido en diversas fases, con una estructura en forma deU, con una plaza embaldosada con losas en relieve configuras de jaguares y animales mitológicos, templo edi-ficado sobre tres pisos de galerías, y un monolito centralde granito blanco de 4,5 metros de altura. En esta regiónsurgió una notable industria textil, quizá la primera delmundo, hilada con telar con hilos de casi 200 colores dis-tintos, destacando especialmente los mantos de lana deParacas. Otras culturas remarcables de la región fueronla moche y la nazca –con sus enigmáticos geoglifos deNazca–. En la zona del Amazonas destacó la cultura ba-rrancoide, con una cerámica de diseños incisos, así comola cultura San Agustín en Colombia.[14]

África

Escultura nok.

El arte africano ha tenido siempre un marcado caráctermágico-religioso, destinado más a ritos y ceremonias delas diversas creencias animistas y politeístas africanas que

1.1. HISTORIA DEL ARTE 7

no a fines estéticos, aunque también hay producciones designo ornamental. La mayoría de sus obras son de madera,piedra o marfil, en máscaras y figuras exentas de carác-ter más o menos antropomórfico, con un típico canon degran cabeza, tronco recto y miembros cortos. También seproducían cerámica, joyería y tejidos, así como objetosde metalurgia –el hierro era conocido desde el siglo VIa. C..–. La primera producción de cierta relevancia fue lacultura Nok, en el primer milenio a.C., situada en el nortede la actual Nigeria. Destacan las esculturas de terracota,con figuras humanas –a veces sólo la cabeza– o de ani-males (elefantes, monos, serpientes), de gran sentido na-turalista, mostrando expresiones faciales de signo indivi-dualizado, con diversos peinados, a veces con collares ybrazaletes. En Sudán se desarrollaron las culturas kermay meroe, caracterizadas por sus monumentales construc-ciones en barro, sus armas y su cerámica. En Etiopía des-tacó la ciudad de Aksum, centro de un reino que alcan-zó su apogeo en el siglo IV. Con una notable cultura –desarrollaron una escritura en lengua ge'ez, y crearon unsistema monetario–, son de destacar sus estelas en formade pilares monolíticos, de carácter funerario, de hasta 20metros de altura.[15]

Asia

India

Mohenjo-Dāro.

El arte indio tiene un carácter principalmente religioso,sirviendo como vehículo de transmisión de las distintasreligiones que han jalonado la India: hinduismo, budismo,islamismo, cristianismo, etc. También hay que destacarcomo rasgo distintivo del arte indio su afán de integra-ción con la naturaleza, como adaptación al orden univer-sal, teniendo en cuenta que la mayor parte de elementosnaturales (montañas, ríos, árboles) tienen para los indiosun carácter sagrado.

• Cultura del Indo: la primera gran civilización indiase produjo en torno a 2500-1200 a. C., conocidahoy día por las excavaciones realizadas en 1920 por

sir John Marshall en Mohenjo-Dāro, antigua ciudadque en sucesivos emplazamientos muestra una pla-nificada urbanización, con edificios públicos cons-truidos en barro cocido y ladrillo. De igual impor-tancia son las excavaciones realizadas en Harappā,con restos de cerámica, escultura y útiles de metal(oro, plata, cobre y latón).[16]

• Período védico (siglos XIII-VI a.C.) y premaurya(siglos VI-III a. C.): en esta etapa se introdujeronlos pueblos arios, apareciendo las religiones tradi-cionales indias. En el siglo VI a.C. aparecieron elbudismo y el jainismo, estableciéndose estrechos la-zos con el arte persa. La expedición a la India deAlejandro Magno (326-325 a. C.) abrió contactocon el arte helenístico griego, plasmado en las for-mas grecobudistas.

• Arte maurya (siglos III-II a. C.): la dinastía Maurya,de religión budista, ocupó todo el curso medio delIndo y la parte central de la península del Deccán.La arquitectura de piedra sustituye al ladrillo, comoen el Palacio de Aśoka en Pātaliputra. El monumen-to característico de este periodo es la stūpa, túmulofunerario de carácter conmemorativo, generalmen-te recubierto de relieves con escenas de la vida deBuda, como la Stūpa de Sānchi.

• Arte de Gandhāra (siglos II a. C.-I d. C.): el arte deGandhāra es de tradición grecobudista, con influen-cia helenística y sasánida, destacando por la repre-sentación directa de la imagen de Buda. Evolucionóla tipología de la stūpa, que es con cúpula sobre unalto tambor cilíndrico colocado sobre una base cua-drada, como el de Kanisha, en Peshawar.

• Arte de Mathurā y Amarāvatī (siglos I-IV): en la ciu-dad de Mathurā, situada en la cuenca superior delGanges, se desarrolló una importante escuela artís-tica que se difundiría por el resto de la India e in-fluenciaría al arte gupta. El estilo Mathurā mezcla-ba elementos tradicionales indios con motivos gre-corromanos, sin embargo nos han llegado pocas re-presentaciones de este periodo debido a la destruc-ción producida por la invasión islámica. El arte deAmarāvatī también tiene influencia grecorromana,como lo demuestra los restos hallados en Virapat-nam (Pondicherry). Al igual que los estilos anterio-res, sus obras principales son monasterios y stūpas,destacando la gran stūpa de Amarāvatī, de 50 me-tros de altura.[17]

La literatura india comenzó alrededor del 2500 a. C., es-crita en sánscrito. Su primera manifestación fue la lite-ratura védica (de veda, «ciencia»), con una serie de es-critos centrados en la religión y la sabiduría, con un tonopoético y evocador de un mundo mágico. Se divide en

8 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

La Guerra de Kurukshetra en una ilustración del Mahābhārata.

tres grupos: las Samhitā o «colecciones», que incluyenlos propios Vedas, serie de himnos litúrgicos de tema mi-tológico, con un lenguaje poético y de exaltación de lanaturaleza; los Brāhmaṇa, también de carácter litúrgico,pero de signo más esotérico, incluyendo los Upaṇiṣad,escritos sobre doctrinas secretas que suponen la prime-ra obra de tipo filosófico en la India; y los Sūtra, seriesde aforismos sobre religión, gramática, filosofía y otrosaspectos del brahmanismo. En un período posvédico sur-gen los grandes poemas épicos indios: el Mahābhārata esla obra literaria más extensa del mundo, con doscientosmil versos recopilados en dieciocho libros (donde des-taca el Bhagavad-gītā), sobre leyendas y epopeyas de lamitología hindú, pero con un fuerte trasfondo filosóficoy moral; y el Rāmāyana, obra de Vālmīki, nueva sín-tesis de poesía y epopeya con elementos teológicos yfilosóficos.[18]

El teatro indio tiene su origen en el Nāṭya-śāstra, libro sa-grado de Brahma comunicado a los hombres por el rishiBharata Muni, donde se habla de canto, danza y mímica.Generalmente, la temática es de signo mitológico, sobrelas historias de los dioses y héroes indios. La represen-tación es básicamente actoral, sin decorados, destacandoúnicamente el vestuario y el maquillaje. Había diversasmodalidades: Śakuntalā, de siete actos; Mricchakaṭikā,de diez actos. Como dramaturgos destacaron Kālidāsa yŚūdraka.[19]

La música india tiene un fuerte sello ecléctico debido a lamultiplicidad étnica de los diversos pueblos que fueronllegando al subcontinente índico: los vedas tenían melo-días únicamente de dos notas; los drávidas tenían mú-sicas y danzas más elaboradas, relacionadas con cultosa la fertilidad; los protomediterráneos introdujeron nue-vos instrumentos, como el magudhi, la famosa flauta delos encantadores de serpientes; los arios introdujeron loshimnos religiosos en los Vedas. El Ṛig vedá («himnos ve-das») deja constancia de tres tipos de entonaciones: udat-ta (aguda), anudatta (grave) y svarita (media). El SāmaVedá («cantos vedas») pasó de cinco a siete notas, usan-do generalmente un tetracordio en las melodías vocales,que aún perdura en zonas del Himalaya.[20]

China

Ejército de terracota de Xian (210 a. C.), situado en el interiordel Mausoleo de Qin Shi Huang.

El arte chino ha tenido una evolución más uniforme queel occidental, con un trasfondo cultural y estético comúna las sucesivas etapas artísticas, marcadas por sus dinas-tías reinantes. Como la mayoría del arte oriental tieneuna importante carga religiosa (principalmente taoísmo,confucianismo y budismo) y de comunión con la natura-leza. Al contrario que en Occidente, los chinos valorabanpor igual la caligrafía, la cerámica, la seda o la porcelana,que la arquitectura, la pintura o la escultura, a la vez queel arte está plenamente integrado en su filosofía y cultura.

• Dinastía Shang (1600-1046 a. C.): destacó por susobjetos y esculturas en bronce, especialmente va-sijas decoradas en relieve y máscaras y estatuasantropomórficas, como las halladas en la zona deChengdu, en el alto Yangtsé, de alrededor del 1200a. C. Se han encontrado restos arqueológicos de va-rias ciudades en la zona de Henan, amuralladas ycon una retícula rectangular, como en Zhengzhouy Anyang. En estos asentamientos se han halladoigualmente tumbas con ricos ajuares de armas, jo-yas y diversos utensilios en bronce, jade, marfil yotros materiales.

• Dinastía Zhou (1045-256 a. C.): evolucionando des-de el arte Shang, los Zhou crearon un estilo decora-tivo y ornamentado, de figuras estilizadas y dinámi-cas, continuando el trabajo en cobre. Una invasiónnómada en 771 a. C. fragmentó el imperio en peque-ños reinos, periodo en el que sin embargo florecieron

1.1. HISTORIA DEL ARTE 9

la agricultura y la metalurgia, apareciendo diversosestilos artísticos locales en el llamado Periodo de losReinos Combatientes. Aparecieron el taoísmo y elconfucianismo, que influenciarían enormemente alarte. Destacó el trabajo en jade, decorado en relie-ve, y apareció la laca.

• Dinastía Qin (221-206 a. C.): unificada China bajoel reinado de Qin Shi Huang, se construyó la GranMuralla para evitar invasiones exteriores, con 2.400kilómetros de longitud y una media de 9 metros dealtura, con torres de guardia de 12 metros de altura.Destaca el gran hallazgo arqueológico del Ejércitode terracota de Xian (210 a. C.), situado en el inte-rior del Mausoleo de Qin Shi Huang. Está compues-to por cientos de estatuas de terracota de guerrerosa medida natural, incluidos varios caballos y carros,con gran naturalismo y precisión en la fisonomía ylos detalles.

• Dinastía Han (206 a. C..−220 d. C.): época de pazy prosperidad, se introdujo el budismo, que tuvouna implantación lenta pero progresiva. Destacó porsus capillas funerarias, con estatuas aladas de leones,tigres y caballos. La pintura se centró en temas de lacorte imperial, nobles y funcionarios, con un senti-do confucianista de la solemnidad y la virtud moral.También son de remarcar los relieves en santuariosy cámaras de ofrendas, generalmente dedicados amotivos confucianistas, en un estilo lineal de gransimplicidad.

• Periodo de las Seis dinastías (220-618): se difun-dió más ampliamente el budismo, construyéndosegrandes santuarios con estatuas colosales de Buda(Yungang, Longmen). Junto a esta nueva religión,y gracias a la ruta de la seda, se recibieron diversasinfluencias procedentes del oeste asiático. En pintu-ra se formularon los seis principios, enunciados porXie He a principios del siglo VI, y comenzó la ca-ligrafía artística con la figura legendaria de WangXianzhi.[21]

La literatura china se inició con obras de carácter reli-gioso y filosófico, apareciendo entre los siglos X y V a.C. los llamados Cinco Clásicos: el Li-Ki, compendio derituales y costumbres que fue posteriormente ampliado,llegando a los cien tomos; el I Ching, manual de adivina-ción basado en el significado de ocho trigramas, atribuidoal mítico emperador Fu Xi; el Shu-king, crónica escritaen un lenguaje formal y ceremonioso que será típico dela producción literaria china; el Shi King (El clásico de lapoesía), recopilación de poemas; y el Ch'uen-tsieu, prime-ra crónica fechada (722-481 a. C.). En torno al siglo V a.C. surgieron las principales obras del pensamiento chino,grandes compendios de la filosofía y la moral: el Lùn Yǔ(Analectas) de Confucio y el Tao te king (Libro del Tao)de Lao Tse. También tuvo mucha repercusión El arte de

Versión del Tao te king hallada en Mawangdui.

la guerra de Sun Tzu. En época Han apareció un nuevogénero, el fu, poesía de carácter didáctico asociada a unacomposición musical, mientras que en prosa destacó elShe-ki (Memorias históricas) de Ssê Ma-ts’ien.[22]

La música china es pentatónica (de cinco notas), al con-trario que el sistema heptatónico occidental (de siete no-tas). Del periodo predinástico hay constancia de variosinstrumentos, como el ch'ing (piedra sonora), el hsüan(flauta), el ku (tambor) y el chun (campana). De épocaShang es el Shih Ching (Libro de los Cantos), que reco-ge creaciones musicales desde el 1600 hasta el 600 a. C.Durante la dinastía Zhou se sentaron las bases de la mú-sica tradicional china, recopiladas en el Lü Shih Ch'unCh'iu (Anales del Sr. Lü) de Lü Buwei (239 a.C.): sobreun «tono base» (huang chung) procedente de una caña de

10 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

bambú, derivaron tonos más agudos cortando el tubo untercio menor que el anterior, obteniendo las cinco notas:king, shang, chiao, chih, yü. Los principales instrumen-tos eran: el pien-ch'ing (carillones de piedra de jade), elpien-chung (campanillas), el sheng (órgano de tubos debambú), el p'ai-hsiao (flauta pánica o siringa) y el ch'in(cítara).[23]

Japón

Página de un Nihonshoki (Anales de Japón) del período Heian .

El arte japonés ha estado marcado por su insularidad,aunque a intervalos ha ido recibiendo la influencia de lascivilizaciones continentales, sobre todo de China y Corea.Gran parte del arte producido en Japón ha sido de tiporeligioso: a la religión sintoísta, la más típicamente japo-nesa, formada alrededor del siglo I, se añadió el budismoen torno al siglo V, forjando un sincretismo religioso queaún hoy perdura.

• Período Jōmon (5000-200 a. C.): durante elmesolítico y el neolítico se fabricaron instrumentosde hueso y piedras pulimentadas, cerámica y figurasantropomorfas. Japón se mantuvo aislado del conti-nente, por lo que toda su producción fue autóctona,aunque de poca relevancia. Cabe señalar que la ce-rámica Jōmon es la más antigua producida por el serhumano, hecha a mano y decorada con incisiones oimpresiones de cuerda.[24]

• Período Yayoi (200 a. C.−200 d. C.): desde el sigloI empezó a introducirse la civilización del continen-te, a causa de las relaciones con China y Corea.En esa época se difundió un tipo de sepulturas degran tamaño con cámara y túmulo ornamentado concilindros de terracota, con figuras humanas y de ani-males. La cerámica se producía con torno.

• Período Kofun (200-600): destacan las grandessepulturas de los emperadores Ōjin (200-310) yNintoku (310-399), donde aparecieron diversas jo-yas, armas, cerámica y unas figuras de terracotallamadas haniwa. En este período encontramos lasprimeras muestras de pintura japonesa (tumbas deKyūshū, siglos V-VI; enterramiento real de Otsuka).En cuanto a arquitectura religiosa, cabe destacar eltemplo de Isa.[25]

La literatura japonesa tiene una fuerte influencia china,debido sobre todo a la adopción de la escritura china. Eltestimonio más antiguo conservado es el Kojiki (Relatosde cosas antiguas), especie de historia universal de cor-te mítico y teogónico. Otro testimonio de relevancia esel Nihonshoki (Anales de Japón). La poesía está repre-sentada por el Manyoshu (Colección de diez mil hojas),antología de poemas de diverso signo, con gran variedadtemática y estilística, redactado por varios autores entrelos que destacan Otomo Yakamochi y Yamanoue Oku-ra.[26]

La música japonesa tuvo sus primeras manifestaciones enlas honkyoku («piezas originales»), que se remontan al si-glo XIX a. C., así como el min'yō, canciones folklóricasjaponesas. Los ritos sintoístas tenían coros que recitabanun trino lento acompañado de flauta de bambú (yamate-bue) y cítara de seis cuerdas (yamato-goto). La principalmodalidad de música y danza sintoísta es la kagura, so-bre el mito de Amaterasu, diosa del sol. Se ejecuta conlos instrumentos mencionados, y otros como el hichiriki(oboe) y tambores como el o-kakko y el o-daiko.[27]

Oceanía

Pintura rupestre de los aborígenes australianos.

El arte oceánico está marcado por la multiplicidad de te-rritorios insulares que jalonan el Océano Pacífico, desta-cando las islas de Australia y Nueva Zelanda, y tres prin-cipales áreas de islas y archipiélagos: Polinesia, Melanesiay Micronesia. La primera cultura desarrollada en la zonafue la lapita (1500-500 a. C.), originada en Nueva Cale-donia y extendida por Nueva Guinea y Polinesia occiden-tal (islas Salomón, Vanuatu, Fiyi, Tonga y Samoa, princi-palmente). Se caracteriza por su cerámica decorada conmotivos dentados hechos con peines o púas, así como ob-jetos de obsidiana y conchas. Entre el 500 a. C. y el 500d. C. continuó la colonización hacia Micronesia, Melane-sia y Polinesia oriental (islas Sociedad, Marquesas, isla dePascua, Hawái), aunque en estas primeras fases no se hanhallado numerosos vestigios, excepto algunos utensilios yabalorios, principalmente de conchas. En Australia desta-can las pinturas rupestres, que son bastante esquemáticas,

1.1. HISTORIA DEL ARTE 11

llegando a la simplificación geométrica.[28]

Otras manifestaciones

Puerta del León en Boğazköy.

• Arte hitita: el pueblo hitita habitó en la península deAnatolia, Armenia y Siria, entre el III y el II mile-nio a. C. Recibió influencia mesopotámica y, a suvez, influenció al arte persa, minoico y etrusco. Suarquitectura era monumental, con palacios precedi-dos de avenidas con esculturas de esfinges, como enBoğazköy, donde aparecieron también diversos re-lieves con escenas de guerra y caza. También desta-caron las esculturas de Karkemish y Tell-Halaf (Si-ria).

• Arte fenicio: pueblo de tradición marinera, dedica-dos principalmente al comercio, navegaron por to-do el Mediterráneo y el norte de África, fundando laciudad de Cartago en la actual Tunicia. Transmitie-ron la influencia del arte oriental por todo el Medite-rráneo. Destacan sus esculturas, de influencia asiriay egipcia, con cierta rigidez arcaica y falta de na-turalidad. El arte fenicio se dio también en distin-tas zonas del Mediterráneo, especialmente Chipre,Cerdeña e Ibiza.

• Arte escita: también llamado «arte de las estepas»,es el correspondiente a los pueblos nómadas quehabitaban las llanuras euroasiáticas, principalmenteentre el II y el I milenio a. C. Su arte era preponde-rantemente mobiliar, fácil de transportar, al ser unpueblo nómada. Ligado a la metalurgia, destacan losobjetos en bronce, hierro y metales preciosos (ar-mas, escudos, fíbulas, cinturones, joyas), así comoobras en madera, hueso, cuero, telas y alfombras.En sus obras destacan los motivos animalísticos, po-siblemente de origen totémico. El arte escita in-fluenció al de los pueblos germánicos, vikingos ypaleocristianos.

• Arte ibérico: se desarrolló en la Península Ibéricacoetáneamente a la cultura de La Tène, principal-mente en Andalucía y la zona de levante y, en menor

medida, en la Meseta Central y el sur de Francia. Laarquitectura se basaba en los muros de tapial, consistema adintelado, realizando arcos y bóvedas fal-sas por aproximación de hiladas. Las ciudades se so-lían construir en acrópolis, como en Azaila, Ullastrety Olérdola. Se desarrolló notablemente la escultura,destacando la tipología de las «damas», como las deElche, Baza y el Cerro de los Santos. También fuetípica la representación de animales (caballos, to-ros, leones), algunos de carácter antropoide, comola Bicha de Balazote.

• Arte persa: en Persia se desarrolló una importantecultura bajo el reinado de dos importantes dinastías:la aqueménida (560-331 a. C.) y la sasánida (226-640 d. C.). La arquitectura persa aglutinó las formasmesopotámicas con las egipcias, empleando por pri-mera vez la piedra en grandes palacios como los deSusa, Persépolis y Pasargada, donde surgió por vezprimera el uso de la ventana –a diferencia de la ilu-minación cenital utilizada hasta entonces–, y dondedestacan las grandes salas o apadanas, con colum-nas de gran altura y capiteles de volutas. En épocasasánida surgieron palacios (Ctesifonte, Firuzabad)con sistemas abovedados con cúpulas sobre trom-pas, y un pórtico o iwan con gran arco abierto aun patio, que influirá al arte islámico. En la escultu-ra persa destacan los relieves, en piedra o cerámicaesmaltada, con escenas de guerreros, combates conmonstruos o animales como toros y leones.[29]

• Arte nabateo: pueblo de origen semítico que habi-taron en la zona sirio-palestina entre los siglos VI yII a. C., destaca especialmente la ciudad de Petra,situada entre desfiladeros de montaña, donde se hanhallado diversos templos, palacios y tumbas exca-vados en la roca, de estilo helenístico. Entre ellosdestaca el Jazneh Firaun («el tesoro del faraón»),con una monumental fachada con pronaos hexástiloy frontón, y la parte superior con un tholos redondoy dos edículos laterales con semifrontones.

• Arte hebreo: los hebreos se instalaron en Palestinaen el siglo XIII a.C. Recibieron la influencia del arteegipcio, fenicio y mesopotámico, así como del he-lenístico más adelante. De acuerdo a su religión serechazaban las imágenes, por lo que la mayoría de suarte es ornamental. En arquitectura, hay testimoniosde la gran magnificencia del Templo de Jerusalén,que lamentablemente no ha llegado hasta nuestrosdías. Aparte de eso destacan las sinagogas, general-mente de planta basilical y fachada tripartita, comoen los templos sirios. En la literatura hebrea desta-ca la Biblia (el Tanaj o Antiguo Testamento, tam-bién llamado Torá, «ley»), importante documentono sólo religioso sino también literario, redactadoentre los siglos X a. C. y II d. C.en diversos estilos ygéneros (histórico, legendario, mitológico, poético,

12 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

profético, sapiencial y epistolar). Posteriormente seredactaron la Mishná, el Talmud y la Cábala.[30]

• Ruinas de Persépolis.

• Dama de Elche, Museo Arqueológico Nacional deEspaña, Madrid.

• Tumba de Jazneh Firaun («el tesoro del faraón»), enPetra.

• Página del Tanaj, nombre hebreo del Antiguo Tes-tamento.

1.1.3 Arte clásico

Fachada del Partenón, en la Acrópolis de Atenas.

Se denomina arte clásico[nota 2] al arte desarrollado en lasantiguas Grecia y Roma, cuyos adelantos tanto científi-cos como materiales y de orden estético aportaron a lahistoria del arte un estilo basado en la naturaleza y en elser humano, donde preponderaba la armonía y el equi-librio, la racionalidad de las formas y los volúmenes, yun sentido de imitación («mímesis») de la naturaleza quesentaron las bases del arte occidental, de tal forma quela recurrencia a las formas clásicas ha sido constante a lolargo de la historia en la civilización occidental.

Grecia En Grecia se desarrollaron las principales ma-nifestaciones artísticas que han marcado la evolución delarte occidental. Tras unos inicios donde destacaron lasculturas minoica y micénica, el arte griego se desarrollóen tres periodos: arcaico, clásico y helenístico. Caracte-rizado por el naturalismo y el uso de la razón en medidasy proporciones, y con un sentido estético inspirado en lanaturaleza, el arte griego fue el punto de partida del artedesarrollado en el continente europeo.En arquitectura destacaron los templos, donde se sucedie-ron tres órdenes constructivos: dórico, jónico y corintio.Eran construcciones en piedra, sobre un basamento (kre-pis), con o sin pórtico (o con pórtico delante y detrás, esdecir, anfipróstilo), con o sin columnas (que pueden ser

frontales, laterales, o pueden rodear todo el edificio, encuyo caso se denomina períptero), y coronados general-mente en forma de frontón, donde destaca el friso, de-corado generalmente con relieves escultóricos. Destacaespecialmente el conjunto de la Acrópolis, con el tem-plo dórico del Partenón y los jónicos del Erecteión y laNiké Áptera. Otras obras de relevancia fueron el Teatrode Epidauro y la Linterna de Lisícrates, y se desarrolló elurbanismo de la mano de Hipodamo de Mileto.En escultura predominó la representación del cuerpo hu-mano, basado en la armonía de las proporciones. En épo-ca arcaica se dieron formas rígidas y esquemáticas, degran expresividad, destacando por un tipo de sonrisa cer-cano a la mueca, llamada «sonrisa eginética» por tener sumayor representación en las figuras del Templo de Afaiaen Egina. También son típicos de esta época las esta-tuas de atletas desnudos (kouros) y de muchachas vesti-das (kore). En el siglo V a. C. (el llamado «siglo de Peri-cles») se instauró el clasicismo, llevando a la perfecciónel canon en las proporciones del cuerpo humano, con ma-yor naturalismo y un estudio anímico en la expresión dela figura representada. Destacó especialmente la obra deMirón, Fidias y Policleto. En una segunda fase clasicis-ta, se rompió la serenidad naturalista en aras de enfatizarla expresión, que resulta más trágica y angustiosa, comopercibimos en la obra de Escopas, Praxíteles y Lisipo.Por último, en el periodo helenístico la proporción y laarmonía dan paso al recargamiento y la sinuosidad, al di-namismo violento de la forma y la expresión patética delsentimiento, como en el Laocoonte y el Toro Farnesio, sibien persisten las formas clásicas en obras como la Venusde Milo y la Victoria de Samotracia.La pintura se desarrolló sobre todo en la cerámica, en es-cenas cotidianas o de temática histórica o mitológica. Sesuele establecer dos épocas, en función de la técnica uti-lizada en la confección de cerámica pintada: «figuras ne-gras sobre fondo rojo» (hasta el siglo VI a.C.) y «figurasrojas sobre fondo negro» (desde el siglo VI a. C.). Aun-que no han llegado numerosas muestras hasta la actuali-dad, se tiene constancia por fuentes históricas del nombrede varios famosos pintores griegos, como Zeuxis, Apeles,Parrasio, Eufranor, Polignoto, etc.[31]

Comienzo de la Odisea, de Homero.

La literatura griega alcanzó cotas de gran calidad, ponien-

1.1. HISTORIA DEL ARTE 13

do las bases de la literatura occidental. Se configuraronlos géneros literarios (épica, lírica y dramática), siendo labase argumental de sus obras la religión y la mitología.Desde unos inicios de tradición oral (la epopeya), surgióla literatura escrita con el desarrollo del alfabeto griego al-rededor del siglo VIII a. C.. Los mitos griegos eran una fu-sión de elementos indogermánicos y mediterráneos, conun particular sentido estético que daría origen a la poesía.En origen, el mythos griego era una historia explicada,de tradición oral, considerándose fidedigna –al contra-rio que hoy, en que «mito» es sinónimo de leyenda, deficción–; con la épica y la poesía, el mito pasó a la lite-ratura, principalmente con la figura de Homero y sus dosgrandes obras: la Ilíada y la Odisea. La poesía destacópor una lírica coral que expresaba sentimientos colecti-vos, como se percibe en la obra de Hesíodo, Píndaro, Safoy Anacreonte. También se desarrolló la prosa, sobre todoen el género histórico, destacando Herodoto, Tucídidesy Jenofonte; la oratoria, representada por Demóstenes,Platón y Aristóteles; y la fábula, practicada por Esopo.[32]

En Grecia nació el teatro entendido como «arte dramáti-co», donde junto a un texto –donde predomina el diálogo,base de la representación escénica–, intervienen tambiénlos actores, la escenografía, las luces y efectos de soni-do, el vestuario, el maquillaje, etc., mientras que es esen-cial la presencia de un público que contempla el espec-táculo. El teatro griego evolucionó de antiguos ritualesreligiosos (komos); el ritual pasó a mito y, a través de la«mímesis», se añadió la palabra, surgiendo la tragedia.A la vez, el público pasó de participar en el rito a serun observador de la tragedia, la cual tenía un componen-te educativo, de transmisión de valores, a la vez que depurgación de los sentimientos («catarsis»). Más adelantesurgió la comedia, con un primer componente de sátira ycrítica política y social, derivando más tarde a temas cos-tumbristas y personajes arquetípicos. Apareció entoncestambién la mímica y la farsa. Los principales dramatur-gos griegos fueron: Esquilo, Sófocles y Eurípides en tra-gedia, mientras que en comedia destacaron Aristófanes yMenandro.[33]

La música griega nos es desconocida a nivel auditivo, tansólo tenemos idea de cómo podía ser por documentos es-critos. Los griegos escribían música con las letras del al-fabeto, pero no se sabe cuánto duraba cada nota, por loque se desconoce el ritmo. Una de las primeras modalida-des fue el ditirambo, relacionado con el culto a Dioniso.El teatro y las narraciones épicas eran cantados, aunqueal perderse las anotaciones musicales han quedado co-mo documentos escritos. En Grecia fue la primera vezen la historia que se estudió la música de forma científi-ca: Pitágoras la relacionó con las matemáticas, y se escri-bieron tratados teóricos sobre música, siendo el primeroel de Aristóxeno en el siglo IV a.C.. Los principales ins-trumentos utilizados en Grecia fueron: la lira, la cítara,el aulos, la siringa, varios tipos de tambores –como porejemplo el tympanon–, el crótalo, el címbalo, el sistro,etc.[34] Grecia fue el primer lugar donde la danza fue

considerada un arte, teniendo una musa dedicada a ella:Terpsícore. Los primeros vestigios provienen nuevamen-te de los cultos a Dioniso, mientras que fue en las trage-dias –principalmente las de Esquilo– donde se desarrollócomo técnica, en los movimientos rítmicos del coro.[35]

• Estatua de mármol de kouros (hacia 590–580 a. C.),Metropolitan Museum of Art, Nueva York.

• El Discóbolo de Mirón (455 a. C.), Museo Británico,Londres.

• La Venus de Milo (130 - 100 a. C..), Museo del Lou-vre, París.

• Laocoonte y sus hijos, de Agesandro, Atenodoroy Polidoro de Rodas (hacia 50 d.C.), Museo Pío-Clementino , Vaticano.

El Coliseo de Roma.

Roma Con un claro precedente en el arte etrusco, elarte romano recibió una gran influencia del arte grie-go. Gracias a la expansión del Imperio Romano, el arteclásico grecorromano llegó a casi todos los rincones deEuropa, norte de África y Próximo Oriente, sentando labase evolutiva del futuro arte desarrollado en estas zonas.La arquitectura destacó por su carácter práctico y uti-litario: grandes ingenieros y constructores, los roma-nos destacaron en arquitectura civil, con la construcciónde carreteras, puentes, acueductos y obras urbanísticas,así como templos, palacios, teatros, anfiteatros, circos,termas, arcos de triunfo, etc. Al sistema arquitrabadogriego añadieron el uso del arco y la bóveda, con el em-pleo de sillería, ladrillo y mampostería. Utilizaron los ór-denes griegos, al que añadieron el orden toscano, de fusteliso y capitel con collarino y equino rematado en un ábacocuadrado. Entre sus principales obras se pueden recordarel Coliseo, el Panteón de Agripa, el Teatro de Mérida,la Maison Carrée de Nîmes, las Termas de Caracalla, elAcueducto de Segovia, el Arco de Constantino, la Torrede Hércules, etc.La escultura, inspirada en la griega, se centró igualmenteen la figura humana, aunque con más realismo, no les im-portaba mostrar defectos que eran ignorados por la idea-lizada escultura griega. Un género muy difundido fue el

14 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

retrato, con gran detallismo y fidelidad en los rasgos, per-ceptible en el uso del trépano para producir claroscuro yen el hecho de grabar las pupilas. Más idealizados son losretratos de los emperadores, realizados en tres versiones:togata, como patricio; thoracata, como militar; y apoteó-sica, como divinidad. Destacó especialmente el relieve,en temas históricos o religiosos, como vemos en el AraPacis de Augusto, en el Arco de Tito y en la ColumnaTrajana.La pintura es conocida sobre todo por los restos halla-dos en Pompeya, donde se perciben cuatro estilos: el deincrustación, que imita el revestimiento en mármol; elarquitectónico, llamado así por simular arquitecturas; elornamental, con arquitecturas fantásticas, guirnaldas yamorcillos; y el fantástico, mezcla de los dos anteriores,con paisajes imaginarios, variadas formas arquitectóni-cas y escenas mitológicas. También destacó el mosaico,en opus sectile, de formas geométricas, u opus tesellatum,con pequeñas piezas que forman escenas figurativas, co-mo El sacrificio de Ifigenia en Ampurias o La batalla deIsos en Nápoles.[36]

La literatura romana recibió como en el resto de las ar-tes la influencia griega, de la que adoptaron técnica y gé-neros; la principal innovación latina fue el concepto de«estilo» que los romanos aplicaron a sus obras. Si bien suproducción no fue de gran calidad –en el aspecto estético-literario–, la obra de los autores latinos ha ejercido unagran influencia en la literatura occidental, por su ascen-diente sobre la literatura cristiana y medieval, y debido aque el latín fue el origen de las lenguas vernáculas habla-das posteriormente en muchos lugares de Europa. Cul-tivaron los mismos géneros que los griegos, destacandoen poesía Lucrecio, Virgilio, Horacio y Ovidio; en pro-sa, Petronio y Apuleyo; en oratoria, Cicerón y Séneca; enhistoriografía, Salustio, Tácito y Tito Livio.[37]

El teatro romano recibió la influencia del griego, aunqueoriginalmente derivó de antiguos espectáculos etruscos,que mezclaban el arte escénico con la música y la danza:tenemos así los ludiones, actores que bailaban al ritmo delas tibiae –una especie de aulos–; más tarde, al añadir-se la música vocal, surgieron los histriones –que significa«bailarines» en etrusco–, que mezclaban canto y mimo(las saturae, origen de la sátira). Al parecer, fue LivioAndrónico –de origen griego– quien en el siglo III a. C.introdujo en estos espectáculos la narración de una histo-ria. El ocio romano se dividía entre ludi circenses (circo)y ludi scaenici (teatro), predominando en este último elmimo, la danza y el canto (pantomima). Como autoresdestacaron Plauto y Terencio.[38] La música romana noses desconocida, igual que la griega. Tan sólo Cicerón ha-bla un poco de ella en sus escritos. Al parecer, la épocade mayor esplendor fue el reinado de Nerón, que favore-ció notablemente la música –él mismo tocaba la lira–. Lamúsica romana pasó a la iglesia cristiana primitiva.

• Arco de Constantino.

• Augusto de Prima Porta, Museos Vaticanos.

• Fresco hallado en Pompeya.

• Mosaico de la Batalla de Isos, Casa del Fauno,Pompeya.

1.1.4 Arte medieval

Mosaico del Buen pastor, Mausoleo de Gala Placidia, Rávena(primera mitad del siglo V).

La caída del Imperio Romano de Occidente marcó el ini-cio en Europa de la Edad Media, etapa de cierta decaden-cia política y social, pues la fragmentación del imperioen pequeños estados y la dominación social de la nuevaaristocracia militar supuso la feudalización de todos losterritorios anteriormente administrados por la burocraciaimperial. El arte clásico será reinterpretado por las nue-vas culturas dominantes, de origen germánico, mientrasque la nueva religión, el cristianismo, impregnará la ma-yor parte de la producción artística medieval.

Arte paleocristiano

Se denomina arte paleocristiano al efectuado por los pri-meros seguidores de esta nueva religión, primero de for-ma oculta, mientras aún eran perseguidos por el poderimperial, para pasar posteriormente, tras la conversión alcristianismo del emperador romano Constantino, a ser elestilo oficial del Imperio. Las formas clásicas fueron re-interpretadas para servir como vehículo de expresión dela nueva religión oficial, y se produjo una atomización deestilos por zonas geográficas.En arquitectura, las primeras manifestaciones se produje-ron en el ámbito de los cementerios o «catacumbas», queservían a la vez de lugares de reunión para los persegui-dos devotos cristianos. Con la legalización de su religión,destacó como tipología la basílica, adaptación del edifi-cio romano de mismo nombre que, sin embargo, pasó deuna función civil a una religiosa. Generalmente consta-ba de tres partes: un atrio de acceso, el cuerpo de la ba-sílica, dividido en tres naves, y el presbiterio, donde se

1.1. HISTORIA DEL ARTE 15

sitúa el altar. Destacan las basílicas de San Pedro del Va-ticano, San Juan de Letrán, San Lorenzo y San Clementeen Roma, y San Apolinar en Rávena.Las artes figurativas inician el camino del arte medieval,eminentemente religioso, dando preponderancia al sim-bolismo de las escenas representadas por encima del rea-lismo de la narración o de su carácter estético. En escul-tura destacaron los sarcófagos, que evolucionaron desdela simple decoración ornamental con molduras cóncavas(strygiles) hasta la narración de escenas en friso. La pintu-ra se dio sobre todo en las catacumbas, con escenas reli-giosas y alegóricas, y surgió la miniatura, iluminación demanuscritos, con dos principales escuelas: la helenística-alejandrina y la siria. Cobró especial relevancia el mosai-co, que tuvo un gran desarrollo, llegando a influir al artebizantino; los mejores ejemplos se hallan en Santa Maríala Mayor de Roma y San Apolinar y San Vital de Ráve-na.[39]

La literatura cristiana fue desarrollada en latín y griego,generalmente con propósito didáctico y propagandísticode la nueva fe. Eran obras prácticas, sin voluntad esti-lística, con una finalidad moralizante. En un primer mo-mento destacó la elaboración del Nuevo Testamento, re-dactado en griego, con tres partes principales: los cua-tro evangelios (Mateo, Marcos, Lucas, Juan), el corpusepistolar (cartas de San Pablo y otros apóstoles) y elApocalipsis de San Juan. A continuación surgieron unaserie de escritos apologéticos de los llamados Padres dela Iglesia: Atenágoras, Orígenes, Clemente de Alejandría,Eusebio de Cesarea, etc. Al convertirse el cristianismo enla religión oficial del Imperio surgió una tendencia más li-teraria, más elaborada y retórica, destacando San Basilioel Grande, San Juan Crisóstomo y San Gregorio Nacian-ceno. Entre los exegetas latinos destacaron Tertuliano,Lactancio, Prudencio, San Jerónimo (traductor de la Bi-blia al latín, la llamada Vulgata) y, especialmente, SanAgustín.[40]

La música cristiana primitiva era heredera de la romana,así como de la liturgia judía. La misa era cantada, de ti-po coral. En el siglo IV San Ambrosio introdujo el cantoambrosiano, ondulación vocal sin ritmo ni saltos entre no-tas. Más adelante, el papa Gregorio I Magno creó el cantogregoriano (siglo VII), con una línea melódica continua,en forma de misal (missalis romanum). Existen tres esti-los de canto gregoriano, que se clasifican dependiendo dela cantidad de tonos diferentes que se cantan por sílaba:cuando hay un tono por sílaba se llama estilo «silábico»;de 2 a 5 tonos por sílaba se llama «neumático»; y de 6 amás tonos por sílaba se llama «melismático».[41]

Arte germánico

La invasión del Imperio Romano por los pueblos germá-nicos supuso la fragmentación del territorio en diversosreinos, donde los pueblos invasores pasaron a ser la cla-se dirigente, si bien subsistió la cultura romana entre las

Iglesia visigoda de San Juan de Baños, en Palencia.

clases humildes. Esta convivencia cultural generó la apa-rición de las lenguas vernáculas y la creación de nuevasentidades políticas y culturales, que se irán afianzando alo largo de la Edad Media hasta formar las diversas na-cionalidades existentes en la actualidad en el mundo oc-cidental.Las primeras manifestaciones arquitectónicas de estospueblos fueron de escasa relevancia, debido a la pobre-za de los materiales usados y a la falta de un programaconstructivo de envergadura. Se solían aprovechar insta-laciones y materiales romanos, generalizándose el uso delarco de medio punto y la bóveda. Destacan las construc-ciones ostrogodas en Italia, como el Mausoleo de Teo-dorico en Rávena. En escultura destacó el relieve, comolos de Poitiers en Francia o de Cividale en Italia. La pin-tura se desarrolló en la miniatura, como vemos en lossacramentarios de Luxeuil y Gelasiano (Vaticano).Entre los pueblos germánicos conviene destacar elvisigodo, asentado en la Península Ibérica, que desarrollóun estilo propio de gran relevancia. La arquitectura des-tacó por el empleo de la sillería, el arco de herradura yla bóveda, bien de cañón o de aristas. Desarrollaron trestipos de iglesias: la basilical de tres naves (San Juan deBaños, Palencia), la de una nave con cámaras laterales(San Pedro de la Mata, Toledo) y la de cruz griega (SantaComba de Bande, Orense). En escultura, es de destacarla incorporación de la escultura figurativa a las iglesias,sobre todo en frisos y capiteles, como en Quintanilla delas Viñas (Burgos) y San Pedro de la Nave (Zamora).Destacó también la orfebrería, sobre todo en coronas ycruces, como los hallados en los tesoros de Guarrazar yTorredonjimeno.[42]

Arte prerrománico

Se denomina así a los múltiples estilos desarrollados enEuropa desde la coronación de Carlomagno (año 800)hasta alrededor del año 1000, donde la aparición delrománico supondrá la divulgación de un mismo estilo uni-tario a lo largo de todo el continente europeo. Esta acep-ción es simplemente una forma de englobar una serie deestilos independientes y con pocos o ningún factor co-mún, con el único aglutinante de ser predecesores de la

16 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

Interior de la Capilla Palatina, en Aquisgrán.

internacionalización del románico.

• Arte carolingio: la coronación de Carlomagno supu-so en cierta forma la restauración del Imperio Ro-mano, lo que conllevó un renacer cultural y un pri-mer retorno a la cultura clásica como fuente de ins-piración, aunque matizada por la religión cristiana.La arquitectura carolingia se basó en el uso del pilaren vez de la columna, con arcos de medio puntoy cubiertas de madera o bóvedas de cañón. Ejem-plos de ello son la Capilla Palatina de Aquisgrán ymonasterios benedictinos como Sankt Gallen, Fulday Corvey. La escultura se produjo sobre todo enmarfil y bronce, como la Estatua ecuestre de Car-lomagno (Louvre). La pintura se circunscribió a laminiatura, con varias escuelas como la palatina, lade Tours, la de Reims y la de Saint-Denis.

• Arte otoniano: se denomina así por coincidir con losreinados de Otón I, Otón II y Otón III. Arquitectóni-camente son herederos del arte carolingio: el mode-lo de Aquisgrán se percibe en el coro de la abadíade Essen y en Ottmarsheim, mientras que el mo-delo basilical benedictino se halla presente en SanCiriaco de Genrode, San Miguel de Hildesheim yla catedral de Espira. En artes plásticas se perci-be la influencia bizantina, debido al matrimonio deOtón II con Teófano de Constantinopla: en escultu-ra destacan las obras en bronce, como las puertas deSan Miguel de Hildesheim; en pintura, cabe citar losfrescos de San Jorge de Oberzell.

• Arte celta: en las Islas Británicas, recientementeevangelizadas, tuvo una época de esplendor el artecelta. En arquitectura se conservan pocos restos, yaque generalmente se construía en madera: cabe des-tacar las iglesias de Deerhurst y Bradford-on-Avon.En escultura destacan las grandes cruces irlandesas,decoradas en relieve, como las de Moone, Kells yMonasterboice. La miniatura tuvo influencia caro-lingia, destacando la escuela de Winchester, a la que

perteneció el Pontifical de San Aethelwold (BritishMuseum).

• Arte vikingo: la arquitectura era en madera, des-tacando las iglesias de forma piramidal, de tejadosapuntados y salientes de gran verticalidad, al esti-lo de las salas de reunión vikingas, como la iglesianoruega de Borgund. Destacan asimismo los traba-jos de orfebrería, especialmente las fíbulas con lar-gas agujas y las espadas con botón terminal y anillosen la empuñadura.

• Arte asturiano: con la invasión islámica de la Penín-sula Ibérica, los cristianos se vieron reducidos a laregión de Asturias, que vio florecer notablemente elarte sobre todo en arquitectura, donde se distinguentres etapas, en función del reinado de Ramiro I: pre-rramirense, ramirense y posramirense. Se caracte-riza por el empleo de muros de sillarejo, arcos demedio punto –a veces peraltados–, bóvedas de ca-ñón con arcos fajones y contrafuertes exteriores. Latipología principal es la basilical de tres naves, conamplio crucero y tres capillas rectangulares a la ca-becera. En el primer periodo destaca la iglesia deSan Julián de los Prados; en el ramirense, Santa Ma-ría del Naranco, San Miguel de Lillo y Santa Cris-tina de Lena; y en el posramirense, San Salvador deValdediós.

• Arte mozárabe: se denomina mozárabes a los cris-tianos que vivían bajo la dominación islámica, yque, al pasar de nuevo a territorio reconquistado porlos cristianos, practicaban un tipo de arte de graninfluencia islámica. Se desarrolló sobre todo en elsiglo X, principalmente al norte del Duero, en el altoEbro, sur de Galicia, Cantabria y Pirineos. La arqui-tectura destaca por el uso del arco de herradura, asícomo la bóveda de nervios de tipo califal, formadapor arcos que se cruzan. Son iglesias generalmentede pequeño tamaño, con gran variedad en la tipolo-gía de su planta, destacando Santa María de Melque(Toledo), San Cebrián de Mazote (Valladolid), SanBaudelio de Berlanga (Soria), San Millán de la Co-golla (La Rioja) y San Miguel de Escalada (León).Cabe destacar en miniatura los beatos, ilustracionesdel Comentario al Apocalipsis del Beato de Liéba-na.[43]

La literatura medieval es heredera de la tradición clá-sica grecorromana, aunque con un claro componenteteocéntrico y de exaltación de la religión cristiana. En-marcada en el terreno eclesiástico, que es el encargadode la conservación del antiguo legado cultural, la produc-ción literaria es enteramente en latín, generalmente sobretemas morales y de retórica, como se percibe en la obrade Sidonio Apolinar, Boecio, Casiodoro, San Isidoro, SanGregorio Magno, Venancio Fortunato, etc. También des-tacó la escuela irlandesa (San Columbano, San Beda el

1.1. HISTORIA DEL ARTE 17

Venerable) y la carolingia (Alcuino de York, Teodulfo deOrleans, Rabano Mauro).[44]

En esta época, la música va experimentando sucesivosavances: la música carolingia fue la primera en incorpo-rar instrumentos musicales, además del canto de tipo gre-goriano; surgen las primeras piezas musicales sin texto,en incisos a los cantos litúrgicos (tropos a medio texto, ysecuencias al final); en el siglo VIII comenzó un tipo deescritura musical diferenciada del alfabeto, con una seriede grafismos (neumas) actualmente no identificados.[45]

• Iglesia otoniana de San Miguel de Hildesheim.

• Cruz de Brompton (Irlanda).

• Iglesia vikinga de Borgund.

• Santa María del Naranco, principal exponente delarte asturiano.

Arte bizantino

Iglesia de Santa Sofía, Estambul.

Pese a la caída del Imperio Romano de Occidente, enOriente perduró –conocido como Imperio Bizantino–[nota 3] hasta la conquista de Constantinopla en 1453 porlos turcos otomanos. Heredero del arte helenístico, elarte bizantino recogió las principales tradiciones artísti-cas orientales, de las que fue puerta de entrada en Europa,donde el arte bizantino influyó en el arte prerrománico yrománico. Se distinguen en el arte bizantino tres «edadesde oro»: una primera en el siglo VI, coincidiendo con elreinado de Justiniano; una segunda desde el siglo IX has-ta la toma de Constantinopla por los cruzados el 1204; yuna tercera en el siglo XIV, con la dinastía Paleólogo.En arquitectura se empleó la piedra y el ladrillo, con re-cubrimientos exteriores de placas de piedra con relieves einteriores de mosaico. Abundó el uso de la columna, concapiteles cúbicos decorados con relieves a dos planos, obien en forma de avispero. Se utilizó el arco de mediopunto y la bóveda con cúpula sobre pechinas. La tipolo-gía más utilizada fue la de planta centralizada –quizá por

la importancia otorgada a la cúpula–, con un atrio de en-trada, nártex, presbiterio y coro al fondo, con dos cáma-ras o sacristías laterales y el altar bajo un baldaquino. Lasprimeras manifestaciones, de época de Justiniano, son lasmás monumentales: iglesia de los Santos Sergio y Baco,de Santa Irene y de Santa Sofía[nota 4] en Constantinopla;en la segunda edad dorada destacan la Catedral de SantaSofía de Kiev y San Marcos de Venecia; y en la tercera ca-be mencionar los conjuntos de Mistra, Salónica y MonteAthos.Las artes figurativas tuvieron en época de Justiniano in-fluencia paleocristiana, a la vez que recogieron diversastradiciones anteriores, especialmente la helenística y lasiria neoática, destacando los conjuntos musivarios deSan Demetrio de Salónica y San Vital de Rávena. Enla segunda edad dorada se establecieron la estética y laiconografía bizantinas, sobre todo en torno a los iconos,con una fuerte carga simbólica de las imágenes, con figu-ras estilizadas y perspectivas jerárquicas (el tamaño de lafigura depende de su importancia religiosa). La esculturasolía ser en relieve, sobre piedra o marfil, destacando lasimágenes de «consagración imperial» (Cristo con las ma-nos sobre las cabezas de los emperadores). En la terceraedad dorada la pintura sustituyó al mosaico, sobre todolos iconos de pintura sobre tabla, destacando las escue-las de Chipre, Salónica, Creta, Venecia y Moscú (dondedescuella Andrei Rubliov).[46]

Arte islámico

Gran Mezquita de Córdoba.

Con la Hégira de Mahoma en 622 surgió una nueva reli-gión, el islamismo, que tuvo una rápida difusión desde elPróximo Oriente por el norte de África, llegando a Euro-pa con la conquista de la Península Ibérica y con la zonade los Balcanes tras la caída del Imperio Bizantino. Conel tiempo, la nueva religión aglutinó a una gran diversi-dad de pueblos y culturas, siendo su arte el reflejo de es-ta disparidad, teniendo numerosas manifestaciones y va-riantes estilísticas según la región donde se produjese. Suprincipal medio de expresión fue la arquitectura, pues laprohibición religiosa de representar imágenes figurativas

18 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

supuso una seria traba para la pintura y escultura, que eraúnicamente de tipo ornamental, con motivos abstractos ogeométricos.La arquitectura destacó por el uso del arco apuntado–que en al-Ándalus fue de herradura por herencia delarte visigodo–, usado a veces en superposiciones y en-trecruzamientos, surgiendo más adelante el arco lobula-do, generalmente de tres o cinco lóbulos. Se utilizabandiversos tipos de bóveda, como la de gallones y la decrucería. Se otorgó gran relevancia a la decoración orna-mental, generalmente de yesería, alabastro, mármol, mo-saico o pintura, que era de signo abstracto, con motivosepigráficos, vegetales o de lacería. La principal tipologíaes la mezquita, compuesta por un amplio patio (sahn), latorre o alminar, la sala de oración (haram), en cuyo fon-do (quibla) se sitúa la capilla (mihrab), precedida de unespacio con arquerías (macsura). Destacan las mezquitasde Damasco, la de la Roca y al-Aqsa de Jerusalén, la deSamarra, la de Ibn Tulun en Egipto, la de Isfahán, la deTamerlán en Samarcanda, la Mezquita Azul de Estambul,etc.En al-Andalus el arte islámico tuvo su momento de es-plendor en el emirato de Córdoba: la arquitectura cordo-besa era heredera de las formas hispano-romanas y visi-godas, como en el arco de herradura, que es encerradoen alfiz, con una característica alternancia de sus dovelasen color rojo y blanco. Su principal monumento es laMezquita de Córdoba, compuesta de once naves perpen-diculares a la quibla, con una serie de arcadas superpues-tas, de medio punto en la parte superior y de herraduraen la inferior, con la tradicional alternancia blanco-rojo.También cabe destacar la Mezquita de Bab al-Mardumen Toledo y el Palacio de Medina Azahara. Otras impor-tantes manifestaciones del arte islámico en la penínsulafueron las producidas en Sevilla durante la dominaciónalmohade, destacando la Giralda y la Torre del Oro; y elarte nazarí en Granada, que tiene su principal expresiónen la Alhambra.[47]

El Corán fue la primera obra importante y la más influyente dela literatura árabe.

La literatura árabe arrancó con una obra de gran tras-cendencia, el Corán, libro sagrado del Islam escrito porMahoma y fijado en su texto definitivo por el califa

Uthman Ibn Affan en 650. Consta de 114 capítulos(sura), en versículos rimados, con dos principales gruposde predicaciones: las escritas por Mahoma en La Meca,breves y de tono poético, de una religiosidad más fer-vorosa; y las escritas en Medina, más largas y discursi-vas, exponiendo los principales preceptos de la nueva re-ligión. El Corán fue la base gramatical y estilística de laliteratura árabe, que se desarrolló sobre todo en la poe-sía (Abu Nuwas, al-Mutanabbi, Ibn Quzman); y la prosa,ya sea filosófica (al-Kindi, Avicena, Avempace, Ibn Tu-fail, Averroes), histórica (Ibn Jaldún), narrativa (Ibn al-Mugaffa, al-Jahiz), o fantástica (al-Hamadani, al-Hariri).Cabe destacar la recopilación de cuentos titulada Las mily una noches, obra anónima redactada entre los siglos IXy XV en diversos estilos, y que es un impresionante ejer-cicio de ingenio y fantasía.[48]

La música árabe tiene su origen en antiguos cantos(huda’) efectuados por los beduinos en sus viajes encaravana, con seis pies métricos (rajaz) derivados –segúnla leyenda– de los pasos del camello. El canto tenía unaespecial relevancia, con dos partes: estribillo (tarji’) yantífona (jawab). La música sacra no se desarrolló tantocomo la cristiana: en origen, la llamada a la oración (adh-dan) era cantada; el Corán tiene una prosa rimada cuyaasonancia se presta a la modulación. La música profanafue prohibida por los califas ortodoxos, pero potenciadaposteriormente por los Omeyas, predominando el cantosolista con laúd. Ibn Misjaḥ fue el primer teórico musi-cal árabe, y es considerado el padre de la música clásicaárabe. Creó un sistema melódico ornado (zawa'id), simi-lar a la fioritura occidental. A partir del siglo X cobróimportancia la música instrumental –con una modalidadprincipal, la nauba, especie de suite vocal–, y comenzó elestudio teórico de la música (al-musiqi), destacando di-versos eruditos como Avicena, al-Kindi y al-Farabi. En-tre los instrumentos árabes destacan el laúd (‘ud), la lira(mi'zaf), el arpa (jank), la flauta (gussaba), el oboe (miz-mar), el pífano (shahin), el tambor (tabl), la pandereta(duff) y los palillos (gadib).[49]

Arte románico

El arte románico representa el primer estilo de carácterinternacional de la cultura europea occidental, con unaidentidad plenamente consolidada tras el paso del latín alas lenguas vernáculas. De carácter eminentemente reli-gioso, casi todo el arte románico estaba dirigido a la exal-tación y divulgación del cristianismo. Surgido a mediadosdel siglo XI, se desarrolló fundamentalmente durante elsiglo XII, a finales del cual empezó a coexistir con el in-cipiente gótico. En el románico culminaron los diversosestilos producidos por el prerrománico, a la vez que sedenota la influencia oriental del arte bizantino.La arquitectura destacó por el uso de muros de sillería,arcos de medio punto y bóvedas de cañón, apoya-das en pilares por arcos fajones, correspondientes conlos contrafuertes exteriores; también son frecuentes las

1.1. HISTORIA DEL ARTE 19

Pantocrátor del ábside de San Clemente de Tahull, MNAC.

cúpulas, sobre trompas o pechinas. Las iglesias son de unao tres naves, con crucero y girola. Se inició la construc-ción de grandes catedrales, que seguirá durante el góti-co. Como principales muestras tenemos: el Monasteriode Cluny, San Lázaro de Autun, Santa Fe de Conques,San Saturnino de Toulouse, San Front de Périgueux y SanEsteban de Caen en Francia; las catedrales de Durham,York y Canterbury en Inglaterra; San Ambrosio de Mi-lán, San Abundio de Como, San Zenón de Verona y lascatedrales de Parma, Módena, Pisa y Lucca en Italia; lascatedrales de Spira, Maguncia y Worms en Alemania; lascatedrales de Braga y Coimbra en Portugal; y Sant Perede Roda, San Isidoro de León, San Martín de Frómista,San Juan de Duero (Soria), Santo Domingo de Silos y lascatedrales de Jaca, Solsona y Santiago de Compostela enEspaña.La escultura se desarrolló principalmente en el marco ar-quitectónico, de carácter religioso, con figuras esquema-tizadas, sin realismo, de signo simbólico, con un marca-do carácter didáctico, debido al analfabetismo de la épo-ca. Los principales ciclos escultóricos se producen en lostímpanos de los portales de acceso a las iglesias y cate-drales, como en Santa Magdalena de Vézelay, San Láza-ro de Autun, Santa Fe de Conques y el Pórtico Real deChartres. En Italia destacó la figura de Benedetto Ante-lami, que trabajó en la Catedral de Parma, como en sumagnífico Descendimiento (1178). En España destacaronen primer lugar los talleres catalanes de Ripoll y la zonapirenaica, los talleres de marfil de León (Crucifijo de Fer-nando I), los talleres del Camino de Santiago, la Fachadade las Platerías de la Catedral de Santiago y el claustrode Silos; en el siglo XII se produjeron diversas escuelasregionales: la catalana (portal de Santa María de Ripoll),la aragonesa (San Pedro el Viejo de Huesca), la navarra

(portada de Sangüesa) y la castellana (Santa María la Realde Nájera).La pintura era preferentemente mural, de signo religio-so y figuras esquemáticas al igual que la escultura. Tuvouna fuerte influencia bizantina, difundida sobre todo porla orden benedictina. Se desarrolló preferentemente en elábside de las iglesias, con un programa iconográfico don-de destacaba la figura del Pantocrátor, alrededor del cualse encuentran la Virgen y los apóstoles, dejando al pieel Juicio Final. Vemos esta disposición en la Abadía deSant'Angelo in Formis (Capua), San Clemente de Tahully San Isidoro de León. También se produjo pintura sobretabla, al temple, generalmente en retablos para el altar; yla miniatura, donde destacaron las escuelas inglesa e ita-liana.Tuvieron gran relevancia en esta época las artes aplica-das,[nota 5] especialmente la orfebrería en oro y piedraspreciosas (Arca de las reliquias de los Reyes Magos,Catedral de Colonia; Cáliz de doña Urraca, San Isido-ro de León); el esmalte, desarrollado notablemente por eltaller de Limoges; y las labores textiles (Tapiz de Bayeux,Tapiz de la Creación de la Catedral de Gerona).[50]

En esta época, la literatura siguió preferentemente en ma-nos eclesiásticas, conservando la tradición latina, aunquepoco a poco fueron surgiendo obras en lengua vernácula ycomenzó la producción literaria de ámbito profano, prin-cipalmente con el género trovadoresco. Las principalesinnovaciones se produjeron en Francia, donde los círcu-los artísticos cortesanos fueron ganando peso y despla-zando al poder eclesiástico: destaca la gran epopeya delCantar de Roldán, de finales del siglo XI. La poesía tro-vadoresca se desarrolló especialmente en lengua proven-zal, exaltando el amor cortesano (fin'amors), representa-da por Guillermo de Poitiers, Jaufré Rudel, Bernart deVentadorn, Marcabrú, Arnaut Daniel, Bertran de Born,etc. Otro género relevante fue la novela de caballería (ro-man courtois), en francés, representada principalmentepor Chrétien de Troyes y sus novelas del ciclo artúrico.En España, los primeros textos escritos en lengua roman-ce fueron las glosas del monasterio de San Millán de laCogolla, a las que siguieron las jarchas mozárabes; pos-teriormente surgieron los «cantares de gesta», como elCantar de Mío Cid (1140).[51]

El teatro medieval era de calle, lúdico, festivo, con tresprincipales tipologías: «litúrgico», temas religiosos den-tro de la Iglesia; «religioso», en forma de misterios y pa-siones; y «profano», temas no religiosos. Estaba subven-cionado por la Iglesia y, más adelante, por gremios ycofradías. Los actores eran en principio sacerdotes, pa-sando más tarde a actores profesionales. Las obras fue-ron en primer lugar en latín, pasando a continuación alenguas vernáculas. El primer texto que se conserva es elRegularis Concordia, de San Æthelwold, que explica la re-presentación de la obra Quem quaeritis?, diálogo extraídodel Evangelio entre varios clérigos y un ángel.[52]

Durante el románico surgió la música tal como es practi-

20 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

Notación musical con los versos del Himno a San Juan Bautista,que dieron nombre a las siete notas musicales, innovación reali-zada por Guido de Arezzo.[nota 6]

cada actualmente, gracias a la creación del pentagramay a la nomenclatura de las notas musicales elaboradapor Guido de Arezzo. Las principales obras musicalesse circunscriben al canto gregoriano, aunque empezó adesarrollarse la polifonía y la música profana, en tornoa trovadores y juglares. Los juglares eran trotamundos,mitad poetas y mitad saltimbanquis, mezclando en sus ac-tuaciones la declamación y el malabarismo, la música yla sátira, la lírica y las gestas épicas. Los trovadores erande clase social más elevada (el mismo rey Ricardo Cora-zón de León fue trovador), y componían y cantaban suspropias obras. Entre las formas trovadorescas destacan:el rondeau (alternancia de coplas y estribillo), el virelai(en que el estribillo no interrumpe el desarrollo de las es-trofas), y la ballade (estribillo alternante cada tres estro-fas). En Alemania, los trovadores recibieron el nombrede minnesänger.[53]

La danza medieval tuvo escasa relevancia, debido a lamarginación a la que la sometió la Iglesia, que la conside-raba un rito pagano. A nivel eclesiástico, el único vestigioeran las «danzas de la muerte», que tenían una finalidadmoralizadora. En las cortes aristocráticas se dieron las«danzas bajas», llamadas así porque arrastraban los pies,de las que se tiene poca constancia. Fueron más impor-tantes las danzas populares, de tipo folklórico, como elpasacalle y la farándula, siendo famosas las «danzas mo-riscas», que llegaron hasta Inglaterra (Morris dances).[54]

• Catedral de Pisa.

• Detalle del Pórtico Real de Chartres.

• Códice de Santa Hildegarda (1165), Abadía de SantaHildegarda, Eibingen (Alemania).

• Tapiz de la Creación, Catedral de Gerona.

Arte gótico

El arte gótico[nota 7] se desarrolló entre los siglos XII yXVI, época de gran desarrollo económico y cultural. El

Catedral de Nuestra Señora de París.

fin de la época feudal supuso el afianzamiento de los esta-dos centralizados, con mayor predominio de las ciuda-des sobre el campo, al tiempo que un sector cada vezmayor de la sociedad tenía acceso a la cultura, que de-jó de ser patrimonio exclusivo de la Iglesia. El auge delas universidades comportó un aumento de los estudioscientíficos, filosóficos y literarios, sentando las bases dela cultura moderna.La arquitectura sufrió una profunda transformación, conformas más ligeras, más dinámicas, con un mejor aná-lisis estructural que permitió hacer edificios más es-tilizados, con más aberturas y, por tanto, mejor ilu-minación. Aparecieron nuevas tipologías como el arcoapuntado y la bóveda de crucería, y la utilización decontrafuertes y arbotantes para sostener la estructura deledificio, permitiendo interiores más amplios y decora-dos con vitrales y rosetones. Es la época de las grandescatedrales, entre las que cabe destacar: Laon, Chartres,Amiens, Reims, Bourges y Notre-Dame de París, enFrancia; Canterbury, Salisbury y Gloucester, en Inglate-rra; Siena, Orvieto, Florencia, Bolonia y Milán, en Ita-lia; Colonia, Estrasburgo, Ulm y Magdeburgo en Ale-mania; San Esteban de Viena en Austria; Barcelona,Gerona, Palma de Mallorca, Sevilla, Toledo, Burgos,León, Zamora y Sigüenza, en España; y los monasteriosde Batalha y Alcobaça en Portugal. En España cabe des-tacar también el desarrollo del arte mudéjar, fuertemen-te influido por las formas islámicas, y que se caracterizapor el empleo del ladrillo, el yeso y la madera de peque-ña escuadría: Cristo de la Vega (Toledo), San Lorenzode Sahagún, Las Huelgas (Burgos), Santa Clara de Tor-desillas, Convento de Guadalupe (Cáceres), Alcázar deSevilla, etc.La escultura continuó enmarcada en la obra arquitectó-nica, aunque comenzó a desarrollarse la escultura exen-ta, con formas más realistas, inspiradas en la naturaleza.

1.1. HISTORIA DEL ARTE 21

Los artistas buscaban la belleza ideal, en formas sencillasy diáfanas, con cierta melancolía y nobleza en los senti-mientos, y con escenas de carácter narrativo. En Franciadestacan el Pórtico Real y las portadas del crucero de laCatedral de Chartres, así como los conjuntos de Amiensy Reims. En Italia destaca el taller de Nicola y GiovanniPisano en Pisa, mientras en Alemania descuella la obrade Veit Stoss y Tilman Riemenschneider. En España des-taca el Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago deCompostela, las portadas de la Colegiata de Toro y delas catedrales de Tuy y Ciudad Rodrigo, los conjuntos deBurgos, León y Toledo, así como la obra de Pere Johan yGil de Siloé.La pintura dejó de ser mural para pasar a retablos situadosen los altares de las iglesias, y empezó a desarrollarse lapintura en lienzo, al temple o al óleo. Se sucedieron cuatroestilos pictóricos:

• Gótico lineal o franco-gótico: se desarrolló desde elsiglo XIII hasta principios del XIV, caracterizadopor el dibujo lineal, el fuerte cromatismo, un natura-lismo de líneas sencillas y el idealismo de los temasrepresentados. Este estilo se desarrolló sobre todoen vidrieras y miniaturas.

• Gótico itálico o trecentista: surgido en el siglo XIIIen Italia, se caracteriza por la aproximación rea-lizada a la representación de la profundidad –quecristalizará en el Renacimiento con la perspectivalineal–, los estudios sobre anatomía y el análisisde la luz para conseguir la matización tonal. Des-tacan dos escuelas: la florentina (Cimabue, Giotto,Andrea Orcagna) y la sienesa (Duccio, Simone Mar-tini, Ambrogio Lorenzetti).

• Gótico internacional: corresponde a finales del sigloXIV y primera mitad del XV, suponiendo una fusiónde los estilos anteriores. Se caracteriza por la estili-zación de la figura y el predominio de la línea cur-va, el detallismo técnico y el naturalismo simbólicode la narración. Destacan los pintores Paul de Lim-bourg, Stefan Lochner, Conrad Soest, Bernat Mar-torell y Lluís Borrassà.

• Gótico flamenco: surgió en Flandes a principios delsiglo XV, predominando a lo largo de ese siglo enla mayor parte de Europa –excepto Italia, donde yadescollaba el Renacimiento–. Su principal aporta-ción es la técnica al óleo, que da colores más bri-llantes y permite su gradación en diversas gamascromáticas, a la vez que permite mayor minuciosi-dad en los detalles. Cabe destacar a Jan y Hubertvan Eyck, Robert Campin, Rogier van der Weyden,Hans Memling, Gerard David, Hugo van der Goesy El Bosco; en el resto de Europa, Jean Fouquet,Conrad Witz, Martin Schongauer, Hans Holbein elViejo, Nuno Gonçalves, Lluís Dalmau, Jaume Hu-guet, Bartolomé Bermejo, Fernando Gallego, etc.

Las artes aplicadas también tuvieron gran relevancia du-rante el gótico, favorecidas por las nuevas clases urba-nas de mercaderes y artesanos. Destacó la ebanistería,la tapicería –siendo famosos los tapices de Arras–, laorfebrería –especialmente las custodias y los relicarios,donde sobresale el nombre de Enrique de Arfe–, las obrasen esmalte –en particular las procedentes de Limoges–,la cerámica –donde destaca la de Faenza y Manises–, lavidriería –singularmente la veneciana y catalana–, etc.[55]

Dante Alighieri y el universo de La Divina Comedia, represen-tados por Domenico di Michelino en la Catedral de Florencia.

La literatura tardomedieval se movió entre las obras es-critas todavía en latín –generalmente de signo religioso–, y las escritas en lenguas vernáculas, que irán ganandoprotagonismo y popularidad. El centro creador pasó deFrancia a Italia, donde las cortes de los pequeños estadosque se repartían el territorio de la Península Itálica favo-recieron las artes y las letras, dando origen a lo que será elRenacimiento. Se practicó sobre todo el género del can-zone, escrito en endecasílabo –del que surgirá el soneto–, mientras que en Florencia surgió el llamado Dolce StilNovo, género poético de signo más subjetivo, que exal-ta el amor, pero un amor más puro, más simbólico queel trovadoresco. Destacan especialmente tres nombres:Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio y Dante Alig-hieri, autor de La Divina Comedia (1304-1320), una delas grandes obras de la literatura universal. En Inglaterradestacó Geoffrey Chaucer con sus Cuentos de Canterbury(1386-1400). En Francia, François Villon fue el primergran poeta en lengua francesa. En España, en el siglo XIIIsurgió la poesía del mester de clerecía (Gonzalo de Ber-ceo), así como la lírica galaico-portuguesa (Alfonso X elSabio) y la catalana (Ramon Llull); en el siglo XIV des-tacaron el Arcipreste de Hita, don Juan Manuel y PedroLópez de Ayala; mientras que en el siglo XV es de re-marcar las figuras de Jorge Manrique y el Marqués deSantillana, así como del poeta catalán Ausiàs March.[56]

El teatro se desarrolló en tres principales tipologías:«misterios», sobre la vida de Jesucristo, con textos degran valor literario y elementos juglarescos; «milagros»,sobre la vida de los santos, con diálogos y partes danza-das; y «moralidades», sobre personajes simbólicos, ale-

22 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

góricos, con máscaras tipificadas. En esta época nacióel teatro profano, con tres posibles orígenes –según loshistoriadores–: la imitación de textos latinos de Terencioy Plauto; el arte polivalente de los juglares; o los peque-ños divertimentos escritos por autores de signo religiosopara evadirse un poco de la rigidez eclesiástica.[57]

En música, durante el gótico se desarrolló la polifonía,surgiendo por vez primera una música profana separadade la música religiosa realizada hasta entonces (Le jeu deRobin et Marion, de Adam de la Halle, 1285). Surgió elcontrapunto, voces paralelas que se funden o se contrapo-nen, y se desarrollaron las técnicas compositivas y la no-tación. De la primera fórmula compositiva por repeticiónse pasó a la imitación en el siglo XIV, y a la variación enel XVI. El primer compositor conocido es Leoninus, or-ganista de Notre-Dame de París de mediados siglo XIII.En el siglo XIV surgió el Ars Nova, con Guillaume deMachaut y Francesco Landino, mientras que en el XVdestacan Josquin des Prés, Guillaume Dufay, Gilles Bin-chois, Johannes Ockeghem, Jacob Obrecht, John Duns-table y Bartolomé Ramos de Pareja. En danza, las princi-pales modalidades fueron: el carol, el estampie, el branle,el saltarello y la tarantela.[58]

• Palacio Ducal de Venecia.

• Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago deCompostela.

• La adoración de los Reyes Magos (1305-1306), deGiotto, Capilla de los Scrovegni (Padua).

• El matrimonio Arnolfini (1434), de Jan van Eyck,National Gallery de Londres.

América

Machu Picchu.

El arte precolombino floreció con gran brillantez hasta eldescubrimiento de América. Los invasores destruyeron

numerosas obras de arte precolombino (máscaras, códi-ces ilustrados, piezas de plumas y, especialmente, obrasde oro y plata, que fueron fundidas). Aun así, la huellaprecolombina perduró en numerosas producciones artís-ticas posteriores.En México se desarrollaron varias culturas: la primerafue la de Teotihuacan, ciudad construida entre los siglosI y VII, de sistema reticular –con un trazado de baseastrológica–, donde destacaba una gran avenida flanquea-da de templos en forma de pirámide escalonada, deco-rados con esculturas en relieve y pinturas al fresco. Losmayas ocupaban la península del Yucatán y las actualesBelice y Guatemala (siglos II-IX), desarrollando un ar-te de signo religioso, donde destacaban igualmente lostemplos, concebidos bajo mediciones astronómicas, deforma piramidal (Tikal, Uxmal, Templo de Kukulcán enChichén Itzá). La escultura era en relieve, generalmen-te de animales mitológicos, serpientes, pájaros y figurashumanas, a menudo con jeroglíficos. Los toltecas (siglosVII-VIII), en el estado de Hidalgo, construyeron el Tem-plo del Dios de la Estrella Matutina en Tula, y nos han de-jado una de las mejores muestras de escultura precolom-bina: el Chac Mool. En la meseta mexicana se desarrollóla cultura azteca (siglos XIII-XV), que recogió diversastradiciones anteriores en un arte sintético consagrado a laexpresión del poder. En su capital, Tenochtitlán, constru-yeron una gran ciudad con grandes palacios y jardines, ytemplos de forma piramidal, dedicados al sacrificio hu-mano.En los Andes floreció el arte inca, surgido igual que elazteca en el siglo XIII, abarcando los actuales Ecuador,Perú, Bolivia, Chile y parte de Argentina. Los incas te-nían una cultura muy desarrollada, con adelantados pro-cedimientos metalúrgicos, cerámicos y textiles. Al igualque los romanos desarrollaron una notable arquitecturae ingeniería civil, con ciudades planificadas y carreterasbien trazadas, como el Camino Real de las Montañas, de6.000 kilómetros, amurallado y con un ancho de 9 me-tros. Su capital, Cuzco, estaba fortificada con murallasde sillares poligonales, técnica igualmente empleada enMachu Picchu. Sus edificios eran rectangulares o circula-res, con puertas y ventanas de forma trapezoidal. Ademásde su arquitectura, destacó su cerámica y arte textil, gene-ralmente decorado con motivos geométricos. En Boliviadestacó la ciudad de Tiahuanaco.[59]

La literatura precolombina era predominantemente oral,por lo que nos han llegado pocos vestigios. En Méxicose conservan varias expresiones en lengua náhuatl: escri-tos de signo religioso, cosmológico y adivinatorio (CódiceBorgia); documentos administrativos y relatos históri-cos (Códice Xólotl); y composiciones poéticas, como loshimnos rituales recogidos por Bernardino de Sahagún enCantares de los Dioses. En lengua maya destacan los librosde Chilam Balam, transcripción de obras jeroglíficas so-bre tradiciones orales, y el Popol Vuh, libro sagrado de losindios quiché. En Perú, la literatura inca está representa-da por una serie de obras de poesía religiosa, así como

1.1. HISTORIA DEL ARTE 23

largos poemas narrativos de temática histórica o mitoló-gica. Al parecer, fue la única cultura precolombina dondese desarrolló algo parecido al teatro, como se puede apre-ciar en el drama en lengua quechua Ollantay.[60]

África

Iglesia de San Jorge, del conjunto de iglesias talladas en la rocade Lalibela (Etiopía).

El norte de África tuvo más relación con el arte europeo yasiático, introduciéndose el cristianismo en el siglo IV, es-pecialmente en Etiopía. Posteriormente, el islamismo seexpandió con fuerza por todos los países del Magreb. ElÁfrica subsahariana, en cambio, estuvo más aislada, conpequeños reinos sumidos en frecuentes disputas. Sus pri-meras manifestaciones artísticas, en materiales perecede-ros, no han llegado hasta nosotros. Los primeros vestigiosson tallas en madera, como las de los pueblos tellem ydogon, en el actual Malí. Los objetos en bronce aparecenen África occidental y meridional alrededor del siglo X,como algunas vasijas del pueblo Igbo-Ukwu en Nigeria.En Zimbabue floreció la cultura Monomotapa (siglos XI-XV), cuya capital, Gran Zimbabue, fue una de las ciu-dades más grandes de toda África. En Ife (igualmente enNigeria), de cultura yoruba, surgió en los siglos XII-XIIIuna notable escuela de figuras en terracota, de gran natu-ralismo. De esta época datan las iglesias talladas en la rocade Lalibela, en Etiopía, donde también destaca la pinturade temas cristianos. Entre los siglos XII y XV se dio enDjenné (Malí) un estilo de figuras de terracota más es-quemático, de figuras masculinas con una característicabarba puntiaguda. Por último, entre los siglos XV y XVI,se dio otra notable escuela escultórica en Benín, desta-cando su magnífica colección de bronces.[61]

Asia

India

• Arte gupta (siglos IV-VIII): en el Imperio Guptase expandió el budismo, con un arte caracteriza-

Templo de Khajurāhō.

do por el purismo formal, la armonía de proporcio-nes y la idealización de la figura humana. Destacanlos grandes santuarios rupestres o vihara (Ajantā,Ellorā, Elephanta) y los templos al aire libre (Bhi-targaon, Bodhagaya, Deogarth, Sirpur). El arte gup-ta se extendió por casi todo el Deccán: los Chālukyalo emplearon en los templos de Ahiōlē y Bādāmi(550-750), y los Pallava lo pusieron de manifiesto ensu complejo arquitectónico-escultórico de Mahāba-lipuram. A estos estilos se les suele denominar «pos-gupta».

• Arte hindú (siglos VIII-XII): durante este periodoperviven los estilos anteriores, acentuando las for-mas brahmánicas. El tipo de santuario más difun-dido es el śikhara, como el de Udaipur. La arqui-tectura se divide en dos tipologías: «el edificio cu-bierto y la pirámide» (vimāna de Tanjore, siglo XI),y «el edificio con tejado curvilíneo» (templo deGujarāt). Entre los siglos X-XI se produjo el artede Khajurāhō, máxima expresión del arte indoariopor la elegancia formal y estética de sus templos, asícomo de la escultura que los adorna. En Orissā, en laparte nororiental de la India, se desarrollan nuevastipologías que convirtieron los śikhara y los vimā-na en representaciones arquitectónicas de los dioseshindúes, como en Bhubaneshwar y Kōnārka.[62]

La literatura india de esta época se realizó en diversasmodalidades: el drama continuó con las epopeyas mito-lógicas, con un fuerte sello de imaginación, destacandoBhavabhūti, autor de Malatimadhava, historia sobre elamor de dos jóvenes que ha sido comparada con Romeoy Julieta; el poema épico es heredero del Rāmāyana,en un nuevo género denominado mahakavya, de temashistóricos y mitológicos, destacando el Rajatarangini deKalhana (hacia 1150); la poesía lírica está representadapor las Sataka de Bhartrihari, conjunto de poesías sobreel concepto indio de la vida, y la Gītāgovinda de Jāyādeva,poemas de amor de tipo alegórico; por último, la fábulase caracterizó por cuentos breves de aire popular, de ca-rácter didáctico y aleccionador, destacando los autores

24 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

Narayana y Sivadasa. También cabe citar al famoso KamaSūtra, compilado en el siglo VI por Vātsyāyana, que es unconjunto de preceptos y consejos relativos al amor y elsexo.[63]

El teatro evolucionó sin grandes signos de ruptura desdeépoca antigua, en espectáculos donde, junto a dramas detipo mitológico sobre la cosmogonía hindú, destacaban elcanto, la danza y la mímica. En esta época destacaron dosmodalidades principales: el mahanataka (gran espectácu-lo), sobre las grandes epopeyas indias; y el dutangada, enque un actor recita el texto principal mientras otros lo es-cenifican con ayuda del mimo y la danza.[64]

La música fue en esta época predominantemente vocal,con acompañamiento de diversos instrumentos, princi-palmente cítaras y laúdes. Se escribieron varios trata-dos sobre música: el Brihad deshi de Matamga (sigloVIII), el Naradiya-siksa de Nārada (siglo X) y el Samgita-Ratnakara de Śārngadeva (siglo XIII). Tenían siete notas(svaras): sa, ri, ga, ma, pa, dha, ni; con 22 gradosmicrotonales (srutis). La melodía se componía de variasestructuras de ciclos tonales (ragas), que incluyen diver-sos ornamentos (gamakas). A su vez, cada raga está rela-cionado con un tala o medida de tiempo, para marcar elritmo, que puede ser lento (vilambita), medio (madhya)o rápido (druta). Por último, el kharaja (pedal) es un so-nido mantenido que sostiene el centro tonal, ejerciendode guía durante la ejecución de la obra.[65]

China

Colores del otoño en las montañas Qiao y Hua, de ZhaoMengfu.

• Dinastía Tang (618-907): este fue uno de los perio-dos más florecientes del arte chino, destacando porsu escultura y sus célebres figuras de cerámica. Lafigura más representada siguió siendo Buda, así co-mo los bodhisattvas (místicos budistas), destacan-do la estatua en madera policromada de Guan Yin(o Bodhisattva de la Misericordia), de 2,41 metrosde altura. En arquitectura la tipología principal fuela pagoda (Hua-yen, Hsiangchi). En pintura apare-ció el paisaje, género inicialmente de signo elitista,destinado a reducidos círculos culturales. Desafortu-nadamente, los paisajes Tang no han llegado hastanuestros días, y sólo se conocen por copias, comoTemplo budista en las colinas después de la lluvia,de Li Cheng (siglo X).

• Dinastía Song (960-1279): época de gran floreci-miento de las artes, se alcanzó un nivel de elevada

cultura que sería recordado con gran admiración enposteriores etapas. Apareció el grabado sobre ma-dera, impregnada de tinta sobre seda o papel. En ar-quitectura continuó la construcción de pagodas, co-mo la pagoda hexagonal de Kuo-Hsiang-Su (960), ola pagoda de madera de Chang-Tiu-Fu. En cerámi-ca destacan dos tipologías: la cerámica de esmalteblanco de Ting-tcheu, y la cerámica de esmalte rosao azul de Kin-tcheu. En pintura continuó el paisaje,con dos estilos: el septentrional, de dibujo precisoy colores nítidos, con figuras de monjes o filósofos,flores e insectos; y el meridional, de pinceladas rá-pidas, colores ligeros y diluidos, con especial repre-sentación de paisajes nublados.

• Dinastía Yuan (1280-1368): dinastía de origenmongol (su primer emperador fue Kublai, nieto deGengis Khan), China se abrió más hacia Occidente,como queda patente en el famoso viaje de MarcoPolo. En arquitectura destaca la Pagoda Blanca dePekín. Se desarrollaron especialmente las artes de-corativas: se manufacturaron alfombras, se produjocerámica con nuevas formas y colores, y se elabora-ron obras de metalistería de gran riqueza. En pinturaproliferaron los temas religiosos, especialmente lostaoístas y budistas, destacando las pinturas muralesdel templo de Yonglegong (Shanxi), y artistas comoHuang Gongwang, Wang Meng y Ni Zan.[66]

Representación de un concierto de música tradicional china en elMuseo Provincial de Hubei (Wuhan).

La literatura china de esta época estuvo marcada por lacontinuidad respecto a la producción anterior. La épocaTang fue la edad dorada de la poesía china, destacandoLi Bai y Du Fu, mientras que en prosa se tendió a unestilo más simplificado, representado por Han Yu y LiuZongyuan. También apareció un nuevo género, el pien-huen, mezcla de verso y prosa, de signo budista. Duran-te la dinastía Song apareció la imprenta de tipos móviles(inventada por Bi Sheng), que favoreció la difusión de laliteratura. La poesía estaba íntimamente relacionada conla música (género ts’e), como en Liu Yu-Hui y Su She; enprosa destacó el tratado histórico Tsê-che T'ong-kien, deSsê Ma-kuang. En época Yuan cobró relevancia el teatro,destacando Kuan-Han-K'ing y Po-Yeu-Fu, mientras queen poesía descolló San-K'iu.[67]

En este periodo se produjo la edad de oro musical china:destacaron los rituales confucianistas, donde un coro can-taba el himno, con instrumentos de viento y campanillas,un órgano soplado para el contrapunto, y diversos juegos

1.1. HISTORIA DEL ARTE 25

de cítaras (ch'in, de 5 cuerdas, y sê, de 26 cuerdas), paradefinir la duración (tsao-man). Era una música predomi-nantemente tímbrica, con una armonía sencilla y elemen-tal. Durante el reinado del emperador Hsüan-tsung (713-756) hay constancia de que existía en la corte una orques-ta de unos 1.300 músicos. Los poetas recitaban al ritmode un laúd corto (p'i-p'a), música de la que nos han llega-do composiciones como La última batalla de Hsiang Yüy Nueve canciones para Yüeh. Durante la dinastía Songse popularizaron los espectáculos músico-teatrales, comoNan-ch'ü (Cantos del sur) y Pei-ch'ü (Cantos del norte). Enépoca Yuan surgieron los dramas musicales u óperas, condos escuelas: septentrional y meridional, que han llegadohasta nuestros días.[68]

Japón

Templo de Hōryū-ji, en Nara.

• Período Asuka (552-646): la llegada del budismoprodujo en Japón un gran impacto a nivel artísticoy estético, con fuerte influencia del arte chino. Co-mo edificio más destacable de este período hay quemencionar el templo de Hōryū-ji (607), represen-tante del estilo Kudara. Las primeras imágenes deBuda fueron importadas del continente, pero luegose instalaron en Japón gran número de artistas chi-nos y coreanos (Kannon de Kudara, siglo VI). Lapintura denota un gran sentido del dibujo, con obrasde gran originalidad, como el relicario de Tamamus-hi.

• Período Nara (646-794): en esta época tuvo su apo-geo el arte budista, continuando con gran intensidadla influencia china. Se conservan pocos ejemplos dearquitectura: Pagoda del Este de Yakushi-ji, tem-plo de Tōdai-ji, templo de Kōfuku-ji, Shōsoin deNara. Obtuvo gran desarrollo en escultura la repre-sentación de Buda: Sho Kannon, Buda de Tachiba-na, Bodhisattva Gakko de Tōdai-ji. La pintura estárepresentada por la decoración mural de Hōryū-ji(finales del siglo VII) y por kakemonos y makimo-nos, historias pintadas en un largo rollo de papel oseda, con textos relatando las diversas escenas o su-tras.

• Período Heian (794-1185): la iconografía budistatuvo un nuevo desarrollo con la importación de dosnuevas sectas del continente: Tendai y Shingon. Laarquitectura sufrió un cambio en la planta de losmonasterios, que se erigían en lugares apartados,pensados para la meditación: templos de Enryaku-ji,Kongōbu-ji y santuario-pagoda de Muro-ji. Duranteel período Fujiwara (897-1185), el templo volvió asituarse en la ciudad, siendo centro de reunión de lasclases dirigentes. Se construían según el modelo delos grandes palacios, con una decoración muy desa-rrollada (monasterio de Byōdō-in, también llamadodel Fénix). En pintura, la aparición de la escuela deYamato-e supuso la independencia de la pintura ja-ponesa de la influencia china; se caracterizó por suarmonía y luminosidad, con colores brillantes.

• Período Kamakura (1185-1333): en esta época seintrodujo en Japón la secta zen, que influyó podero-samente en el arte figurativo. En escultura destacóla Escuela de Nara, con la figura más remarcada deUnkei (estatuas de los montes Muchaku y Seshin).La arquitectura era más sencilla, más funcional, me-nos lujosa y recargada; la influencia zen provocó elllamado estilo Kara-yo. Destacan el conjunto de cin-co grandes templos de Sanjūsangen-dō (1266). Lapintura se caracterizó por un mayor realismo y porsu introspección psicológica, desarrollándose prin-cipalmente el retratismo y el paisajismo.

• Período Muromachi o Ashikaga (1333-1573): eneste período floreció notablemente la pintura, en-marcada dentro de la estética zen. Predominó latécnica de la aguada, perfecta transcripción de ladoctrina zen, que pretendía reflejar en los paisajeslo que significan, más que lo que representan, des-tacando Sesshū, autor de retratos y paisajes. Cabemencionar también la Escuela Kanō, que aplicó latécnica de la aguada a temas tradicionales. La ar-quitectura se distinguió por su elegancia, destacan-do las mansiones señoriales: el Pabellón de Oro y elPabellón de Plata, en Kioto; también hay que men-cionar el monasterio de Zuiho-ji. Se desarrolló no-tablemente el arte de la jardinería, en cerámica des-taca la de Seto, y cobraron importancia los objetosde laca y metal.[69]

La literatura japonesa continuó con el influjo de la china,sobre todo en poesía, donde la mayor producción fue enlengua china, considerada más culta: tenemos así el Kai-fuso (Tiernos recuerdos de poesía, 751), antología de va-rios poetas. En época Heian hubo un renacer de las letrasjaponesas, destacando la narrativa: Genji Monogatari (Re-lato de Genji), de Murasaki Shikibu, es un clásico de laliteratura nipona, describiendo el mundo de la nobleza enun lenguaje sencillo, de tono a veces erótico. La poesía dela época fue compilada en la antología imperial Kokinshu,donde se exaltaba preferentemente la naturaleza, escri-ta en waka (composición de 31 sílabas). En el período

26 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

Interpretación de teatro nō en el Gran Santuario Kasuga (Nara).

Kamakura la literatura se vio afectada por las constantesguerras feudales, reflejadas en una narrativa de tono pe-simista y desolado: Hojoki (Narración de mi cabaña), deKamo no Chomei. Del período Muromachi cabe destacarel Tsurezuregusa (Ensayos en ocio), de Yoshida Kenkō, yel Sannin Hoshi (Los tres sacerdotes), anónimo.[70]

En teatro apareció en el siglo XIV la modalidad denomi-nada nō, drama lírico-musical en prosa o verso, de temahistórico o mitológico. Su origen se sitúa en el antiguobaile kakura y en la liturgia sintoísta, aunque posterior-mente fue asimilado por el budismo. Está caracterizadopor una trama esquemática, con tres personajes principa-les: el protagonista (waki), un monje itinerante y un in-termediario. La narración es recitada por un coro, mien-tras los actores principales se desenvuelven de forma ges-tual, en movimientos rítmicos. Los decorados son auste-ros, frente a la magnificencia de vestidos y máscaras. Suprincipal exponente fue Chikamatsu Monzaemon.[71]

En música la llegada del budismo comportó la influenciaextranjera, surgiendo dos corrientes: la música izquierda,de origen indio y chino; y la música derecha, de origenmanchú y coreano. Estas modalidades empleaban instru-mentos como el biwa (laúd de cuello corto), el taiko (tam-bor japonés), el kakko (tambor chino), el shôko (gong),el sô-no-koto (cítara), el koma-bue (flauta), el hichiriki(oboe), el ôteki (flauta travesera) y el shô (órgano so-plado). Asimismo había una gran variedad de tipos demúsica tradicional: dos de los estilos más antiguos eranshōmyō («hombre gordo que canta») y gagaku («músi-ca graciosa»), ambos provenientes de los períodos Naray Heian. Adicionalmente, el gagaku se divide en sōgaku(música instrumental) y bugaku (música y danza).[72]

Sudeste asiático

En el sudeste asiático el arte estuvo a caballo entre la tra-dición hinduista y budista, introduciéndose el islamismoen el siglo XV, principalmente en Indonesia. En las cultu-ras autóctonas de la edad del bronce y del hierro –de lasque se conservan escasos restos– se denota la influencia

Templo de Angkor Wat, principal realización del arte jemer.

china, siendo a partir del siglo VI que comenzará progre-sivamente la influencia india.

• Arte jemer: el reino jemer se situó en Camboya,teniendo su apogeo entre los siglos VIII y XII.Su principal manifestación es el magnífico conjun-to de Angkor Wat (1113-1150), ciudadela-templodedicado a Vishnú, cuya planimetría representa eluniverso. El templo central está rodeado de cuatrosantuarios más pequeños, coronados por agujas ins-piradas en las śikhara indias, construidos con piedracaliza con abrazaderas de hierro. Destaca igualmen-te la decoración esculpida en relieve.

• Arte thai: es el desarrollado en Siam (Tailandia),caracterizado por una arquitectura vertical de for-mas alargadas y puntiagudas, con una torre-relicario(prang), como el templo de Vat Sri Sampet (sigloXVI). Destacan las imágenes de Buda, como la deSukhothai (siglo XIV), en bronce y pan de oro.

• Arte cham: se dio en el reino de Champa (Vietnam).En los siglos VIII-IX recibió la influencia hindú(monasterio de Dông-Dương). En el siglo XII pre-dominó la influencia jemer, plasmada en una arqui-tectura armónica de sobria decoración.

• Arte birmano: en Birmania es más palpable la in-fluencia china, como en el uso de la bóveda de cru-cería. Se utilizaba el ladrillo recubierto de estuco,sobre el que se realizaba la decoración. Su períodoclásico fue la época de Pagan (siglos X-XIII), dondedestacan las stūpas, que pueden ser de forma cilín-drica, cónica, hemisférica, en bulbo o en campana(templo de Ananda, siglo XII).

• Arte indonesio: se recibió una primera influencia in-dia –principalmente gupta–, constatable en las stū-pas con cúpulas de campana. El período más flore-ciente se dio entre los siglos VII y X, principalmenteen Java, donde la dinastía Sailendra adoptó el budis-mo, construyendo el templo de Borobudur, la stūpa

1.1. HISTORIA DEL ARTE 27

más grande del mundo, con 120 metros de largo porcada lado y 35 metros de altura, contando con 1.500bajorrelieves y 400 estatuas de Buda. Entre los si-glos X y XV predominó nuevamente el hinduismo,con una arquitectura más vertical, con decoraciónen relieve, destacando los monumentos funerarios(chandi), como los de Shwentar y Kidal. En el sigloXV se introdujo el islamismo, destacando las estelassepulcrales y las nuevas tipologías arquitectónicas,como la mezquita de Sendang Duwur.[73]

• Arte thai: templo de Wat Phra Kaew, Bangkok.

• Arte cham: templo de Po Klaung Garai, Phan Rang(Vietnam).

• Arte birmano: pagoda de Shwedagon, Rangún(Birmania).

• Arte indonesio: templo de Borobudur (Indonesia).

Oceanía

Moái en Rano Raraku, Isla de Pascua.

En este periodo continuó la expansión polinesia hacia laperiferia oceánica (Nueva Zelanda, islas Kermadec, islasChatham). Se produjo una gran diversificación culturaly artística: sólo en Melanesia, por ejemplo, había másde 1.000 grupos étnicos diferentes. La mayoría de mani-festaciones artísticas eran de carácter ritual, relacionadascon danzas y ceremonias de tipo animista o politeísta. EnMicronesia se produjeron elaborados complejos arqui-tectónicos con esculturas de piedra y megalitos. En Yap

(islas Carolinas), apareció un tipo de moneda de piedracompuesta por grandes discos con un agujero central. EnGuam y las islas Marianas destacan las casas sobre co-lumnas de piedra (latte). En Hawái se construyeron gran-des templos (heiau), con esculturas de madera de hastatres metros que representaban a sus dioses. En las islasMarquesas se dieron un tipo de construcciones de casasmegalíticas sobre plataformas de piedra, con grandes es-tatuas antropomórficas. En Nueva Zelanda, los maoríesdesarrollaron un tipo de talla de madera con figuras de lí-deres políticos y religiosos, así como colgantes de nefritatallada (hei tiki). Por último, cabe destacar la construc-ción en la isla de Pascua de las famosas cabezas mono-líticas (moái), de las que se erigieron unas 600 entre elaño 900 y el 1600. Son figuras de 4 ó 5 metros, que sesituaban sobre plataformas de piedra que servían de basea los templos (ahu) de culto a los ancestros.[74]

1.1.5 Arte de la Edad Moderna

El nacimiento de Venus (1485), de Sandro Botticelli, Uffizi(Florencia).

El arte de la Edad Moderna –no confundir con arte mo-derno, que se suele emplear como sinónimo de arte con-temporáneo–[nota 8] se desarrolló entre los siglos XV yXVIII. La Edad Moderna supuso cambios radicales a ni-vel político, económico, social y cultural: la consolida-ción de los estados centralizados supuso la instauracióndel absolutismo; los nuevos descubrimientos geográficos–especialmente el continente americano– abrieron unaépoca de expansión territorial y comercial, suponiendo elinicio del colonialismo; la invención de la imprenta con-llevó una mayor difusión de la cultura, que se abrió a todotipo de público; la religión perdió la preponderancia quetenía en la época medieval, a lo que coadyuvó el surgi-miento del protestantismo; a la vez, el humanismo surgiócomo nueva tendencia cultural, dejando paso a una con-cepción más científica del hombre y del universo.El origen de la historia del arte como tal data del sigloXVI, considerándose las Vidas de Giorgio Vasari el textoinaugural del estudio del arte con carácter historiográfico.El método que siguió el erudito florentino era la biografíadel artista. Esta metodología fue la que se impuso hastael siglo XVIII, cuando el historiador alemán Johann Joa-

28 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

chim Winckelmann inició un nuevo tipo de análisis delarte buscando en el desarrollo de las civilizaciones unaevolución estilística.[nota 9]

Renacimiento

Surgido en Italia en el siglo XV (Quattrocento), se expan-dió por el resto de Europa desde finales de ese siglo einicios del XVI. Los artistas se inspiraron en el arte clási-co grecorromano, por lo que se habló de «renacimiento»artístico tras el oscurantismo medieval. Estilo inspiradoen la naturaleza, surgieron nuevos modelos de represen-tación, como el uso de la perspectiva. Sin renunciar a latemática religiosa, cobró mayor relevancia la represen-tación del ser humano y su entorno, apareciendo nuevastemáticas como la mitológica o la histórica, o nuevos gé-neros como el paisaje, el bodegón e, incluso, el desnudo.La belleza dejó de ser simbólica, como en la era medie-val, para tener un componente más racional y mesurado,basado en la armonía y la proporción.

Iglesia de Santa Maria Novella, en Florencia, diseñada por LeonBattista Alberti.

La arquitectura recuperó los modelos clásicos, reelabora-dos con un concepto más naturalista y con bases científi-cas: se recuperó el uso del arco de medio punto, la bóvedade cañón, la cúpula de media naranja y los órdenes clá-sicos (dórico, jónico, corintio y compuesto). La estructu-ra del edificio se basó en proporciones matemáticas, quebuscaban la perfección de las formas, a la vez que se po-tenció la luminosidad y la diafanidad de los espacios. Enel Quattrocento destacó la arquitectura desarrollada enFlorencia: Filippo Brunelleschi (cúpula de Santa Maríadel Fiore, Basílica de San Lorenzo), Leon Battista Alberti(San Andrés de Mantua); mientras que en el Cinquecentoel centro artístico pasó a ser Roma: Bramante (San Pie-tro in Montorio, Basílica de San Pedro del Vaticano),Antonio da Sangallo (Palacio Farnesio). En esta épocacobró un progresivo auge la jardinería, que empezó a serconcebida mediante un diseño estructurado; surgió así elllamado «jardín italiano», de composición geométrica,construido sobre terrazas con escalinatas (Jardín del Bel-vedere, Bramante; Villa Madama, Rafael). Fuera de Ita-

lia, el Renacimiento se desarrolló sobre todo en Francia,con la obra de Philibert Delorme; en Alemania no llegóhasta mediados del siglo XVI, con el castillo de Heidel-berg y, sobre todo a finales de siglo, en Baviera; en losPaíses Bajos la influencia italiana se denotó especialmen-te en la decoración, sobre estructuras todavía de signo gó-tico; en Inglaterra se produjo el estilo Tudor, desarrolladosobre todo en la construcción de palacios civiles, carac-terizado por la utilización del arco Tudor; en Rusia, elRenacimiento italiano –introducido por Aristotile Fiora-vanti– fue adaptado al estilo bizantino típicamente ruso,como en el magnífico conjunto del Kremlin. En Españase desarrollaron varios estilos: el plateresco, caracteriza-do por el uso de paramentos almohadillados, columnasabalaustradas y profusa decoración de grutescos (AlonsoCovarrubias, Diego de Siloé); y el purismo, más preocu-pado por la estructura racional del edificio, abandonandola decoración exuberante del plateresco (Rodrigo Gil deHontañón, Andrés de Vandelvira).La escultura buscó igualmente la idealizada perfeccióndel clasicismo, aunque perduraron hasta el siglo XVI laelegancia curvilínea y la esbeltez de proporciones del gó-tico internacional. Se utilizaban materiales nobles, comoel mármol y el bronce, con un especial gusto por la formamonumental. Junto a la temática religiosa se desarrolló elretrato, en busto o en figuras ecuestres, al estilo de la an-tigua Roma. Destacaron especialmente: Lorenzo Ghiber-ti, Jacopo della Quercia, Luca della Robbia, Andrea Ve-rrocchio y, especialmente, Donatello (David, 1409; Judity Holofernes, 1455-1460); y, fuera de Italia, Michel Co-lombe en Francia, Peter Vischer en Alemania, y FelipeBigarny, Bartolomé Ordóñez y Damián Forment en Es-paña.La pintura sufrió una notable evolución desde las formasmedievales, con formas naturalistas y temáticas profanaso mitológicas junto a las religiosas. Los estudios de pers-pectiva permitieron hacer obras de gran efecto realista,basadas en proporciones matemáticas, con especial uti-lización de la «sección áurea» tras el estudio publicadopor Luca Pacioli (De Divina Proportione, 1509). Se utili-zó el fresco y el temple, mientras que se introdujo el óleoa mediados del siglo XV por influencia flamenca. Uno desus principales exponentes fue Leonardo Da Vinci, geniopolifacético que introdujo el sfumato o «perspectiva aé-rea», con obras como La Virgen de las Rocas (1483), LaÚltima Cena (1495-1497), LaGioconda (1503), etc. Otronombre de relevancia fue Rafael, maestro del clasicismosereno y equilibrado, con una perfecta ejecución pictóri-ca, como se demuestra en sus frescos de las Estancias delVaticano. Otros artistas destacados fueron: Masaccio, FraAngelico, Paolo Ucello, Andrea del Castagno, Perugino,Piero della Francesca, Benozzo Gozzoli, Domenico Ghir-landaio, Botticelli, Andrea del Verrocchio, Luca Signo-relli, Andrea Mantegna, Giovanni Bellini, Antonello daMessina, etc. En el resto de Europa: Matthias Grünewald,Alberto Durero, Hans Holbein el Joven y Lucas Cranachel Viejo en Alemania; Quentin Metsys y Pieter Brueg-

1.1. HISTORIA DEL ARTE 29

hel en Holanda; y Pedro Berruguete, Alejo Fernández,Vicente Masip, Juan de Juanes, Pedro Machuca y Luisde Morales en España.Las artes industriales tuvieron un gran auge debido al gus-to por el lujo de las nuevas clases adineradas: se desarrollóla ebanistería, sobre todo en Italia y Alemania, destacan-do la técnica de la intarsia, embutidos de madera de variostonos para producir efectos lineales o de ciertas imágenes.La tapicería destacó en Flandes, con obras basadas en bo-cetos desarrollados por pintores como Bernard van Orley.La cerámica se elaboró en Italia con barnices vidriados,consiguiendo tonos brillantes de gran efecto. El vidrio sedesarrolló notablemente en Venecia (Murano), decora-do a veces con hilos de oro o con filamentos de vidriosde colores. La orfebrería fue cultivada por escultores co-mo Lorenzo Ghiberti, con piezas de gran virtuosismo yelevada calidad, destacando especialmente los esmaltesy camafeos. Con la invención de la imprenta se desa-rrollaron las artes gráficas, apareciendo o perfeccionán-dose la mayoría de las técnicas de grabado: calcografía(aguafuerte, aguatinta, grabado al buril, grabado a me-dia tinta o grabado a punta seca), linograbado, xilografía,etc.[75]

Don Quijote (1605), de Miguel de Cervantes.

La literatura renacentista se desarrolló en torno alhumanismo, la nueva teoría que destacaba el papel pri-mordial del ser humano sobre cualquier otra considera-ción, especialmente la religiosa. En esta época el mundo

de las letras recibió un gran impulso con la invención dela imprenta por Gutenberg, hecho que propició el acce-so a la literatura por un público más mayoritario. Elloconllevó a una mayor preocupación por la ortografía y lalingüística, surgiendo los primeros sistemas de gramáticaen lenguas vernáculas (como la española de Elio Anto-nio de Nebrija) y apareciendo las primeras academias delenguas nacionales. Entre los literatos de esta época desta-can: Angelo Poliziano, Matteo Maria Boiardo, LudovicoAriosto, Jacopo Sannazaro, Pietro Bembo, BaldassareCastiglione, Torquato Tasso, Tomás Moro, Erasmo deRotterdam, François Rabelais, Pierre de Ronsard, Michelde Montaigne, Edmund Spenser, Luís de Camões, etc. EnEspaña comenzó una edad dorada de las letras, que seprolongaría hasta el siglo XVII: la poesía, influida por laitaliana del stil nuovo, contó con las figuras de Garcilasode la Vega, fray Luis de León, San Juan de la Cruz y SantaTeresa de Jesús; en prosa surgieron los libros de caba-llería (Amadís de Gaula, 1508) y se inició el género dela picaresca con el Lazarillo de Tormes (1554), mientrasque despuntó la obra de Miguel de Cervantes, el gran ge-nio de las letras españolas, autor del inmortal Don Quijote(1605).[76]

El teatro renacentista también acusó el paso delteocentrismo al antropocentrismo, con obras más na-turalistas, de aspecto histórico, intentando reflejar lascosas tal como son. Se buscaba la recuperación de larealidad, de la vida en movimiento, de la figura hu-mana en el espacio, en las tres dimensiones, creandoespacios de efectos ilusionísticos, en trompe-l'œil. Sur-gió la reglamentación teatral basada en tres unidades(acción, espacio y tiempo), basándose en la Poética deAristóteles, teoría introducida por Lodovico Castelvetro.En torno a 1520 surgió en el norte de Italia la Commediadell'arte, con textos improvisados, en dialecto, predomi-nando la mímica e introduciendo personajes arquetípicoscomo Arlequín, Colombina, Pulcinella (llamado en Fran-cia Guignol), Pierrot, Pantalone, Pagliaccio, etc. Comoprincipales dramaturgos destacaron Niccolò Machiave-lli, Pietro Aretino, Bartolomé Torres Naharro, Lope deRueda y Fernando de Rojas, con su gran obra La Celesti-na (1499). En Inglaterra descolló el teatro isabelino, conautores como Christopher Marlowe, Ben Jonson, ThomasKyd y, especialmente, William Shakespeare, gran geniouniversal de las letras (Romeo y Julieta, 1597; Hamlet,1603; Otelo, 1603; Macbeth, 1606).[77]

La música renacentista supuso la consagración de lapolifonía, así como el afianzamiento de la música instru-mental, que iría evolucionando hacia la orquesta moder-na. Apareció el madrigal como género profano que au-naba texto y música, siendo la expresión paradigmáticade la música renacentista. En 1498 Ottaviano Petrucciideó un sistema de imprenta adaptado a la música, enpentagrama, con lo que se empezó a editar música. Comocompositores renacentistas destacaron Orlandus Lassus,Carlo Gesualdo, Giovanni Gabrieli, Tomás Luis de Victo-ria, Cristóbal de Morales, Claudio Monteverdi y Giovanni

30 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

Pierluigi da Palestrina. A finales del siglo XVI nació laópera, iniciativa de un círculo de eruditos (la CamerataFiorentina) que, al descubrir que el teatro griego antiguoera cantado, tuvieron la idea de musicalizar textos dra-máticos. La primera ópera fue Dafne (1594), de JacopoPeri, a la que siguió Euridice (1600), del mismo autor; en1602 Giulio Caccini escribió otra Euridice; y, en 1607,Claudio Monteverdi compuso La favola d'Orfeo, dondeañadió una introducción musical que denominó sinfonía,y dividió las estructuras cantadas en arias.[78]

La danza renacentista tuvo una gran revitalización, debi-da de nuevo al papel preponderante del ser humano so-bre la religión, de tal manera que muchos autores con-sideran esta época el nacimiento de la danza moderna.Se desarrolló sobre todo en Francia –donde fue llama-do ballet-comique–, en forma de historias bailadas, sobretextos mitológicos clásicos, siendo impulsado principal-mente por la reina Catalina de Médicis. Se suele conside-rar que el primer ballet fue el Ballet comique de la ReineLouise (1581), de Balthazar de Beaujoyeulx. Las princi-pales modalidades de la época eran la gallarda, la pavanay el tourdion. En esta época surgieron los primeros trata-dos sobre danza: Domenico da Piacenza escribió De artesaltandi et choreas ducendi, siendo considerado el primercoreógrafo de la historia; Thoinot Arbeau hizo una reco-pilación de danzas populares francesas (Orchesographie,1588).[79]

• Templete de San Pietro in Montorio, de Bramante(1502-1510).

• David (c. 1440), de Donatello, Museo Bargello,Florencia.

• La Gioconda (1503-1506), de Leonardo da Vinci,Museo del Louvre.

• Frontispicio de la edición de Hamlet de 1605, deWilliam Shakespeare.

Manierismo

Surgido igualmente en Italia a mediados del sigloXVI como evolución de las formas renacentistas, elmanierismo[nota 10] abandonó la naturaleza como fuentede inspiración para buscar un tono más emotivo y ex-presivo, cobrando importancia la interpretación subjetivaque el artista hace de la obra de arte. La arquitectura ad-quirió un signo más efectista y de tenso equilibrio, des-tacando el polifacético artista Miguel Ángel, autor delábside y la cúpula de San Pedro del Vaticano; JacopoVignola (Iglesia del Gesù); y Andrea Palladio, creadorde un estilo propio (paladianismo), como vemos en laBasílica de Vicenza, la Villa Capra (llamada la Roton-da), San Giorgio Maggiore de Venecia, etc. En Franciasurgió la notable Escuela de Fontainebleau. En Españase produjo la arquitectura herreriana (por Juan de Herre-ra), estilo sobrio y sencillo, de formas simples y desnudas

David (1501 - 1504), de Miguel Ángel, Galería de la Academia,Florencia.

de decoración, de acuerdo a la doctrina contrarreformistaque entonces imperaba; tuvo su máxima realización en elMonasterio de El Escorial.La escultura es nuevamente reflejo del pesimismo que do-minaba la sociedad italiana de la segunda mitad del sigloXVI, con un arte donde se deforma la realidad a capri-cho, predominando la expresión sentimental del artista,con figuras estilizadas, en posiciones violentas y actitu-des dramáticas. Descuella nuevamente la obra de MiguelÁngel, con obras de tenso dinamismo donde resalta la ex-presión de la persona representada: Piedad (1501), David(1501-1504), Moisés (1513-1515), Sepulcro de los Mé-dicis (1520-1534), etc. Otros importantes escultores fue-ron: Baccio Bandinelli, Benvenuto Cellini, Giambolognay Jacopo Sansovino; y, fuera de Italia, Jean Goujon yGermain Pilon en Francia, Adriaen de Vries en Flandes,Hubert Gerhard en Alemania, y Alonso Berruguete, Juande Juni y Gaspar Becerra en España.La pintura manierista tuvo un sello más caprichoso, ex-

1.1. HISTORIA DEL ARTE 31

travagante, con gusto por la forma sinuosa y estilizada,deformando la realidad, con perspectivas distorsionadas yatmósferas efectistas. Destacó en primer lugar –como enlas otras artes– Miguel Ángel (autor de la decoración de laCapilla Sixtina), seguido de Bronzino, Andrea del Sarto,Pontormo, Correggio, Parmigianino, Giorgione, Tiziano,Veronese, Tintoretto, Jacopo Bassano, Giuseppe Arcim-boldo, etc. Cabe mencionar a Maarten van Heemskerck yAbraham Bloemaert en los Países Bajos, y BartholomeusSpranger en Alemania. En España destacaron Juan Fer-nández de Navarrete, Alonso Sánchez Coello, Juan Pan-toja de la Cruz y, especialmente, El Greco, artista ex-cepcional creador de un estilo personal y único, de fuertesentido expresionista.[80]

• Villa La Rotonda, de Andrea Palladio.

• Moisés (1513-1515), de Miguel Ángel, iglesia de SanPietro in Vincoli.

• Venus de Urbino (1538), de Tiziano, Galería Uffizi(Florencia).

• El entierro del Conde de Orgaz (1587), El Greco,Iglesia de Santo Tomé (Toledo).

Barroco

Las Meninas (1656), de Velázquez (Museo del Prado), fue unalegato de la figura del pintor como artista inspirado, frente ala condición de simple artesano que hasta entonces se tenía deloficio de pintor.

El barroco[nota 11] se desarrolló entre el siglo XVII y prin-cipios del XVIII. Fue una época de grandes disputas en elterreno político y religioso, surgiendo una división entrelos países católicos contrarreformistas, donde se afianzó

el estado absolutista, y los países protestantes, de signomás parlamentario. El arte se volvió más refinado y orna-mentado, con pervivencia de un cierto racionalismo cla-sicista pero con formas más dinámicas y efectistas, congusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusionesópticas y los golpes de efecto.La arquitectura, bajo unas líneas clásicas, asumió unasformas más dinámicas, con una exuberante decoración yun sentido escenográfico de las formas y los volúmenes.Cobró relevancia la modulación del espacio, con prefe-rencia por las curvas cóncavas y convexas, poniendo es-pecial atención en los juegos ópticos (trompe-l'œil) y elpunto de vista del espectador. Al igual que en la épo-ca anterior, el motor del nuevo estilo volvió a ser Italia:Gian Lorenzo Bernini fue uno de sus mejores exponen-tes, siendo el principal artífice de la Roma monumentalque conocemos hoy día (columnata de la Plaza de SanPedro, baldaquino de San Pedro, San Andrés del Quiri-nal, Palacio Chigi-Odescalchi); Francesco Borromini esotro gran nombre de la época, autor de las iglesias de SanCarlo alle Quattre Fontane y Sant'Ivo alla Sapienza; tam-bién destacaron Pietro da Cortona, Baldassare Longhe-na, Filippo Juvara y Guarino Guarini. En Francia, bajoel reinado de Luis XIV, se iniciaron una serie de cons-trucciones de gran fastuosidad: fachada del Palacio delLouvre, de Louis Le Vau y Claude Perrault; Palacio deVersalles, de Le Vau y Jules Hardouin-Mansart. En Aus-tria destacó Johann Bernhard Fischer von Erlach, autorde la Iglesia de San Carlos Borromeo en Viena. En Ingla-terra cabe mencionar la Catedral de San Pablo de Lon-dres, de Christopher Wren. En España, la arquitecturaacusó en la primera mitad del siglo XVII la herencia he-rreriana, con Juan Gómez de Mora como figura destaca-da, mientras que en la segunda mitad de siglo se dio elestilo churrigueresco (por José Benito Churriguera), ca-racterizado por el exuberante decorativismo y el uso decolumnas salomónicas (Retablo Mayor de San Estebande Salamanca).La escultura adquirió el mismo carácter dinámico, sinuo-so, expresivo, ornamental, destacando el movimiento y laexpresión, con una base naturalista pero deformada a ca-pricho del artista. En Italia destacó nuevamente Bernini,autor de obras como Apolo y Dafne ( 1622-1625), Éxtasisde Santa Teresa (1644-1652), Muerte de la beata Ludo-vica Albertoni (1671-1674), etc. En Francia destacaronFrançois Girardon, Antoine Coysevox y Pierre Puget. EnEspaña perduró la imaginería religiosa de herencia góti-ca, destacando Gregorio Fernández, Juan Martínez Mon-tañés, Alonso Cano, Pedro de Mena, Francisco Salzillo,etc.La pintura se desarrolló en dos tendencias contrapuestas:el naturalismo, basado en la estricta realidad natural, congusto por el claroscuro –el llamado tenebrismo–, dondecabe citar a Caravaggio, Orazio y Artemisia Gentileschi,Pieter van Laer, Adam Elsheimer, Georges de La Tour ylos hermanos Le Nain; y el clasicismo, que es igualmen-te realista pero con un concepto de la realidad más in-

32 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

telectual e idealizado, englobando a Annibale Carracci,Guido Reni, Domenichino, Guercino, Giovanni Lanfran-co, Nicolas Poussin, Claude Lorrain, Hyacinthe Rigaud,etc. En el llamado «pleno barroco» (segunda mitad del si-glo XVII), de estilo decorativo y predominio de la pinturamural, destacaron Pietro da Cortona, Andrea Pozzo, LucaGiordano y Charles Le Brun. Aparte de estas corrientes,hubo infinidad de escuelas, estilos y autores de muy diver-so signo, destacando dos escuelas regionales: la flamenca(Peter Paul Rubens, Anton Van Dyck, Jacob Jordaens,Frans Snyders), y la holandesa (Rembrandt, Jan Vermeer,Frans Hals). En España destacó la figura excepcional deDiego Velázquez (La fragua de Vulcano, 1630; La ren-dición de Breda, 1635; Venus del espejo, 1650; Las Meni-nas, 1656; Las hilanderas, 1657), así como José de Ribe-ra, Francisco Ribalta, Alonso Cano, Francisco de Zurba-rán, Juan de Valdés Leal y Bartolomé Esteban Murillo.En el terreno de las artes industriales, destaca especial-mente la ebanistería, que llegó a cotas de altísima calidadsobre todo en Francia, gracias a la obra de André-CharlesBoulle, creador de una nueva técnica de aplicación de me-tales (cobre, estaño) sobre materiales orgánicos (carey,madreperla, marfil) o viceversa. Entre sus obras destacanlas dos cómodas del Trianón, en Versalles, y el reloj depéndulo con el Carro de Apolo en Fontainebleau. Tam-bién destacaron la tapicería, la orfebrería –especialmentelas «piedras duras» en Florencia–, la cerámica y el vidrio–que cobró relevancia en Bohemia–.[81]

La literatura barroca se caracterizó por el pesimismo,con una visión de la vida planteada como lucha, sueñoo mentira, donde todo es fugaz y perecedero. Su estiloera suntuoso y recargado, con un lenguaje muy adjetivadoy metafórico. En un primer momento se produjeron di-versas corrientes: el eufuismo en Inglaterra (John Lyly,Robert Greene), el preciosismo en Francia (Vincent Voi-ture), el marinismo en Italia (Giambattista Marino), laprimera (Martin Opitz, Angelus Silesius, Andreas Gryp-hius) y segunda escuela de Silesia (Daniel Casper vonLohenstein, Hans Jakob Christoph von Grimmelshausen)en Alemania. Más adelante surgió el clasicismo en Fran-cia, con autores como François de la Rochefoucauld,Jacques-Bénigne Bossuet, Nicolas Boileau-Despréaux,Jean de La Fontaine, François de Malherbe, Cyrano deBergerac y Madeleine de Scudéry. En Inglaterra desta-có la obra poética de John Milton (El paraíso perdido,1667). En España, donde el siglo XVII sería denomi-nado el «Siglo de oro», se produjeron dos corrientes: elculteranismo, liderado por Luis de Góngora, donde desta-caba la belleza formal, con un estilo suntuoso, metafóri-co, con proliferación de latinismos y juegos gramaticales;y el conceptismo, representado por Francisco de Queve-do y Baltasar Gracián, donde predominaba el ingenio, laagudeza, con un lenguaje conciso pero polisémico, conmúltiples significados en pocas palabras.[82]

En el teatro barroco se desarrolló sobre todo la tragedia,basada en la ineluctabilidad del destino, con un tono clá-sico, siguiendo las tres unidades de Castelvetro. La esce-

Portada del Manuscrito Chacón, que transmitió la obra poéticade Luis de Góngora.

nografía era más recargada, siguiendo el tono ornamen-tal característico del Barroco. Destacan Pierre Cornei-lle, Jean Racine y Molière, representantes del clasicis-mo francés. En España el teatro era básicamente popular(«corral de comedias»), cómico, con una personal tipolo-gía, distinguiéndose: bululú, ñaque, gangarilla, cambaleo,garnacha, bojiganga, farándula y compañía. DestacaronTirso de Molina, Guillén de Castro, Juan Ruiz de Alarcóny, principalmente, Lope de Vega (El perro del hortelano,1615; Fuenteovejuna, 1618) y Pedro Calderón de la Barca(La vida es sueño, 1636; El alcalde de Zalamea, 1651).[83]

La música barroca destacó por el contraste, los acordesviolentos, los volúmenes móviles, la ornamentación exa-gerada, la estructura variada y contrastada. Se caracte-rizó especialmente por la utilización del bajo continuo,sección instrumental grave que sostenía ininterrumpida-mente la parte melódica superior. En esta época la músicaalcanzó cotas de gran brillantez, desvinculándose plena-mente de la voz y el texto, surgiendo las formas instru-mentales puras (suite, sonata, tocata, concierto, sinfonía).Con la sonata nacieron los nombres de velocidad: allegro,adagio, presto, vivace, andante, etc. En la música religio-sa nacen el oratorio y la cantata, mientras que la músicacoral triunfó especialmente en el mundo protestante. EnEspaña nacieron la zarzuela y la tonadilla como manifes-taciones de la música popular. Entre las grandes figuras

1.1. HISTORIA DEL ARTE 33

de la música barroca conviene recordar a Antonio Vival-di, Tommaso Albinoni, Arcangelo Corelli, Marc-AntoineCharpentier, Johann Pachelbel, Heinrich Schütz, JohannSebastian Bach, Georg Philipp Telemann, Georg Frie-drich Haendel, etc.En ópera destacó la escuela veneciana, primer lugar don-de la música se desligó de la protección religiosa o aris-tocrática para ser representada en lugares públicos: en1637 se fundó el Teatro di San Cassiano, primer cen-tro operístico del mundo. Comenzó el gusto por las vo-ces solistas, principalmente las agudas (tenor, soprano),apareciendo el fenómeno de los castrati. La ópera barro-ca destacó por la escenografía complicada, ornamentada,recargada, con cambios repentinos. Destacan Pier Fran-cesco Cavalli, Antonio Cesti, Jean-Baptiste Lully, HenryPurcell, Georg Friedrich Haendel, etc. A finales del sigloXVII, la escuela napolitana introdujo un estilo más puris-ta, más clasicista, simplificando los argumentos y hacien-do óperas más cultas y sofisticadas. Alessandro Scarlattiintrodujo el aria en tres partes (aria da capo).[84]

En Francia, la danza barroca (ballet de cour) hizo evo-lucionar la música instrumental, de melodía única pe-ro con una rítmica adaptada a la danza. Fue patrocina-da especialmente por Luis XIV, que convirtió la danzaen grandes espectáculos (Ballet de la Nuit, 1653, dondeintervino el rey caracterizado de sol), creando en 1661la Academia real de Danza. Como coreógrafo destacóPierre Beauchamp, creador de la danse d'école, el pri-mer sistema pedagógico de la danza. Las principales ti-pologías fueron: minuet, bourrée, polonaise, rigaudon,allemande, zarabande, passepied, gigue, gavotte, etc. EnEspaña también se dieron diversas modalidades de dan-za: seguidilla, zapateado, chacona, fandango, jota, etc.[85]

• Baldaquino de San Pedro (1624 - 1633), deGianlorenzo Bernini.

• Éxtasis de Santa Teresa (1647-1651), deGianlorenzo Bernini, iglesia de Santa Maríade la Victoria, Roma.

• Puerto con el embarque de la Reina de Saba (1648),de Claude Lorrain, National Gallery de Londres.

• Las tres Gracias (1636-1639), de Peter Paul Rubens,Museo del Prado.

Rococó

Desarrollado en el siglo XVIII[nota 12] –en convivenciaa principios de siglo con el barroco, y a finales con elneoclasicismo–, supuso la pervivencia de las principa-les manifestaciones artísticas del barroco, con un sentidomás enfatizado de la decoración y el gusto ornamental,que son llevados a un paroxismo de riqueza, sofisticacióny elegancia. El progresivo auge social de la burguesía ylos adelantos científicos, así como el ambiente cultural de

El columpio (1767), de Jean-Honoré Fragonard, Colección Wa-llace, Londres.

la Ilustración, conllevaron el abandono de los temas reli-giosos a favor de nuevas temáticas y actitudes más mun-danas, destacando el lujo y la ostentación como nuevosfactores de prestigio social.La arquitectura pasó de la grandilocuencia barroca aun gusto más delicado, de formas gráciles y con pre-ponderancia de espacios pequeños, de ambientes derecogimiento pensados para el bienestar y el confort.Se puso de moda lo exótico, especialmente el gustopor el arte oriental. El rococó se desarrolló sobre to-do en Francia y Alemania, representado principalmen-te por Ange-Jacques Gabriel (Petit Trianon de Versa-lles, Hotel Biron de París), François de Cuvilliés (Pa-bellón de Amalienburg del Palacio de Nymphenburg enMúnich), Johann Balthasar Neumann (Palacio Episco-pal de Würzburg) y Dominikus Zimmermann (Iglesia deWies). En jardinería, al «jardín italiano» sucedió el «jar-dín francés», de composición geométrica igual que el ita-liano, pero con una perspectiva más larga, composiciónmás simple, mayores zonas de césped y un nuevo detalleornamental: el parterre; destacan los jardines de Versalles(diseñados por André Le Nôtre) y Aranjuez.La escultura tiene un aire grácil, refinado, con cierta per-vivencia de las formas barrocas, especialmente por in-fluencia de Bernini. En Italia cabe destacar la Fontana deTrevi, de Pietro Bracci y Filippo della Valle. En Fran-cia destacó la obra de Edmé Bouchardon, Jean-BaptistePigalle y Étienne-Maurice Falconet. En Alemania tene-mos la presencia de Georg Rafael Donner, Franz IgnazGünther y los hermanos Asam (Cosmas Damian y Egid

34 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

Quirin). En España podemos reseñar a Juan Pascual deMena y Luis Salvador Carmona.La pintura se movió entre la exaltación religiosa oel paisajismo vedutista en Italia (Giambattista Tiepo-lo, Canaletto, Francesco Guardi), y las escenas cortesa-nas de Jean-Antoine Watteau, François Boucher, Jean-Baptiste-Siméon Chardin y Jean-Honoré Fragonard enFrancia, pasando por el retratismo inglés de Joshua Rey-nolds y Thomas Gainsborough. Figura aparte es el incla-sificable pintor español Francisco de Goya, que evolucio-nó desde un sello más o menos rococó hasta un ciertoprerromanticismo, pero con una obra personal y expresi-va de fuerte tono intimista. Cultivó tanto la pintura comoel grabado, siendo igualmente de destacar sus cartones pa-ra tapices. Entre sus obras destacan: los Caprichos (1799),La familia de Carlos IV (1800), El tres de mayo de 1808en Madrid (1814), las Pinturas negras (1820), etc.Las artes decorativas tuvieron especial relevancia, ya que,como se ha señalado, el rococó fue un arte de aire bur-gués dedicado a la ostentación y el lujo. Se desarrollónotablemente el interiorismo, con especial énfasis en elmobiliario, los espejos, las sedas, los tapices y los objetosde porcelana. Esta última tuvo una gran difusión, sobretodo la de Sajonia y la de Sèvres, con delicados moti-vos ornamentales, preferentemente de estilo oriental. Enporcelana se fabricaron también pequeñas tallas escultó-ricas con motivos galantes, pastorales o de la Commediadell'arte. En mobiliario se desarrolló el «estilo Chippen-dale» (por Thomas Chippendale), caracterizado por eleclecticismo, con mezcla de elementos góticos, rococó,palladianos y chinescos. En España adquirieron notorie-dad los tapices de la Real Fábrica de Santa Bárbara, algu-nos de ellos diseñados por Goya. En esta época aparecióla litografía, nueva modalidad de grabado sobre piedracaliza, inventada por Aloys Senefelder en 1778.[86]

A nivel literario, el siglo XVIII fue el de la Ilustración,proyecto iniciado con L'Encyclopédie de Dideroty D'Alembert y que supuso la consagración delracionalismo a nivel filosófico, poniendo el acento en laidea de progreso del ser humano y su capacidad ilimitada,concepto que estableció el germen de la era moderna.Sus principales representantes fueron Montesquieu,Voltaire, Denis Diderot, Jean-Jacques Rousseau, elAbate Prévost, André Chénier, Giambattista Vico,Alexander Pope, Daniel Defoe, Jonathan Swift, etc. EnEspaña se denotó la influencia francesa en una literaturacrítica y especulativa, ganando gran auge el género delensayo; destacaron Benito Jerónimo Feijoo, Diego deTorres Villarroel, Ignacio Luzán y José Francisco deIsla. Es de remarcar la fundación en esta época de laBiblioteca Nacional y la Real Academia Española.[87]

El teatro en el siglo XVIII siguió modelos anteriores, con-tando como principal innovación la reforma que efectuóCarlo Goldoni de la comedia, que abandonó la vulgari-dad y se inspiró en costumbres y personajes de la vi-da real. También se desarrolló el drama, situado entre

Portada de L'Encyclopédie (1751).

la tragedia y la comedia. La escenografía era más natu-ralista, con un mayor contacto entre público y actores.Los montajes solían ser más populares, atrayendo un ma-yor público, dejando el teatro de estar reservado a lasclases altas. Al organizarse espectáculos más complejos,empezó a cobrar protagonismo la figura del director deescena. Como dramaturgos destacan Pietro Metastasio,Pierre de Marivaux, Pierre-Augustin de Beaumarchais yVoltaire. En España, Nicolás Fernández de Moratín se en-marca en la «comedia de salón» dieciochesca, con baseen Molière.[88]

Al rococó en música corresponde la llamada «música ga-lante», que era más tranquila que la barroca, más ligeray sencilla, amable, decorativa, destacando el sentimenta-lismo. Desapareció el gusto por el contraste y se buscó lagradación sonora (crescendo, diminuendo). En la llama-da Escuela de Mannheim se desarrolla la música sinfóni-ca, con la primera gran orquesta moderna (40 instrumen-tos), iniciativa del elector Carlos Teodoro de Wittelsbach.Su principal representante, Johann Stamitz, es considera-do el primer director de orquesta. De entre los músicosde la época destacan los hijos de Bach: Wilhelm Friede-mann, Carl Philipp Emanuel, Johann Christoph Friedrichy Johann Christian –este último introductor del piano enla música sinfónica, inventado en 1711 por Bartolomeo

1.1. HISTORIA DEL ARTE 35

Cristofori–. En ópera, junto a la culta aparece la «óperabufa», de aire cómico, destinada a un público más po-pular, con influencia de la Commedia dell'arte (NiccolòPiccinni, Baldassare Galuppi).[89]

La danza siguió desarrollándose sobre todo en Francia,donde en 1713 se creó la Escuela de Ballet de la Ópera deParís, la primera academia de danza. Raoul-Auger Feui-llet creó en 1700 un sistema de notación de danza, parapoder transcribir por escrito la diversa variedad de pasosde danza. En esta época la danza comenzó a independi-zarse de la poesía, la ópera y el teatro, consiguiendo au-tonomía propia como arte, y formulando un vocabulariopropio. Se empezaron a escribir obras musicales sólo paraballet, destacando Jean-Philippe Rameau –creador de laopéra-ballet–, y comenzaron a surgir nombres de bailari-nes destacados, como Gaetano Vestris y Marie Camargo.A nivel popular, el baile de moda fue el vals, de compás¾, mientras que en España surgió el flamenco.[90]

• Basílica de Ottobeuren (Baviera).

• Fontana de Trevi (1732-1762), de Pietro Bracci yFilippo della Valle, Roma.

• La familia de Carlos IV (1800), de Francisco de Go-ya, Museo del Prado (Madrid).

• Interior rococó del palacio de Gatchina, cerca de SanPetersburgo, en Rusia.

Neoclasicismo

Juramento de los Horacios (1784), de Jacques-Louis David,Museo del Louvre.

El auge de la burguesía tras la Revolución Francesa favo-reció el resurgimiento de las formas clásicas, más purasy austeras, en contraposición a los excesos ornamenta-les del barroco y rococó, identificados con la aristocracia.A este ambiente de valoración del legado clásico greco-rromano influyó el hallazgo arqueológico de Pompeya yHerculano, junto a la difusión de un ideario de perfec-ción de las formas clásicas efectuado por Johann Joachim

Winckelmann, quien postuló que en la antigua Grecia sedio la belleza perfecta, generando un mito sobre la per-fección de la belleza clásica que aún condiciona la per-cepción del arte hoy día.[nota 13]

La arquitectura neoclásica era más racional, de signo fun-cional y un cierto aire utópico, como vemos en los pos-tulados de Claude-Nicolas Ledoux y Étienne-Louis Bou-llée. Conviene distinguir dos tipos de arquitectura neoclá-sica: la de herencia barroca, pero despojada de excesivadecoración para distinguirse de la arquitectura rococó; yla propiamente neoclásica, de líneas austeras y racionales,sobria y funcional. A la primera pertenecen obras comoel Panteón de París, de Jacques-Germain Soufflot, o laÓpera de Berlín, de Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff;también se enmarca en esta línea el neopalladianismobritánico y estadounidense. En la nueva línea más ra-cional puede mencionarse el proyecto urbanístico de lasTullerías, de Pierre-François-Léonard Fontaine (inicia-dor del llamado «estilo Imperio»); la Piazza del Popolo deRoma, de Giuseppe Valadier; el Walhalla de Ratisbona,de Leo von Klenze; y el Museo del Prado de Madrid, deJuan de Villanueva.La escultura, de lógico referente grecorromano, tuvo co-mo principales figuras a: Jean-Antoine Houdon, retratis-ta de la sociedad prerrevolucionaria (Rousseau, Voltaire,Lafayette, Mirabeau); Antonio Canova, que trabajó pa-ra los papas y la corte de Napoleón (Paulina Borghesecomo Venus, 1805-1807); y Bertel Thorvaldsen, muy in-fluido por la escultura griega, consagrado a la mitología yla historia antiguas (Jasón con el vellocino de oro, 1803).Otros nombres destacables serían John Flaxman, JohannGottfried Schadow, Johan Tobias Sergel y Damià Cam-peny.La pintura mantuvo un sello austero y equilibrado, influi-do por la escultura grecorromana o figuras como Rafaely Poussin. Destacó especialmente Jacques-Louis David,pintor «oficial» de la Revolución Francesa (Juramento delos Horacios,1784; La muerte de Marat, 1793; Napoleóncruzando los Alpes, 1800). Junto a él conviene recor-dar a: François Gérard, Antoine-Jean Gros, Pierre-PaulPrud'hon, Anne-Louis Girodet-Trioson, Jean AugusteDominique Ingres, Joseph Wright of Derby, JohannZoffany, Angelika Kauffmann, Anton Raphael Mengs,Joseph Anton Koch, Asmus Jacob Carstens, José de Ma-drazo, etc.[91]

Las artes decorativas se desarrollaron en diversos esti-los, algunos de los cuales perduraron a lo largo del sigloXIX: el estilo Directorio surgió en Francia en la épocadel Directorio (1795-1805), caracterizado por las líneassencillas, clásicas, sobrias, sin adornos excesivos; el estiloImperio se desarrolló en la Francia napoleónica y de laRestauración, de donde pasó al resto de Europa, sustitu-yendo la sobriedad por la ostentación y el lujo, con un es-tilo suntuoso, con preferencia de temas exóticos y orienta-les; en contraposición, el estilo Biedermeier alemán pre-sentó un diseño más práctico y cómodo, de líneas senci-

36 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

llas y hogareñas. Estos estilos influyeron en el isabelinoespañol y el victoriano inglés, de aire burgués, dedicadosal lujo y la ostentación, aunque sin renunciar al confort yla funcionalidad.A nivel literario, a finales del siglo XVIII se produjouna vuelta a premisas clasicistas, con la pretensión deestablecer un tipo de literatura preceptiva, ordenadora,con una base ética e intelectual. Muchos de los autoresde esta época estuvieron a caballo entre el neoclasicis-mo y el prerromanticismo, destacando: Friedrich GottliebKlopstock, Christoph Martin Wieland, Henry Fielding,Laurence Sterne, etc. En España, se denotó la influenciadel clasicismo francés y los preceptos fijados por Boileau,destacando José Cadalso, Juan Meléndez Valdés y GasparMelchor de Jovellanos, así como los fabulistas Tomás deIriarte y Félix María Samaniego.[92] El teatro neoclási-co tuvo pocas variaciones respecto al desarrollado a lolargo del siglo XVIII, siendo su principal característicala inspiración en modelos clásicos grecorromanos, señade identidad de esta corriente. Destacan: Vittorio Alfieri,Richard Brinsley Sheridan y Gotthold Ephraim Lessingy, en España, Leandro Fernández de Moratín y VicenteGarcía de la Huerta.[93]

La música clásica[nota 14] supuso entre el último tercio delsiglo XVIII y principios del XIX la culminación de lasformas instrumentales, consolidadas con la definitiva es-tructuración de la orquesta moderna. El clasicismo se ma-nifestó en el equilibrio y la serenidad de la composición,la búsqueda de la belleza formal, de la perfección, en for-mas armoniosas e inspiradoras de altos valores. Nacióel desarrollo, nueva forma de composición que consis-tía en desmontar el tema, cogiendo el ritmo o la melo-día, pero cambiando la tonalidad a través de la modula-ción. Evolucionó la música de cámara al desaparecer elbajo continuo, en distintos formatos: dúo, trío, cuarteto,quinteto, etc. La música clásica está representada princi-palmente por: Franz Joseph Haydn, Wolfgang AmadeusMozart, Christoph Willibald Gluck, Luigi Boccherini yDomenico Cimarosa. La ópera clásica era menos recarga-da que la barroca, con una música austera, sin ornamentosvocales, arias limitadas, recitativo con acompañamientoorquestal, argumentos más sólidos y personajes más ve-rídicos. Destacan: Jean-Philippe Rameau, Christoph Wi-llibald Gluck y, especialmente, Wolfgang Amadeus Mo-zart, autor de varias de las mejores óperas de la historia(Le Nozze di Figaro, 1786; Don Giovanni, 1787; La flautamágica, 1791).[94]

El ballet clásico también experimentó un gran desarrollo,sobre todo gracias al aporte teórico del coreógrafo Jean-Georges Noverre y su ballet d'action, que destacaba elsentimiento sobre la rigidez gestual del baile académico.Se buscó un mayor naturalismo y una mejor compenetra-ción de música y drama, hecho perceptible en las obrasdel compositor Gluck, que eliminó muchos convenciona-lismos de la danza barroca. Otro coreógrafo relevante fueSalvatore Viganò, que dio mayor vitalidad al «cuerpo deballet», el conjunto que acompaña a los bailarines prota-

gonistas, que cobró independencia respecto a éstos.[95]

• Panteón de París (1757-1791), de Jacques-GermainSoufflot.

• Perseo con la cabeza de Medusa (1800), de AntonioCanova, Museos Vaticanos.

• La muerte de Viriato (1806-1807), de José de Ma-drazo, Museo de Arte Moderno de Madrid.

• Wolfgang Amadeus Mozart.

América

Catedral Metropolitana de la Ciudad de México.

Desde el descubrimiento de América por Cristóbal Co-lón en 1492 hasta la independencia de los diversos paísesamericanos a lo largo del siglo XIX (los últimos Cuba yPuerto Rico en 1898) se dio el denominado arte colonial,que fue un fiel reflejo del arte efectuado en la metrópoli,desarrollándose los mismos estilos artísticos que en elcontinente europeo, principalmente el Renacimiento, elBarroco y el Rococó. Las principales muestras de artecolonial se produjeron en los dos centros geográficos demás relevancia en la era precolombina: México y Perú.La arquitectura se basó en las mismas tipologías deedificios propios de la cultura europea, principalmenteiglesias y catedrales, dado el rápido avance de la labor deevangelización de los pueblos nativos americanos, perotambién edificios civiles como ayuntamientos, hospitales,universidades, palacios y villas particulares. Durante laprimera mitad del siglo XVI fueron las órdenes religio-sas las encargadas de la edificación de numerosas iglesiasen México, preferentemente un tipo de iglesias fortifica-das llamadas «capillas de indios». A mediados de siglose empezaron a construir las primeras grandes catedra-les, como las de México, Puebla, Guadalajara, Cuzco yCórdoba. La arquitectura barroca se caracterizó por unaprofusa decoración, que resultaría exacerbada en el lla-mado «ultrabarroco» (Fachada del Sagrario de la Cate-dral de México). En Perú, las construcciones desarrolla-das en Lima y Cuzco desde 1650 muestran unas carac-

1.1. HISTORIA DEL ARTE 37

terísticas originales que se adelantan incluso al barrocoeuropeo, como en el uso de muros almohadillados y decolumnas salomónicas (Iglesia de la Compañía, Cuzco).En el siglo XVIII la arquitectura se orientó a un estilomás exuberante, otorgando un aspecto inconfundible albarroco limeño (Palacio del Marqués de Torre-Tagle.Las primeras muestras de pintura colonial fueron las deescenas religiosas elaboradas por maestros anónimos, co-mo las imágenes de la Virgen con el Niño. La producciónartística hecha en Nueva España por indígenas en el sigloXVI es denominada arte indocristiano. La pintura barro-ca recibió la influencia del tenebrismo sevillano, princi-palmente de Zurbarán, como se puede apreciar en la obrade los mexicanos José Juárez y Sebastián López de Artea-ga, y del boliviano Melchor Pérez de Holguín. A finalesdel siglo XVI destacó la Escuela cuzqueña de pintura, re-presentada principalmente por Luis de Riaño y MarcosZapata. En el siglo XVIII la principal influencia sería lade Murillo, y en algún caso –como en Cristóbal de Villal-pando– la de Valdés Leal. Destacan Gregorio Vázquez deArce en Colombia y Juan Rodríguez Juárez y Miguel Ca-brera en México.En escultura las primeras muestras fueron nuevamente enel terreno religioso, en tallas exentas y retablos para igle-sias, confeccionadas generalmente en madera recubiertacon yeso y decorada con encarnación –aplique directo delcolor– o estofado –sobre un fondo de plata y oro–. A prin-cipios del siglo XVII nacieron las primeras escuelas loca-les, como la quiteña y la cuzqueña, destacando la laborpatrocinadora de la orden jesuita. En el barroco destacóla obra escultórica desarrollada en Lima, como la sille-ría de la Catedral de Lima. En Brasil destacó la obra delAleijadinho.[96]

África

Gran Mezquita de Djenné, Malí.

En esta época continuó la diversidad de estilos y mani-festaciones artísticas en el continente africano, debido ala multiplicidad étnica y religiosa, y a las diferentes or-ganizaciones sociales, desde pueblos nómadas hasta es-

tados centralizados como Benín, Dahomey, el Congo yAshanti. Los principales materiales eran la madera, lapiedra, el marfil, el metal, la arcilla, pieles, plumas, con-chas, etc. En las montañas Drakensberg (Sudáfrica), losSan (o bosquimanos) realizaron miles de pinturas rupes-tres entre los siglos XVIII y XIX, relacionadas con ritua-les chamánicos. En la región de Owerri (Nigeria) se cons-truyeron una serie de edificios votivos llamados mbari,decorados con pinturas y esculturas. En Malí destacaronlas construcciones en adobe, como la Gran Mezquita deDjenné, datada inicialmente del siglo XIII pero recons-truida varias veces. En Ashanti (actual Ghana) adquirie-ron notoriedad los tejidos llamados kente, de algodón oseda, decorados con motivos geométricos.La escultura fue la principal actividad artística en el con-tinente en general, caracterizada por su gran expresivi-dad y fuerza emotiva, que llegó a influir en el arte devanguardia europeo cuando el colonialismo favoreció lacreación de museos etnológicos que llevaron las obras dearte africanas por toda Europa. En Benín se hacían figu-ras de latón desde el siglo XV hasta el XIX. En Ashantise dio un estilo naturalista de pequeñas esculturas de me-tal (siglos XVII-XX). En la cultura yoruba (entre Nigeria,Benín y Togo) proliferaron los relieves en madera tallada,como en las puertas del palacio de Ikere, del escultor Olo-we de Ise. Otras tipologías fueron: los fetiches o «figurasde poder» (nduda), relacionadas con ritos ultraterrena-les, de figuras antropomórficas recubiertas de tela, cueroo plumas; los pfemba, dedicados a la maternidad, gene-ralmente una mujer con un niño en brazos; y los mbulu-ngulu, relicarios protectores. También se forjaron figurasen hierro, como la del rey Glele de Dahomey, de tamañonatural, obra de Akate Akpele Kendo (1860). Por último,destacaron las máscaras, destinadas a ritos de distinta ín-dole (funerarios, agrícolas, de fertilidad, etc.).[97]

Asia

India

Taj Mahal.

Durante este periodo se introdujo en la India el arte islá-mico. La invasión musulmana, que tuvo su culminaciónen el Imperio Mogol, provocó una gran convulsión en la

38 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

sociedad india y, por tanto, en su arte. A las formas tra-dicionales se añadieron elementos característicos del arteislámico, con nuevas tipologías como la mezquita. Estesincretismo artístico se manifestó en construcciones co-mo las mezquitas de Lahore y Delhi y en las sepulturasde Agra, sobre todo en al famoso Taj Mahal (siglo XVII).También se desarrollaron la jardinería y la miniatura, am-bas de influencia persa, y adquirieron gran relevancia lasartes textiles y las joyas engarzadas (como el Trono deAurangzeb).El arte tradicional hindú tuvo su manifestación en el mag-nífico templo de Meenakshi (Madurai), así como en la es-cuela miniaturista de Rajput, donde vivía una comunidadjainista que creó un arte que tuvo gran difusión en Occi-dente, plasmado en un conjunto de templos y esculturasde mármol con incrustaciones de piedras de colores, de-corados con gran preciosismo. A partir del siglo XII la es-cultura se realizó más en bronce que en piedra, destacan-do las representaciones del dios Śivá en actitud danzante;después serían característicos los retratos de guerreros ycortesanos, tradición que llegó hasta el siglo XVIII. Laarquitectura de finales de este periodo evolucionó haciaformas cada vez más complejas, con gran riqueza deco-rativa, en la que se podría denominar una fase «barroca»del arte indio (aunque sin hacer paralelismos con el ba-rroco europeo).[98]

En literatura la principal particularidad de esta épo-ca fue el despunte de las lenguas vernáculas, surgiendouna literatura en hindi, bengalí, tamil, maratí, guyaratí,télugu, rayastaní, etc. En el género dramático destacóAnandarayamakhin, autor de Jiva-nandana (hacia 1700),drama alegórico que representa el alma humana como unrey encarcelado en su palacio (el cuerpo); y en el poemaépico destaca el Ram-chari-manas de Tulsidas, reelabo-ración del Ramaiana con gran pureza lingüística y esti-lística. El teatro derivó en tiempos más recientes del an-tiguo dutangada ―donde predominaba la danza y la mí-mica― en una nueva modalidad denominada kathakali,que igualmente ponía énfasis en la música y la gestua-lidad. En esta interpretación adquirió gran relevancia ellenguaje de las manos (mudras, con 24 posiciones bási-cas y otras combinadas), así como la expresión del rostroy los movimientos de los ojos (navarasya). También teníaimportancia el maquillaje, donde los colores eran simbó-licos, identificando al rol o personaje.[99]

La música recibió igualmente la influencia musulmana,aunque subsistieron las antiguas formas tradicionales, ba-sadas en los ragas. Sin embargo, la convivencia de ambasmodalidades provocó una división en dos tradiciones mu-sicales diferenciadas: la septentrional o indostánica, másinfluida por la música árabe; y la meridional o carnática,más conservadora de la antigua tradición. La primeraera más elegante, decorativa, romántica, mientras que lasegunda era más austera, intelectual. La danza tambiénse dividió entre kathak al norte, de tipo más profano; ybharata-natiam al sur, más religiosa.[100]

China

El Palacio de la Suprema Armonía, en el centro de la CiudadProhibida de Pekín.

• Dinastía Ming (1368-1644): supuso la restauraciónde una dinastía autóctona tras el periodo mongol, re-tornando a las antiguas tradiciones chinas. El terceremperador de la dinastía, Yongle, trasladó la capitalde Nankín a Pekín (1417), construyendo un Pala-cio Imperial (la Ciudad Prohibida), con tres grandespatios rodeados de una muralla de 24 kilómetros, yun amplio complejo de edificios donde destacan laSala de la Suprema Armonía (con el trono imperial)y el Templo del Cielo. La pintura de esta época eratradicional, de signo naturalista y cierta opulencia,como en la obra de Lü Ji, Shen Zhou, Wen Zheng-ming, etc. También destacó la porcelana, muy lige-ra y de tonos brillantes, generalmente en blanco yazul, y comenzó la decoración de vasijas de bronceen esmalte cloisonné.

• Dinastía Qing (1644-1911): dinastía de origenmanchú, en el arte supuso la continuidad de las for-mas tradicionales. La pintura era bastante ecléctica,dedicada a temas florales (Yun Shouping), religio-sos (Wu Li), paisajes (Gai Qi), etc. En arquitectu-ra, se continuó la construcción –y, en algunos ca-sos, restauración– del recinto imperial, con el mismosello estilístico, al tiempo que se edificaban nuevostemplos y villas aristocráticas, destacando la rique-za de los materiales (balaustradas de mármol, cerá-mica en los tejados, etc.). Continuó igualmente latradición en las artes aplicadas, especialmente eba-nistería, porcelana, tejidos de seda, lacas, esmalte,jade, etc. Cabe mencionar que las manufacturas chi-nas influyeron en la decoración del rococó europeo(las llamadas chinoiseries).[101]

La literatura siguió siendo de corte tradicional, destacan-do en época Ming la producción teatral, con obras comoEl círculo de tiza de Li-Hsing-Tao, La guitarra de KaoMing y El pabellón de T'ang-Hien-Tsu. En prosa destacóEl mono, de Wu Cheng'en, de signo alegórico; y La cirue-la del vaso de oro, de Wang Shih-chên, narración de tono

1.1. HISTORIA DEL ARTE 39

erótico. En época Qing la poesía destacó por su virtuo-sismo, detectándose por vez primera el influjo occiden-tal en la obra de Huang-Tuen-Hien. La narrativa era máshumanista, como se puede percibir en P'u-Song-Ling yTs’ao-Sine-K'in, autor de Hong-leu-mon, la más famosanovela de amor china; Los letrados, de Wu-Ching-Tzu,es una novela de tono satírico.[102]

La música siguió las tradiciones anteriores, recopiladasen el Manual de música de Tsai Yü (1596). De esta épo-ca destacan las tonadas para cítara, con dos vertientes:tonadas breves (hsiao-ch'ü), de letra con acompañamien-to musical; y tonadas largas (ta-ch'ü), puramente instru-mentales. En la dinastía Ming destacó el compositor WeiLiang-fu, creador de un nuevo estilo dramático con ópe-ras de 30 actos (k'un-ch'ü), con partes cantadas y partesdeclamadas. El instrumento principal era la flauta trave-sera (ti), junto a la guitarra (san-hsien), el laúd corto (p'i-p'a) y el tambor (pan-ku). Durante la dinastía Qing sur-gió un nuevo tipo de ópera (ching-hsi), más popular, conacompañamiento de violín de una cuerda (hu'chpin). Enese periodo comenzó la influencia occidental, al tiempoque la música china llegó a Occidente, como se obser-va en la obertura de Turandot, de Carl Maria von Weber(1809).[103]

Japón

• Período Momoyama (1573-1615): el arte de estaépoca se alejó de la estética budista, remarcandolos valores tradicionales japoneses, aunque duran-te este período se recibieron las primeras influen-cias de Occidente. Se construyeron grandes castillosy palacios: palacio de Fushimi, castillos de Himejiy Osaka. En pintura, la escuela de Tosa continuóla tradición épica japonesa (Mitsuyoshi, Mitsunori).La cerámica alcanzó un momento de gran apogeo:Seto continuó siendo uno de los primeros centrosde producción, mientras que en Mino nacieron dosescuelas muy importantes: Shino y Oribe. En la pro-ducción de laca destaca el nombre de Honami Kōet-su.

• Período Edo o Tokugawa (1615-1868): este pe-ríodo artístico se corresponde con el histórico deTokugawa, en el que Japón se cerró a todo con-tacto exterior. Los edificios más importantes son elmausoleo de Toshogu en Nikkō y el palacio de Kat-sura en Kioto. También son características de estaépoca las casas de té (chashitsu). Se desarrolló no-tablemente la pintura, que adquirió gran vitalidad,destacando Tawaraya Sōtatsu y Ogata Kōrin, así co-mo la escuela de Ukiyo-e, que destacó por la repre-sentación de tipos y escenas populares ( KitagawaUtamaro, Katsushika Hokusai, Utagawa Hiroshige).La cerámica tuvo uno de sus mayores centros deproducción en Kioto, con influencia del arte chinoy coreano; su principal artista es Nonomura Ninsei.

El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina (1857), deUtagawa Hiroshige, Brooklyn Museum of Art, Nueva York.

En este período se produjeron las primeras porcela-nas, con un primer centro productor en Arita; des-tacan las escuelas de Kakiemon, Nabeshima y Ko-Kutami.[104]

La literatura evolucionó hacia un mayor realismo, ge-neralmente de tono costumbrista y con una sutil venahumorística, como se aprecia en la obra de Saikaku Iha-ra, Jippensha Ikku y Ejima Kiseki. En poesía, la prin-cipal modalidad es el haiku, composición de 17 sílabas,generalmente de tono bucólico, centradas en la natura-leza y el paisaje, destacando Matsuo Bashō, Yosa Bu-son y Kobayashi Issa. Continuó el género de la waka,generalmente en chino, representada principalmente porRai Sanyo. En el siglo XIX destacó el novelista TakizawaBakin, autor de Satomi Kakkenden (Vidas de ocho pe-rros).[105]

En teatro surgió la modalidad del kabuki, que sintetizólas antiguas tradiciones tanto musicales e interpretativascomo de mímica y danza, con temáticas desde las másmundanas hasta las más místicas. Así como el nō era detono aristocrático, el kabuki sería la expresión del puebloy la burguesía. La puesta en escena era de gran riqueza,con decorados donde destacaba la composición cromáti-ca, vestidos de lujo y maquillaje de tono simbólico, re-presentando según el color diversos personajes o estados

40 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

anímicos. La dicción era de tipo ritual, mezcla de cantoy recitativo, en ondulaciones que expresaban la posicióno el carácter del personaje.[106]

La música fue en esta época principalmente de cámara,de tipo profano, desarrollada con diversos instrumentosentre los que destacan el shamisen (laúd de tres cuerdas),el shakuhachi (flauta de bambú) y el koto (cítara de 13cuerdas). El koto, principalmente, tuvo un gran auge apartir del siglo XVII, siendo popularizado por el músicociego Yatsushashi. Se tocaba solo, con diversas variacio-nes (dan) de 52 compases (hyoshi), o acompañado de voz(kumi).[107]

Oceanía

Casa de reunión melanesia.

El arte siguió siendo predominantemente indígena, aun-que se dieron los primeros contactos con la civilizaciónoccidental. En los viajes de James Cook por el Pacífico(1768-1780) reunió una serie de obras de arte que in-cluían tejidos, esculturas, joyas, muebles, armas, herra-mientas, instrumentos musicales, etc. En Melanesia des-tacan las grandes casas de reunión o «casas de los espíri-tus», dedicadas a ceremonias relacionadas con el culto alos antepasados. Continuó la talla de figuras antropomór-ficas –principalmente deidades locales–, como la de Ku-kailimoku, dios de la guerra hawaiano (British Museum),o el dios A'a, de Rurutu (islas Australes). También si-guió la tradición de las máscaras, especialmente en NuevaGuinea (mai), Nueva Irlanda (malanggan) y Nueva Cale-donia (apuema). Los asmat, tribu de Irian Jaya (NuevaGuinea), construían unos postes conmemorativos (bisj)

de entre 5 y 10 metros de altura, tallados con figuras an-tropomórficas, una encima de otra. En las islas Salomónse dan estatuas de madera (indalo) de figuras humanaso animales, con incrustaciones de conchas. En Australiacontinuó la tradición de las pinturas rupestres, así comolas churingas, piezas de madera, piedra o concha, deco-radas con motivos geométricos.[108]

1.1.6 Arte contemporáneo

Viajero frente al mar de niebla (1818), de Caspar David Frie-drich, Kunsthalle de Hamburgo.

Siglo XIX

Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sen-taron las bases de la sociedad contemporánea, marcadaen el terreno político por el fin del absolutismo y la ins-tauración de gobiernos democráticos –impulso iniciadocon la Revolución Francesa–; y, en lo económico, por laRevolución Industrial y el afianzamiento del capitalismo,que tendrá respuesta en el marxismo y la lucha de clases.En el terreno del arte, comienza una dinámica evoluti-va de estilos que se suceden cronológicamente cada vezcon mayor celeridad, que culminará en el siglo XX conuna atomización de estilos y corrientes que conviven yse contraponen, se influyen y se enfrentan. Surge el artemoderno como contraposición al arte académico, situán-dose el artista a la vanguardia de la evolución cultural dela humanidad.

Arquitectura

1.1. HISTORIA DEL ARTE 41

Artículo principal: Arquitectura del siglo XIX

Torre Eiffel, diseñada por Alexandre Gustave Eiffel para laExposición Universal de París (1889).

La arquitectura decimonónica sufrió una gran evolucióndebido a los avances técnicos que comportó la Revolu-ción Industrial, con la incorporación de nuevos materia-les como el hierro, el acero y el hormigón, que permi-tieron la construcción de estructuras más sólidas y diá-fanas. Cobró cada vez mayor importancia el urbanismo,la preocupación por el entorno habitable, que se tradujoen obras de saneamiento, infraestructuras, mayor aten-ción a los medios de transporte y apertura de espaciosverdes para buscar mejores ambientes y condiciones devida para el ciudadano. Después de unos primeros plan-teamientos de signo utópico, como los de Robert Oweno Charles Fourier, se produjeron las grandes transforma-ciones urbanas del siglo XIX: París (plan Haussmann),Londres, Bruselas, Viena, Florencia, Madrid, Barcelona(plan Cerdà), etc. Otro gran motor de la arquitecturade la época fueron las exposiciones universales, festiva-les económico-sociales que pretendían incentivar y di-fundir el comercio, la industria, la cultura, los avancestecnológicos, etc. Estos eventos fueron un campo de prue-bas para las nuevas tipologías arquitectónicas, como sepuso de manifiesto en la Exposición de Londres de 1851,la de París de 1889 (con la famosa Torre Eiffel), etc. Enjardinería, apareció el llamado «jardín inglés» –que intro-dujo el concepto de «arquitectura paisajística»–, el cual,frente al geometrismo del italiano y el francés, defendía

una mayor naturalidad en su composición, interviniendoúnicamente en una serie de detalles ornamentales, comotempletes o pérgolas, o incluso la colocación de ruinas –naturales o artificiales–, en consonancia con los conceptosrománticos de lo sublime y lo pintoresco (Regent’s Park,de John Nash; Kew Gardens, de William Chambers).Estilísticamente, la primera mitad de siglo vio un ciertoeclecticismo de las formas, así como un revival de esti-los anteriores reinterpretados según conceptos modernos:es el llamado historicismo, que produjo movimientos co-mo el neorrománico, el neogótico, el neobarroco, etc. En-tre sus principales artífices cabe recordar a: John Nash,Augustus Pugin, Viollet-le-Duc, etc. En Estados Unidossurgió una nueva tipología de edificio, el rascacielos, fo-mentado por la denominada Escuela de Chicago (WilliamLe Baron Jenney, Louis Sullivan). A finales de siglo sur-gió el modernismo,[nota 15] que supuso una gran revoluciónen el terreno del diseño, con nombres como Victor Hor-ta, Henry van de Velde, Hector Guimard, Charles RennieMackintosh, Otto Wagner, Adolf Loos, Joseph Maria Ol-brich, Hendrik Petrus Berlage, Antoni Gaudí, Lluís Do-mènech i Montaner, Josep Puig i Cadafalch, etc.[109]

• Pabellón Real de Brighton (1815-1822), de JohnNash.

• The Crystal Palace, de Joseph Paxton, Exposiciónde Londres de 1851.

• Home Insurance Building (1884), de William LeBaron Jenney, Chicago (Illinois).

• Templo Expiatorio de la Sagrada Familia (comen-zado en 1882), de Antoni Gaudí, Barcelona.

La Libertad guiando al pueblo (1830), de Eugène Delacroix,Museo del Louvre, París.

Romanticismo Movimiento de profunda renovaciónen todos los géneros artísticos, los románticos pusie-ron especial atención en el terreno de la espiritualidad,de la imaginación, la fantasía, el sentimiento, la evoca-ción ensoñadora, el amor a la naturaleza, junto a un ele-mento más oscuro de irracionalidad, de atracción por el

42 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

ocultismo, la locura, el sueño. Se valoró especialmentela cultura popular, lo exótico, el retorno a formas ar-tísticas menospreciadas del pasado –especialmente lasmedievales–, y adquirió notoriedad el paisaje, que cobróprotagonismo por sí solo. Cobraron también importancialas artes gráficas, principalmente la litografía y el grabadoen madera.En pintura, después de una fase prerromántica donde po-dríamos citar a William Blake y Johann Heinrich Füssli,destacaron Hubert Robert, Eugène Delacroix, ThéodoreGéricault, Francesco Hayez, John Constable, Joseph Ma-llord William Turner, Caspar David Friedrich, Karl Frie-drich Schinkel, Philipp Otto Runge, etc. Una deriva-ción del romanticismo fue el movimiento alemán de losNazarenos, inspirados en el Quattrocento italiano y en elRenacimiento alemán, principalmente Durero (FriedrichOverbeck, Peter Cornelius, Franz Pforr). En España des-tacaron Genaro Pérez Villaamil, Valeriano DomínguezBécquer, Leonardo Alenza y Eugenio Lucas.En escultura prevalecen las formas neoclásicas, reinter-pretadas según las nuevas temáticas románticas. Cabríacitar en Francia a: François Rude, que evolucionó delneoclasicismo al romanticismo (La Marsellesa, 1832);Antoine-Louis Barye, especializado en figuras de anima-les; Jean-Baptiste Carpeaux, artista polivalente con gustopor lo espectacular; y David d'Angers, autor del relievedel frontón del Panteón de París (1830-1837). En Alema-nia destacaron: Christian Daniel Rauch, Rudolf Schadowy Johann Heinrich Dannecker.[110]

La literatura romántica estableció la idea de un arte quesurge espontáneamente del individuo, destacando la fi-gura del «genio» –el arte es la expresión de las emocio-nes del artista–. Exaltó la naturaleza, el individualismo,el sentimiento, la pasión, con un nuevo gusto por for-mas íntimas y subjetivas de expresión como lo sublime,y dando valor a nuevos aspectos como lo oscuro, lo tene-broso, lo irracional. En un prerromanticismo –plasmadoen el movimiento alemán Sturm und Drang– destacaronJohann Christoph Friedrich von Schiller y Johann Wolf-gang von Goethe, así como el poeta inglés William Bla-ke. Posteriormente es de remarcar la obra de: JohannChristian Friedrich Hölderlin, Novalis, Heinrich Heine,August Wilhelm von Schlegel, Friedrich von Schlegel,Heinrich von Kleist, Johann Ludwig Tieck, E. T. A. Hoff-mann, Walter Scott, William Wordsworth, Samuel Tay-lor Coleridge, John Keats, Lord Byron, Percy Shelley,Mary Wollstonecraft Shelley, Jane Austen, Alphonse deLamartine, Madame de Staël, François-René de Cha-teaubriand, Alfred de Vigny, Victor Hugo, George Sand,Prosper Mérimée, Alexandre Dumas (padre), Ugo Fosco-lo, Giacomo Leopardi, Alessandro Manzoni, AleksandrPushkin, Nikolai Gogol, Adam Mickiewicz, WashingtonIrving, James Fenimore Cooper, Ralph Waldo Emerson,Nathaniel Hawthorne, Edgar Allan Poe, Gustavo Adol-fo Bécquer, Ramón de Campoamor, José de Espronce-da, Mariano José de Larra, Fernán Caballero, Rosalíade Castro, Bonaventura Carles Aribau, Andrés Bello,

Lord Byron, uno de los mejores poetas románticos.

Domingo Faustino Sarmiento, José Hernández, GertrudisGómez de Avellaneda, etc.[111]

El teatro romántico tuvo dos notables antecedentes nue-vamente en el Sturm und Drang con Schiller (Don Car-los, 1787; Guillermo Tell, 1804) y Goethe (Fausto, 1808).Como en el resto de la literatura romántica, destaca porel sentimentalismo, el dramatismo, la predilección portemas oscuros y escabrosos, la exaltación de la natu-raleza y del folklore popular. Surgió un nuevo género,el melodrama, y se popularizaron los espectáculos devariedades (vaudeville). Sus mejores exponentes fueron:Georg Büchner, Christian Dietrich Grabbe, Juliusz Sło-wacki, Alfred de Musset, Victor Hugo, Francisco Martí-nez de la Rosa, el Duque de Rivas, Antonio García Gu-tiérrez, José Echegaray, José Zorrilla (Don Juan Tenorio,1844), etc.[112]

La música romántica se caracteriza como en el resto delas artes por el predominio del sentimiento y la pasión,de la subjetividad y emotividad del artista, exaltando lamúsica nacional y popular. Se amplía notablemente laorquesta, para poder satisfacer plenamente la expresivi-dad del artista, los nuevos sentimientos que en él anidan(lo sublime, lo patético). El piano fue el instrumento demoda, pues su registro, la intensidad de la pulsación, sonfiel reflejo de esa emotividad, ligada al nuevo culto a lapersonalidad que se desarrolla en el romanticismo. Na-

1.1. HISTORIA DEL ARTE 43

ció la musicología como ciencia aplicada a la música, asícomo la crítica y la estética musicales, y aparecieron losprimeros conservatorios. Sus principales representantesfueron: Ludwig van Beethoven, Carl Maria von Weber,Franz Schubert, Felix Mendelssohn-Bartholdy, RobertSchumann, Franz Liszt, Frédéric Chopin, Niccolò Paga-nini, Johann Strauss, Johannes Brahms, Anton Bruckner,Hector Berlioz, Jules Massenet, etc.En esta época se desarrolló notablemente la ópera, sobretodo en Italia, donde recibió el nombre de bel canto. Des-tacó por el brillo de sus voces, la coloratura, la ornamenta-ción, ganando importancia el papel de la soprano –desde1840 se puso de moda el do de pecho–. La ópera románti-ca tuvo dos vertientes: la cómica –o bufa– y la dramática,sobre los grandes dramas literarios románticos. Destacan:Luigi Cherubini, Gaetano Donizetti, Vincenzo Bellini,Gioacchino Antonio Rossini, Charles Gounod, GeorgesBizet y, especialmente, Giuseppe Verdi (Rigoletto, 1851;Il trovatore, 1853; La Traviata, 1853; Aida, 1870). EnAlemania, Richard Wagner dio a la ópera cotas de granbrillantez, con la pretensión de hacer una «obra de artetotal» (gesamtkunstwerk) que aunase música, poesía, filo-sofía, escenografía, etc. (Tannhäuser, 1845; Lohengrin,1850; Tristán e Isolda, 1865; Parsifal, 1882).[113]

La danza romántica recuperó el gusto por los bailes popu-lares, las danzas folklóricas, muchas de las cuales sacó delolvido. Surgió el clásico vestuario de ballet (el tutú), apa-recido por vez primera en el Ballet de las Monjas de Ro-bert le Diable (1831), de Giacomo Meyerbeer. Se empe-zó a componer música puramente para ballet, destacandoCoppélia (1870), de Léo Delibes. En el aspecto teórico,destacó la figura del coreógrafo Carlo Blasis, principalcreador del ballet moderno en cuanto codificó todos losaspectos técnicos concernientes a la danza: en El códigode Terpsícore (1820) relacionó la danza con las otras ar-tes, efectuando estudios de anatomía y movimientos cor-porales, ampliando el vocabulario relativo a la danza, ydistinguiendo varios tipos de bailarines según su físico.También introdujo el baile sobre las puntas de los pies,en el que destacaron Maria Taglioni y Fanny Elssler. Enbailes populares, continuó la moda del vals, y aparecieronla mazurca y la polca.[114]

• La pesadilla (1781), de Johann Heinrich Füssli,Detroit Institute of Arts.

• La balsa de la Medusa (1819), de Théodore Géri-cault, Museo del Louvre.

• La Marsellesa (1832), de François Rude, Arco deTriunfo de París.

• Primera página de la Quinta sinfonía (1808), deLudwig van Beethoven.

Realismo Desde mediados de siglo surgió una ten-dencia que puso énfasis en la realidad, la descripcióndel mundo circundante, especialmente de obreros y

El Ángelus (1857), de Jean-François Millet, Museo de Orsay,París.

campesinos en el nuevo marco de la era industrial, conun cierto componente de denuncia social, ligado a mo-vimientos políticos como el socialismo utópico. En pin-tura destacaron Camille Corot, Gustave Courbet, Jean-François Millet, Honoré Daumier, Adolph von Menzel,Hans Thoma, Ilya Repin y Marià Fortuny. Ligado al rea-lismo estuvieron dos escuelas paisajísticas: la francesade Barbizon (Théodore Rousseau, Charles-François Dau-bigny, Narcisse-Virgile Díaz de la Peña), marcada por unsentimiento panteísta de la naturaleza; y la italiana de losMacchiaioli (Silvestro Lega, Giovanni Fattori, TelemacoSignorini), de corte antiacadémico, caracterizada por eluso de manchas (macchia en italiano, de ahí el nombredel grupo) de color y formas inacabadas, esbozadas. EnGran Bretaña surgió la escuela de los prerrafaelitas, quese inspiraban –como su nombre indica– en los pinto-res italianos anteriores a Rafael, así como en la reciénsurgida fotografía, destacando Dante Gabriel Rossetti,Edward Burne-Jones, John Everett Millais y Ford MadoxBrown.[115]

La escultura se basó igualmente en el fiel reflejo de lasociedad, con predilección por figuras de obreros y per-sonajes marginales. Destacan: Max Klinger, Adolf vonHildebrand, Aimé-Jules Dalou, los hermanos Agapito yVenancio Vallmitjana, Ricardo Bellver, Mariano Benlliu-re y, especialmente, Constantin Meunier, principal evo-cador de la figura del proletario, con cierto aire idealiza-do, el obrero como héroe moderno (El Pudelador, 1884-1888).La literatura realista se opuso al subjetivismo románti-co, defendiendo la descripción rigurosa y detallada dela realidad, con influencia de la filosofía positivista, queconsideraba al artista como parte indisoluble de la socie-dad, siendo la obra artística un fiel reflejo de los condi-cionamientos sociales que envuelven al artista. El prin-cipal formato realista fue la novela, que destacó por unestilo naturalista que enfatizaba el aspecto cotidiano dela realidad, que era descrita en toda su minuciosidad y

44 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

fidelidad al mundo real, con descripciones temperamen-tales de los personajes, de gran prospección psicológica.El autor es un «cronista», que presenta de forma objetivalos hechos, con un elevado componente crítico, de afánreformador. Destacan figuras como: Honoré de Balzac,Stendhal, Gustave Flaubert, Guy de Maupassant, ÉmileZola, Giovanni Verga, Giosuè Carducci, Charles Dic-kens, Alfred Tennyson, las hermanas Emily, Charlottey Anne Brontë, George Eliot, Fiodor Dostoievski, LevTolstoi, Maksim Gorki, Mark Twain, Herman Melville,Henry James, Emily Dickinson, Joseph Conrad, BenitoPérez Galdós, Pedro Antonio de Alarcón, Marcelino Me-néndez y Pelayo, Emilia Pardo Bazán, Leopoldo Alas(Clarín), Vicente Blasco Ibáñez, Ignacio Manuel Alta-mirano, José María Eça de Queirós, etc. También des-tacan las novelas de aventuras y suspense, como las deAlexandre Dumas (hijo), Emilio Salgari, Jules Verne yArthur Conan Doyle.[116]

Con el teatro realista nació el teatro moderno, pues sen-tó las bases del que sería el teatro del siglo XX. Se pusoénfasis en el naturalismo, la descripción minuciosa de larealidad, no sólo en la temática y el lenguaje, sino tam-bién en decorados, vestuario, atrezzo, etc. La interpreta-ción era más veraz, sin grandes gesticulaciones ni diccióngrandilocuente, como en la «representación antiteatral»–actuar como en la vida real, como si no se estuviese enun teatro– de André Antoine y su Théâtre Libre –dondepor primera vez se iluminó sólo el escenario, dejandoal público a oscuras–. A un periodo prenaturalista co-rresponden Eugène Scribe, Victorien Sardou y EugèneLabiche. Destacó especialmente el teatro nórdico, configuras como Björnstjerne Björnson, August Strindbergy Henrik Ibsen. Otros autores fueron: Frank Wedekind,Anton Chejov, Adelardo López de Ayala, Manuel Tama-yo y Baus, Àngel Guimerà, etc.[117]

En el terreno de la música, en paralelo al realismo sur-gió el llamado nacionalismo musical, que supuso el re-nacer de diversas regiones europeas hasta entonces pocodestacadas culturalmente. Heredero de las formas mu-sicales románticas, se revalorizó el folklore y la músi-ca popular como portadores de ancestrales valores cul-turales de todos los pueblos. Destacaron figuras co-mo: Mijaíl Glinka, Modest Mussorgski, Aleksandr Bo-rodin, Nikolai Rimski-Korsakov y Piotr Chaikovski enRusia; Antonín Dvořák, Bedřich Smetana y Leoš Ja-náček en Checoslovaquia; Jean Sibelius en Finlandia;Edvard Grieg en Noruega; Carl Nielsen en Dinamarca;Karol Szymanowski en Polonia; Béla Bartók y Zoltán Ko-dály en Hungría; Edward Elgar y Ralph Vaughan Wi-lliams en Gran Bretaña; Isaac Albéniz, Enrique Grana-dos y Manuel de Falla en España. También en Américasurgieron las primeras escuelas nacionales: John PhilipSousa en Estados Unidos; Heitor Villa-Lobos en Brasil;Manuel María Ponce en México; Guillermo Uribe enColombia; Próspero Bisquertt en Chile; Juan BautistaPlaza en Venezuela; Amadeo Roldán en Cuba; y EduardoFabini en Uruguay. En ópera, el verismo italiano buscaba

en igual medida reflejar la realidad, con argumentos máspopulares, en ambientes rurales y proletarios, donde losprotagonistas son personajes corrientes. Está representa-do por Arrigo Boito, Amilcare Ponchielli, Ruggero Leon-cavallo, Umberto Giordano y, principalmente, GiacomoPuccini (La Bohème, 1896; Tosca, 1900; Madama But-terfly, 1903).[118]

En la danza, el centro geográfico en cuanto a creación einnovación pasó de París a San Petersburgo, donde el Ba-llet Imperial alcanzó cotas de gran brillantez, con un cen-tro neurálgico en el Teatro Mariinski –y, posteriormente,en el Bol'šoj de Moscú–. La figura principal en la confor-mación del ballet ruso fue Marius Petipa, que introdujoun tipo de coreografía narrativa donde es la propia danzala que cuenta la historia. Hizo ballets más largos, de hastacinco actos, convirtiendo el ballet en un gran espectáculo,con deslumbrantes puestas en escena, destacando su cola-boración con Chaikovski en tres obras excepcionales: Labella durmiente (1889), El cascanueces (1893) y El lagode los cisnes (1895). A nivel popular, el baile más famo-so de la época fue el can-can, mientras que en Españasurgieron la habanera y el chotis.[119]

• Entierro en Ornans (1849), de Gustave Courbet,Museo de Orsay, París.

• Ecce Ancilla Domini (1850), de Dante Gabriel Ros-setti, Tate Gallery, Londres.

• El Pudelador (1884-1888), de Constantin Meunier,Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica.

• Representación de El cascanueces, de Piotr Chai-kovski.

Impresión, sol naciente (1872–1873), de Claude Monet, MuseoMarmottan Monet, París. Cuadro al que debe su nombre el mo-vimiento.

Impresionismo

• Impresionismo: fue un movimiento profundamenteinnovador, que supuso una ruptura con el arte aca-démico y una transformación del lenguaje artísti-co, iniciando el camino hacia los movimientos de

1.1. HISTORIA DEL ARTE 45

vanguardia. Los impresionistas se inspiraban en lanaturaleza, de la que pretendían captar una «impre-sión» visual, la plasmación de un instante en el lienzo–por influjo de la fotografía–, con una técnica depincelada suelta y tonos claros y luminosos, valoran-do especialmente la luz. Surgió una nueva temática,derivada de la nueva forma de observar el mundo:junto a los paisajes y marinas, aparecen vistas ur-banas y nocturnas, interiores con luz artificial, es-cenas de cabaret, circo y music-hall, personajes dela bohemia, mendigos, marginados, etc. Cabe men-cionar como principales representantes a ÉdouardManet –considerado un precursor–, Claude Monet,Camille Pissarro, Alfred Sisley, Pierre-Auguste Re-noir y Edgar Degas. Igual de renovador fue en el te-rreno de la escultura el papel de Auguste Rodin, quesentó las bases de la escultura del siglo XX (El pen-sador, 1880-1900; Los burgueses de Calais, 1884-1886). También destacó Medardo Rosso, que con-duciría la escultura hacia la desintegración de la for-ma.

• Neoimpresionismo: evolucionando desde el impre-sionismo, los neoimpresionistas se preocuparon másde los fenómenos ópticos, desarrollando la técni-ca del puntillismo, consistente en componer la obramediante una serie de puntos de colores puros, quese colocan junto a otros de colores complementa-rios, fusionándose en la retina del espectador en unnuevo tono. Sus principales representantes fueronGeorges Seurat y Paul Signac. Otra variante fue eldivisionismo, surgido en Italia en ambientes de in-conformismo social cercanos al anarquismo. Estatécnica se caracteriza por la proximidad de coloresdescompuestos, con largas pinceladas que, observa-das a larga distancia, producen un efecto de compo-sición. Este estilo fue practicado principalmente porGiovanni Segantini, Giuseppe Pellizza da Volpedo yGaetano Previati, e influyó en el futurismo italiano.

• Postimpresionismo: fueron una serie de artistas que,partiendo de los nuevos hallazgos técnicos efectua-dos por los impresionistas, los reinterpretaron demanera personal, abriendo distintas vías de desarro-llo de suma importancia para la evolución del arteen el siglo XX. Así, más que un determinado es-tilo, el postimpresionismo fue una forma de agru-par a diversos artistas de distinto signo: Henri deToulouse-Lautrec, autor de escenas de circo y caba-ret esbozadas con rápidos apuntes del natural; PaulGauguin experimentó con la profundidad dando unnuevo valor al plano pictórico, con colores planosde carácter simbólico; Paul Cézanne estructuraba lacomposición en formas geométricas (cilindro, conoy esfera), en una síntesis analítica de la realidad pre-cursora del cubismo; Vincent van Gogh fue autor deobras de fuerte dramatismo y prospección interior,con pinceladas sinuosas y densas, de intenso colori-

do, deformando la realidad, a la que otorgó un aireonírico. En España podemos reseñar a Joaquín So-rolla, autor de escenas populares donde destaca lautilización de la luz.[120]

En paralelo a la pintura, la música impresionista hace pri-mar la armonía sobre la melodía, igual que en la pinturaprevalece el color sobre la línea. Se deja al espectador lareconstrucción de una composición musical, hecha a ba-se de partes, de sugerencias. Su principal representante,Claude Debussy, rechazó el cromatismo tónico, introdu-ciendo nuevos acordes de cinco y seis tonos, opuestos alas escalas habituales. Frente a la melodía continua wag-neriana, volvió a la tonalidad estática, aquietando la ar-monía y potenciando la textura, la tímbrica, la irregula-ridad rítmica (Preludio a la siesta de un fauno, 1894).Maurice Ravel retornó a la expresión lineal, aunque connotas y acordes algo fuera de contexto (Bolero, 1928).Otros representantes fueron Paul Dukas y Florent Sch-mitt.[121]

• Clase de baile (1875), de Edgar Degas, Muséed'Orsay, París.

• Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte(1884), de Georges Pierre Seurat, Instituto de Ar-te de Chicago.

• Los girasoles (1888), de Vincent van Gogh, NeuePinakothek, Múnich.

• El pensador (1902), de Auguste Rodin.

El beso (1908), de Gustav Klimt, Österreichische Galerie Belve-dere (Viena).

Simbolismo Estilo de corte fantástico y onírico, surgiócomo reacción al naturalismo de la corriente realista e im-presionista, poniendo especial énfasis en el mundo de los

46 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

sueños, así como en aspectos satánicos y terroríficos, elsexo y la perversión. Una característica principal del sim-bolismo fue el esteticismo, reacción al utilitarismo impe-rante en la época y a la fealdad y materialismo de la eraindustrial. Frente a ello, el simbolismo otorgó al arte y ala belleza una autonomía propia, sintetizada en la fórmu-la de Théophile Gautier «el arte por el arte» (L'art pourl'art), llegando incluso a hablarse de «religión estética».La belleza se alejó de cualquier componente moral, con-virtiéndose en el fin último del artista, que llega a vivir supropia vida como una obra de arte –como se puede apre-ciar en la figura del dandy–. Destacaron: Gustave Mo-reau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes, JamesMcNeill Whistler, Lawrence Alma-Tadema, Arnold Böc-klin, Ferdinand Hodler y Gustav Klimt, así como el grupode los Nabis (Maurice Denis, Paul Sérusier, Pierre Bon-nard, Félix Vallotton y el escultor Aristide Maillol). Liga-do al simbolismo estuvo también el llamado arte naïf, cu-yos autores eran autodidactas, con una composición algoingenua y desestructurada, instintiva, con cierto primiti-vismo, aunque plenamente consciente y expresiva (HenriRousseau, Séraphine Louis, Grandma Moses).[122]

La literatura simbolista destacó por su esteticismo ydecadentismo, llevando la sensibilidad romántica a laexageración, sobre todo en el gusto por lo morboso yterrorífico, surgiendo una «estética del mal», aprecia-ble en la atracción por el satanismo, la magia y losfenómenos paranormales, o la fascinación por el vicio ylas desviaciones sexuales. Los escritores se apartan delmundo y las convenciones sociales, surgiendo la figuradel «poeta maldito». Su principal vehículo de expresiónfue la poesía, que era elaborada, formalmente exigen-te, con un sentido rítmico casi musical, con un lenguajeevocador y sugerente, simbólico, destacando su carácterpolisémico. Tuvo un antecedente en el parnasianismo deLeconte de Lisle, José María de Heredia y Charles Bau-delaire, destacando posteriormente autores como OscarWilde, Algernon Charles Swinburne, Arthur Rimbaud,Paul Verlaine, Stéphane Mallarmé, el Conde de Lautréa-mont, Jean Moréas, Anatole France, Frédéric Mistral,Joris-Karl Huysmans, Walt Whitman, Dmitri Serguéie-vich Merezhkovski, etc.[123]

El teatro simbolista recibió la influencia del «espectáculototal» wagneriano, destacando por un lenguaje de fuer-te trasfondo metafísico y trascendente, buscando la esen-cia humana a través de la intuición y la meditación, conpreferencia por los temas míticos y las leyendas, de influ-jo esotérico y teosófico. Destacaron Auguste Villiers del'Isle-Adam, Paul Claudel, Maurice Maeterlinck y ÉmileVerhaeren.[124] En música, Gabriel Fauré innovó con unlenguaje sonoro preciosista, minucioso y personal, en lalínea de la poesía simbolista. Hizo una música estática,difusa, de armonías líquidas, dando importancia a los ins-trumentos solistas: La buena canción (1892), sobre poe-mas de Verlaine.

• Júpiter y Sémele (1894-1895), de Gustave Moreau,

Museo Gustave Moreau, París.

• Las rosas de Heliogábalo (1888), de LawrenceAlma-Tadema, colección particular, México.

• La noche (1902), de Aristide Maillol, Schlossplatz,Stuttgart.

• Oscar Wilde.

El valle de los naranjos, Biniaraix (Mallorca) (1901), deSantiago Rusiñol.

Modernismo En paralelo a la arquitectura, elmodernismo[nota 15] también se desarrolló en pintura, sur-giendo una notable escuela en Cataluña, con artistas comoRamon Casas y Santiago Rusiñol, con un estilo carac-terizado por una temática naturalista de ambiente som-brío, con una cierta influencia del impresionismo francés.Más tarde se recibió la influencia del simbolismo, practi-cado por el mismo Rusiñol y por artistas como Alexandrede Riquer, Adrià Gual y Joan Llimona. En escultura ca-be mencionar a Eusebi Arnau, Josep Llimona y MiguelBlay. En un llamado «posmodernismo»[nota 16] se encuen-tran nombres como Isidre Nonell y Joaquim Mir, así co-mo hallamos la presencia de un joven Pablo Picasso, quese adentró en el ambiente modernista alrededor del año1900, hecho que supuso un cambio en su trayectoria y suadscripción al arte de vanguardia, como podemos ver ensu etapa fauvista (1900-1901) y en el simbolismo de la«época azul» (1901-1904), para desembocar finalmenteen el cubismo.En el resto de Europa, la pintura modernista estuvo muyligada al mundo del diseño y la ilustración, especialmen-te al cartelismo, nuevo género artístico a caballo entre lapintura y las artes gráficas, ya que se basaba en un di-seño realizado por un pintor o ilustrador, para ser luegoreproducido en serie. En su génesis fue determinante elaspecto publicitario del cartel, aunque pronto se dedicótambién a la divulgación de eventos y a la propaganda po-lítica e institucional. Entre los diversos artistas dedicadosa la pintura o el cartel conviene recordar a Alfons Mucha,Aubrey Beardsley, Jan Toorop, Fernand Khnopff, etc.

1.1. HISTORIA DEL ARTE 47

El modernismo, por su carácter ornamental, supuso unagran revitalización de las artes aplicadas, especialmentela carpintería, la forja, la vidriería, la cerámica, el mol-deado en yeso, la impresión (libros, revistas, postales),la joyería, el mosaico, etc.[125] A ello ayudaron los nue-vos procedimientos industriales, que permitían la fabri-cación en serie. Cobró especial relevancia el diseño, elproceso creador del artista, que materializa su creaciónen el bosquejo de la obra, que puede ser luego realiza-da por diversos artesanos. Entre sus principales artíficesdestacaron Émile Gallé (ceramista y vidriero), René La-lique (orfebre), Koloman Moser (diseñador), Louis Com-fort Tiffany (joyero y vidriero), Gaspar Homar (ebanis-ta), etc. También tuvo especial relevancia el movimientoinglés Arts and Crafts («Artes y Oficios»), promovido porJohn Ruskin y William Morris, que defendía una revalo-rización del trabajo artesanal y propugnaba el retorno alas formas tradicionales de fabricación, estipulando queel arte debe ser tan útil como bello.[126]

En literatura, se suele vincular el modernismo a la obradel nicaragüense Rubén Darío, inaugurador de las letrasmodernas españolas con un lenguaje esteticista de granriqueza formal, de influjo simbolista. Otros exponentesfueron el cubano José Martí, el mexicano Amado Nervo,el peruano José Santos Chocano, el argentino LeopoldoLugones y el colombiano José Asunción Silva, así co-mo los españoles Salvador Rueda y Eduardo Marquina.Con el mismo afán modernizador podemos situar tam-bién aquí la denominada Generación del 98 que, frenteal pesimismo por la pérdida de las últimas colonias es-pañolas, supuso un gran impulso en la renovación de laliteratura española, especialmente en cuanto a contenido.Destacaron autores como Ramón María del Valle-Inclán,Antonio Machado, Jacinto Benavente, Juan Ramón Jimé-nez, Azorín, Pío Baroja, Miguel de Unamuno, Ramirode Maeztu, Ramón Menéndez Pidal, etc. En Cataluña sedio el movimiento de la Renaixença, destacando JacintoVerdaguer y Joan Maragall, mientras que en Galicia elRexurdimento contó con figuras como Manuel CurrosEnríquez y Eduardo Pondal.[127]

• La carga (1899), de Ramon Casas, MNCARS,Madrid.

• El Ángel Exterminador (1895), de Josep Llimona,cementerio de Comillas (Cantabria).

• Biscuits Lefèvre-Utile (1896), litografía de AlfonsMucha.

• Tiara con forma de gallo, de René Lalique.

Fotografía En el siglo XIX apareció una nuevatecnología que permitía captar imágenes del natural, através del principio de la cámara oscura. Pese a ser unarealización puramente técnica, pronto se vislumbró la ar-tisticidad de este nuevo medio, pues la obra resultante

Isla Pagoda en la desembocadura del río Min (1870), de JohnThomson. La fotografía supuso una gran revolución a la horade concebir el arte en el siglo XIX y el XX.

podía ser considerada artística en cuanto suponía la in-tervención de la creatividad de la persona que capta laimagen, derivada de la labor de percepción, diseño y na-rratividad efectuada en la toma de la imagen. Así, prontola fotografía pasó a ser considerada una de las artes, con-cretamente la octava.[nota 17]

Esta nueva técnica comenzó con las investigaciones deJoseph Nicéphore Niépce, que logró la primera fotogra-fía en 1816, en negativo sobre papel, a partir de don-de se fueron perfeccionando los procedimientos técni-cos para su captación y reproducción. La construcción deldaguerrotipo por Louis-Jacques-Mandé Daguerre supusoun nuevo adelanto, consiguiendo impresionar placas me-tálicas y fijar la imagen con un baño de sal y mercurio.Otro de los pioneros fue William Henry Fox Talbot, queen 1835 inventó el negativo, que permitía sacar diver-sas copias de la imagen obtenida. Hippolyte Bayard logróen 1840 la fotografía en positivo directo. Otro precursor,John Frederick William Herschel, fue el creador del tér-mino fotografía, así como negativo y positivo, e instan-tánea cuando se redujo el tiempo de exposición (25/100de segundo). En 1888 George Eastman lanzó la películade celuloide y el aparato Kodak, pequeña cámara cargadacon 100 clichés. La primera fotografía en color fue obte-nida por James Clerk Maxwell en 1861; sin embargo, laprimera placa fotográfica en color (Autochrome) no llegóa los mercados hasta 1907.A partir de entonces la fotografía se popularizó, ya queera un medio que no requería grandes cualidades perso-nales, simplemente el dominio de la técnica, apareciendonumerosos aficionados que se lanzaron a plasmar el mun-do en imágenes. Surgieron los primeros estudios y labo-ratorios fotográficos, dedicados en principio sobre todo alretrato, aunque posteriormente a todo tipo de eventos y aimágenes del natural. También apareció la fotomecánicay las primeras publicaciones ilustradas, siendo pioneroslos álbumes de Excursions Daguerriennes (1841-1842) y,como primer libro ilustrado, Pencil of Nature (1844), de

48 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

Fox Talbot. Igualmente apareció la fotografía documen-tal, especialmente en cuanto a la plasmación de conflictosbélicos, siendo las guerras de Crimea y de Secesión ame-ricana las primeras en ser retratadas.A finales de siglo se empezó a considerar la fotogra-fía como un arte, surgiendo el pictorialismo como pri-mer movimiento artístico fotográfico; este tenía la pre-tensión de hacer fotografías con una composición de ti-po pictórico, con influencia del impresionismo. Entre losfotógrafos más destacados del siglo XIX se puede ci-tar a Gaspard-Félix Tournachon, Louis Désiré Blanquart-Evrard, André Adolphe Eugène Disdéri, David Octa-vius Hill, John Thomson, Julia Margaret Cameron, OscarGustav Rejlander, Eadweard Muybridge, Étienne-JulesMarey, Jacob August Riis, etc.[128]

Siglo XX

Fuente, de Marcel Duchamp. El siglo XX ha supuesto una pér-dida del concepto de belleza clásica para conseguir un mayorefecto en el diálogo artista-espectador.

El arte del siglo XX padeció una profunda transforma-ción: en una sociedad más materialista, más consumista,el arte se dirige a los sentidos, no al intelecto. Igualmen-te, ha cobrado especial relevancia el concepto de moda,una combinación entre la rapidez de las comunicacionesy el aspecto consumista de la civilización actual. Surgie-ron así los movimientos de vanguardia, que pretendíanintegrar el arte en la sociedad, buscando una mayor in-terrelación artista-espectador, ya que es este último el queinterpreta la obra, pudiendo descubrir significados que elartista ni conocía. Las últimas tendencias artísticas hanperdido incluso el interés por el objeto artístico: el artetradicional era un arte de objeto, el actual de concepto.Hay una revalorización del arte activo, de la acción, de lamanifestación espontánea, efímera, del arte no comercial(arte conceptual, happening, environment).[129]

Arquitectura

Artículo principal: Arquitectura del siglo XX

Casa de la Cascada (1939), de Frank Lloyd Wright, Bear Run,Pensilvania.

La arquitectura ha sufrido una profunda transformacióndesde las formas tradicionales hasta los movimientos devanguardia, que han supuesto un nuevo concepto cons-tructivo basado en una idea más racional del espacio, es-tructurado de forma más depurada y funcional, con es-pecial atención a las nuevas tecnologías y a su ubica-ción medioambiental. Ha cobrado gran importancia elurbanismo, fomentado por el nuevo aspecto consumistade la civilización occidental, a la vez que el auge de lascomunicaciones ha derivado en un desarrollo de los estu-dios de ingeniería aplicados a la arquitectura.La arquitectura del siglo XX ha tenido un desarrollo in-dependiente del resto de las artes, aunque en ocasiones haido en paralelo a algún determinado movimiento artísti-co. Tenemos así la arquitectura expresionista, caracteri-zada por el uso de nuevos materiales y su fabricación enmasa (ladrillo, acero, vidrio), con nombres como BrunoTaut, Erich Mendelsohn, Hans Poelzig y Fritz Höger. Elfuturismo también tuvo alguna manifestación arquitec-tónica, aunque lo utópico de sus formulaciones impidióen muchos casos su realización material; destaca la obrade Antonio Sant'Elia. En el neoplasticismo holandés te-nemos la obra de Jacobus Johannes Pieter Oud y Gerrit

1.1. HISTORIA DEL ARTE 49

Thomas Rietveld. Por último, cabe reseñar la vertiente ar-quitectónica del constructivismo ruso, donde se inició unprograma ligado a la revolución que buscaba una arqui-tectura funcional que satisficiese las necesidades realesde la población; estuvo representado principalmente porKonstantin Melnikov.Pero la principal tendencia artística del siglo XX ha si-do el racionalismo (1920-1950) –también llamado «estilointernacional»–, representado fundamentalmente por laEscuela de la Bauhaus. Esta corriente buscaba una ar-quitectura fundamentada en la razón, de líneas sencillasy funcionales, basadas en formas geométricas simples ymateriales de orden industrial (ladrillo, acero, hormigón,vidrio), renunciando a la decoratividad excesiva y otor-gando gran importancia al diseño, que es igualmente sen-cillo y funcional. Entre sus figuras sobresalen: WalterGropius, Ludwig Mies van der Rohe, Le Corbusier, JoséLuis Sert, Frank Lloyd Wright, Eliel Saarinen, Oscar Nie-meyer, Alvar Aalto, etc.Entre las últimas tendencias arquitectónicas se ha produ-cido una gran diversidad de estilos y movimientos, co-mo en el resto de artes plásticas: en los años 1950 surgióel denominado brutalismo en paralelo al expresionismoabstracto norteamericano, caracterizado por las formasausteras, basadas en la pureza del material, primando laestructura sobre el acabado (Alison y Peter Smithson); elmetabolismo japonés respondía a las necesidades de unasociedad masificada, con grandes escalas, estructuras fle-xibles y formas orgánicas (Kenzō Tange, Kishō Kuroka-wa); la arquitectura pop destacó el carácter urbano y lastipologías populares, tomando como referencia los am-bientes nocturnos de Las Vegas, con sus luces de neóny su escenografía decorativista (Robert Venturi, DeniseScott Brown); el llamado «diseño científico y estructu-ral» puso énfasis en las nuevas posibilidades de la técni-ca, especialmente el uso de hormigón y las formas orgá-nicas (Félix Candela, Pier Luigi Nervi, Frei Otto, JørnUtzon, Eero Saarinen, Richard Buckminster Fuller); enlos años 1960 apareció el high-tech, basado en las posibi-lidades otorgadas por las nuevas tecnologías, tanto a ni-vel práctico como estético (Norman Foster, Richard Ro-gers, Renzo Piano); entre los años 1960 y 1970 surgió elantidiseño, opuesto al racionalismo y a la primacía del di-seño sobre la función social y cultural de la arquitectura,representado por el grupo inglés Archigram y los italia-nos Archizoom y Superstudio; el neorracionalismo supusoen los años 1970 el retorno a las premisas funcionalistas,representado por el grupo italiano Tendenza y el estadou-nidense Five Architects; desde 1975 se ha desarrollado laarquitectura posmoderna, que como en las otras artes sebasa en el eclecticismo y la reinterpretación de estilos an-teriores (James Stirling, Aldo Rossi, Ricard Bofill, ArataIsozaki); en los años 1980 se dio el deconstructivismo,caracterizado por la fragmentación, el proceso de dise-ño no lineal y la manipulación de las estructuras (FrankGehry, Peter Eisenman, Rem Koolhaas). Entre otros ar-quitectos contemporáneos conviene destacar igualmente

a Jean Nouvel, Glenn Murcutt, Peter Zumthor, JacquesHerzog, Pierre de Meuron, Sverre Fehn, Ieoh Ming Pei,Zaha Hadid, Santiago Calatrava, Rafael Moneo, Luis Ba-rragán, Álvaro Siza, etc.[130]

• Pabellón de Alemania para la Exposición Interna-cional de Barcelona (1929), obra de Ludwig Miesvan der Rohe.

• Corte Suprema de Chandigarh (1952), de Le Cor-busier.

• Ópera de Sídney (1956), de Jørn Utzon.

• Pabellón estadounidense de la Expo 67, de RichardBuckminster Fuller, llamado actualmenteBiosphère,en Île Sainte-Hélène, Montreal.

Formas únicas de continuidad en el espacio (1913), de UmbertoBoccioni, Galleria d'Arte Moderna, Milán.

Vanguardismo En los primeros años del siglo XX seforjaron las bases del llamado arte de vanguardia: el con-cepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teo-rías científicas (la subjetividad del tiempo de Bergson,la relatividad de Einstein, la mecánica cuántica); tambiéninfluyó la teoría del psicoanálisis de Freud. Por otra parte,las nuevas tecnologías provocaron que el arte cambiase defunción, ya que la fotografía y el cine ya se encargaban deplasmar la realidad. Gracias a las colecciones etnográficasfomentadas por el colonialismo europeo los artistas tuvie-ron contacto con el arte de otras civilizaciones (africano,asiático, oceánico), que aportó una visión más subjetivay emotiva del arte. Todos estos factores comportaron uncambio de sensibilidad que se tradujo en la búsqueda denuevas formas de expresión por parte del artista.

50 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

• Fauvismo (1905-1908): primer movimientovanguardista[nota 18] del siglo XX, el fauvismosupuso una experimentación en el terreno del color,que es concebido de modo subjetivo y personal,aplicándole valores emotivos y expresivos, in-dependientes respecto a la naturaleza. DestacanHenri Matisse, Albert Marquet, Raoul Dufy, AndréDerain, Maurice de Vlaminck y Kees van Dongen.

• Expresionismo (1905-1923): surgido como reacciónal impresionismo, los expresionistas defendían unarte más personal e intuitivo, donde predominase lavisión interior del artista –la «expresión»– frente ala plasmación de la realidad –la «impresión»–, refle-jando en sus obras una temática personal e intimis-ta con gusto por lo fantástico, deformando la reali-dad para acentuar el carácter expresivo de la obra.Con precedentes en las figuras de Edvard Munchy James Ensor, se formó principalmente en tornoa dos grupos: Die Brücke (Ernst Ludwig Kirchner,Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Emil Nolde),y Der Blaue Reiter (Vasili Kandinski, Franz Marc,August Macke, Paul Klee). Otros exponentes fueronel Grupo de Viena (Egon Schiele, Oskar Kokosch-ka) y la Escuela de París (Amedeo Modigliani, MarcChagall, Georges Rouault, Chaïm Soutine). Figurasindividuales serían: José Gutiérrez Solana, ConstantPermeke, Cândido Portinari, Oswaldo Guayasamín,etc. También se suele considerar como una deri-vación del expresionismo el grupo Nueva Objetivi-dad (George Grosz, Otto Dix, Max Beckmann). EnMéxico tuvo su expresión en el muralismo de JoséClemente Orozco, Diego Rivera, David Alfaro Si-queiros y Rufino Tamayo, e influyó en la obra deFrida Kahlo. En escultura destacaron Ernst Barlach,Wilhelm Lehmbruck y Käthe Kollwitz.

• Cubismo (1907-1914): este movimiento se ba-só en la deformación de la realidad mediante ladestrucción de la perspectiva espacial de origenrenacentista, organizando el espacio de acuerdo conuna trama geométrica, con visión simultánea de losobjetos, una gama de colores fríos y apagados, yuna nueva concepción de la obra de arte, con la in-troducción del collage. La figura principal de estemovimiento fue Pablo Picasso, uno de los grandesgenios del siglo XX, junto a Georges Braque, JeanMetzinger, Albert Gleizes, Juan Gris y Fernand Lé-ger, así como Alexander Archipenko, Jacques Lip-chitz, Pablo Gargallo y Julio González en escultu-ra. Una derivación del cubismo fue el orfismo deRobert Delaunay, así como el rayonismo ruso, sín-tesis de cubismo, futurismo y orfismo (Mijaíl Lario-nov, Natalia Goncharova). Igualmente, el purismofue un movimiento poscubista (Amédée Ozenfant,Le Corbusier).

• Futurismo (1909-1930): movimiento italiano queexaltó los valores del progreso técnico e industrial

del siglo XX, destacando aspectos de la realidad co-mo el movimiento, la velocidad y la simultaneidadde la acción. El futurismo aspiraba a transformar elmundo, a cambiar la vida, mostrando un conceptoidealista y algo utópico del arte como motor de la so-ciedad. Fue el primer movimiento que se proclamócon un manifiesto (redactado por Filippo TommasoMarinetti), sello distintivo de los futuros movimien-tos de vanguardia, que denotaba además la interre-lación entre las diversas artes. Destacan en pinturaGiacomo Balla y Gino Severini, y Umberto Boccio-ni en escultura.[131]

• Arte abstracto (1910-1932): cuestionado el concep-to de realidad por las nuevas teorías científicas, ycon el surgimiento de nuevas tecnologías como lafotografía y el cine, que ya se encargaban de plas-mar la realidad, se produjo la génesis del arte abs-tracto: el artista ya no intenta reflejar la realidad,sino su mundo interior, expresar sus sentimientos.El arte pierde todo aspecto real y de imitación dela naturaleza para centrarse en la simple expresi-vidad del artista, en formas y colores que care-cen de cualquier componente referencial. Iniciadopor Vasili Kandinski, fue desarrollado por el mo-vimiento neoplasticista (De Stijl), con figuras comoPiet Mondrian y Theo Van Doesburg en pintura, yGeorges Vantongerloo en escultura.

• Constructivismo (1914-1930): surgido en la Rusiarevolucionaria, fue un estilo comprometido políti-camente que pretendía a través del arte realizar unatransformación de la sociedad, mediante una refle-xión sobre las formas puras artísticas concebidasdesde aspectos como el espacio y el tiempo, quegeneran una serie de obras de estilo abstracto, contendencia a la geometrización. Destacan VladimirTatlin, Lissitzky, Anton Pevsner y Naum Gabo. Unavariante fue el suprematismo de Kasimir Malevich.

• Dadaísmo (1916-1922): movimiento de reacción alos desastres de la guerra, el dadaísmo supuso unplanteamiento radical del concepto de arte, que pier-de cualquier componente basado en la lógica y la ra-zón, reivindicando la duda, el azar, lo absurdo de laexistencia. Esto se traduce en un lenguaje subversi-vo, donde se cuestionan tanto las temáticas como lastécnicas tradicionales del arte, experimentando connuevos materiales y nuevas formas de composición,como el collage, el fotomontaje y los ready-made.Destacan Hans Arp, Francis Picabia, Kurt Schwit-ters y Marcel Duchamp.

• Surrealismo (1924-1955): con un claro precedenteen la pintura metafísica (Giorgio de Chirico, CarloCarrà), el surrealismo[nota 19] puso especial énfasis enla imaginación, la fantasía, el mundo de los sueños,con una fuerte influencia del psicoanálisis, como se

1.1. HISTORIA DEL ARTE 51

percibe en su concepto de «escritura automática»,por la que intentan expresarse liberando su men-te de cualquier atadura racional, mostrar la purezadel inconsciente. La pintura surrealista se movió en-tre la figuración (Salvador Dalí, Paul Delvaux, RenéMagritte, Max Ernst) y la abstracción (Joan Mi-ró, André Masson, Yves Tanguy). En escultura des-tacan Henry Moore, Constantin Brâncuşi, AlbertoGiacometti y Alexander Calder.[132]

• Fränzi ante una silla tallada (1910), de Ernst LudwigKirchner, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

• Retrato de Picasso (1912), de Juan Gris, Instituto deArte de Chicago.

• Composición VII (Las Tres Gracias) (1917), de Theovan Doesburg, Mildred Lane Kemper Art Museum,Saint Louis, Missouri.

• Family Group (1950), de Henry Moore, Stevenage(Hertfordshire).

Elogio del agua (1987), de Eduardo Chillida, Parque de laCreueta del Coll, Barcelona.

Últimas tendencias Desde la Segunda Guerra Mun-dial el arte ha experimentado una vertiginosa dinámicaevolutiva, con estilos y movimientos que se suceden cadavez más rápido en el tiempo. El proyecto moderno origi-nado con las vanguardias históricas llegó a su culminacióncon diversos estilos antimátericos que destacaban el ori-gen intelectual del arte por sobre su realización material,como el arte de acción y el arte conceptual. Alcanzado esenivel de prospección analítica del arte, se produjo el efec-to inverso –como suele ser habitual en la historia del arte,donde los diversos estilos se enfrentan y se contraponen,el rigor de unos sucede al exceso de otros, y viceversa–, retornando a la formas clásicas del arte, aceptando sucomponente material y estético, y renunciando a su carác-ter revolucionario y transformador de la sociedad. Surgióasí el arte postmoderno, donde el artista transita sin pudorentre diversas técnicas y estilos, sin carácter reivindicati-vo, volviendo al trabajo artesanal como esencia del artis-ta. Por último, hay que remarcar a finales de siglo la apa-rición de nuevas técnicas y soportes en el terreno del arte:video, informática, internet, láser, holografía, etc.[133]

• Informalismo (1945-1960): conjunto de tendenciasbasadas en la expresividad del artista, renuncian-do a cualquier aspecto racional del arte (estructu-ra, composición, aplicación preconcebida del color).Es un arte eminentemente abstracto, donde cobrarelevancia el soporte material de la obra, que asu-me el protagonismo por encima de cualquier te-mática o composición. Incluye diversas corrientescomo el tachismo, el art brut y la pintura matéri-ca. Destacan Georges Mathieu, Hans Hartung, JeanFautrier, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, etc. En Es-paña surgieron los grupos El Paso (Antonio Sau-ra, Manolo Millares) y Dau al set (Antoni Tàpies,Modest Cuixart). En escultura cabe citar a JorgeOteiza y Eduardo Chillida. En Estados Unidos sedesarrolló el expresionismo abstracto –también lla-mado action painting–, caracterizado por la utiliza-ción de la técnica del dripping, el chorreado de pin-tura sobre la tela, sobre la que intervenía el artistacon diversos utensilios o con su propio cuerpo. Entresus miembros figuran Jackson Pollock, Mark Roth-ko, Franz Kline y Willem de Kooning.

• Nueva figuración (1945-1960): como reacción a laabstracción informalista surgió un movimiento querecuperó la figuración, con cierta influencia expre-sionista y con total libertad de composición. Aun-que se basaban en la figuración no quiere decir queésta fuese realista, sino que podía ser deformadao esquematizada a gusto del artista. En la génesisde este estilo tuvo decisiva influencia la filosofíaexistencialista y su visión pesimista del ser humano,y entroncaron con el movimiento beat y los angryyoung men. Entre sus figuras se puede mencionara Francis Bacon, Lucian Freud, Bernard Buffet,Nicolas de Staël y los miembros del grupo CoBrA(Karel Appel, Asger Jorn, Corneille y Pierre Ale-chinsky), así como Germaine Richier y FernandoBotero en escultura.

• Arte cinético (desde 1950): también llamado op-art(arte óptico), es un estilo que pone énfasis en el as-pecto visual del arte, especialmente en los efectosópticos, que son producidos bien por ilusiones ópti-cas (figuras ambiguas, imágenes persistentes, efectode moiré), bien mediante el movimiento o los juegosde luces. Es un arte abstracto pero racional, com-positivo, al contrario que el informalismo. DestacanVictor Vasarely, Jesús Rafael Soto, Yaacov Agam,Julio Le Parc, Eusebio Sempere, etc.

• Pop-art (1955-1970): surgió en Estados Unidos co-mo movimiento de rechazo al expresionismo abs-tracto, englobando una serie de autores que retorna-ron a la figuración, con un marcado componente deinspiración popular, tomando imágenes del mundode la publicidad, la fotografía, el cómic y los mediosde comunicación de masas. Con un precedente en

52 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

el llamado New Dada (Robert Rauschenberg, JasperJohns), destacaron en el pop-art Andy Warhol, RoyLichtenstein, Tom Wesselmann, James Rosenquist,Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton y, en escultu-ra, Claes Oldenburg.

• Nuevo realismo (1958-1970): movimiento francésinspirado en el mundo de la realidad circundante, delconsumismo y la sociedad industrial, del que extraen–al contrario que en el pop-art– su aspecto más des-agradable, con especial predilección por los mate-riales detríticos. Sus representantes fueron Arman,César Baldaccini, Yves Klein, Jean Tinguely, PieroManzoni, Daniel Spoerri, Niki de Saint Phalle, etc.Klein y Manzoni fueron antecedentes del arte con-ceptual: Klein con sus antropometrías y sus cosmo-gonías (pinturas expuestas a los elementos: fuego,lluvia) o con su exposición Vacío (1958, Galería IrisClert), donde vendió el espacio vacío de una gale-ría; y Manzoni envasando sus excrementos en lata(Merda d'artista, 1961).

• Arte de acción (desde 1960): son diversas tenden-cias basadas en el acto de la creación artística, don-de lo importante no es la obra en sí, sino el pro-ceso creador, en el que además del artista intervie-ne a menudo el público, con un gran componentede improvisación. Engloba diversas manifestacio-nes artísticas como el happening, la performance,el environment, la instalación, etc. Entre sus figurasdestacan Joseph Beuys, Allan Kaprow, Wolf Vos-tell, Yoko Ono, Nam June Paik y los grupos Fluxusy Gutai.

• Minimalismo (1963-1980): con un antecedente enla Nueva abstracción o Abstracción postpictórica(Barnett Newman, Frank Stella, Ellsworth Kelly,Kenneth Noland) el minimalismo fue una corrien-te que supuso un proceso de desmaterialización quedesembocaría en el arte conceptual. Son obras decarácter abstracto, de acusada simplicidad, reduci-das a un mínimo motivo, depurado al planteamientoinicial del autor, la base sobre la que habría desarro-llado la idea que, sin embargo, queda plasmada ensu fase inicial. Destacaron los pintores Robert Man-gold y Robert Ryman, y los escultores Carl Andre,Dan Flavin, Donald Judd y Sol LeWitt.

• Hiperrealismo (desde 1965): como reacción al mi-nimalismo surgió esta nueva corriente figurativa, ca-racterizada por su visión superlativa y exagerada dela realidad, que es plasmada con gran exactitud entodos sus detalles, con un aspecto casi fotográfico.Destacan Chuck Close, Richard Estes, Don Eddy,John Salt, Ralph Goings, Antonio López García y,en escultura, George Segal, famoso por sus figurashumanas en yeso.

¿Por qué el proceso entre Pilatos y Jesús duró solamente dosminutos? (1996), de Wolf Vostell, Museo Vostell, Malpartida deCáceres.

• Arte conceptual (1965-1980): tras el despojamien-to matérico del minimalismo, el arte conceptual re-nunció al sustrato material para centrarse en el pro-ceso mental de la creación artística, afirmando queel arte está en la idea, no en el objeto. Incluye di-versas tendencias: el arte conceptual lingüístico, elmás purista de la conceptualidad, centrado en la re-lación arte-lenguaje (Joseph Kosuth); el arte pove-ra, centrado en las instalaciones, generalmente demateriales detríticos (Mario Merz, Jannis Koune-llis); el body-art, con el cuerpo humano como so-porte (Gilbert and George, Dennis Oppenheim); elland-art, que utiliza la naturaleza como soporte, conun marcado componente efímero (Christo, Walter

1.1. HISTORIA DEL ARTE 53

de Maria, Robert Smithson, Richard Serra); el bio-art, que usa técnicas biológicas (Joe Davis, EstéfanoViu), etc. También podrían enmarcarse en esta co-rriente diversos géneros de reivindicación social co-mo el arte feminista (Jenny Holzer, Barbara Kruger,Cindy Sherman, Judy Chicago) y el arte homoeró-tico (Paul Cadmus, Robert Mapplethorpe, DeborahCherena).

• Nuevas tecnologías (desde 1965): la aparición denuevas tecnologías desde los años 1960 (televisión,video, informática) ha supuesto una gran revoluciónpara el arte no sólo en cuanto a nuevos soportes ymateriales, sino a nuevas formas de expresión quehan ampliado los límites del arte. El videoarte sur-gió en 1965 con la aparición de la primera cámarade video portátil (la Portapak de Sony). En esta mo-dalidad destaca no sólo su componente físico –laemisión de imágenes, generalmente en el marco deinstalaciones o performances–, sino el mensaje in-herente a la imagen filmada, fusionando el mundode la comunicación con la cultura popular. Expo-nentes de esta modalidad son Nam June Paik, DanSandin, Bill Viola, Tony Oursler, etc. El sound art (oaudio art) se basa en el sonido, ya sea natural, mu-sical, tecnológico o acústico, y se integra en el artea través de ensamblajes, instalaciones, performan-ces, videoarte, etc. (Laurie Anderson, Brian Eno).La informática e internet han supuesto igualmenteun gran impulso para el arte, no sólo como sopor-te sino por sus nuevas posibilidades creativas y, es-pecialmente, por su aspecto interactivo, suponiendouna nueva forma de colaboración entre el artista y elpúblico (Olia Lialina, Heath Bunting, Jake Tilson).

• Arte postmoderno (desde 1975): por oposición aldenominado arte moderno, es el arte propio de lapostmodernidad. Asumen el fracaso de los movi-mientos de vanguardia como el fracaso del proyec-to moderno: las vanguardias pretendían eliminar ladistancia entre el arte y la vida, universalizar el ar-te; el artista postmoderno, en cambio, es autorre-ferencial, el arte habla del arte, no pretenden ha-cer una labor social. Destacan artistas individualescomo Jeff Koons, David Salle, Jean-Michel Bas-quiat, Keith Haring, Julian Schnabel, Eric Fischl,Miquel Barceló, etc.; o también diversos movimien-tos como la transvanguardia italiana (Sandro Chia,Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicola De Ma-ria, Mimmo Paladino), el neoexpresionismo alemán(Anselm Kiefer, Georg Baselitz, Jörg Immendorff,Markus Lüpertz, Sigmar Polke), el neomanierismo,la figuración libre, etc.[134]

• Hombre a caballo, de Fernando Botero, Museo deIsrael, Jerusalén.

• Liberación de 1001 globos azules, «escultura aeros-tática» de Yves Klein.

• The Umbrella Project (1991), instalación artística deChristo, Ibaraki (Japón).

Estilos artísticos occidentales del siglo XX

Instalación del grupo japonés Gutai, en la Bienal de Venecia de2009.

Globalización del arte Durante el proceso decolonización iniciado por las potencias europeas en elsiglo XIX, y sobre todo en el XX con el auge de los mediosde comunicación (radio, televisión, internet) y el proce-so de globalización cultural producido a nivel mundial, elarte se ha estandarizado progresivamente hacia la univer-salización de estilos, conservando en muchos lugares lasformas autóctonas y tradicionales, pero adquiriendo unsello estilístico común perceptible en diversos puntos delplaneta. Antiguas formas artísticas basadas en materialesy tipologías tradicionales han abrazado las nuevas tecno-logías y un nuevo sentido estético dominado por factorescomo la moda y la rapidez de difusión de los diversosmovimientos artísticos.En el continente africano aún perduran ciertas formas tra-dicionales de arte, si bien la colonización europea intro-dujo el arte occidental, produciéndose cierta mezcolanzade ambos estilos. En muchas partes de África el arte estámarcado por la religión islámica, mientras que en otrases más de signo cristiano, pero aún perduran las antiguasformas animistas. El interés por el arte africano en Europa

54 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

ha llevado a su producción con fines de exportación, prin-cipalmente máscaras y esculturas ornamentales de ébanoo marfil. Entre los artistas más destacados se puede citar aAshira Olatunde (de Nigeria), Nicholas Mukomberanwa(de Zimbabue), Henry Tayali (de Zambia) y Eric AdjeteyAnang (de Ghana).En la India, el arte se abrió a mediados del siglo XX a lasformas de vanguardia, como se puede apreciar en la in-tervención de arquitectos extranjeros como Le Corbusieren Chandigarh y Bangalore. Actualmente la India está vi-viendo un auge en el campo de la creación emergente ylas artes plásticas contemporáneas, siendo el artista indiomás cotizado el escultor Anish Kapoor, junto al que des-tacan nombres como Ram Kinker Baij, Sankho Chaud-huri, Ajit Chakravarti y Nek Chand.El fin de la era imperial supuso la modernización deChina, que se abrió más a la influencia occidental. Eltriunfo de la revolución comunista impuso como arte ofi-cial el realismo socialista, si bien recientemente la nuevapolítica aperturista ha favorecido la llegada de las últi-mas tendencias artísticas, ligadas a las nuevas tecnolo-gías. En 1989 tuvo gran resonancia la exposición Chi-na/Vanguardia, en la Galería Nacional China de Pekín,que mostraba las últimas creaciones del momento, in-cluyendo tanto obra pictórica como fotografías, instala-ciones y performances. Desgraciadamente, los sucesosde Tiananmen provocaron un nuevo retroceso, hasta unanueva apertura en 1992. Los artistas chinos contemporá-neos más relevantes son: Qi Baishi, Wu Guanzhong, PanYuliang, Zao Wou Ki y Wang Guangyi.En Japón, el período Meiji (1868-1912) supuso una pro-funda renovación cultural, social y tecnológica, abriéndo-se más al exterior y empezando a incorporar los nuevosadelantos conseguidos en Occidente. La pintura presentóentonces dos corrientes: una tradicional (Nihonga), y otraoccidentalista (Yōga). En escultura existe igualmente ladualidad tradición-vanguardia. Más recientemente desta-ca la presencia en el terreno del arte de acción del gru-po Gutai, que asimiló la experiencia de la Segunda Gue-rra Mundial a través de acciones cargadas de ironía, conun gran sentimiento de crispación y una agresividad la-tente. Artistas destacados del Japón contemporáneo son:Tsuguharu Foujita, Kuroda Seiki, Tarō Okamoto, ChutaKimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Mo-rimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fuku-da, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara, Isamu Noguchi yEtsuro Sotoo.[135]

Artes decorativas En el siglo XX las artes decorati-vas han tenido una rápida evolución, marcada por el usode nuevos materiales y tecnologías más avanzadas, y conuna clara apuesta por el diseño como base creadora, re-marcando el aspecto intelectual de estas creaciones frentea la mera realización material otorgada tradicionalmen-te a la artesanía. La gran revitalización de esta actividadartística provino del art déco,[nota 20] movimiento surgi-

Diseño de objetos de uso art déco Pal-Bell, de Maurice Ascalon.

do en Francia a mediados de los años 1920 que supusouna revolución para el interiorismo y las artes gráficas eindustriales. Este estilo se caracterizó por la predilecciónpor la línea curva y el floreado simétrico en artes gráfi-cas, y las formas cuadradas y geométricas en mobiliarioy decoración interior. Dirigido principalmente a un pú-blico burgués, destacó por la ostentación y el lujo, y sedesarrolló notablemente en ilustración publicitaria (Erté)y cartelismo (Cassandre). El art déco también se dio enarquitectura (el Chrysler Building de William van Alen)y pintura (Tamara de Lempicka, Santiago Martínez Del-gado).Otro gran adelanto en el terreno del diseño se produjo conla Bauhaus, que frente a la excesiva ornamentación del artdéco introdujo un concepto de diseño más racional y fun-cional, más adaptado a las necesidades reales de la gente.Esta institución pretendía romper las barreras entre arte yartesanía, con una clara apuesta por la producción indus-trial. Su diseño se basaba en la simplicidad, la abstraccióngeométrica y el uso de colores primarios y de nuevas tec-nologías, como se hizo patente en el mobiliario de acerotubular creado por Marcel Breuer, o las lámparas dise-ñadas por Marianne Brandt. En esta escuela destacaroncreadores como László Moholy-Nagy, Oskar Schlemmer,Johannes Itten, Paul Klee, Josef Albers, etc. Igualmente,el grupo neoplasticista De Stijl desarrolló un estilo interio-rista basado en la simplicidad, las formas geométricas y

1.1. HISTORIA DEL ARTE 55

los colores primarios, como la famosa silla roja y azul deGerrit Thomas Rietveld (1923). Desde entonces el diseñoindustrial y de interior ha seguido por la vía de la crea-ción intelectual y el diseño funcional, con un progresi-vo aumento de la experimentación con nuevos materiales(plástico, fibra de vidrio), atendiendo a las necesidades demercado sin renunciar al proceso de modernización de lasociedad, lo que ha generado una línea llamada styling (re-presentada fundamentalmente por Raymond Loewy).[136]

Literatura contemporánea En el siglo XX la litera-tura ha tenido –como el resto de las artes– una gran diver-sidad estilística, partiendo de premisas anteriores y cáno-nes clásicos en algunos casos, y rompiendo con el pasa-do y experimentando nuevas formas y estilos en otros.El afán de innovación llevó a la búsqueda de la esen-cia literaria, de un lenguaje trascendente y metafísico,como es el caso de la denominada «poesía pura» (PaulValéry, William Butler Yeats, Ezra Pound, T.S. Eliot,Eugenio Montale, Fernando Pessoa, Konstantinos Kava-fis). El principal campo de experimentación fue el de lasvanguardias artísticas: el futurismo destacó por su afánmodernizador, exaltando los adelantos técnicos, la veloci-dad, la acción, incluso la violencia (tuvo estrechos contac-tos con el fascismo italiano), defendiendo la destrucciónde la sintaxis y la libertad de las palabras; estuvo repre-sentado principalmente por Filippo Tommaso Marinettiy Vladimir Maiakovski. El cubismo buscó nuevas formassintácticas, deshaciendo los poemas y dándoles un aspec-to gráfico, con diferentes tipos de letra y aparición de sig-nos extralingüísticos, suprimiendo los signos de puntua-ción («collage lingüístico»), destacando Guillaume Apo-llinaire. El dadaísmo introdujo la anarquía en la génesisliteraria, buscando deliberadamente un lenguaje caóticoy absurdo, que pierde su aspecto lógico y comunicativo,como en la obra de Tristan Tzara. El expresionismo cri-ticó la sociedad burguesa de su época, el militarismo, laalienación del individuo en la era industrial y la repre-sión familiar, moral y religiosa. Ya no se imita la realidad,no se analizan causas ni hechos, sino que el autor buscala esencia de las cosas, mostrando su particular visión.Destacaron Franz Kafka, Gottfried Benn, Alfred Döblin,Georg Heym, Franz Werfel, Georg Trakl y Rainer MariaRilke. El surrealismo tuvo gran influencia de la psicologíafreudiana, evocando en sus obras el mundo del incons-ciente, de los sueños, de la subjetividad, en un estilo quebuscaba la asociación insólita de palabras, de metáforasoníricas y delirantes, que se tradujo en la técnica de la«escritura automática». Destacaron André Breton, PaulÉluard y Louis Aragon.En el ámbito de la narrativa, la amarga experiencia bé-lica en la contienda mundial provocó una serie de obrasde crítica de la guerra, de reflexión, de introspección psi-cológica, de búsqueda de unos nuevos valores morales,con un lenguaje simbólico y metafórico; así se apreciaen la obra de Marcel Proust, André Gide, François Mau-riac, Thomas Mann, Hermann Hesse, etc. Más adelante

Ulises, de James Joyce. Portada de la primera edición (1922).

surgió un mayor compromiso social, con obras de denun-cia de los valores burgueses que habían llevado a la gue-rra; esta corriente está representada por André Malraux,Antoine de Saint-Exupéry, George Orwell y Aldous Hux-ley. En contraposición, hay una corriente más innovado-ra, más centrada en la técnica literaria, en el virtuosis-mo estilístico y la profundización de los personajes, co-mo podemos apreciar en James Joyce, Lawrence Durrelly Virginia Woolf. En Estados Unidos surgió la llama-da «generación perdida», caracterizada igualmente porla crítica social y la búsqueda de unos nuevos valores hu-manos: John Dos Passos, F. Scott Fitzgerald, John Stein-beck, William Faulkner, Gertrude Stein, Henry Miller yErnest Hemingway.La segunda mitad del siglo XX ha estado marcada por eleclecticismo y la diversidad de tendencias, con un cier-to continuismo de estilos anteriores, sobre todo en poe-sía, donde autores como Jacques Prévert, Dylan Tho-mas y Wystan Hugh Auden hacen una poesía inconfor-mista e intelectualizada. La narrativa es más innovadora,caracterizada por la preocupación existencial y el com-promiso social: Jean-Paul Sartre, Albert Camus, Simonede Beauvoir, Jean Genet, Cesare Pavese, Italo Calvino,Alberto Moravia, etc. En los años 1950 surgió en Franciael nouveau roman («nueva novela»), centrado en el aná-lisis frío y objetivo de la realidad (Alain Robbe-Grillet,Nathalie Sarraute). En esos años hay un renacer de la«novela histórica», con Marguerite Yourcenar, RobertGraves y Umberto Eco. En Alemania, aparecieron escri-

56 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

tores anticonvencionales como Peter Handke y GüntherGrass, mientras que en Estados Unidos surgió la genera-ción beat (Allen Ginsberg, William Burroughs, Jack Ke-rouac), así como una nueva serie de novelistas encabe-zada por Truman Capote, J.D. Salinger y Norman Mai-ler. Entre otros grandes autores del siglo XX merecendestacarse igualmente: H.G. Wells, Rudyard Kipling, J.R. R. Tolkien, Salvatore Quasimodo, Nikos Kazantzakis,Halldór Laxness, Pär Lagerkvist, Mika Waltari, JaroslavHašek, Boris Pasternak, Mihail Šolohov, Aleksandr Solz-henitsyn, José Saramago, Sholem Asch, RabindranathTagore, Jalil Gibran, Naguib Mahfuz, Wen Yiduo, YukioMishima, Kenzaburo Oé, Wole Soyinka, Orhan Pamuk,etc.[137]

En España, la literatura del siglo XX comenzó con el lla-mado novecentismo, representado por José Ortega y Gas-set, Ramón Pérez de Ayala, Ramón Gómez de la Ser-na y Eugeni d'Ors. Más adelante surgió la Generacióndel 27, con un mayor afán vanguardista, que persigue elideal de «poesía pura», con cierta influencia del surrealis-mo (Federico García Lorca, Rafael Alberti, Vicente Alei-xandre, Pedro Salinas, Jorge Guillén, Dámaso Alonso,Gerardo Diego, Luis Cernuda, Miguel Hernández). Losaños de la dictadura producen una escisión: por un lado,una literatura afecta al régimen que exalta los valores na-cionales (Luis Rosales, Leopoldo Panero); por otra, unaliteratura desarraigada, de tono angustioso (Camilo JoséCela, Ramón J. Sénder, Miguel Delibes, Gonzalo Torren-te Ballester, Carmen Laforet, Ana María Matute). En losaños 1950 surgió el realismo social, literatura más com-prometida que denuncia la injusticia y la falta de libertad(Blas de Otero, Gabriel Celaya, León Felipe). Desde losaños 1970 surge una nueva vitalidad en las letras, con afánreformador (los llamados «Novísimos» en poesía), des-tacando figuras como Manuel Vázquez Montalbán, JuanMarsé, Antonio Gala, José Hierro, Jaime Gil de Biedma,José Agustín Goytisolo, etc. En el siglo XX se desarrollanla literatura catalana (Josep Carner, Carles Riba, SalvadorEspriu, Josep Pla, Mercè Rodoreda, Josep Maria de Sa-garra), gallega (Celso Emilio Ferreiro, Ramón Otero Pe-drayo, Alfonso Rodríguez Castelao, Álvaro Cunqueiro) yvasca (Esteban Urkiaga, Gabriel Aresti, José Luis Álva-rez Enparantza). En Hispanoamérica destacan: AlfonsinaStorni, Gabriela Mistral, Vicente Huidobro, César Va-llejo, Pablo Neruda, Jorge Luis Borges, Nicolás Gui-llén, Rómulo Gallegos, Miguel Ángel Asturias, AlejoCarpentier, Juan Rulfo, Carlos Fuentes, Julio Cortázar,Mario Vargas Llosa, Gabriel García Márquez, OctavioPaz, Guillermo Cabrera Infante, Augusto Roa Bastos,Ernesto Sabato, Mario Benedetti, Isabel Allende, etc.[138]

Teatro contemporáneo El teatro del siglo XX hatenido una gran diversificación de estilos, evolucionan-do en paralelo a las corrientes artísticas de vanguardia.Se pone mayor énfasis en la dirección artística y en laescenografía, en el carácter visual del teatro y no sólo elliterario. Se avanza en la técnica interpretativa, con mayor

Bertolt Brecht, creador del teatro épico.

profundización psicológica (método Stanislavski, ActorsStudio de Lee Strasberg), y reivindicando el gesto, la ac-ción y el movimiento. Se abandonan las tres unidades clá-sicas y comienza el teatro experimental, con nuevas for-mas de hacer teatro y un mayor énfasis en el espectáculo,retornando al rito y a las manifestaciones de culturas an-tiguas o exóticas. Cobra cada vez mayor protagonismoel director teatral, que muchas veces es el artífice de unadeterminada visión de la puesta en escena (Vsevolod Me-yerhold, Max Reinhardt, Erwin Piscator, Tadeusz Kan-tor).Entre los diversos movimientos teatrales convienereseñar: el expresionismo (Georg Kaiser, Fritz vonUnruh, Hugo von Hofmannsthal); el «teatro épico»(Bertolt Brecht, Peter Weiss, Rainer Werner Fassbin-der); el «teatro del absurdo», vinculado al existencialismo(Antonin Artaud, Eugène Ionesco, Samuel Beckett,Albert Camus); y los Angry young men, de signo in-conformista y antiburgués (John Osborne, Harold Pin-ter, Arnold Wesker). Otros autores destacados son:George Bernard Shaw, Luigi Pirandello, Alfred Jarry,Tennessee Williams, Eugene O'Neill, Arthur Miller, JohnBoynton Priestley, Dario Fo, etc. En España destacanFederico García Lorca, Miguel Mihura, Alejandro Ca-sona, Antonio Buero Vallejo, Alfonso Paso y FernandoArrabal.Desde los años 1960 el teatro ha reaccionado contra ladistanciación del teatro épico, buscando una comunica-

1.1. HISTORIA DEL ARTE 57

ción dramática establecida a través de acciones realesque afecten al espectador (The Living Theatre, teatro-laboratorio de Jerzy Grotowski, acciones de happening).Los nuevos directores han agregado a este «teatro de pro-vocación» una conciencia estilística basada en la cere-monia, el divertimento y el exhibicionismo (Peter Brook,Giorgio Strehler, Luca Ronconi). El lenguaje oral quedaasí doblado por el visual, y el arte dramático recupera encierta forma su antigua ambición de «teatro total». Estose pone de manifiesto en varios grupos españoles, comoEls Joglars, Els Comediants y La Fura dels Baus, o el gru-po canadiense Cirque du Soleil.[139]

Música contemporánea En el terreno musical la tran-sición de siglo estuvo marcada por el postromanticismode Richard Strauss, Gustav Mahler y Aleksandr Skria-bin, introduciéndose posteriormente en el ámbito de lasvanguardias artísticas: el cubismo tendió a la deshumani-zación, a la esquematización y a las construcciones linea-les, sin ornamentos (Erik Satie); el expresionismo preten-día desligarse de los fenómenos objetivos externos, sien-do instrumento únicamente de la actividad creadora delcompositor y reflejando principalmente su estado aními-co, fuera de toda regla y toda convención (Darius Mil-haud, Francis Poulenc, Arthur Honegger); el futurismoexperimentó con el ruido y los sonidos de la naturale-za y la vida cotidiana (Luigi Russolo, Edgar Varèse);el neoclasicismo –ligado en Rusia al realismo socialis-ta, también llamado «sinfonismo soviético»– recuperó lasformas clásicas, pero reinterpretándolas, y sin renunciara los nuevos adelantos vanguardistas (Carl Orff, GustavHolst, Igor Stravinski, Sergei Prokofiev, Dimitri Shosta-kovich, Sergéi Rajmáninov); el dodecafonismo fue un sis-tema basado en los doce tonos de la escala cromática, quese utilizaban en cualquier orden, pero en series, sin repetiruna nota antes de haber sonado las otras, evitando la po-larización, la atracción a centros tonales (Arnold Schön-berg, Alban Berg, Anton von Webern); de igual forma, elultracromatismo amplió la escala musical a grados infe-riores al semitono –cuartos o sextos de tono– (Alois Há-ba, Ferruccio Busoni); la Nueva Objetividad aportó unavisión más realista y social de la música, surgiendo el con-cepto de Gebrauschmusik («música utilitaria»), basada enel concepto de consumo de masas para elaborar obras desencilla construcción y accesibles a todo el mundo (PaulHindemith, Kurt Weill).Desde mediados de siglo ha continuado la experimenta-ción y la diversidad de conceptos musicales, produciendonuevas técnicas y efectos sonoros, como la música elec-trónica de Karlheinz Stockhausen; la música concreta dePierre Schaeffer y Pierre Henry; el serialismo de OlivierMessiaen, Luigi Dallapiccola, Pierre Boulez y Luis de Pa-blo; el poliestilismo de Luciano Berio; los «ámbitos so-noros» de Luigi Nono; la música aleatoria de John Cage,Charles Ives, Witold Lutoslawski y Cristóbal Halffter; elneotonalismo de Arvo Pärt y Henryk Górecki; la «músi-ca estadística» de Iannis Xenakis, Krzysztof Penderecki

y György Ligeti; el minimalismo de Philip Glass; y el newage de Michael Nyman y Wim Mertens.[140]

Porgy and Bess, de George Gershwin, por el New York HarlemTheater.

La ópera en el siglo XX ha mantenido vigente el reperto-rio anterior, que se continúa representando con éxito enlos mejores teatros y auditorios del mundo, mientras quea nivel productivo, si bien ha existido una copiosa y exce-lente producción, las innovaciones producidas en este te-rreno no han gozado de gran éxito entre el público mayo-ritario. A principios de siglo, el verismo italiano continuóen un llamado «posverismo» representado principalmen-te por Riccardo Zandonai (Francesca da Rimini, 1914;Giulietta e Romeo, 1922). El postromanticismo contó conla gran figura de Richard Strauss (Salomé, 1905; Ariadneauf Naxos, 1912). El neoclasicismo dejó obras comoEdipo rey (1925), de Igor Stravinski; Lady Macbeth deMtsensk (1936), de Dimitri Shostakovich; y Guerra y paz(1946), de Sergei Prokofiev. A nivel vanguardista, desta-caron el expresionismo y el dodecafonismo: Moisés y Aa-rón (1926), de Arnold Schönberg; Wozzeck (1925) y Lulú(1935), de Alban Berg; Jonny spielt auf (1927), de ErnstKrenek. Más recientemente destaca la obra de BenjaminBritten, de gran valor dramático (Peter Grimes, 1945; Elsueño de una noche de verano, 1961; Muerte en Vene-cia, 1973). Otros exponentes son: Kurt Weill (Aufstiegund Fall der Stadt Mahagonny, 1930), George Gershwin(Porgy and Bess, 1935), Paul Hindemith (Matías el pintor,1938), Francis Poulenc (Les mamelles de Tirésias, 1947),Gian Carlo Menotti (La médium, 1946; El teléfono, 1947;El cónsul, 1950), Alberto Ginastera (Bomarzo, 1967),etc.También ha tenido mucha importancia la música po-pular, que ha generado diversos estilos musicales co-mo el jazz, el soul, el blues, el rock, el pop, el heavy,el punk, el reggae, el rap, el ska, etc. En el siglo XXtambién han tenido un gran auge los espectáculos mu-sicales, como el cabaret y el music-hall, al tiempo queha cobrado un creciente protagonismo la banda sono-ra cinematográfica (John Williams, Ennio Morricone,Henry Mancini, Andrew Lloyd Webber, Leonard Berns-tein, Maurice Jarre, Vangelis, Nino Rota). El aspectoconsumista de la civilización actual, la aparición de nue-vas tipologías (radio, hilo musical, video-clip) y la intro-

58 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

ducción de nuevos soportes de grabación musical (disco,casete, compact-disc, formatos informáticos de audio,mp3) han favorecido la popularización de la música, quese ha convertido en un aspecto indispensable del ociomoderno, con la proliferación de conciertos y recitales,y auténticos fenómenos de masas en torno a diversosgrupos e intérpretes (Elvis Presley, The Beatles, RollingStones, Bob Dylan, Bruce Springsteen, Michael Jackson,Madonna, etc.). En los últimos tiempos, la industria dis-cográfica ha sufrido un progresivo declive debido a lasdescargas ilegales en internet, hecho que ha generado unafuerte controversia que aún perdura.[141]

Ballet ruso (1912), de August Macke, Kunsthalle, Bremen.

Danza contemporánea La danza contemporánea seinició nuevamente con el liderazgo del ballet ruso adqui-rido a finales del siglo XIX: Mihail Fokin dio más impor-tancia a la expresión sobre la técnica; su obra Chopiniana(1907) inauguraría el «ballet atmosférico» –sólo danza,sin hilo argumental–. Sergéi Diágilev fue el artífice delgran triunfo de los Ballets Rusos en París, introduciendola danza en las corrientes de vanguardia: su primer granéxito lo obtuvo con las Danzas polovtsianas de El Prín-cipe Igor de Borodin (1909), al que siguieron El pájarode fuego (1910), Petrushka (1911) y La consagración dela primavera (1913), de Stravinski; por último, Parade(1917) fue un hito dentro de la vanguardia, con músi-ca de Erik Satie, coreografía de Léonide Massine, libretode Jean Cocteau y decorados de Pablo Picasso. En el gru-po de Diágilev destacaron los bailarines Vaslav Nijinsky,Anna Pavlova y Tamara Karsavina. Con la Revoluciónsoviética el ballet ruso pasó a ser un instrumento de pro-

paganda política, perdiendo gran parte de su creatividad,aunque surgieron grandes bailarines como Rudolf Nure-yev y Mihail Baryshnikov, y se produjeron obras memo-rables como Romeo y Julieta (1935) y Cenicienta (1945),de Prokofiev, y Espartaco (1957), de Aram Khachaturian.También alcanzó notoriedad el sistema pedagógico idea-do por Agrippina Vagánova.La danza expresionista supuso una ruptura con el balletclásico, buscando nuevas formas de expresión basadas enla libertad del gesto corporal, liberado de las ataduras dela métrica y el ritmo, donde cobra mayor relevancia la au-toexpresión corporal y la relación con el espacio. Su prin-cipal teórico fue el coreógrafo Rudolf von Laban, quiencreó un sistema que pretendía integrar cuerpo y alma, po-niendo énfasis en la energía que emanan los cuerpos, yanalizando el movimiento y su relación con el espacio.Este nuevo concepto quedaría plasmado con la bailarinaMary Wigman. De forma independiente, la gran figurade principios de siglo fue Isadora Duncan, que introdujouna nueva forma de bailar, inspirada en ideales griegos,más abierta a la improvisación, a la espontaneidad.En el período de entreguerras destacaron las escuelasfrancesa y británica, así como el despuntar de los EstadosUnidos. En Francia, el Ballet de la Ópera de París vol-vió al esplendor de la era romántica, gracias sobre todoa la labor de Serge Lifar, Roland Petit y Maurice Béjart.En Gran Bretaña destacaron figuras como Marie Ram-bert, Ninette de Valois, Frederick Ashton, Antony Tu-dor, Kenneth MacMillan, Margot Fonteyn, etc. En Esta-dos Unidos, donde había escasa tradición, se consiguió enpoco tiempo llegar a un alto nivel de creatividad y pro-fesionalización, gracias en primer lugar a pioneras comoRuth Saint Denis, Martha Graham, Doris Humphrey yAgnes De Mille. El ruso George Balanchine –surgido dela compañía de Diágilev– se instaló allí en 1934, dondefundó la School of American Ballet, y produjo espectácu-los que lo renombraron como uno de los mejores coreó-grafos del siglo. En los años 1950 y 1960 destacó la ac-tividad innovadora de Merce Cunningham que, influidopor el expresionismo abstracto y la música aleatoria deJohn Cage, introdujo la danza basada en la casualidad,el caos, la aleatoriedad (chance choreography). Otro granhito de la época fue el West Side Story (1957) de JeromeRobbins.Con Paul Taylor la danza entró en el ámbito de laposmodernidad, con un manifiesto inicial en su Duet(1957), donde permanecía inmóvil junto a un pianistaque no tocaba el piano. La danza posmoderna introdujolo corriente y lo cotidiano, los cuerpos ordinarios fren-te a los estilizados de los bailarines clásicos, con unamezcolanza de estilos e influencias, desde las orientaleshasta las folklóricas, incorporando incluso movimientosde aerobic y kickboxing. Otros coreógrafos posmoder-nos fueron Glen Tetley, Alvin Ailey y Twyla Tharp. Enlas últimas décadas del siglo destacaron coreógrafos co-mo William Forsythe y Mark Morris, así como la escuelaholandesa, representada por Jiří Kylián y Hans van Ma-

1.1. HISTORIA DEL ARTE 59

nen, y donde también se formó el español Nacho Duato.A nivel de bailes populares, en el siglo XX ha existido unagran diversidad de estilos, entre los que se puede remar-car: foxtrot, charlestón, claqué, chachachá, tango, bolero,pasodoble, rumba, samba, conga, merengue, salsa, twist,rock and roll, moonwalk, hustle, breakdance, etc.[142]

La fotografía del Che Guevara (1960), de Alberto Korda, es unade las fotografías más famosas y reproducidas del siglo XX.

Fotografía del siglo XX En el siglo XX se extendiónotablemente el uso de la fotografía, ya que las conti-nuas mejoras técnicas en cámaras portátiles permitíanun uso generalizado de esta técnica a nivel amateur. Supresencia fue esencial en revistas y periódicos, asumien-do los medios de comunicación de masas un papel pre-ponderante en la cultura visual del siglo XX. Durante laPrimera Guerra Mundial y la siguiente posguerra nacióel periodismo fotográfico, originalmente en Alemania,con revistas como Berliner Illustrierte Zeitung y MünchnerIllustrierte Presse, destacando la obra de Erich Salomon yStefan Lorant, creador del «reportaje fotográfico». Pron-to esta forma de fotoperiodismo se expandió por todo elmundo, propiciada por la aparición de una nueva cámara–la Leica (1925)– con objetivos intercambiables y rollosde 36 tomas. En 1947 apareció la Polaroid, de películainstantánea. En el siglo XX la fotografía también ha es-tado muy unida a la moda y la publicidad.La fotografía se integró plenamente a los movimientosde vanguardia: así, los fotógrafos expresionistas alemanes(August Sander, Karl Blossfeldt, Albert Renger-Patzsch)crearon un tipo de fotografía basada en la nitidez de laimagen y la utilización de la luz como medio expresivo,modelando las formas y destacando las texturas. Este ti-po de fotografía tuvo una importante resonancia interna-cional, generando movimientos paralelos como la pho-tographie pure francesa y la straight photography esta-dounidense. El futurismo italiano estuvo ligado a la fo-tografía en movimiento (fotodinamismo), representadopor Anton Giulio Bragaglia. En Gran Bretaña surgió elvorticismo, ligado al cubismo, destacando Alvin Lang-don Coburn. Con la Revolución soviética, en Rusia seimpuso el realismo socialista, con la figura predominan-te de Aleksandr Rodchenko. En Estados Unidos, Alfred

Stieglitz fundó la Photo-Secession, que mostró la vida ur-bana con una emotividad artística, y se vinculó a movi-mientos como el dadaísmo. En este último destacó ManRay, que llegó a hacer fotografías sin cámara, ponien-do objetos sobre la película y exponiéndolos unos segun-dos a la luz, creando imágenes ambiguas entre la figura-ción y la abstracción. Otra innovación del dadaísmo fueel fotomontaje, como los elaborados por John Heartfieldy Hannah Höch. Por último, el surrealismo introdujo enfotografía el mundo del inconsciente, de los sueños, lasimágenes oníricas (Eugène Atget, Jacques-André Boif-fard, Raoul Ubac).En el período de entreguerras surgieron una serie de fotó-grafos que retrataron la crudeza de la realidad circundan-te, especialmente tras la crisis económica de 1929, co-mo es el caso de Lewis Hine, Margaret Bourke-White yDorothea Lange. Desde la Segunda Guerra Mundial la fo-tografía ha seguido unida al periodismo –especialmentecon el auge de agencias como Magnum–, así como ala fotografía documental, predominando el realismo fo-tográfico. También ha estado fuertemente vinculada alas últimas tendencias artísticas, especialmente el pop-art, el hiperrealismo y el arte conceptual. Entre los másafamados fotógrafos de este siglo destacan: Werner Bis-chof, Brassaï, René Burri, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Agustí Centelles, Imogen Cunningham, RobertDoisneau, Robert Frank, Raoul Hausmann, André Ker-tész, William Klein, Alberto Korda, Jacques-Henri Lar-tigue, Annie Leibovitz, Dora Maar, Inge Morath, HelmutNewton, Irving Penn, Joe Rosenthal, Sebastião Salga-do, Jeanloup Sieff, William Eugene Smith, EmmanuelSougez, Otto Steinert, Gerda Taro, Spencer Tunick,Edward Weston, etc. Desde 1990, fecha de aparición dela fotografía digital, la creación fotográfica se ha vincula-do fuertemente a las nuevas tecnologías, preferentementeen el diseño por ordenador y los programas de retoque fo-tográfico, como Photoshop.[143]

Cine Una de las grandes revoluciones artísticas yaudiovisuales del siglo XX ha sido el cine: a partir de lainvención del cinematógrafo en 1895 por los hermanosLumière, el cine ha tenido una rápida evolución tantoartística como tecnológica que lo ha convertido en unauténtico fenómeno de masas, siendo rápidamente con-siderado como el «séptimo arte».[nota 21] El cine es qui-zá uno de los medios artísticos más completos, ya queaúna imagen con sonido, guion literario, interpretación,decorados, maquillaje, vestuario, etc. Además introduceuna nueva dimensión, el tiempo, la sucesión cronológicade los hechos, donde cobra un papel relevante el montaje.En sus inicios el cine era mudo, sin sonido, hecho que noimpidió la creación de una auténtica gramática visual queaportó la base principal de la narración cinematográfica.Con la incorporación de elementos tomados del teatro co-mo los decorados y los efectos especiales –proceso inicia-do por Georges Méliès–, el cine alcanzó un grado de au-téntica artisticidad. De carácter netamente industrial en

60 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

cuanto a su aspecto productivo, el cine tuvo una primeray rápida implantación en Estados Unidos, donde se forjóuna poderosa industria cinematográfica que cristalizaríaen Hollywood. Allí surgieron algunos de los primeros ge-nios del cine: Edwin S. Porter, primero en rodar escenasplano-contraplano; David Wark Griffith, que introdujo elmontaje narrativo y los efectos de luz; y Charles Chaplin,que aparte de ser iniciador del star-system hollywoodien-se, fue pionero en numerosos aspectos interpretativos yargumentales, como los géneros y los personajes arque-tipo, además de introducir la psicología en la interpreta-ción.

El gabinete del doctor Caligari (1919), de Robert Wiene, obramaestra del cine expresionista alemán.

Los siguientes pasos del cine van en paralelo a las van-guardias artísticas de la época: el cine expresionista ale-mán introdujo un estilo subjetivista que ofrecía en imáge-nes una deformación expresiva de la realidad, traducidaen términos dramáticos mediante la distorsión de deco-rados y maquillajes, así como efectos de luz, y la con-siguiente recreación de atmósferas terroríficas o, cuan-do menos, inquietantes. Cabe destacar a Robert Wiene,Friedrich Wilhelm Murnau, Fritz Lang, Georg WilhelmPabst, Josef von Sternberg y Ernst Lubitsch. En Francia,tuvieron reflejo cinematográfico tanto el impresionismocomo el surrealismo: el primero se tradujo en obras deelevado contenido intelectual y moral, de temática refina-da y gran simplicidad estilística, y un naturalismo contra-puesto a la artificiosidad expresionista, con recursos co-mo el flou y el flash-back; estuvo representado por LouisDelluc, Abel Gance y Jean Epstein. El cine surrealistafue un fiel reflejo del carácter onírico de esta corriente,

con obras donde predominaba una cierta atmósfera deensueño, de delirio, sino de locura; fueron sus mejoresrepresentantes Salvador Dalí y Luis Buñuel. El cubismotambién tuvo su reflejo en la experimentación rítmico-plástica del Ballet mecánico (1924) de Fernand Léger. Sellegaron incluso a realizar algunos filmes abstractos, obrade directores como Viking Eggeling (Sinfonía Diagonal,1921), Hans Richter (Rythmus, 1921), Oskar Fischinger(Composición en azul, 1927) y Germaine Dulac (Arabes-que, 1930). Uno de los grandes aportes al cine mudo fueel del cine soviético: conscientes del valor divulgativo delnuevo arte, los líderes revolucionarios rusos fomentaronla industria cinematográfica, que alcanzaría cotas eleva-das con la obra de Sergei Eisenstein, Lev Kuleshov, DzigaVertov, Vsevolod Pudovkin, Aleksandr Dovzhenko, etc.Es un cine que aúna pureza visual con elegancia estética,renovando el lenguaje cinematográfico a través del mon-taje, con el que consiguen metáforas visuales de gran im-pacto y calidad, con un gran componente de introspec-ción psicológica y expresión sentimental.En 1926 se introdujo el sonido, con la película Don Juan,a la que siguió al año siguiente El cantante de jazz, ambasde Alan Crosland. Esta nueva particularidad comportópor una parte la mejora de los guiones, que podían sermás ricos en diálogos –lo que llevó a nuevos registros in-terpretativos por parte de los actores– y, por otro lado,la introducción de la música, que sería primordial paraacompañar numerosas escenas. El siguiente avance tec-nológico fue la introducción del color en 1935 con Laferia de la vanidad, de Rouben Mamoulian. Fue esta laépoca dorada del cine estadounidense, con directores co-mo King Vidor, Frank Capra, John Ford, William Wyler,Elia Kazan, George Cukor, Billy Wilder, Cecil B. De-Mille, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Michael Cur-tiz, Raoul Walsh, Orson Welles, etc. En Europa, se su-cedieron en esos años diversos movimientos de gran re-levancia: en Francia apareció el «naturalismo poético»,caracterizado por la simbiosis entre el realismo descrip-tivo y el lenguaje poético, representado por Jean Vigo,René Clair y Jean Renoir; y la nouvelle vague, influidapor el existencialismo, de signo antiintelectual, surgien-do el llamado «cine de autor» (Claude Chabrol, FrançoisTruffaut, Alain Resnais, Jean-Luc Godard). En Italia sur-gió el neorrealismo, que se nutrió de la estricta realidad,con obras de denuncia social realizadas generalmente enambientes obreros y rurales; destacan Luchino Visconti,Roberto Rossellini, Vittorio de Sica, Federico Fellini yPier Paolo Pasolini. En Gran Bretaña se produjo el Freecinema, caracterizado por una estética realista y temáti-cas de compromiso social (Lindsay Anderson, Tony Ri-chardson, Karel Reisz). Despuntó el cine nórdico con laobra de Carl Theodor Dreyer, Ingmar Bergman y VictorSjöström. En España se produjeron las primeras obrasde importancia de la mano de Luis García Berlanga, JuanAntonio Bardem, Carlos Saura, etc.A mediados de siglo empezaron a cobrar importancialas cinematografías de países no occidentales, que apor-

1.1. HISTORIA DEL ARTE 61

Ciudadano Kane (1940), de Orson Welles, considerada como laobra maestra de la historia del cine.[144]

tarían nuevas formas de entender el cine y una ma-yor frescura tanto en temáticas como en particularida-des estéticas. En Brasil se produjo una escuela (cine-ma nôvo) que aglutinaba el legado folklórico con la de-nuncia social: Glauber Rocha, Nelson Pereira dos San-tos, Ruy Guerra, Vítor Lima Barreto. En Cuba el im-pulso revolucionario favoreció la creación de una indus-tria de signo documentalista pero gran calidad estéti-ca (Humberto Solás, Tomás Gutiérrez Alea). Tambiéndespuntaron las cinematografías mexicana (Juan Busti-llo Oro, Emilio Fernández) y argentina (Hugo del Carril,Leopoldo Torre Nilsson, Mario Soffici). En Japón se aunóla moderna tecnología con la temática tradicional, con unparticular sentido estético que otorgaba gran importan-cia a la lírica visual (Akira Kurosawa, Kenji Mizoguchi,Nagisa Ōshima). Otras cinematografías emergentes sonla africana y la islámica (especialmente en Irán con AbbasKiarostami). En la India se ha generado una fuerte indus-tria cinematográfica que se ha denominado Bollywood –emulando la meca del cine estadounidense pero con B,por Bombay–, con preferencia por el tema mitológico yla presencia de música y danza tradicionales, destacan-do Satyajit Ray, Raj Kapoor, Farah Khan y Sanjay LeelaBhansali.En las últimas décadas del siglo XX la producción ci-nematográfica ha oscilado entre el cine comercial y elcine artístico, siendo de remarcar la obra de directorescomo Woody Allen, Pedro Almodóvar, Adolfo Arista-rain, Bernardo Bertolucci, Tim Burton, Mario Camus,Francis Ford Coppola, Constantin Costa-Gavras, BrianDe Palma, Clint Eastwood, Miloš Forman, José LuisGarci, John Huston, Stanley Kubrick, Ang Lee, DavidLynch, George Lucas, Joseph L. Mankiewicz, VincenteMinnelli, Max Ophüls, Roman Polanski, Sydney Pollack,Otto Preminger, Carol Reed, Arturo Ripstein, MartinScorsese, Ridley Scott, Steven Spielberg, Oliver Stone,Andréi Tarkovski, Guillermo del Toro, Fernando Trueba,Andrzej Wajda, Wim Wenders, Zhang Yimou, FrancoZeffirelli, Fred Zinnemann, etc. Uno de los últimos mo-vimientos cinematográficos ha sido Dogma 95 (Lars vonTrier, Søren Kragh-Jacobsen), cine ascético y libre, en

localizaciones exteriores, sin decorados ni más luz que lanatural, con sonido directo y color, sin trucajes, génerosni acción superficial.[145]

Little Nemo in Slumberland. La historieta ha sido una de lasúltimas incorporaciones a la categoría de bellas artes.

Historieta La historieta –o comic en inglés– es una na-rración ilustrada por medio de viñetas, que presenta imá-genes y –opcionalmente– texto (insertado a través de losllamados «bocadillos» para diálogos, y «cartuchos» paratexto al pie de imagen), narrando una historia en sentidoargumental y cronológico. Basado en la reproducción enserie, apareció por primera vez en periódicos y revistas,para cobrar autonomía propia en ediciones independien-tes. Tiene pues su origen en los medios de comunicaciónde masas aparecidos a finales del siglo XIX y principiosdel XX. Se suele considerar como primera historieta la deThe Yellow Kid, de Richard Felton Outcault, aparecida en1896 en el diario New York World (la camisa amarilla delpersonaje dio nombre a la llamada «prensa amarilla»).En 1905 apareció Little Nemo in Slumberland, de WinsorMcCay, que elevó la historieta a grandes cotas artísticas,destacando por su fantasía y creatividad. Posteriormen-te destacaron Rudolph Dirks, George Herriman, GeorgeMcManus, etc.[146]

Pasada la Primera Guerra Mundial aparecieron los pri-meros comic-books o revistas de historietas, y comenzóla relación del cine con la historieta, que se influyeronmutuamente, destacando la obra de Walt Disney, cuyaspelículas de dibujos animados se convertirían en autén-ticos clásicos. En los años 1930 aparecieron algunos de

62 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

los personajes y autores más reconocidos del mundo dela historieta: Buck Rogers de Dick Calkins (1929), Hergéy su Tintín (1930), Chester Gould y Dick Tracy (1931),Alex Raymond con Flash Gordon (1933), Terry y los pi-ratas de Milton Caniff (1934), Burne Hogarth y Tarzán(1936), Harold Foster con Príncipe Valiente (1937), etc.Un gran filón para el cómic fueron los superhéroes, configuras míticas como Superman (1938), Batman (1939)o el Capitán América (1941).La edad de oro de la historieta fue en los años poste-riores a la Segunda Guerra Mundial (1945-1960): en laprensa se impuso la llamada daily strip («tira diaria»),con personajes como Nancy (1938) de Ernie Bushmi-ller, Pogo (1948) de Walt Kelly, y Peanuts (1950) deCharles Schulz, con su mundialmente famoso Snoopy;en el comic-book se alcanzó una gran variedad temá-tica, triunfando los de ciencia ficción, aventuras, terror,romance y western. En esta época aparecieron personajescomo Lucky Luke de Morris (1946), Los pitufos de Peyo(1958), Astérix el Galo de Goscinny y Uderzo (1960), etc.Continuó el éxito de los superhéroes, con Los 4 Fantás-ticos (1961) y Spiderman (1962), destacando la obra deStan Lee, Jack Kirby y el sello Marvel. En España, des-cuella la obra de Francisco Ibáñez, con personajes comoMortadelo y Filemón (1958).Entre los años 1960 y 1980 hubo una gran diversifica-ción del medio, con una nueva sensibilidad donde pre-dominaba la estética y el sello de calidad, y comenzarona abundar los títulos dirigidos a un público más adulto.Destacan personajes como Barbarella (1962), Blueberry(1963), Mafalda de Quino (1964), Valentina (1965), elCorto Maltés de Hugo Pratt (1967), Conan de Roy Tho-mas y John Buscema (1970), etc. Surgió el cómic eró-tico (Guido Crepax, Milo Manara), la historieta de au-tor (Jacques Tardi, Carlos Giménez, Enki Bilal, VittorioGiardino), y sellos más vanguardistas, como Métal Hur-lant de Moebius. Desde los años 1980 ha tenido gran éxi-to el manga japonés, caracterizado por largas epopeyas degran dinamismo, con abundantes efectos sonoros. Aun-que su inicio se vincula a la revista Manga Shōnen (1947),de Osamu Tezuka, sería a finales de los 1980 cuando al-canzaría su mayor repercusión, con Akira de KatsuhiroOtomo (1982-93) y Dragon Ball de Akira Toriyama(1984-95). Por último, las nuevas tecnologías han su-puesto grandes innovaciones para la historieta, como elwebcómic en internet.[147]

Arte efímero En el siglo XX ha adquirido gran auge elarte efímero, que por su carácter perecedero y transitoriono deja una obra perdurable, o si la deja –como sería elcaso de la moda– ya no es representativa del momento enque fue creada. En estas expresiones es decisivo el crite-rio del gusto social, que es el que marca las tendencias,para lo cual es imprescindible la labor de los medios decomunicación.

Diseño de moda de 1909.

• Moda: es el arte del vestido, de la confección deprendas según parámetros funcionales y estilísticos,tanto en ropa como accesorios (sombreros, guantes,bolsos, zapatos, gafas). La tendencia desde iniciosdel siglo XX ha sido hacia una mayor funcionalidady comodidad (eliminación del corsé), apareciendoen los años 1920 la minifalda, mientras que a partirde 1950 predomina la ropa informal y juvenil, mar-cada por la utilización del pantalón vaquero. Entrelos más afamados modistos destacan: Coco Chanel,Cristóbal Balenciaga, Christian Dior, Manuel Per-tegaz, Yves Saint Laurent, Giorgio Armani, PacoRabanne, Gianni Versace, Karl Lagerfeld, CalvinKlein, Jean Paul Gaultier, etc.

• Peluquería: es el arte del peinado, realizado segúnparámetros estilísticos que van evolucionando se-gún la moda. Está fuertemente relacionada con elmaquillaje, así como con el arte corporal (tatuaje,piercing). A principios de siglo se llevó el pelo cortocon flequillo, que recibió diversos nombres: bob cut,shingle bob o eton crop, característico de un tipo demujer llamada flapper; a mediados de siglo volvió elpelo largo, mientras que en los años 1960 se llevó elpelo corto con cortes geométricos; desde entoncesha habido múltiples tendencias, con una mayor pro-liferación del cabello teñido. Han creado tendenciapeluqueros como: Luis Llongueras, Frank Bongiovi,

1.1. HISTORIA DEL ARTE 63

Jamal Hammadi, Teddy Charles, George Westmore,etc.

• Perfumería: es el arte de confeccionar perfumes, lí-quidos aromáticos que se utilizan para producir unbuen olor corporal. Desde la Edad Media, Franciaes el centro europeo de diseño y comercio en per-fumería. Basada sobre todo en el olor de las flores,en la actualidad se producen muchos perfumes conproductos químicos. La perfumería actual está muyrelacionada con la moda, y es frecuente que mo-distos famosos comercialicen sus propios perfumes.Como perfumistas cabe destacar a Pierre-François-Pascal Guerlain, François Coty, Ernest Beaux (crea-dor de Chanel Nº5), Eugène Schueller (fundador deL'Oréal), Yves Rocher, Estée Lauder, etc.

• Gastronomía: es el arte de la cocina, con un clarocomponente práctico en cuanto la alimentación esindispensable para el ser humano, pero con una granfaceta de creatividad derivada de la combinación dealimentos y de la innovación en cuanto a la creaciónde nuevas recetas. Las diversas tendencias gastronó-micas son debidas sobre todo a variantes regionales,ya que cada país tiene su propio sello distintivo. Re-cientemente surgió la llamada nouvelle cuisine, quepone énfasis tanto en la comida como en su presen-tación. Como cocineros de relevancia se podría ci-tar a: Auguste Escoffier, Joël Robuchon, Paul Bo-cuse, Heston Blumenthal, Donato de Santis, KarlosArguiñano, Juan María Arzak, Ferran Adrià, SantiSantamaria, etc.[148]

• La actriz Lauren Bacall con peinado ondulado.

• Chanel Nº5, quizá el perfume más famoso de la his-toria.

• Esferificación de té verde, plato innovador de FerranAdrià.

• La pirotecnia es otro arte efímero.

1.1.7 Véase también

• Arte

• Estudio de la Historia del Arte

• Teoría del arte

• Crítica de arte

• Psicología del arte

• Sociología del arte

• Tema artístico

• Estética

• Historia de la estética

• Historia de la arquitectura

• Historia de la pintura

• Historia de la escultura

• Historia de la literatura

• Historia de la música

• Historia del teatro

• Historia de la ópera

• Historia de la danza

• Historia de la fotografía

• Historia del cine

• Historia de la historieta

• Historia de la jardinería

• Historia del desnudo artístico

• Patrimonio de la Humanidad

1.1.8 Notas

[1] El término «faraón» proviene del egipcio per-o («la grancasa», por el palacio donde habitaba el rey), pero este vo-cablo surgió durante la dinastía XVIII, por lo que no de-bería aplicarse a reyes anteriores, aunque por lo generalse suele extrapolar. Isaac Asimov: Los egipcios, AlianzaEditorial, Madrid, 1981, ISBN 84-206-1794-6, p. 82.

[2] Derivado del latín classicus («de primera clase»), el tér-mino «clásico» hacía referencia al periodo del arte grie-go comprendido entre el arcaico y el helenístico, valoradocomo el de mayor creatividad de la historia del arte grie-go. Así, el término quedó como sinónimo de creatividad,de excelencia, de la mejor época de cualquier estilo ar-tístico, por lo que numerosos estilos a lo largo del tiem-po han tenido una fase denominada «clásica». HeinrichWölfflin, por ejemplo, se refería a arte clásico para hablardel Renacimiento italiano. Chilvers (2007), p. 207.

[3] El nombre del Imperio Bizantino deriva del antiguo nom-bre de su capital, Bizancio (en griego Bizantion, deriva-do del fundador de la ciudad el 657 a.C., llamado By-zas), posteriormente rebautizada Constantinopla en honoral emperador Constantino, y llamada Estambul en la ac-tualidad. Isaac Asimov: Constantinopla, Alianza Editorial,Madrid, 1982, ISBN 84-206-1886-1, p. 12.

[4] Hagia Sophía (Άγια Σοφία) en griego, que quiere de-cir Santa Sabiduría; sin embargo, se suele nombrar comoSanta Sofía en castellano.

64 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

[5] El término artes aplicadas es sinónimo de artes decorati-vas o artes industriales –también llamadas artes menores–, refiriéndose a las obras realizadas con una elaboraciónindustrial o artesanal pero persiguiendo una cierta finali-dad estética, generalmente de tipo ornamental. GuillermoFatás y Gonzalo Borrás, Diccionario de términos de arte yelementos de arqueología, heráldica y numismática, Alian-za, Madrid, 1990, ISBN 84-206-0292-2, p. 30.

[6] Ut queant laxis, resonare fibris,mira gestorum, famuli tuo-rum, solve polluti, labii reatum, Sancte Ioannes. Más tar-de, se cambió ut por do –excepto en Francia–. En lospaíses anglogermánicos se mantuvo la notación por lasletras del alfabeto: a=la, b=si, c=do, d=re, e=mi, f=fa,g=sol.«Historia de las notas musicales». Consultado el 4de septiembre de 2010.

[7] La denominación «gótico» fue introducida por los artistasitalianos del Renacimiento, en sentido despectivo, pues loveían como algo bárbaro y atrasado, como las realizacio-nes de los «godos» que acabaron con el Imperio Romano.Chilvers (2007), p. 419.

[8] El término «arte moderno» proviene del concepto de«modernidad», teoría filosófico-cultural que postula la ac-tual vigencia de un periodo histórico marcado en lo cul-tural por la Ilustración, en lo político por la RevoluciónFrancesa y en lo económico por la Revolución Industrial,y que supondría la raíz social propia de la Edad Contem-poránea. El proyecto moderno se caracteriza por el fin deldeterminismo y de la supremacía de la religión, sustituidospor la razón y la ciencia, el objetivismo y el individua-lismo, la confianza en la tecnología y el progreso, en laspropias capacidades del ser humano. Esta «era moderna»habría llegado hasta la actualidad, estando plenamente vi-gente según unos escritores, mientras que otros defiendenque es actualmente una fase superada en la evolución dela humanidad, hablándose de «posmodernidad» como pe-riodo sucesor de este proyecto moderno. Valeriano Bozal:Modernos y postmodernos, Historia 16, Madrid, 1993.

[9] Esta es una simplificación del estudio histórico del ar-te, pues es difícil establecer en un nombre o una fechael inicio de la historiografía del arte. Se suele citar aVasari como iniciador de esta ciencia, aunque sus escri-tos –generalmente crónicas, inventarios, biografías u otrosescritos más o menos literarios– carecían de perspectivahistórica y el rigor científico necesarios para ser conside-rados historiografía del arte. Sin embargo, Winckelmanncreó una metodología científica para la clasificación de lasartes, por lo que suele ser considerado el padre de la histo-ria del arte. Valeriano Bozal (y otros): Historia de las ideasestéticas y de las teorías artísticas contemporáneas (vol. I).Visor, Madrid, 2000, ISBN 84-7774-580-3.

[10] La palabra deriva del término italiano maniera, que signi-ficaba «estilo», y que fue introducido por Giorgio Vasarien sus biografías de artistas para denotar el estilo grácil yequilibrado de los artistas de su tiempo. Chilvers (2007),p. 593.

[11] El término «barroco» proviene de un vocablo de origenportugués, donde a las perlas que tenían alguna deformi-dad se las denominaba perlas barruecas, siendo en origen

una palabra despectiva que designaba un tipo de arte ca-prichoso, grandilocuente, excesivamente recargado. Chil-vers: (2007), p. 83.

[12] El rococó surgió en Francia durante la regencia del duquede Orleáns, en la minoría de edad de Luis XV, y pervi-vió durante el reinado de éste. El término rococó se formócon la conjunción del italiano barocco y rocaille, elementodecorativo parecido a una concha, muy usado en la orna-mentación durante este periodo. Chilvers (2007), p. 818.

[13] En Reflexión sobre la imitación de las obras de arte grie-gas (1755), Johann Joachim Winckelmann afirmó que losgriegos llegaron a un estado de perfección total en la imi-tación de la naturaleza, por lo que nosotros sólo podemosimitar a los griegos. Asimismo, relacionó el arte con lasetapas de la vida humana (infancia, madurez, vejez), es-tableciendo una evolución del arte en tres estilos: arcaico,clásico y helenístico. Valeriano Bozal (y otros): Historiade las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporá-neas (vol. I). Visor, Madrid, 2000, ISBN 84-7774-580-3,p. 150-154.

[14] Aunque hoy día se suele generalizar como «música clási-ca» la música sinfónica de tipo orquestal, en realidad ha-ce referencia a un periodo concreto de la historia de lamúsica, caracterizado por el clasicismo, correspondienteal último tercio del siglo XVIII y principios del XIX. Eltérmino «música clásica» apareció por primera vez en elOxford English Dictionary en 1836, y señalaba las compo-siciones europeas más destacadas del siglo anterior. Conel tiempo ha significado lo opuesto a la música popular enel lenguaje corriente: es el nombre habitual de la músicaculta, académica o docta.The Oxford English Dictionary(2007). The OED Online, ed. «Classical». Consultado el10 de mayo de 2007.

[15] El modernismo recibió diversos nombres según el lugarde procedencia: Art Nouveau en Francia, Modern Sty-le en Reino Unido, Jugendstil en Alemania, Sezession enAustria, Liberty en Italia, etc. Chilvers (2007), p. 61.

[16] Conviene no confundir con arte postmoderno, aplicado alas últimas tendencias artísticas del siglo XX y principiosdel XXI. Francesc Fontbona: El modernisme i el noucen-tisme, en El llibre d'or de l'art català, Edicions PrimeraPlana, Barcelona, 1997, p. 171-172.

[17] Aunque la fotografía es anterior al cine, éste se considerael séptimo arte y la fotografía el octavo, pues adquirió talcategoría antes que la fotografía alcanzase dicho estatus.

[18] Se denominan «vanguardias históricas» a las producidasdesde la preguerra de primeros de siglo (en torno a 1910)y el fin de la Segunda Guerra Mundial. Javier Arnaldo:Vanguardias históricas (I), Historia 16, Madrid, 1993, p.6.

[19] El término «surrealismo» fue ideado por Apollinaire en1917, refiriéndose a lo que está «por encima de la reali-dad». En español se tradujo directamente del francés su-rréalisme, aunque lo correcto sería «sobrerrealismo» o«superrealismo».

[20] El término art déco es diminutivo de arts décoratifs («artesdecorativas» en francés), y proviene de la Exposición de

1.1. HISTORIA DEL ARTE 65

Artes Decorativas de 1925 (Exposition Internationale desArts Décoratifs et Industriels Modernes) en París. AA.VV.:Enciclopedia del Arte Garzanti (1991), p.59.

[21] Denominación introducida por el crítico Ricciotto Canu-do en 1911.«Ricciotto Canudo». Consultado el 4 de sep-tiembre de 2010.

1.1.9 Referencias[1] Onians (2008), p. 316-317.

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66 CAPÍTULO 1. HISTORIA DEL ARTE

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1.1. HISTORIA DEL ARTE 67

[141] «Descargas ilegales». Consultado el 28 de agosto de 2010.

[142] Abad (2004), p. 124-363.

[143] Sougez (2007), p. 299-358.

[144] «Ciudadano Kane sigue siendo la mejor película de la his-toria». Consultado el 20 de agosto de 2010.

[145] Porter-González (1988), p. 17-123.

[146] Ramírez Domínguez (1983), p. 794-797.

[147] Ramírez Domínguez (1983), p. 855-864.

[148] «La gastronomía y el arte, más cerca que nunca». Consul-tado el 4 de septiembre de 2010.

1.1.10 Bibliografía

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• Riquer, Martín de y Valverde, José María (2007).Historia de la literatura universal II. Madrid: Gredos.ISBN 978-84-249-2876-6.

• Robertson, Alec y Stevens, Denis (2000). Historiageneral de la música I. De las formas antiguas a lapolifonía. Madrid: Istmo. ISBN 84-7090-034-X.

• Sougez, Marie-Loup (2007). Historia general de lafotografía. Madrid: Cátedra. ISBN 978-84-376-2344-3.

1.1.11 Enlaces externos

• Wikimedia Commons alberga contenido multi-media sobre Historia del arte. Commons

• Heilbrunn Timeline of Art History Atlas geográficoy cronológico de la Historia del Arte, en la páginadel Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

• Artehistoria

• Breve Historia de la pintura

• Ars Summum: galería libre de imágenes sobre todala Historia del Arte

• Olga’s Gallery (10.000 reproducciones)

• Web gallery of art (23.200 reproducciones)

• Estudio de las etapas artísticas

• Historia del arte erótico: el desnudo en el arte

• Una obra de arte al día con su análisis

Capítulo 2

Elementos de las Artes Visuales

2.1 Elementos del arte

Los elementos del arte son el grupo de aspectos de unaobra de arte utilizados usualmente en su enseñanza y aná-lisis, en combinación con los principios del arte. Seríanlos componentes o partes básicas para crear una obra dearte.[1]

Las listas de los elementos del arte varían en función dediferentes autores, pero en general incluyen las siguientes:espacio, color, forma, textura, valor y línea.Los artistas trabajan con estos elementos básicos paracomponer una obra de arte, no siendo necesario que apa-rezcan todos, aunque han de estar presentes, al menos,dos de ellos.[2]

2.1.1 Espacio

El espacio es el área proporcionada por un motivo parti-cular. Puede tener dos dimensiones (largo y ancho) o tres(largo, ancho y altura).La creación de una perspectiva visual, que da la ilusiónde profundidad es otro elemento de arte utilizado paracrear un espacio. En las técnicas pictóricas clásicas hayun esfuerzo por recrear un espacio tridimensional. El usocorrecto del espacio es un arte en sí mismo.El espacio puede ser clasificado como positivo y comonegativo. Espacio positivo es el espacio ocupado por unobjeto y espacio negativo es el espacio entre los objetos(espacios en blanco). La manera correcta de usar estosdos tipos de espacios afecta a la totalidad de la composi-ción del artista. Basado en el volumen, pueden ser imáge-nes bidimensionales o tridimensionales para dar una ilu-sión de profundidad y la distancia sobre una superficieplana. La gestión del espacio puede ser garantizada porlo siguiente: - La perspectiva lineal, donde el objeto dis-tante se hacen proporcionalmente más pequeñas que losmás cercanos. El horizonte lineal y puntos de fuga sonlas escalas en que se determina la perspectiva lineal. - Losobjetos situados a cierta distancia se representan con me-nor detalle, claridad e intensidad que la gente cercana. Laobra en tres dimensiones del espacio se realiza con la ayu-da de la sombra, que le da una sensación de profundidad.

Un espacio también puede ser creado con la superposi-ción de objetos.

2.1.2 Color

El color es el elemento más expresivo del arte y es vistomediante la luz reflejada en una superficie. El color es uti-lizado para crear la ilusión de profundidad, mientras loscolores rojos parecen acercarse, los azules parecen retro-ceder en la distancia. Los colores primarios son: rojo, azuly amarillo.Cuando los colores primarios se mezclan se forman loscolores secundarios: verde, violeta y naranja. Los coloresterciarios se obtienen mediante la mezcla de un primarioy un secundario: amarillo-naranja, rojo-naranja, violeta-rojo, azul-violeta, azul-verde y amarillo-verde.

2.1.3 Forma

La forma es una zona que define objetos en el espacio.Puede ser geométrica (como cuadrados o círculos) u or-gánica (como formas naturales o libres).Las formas pueden ser bidimensionales (largo y ancho)(en inglés, shape), usualmente delimitadas por líneas otridimensionales (largo, ancho y altura). Al visualizar unaobra de arte, lo primero que observamos son representa-ciones con una forma determinada, ya sean figurativas oabstractas.Una forma crea automáticamente otra forma alrededor deella. Las formas en la decoración y diseño de los interio-res de una casa pueden usarse para agregar practicidad yestilo, como por ejemplo, en el diseño de una puerta. Laforma en el diseño de interiores depende de la función delobjeto como una puerta de armario de la cocina. Las for-mas naturales que forman patrones en madera o piedra,pueden ayudar a aumentar el atractivo visual en el diseñode interiores.

2.1.4 Textura

La textura es la cualidad de una superficie que puede servista o sentida. Hay dos tipos de textura: la óptica (visual)

68

2.2. PUNTO (GEOMETRÍA) 69

Autorretrato de Durero.

y la textura que se puede tocar (táctil). Las texturas pue-den ser ásperas o suaves, blandas o duras. Las texturas nosiempre se sienten como se ven, por ejemplo, si represen-tamos un cardo lleno de espinas en un cuadro, en realidadsi pasáramos la mano por las espinas de la pintura, la tex-tura sería suave.

2.1.5 Valor

El valor, luminosidad o símplemente luz, describe cualclaro es un color. Los artistas utilizan el valor del colorpara crear diferentes estados de ánimo. Los colores oscu-ros en una composición sugieren una falta de luz, como enel caso de la noche o una escena interior. Los colores os-curos a menudo pueden transmitir una sensación de mis-terio o presagio. Los colores claros suelen describir unafuente de luz, implícita, como en las velas de un cuadrode Georges de la Tour o explícita como en un cuadro deCaravaggio, o una luz reflejada. El valor está directamen-te relacionado con el contraste.La fotografía en blanco y negro depende por completodel valor para definir a los sujetos de la composición.

2.1.6 Línea

La línea es el medio más sencillo de representación. Demanera fácil puede definirse como la marca (con mayorlongitud que anchura) que une dos puntos, tomando cual-quier forma en el camino o también el camino identifi-

cable creado por un punto que se mueve en el espacio.Las líneas pueden ser rectas o curvas, finas o gruesas,horizontales, verticales o diagonales.Por oposición al color, la línea puede definir el contornode las formas. En pintura, cuando la línea, el dibujo, pre-domina sobre lo pictórico, se habla de “arte lineal”, comoes el caso por ejemplo, de Durero. En una obra de arte enparticular, la línea permite describir el trabajo del artistaen diferentes aspectos, en función de los tipos y estilosde líneas utilizados en su obra y cómo esto influye en elpunto de vista del espectador.

2.1.7 Unidad

Cuando un conjunto de cuerpos organizados, relaciona-dos entre sí, representan uno solo.

2.1.8 Notas

[1] Understanding Formal Analysis en The J. Paul Getty Mu-seum (en inglés).

[2] What Are the Elements of Art? en about.com (en inglés).

2.1.9 Enlaces externos

• The elements of art (en inglés).

• Elements of Art en Buzzle.com (en inglés).

2.2 Punto (geometría)

1

2

-2

-1

1 2-2 -1

La intersección de los ejes de coordenadas cartesianas es un pun-to llamado origen.

70 CAPÍTULO 2. ELEMENTOS DE LAS ARTES VISUALES

En geometria, el punto es uno de los entes fundamenta-les, junto con la recta y el plano. Son considerados con-ceptos primarios, es decir, que sólo es posible describir-los en relación con otros elementos similares o parecidos.Se suelen describir apoyándose en los postulados carac-terísticos, que determinan las relaciones entre los entesgeométricos fundamentales.El punto es una figura geométrica sin dimensión, tampocotiene longitud, área, volumen, ni otro ángulo dimensional.No es un objeto físico. Describe una posición en el espa-cio, determinada respecto de un sistema de coordenadaspreestablecidas.

2.2.1 Historia

El concepto de punto, como ente geométrico, surge enla antigua concepción griega de la geometría, compiladaen Alejandría por Euclides en su tratado Los Elementos,dando una definición de punto excluyente: «lo que no tie-ne ninguna parte». El punto, en la geometría clásica sebasa en la idea de que era un concepto intuitivo, el entegeométrico «sin dimensiones», y sólo era necesario asu-mir la noción de punto.

2.2.2 Representación gráfica

y

x1 3 4 5 6 7-1-3-4-5-6

2

3

4

5

6

-2

-3

-4

-5

-6

-7

-7

7

-2 2

1

-1

(2, 4)

(-5, 6)

(-3.6, 3.2)(4.4, 2.4)

(-5, -1)

(5, -5)

(2, -2.4)(-4, -3)

Ejemplos de ocho puntos localizados en el plano cartesiano me-diante sus pares de coordenadas.

En algunos textos de geometría se suele utilizar una pe-queña cruz (+), círculo (o), cuadrado o triángulo. En re-lación a otras figuras, suelen representarse con un peque-ño segmento perpendicular cuando pertenece a una recta,semirrecta o segmento.A los puntos se les suele nombrar con una letra mayús-cula: A, B, C, etc. (a las rectas con letras minúsculas, y alos ángulos con letras griegas).

La forma de representar un punto mediante dossegmentos que se cortan (una pequeña “cruz” +) presupo-ne que el punto es la intersección. Cuando se representacon un pequeño círculo, circunferencia, u otra figura geo-métrica, presupone que el punto es su centro.

2.2.3 Determinación geométrica

Un punto puede determinarse con diversos sistemas dereferencia:En el sistema de coordenadas cartesianas, se determinamediante las distancias ortogonales a los ejes principales,que se indican con dos letras o números: (x, y) en el plano;y con tres en el espacio (x, y, z).En coordenadas polares, mediante su distancia al centroy la medida angular respecto del eje de referencia: (r, θ).En coordenadas esféricas, mediante su distancia al centroy la medida angular respecto de los ejes de referencia: (r,θ, φ).En coordenadas cilíndricas, mediante coordenadas radial,acimutal y altura: (u, φ, z).También se pueden emplear sistemas de coordenadaselípticas, parabólicas, esferoidales, toridales, etc.

2.2.4 Puntos, rectas y planos: posicionesrelativas

Dados tres o más puntos en el plano o en el espacio (segúncorresponda),se pueden dividir en conjuntos que cum-plan o no con las siguientes condiciones. Colineales: Losdenominados colineales son aquellos contenidos en unarecta. Coplanarios: Se denominan puntos coplanarios aaquellos que están contenidos en un mismo plano.

2.2.5 Algunos postulados y teoremas rela-cionados con el punto

Postulados en geometría euclidiana

• Por un punto pasan infinitas rectas y planos.

• Dos puntos determinan una recta y sólo una.

• Una recta contiene infinitos puntos.

• Un plano contiene infinitos puntos e infinitas rectas.

• El espacio contiene infinitos puntos, rectas y planos.

Estos postulados se pueden generalizar para espacios den dimensiones.

Teoremas en geometría euclidiana

• Tres puntos no alineados determinan un plano y sólouno.

2.4. FORMATO (ARTE) 71

2.2.6 Véase también

• Punto medio

• Punto del infinito

• Punto fijo

• Vértice (geometría)

• Recta

• Plano

• Figura geométrica

• Postulados característicos

2.2.7 Referencias

• Wikimedia Commons alberga contenido multi-media sobre punto. Commons

2.2.8 Enlaces externos

• Wikimedia Commons alberga contenido multi-media sobre punto. Commons

• Weisstein, Eric W. «Point». En Weisstein, Eric W.MathWorld (en inglés). Wolfram Research.

• Point-free geometry, en planetmath.org

2.3 Línea

Boceto realizado con trazos lineales del artista italiano Leonardoda Vinci.

Una línea funciona como una sucesión continua de pun-tos trazados, como por ejemplo un trazo o un guion. Laslíneas suelen utilizarse en la composición artística, se de-nomina en cambio «raya» a trazos rectos sueltos, que noforman una figura o forma en particular.[1]

En matemáticas y geometría, línea suele denotar línearecta o curvaEn geometría, la línea también puede considerarse la dis-tancia más corta entre dos puntos puestos en un plano.El otro concepto de la línea desde la teoría de Kandinskyes, la línea geométrica es un ente invisible. La línea es unpunto en movimiento sobre el plano; al destruirse el re-poso del punto este se mueve por el espacio dando origena la línea.[2]

La línea es el elemento más básico de todo grafismo yuno de los sumamente utilizados. Representa a la formade expresión más sencilla y pura, que a la vez puede serdinámica y variada. Enrique Lipszyc expresa: la línea quedefine un contorno es una invención de los dibujantes, yaque «en la naturaleza un objeto es distinguido de otro porsu diferencia de color o de tono.»[3] Hay varios tipos delíneas, están la línea expresiva y la línea de contorno.

2.3.1 Línea de Contorno

La línea cierra espacios y delimita formas, representa elperfil de las cosas; esta línea periférica se llama contorno.

2.3.2 Referencias

[1] Diccionario María Moliner

[2] Kandinsky, Vasili. Punto y línea sobre el plano. EditorialLabor S.A. Barcelona, 1994 p. 57

[3] Lipszyc, Enrique, en el primer capítulo de Técnica de lahistorieta (Buenos Aires, 1967), p. 25.

2.3.3 Véase también

• Punto

• Recta

• Curva

• Arte

• Elementos del arte

2.3.4 Enlaces externos

• Wikcionario tiene definiciones y otra informa-ción sobre línea.Wikcionario

Son basadas en el concepto de Darwin Cedeño ya que sedescato en las normalidades de sus bigotes

72 CAPÍTULO 2. ELEMENTOS DE LAS ARTES VISUALES

El nacimiento de Venus, de Botticelli 172.5 × 278.5 cm (casiexactamente un rectángulo áureo).

Estudio de composición sobre La Gioconda, de Leonardo da Vin-ci, 77 x 53 cm. No es un rectángulo áureo (que sería 77 x 48 cmpara esa altura), aunque se le aproxima. La elección del forma-to parece obedecer sobre todo al trazado de un triángulo áureoentre los vértices de un lado menor y el centro del lado menoropuesto (el triángulo áureo es el derivado del pentágono).

2.4 Formato (arte)

Formato, en terminología propia de la producción artísti-ca y la historiografía del arte, son las dimensiones de unaobra de arte: altura, anchura y profundidad en las tridi-mensionales (escultura -no suele utilizarse esta expresiónen arquitectura-); altura y anchura en las bidimensionales(pintura, dibujo, grabado, fotografía). Convencionalmen-te se indica como el producto (en cada caso) de dos o tres

cantidades, expresadas en centímetros (excepto en Esta-dos Unidos, donde es habitual hacerlo en pulgadas).Están muy extendidas, para designar los tamaños de loscuadros, las expresiones “pequeño formato” y “gran for-mato”.El formato determina el encuadre y controla lacomposición, a través de las proporciones y de laorientación. Las proporciones más utilizadas son lasque se aproximan a la razón áurea y las equilibra-das del cuadrado; y menos habituales los formatoscurvos (circulares -tondo- o elípticos) o mixtilíneos(cuadrilóbulo). Las orientaciones más habituales son lavertical o la horizontal (muy raramente otras, como ladiagonal).[1]

• Cartel publicitario, de Alfons Mucha, 61 × 23 cm(muy alargado).

• El cambista y su mujer, de Quentin Massys, 71 × 68cm (casi cuadrado).

• Tondo Doni, de Miguel Ángel Buonarrotti, 120 ×120 cm (estrictamente circular).

• Revista de tropas, de Mariano Fortuny, 300 × 460cm (elíptico).

• Sacrificio de Isaac, de Ghiberti (cuadrilóbulo), 45 ×38 cm .

2.4.1 Fotografía, cine y televisión

Independientemente del formato en cuanto al tamañoreal de las pantallas (donde hay mucha mayor varia-ción), el formato en cuanto a proporción ancho:alto dela fotografía y el cine depende de estándares industria-les (cinemascope, panavisión) en mucha mayor medidaque en pintura (donde también hay formatos estándar pa-ra lienzos y formatos de papel sujetos a normalización).La proporción 4:3 de las pantallas de televisión inicialesfue sustituida a comienzos del siglo XX por el formato16:9 (pantalla ancha). Para indicar esas proporciones seda en primer lugar la anchura, seguida de la altura, al con-trario que en el uso convencional del formato en centíme-tros de las obras de arte.

• Fotograma tradicional con distorsión anamórfica delcinemascope.

• Pantalla de televisión antigua.

2.4.2 Otros usos

El término "formato" tiene otros usos en contextos ar-tísticos y literarios; especialmente en periodismo, donde"formato periodístico" son las características técnicas y

2.5. COLOR 73

de presentación de un periódico, revista, programa de ra-dio, programa de televisión, etc., especialmente cuandodeterminan el tipo de público al que van destinados.[2]

También se utiliza la expresión formato con el mismosentido en la industria musical y la audiovisual; y de unamanera extendida, en artes escénicas, con un significadosimilar al de género artístico.

2.4.3 Véase también

• cs:Historie kompozice obrazů

2.4.4 Notas

[1] Composición de la imagen: encuadres y formatos

[2] «formato», Diccionario de la lengua española (22.ª edi-ción), Real Academia Española, 2001, http://lema.rae.es/drae/srv/search?key=formato.

2.5 Color

El color es un aspecto importante en la pintura.

El color (en griego: χρώμ-α/-ματος [chroma, chróma-tos]) es la impresión producida por un tono de luz en losórganos visuales, o más exactamente, es una percepciónvisual que se genera en el cerebro de los humanos y otrosanimales al interpretar las señales nerviosas que le envíanlos fotorreceptores en la retina del ojo, que a su vez inter-pretan y distinguen las distintas longitudes de onda quecaptan de la parte visible del espectro electromagnético.Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondaselectromagnéticas y refleja las restantes. Las ondas refle-jadas son captadas por el ojo e interpretadas en el cerebrocomo distintos colores según las longitudes de ondas co-rrespondientes.El ojo humano sólo percibe las longitudes de onda cuandola iluminación es abundante. Con poca luz se ve en blancoy negro. En la superposición de colores luz (denominada

"síntesis aditiva de color") el color blanco resulta de la su-perposición de todos los colores, mientras que el negro esla ausencia de luz. En la mezcla de pigmentos (denomina-da "síntesis sustractiva de color"), trátese de de pinturas,tintes, tintas o colorantes naturales para crear colores, elblanco solo se da si el pigmento o el soporte son de esecolor, reflejando toda la luz blanca, mientras que el negroes resultado de la superposición completa de los colorescian, magenta y amarillo, una mezcla que en cierta medi-da logra absorber todas las longitudes de onda de la luz.La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores(espectro) por medio de un prisma. En la naturaleza estadescomposición da lugar al arco iris.

2.5.1 La percepción del color en la visiónhumana

400Violet Blue Cyan Green Yellow Red

0

50

100

420

S R M L

534498 564

500

Wavelength (nm)

Nor

mal

ized

abs

orba

nce

600 700

En la visión humana, los conos captan la luz en la retina del ojo.Hay tres tipos de conos (denominados en inglés S, M, y L), cadauno de ellos capta solamente las longitudes de onda señaladasen el gráfico. Transformadas en el cerebro se corresponden conel azul, verde y rojo. Los bastones captan las longitudes de ondaseñaladas en la curva R.

La percepción del color en el ojo humano se produce enlas células sensibles de la retina denominadas conos. Haytres tipos de conos: los que captan la luz roja, la verde y laazul, es decir, los tres colores primarios aditivos, con cuyacombinación podemos percibir toda la gama de colores;por esto se considera que la visión humana es tricromática(ver imagen).La visión es un sentido que consiste en la habilidad de de-tectar la luz y de interpretarla. La visión es propia de losanimales teniendo estos un sistema dedicado a ella llama-do sistema visual. La primera parte del sistema visual seencarga de formar la imagen óptica del estímulo visual enla retina (sistema óptico), donde sus células son las res-ponsables de procesar la información. Las primeras enintervenir son los fotorreceptores, los cuales capturan laluz que incide sobre ellos. Los hay de dos tipos: los conosy los bastones. Otras células de la retina se encargan detransformar dicha luz en impulsos electroquímicos y entransportarlos hasta el nervio óptico. Desde allí, se pro-yectan al cerebro. En el cerebro se realiza el proceso de

74 CAPÍTULO 2. ELEMENTOS DE LAS ARTES VISUALES

formar los colores y reconstruir las distancias, movimien-tos, formas de los objetos observados y distinción de loscolores.Las células sensoriales de la retina reaccionan de formadistinta a la luz y a su longitud de onda. Los bastonesse activan en la oscuridad, y sólo permiten distinguir elnegro, el blanco y los distintos grises. Los conos sólo seactivan cuando los niveles de iluminación son suficien-temente elevados. Los conos captan radiaciones electro-magnéticas, rayos de luz, que más tarde darán lugar a im-presiones ópticas. Los conos son acumuladores de cuan-tos de luz, que transforman esta información en impulsoseléctricos del órgano de la vista. Hay tres clases de co-nos, cada uno de ellos posee un fotopigmento opsina quesólo detecta unas longitudes de onda concretas, aproxi-madamente las longitudes de onda que transformadas enel cerebro se corresponden a los colores azul, rojo y ver-de. Los tres grupos de conos mezclados permiten formarel espectro completo de luz visible y son los siguientes:

• Cono L: captación de ondas largas de unos 650 nmcorrespondiente a la luz roja y mediante el fotopig-mento eritropsina.

• Cono M: ondas medias de unos 530 nm correspon-diente al verde y mediante la cloropsina.

• Cono S: ondas cortas (del inglés short) de unos 430nm correspondiente al azul y mediante la cianopsina.

Esta actividad retiniana ya es cerebral, puesto que los fo-torreceptores, aunque simples, son células neuronales. Lainformación de los conos y bastones es procesada porotras células situadas inmediatamente a continuación yconectadas detrás de ellos (horizontales, bipolares, ama-crinas y ganglionares). El procesamiento en estas célulases el origen de dos dimensiones o canales de pares anta-gónicos cromáticos: Rojo -Verde - Azul - Amarillo y deuna dimensión acromática o canal de claroscuro. Dichode otra manera, estas células se excitan o inhiben antela mayor intensidad de la señal del Rojo frente al Verdey del Azul frente a la suma de Rojo y Verde, generandoademás un trayecto acromático de información relativa ala luminosidad.La información de este procesamiento se traslada, a tra-vés del nervio óptico, a los núcleos geniculados laterales(situados a izquierda y derecha del tálamo), donde la ac-tividad neuronal es específica respecto a la sugerencia delcolor y del claroscuro. Esta información precisa se trans-fiere al córtex visual por las vías denominadas radiacio-nes ópticas. La percepción del color es consecuencia dela actividad de las neuronas complejas del área de la cor-teza visual V4/V8, específica para el color. Esta actividaddetermina que las cualidades vivenciales de la visión delcolor puedan ser referidas mediante los atributos: lumi-nosidad, tono y saturación.Se denomina visión fotópica a la que tiene lugar con bue-nas condiciones de iluminación. Esta visión posibilita la

correcta interpretación del color por el cerebro.Muchos mamíferos de origen africano, como el ser hu-mano, comparten las características genéticas descritas:por eso se dice que tenemos percepción tricromática. Sinembargo, los mamíferos de origen sudamericano única-mente tienen dos genes para la percepción del color. Exis-ten pruebas que confirman que la aparición de este tercergen fue debida a una mutación que duplicó uno de los dosoriginales.En el reino animal los mamíferos no suelen diferenciarbien los colores, las aves en cambio, sí; aunque suelen te-ner preferencia por los colores rojizos. Los insectos, porel contrario, suelen tener una mejor percepción de losazules e incluso ultravioletas. Por regla general los ani-males nocturnos ven en blanco y negro. Algunas enfer-medades como el daltonismo o la acromatopsia impidenver bien los colores. Véase también: Percepción del color

2.5.2 La física del color

El espectro visible por los humanos

Dentro del espectro electromagnético se constituyen to-dos los posibles niveles de energía de la luz. Hablar deenergía es equivalente a hablar de longitud de onda; porello, el espectro electromagnético abarca todas las longi-tudes de onda que la luz puede tener. De todo el espectro,la porción que el ser humano es capaz de percibir es muypequeña en comparación con todas las existentes. Estaregión, denominada espectro visible, comprende longitu-des de onda desde los 380 nm hasta los 780 nm (1 nm =1 nanómetro = 0,000001 mm). La luz de cada una de es-tas longitudes de onda es percibida en el cerebro humanocomo un color diferente. Por eso, en la descomposiciónde la luz blanca en todas sus longitudes de onda, medianteun prisma o por la lluvia en el arco iris, el cerebro percibetodos los colores.

400 nm 450 nm 550 nm500 nm 600 nm 650 nm 700 nm

Espectro visible por el ojo humano (Luz)

750 nm

1 km 1 Mm1 m1 cm1 mm1 nm 1 µm1 pm1 fm 1 Å

InfrarrojoUltravioleta

1012

(1 Tera-Hz)10

1110

1310

1410

15

(1 Peta-Hz)10

1610

1710

18

(1 Exa-Hz)10

1910

2010

21

(1 Zetta-Hz)10

2210

2310

1010

9

(1 Giga-Hz)10

810

710

6

(1 Mega-Hz)10

510

410

3

(1 Kilo-Hz)10

2

105

104

106

107

103

102

101

100

10–1

10–2

10–3

10–4

10–5

10–6

10–7

10–8

10–9

10–10

10–11

10–12

10–13

10–14

10–15

Frecuencia (Hz)

Por tanto, del Espectro visible, que es la parte del espectroelectromagnético de la luz solar que podemos notar, cadalongitud de onda es percibida en el cerebro como un colordiferente.Newton usó por primera vez la palabra espectro (del latín,“apariencia” o “aparición”) en 1671 al describir sus ex-perimentos en óptica. Newton observó que cuando un es-trecho haz de luz solar incide sobre un prisma de vidriotriangular con un ángulo, una parte se refleja y otra pa-sa a través del vidrio y se desintegra en diferentes bandasde colores. También Newton hizo converger esos mismos

2.5. COLOR 75

rayos de color en una segunda lente para formar nueva-mente luz blanca. Demostró que la luz solar tiene todoslos colores del arco iris.Cuando llueve y hay sol, cada gota de lluvia se comportade igual manera que el prisma de Newton y de la unión demillones de gotas de agua se forma el fenómeno del arcoiris.[1]

A pesar de que el espectro es continuo y por lo tanto nohay cantidades vacías entre uno y otro color, se puedeestablecer la siguiente aproximación:[2]

La reflexión en las superficies: el color de los objetos

Cuando la luz incide sobre un objeto, su superficieabsorbe ciertas longitudes de onda y refleja otras. Sólo laslongitudes de onda reflejadas podrán ser vistas por el ojoy por tanto en el cerebro sólo se percibirán esos colores.Es un proceso diferente a luz natural que tiene todas laslongitudes de onda, allí todo el proceso nada más tieneque ver con luz, ahora en los colores que percibimos enun objeto hay que tener en cuenta también el objeto ensi, que tiene capacidad de absorber ciertas longitudes deonda y reflejar las demás.Consideremos una manzana "roja". Cuando es vista ba-jo una luz blanca, parece roja. Pero esto no significa queemita luz roja, que sería el caso una síntesis aditiva. Silo hiciese, seríamos capaces de verla en la oscuridad. Enlugar de eso, absorbe algunas de las longitudes de ondaque componen la luz blanca, reflejando sólo aquellas queel humano ve como rojas. Los humanos ven la manzanaroja debido al funcionamiento particular de su ojo y a lainterpretación que hace el cerebro de la información quele llega del ojo.

Pigmentos y tintes Un pigmento o un tinte es un ma-terial que cambia el color de la luz que refleja debido a queselectivamente absorben ciertas ondas luminosas. La luzblanca es aproximadamente igual a una mezcla de todoel espectro visible de luz. Cuando esta luz se encuentracon un pigmento, algunas ondas son absorbidas por losenlaces químicos y sustituyentes del pigmento, mientrasotras son reflejadas. Este nuevo espectro de luz refleja-do crea la apariencia del color. Por ejemplo, un pigmentoazul ultramar refleja la luz azul, y absorbe los demás co-lores.La apariencia de los pigmentos o tintes está íntimamen-te ligada a la luz que reciben. La luz solar tiene unatemperatura de color alta y un espectro relativamente uni-forme, y es considerada un estándar para la luz blanca. Laluz artificial, por su parte, tiende a tener grandes varia-ciones en algunas partes de su espectro. Vistos bajo estascondiciones, los pigmentos o tintes lucen de diferentescolores.Los tintes sirven para colorear materiales, como los te-jidos, mientras que los pigmentos sirven para cubrir una

superficie, como puede ser un cuadro. Desde las glacia-ciones los humanos empleaban plantas y partes de anima-les para lograr tintes naturales con los que coloreaban sustejidos. Luego los pintores han preparado sus propios pig-mentos. Desde 1856 aparecieron los tintes sintéticos.[3]

2.5.3 Síntesis del color: colores primarios

Durante varios siglos, los artistas han intentado entenderlas variaciones de los colores y han experimentado conmezclas para así obtener o sintetizar la mayor gama po-sible para sus obras; por lo que se concluyó que existe unnúmero pequeño de colores -a los que se llamó coloresprimarios o “primitivos"- con cuya mezcla se pensó quese podría obtener todos los demás colores existentes y sepropuso varias teorías. Sin embargo, a pesar que la exis-tencia de los colores primarios está comprobada, se debióesperar a que la ciencia defina en qué consiste la física dela luz y la parte biológica de su percepción, para así definirexactamente cuales son los verdaderos colores primarios.Los colores primarios dependen de la fuente del color,ya que puede ser una fuente luminosa que emite una luzcon un color determinado o puede tratarse de un objetoque absorbe una parte y refleja otra de la luz que recibe yque es lo que vemos e interpretamos. Tomando en cuentaestas dos fuentes de color, se puede resumir los mode-los más difundidos para la síntesis del color del siguientemodo:De estos tipos de síntesis, la columna de la derecha don-de se representa a la coloración tradicional, es parte delconocimiento empírico y no científico, ya que en reali-dad sus colores primarios no pueden considerarse comolos verdaderos porque, a pesar de la creencia popular, conla mezcla de los mismos no es posible sintetizar toda lagama de colores. Los colores secundarios así obtenidosson limitados, en especial el morado y el verde, los cualesse presentan opacos y con tendencia hacia tonos grisá-ceos. Es por esto que en la actualidad los profesionales,tanto los artistas plásticos como los pintores decorativos,tienden a reemplazar a colores primarios como el azul yel rojo, por el cian o azul cian y por el magenta o rojomagenta, obteniendo mejores resultados.[4]

Síntesis aditiva

Se llama síntesis aditiva a obtener un color de luz deter-minado por la suma de otros colores. Thomas Young par-tiendo del descubrimiento de Newton que la suma de loscolores del espectro visible formaba luz blanca realizó unexperimento con linternas con los seis colores del espec-tro visible, proyectando estos focos y superponiéndolosllegó a un nuevo descubrimiento: para formar los seis co-lores del espectro sólo hacían falta tres colores y ademássumando los tres se formaba luz blanca.[5]

El proceso de reproducción aditiva normalmente utilizaluz roja, verde y azul para producir el resto de los colo-

76 CAPÍTULO 2. ELEMENTOS DE LAS ARTES VISUALES

Mezcla aditiva de colores primarios.

res. Combinando uno de estos colores primarios con otroen proporciones iguales produce los colores aditivos se-cundarios, más claros que los anteriores: cian, magentay amarillo. Variando la intensidad de cada luz de colorfinalmente deja ver el espectro completo de estas tres lu-ces. La ausencia de los tres da el negro, y la suma de lostres da el blanco. Estos tres colores se corresponden conlos tres picos de sensibilidad de los tres sensores de coloren nuestros ojos.

Ejemplo con una pantalla de proyección en un ambiente oscuro.

Los colores primarios no son una propiedad fundamen-tal de la luz, sino un concepto biológico, basado en larespuesta fisiológica del ojo humano a la luz. Un ojo hu-mano normal sólo contiene tres tipos de receptores, lla-mados conos. Estos responden a longitudes de onda es-pecíficas de luz roja, verde y azul. Las personas y losmiembros de otras especies que tienen estos tres tiposde receptores se llaman tricrómatas. Aunque la sensibi-lidad máxima de los conos no se produce exactamente enlas frecuencias roja, verde y azul, son los colores que seeligen como primarios, porque con ellos es posible esti-mular los tres receptores de color de manera casi inde-pendiente, proporcionando un amplio gamut. Para gene-rar rangos de color óptimos para otras especies aparte delos seres humanos se tendrían que usar otros colores pri-marios aditivos. Por ejemplo, para las especies conocidascomo tetracrómatas, con cuatro receptores de color dis-

tintos, se utilizarían cuatro colores primarios (como loshumanos sólo pueden ver hasta 400 nanómetros (violeta),pero los tetracrómatas pueden ver parte del ultravioleta,hasta los 300 nanómetros aproximadamente, este cuartocolor primario estaría situado en este rango y probable-mente sería un violeta espectral puro, en lugar del violetaque vemos). Muchas aves y marsupiales son tetracróma-tas, y se ha sugerido que algunas mujeres nacen tambiéntetracrómatas,[6][7] con un receptor extra para el amarillo.Por otro lado, la mayoría de los mamíferos tienen sólo dostipos de receptor de color y por lo tanto son dicrómatas;para ellos, sólo hay dos colores primarios.

Geometría de los píxeles en diversos monitores. Variando la in-tensidad de cada color primario, son capaces de generar 16,8millones de colores distintos.

Las televisiones, los monitores de ordenador y las panta-llas de los teléfonos celulares, son las aplicaciones prácti-cas más comunes de la síntesis aditiva.

Síntesis sustractiva

Todo lo que no es color aditivo es color sustractivo. Enotras palabras, todo lo que no es luz directa es luz reflejadaen un objeto, la primera se basa en la síntesis aditiva decolor, la segunda en la síntesis sustractiva de color.La síntesis sustractiva explica la teoría de la mezcla depigmentos y tintes para crear color. El color que pareceque tiene un determinado objeto depende de qué partesdel espectro electromagnético son reflejadas por él, o di-cho a la inversa, qué partes del espectro son absorbidas.Se llama síntesis sustractiva porque a la energía de ra-diación se le sustrae algo por absorción. En la síntesissustractiva el color de partida siempre suele ser el co-lor acromático blanco, el que aporta la luz (en el caso deuna fotografía el papel blanco, si hablamos de un cuadroes el lienzo blanco), es un elemento imprescindible paraque las capas de color puedan poner en juego sus capaci-

2.5. COLOR 77

Mezcla sustractiva de colores primarios.

dades de absorción. En la síntesis sustractiva los coloresprimarios son el amarillo, el magenta y el cian, cada unode estos colores tiene la misión de absorber el campo deradiación de cada tipo de conos. Actúan como filtros, elamarillo, no deja pasar las ondas que forman el azul, elmagenta no deja pasar el verde y el cian no permite pasaral rojo.[8]

En los sistemas de reproducción de color según la sínte-sis sustractiva, la cantidad de color de cada filtro puedevariar del 0% al 100%. Cuanto mayor es la cantidad decolor mayor es la absorción y menos la parte reflejada, side un color no existe nada, de ese campo de radiacionespasará todo. Por ello, a cada capa de color le correspondemodular un color sensación del órgano de la vista: al ama-rillo le corresponde modular el azul, al magenta el verdey al cian el rojo.[8]

Así mezclando sobre un papel blanco cian al 100% y ma-genta al 100%, no dejaran pasar el color rojo y el verdecon lo que el resultado es el color azul. De igual mane-ra el magenta y el amarillo formaran el rojo, mientras elcian y el amarillo forman el verde. El azul, verde y ro-jo son colores secundarios en la síntesis sustractiva y sonmás oscuros que los primarios. En las mezclas sustracti-vas se parte de tres primarios claros y según se mezclalos nuevos colores se van oscureciendo, al mezclar esta-mos restando luz. Los tres primarios mezclados dan elnegro.[9]

La aplicación práctica de la síntesis sustractiva es laimpresión en color, fotografía a color y la pintura.En la impresión en color, las tintas que se usan principal-mente como primarios son el cian, magenta y amarillo.Como se ha dicho, el Cian es el opuesto al rojo, lo que sig-nifica que actúa como un filtro que absorbe dicho color.La cantidad de cian aplicada a un papel controlará cuan-to rojo mostrará. Magenta es el opuesto al verde y ama-

Usando únicamente los colores primarios del modelo CMY, unafotografía reproduce una imagen real con gran precisión.

78 CAPÍTULO 2. ELEMENTOS DE LAS ARTES VISUALES

rillo el opuesto al azul. Con este conocimiento se puedeafirmar que hay infinitas combinaciones posibles de colo-res. Así es como las reproducciones de ilustraciones sonproducidas en grandes cantidades, aunque por varias ra-zones también suele usarse una tinta negra. Esta mezclade cian, magenta, amarillo y negro se llama modelo decolor CMYK. CMYK es un ejemplo de espacio de coloressustractivos, o una gama entera de espacios de color.El origen de los nombres magenta y cian procede de laspelículas de color inventadas en 1936 por Agfa y Kodak.El color se reproducía mediante un sistema de tres pe-lículas, una sensible al amarillo, otro sensible a un rojopúrpura y una tercera a un azul claro. Estas casas comer-ciales decidieron dar el nombre de magenta al rojo púr-pura y cian al azul claro. Estos nombres fueron admitidoscomo definitivos en la década de 1950 en las normas DINque definieron los colores básicos de impresión.[10]

2.5.4 Colores elementales

Los ocho colores elementales corresponden a las ocho po-sibilidades extremas de percepción del órgano de la vista.Las posibilidades últimas de sensibilidad de color que escapaz de captar el ojo humano. Estos resultan de las com-binaciones que pueden realizar los tres tipos de conos delojo, o lo que es lo mismo las posibilidades que ofrecen decombinarse los tres primarios. Estas ocho posibilidadesson los tres colores primarios, los tres secundarios queresultan de la combinación de dos primarios, más los doscolores acromáticos, el blanco que es percibido como lacombinación de los tres primarios (síntesis aditiva: colo-res luz) y el negro es la ausencia de los tres.[11]

Por tanto, colores tradicionales como el violeta, el naranjao el marrón no son colores elementales.

2.5.5 Círculo cromático

Aunque los dos extremos del espectro visible, el rojo y elvioleta, son diferentes en longitud de onda, visualmentetienen algunas similitudes, Newton propuso que la bandarecta de colores espectrales se distribuyese en una formacircular uniendo los extremos del espectro visible. Estefue el primer círculo cromático, un intento de fijar las si-militudes y diferencias entre los distintos matices de co-lor. Muchos estudiosos admitieron el círculo de Newtonpara explicar las relaciones entre los diferentes colores.Los colores que están juntos corresponden a longitud deonda similar.[12]

Desde un punto de vista teórico un círculo cromático dedoce colores estaría formado por los tres primarios, entreellos se situarían los tres secundarios y entre cada secun-dario y primario el terciario que se origina de su unión.Así en actividades de síntesis aditiva, se pueden distribuirlos tres primarios, rojo, verde y azul uniformemente se-parados en el círculo; en medio entre cada dos primarios,

el secundario que forman ellos dos; entre cada primarioy secundario se pondría el terciario que se origina en sumezcla. Así tenemos un círculo cromático de síntesis adi-tiva de doce colores. Se puede hacer lo mismo con los tresprimarios de síntesis sustractiva y llegaríamos a un círcu-lo cromático de síntesis sustractiva.[13]

El blanco y el negro no pueden considerarse colores y porlo tanto no aparecen en un círculo cromático, el blanco esla presencia de todos los colores y el negro es su ausen-cia total. Sin embargo el negro y el blanco al combinarseforman el gris el cual también se marca en escalas. Estoforma un círculo propio llamado “círculo cromático enescala de grises” o “círculo de grises”.

2.5.6 Colores complementarios

En el círculo cromático se llaman colores complemen-tarios o colores opuestos a los pares de colores ubicadosdiametralmente opuestos en la circunferencia, unidos porsu diámetro. Al situar juntos y no mezclados colores com-plementarios el contraste que se logra es máximo.La denominación complementario depende en gran me-dida del modelo de círculo cromático empleado. Así enel sistema RGB (del inglés Red, Green, Blue; rojo, ver-de, azul), el complementario del color verde es el colormagenta, el del azul es el amarillo y del rojo el cian. En elModelo de color RYB (Red, Yellow, Blue = rojo, amari-llo, azul) que es un modelo de síntesis sustractiva de color,el amarillo es el complementario del violeta y el naranja elcomplementario del azul. Hoy, los científicos saben queel conjunto correcto es el modelo CMYK, que usa el cianen lugar del azul y magenta en lugar del rojo.En la teoría del color se dice que dos colores se deno-minan complementarios si, al ser mezclados en una pro-porción dada el resultado de la mezcla es un color neutral(gris, blanco, o negro).

2.5.7 Representación de los colores

Para representar y cuantificar cada color se usan diferen-tes modelos. Así en la síntesis aditiva, el modelo de colorRGB (del inglésRed-rojo,Green-verde,Blue-azul), cadacolor se representa mediante la mezcla de los tres colo-res luz primarios, en términos de intensidad de cada colorprimario con que se forma. Para indicar con qué propor-ción mezclamos cada color, se asigna un valor a cada unode los colores primarios, de manera que el valor 0 signifi-ca que no interviene en la mezcla y la intensidad de cadauna de las componentes se mide según una escala que vadel 0 al 255. Por lo tanto, el rojo se obtiene con (255,0,0),el verde con (0,255,0) y el azul con (0,0,255). La ausen-cia de color —lo que conocemos como color negro— seobtiene cuando los tres componentes son 0, (0,0,0). Lacombinación de dos colores a nivel máximo, 255, conun tercero en nivel 0 da lugar a los tres colores secun-

2.5. COLOR 79

Proceso de formación de una imagen en color sobre papel blancoen el Modelo de color CMYK sumando los tres colores primariossustractivos Cyan, Magenta, Amarillo más la tinta negra. En laprimera fila se ve la parte de cyan, la parte de magenta y alfinal el resultado de sumar las partes de cyan y magenta. En lasegunda fila se ve la parte de amarillo y el resultado de sumarlas partes de cyan, magenta y amarillo. En la tercera fila, se vela parte de negro y el resultado de sumar las partes de cyan,magenta, amarillo y negro.

darios. De esta forma el amarillo es (255,255,0), el cyan(0,255,255) y el magenta (255,0,255). El color blanco seforma con los tres colores primarios a su máximo nivel(255,255,255).El sistema de representación de colores HTML, tambiénde síntesis aditiva, usado en las páginas web, se descom-pone también de la misma forma en los tres colores pri-marios aditivos: Rojo-Verde-Azul. La intensidad de cadauna de las componentes se mide también en una escalaque va del 0 al 255. Sin embargo utiliza una codificaciónhexadecimal, lo que le permite representar el número 255en base decimal con solo dos dígitos en base hexadeci-mal. En el sistema de numeración hexadecimal, ademásde los números del 0 al 9 se utilizan seis letras con un va-lor numérico equivalente; a=10, b=11, c=12, d=13, e=14y f=15. La correspondencia entre la numeración hexade-cimal y la decimal u ordinaria viene dada por la siguientefórmula:

decimal = primera cifra hexadecimal * 16 +segunda cifra hexadecimal

La intensidad máxima es ff, que se corresponde con(15*16)+15= 255 en decimal, y la nula es 00, también0 en decimal. De esta manera, cualquier color queda de-finido por tres pares de dígitos.En la mezcla sustractiva en la impresión de colores seutiliza el Modelo de color CMYK (acrónimo de Cyan,Magenta, Yellow-amarillo y Key-negro). La mezcla decolores CMY es sustractiva y al imprimir conjuntamen-te cyan, magenta y amarillo sobre fondo blanco resulta elcolor negro. Por varias razones, el negro generado al mez-clar los colores primarios sustractivos no es adecuado y se

emplea también la tinta negra como color inicial ademásde los tres colores primarios sustractivos amarillo, ma-genta y cyan. El modelo CMYK se basa en la absorciónde la luz por un objeto: el color que presenta un objetocorresponde a la parte de la luz que incide sobre este y serefleja no siendo absorbida por el objeto, en este caso elpapel blanco.

2.5.8 Colores

Cada color determinado está originado por una mezcla ocombinación de diversas longitudes de onda. En las si-guientes tablas se agrupan los colores similares. A cadacolor se le han asociado sus matices. El matiz es la cua-lidad que permite diferenciar un color de otro: permiteclasificarlo en términos de rojizo, verdoso, azulado, etc.Se refiere a la ligera variación que existe entre un colory el color contiguo en el círculo cromático (o dicho deotra forma la ligera variación en el espectro visible). Asíun verde azulado o a un verde amarillo son matices delverde cuando la longitud de onda dominante en la mezclade longitudes de onda es la que corresponde al verde, yhablaremos de un matiz del azul cuando tenemos un azulverdoso o un azul magenta donde la longitud de onda do-minante de la mezcla corresponda al azul.[14]

En este anexo se detallan los distintos matices de color que tie-nen artículo propio, y sus referencias HTML, RGB y HSV.

2.5.9 Efecto de los colores en los estados deánimo de las personas

El uso de ciertos colores impacta gradualmente en el esta-do de ánimo de las personas, muchos de ellos son utiliza-dos con esa intención en lugares específicos, por ejemploen los restaurantes es muy común que se utilice decora-ción de color naranja ya que abre el apetito, en los hospi-tales se usa colores neutros para dar tranquilidad a los pa-cientes, y para las entrevistas de trabajo es recomendablellevar ropa de colores oscuros, ya que da la impresión deser una persona responsable y dedicada; estos son algunosejemplos de la relación entre los colores y las emociones.

• Colores análogos: Se utilizan de manera adjunta yproducen una sensación de armonía.

• Colores complementarios: Cuando son usados pro-ducen un efecto de agresividad, provocado por elmáximo contraste al utilizarlos juntos.

• Colores monocromáticos: Al utilizarlos producenuna sensación de unidad y estabilidad se pueden usarcon diferente intensidad (más claro o más oscuro)esto va a depender de la luz.

80 CAPÍTULO 2. ELEMENTOS DE LAS ARTES VISUALES

2.5.10 Véase también

2.5.11 Notas y referencias

[1] Parramón, op. cit., p.52.

[2] Gallego, Rosa; Sanz, Juan Carlos (2005). Guía de colora-ciones. Madrid: H. Blume. ISBN 84-89840-31-8

[3] Zalenski, op. cit., p.67

[4] Color Theory Computer Science Department, New YorkUniversity 2015

[5] Parramón, op. cit., p.53

[6] Backhaus, Kliegl & Werner «Color vision, perspectivesfrom different disciplines». (De Gruyter, 1998), pp. 115-116, section 5.5.

[7] Pr. Mollon (Cambridge university), Pr. Jordan (NewcastleUniversity) «Study of women heterozygote for colour dif-ficiency». (Vision Research, 1993)

[8] Küppers, op. cit., p.148-150

[9] Parramón, op. cit., p.58-59

[10] Parramón, op. cit., p.54

[11] Küppers, op. cit., p.33-35

[12] Zalenski, op. cit., p.14-15

[13] Zalenski, op. cit., p.17

[14] Moreno, Luciano. «Teoría del color. Propiedades de loscolores.». Consultado el 5 de julio de 2009.

2.5.12 Bibliografía

• Zelanski, Paul y Fisher, Mary Pat (2001). Color.Madrid : Tursen SA/ M. Blume. ISBN 84-89840-21-0.

• Küppers, Harald. Fundamentos de la teoría de loscolores. Barcelona: Gustavo Gili SA. ISBN 968-887-203-2.

• Parramón, José María (1993). El gran libro del co-lor. Barcelona: Parramón ediciones SA. ISBN 84-342-1208-0.

2.5.13 Enlaces externos

Wikilibros

• Wikilibros alberga un libro o manual sobreManual wiki/Edición/Colores.

• Wikimedia Commons alberga contenido multi-media sobre ColorCommons.

• Wikcionario tiene definiciones y otra informa-ción sobre color.Wikcionario

• El Diccionario de la Real Academia Española tieneuna definición para color.

• La luz y sus propiedades.

• Tabla de colores: elige un color.

• Presentación Flash indicando el significado y usos delos colores.

• Calculadora hexadecimal de color.

• Explicación de matiz, saturación y brillo en los co-lores.

• Significado de los colores en la psicología.

Capítulo 3

Texto e imágenes de origen, colaboradoresy licencias

3.1 Texto• Historia del arte Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_del_arte?oldid=82560577 Colaboradores: Oblongo, Lourdes Cardenal, Ro-

sarino, Ascánder, Tano4595, El Moska, Rondador, Aletheia~eswiki, Kordas, Richy, Petronas, Airunp, Rembiapo pohyiete (bot), Robot-Quistnix, Osvaldiaz, Yrbot, Vitamine, BOTijo, YurikBot, Gaeddal, Icvav, KnightRider, Banfield, José., Morza, Er Komandante, Che-veri, Filipo, Siabef, Nihilo, Miguel303xm, BOTpolicia, CEM-bot, Laura Fiorucci, JMCC1, Ignacio Icke, Cheke, Eamezaga, Rastrojo,Antur, Jorge, Martínhache, Escarlati, Dorieo, Montgomery, Thijs!bot, MILO, Tortillovsky, Mahadeva, RoyFocker, Ángel Luis Alfaro,Cratón, Bernard, Hanjin, JAnDbot, CommonsDelinker, Netito777, Phirosiberia, Nioger, Idioma-bot, Pólux, Gerwoman, Eosphoros, Fre-men, VolkovBot, RaizRaiz, Technopat, Galandil, Ninito159, Mareve, Globalphilosophy, Dcoetzee, Matdrodes, BlackBeast, Lucien leGrey,Luis1970, Nolan~eswiki, 3coma14, Sandstein, Muro Bot, J.M.Domingo, Racso, SieBot, PaintBot, Drinibot, Bigsus-bot, BOTarate, Manuelde Corselas, BuenaGente, Pedro Felipe, Relleu, Tirithel, Mutari, Jarisleif, Javierito92, Canaan, HUB, StarBOT, Blitox, Nicop, Arranz1290,Eduardosalg, Neodop, Kore zgz, Leonpolanco, Takashi kurita, MauriManya, Rαge, Kadellar, Agualin, Camilo, UA31, Armando-Martin,Taty2007, AVBOT, Inutilpaisaje, David0811, Berthold Werner, MastiBot, Angel GN, Columbusalbus, Diegusjaimes, Bethan 182, Arjuno3,Andreasmperu, Ermengol Patalín, Wikisilki, Opus88888, Nitadelc, Flizzz, Leiro & Law, Nightflyer, Nixón, Alonso de Mendoza, Ou-tisnn, Bostan Serai, ArthurBot, Rodelar, SuperBraulio13, Xqbot, Jkbw, Julia W, Ultimateria, Pitufo.Budista, Famr67, -Erick-, 13charruas,Alex299006, Muro Bot 2, Botarel, Rexmania, Jesús Martínez Verón, TiriBOT, Hprmedina, Jakeukalane, Enrique Cordero, PatruBOT,Ganímedes, Mr.Ajedrez, Belemus, Ripchip Bot, Rodriajdre, Jorge c2010, Foundling, Afrasiab, Akkakk, Savh, HRoestBot, Sergio AndresSegovia, Aavindraa, Rubpe19, Jbribeiro1, El Ayudante, Kippelboy, Emiduronte, ChuispastonBot, Lafuradelsbaus, Khiari, Machete kills,Waka Waka, A.Savin, Knochen, Chito95, MerlIwBot, SilvaBarral, Eniol, JABO, Rbkmw, Nojonojo, KLBot2, Elkingkapo, BOT8A, Bi-bliofilotranstornado, Jaybear, Santga, Helmy oved, Armonizador, Lizzyxiqita, Armot, Tuareg50, Seroto, Addbot, Balles2601, Coldcreation,Hans Topo1993, Sebapro90, Ricardo Pecharroman Morales, BOTito, Latemplanza, Rec-Molina, Helmmore, Jarould, CEM-air, BenjaBot,Ken Ortega, Jdolayab12 y Anónimos: 290

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81

82 CAPÍTULO 3. TEXTO E IMÁGENES DE ORIGEN, COLABORADORES Y LICENCIAS

Bot, KLBot2, Ginés90, Frank sin Otra, RubenOnline, LlamaAl, Nord oliver, Hecobra78, Helmy oved, Luifred, Jalfredo67, Viruz antrax,Holaquetalcomoteva, NazarethlyxD, Stibonk, Anderson(aleas anchopite), Egis57, Dewmart y Anónimos: 328

• Formato (arte) Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Formato_(arte)?oldid=80218426 Colaboradores: Tamorlan, Gafotas, Ángel Luis Al-faro, Dcoetzee, Alex299006, Carlos Alberto Quiroga, PatruBOT, KamikazeBot, Grillitus, KLBot2, Johnbot, LlamaAl, Elvisor, JacobRo-drigues, Jarould y Anónimos: 4

• Color Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Color?oldid=82777736 Colaboradores: Youssefsan, Llull~eswiki, Joseaperez, Sabbut, Moriel,Mdiagom, Sanbec, Paz.ar, Interwiki, Rosarino, Dodo, Triku, Cookie, Chvsanchez, Tano4595, Agguizar, Daniel G., Bafomet, Juanjfb,Toad32767, M3c4n0, Kordas, Chewie, FAR, Rutrus, Taragui, Sonett72~eswiki, Vzabalza, Soulreaper, Airunp, Edub, Yrithinnd, Tai-chi, Emijrp, Rembiapo pohyiete (bot), Immanuel Giel, Drini2, Serbax, Orgullobot~eswiki, RobotQuistnix, Veltys, Alhen, Chobot, Yrbot,Amadís, BOT-Superzerocool, FlaBot, Vitamine, BOTijo, .Sergio, LydiaAC, YurikBot, Zaka, GermanX, KnightRider, Carlos Humberto,Santiperez, Ralsis, Banfield, Banderas, Chlewbot, Jarke, Boja, ZEN ic, Tamorlan, Aleator, BOTpolicia, Qwertyytrewqqwerty, CEM-bot,Jorgelrm, Alejandrosilvestri, Damifb, Guayambuco, Laura Fiorucci, JMCC1, Anagarmol, RuidoBlanco, Sir Magician, Durero, GuiXu,Marianov, Jjvaca, Baiji, Davius, Rastrojo, Antur, Montgomery, Resped, Thijs!bot, Furrykef, Tortillovsky, Erbrumar, Maquita b, Escar-bot, Yeza, RoyFocker, Leandroidecba, Samus uy, Soycarol, Botones, Isha, Mpeinadopa, JAnDbot, VanKleinen, Kved, Rol 01, NoCoin,BetBot~eswiki, TXiKiBoT, Voet, R2D2!, Jarlac, Urindar, Bot-Schafter, Humberto, Netito777, Ale flashero, Fixertool, Nioger, Chabbot,Idioma-bot, Pólux, Jatrobat, Dhidalgo, Stardust, Niplos, Delphidius, TottyBot, Bucephala, AlnoktaBOT, VolkovBot, Technopat, Queninos-ta, Libertad y Saber, Matdrodes, Alba Navajas García, Synthebot, House, DJ Nietzsche, BlackBeast, AlleborgoBot, 3coma14, Jcprietoc,Numbo3, Racso, YonaBot, SieBot, Mushii, Loveless, Carmin, Cobalttempest, Drinibot, Bigsus-bot, BOTarate, Mel 23, OboeCrack, Man-wë, Correogsk, Greek, Tomyleeswf, Mafores, PipepBot, Wkboonec, Tirithel, Mutari, Javierito92, Juanlacueva, HUB, Antón Francho,Nicop, Ncrystal, Makete, Eduardosalg, Neodop, Leonpolanco, Mar del Sur, Furti, Petruss, Poco a poco, JetDriver, Atila rey, RoyFokker,BodhisattvaBot, Frei sein, Açipni-Lovrij, Elseñordelas?, Etheldric, Osado, Alessvill, Sra pbl, SilvonenBot, Raer, Camilo, UA31, Shalbat,Armando-Martin, Taty2007, Maulucioni, Krysthyan, AVBOT, Elliniká, David0811, LucienBOT, A ver, Adelpine, Angel GN, Diegus-jaimes, Davidgutierrezalvarez, Tharasia, MelancholieBot, Arjuno3, Andreasmperu, Luckas-bot, Roinpa, Jotterbot, Vic Fede, Jorge 2701,Jessica 9b, Fvene002, A.de158, Nixón, Jana guillen, Diogeneselcinico42, SuperBraulio13, Manuelt15, Xqbot, Jkbw, Dossier2, Toledo23,Ricardogpn, Igna, AstaBOTh15, RubiksMaster110, Halfdrag, Periki10, Santiago Sants, AnselmiJuan, Wikipedico wikipedico, PatruBOT,Aranzazu Y, Angelito7, Ripchip Bot, Thierry 2222, Angelevyn, Echando una mano, Foundling, Original2010, Wikiléptico, Idiomacolor,MyRocky24, EmausBot, Savh, AVIADOR, ZéroBot, Allforrous, Hesod, J. A. Gélvez, Emiduronte, Jcaraballo, ChuispastonBot, CaosSchi-zophrenie, Waka Waka, WikitanvirBot, Sergiosociassegura, Mjbmrbot, Yahaira1984, Juanbnna, Escaramanga, Pyron, Movses-bot, Tokvo,Rufflos, OAV, MauriXavier, Hanna montana 2, Antonorsi, SaeedVilla, MerlIwBot, Jaluj, MAZTOR, Ginés90, MetroBot, Cyberdelic,Miketoreno1, Azulitostich, Quevedo123, Gusama Romero, Gabriela Ruellan, Seasz, Addihockey10 (automated), Junior william, Jesuspa-tos, Elvisor, Adolfo cohuo kauil, Creosota, Alan5558, Asqueladd, DanielithoMoya, EnzaiBot, Ecodibujos, Sergio flo2000, Helmy oved,Jordi Fanals, Akdkiller, Conxitabuena, MKRevolution, Eugeyrebe, MaKiNeoH, Leitoxx, Ángel Iglesias, Addbot, Daosan, Velasquez alva-rado, Perdi09, Balles2601, VERONICA VIRGINIA HERNANDEZ HERNANDEZ, Janeth44, Federico Martínez Creixell, Ariel JabbraAbedrabbo Fuentes, Ana.galavizm, CataGuiffoC, Ana.navarrog, Juan xanchex, Amvam, EDUAR JAVIER RODRIGUEZ, MrCharro,Luisola1212, Jarould, Veronica garcia boza, Camileta, BenjaBot, Josejuan534, Marlon5011, Marysoliris, Eduardo david benito, Sfr570,Jesus123ASD, JorgeNaranjo29 y Anónimos: 630

3.2 Imágenes• Archivo:'Unique_Forms_of_Continuity_in_Space',_1913_bronze_by_Umberto_Boccioni.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/

wikipedia/commons/f/fd/%27Unique_Forms_of_Continuity_in_Space%27%2C_1913_bronze_by_Umberto_Boccioni.jpg Licencia: Pu-blic domain Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Wmpearl

• Archivo:2006_01_21_Athènes_Parthénon.JPG Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/ce/2006_01_21_Ath%C3%A8nes_Parth%C3%A9non.JPG Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Harrieta171

• Archivo:2a_Zhao_Mengfu_Autumn_Colors_on_the_Qiao_and_Hua_Mountains_(central_part)Handscroll,_ink_and_colors_on_paper,_28.4_x_93.2_cm_National_Palace_Museum,_Taipei.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/9a/2a_Zhao_Mengfu_Autumn_Colors_on_the_Qiao_and_Hua_Mountains_%28central_part%29Handscroll%2C_ink_and_colors_on_paper%2C_28.4_x_93.2_cm_National_Palace_Museum%2C_Taipei.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: The Yorck Project:10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. Artistaoriginal: Zhao Mengfu

• Archivo:ACP_3.svg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/34/ACP_3.svg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores:

• ACP_3.GIF Artista original:

• derivative work: Pbroks13 (talk)• Archivo:Aachener_dom_oktagon.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d8/Aachener_dom_oktagon.jpg Li-

cencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: ? Artista original: ?• Archivo:Aboriginal_Art_Australia(2).jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/ba/Aboriginal_Art_Australia%

282%29.jpg Licencia: CC BY-SA 3.0 Colaboradores: Thomas Schoch at http://www.retas.de/thomas/travel/australia2005/index.html Ar-tista original: Thomas Schoch

• Archivo:AdditiveColor.png Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/79/AdditiveColor.png Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: ? Artista original: ?

• Archivo:AdditiveColorMixiing.svg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/e8/AdditiveColorMixiing.svg Licencia:CC BY-SA 3.0 Colaboradores: Image:Synthese+.svg Artista original: Quark67(Modified color by Monami)

• Archivo:All_Gizah_Pyramids.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/af/All_Gizah_Pyramids.jpg Licencia:CC BY-SA 2.0 Colaboradores: All Gizah Pyramids Artista original: Ricardo Liberato

• Archivo:Angkor_Wat.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/41/Angkor_Wat.jpg Licencia: GFDL Colabora-dores: Trabajo propio Artista original: Bjørn Christian Tørrissen

3.2. IMÁGENES 83

• Archivo:Anthem_of_Europe_(US_Navy_instrumental_short_version).ogg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f3/Anthem_of_Europe_%28US_Navy_instrumental_short_version%29.ogg Licencia: Public domain Colaboradores:http://www.navyband.navy.mil/national_anthems_eu.shtml. Converted to Ogg Vorbis format by the uploader. Artista original: Ludwig vanBeethoven

• Archivo:Arabian_nights_manuscript.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/41/Arabian_nights_manuscript.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: http://expositions.bnf.fr/livrarab/gros_plan/mille/mille_2.htm Artista original: Desconocido

• Archivo:Before_Machu_Picchu.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/13/Before_Machu_Picchu.jpg Licen-cia: CC BY 2.0 Colaboradores: Before Machu Picchu Artista original: icelight from Boston, MA, US

• Archivo:Beginning_Odyssey.svg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/7c/Beginning_Odyssey.svg Licencia: Pu-blic domain Colaboradores: Own work (using Wikisource for text) Artista original: User:Bibi Saint-Pol

• Archivo:Bertolt-Brecht.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/73/Bertolt-Brecht.jpg Licencia: CC BY-SA 3.0de Colaboradores: This image was provided to Wikimedia Commons by the German Federal Archive (Deutsches Bundesarchiv) as part of acooperation project. The German Federal Archive guarantees an authentic representation only using the originals (negative and/or positive),resp. the digitalization of the originals as provided by the Digital Image Archive. Artista original: Kolbe, Jörg

• Archivo:Bet_Giyorgis_church_Lalibela_01.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5e/Bet_Giyorgis_church_Lalibela_01.jpg Licencia: CC BY 2.0 Colaboradores: ? Artista original: ?

• Archivo:British_Museum_Flood_Tablet.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/7a/British_Museum_Flood_Tablet.jpg Licencia: CC0 Colaboradores: BabelStone (Trabajo propio) Artista original: ?

• Archivo:Bronenosets.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/61/Bronenosets.jpg Licencia: Public domain Cola-boradores: This image originated from en.wikipedia.org. Artista original:

• [2005-09-21T16:44:21Z] Ghirlandajo (Anton Lavinsky (1893-1968). Film poster for The Battleship Potemkin (1926). Plantilla:SovietPD)• Archivo:Byrcolorwheel.png Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d7/Byrcolorwheel.png Licencia: CC-BY-SA-

3.0 Colaboradores: ? Artista original: ?• Archivo:CMYK_channels_skala.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f9/CMYK_channels_skala.jpg Licen-

cia: Public domain Colaboradores: http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:CMYK channels demo.jpg Artista original: Bearbeitung So-zi von Foto: http://commons.wikimedia.org/wiki/CMYK channels demo.jpg by TiHa

• Archivo:CMY_components.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/20/CMY_components.jpg Licencia: CCBY 2.5 Colaboradores: Transferred from en.wikipedia Artista original: (3ucky(3all at en.wikipedia

• Archivo:Caspar_David_Friedrich_-_Der_Wanderer_über_dem_Nebelmeer.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/61/Caspar_David_Friedrich_-_Der_Wanderer_%C3%BCber_dem_Nebelmeer.jpg Licencia: Public domain Colaboradores:Web Gallery of Art Artista original: Caspar David Friedrich

• Archivo:Chillida_-_Elogio_del_agua.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/b4/Chillida_-_Elogio_del_agua.jpg Licencia: GFDL Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Canaan

• Archivo:Claude_Monet,_Impression,_soleil_levant,_1872.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5c/Claude_Monet%2C_Impression%2C_soleil_levant%2C_1872.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Desconocido Artista original:Claude Monet

• Archivo:Cogul_HBreuil.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/bb/Cogul_HBreuil.jpg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: ? Artista original: ?

• Archivo:Colosseum_in_Rome-April_2007-1-_copie_2B.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d8/Colosseum_in_Rome-April_2007-1-_copie_2B.jpg Licencia: CC BY-SA 2.5 Colaboradores: Photograph by Diliff, edited by VassilArtista original: Diliff

• Archivo:Commons-logo.svg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/4a/Commons-logo.svg Licencia: Public domainColaboradores: This version created by Pumbaa, using a proper partial circle and SVG geometry features. (Former versions used to be slightlywarped.) Artista original: SVG version was created by User:Grunt and cleaned up by 3247, based on the earlier PNG version, created byReidab.

• Archivo:ConcertGroupPano.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/88/ConcertGroupPano.jpg Licencia: CCSA 1.0 Colaboradores: From en wiki Artista original: Taken by Leonard G.

• Archivo:Cone-response.svg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/65/Cone-response.svg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: ? Artista original: ?

• Archivo:Cscr-featured.svg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/e7/Cscr-featured.svg Licencia: LGPL Colabora-dores: Wikipedia until June, 2006 Artista original: Wikimedia users ClockworkSoul, CyberSkull, Optimager, White Cat, Erina, AzaToth,Pbroks13.

• Archivo:Dante_Domenico_di_Michelino_Duomo_Florence.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/58/Dante_Domenico_di_Michelino_Duomo_Florence.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Jastrow, Fotografía propia Artistaoriginal: Domenico di Michelino

• Archivo:Das_Cabinet_des_Dr._Caligari.JPG Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/52/Das_Cabinet_des_Dr._Caligari.JPG Licencia: Public domain Colaboradores: http://blackholereviews.blogspot.fr/2012/05/cabinet-of-dr-caligari-1920-fundamental.html Artista original: Atelier Ledl Bernhard

• Archivo:David_von_Michelangelo.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d5/David_von_Michelangelo.jpgLicencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: private photo Artista original: Rico Heil (User:Silmaril)

• Archivo:Duchamp_Fountaine.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f6/Duchamp_Fountaine.jpg Licencia:Public domain Colaboradores: src Original picture by Stieglitz Artista original: Marcel Duchamp

• Archivo:Duerer01.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/68/D%C3%BCrer_-_Selbstbildnis_im_Pelzrock_-_Alte_Pinakothek.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Fotografía: Cybershot800i Artista original: Alberto Durero

84 CAPÍTULO 3. TEXTO E IMÁGENES DE ORIGEN, COLABORADORES Y LICENCIAS

• Archivo:El_ingenioso_hidalgo_don_Quijote_de_la_Mancha.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d8/El_ingenioso_hidalgo_don_Quijote_de_la_Mancha.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: http://bibliotecadigitalhispanica.bne.es/view/action/nmets.do?DOCCHOICE=1804836.xml&dvs=1357181616530~{}848&locale=es_ES&search_terms=&adjacency=&VIEWER_URL=/view/action/nmets.do?&DELIVERY_RULE_ID=4&usePid1=true&usePid2=true Artista original: Juan de la Cuesta(impresor); Miguel de Cervantes (autor)

• Archivo:Electromagnetic_spectrum-es.svg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/b6/Electromagnetic_spectrum-es.svg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: ? Artista original: ?

• Archivo:Encyclopedie_de_D'Alembert_et_Diderot_-_Premiere_Page_-_ENC_1-NA5.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/2b/Encyclopedie_de_D%27Alembert_et_Diderot_-_Premiere_Page_-_ENC_1-NA5.jpg Licencia: Publicdomain Colaboradores:

• File:ENC 1-NA5 600px.jpeg Artista original: Long List of Contributors to the Encyclopédie• Archivo:Eugène_Delacroix_-_La_liberté_guidant_le_peuple.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a7/

Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_La_libert%C3%A9_guidant_le_peuple.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: This page from thisgallery. Artista original: Eugène Delacroix

• Archivo:Fashion_Plate_1909.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/3c/Fashion_Plate_1909.jpg Licencia: Pu-blic domain Colaboradores: http://zimmer.csufresno.edu/~{}monicaf/edwardian.htm Artista original: Desconocido

• Archivo:Fragonard,_The_Swing.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/eb/Fragonard%2C_The_Swing.jpgLicencia: Public domain Colaboradores: wartburg.edu Artista original: Jean-Honoré Fragonard

• Archivo:FuncionLineal00.svg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/19/FuncionLineal00.svg Licencia: Public do-main Colaboradores: Trabajo propio Artista original: HiTe 23:31, 10 May 2008 (UTC)

• Archivo:Gaudeamus_omnes_-_Graduale_Aboense.ogg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/e7/Gaudeamus_omnes_-_Graduale_Aboense.ogg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: Sung by Rick Dechance in Germanic Latin Artista original:Rick Dechance (User:Peirigill)

• Archivo:Gnome-speakernotes.svg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/94/Gnome-speakernotes.svg Licencia:GPL Colaboradores: Self-made in Illustrator; Based off of image from the GNOME package, a free software (GPL) desktop environ-ment. Artista original: Gnome?

• Archivo:Great_Mosque_of_Djenné_1.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/ce/Great_Mosque_of_Djenn%C3%A9_1.jpg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: from [1] JCarriker (304322 bytes) (used with the permission of Andy Gilham ofwww.andygilham.com Artista original: Andy Gilham

• Archivo:Gudea_of_Lagash_Girsu.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/23/Gudea_of_Lagash_Girsu.jpg Li-cencia: Public domain Colaboradores: Marie-Lan Nguyen (2011) Artista original: ?

• Archivo:Gustav_Klimt_016.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f3/Gustav_Klimt_016.jpg Licencia: PublicdomainColaboradores: http://www.belvedere.at/en/sammlungen/belvedere/jugendstil-und-wiener-secession/gustav-klimtArtista original:Gustav Klimt

• Archivo:Gutai_Venice1.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c5/Gutai_Venice1.jpg Licencia: CC BY-SA 3.0Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Serwertje

• Archivo:Hattusa.liongate.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/80/Hattusa.liongate.jpg Licencia: CC BY-SA2.0 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: © 2001 User:China_Crisis

• Archivo:Heroico1.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a1/Heroico1.jpg Licencia: Public domain Colaborado-res: Museo Che Guevara, Havana, Cuba Artista original: Alberto Diaz Gutierrez (Alberto Korda)

• Archivo:Hiroshige_Atake_sous_une_averse_soudaine.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/cc/Hiroshige_Atake_sous_une_averse_soudaine.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Online Collection of Brooklyn Museum Artista original:Utagawa Hiroshige

• Archivo:Horyu-ji11s3200.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/17/Horyu-ji11s3200.jpg Licencia: CC BY2.5 Colaboradores: 663highland Artista original: 663highland

• Archivo:JEAN-FRANÇOIS_MILLET_-_El_Ángelus_(Museo_de_Orsay,_1857-1859._Óleo_sobre_lienzo,_55.5_x_66_cm).jpgFuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/17/JEAN-FRAN%C3%87OIS_MILLET_-_El_%C3%81ngelus_%28Museo_de_Orsay%2C_1857-1859._%C3%93leo_sobre_lienzo%2C_55.5_x_66_cm%29.jpg Licencia: Public domain Colabo-radores: Google Art Project: Home - pic Maximum resolution. Artista original: Jean-François Millet

• Archivo:Jacques-Louis_David_-_Oath_of_the_Horatii_-_Google_Art_Project.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/70/Jacques-Louis_David_-_Oath_of_the_Horatii_-_Google_Art_Project.jpg Licencia: Public domain Colaboradores:KwHkqyZxc2i04A at Google Cultural Institute, zoom level maximum Artista original: Jacques-Louis David

• Archivo:Khajuraho_Dulhadeo_2010.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/b6/Khajuraho_Dulhadeo_2010.jpg Licencia: GFDL Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Marcin Białek

• Archivo:Kripa_and_shikhandi.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/3a/Kripa_and_shikhandi.jpg Licencia:Public domain Colaboradores: http://www.asia.si.edu/collections/singleObject.cfm?ObjectNumber=F1975.5 Artista original: Desconoci-do

• Archivo:Kuffi_Quran.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/35/Kuffi_Quran.jpg Licencia: CC BY-SA 2.0Colaboradores: http://www.flickr.com/photos/29625499@N04/3143306090 Artista original: A Gude

• Archivo:La_cité_interdite_0244.JPG Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d7/La_cit%C3%A9_interdite_0244.JPG Licencia: CC BY-SA 3.0 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Viault

• Archivo:Las_Meninas_01_rotated_frame.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/e5/Las_Meninas_01_rotated_frame.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: El Prado Artista original: Diego Velázquez

3.2. IMÁGENES 85

• Archivo:Le_Voyage_Dans_La_Lune.ogv Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/7f/Le_Voyage_Dans_La_Lune.ogv Licencia: Public domain Colaboradores: Internet Archive Artista original: English: Georges Méliès (December 8, 1861 – January21, 1938) and Gaston Méliès (1845 - April 1915)

• Archivo:Leo_Slezak,_Tosca,_E_lucevan_le_stelle.ogg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f6/Leo_Slezak%2C_Tosca%2C_E_lucevan_le_stelle.ogg Licencia: Public domain Colaboradores: University of California Santa Barbara Cylinder Pre-servation and Digitization Project (using unrestored version that no copyright is claimed upon) Artista original:

• Giacomo Puccini (1858-1924)• Leo Slezak (1873-1946)

• Archivo:Leonardo_da_vinci,_Study_for_the_Sforza_monument_01.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/2f/Leonardo_da_vinci%2C_Study_for_the_Sforza_monument_01.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Web Gallery ofArt: <a href='http://www.wga.hu/art/l/leonardo/15sculpt/2sforza2.jpg' data-x-rel='nofollow'><img alt='Inkscape.svg' src='//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6f/Inkscape.svg/20px-Inkscape.svg.png' width='20' height='20' srcset='//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6f/Inkscape.svg/30px-Inkscape.svg.png 1.5x, //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6f/Inkscape.svg/40px-Inkscape.svg.png 2x' data-file-width='60' data-file-height='60' /></a> Image <a href='http://www.wga.hu/html/l/leonardo/15sculpt/2sforza2.html' data-x-rel='nofollow'><img alt='Information icon.svg' src='//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Information_icon.svg/20px-Information_icon.svg.png' width='20' height='20' srcset='//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Information_icon.svg/30px-Information_icon.svg.png 1.5x, //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Information_icon.svg/40px-Information_icon.svg.png 2x' data-file-width='620' data-file-height='620' /></a> Info about artwork Ar-tista original: Leonardo da Vinci

• Archivo:Little_Nemo_moon.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/6e/Little_Nemo_moon.jpg Licencia: Pu-blic domain Colaboradores: ? Artista original: ?

• Archivo:Lord_Byron_in_Albanian_dress.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/ee/Lord_Byron_in_Albanian_dress.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Desconocido Artista original: Thomas Phillips

• Archivo:Macke_Russisches_Ballett_1.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/28/Macke_Russisches_Ballett_1.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: World Wide Web Artista original: August Macke

• Archivo:Mahler_S5M4_100506_16b.ogg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/08/Mahler_S5M4_100506_16b.ogg Licencia: GFDL Colaboradores: http://www.virtualphilharmonic.co.uk/Mahler_S5M4.php Artista original: Reinhold Behringer (Vir-tual Philharmonic Orchestra)

• Archivo:Maurice_Ascalon_Pal-Bell_Art_Deco.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/0d/Maurice_Ascalon_Pal-Bell_Art_Deco.jpg Licencia: CC BY 2.5 Colaboradores: ? Artista original: ?

• Archivo:Mawangdui_LaoTsu_Ms2.JPG Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/ed/Mawangdui_LaoTsu_Ms2.JPG Licencia: Public domain Colaboradores: Mawangdui Silk Manuscript Volume First, Wen Wu Publishing, Beijing, China, 1980-03Artista original: Desconocido

• Archivo:Meister_aus_Tahull_001.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/ed/Meister_aus_Tahull_001.jpg Li-cencia: Public domain Colaboradores: The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Dis-tributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. Artista original: ?

• Archivo:Merge-arrow.svg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/aa/Merge-arrow.svg Licencia: Public domain Co-laboradores: ? Artista original: ?

• Archivo:Mexico_Dic_06_045_1.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/7b/Mexico_Dic_06_045_1.jpg Licen-cia: Public domain Colaboradores: I took the picture Artista original: Juan Fernando Ibarra

• Archivo:Michelangelo_-_Creation_of_Adam.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/b4/Michelangelo_-_Creation_of_Adam.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: See below. Artista original: Miguel Ángel

• Archivo:Modelo_tradicional_de_coloración.png Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/ca/Modelo_tradicional_de_coloraci%C3%B3n.png Licencia: CC BY-SA 4.0 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Maulucioni

• Archivo:Mohenjodaro_-_view_of_the_stupa_mound.JPG Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/03/Mohenjodaro_-_view_of_the_stupa_mound.JPG Licencia: CC BY-SA 3.0 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: SaqibQayyum

• Archivo:Mona_Lisa_goldentriangle.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/3e/Mona_Lisa_goldentriangle.jpgLicencia: Public domain Colaboradores: Edit of Image:Mona Lisa.jpeg Artista original: Yamavu

• Archivo:Monte_Alban_West_Side_Platform.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/bb/Monte_Alban_West_Side_Platform.jpg Licencia: CC BY-SA 3.0 Colaboradores: Transferred from en.wikipedia; transferred to Commons byUser:Nsaum75 using CommonsHelper.Artista original: <a href='//en.wikipedia.org/wiki/User:nsaum75' class='extiw' title='en:User:nsaum75'> nsaum75</a><a href='//en.wikipedia.org/wiki/User_talk:nsaum75' class='extiw' title='en:User talk:nsaum75'> !Dígame¡ </a>. Original uploader was Nsaum75 at en.wikipedia

• Archivo:Mosque_Cordoba.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/15/Mosque_Cordoba.jpg Licencia: CC BY-SA 2.5 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Timor Espallargas

• Archivo:MozartFluteQuartetInD.JPG Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/bb/MozartFluteQuartetInD.JPG Li-cencia: Public domain Colaboradores: my file Artista original: Mozart

• Archivo:Natural_ultramarine_pigment.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/8a/Natural_ultramarine_pigment.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: ? Artista original: ?

• Archivo:Nihonshoki_tanaka_version.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/98/Nihonshoki_tanaka_version.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: http://www.emuseum.jp/cgi/pkihon.cgi?SyoID=4&ID=w012&SubID=s000 Artista original:Desconocido

86 CAPÍTULO 3. TEXTO E IMÁGENES DE ORIGEN, COLABORADORES Y LICENCIAS

• Archivo:Nok_sculpture_Louvre_70-1998-11-1.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/e2/Nok_sculpture_Louvre_70-1998-11-1.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Marie-Lan Nguyen

• Archivo:Notre_Dame_dalla_Senna.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a8/Notre_Dame_dalla_Senna.jpgLicencia: CC BY-SA 3.0 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Zuffe

• Archivo:Orfeo_-_Toccata.ogg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/3d/Orfeo_-_Toccata.ogg Licencia: Publicdomain Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Trisdee na Patalung

• Archivo:Orson_Welles-Citizen_Kane1.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/4c/Orson_Welles-Citizen_Kane1.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Transferred from en.wikipedia; transferred to Commons by User:Mutter Erde usingCommonsHelper. Artista original: Original uploader was DCGeist at en.wikipedia

• Archivo:Pixel_geometry_01_Pengo.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/4d/Pixel_geometry_01_Pengo.jpgLicencia: CC BY-SA 3.0 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Pengo

• Archivo:Polynesian_Cultural_Centre_Fiji_Temple.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/b3/Polynesian_Cultural_Centre_Fiji_Temple.jpg Licencia: CC BY-SA 2.5 Colaboradores: ? Artista original: ?

• Archivo:Porgy_and_Bess1.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/65/Porgy_and_Bess1.jpg Licencia: GFDLColaboradores: Trabajo propio Artista original: Ealmagro

• Archivo:Portada_Manuscrito_Chacón.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/27/Portada_Manuscrito_Chac%C3%B3n.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: http://www.cervantesvirtual.com/servlet/SirveObras/13593064112461495222202/ima0000.htm Artista original: Antonio Chacón

• Archivo:RGB_illumination.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/28/RGB_illumination.jpg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: http://en.wikipedia.org/wiki/Image:RGB_illumination.jpg Artista original: en:User:Bb3cxv

• Archivo:Ravenna,_mausoleo_di_galla_placidia,_buon_pastore_(prima_metà_del_V_secolo).jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/00/Ravenna%2C_mausoleo_di_galla_placidia%2C_buon_pastore_%28prima_met%C3%A0_del_V_secolo%29.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: ? Artista original: ?

• Archivo:Rgb-colorwheel.svg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/74/Rgb-colorwheel.svg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Bwilliam

• Archivo:Rusinyol_el_valle_de_los_naranjos.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/ce/Rusinyol_el_valle_de_los_naranjos.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: http://img145.imageshack.us/img145/3309/elvalledelosnaranjosbinvo7.jpgArtista original: Santiago Rusiñol

• Archivo:San_Juan_de_Baños.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/3a/San_Juan_de_Ba%C3%B1os.jpg Li-cencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: Transferido desde es.wikipedia a Commons. Artista original: The original uploader was Rafaelji deWikipedia en español

• Archivo:Sandro_Botticelli_-_La_nascita_di_Venere_-_Google_Art_Project_-_edited.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/0b/Sandro_Botticelli_-_La_nascita_di_Venere_-_Google_Art_Project_-_edited.jpg Licencia: Public domainColaboradores: Adjusted levels from File:Sandro Botticelli - La nascita di Venere - Google Art Project.jpg, originally from Google ArtProject. Compression Photoshop level 9. Artista original: Sandro Botticelli

• Archivo:Santa_Maria_Novella.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c3/Santa_Maria_Novella.jpg Licencia:CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: ? Artista original: ?

• Archivo:Simple_reflectance.svg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/3a/Simple_reflectance.svg Licencia: Publicdomain Colaboradores: Trabajo propio Artista original: User:Phidauex

• Archivo:Sintesis_sustractiva_plano.svg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/36/Sintesis_sustractiva_plano.svgLicencia: CC BY-SA 3.0 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Jorgelrm

• Archivo:Spectrum.svg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/cc/Spectrum.svg Licencia: Public domain Colabora-dores: ? Artista original: ?

• Archivo:Stonehenge_Total.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/6b/Stonehenge_Total.jpg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Stefan Kühn Camera: Minolta DiMAGE Z1

• Archivo:SubtractiveColorMixing.png Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/ac/SubtractiveColorMixing.png Li-cencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: ? Artista original: ?

• Archivo:Taj_Mahal_2012.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f5/Taj_Mahal_2012.jpg Licencia: GFDL 1.2Colaboradores: Trabajo propio (Texto original: «self-made») Artista original: Muhammad Mahdi Karim (www.micro2macro.net)Facebook Youtube

• Archivo:Terrakottaarmén.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/32/Terrakottaarm%C3%A9n.jpg Licencia:CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Foto: Tor Svensson on sv.wikipedia

• Archivo:Thomson,_Island_Pagoda.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/db/Thomson%2C_Island_Pagoda.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: ? Artista original: ?

• Archivo:Toccata_et_Fugue_BWV565.ogg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/be/Toccata_et_Fugue_BWV565.ogg Licencia: Public domain Colaboradores: Enregistrement personnel / Personal recording by Ashtar Moïra [the uploader] -Tamburini organ Artista original: Johann Sebastian Bach (disputed), performed by Ashtar Moïra

• Archivo:Tour_eiffel_at_sunrise_from_the_trocadero.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/af/Tour_eiffel_at_sunrise_from_the_trocadero.jpg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: standblog.org Artista original: Tristan Nitot

• Archivo:Turkey-3019_-_Hagia_Sophia_(2216460729).jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/97/Turkey-3019_-_Hagia_Sophia_%282216460729%29.jpg Licencia: CC BY-SA 2.0 Colaboradores: Turkey-3019 - Hagia SophiaArtista original: Dennis Jarvis from Halifax, Canada

• Archivo:Ulysses,_1922.djvu Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/67/Ulysses%2C_1922.djvu Licencia: Publicdomain Colaboradores: Scanned by Erakis from Dover’s 2002 reprint (ISBN 0-486-−42444-8) Artista original: James Joyce

3.3. LICENCIA DE CONTENIDO 87

• Archivo:Ut_queant.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f3/Ut_queant.jpg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colabo-radores: Créé par P-e avec Lilypond Artista original: Pierre-Étienne Nataf P-e at fr.wikipedia

• Archivo:Venus_of_Willendorf_frontview_retouched_2.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/19/Venus_of_Willendorf_frontview_retouched_2.jpg Licencia: CC BY 2.5 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: User:MatthiasKabel

• Archivo:Vostell_klaus_skulptur01_malpartida.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/4c/Vostell_klaus_skulptur01_malpartida.jpg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: Transferido desde de.wikipedia a Commons.; own work Artistaoriginal: Hans Peter Schaefer (Hps-poll at de.wikipedia)

• Archivo:Waste_paint.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c5/Waste_paint.jpg Licencia: Public domain Co-laboradores: Trabajo propio Artista original: GST HBK

• Archivo:Wikibooks-logo.svg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/fa/Wikibooks-logo.svg Licencia: CC BY-SA3.0 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: User:Bastique, User:Ramac et al.

• Archivo:Wiktionary-logo-es.png Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/06/Wiktionary-logo-es.png Licencia: CCBY-SA 3.0 Colaboradores: originally uploaded there by author, self-made by author Artista original: es:Usuario:Pybalo

• Archivo:Wolfgang_Amadeus_Mozart_-_Don_Giovanni_-_Overtüre.ogg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/0a/Wolfgang_Amadeus_Mozart_-_Don_Giovanni_-_Overt%C3%BCre.ogg Licencia: ? Colaboradores: Colorado State University Ar-tista original: Wolfgang Amadeus Mozart

• Archivo:Wrightfallingwater.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/94/Wrightfallingwater.jpg Licencia: CCBY 3.0 Colaboradores: Originally uploaded to Wikipedia, here. Artista original: Sxenko

• Archivo:_Moai_Rano_raraku.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a2/Moai_Rano_raraku.jpg Licencia: Pu-blic domain Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Aurbina

• Archivo: P1011774.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/bf/%E6%98%A5%E6%97%A5%E7%A5%9E%E7%A4%BE%E3%83%BC%E7%AF%A0%E5%B1%B1%E3%83%BC%E7%BF%81%E5%A5%89%E7%B4%8DP1011774.jpg Licencia: CC BY-SA 3.0 Colaboradores: Artista original:

3.3 Licencia de contenido• Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0